Figura de un Guardián

La Figura de un Guardián es una escultura datada aproximadamente en el siglo IV a.C. (período comprendido entre los años 400 a.C. y 301 a.C.), perteneciente al arte chino.

Figura de un Guardián

Fue esculpida durante la Dinastía Zhou Oriental (东周), es decir, durante la segunda mitad de la dinastía Zhou de la antigua China en el período conocido como "período de primavera y otoño" (春秋時代).

Se conoce que fue fabricada en algún taller de la ciudad de Wuhan (武汉), localizada en la provincia de Hubei (湖北省), situada en la zona central de China (中国) (también conocida como República Popular China 中华人民共和国).

Sin embargo fue encontrado en la ciudad de Changsha (长沙市), situada en la provincia de Henan (河南省), en China (中国).

Perteneció a la colección de arte de Mrs T Y King hasta que fue donado en el año 1.950 d.C. al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 76,20 cm, una anchura de 48,50 cm y una profundidad de 30 cm. Está fabricada en madera mediante las técnicas de tallado, incisión, pigmentado y secado.

Figura de un Guardián

Se trata de una escultura que representa la figura de un guardián en posición de pie y se encuentra pigmentada en color rojo.

Está representado con forma de una cabeza-monstruo, con la cara alargada, los ojos apenas marcados, la nariz triangular y una lengua larga que sobresale de los labios y cae hacia delante sobre el largo cuello. 

Además se aprecia como la cabeza se encuentra coronada por astas de ciervo de laca seca. 

También destaca como la escultura se encuentra reposando sobre un pedestal cuadrangular, siendo la parte superior con forma de pirámide truncada (poliedro comprendido entre la base de la pirámide y un plano que corta a todas las aristas laterales).

Los investigadores piensan que originalmente la escultura podría haberse encontrado colocada como guardián en alguna tumba, puesto que en la provincia del sur de Henan (河南省) y en el norte de la provincia de Hubei (湖北省) era tradición poner figuras de madera con rostros monstruosos, lenguas largas y astas como guardianes de las tumbas.

Para finalizar subrayar que la Figura de un Guardián es una de las pocas esculturas de madera pertenecientes al arte chino y fabricadas durante la Dinastía Zhou Oriental (东周) que ha llegado hasta la actualidad.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Sepulcro de los Reyes Católicos

El Sepulcro de los Reyes Católicos es un monumento funerario datado aproximadamente entre los años 1.514 d.C. y 1.517 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Sepulcro de los Reyes Católicos

Se conoce que fue encargado por el aristócrata español I marqués de Mondéjar y II conde de Tendilla, Iñigo López de Mendoza y Quiñones (también conocido como "El Gran Tendilla de la Casa Mendoza").

Al escultor italiano Domenico Fancelli. Cabe destacar que el monumento fue construido en su taller localizado en la ciudad de Génova, localizada en la región de Liguria, al norte de Italia.

Hasta que fue llevado a España dónde se acabaron los detalles finales de la obra. 

El Sepulcro de los Reyes Católicos fue colocado frente al altar y en el crucero de la Capilla Real de Granada.

Fundada por los Reyes Católicos según la Real Cédula del 13 de septiembre del año 1.504 d.C. como panteón de reyes, localizada al lado de la Catedral de Granada, situada en la ciudad de Granada, en la comunidad autónoma de Andalucía (España).

Descripción

Está fabricado en mármol de Carrara, mediante las técnicas de incisión y tallado.

Se trata de un monumento funerario que contiene las tumbas de los Reyes Católicos, la reina de Castilla, reina consorte de Sicilia y Aragón Isabel I de Castilla (también llamada Isabel la Católica) y el rey Aragón, Castilla, Sicilia, Nápoles, Cerdeña y Navarra Fernando II de Aragón (también conocido como Fernando el Católico).

Sepulcro de los Reyes Católicos

El sepulcro tiene forma troncopiramidal (que tiene forma de pirámide truncada) con las figuras yacentes de los reyes sobre dos lechos en la parte superior.

El rey Fernando II de Aragón se encuentra representado ataviado con una armadura completa medio cubierta por un manto, las manos están representadas descansando sobre su espada.

El cabello está peinado en una melena corta con una corona sobre su cabeza. 

Alrededor del cuello lleva una cadena gruesa que tiene un medallón colgante situado encima del pecho, el medallón tiene una representación del patrono de la Corona de Aragón, San Jorge (soldado romano ejecutado en Nicomedia y venerado como mártir). 

Sepulcro de los Reyes Católicos

La reina Isabel I de Castilla está ataviada con un vestido sencillo y una túnica con numerosos pliegues que envuelven su cuerpo, las manos se encuentran representadas cruzadas y apoyadas sobre el vientre.

Además en la cabeza lleva una corona y alrededor del cuello un collar con un medallón que representa al protector del reino de Castilla, el apóstol Santiago de Zebedeo (también conocido como Jacobo de Zebedeo o Santiago el Mayor).

Se puede apreciar como a los pies de los reyes hay dos pequeños leones recostados simbolizando la realeza y la vigilancia.

En los lados de la cama están representado cuatro tondos (adorno circular con una composición que está rehundido en un paramento): El bautismo de Cristo, La Resurrección, San Jorge y el Dragón y Santiago.

Sepulcro de los Reyes Católicos

Aparte los tondos están flanqueados por una sucesión de hornacinas aveneradas con la imagen sedente de los doce apóstoles (colocados en grupos de seis a cada lado).

Se aprecia como en las esquinas superiores, situadas sobre las cornisas que dividen ambos cuerpos están representados las figuras de los cuatro Padres de la Iglesia latina (también conocidos como Santos Padres): 

San Ambrosio de Milán, Agustín de Hipona (también conocido como San Agustín), Eusebio Hierónimo (también llamado San Jerónimo o Jerónimo de Estridón) y Gregorio Magno (también conocido como San Gregorio o Gregorio I).

En la cabecera hay representado dos angelotes (también conocidos como putti) desnudos, rollizos y con una expresión dulce en sus caras que sostienen con sus manos una cartelera con caracteres latinos, la cartelera contiene el siguiente epitafio:

" Fernando de Aragón e Isabel de Castilla, 

marido y esposa unánimes,

llamados los Católicos, 

están encerrados en este túmulo de mármol"

La paredes laterales están divididas en dos zonas: la parte superior ornamentada mediante motivos heráldicos, divisas reales y trofeos militares y la parte inferior decorada con festones de guirnaldas, aparte de representaciones de temas diferentes extraídos de la Bilbia y del bestiario mítico.

Féretros de los Reyes Católicos

Para finalizar subrayar que el Sepulcro de los Reyes Católicos es un cenotafio, es decir, una tumba vacía o un monumento funerario que fue erigido en honor de los Reyes Católicos como una edificación simbólica.

Puesto que los féretros o cajas mortuorias que contienen los restos mortales de los Reyes Católicos se encuentran enterrados en la cripta de bóveda de cañón que hay debajo de la capilla real, junto con otros féretros de miembros de su familia.

Actualmente el Sepulcro de los Reyes Católicos se encuentra en la Capilla Real de Granada, en la ciudad de Granada (España).

Jarro Rubens

El Jarro Rubens es una talla de piedra datada aproximadamente en el siglo IV d.C. (período comprendido entre los años 301 d.C. y 400 d.C.), perteneciente al arte medieval, en concreto al arte bizantino.

Jarro Rubens

Los investigadores piensan que pudo haber si elaborado en los talleres imperiales de Constantinopla, siendo encargado por un emperador bizantino.

Se conoce que durante la Cuarta Cruzada (expedición militar proclamada por el Papa Inocencio III con la finalidad de reconquistar Tierra Santa) y después del Sitio de Constantinopla 

En el año 1.204 d.C. apareció en Francia, dónde pasó a forma parte de la colección de arte de los Duques de Anjou.

Después se encontró en la colección de arte del rey de Francia Carlos V (también conocido como "el Sabio").

En el año 1.619 d.C. el Jarro Rubens fue comprado por el pintor alemán Pedro Pablo Rubens (también conocido como Peter Paul Rubens). 

Después de la muerte de Rubens poco se sabe del Jarro Rubens, tan sólo que perteneció a la colección de arte del cuarto emperador mongol de la India, Nuruddin Salim Jahangir.

Hasta que fue adquirido por el coleccionista y filantrópico estadounidense Henry Walters, pasando a formar parte de la colección de arte del Museo Walters de Arte, localizado en la ciudad de Baltimore, en el estado de Maryland (Estados Unidos de América).

Jarro Rubens

Descripción

Tiene una altura de 18,6 cm, una anchura de 18,5 cm y una profundidad de 12 cm. 

Está fabricado en ágata (conjunto de variedades microcrocristalinas del cuarzo), mediante la técnica de tallado.

Se trata de una talla de piedra que tiene forma de un jarrón ovalado, la superficie se encuentra ornamentada mediante dos representaciones de la cabeza del dios Pan (dios de los pastores y de los rebaños) sonriendo, rodeado por hojas de vid y racimos de uvas.

Dibujo del Jarro Rubens

Cabe destacar que la montura de oro colocada en el borde superior fue un agregado posterior, concretamente fue agregada entre los años 1.809 d.C. y 1.819 d.C. en Francia, puesto que presenta una marca de patrón de oro francés junto con el sello de garantía del departamento francés de Ain.

Para finalizar como curiosidad subrayar que existe un dibujo del Jarro Rubens realizado en el año 1.620 d.C. por el pintor alemán Pedro Pablo Rubens (también conocido como Peter Paul Rubens). 

Tiene una altura de 20,1 cm y una anchura de 14,8 cm. Está elaborado en papel, mediante pluma y pincel. 

Desde el año 1.768 d.C. el dibujo pertenece a la colección de arte del Museo del Hermitage, en la ciudad de San Petersburgo (Rusia).

Actualmente el Jarro Rubens se encuentra en el Museo Walters de Arte, en la ciudad de Baltimore (Estados Unidos de América).

Rinoceronte de Durero

El Rinoceronte de Durero es un grabado xilográfico datado en el año 1.515 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Rinoceronte de Durero

Fue elaborado por el grabador y pintor alemán Alberto Durero (también conocido con el nombre Albrecht Dürer). 

Se conoce que en el año 2.013 d.C. el Rinoceronte de Durero fue subastado por la casa de subastas Christie's de la ciudad de Nueva York.

Siendo comprado por un particular por un precio de 866.000 dólares (641.000 euros) lo que estableció un nuevo récord de subasta para el artista.

Descripción

Tiene una altura de 21,4 cm y una anchura de 29,8 cm.

Se trata de un grabado xilográfico (técnica de impresión con plancha de madera) que representa la figura de un rinoceronte indio, junto con un texto explicativo situado en la parte superior de la composición.

Cabe destacar que el grabado de Durero no es una representación fiel de un rinoceronte, puesto que la obra fue creada a partir dos cartas: una primera carta fue enviada desde la ciudad de Lisboa (Portugal) por el mercader moravo Valentim Fernandes a su amigo de la ciudad de Nuremberg (Alemania), en la misiva se describía al rinoceronte.

Mientras que una segunda carta, también fue enviada desde la ciudad de Lisboa (Portugal) a la ciudad de Nuremberg (Alemania), de ésta segunda misiva se conoce que fue obra de un autor desconocido y que contenía una descripción y un boceto del rinoceronte.

Ambas cartas hacían referencia al rinoceronte que a principios del año 1.514 d.C. fue regalado, en un intercambio de regalos diplomáticos, por el gobernante de la ciudad de la India, el Sultán Muzafar II al fidalgo, militar, almirante, conquistador portugués y segundo virrey de la India portuguesa, Alfonso de Albuquerque.

Alfonso de Albuquerque decidió reenviar el regalo al rey Manuel I de Portugal (también conocido como "el Afortunado"), por lo que el 20 de mayo del año 1.515 d.C. el rinoceronte indio llegó a la ciudad de Lisboa (Portugal), dónde causo sensación al ser el primer rinoceronte vivo que se veía en Europa desde la época del Imperio romano.

Es conocido que Alberto Durero nunca vio al rinoceronte y realizó a partir de los bocetos y descripciones de las cartas dos dibujos a tinta, siendo del segundo dibujo del que realizó un grabado.

El rinoceronte está representado como un animal con placas duras que cubren su cuerpo, a la altura de la garganta lleva una especie de gorjal (coraza de pecho de aspecto sólido y con remaches en las juntas).

También se observa como tiene en la grupa un pequeño cuerno, las piernas han sido representadas escamadas y los cuartos traseros tienen forma de sierra.

En la parte superior se pueden apreciar un texto compuesto por un total de cinco líneas escritas en alemán, además debajo del texto en el lado superior izquierdo aparece la fecha, el título de la obra y la firma del autor.

El texto escrito en alemán es el siguiente:

" Nach Christus gepurt. 1513. Jar. Adi. j. May. Hat man dem großmechtigen Kunig von Portugall Emanuell gen Lysabona pracht auß India / ein sollich lebendig Thier. 

Das nennen sie Rhinocerus. Das ist hye mit aller seiner gestalt Abcondertfet. Es hat ein farb wie ein gespreckelte Schildtkrot. Vnd ist von dicken Schalen vberlegt fast fest. Vnd ist in der groeß als der Helfandt Aber nydertrechtiger von paynen / vnd fast werhafftig. Es hat ein scharff starck Horn vorn auff der nasen / Das begyndt es albeg zu wetzen wo es bey staynen ist. 

Das dosig Thier ist des Helffantz todt feyndt. Der Helffandt furcht es fast vbel / dann wo es Jn ankumbt / so laufft Jm das Thier mit dem kopff zwischen dye fordern payn / vnd reyst den Helffandt vnden am pauch auff vnd er wuorgt Jn / des mag er sich nit erwern. 

Dann das Thier ist also gewapent / das Jm der Helffandt nichts kan thuon. Sie sagen auch das der Rhynocerus Schmell / Fraydig vnd Listig fey"

Su traducción aproximada es la siguiente:

" Elaborado según Cristo en mayo del año 1.513. El poderoso rey de Portugal, Manuel, trajo vivo desde la India a Portugal a éste animal llamado rinoceronte.

Esta es una representación fiel. Tiene el color de una tortuga moteada y está casi completamente cubierto de gruesas escamas. Es del tamaño de un elefante, pero tiene las partas más cortas y es casi invulnerable. Tiene un poderoso y puntiagudo cuerno en la punta de su nariz, que afila en las rocas.

Es el enemigo mortal del elegante. El elefante se asusta del rinoceronte, pues cuando se encuentran el rinoceronte carga con la cabeza entre sus patas delanteras y desgarra el estómago del elefante, contra lo que el elefante es incapaz de defenderse.

El rinoceronte está tan bien acorazado que el elefante no puede herirle. Se dice que el rinoceronte es rápido, impetuoso y astuto"

En cuanto a la composición resaltar las diferentes gamas de sombreado y de texturas que aportan a toda la xilografía formas tridimensionales.

Se aprecia sobretodo como hay una textura escamada sobre el cuerpo del animal, los investigadores piensan que podría representar el áspero y lampiño cuero que tienen los rinocerontes indios.

Para finalizar subrayar que el Rinoceronte de Durero fue considerado hasta finales del siglo XVIII d.C. (período comprendido entre los años 1.701 d.C. y 1.800 d.C.) como una representación fiel de un rinoceronte.

A pesar de sus errores la imagen continuó sirviendo de modelo para numerosos artistas. Se incluyeron imágenes derivadas del grabado en numerosos textos naturalistas. 

Además se realizaron diversas esculturas siendo una de las obras más reconocidas, la escultura del Rinoceronte Vestido con Puntillas que fue creada en el año 1.956 d.C. por el pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor español Salvador Dalí.

Actualmente el Rinoceronte de Durero pertenece a un coleccionista privado.

Cruz de los Ángeles

La Cruz de los Ángeles es una cruz-relicario datada aproximadamente en el siglo IX d.C. (período comprendido entre los años 801 d.C. y 900 d.C.), perteneciente al arte medieval.

Cruz de los Ángeles

En concreto se encuentra englobada dentro del arte prerrománico y dentro de éste pertenece al arte asturiano.

Gracias a una inscripción situada en el reverso de la cruz se conoce que en el año 808 d.C. fue donada por el rey Alfonso II de Asturias (también conocido como "Alfonso II el Casto").

A la Santa Iglesia Basílica Catedral Metropolitana de San Salvador de Oviedo (también conocida como Catedral de Oviedo).

En octubre del año 1.934 d.C. durante la Revolución de Asturias fue dinamitada la Cámara Santa de la Catedral de Oviedo y la Cruz de los Ángeles, junto con el resto de reliquias, sufrió grandes desperfectos.

En el año 1.942 d.C. la cruz fue restaurada y devuelta a la catedral, sin embargo en el año 1.977 d.C. la Cruz de los Ángeles fue robada y posteriormente recuperada.

Aunque tuvo que volver a ser en el año 1.977 d.C. restaurada por la Comisión para la restauración de las Joyas Históricas de la Cámara Santa de la Catedral de Oviedo.

Hasta que el 14 de septiembre del año 1.985 d.C. la Cruz de los Ángeles fue entregada a la Catedral de Oviedo, siendo expuesta desde entonces en la Cámara Santa de Oviedo (España).

Descripción

Tiene una altura de 46,5 cm, una anchura de 45,7 cm, un grosor de 2,5 cm, el diámetro del disco central es de 8,5 cm y el peso total es de 1.765 g.

Se trata de una cruz-relicario con forma de cruz patada (también llamada cruz paté), es decir, una cruz cuyos brazos se estrechan en el centro y se ensanchan en los extremos. 

Cruz de los Ángeles

Presenta casi la misma longitud en los cuatro brazos, además todos ellos parten del centro de la cruz donde hay un disco central.

Los brazos se encuentran formados por dos piezas de madera de cerezo que fueron unidas en el centro de la cruz por medio de un disco central.

Además toda la pieza se encuentra forrada por una lámina de oro sujeta a la madera mediante pequeños clavos de oro.

Se puede observar como en cada uno de los brazos de la cruz hay una pequeña caja insertada, con tapa corredera, que eran destinadas a guardar reliquias.

También se aprecia como el anverso se encuentra ornamentado por un total de cuarenta y ocho piedras con forma de cabujón, siendo cinco piedras cinco camafeos reutilizados que datan de la época romana. Aparte está decorado con filigrana que incrusta pedrería policroma (piedras semipreciosas, granates y ágatas).

Los cinco camafeos romanos incrustados en la cruz tienen representados a:

- La figura de una joven campesina romana.

- La figura de la diosa Atenea (diosa de la guerra, de la sabiduría, de las ciencias, la estrategia de combate, de la justicia y la habilidad).

- Un ser mitológico que presenta la cabeza de una cabra y el cuerpo de una serpiente.

- La figura del héroe troyano Eenas escapando de la ciudad de Troya (antigua ciudad de Anatolia).

- En el reverso del disco central hay un camafeo de ágata rodeado por un círculo con pelas y pedrería. Cabe destacar que el camafeo original romano fue sustituido durante la restauración llevada a cabo en el año 1.977 d.C., puesto que el original fue robado.

Cruz de los Ángeles

El reverso de la cruz también se encuentra recubierto con una lámina lisa de oro.

Además en los extremos de los cuatro brazos hay una gema rodeada por dos círculos compuestos por pequeñas piedras preciosas.

También en cada uno de los brazos hay inscrita una inscripción, las inscripciones han sido realizadas mediante letras de oro soldadas.

Las inscripciones son las siguientes:

- Brazo superior: 

"SVSCEPTVM PLACIDE MANEAT HOC 

IN HONORE DI OFFERT ADEFONSVS HVMILIS SERVVS XPI"

- Brazo derecho:

"NISI LIBENS VBI VOLVNTAS DEDERIT MEA HOC 

OPVS PERFECTVM EST IN ERA DCCCXLVI"

- Brazo izquierdo:

"QVISQVIS AVFERRE PRAESVNSERIT MIHI FVLMINE DIVINO INTEREAT IPSE"

- Brazo inferior:

"HOC SIGNO TVETVR RIPVS HOC SIGNO VINCITVR INIMICVS"

La traducción aproximada de las inscripciones es la siguiente:

"Permanezca en honor de Dios

Alfonso, humilde siervo de dios, lo ofrenda.

Cualquiera que presumiere llevarme fuera 

de donde mi buena voluntad la dedicó,

perezca fulminado con el rayo divino.

Esta obra se concluyó en la era 846 (año 808 d.C.).

Con este signo es protegido el piadoso.

Con este signo es vencido el enemigo"

Cruz de los Ángeles

Cabe destacar que la imagen de la Cruz de los Ángeles se puede observar en el Escudo de Oviedo (símbolo representativo del municipio de Oviedo).

Además también se encuentra en los escudos y banderas del: concejo de Langreo, concejo de Quirós, concejo de Boal y concejo de San Martín del Rey Aurelio.

Para finalizar como curiosidad resaltar que según la leyenda escrita por el clérigo e intelectual leonés Lucas de Tuy (también conocido como el Tudense).

El rey de Asturias Alfonso II el Casto quería donar a la Iglesia de San Salvador de Oviedo (Asturias) una cruz elaborada en oro y piedras preciosas.

Un día después de haber ido a misa y vuelto a su palacio se le aparecieron dos ángeles en forma de peregrinos, diciendo al rey que eran orfebres.

El rey les proporcionó una casa para que trabajaran así como oro y piedras preciosas. Sin embargo el rey quiso averiguar quienes eran los peregrinos a los que había entregado su oro y piedras preciosas, para ello envió a personas con el fin de que verificasen el trabajo de los orfebres.

Sin embargo las personas cuando se acercaban a la casa tan sólo podían apreciar un gran resplandor que no dejaba ver lo que ocurría en su interior, después de informar al rey fue él mismo a verificarlo encontrándose la casa vacía, solamente en su interior había una cruz que brillaba.

El rey de Asturias Alfonso II el Casto cogió la cruz y la llevó a la Iglesia de San Salvador de Oviedo, dónde fue depositada en el altar mayor. Cabe enfatizar que gracias a ésta leyenda la Cruz es conocida como la Cruz de los Ángeles.

Actualmente se encuentra en la Cámara Santa de la Catedral de Oviedo, en España.

Copa Atribuida a Macrón

La Copa Atribuida a Macrón es un vaso datado aproximadamente entre los años 480 a.C. y 470 a.C., perteneciente al arte griego.

Copa Atribuida a Macrón

Los investigadores piensan que pudo haber sido elaborado por el alfarero ático Hierón en colaboración con el ceramógrafo ateniense Macrón.

Se conoce que la Copa Atribuida a Macrón pertenecía a la colección de arte Campana, propiedad del aristócrata italiano, marqués de Cavelli, Giovanni Pietro Campana (también conocido como Giampietro Campana).

En el año 1.862 d.C. parte de la "Colección Campana" fue adquirida por el Estado Frances, incluida la Copa Atribuida a Macrón. 

Siendo en el año 1.863 d.C. depositada en el Museo Arqueológico de Toulouse (también conocido como Musée Saint-Raymond), localizado en la comuna de Toulouse, situada en la región de Occitanie, en Francia.

Cabe destacar que según el decreto del 4 de febrero del año 2004 d.C. la propiedad estatal de la Copa Atribuida a Macrón pasó a ser transferida al Museo Arqueológico de Toulouse.

Descripción

Tiene una altura de 9,4 cm, una anchura de 34,8 cm y un diámetro de 28,6 cm. Está fabricada en terracota policromada, mediante la técnica de cerámica de figuras rojas.

Se trata de un vaso que presenta un cuenco ancho y poco profundo, dos asas y además está decorado con representaciones figurativas realizadas en color rojo sobre un fondo negro.

En el interior del cuenco del vaso hay un medallón que tiene representada una escena de seducción pederástica, es decir, era una relación entre un joven adolescente conocido como erómeno (amado) y un hombre adulto que no pertenecía a su familia próxima conocido por el nombre de erastés (amante).

Cabe resaltar que en la Antigua Grecia ésta tradición era aristocrática educativa y de formación moral, aparte de estar considerada un elemento esencial dentro de la cultura griega.

Ambos personajes se encuentran representados de pie, el que está situado a la derecha (erastés) aparece abriendo el himation en señal de seducción, mientras que la figura situada a la izquierda (erómeno) se encuentra representada en un tamaño menor y envuelto en su himatión.

Toda la escena está representada dentro de un borde ornamentado mediante un patrón geométrico conocido como greca (adorno compuesto por líneas geométricas que se interseccionan formando ángulos rectos).

La parte exterior del cuenco está decorada con una procesión ritual festiva realizada en la Antigua Grecia y conocida con el nombre de "como o komo".

Copa Atribuida a Macrón

Aparecen representados diez hombres uno detrás de otro, colocados como en una procesión, que están participando en un simposio (banquete).

Se puede observar como todos ellos están ataviados con un himatión abierto que permite apreciar su anatomía.

También llevan en sus manos una copa, esquifo o kéras que era utilizado como un vaso que contenía vino.

En la cabeza llevan una tira o banda representando los efectos del fuego dionisíaco (los dolores de cabeza que eran debidos al exceso de consumir vino).

Los hombres están guiados por un hombre mayor conocido como "comasta" y un tañedor de aulós (instrumento musical de viento).

Con respecto a la funcionalidad la Copa Atribuida a Macrón pudo haber sido utilizada en la segunda parte de los simposios (banquetes) por los invitados cuando compartían el vino.

Para finalizar subrayar que gracias a la restauración llevada a cabo en el año 1.992 d.C. se pudo devolver el vaso a su estado original, además de determinar que anteriormente fue restaurado con piezas que no correspondían al original.

Por lo que un fragmento extraído de la Copa Atribuida a Macrón pudo ser restaurado en su copa original que se encuentra dentro de la colecciones de arte de Museo del Louvre de París (Francia).

Así como un fragmento original de la Copa Atribuida a Macrón pudo ser encontrado dentro de la colección de arte del Museo del Louvre, siendo devuelto ensamblado y restaurado en el vaso original.

Sin embargo aunque se ha realizado una restauración completa, los investigadores no han podido explicar las diferentes alteraciones del barniz negro, ni tampoco la presencia del rastro de color rojo oscuro que se encuentra situado en interior del cuenco, en el medallón central.

Actualmente se encuentra en el Museo Arqueológico de Toulouse (también conocido como Musée Saint-Raymond), en Francia.

Cabeza de Luzira

La Cabeza de Luzira, también conocida como Cabeza de Mpanga, es una escultura datada aproximadamente en el año 1.000 d.C., perteneciente al arte africano.

Cabeza de Luzira

Fue hallada entre los años 1.929 d.C. y 1.930 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas por el geólogo británico E. J. Wayland.

En un recinto carcelario en el sitio de Luzira, localizado en los suburbios de la ciudad de Kampala, en Uganda.

Cabe destacar que los investigadores piensan que antiguamente ésta localización pudo haber sido un antiguo santuario de Buganda (el reino de los 52 clanes del pueblo Baganda).

En el año 1.931 d.C. la Cabeza de Luzira fue donada al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 17 cm, una anchura de 15 cm y una profundidad de 15 cm. Está fabricada en terracota.

Cabeza de Luzira

Se trata de una escultura hueca que representa una cabeza femenina, la cabeza tiene unos ojos y una boca con forma muy estrechas y protuberantes. 

Además la nariz se encuentra representada diminuta en comparación con el tamaño de la cabeza.

En la frente se pueden apreciar un total de tres cicatrices horizontales y el mentón está representado redondeado y pronunciado.

El cabello está enmarañado y le cae a ambos lados de la cabeza enmarcando el rostro.

Cabe destacar que la parte inferior de la escultura también fue hallada durante las excavaciones arqueólogicas, la parte inferior presenta forma de trípode y al igual que la cabeza es hueca y está fabricada en terracota.

Para finalizar subrayar que la Cabeza de Luzira está considerada como una de las esculturas subsaharianas más antiguas que han sido descubiertas en África.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Modelo de Ganado en Arcilla de El-Amra

El Modelo de Ganado en Arcilla de El-Amra es un modelo datado aproximadamente entre los años 4.400 a.C. y 3.500 a.C., perteneciente al arte egipcio.

Modelo de Ganado en Arcilla de El-Amra

Cabe destacar que fue elaborado durante el período predinástico de Egipto, conocido como período Naqada I o Nagada I.

Fue hallado en el año 1.901 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas en las tumbas de El-Amra.

Localizadas aproximadamente a 120 km al sur de Badari, en el Alto Egipcio.

Después de su descubrimiento en el mismo año (1.901 d.C.) el Modelo de Ganado en Arcilla de El-Amra fue donado por el Fondo de Exploración de Egipto al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Modelo de Ganado en Arcilla de El-Amra

Descripción

Tiene una altura de 10,70 cm, una anchura de 29,70 cm, una profundidad de 20,50 cm y un peso de 2,04 kg. Está fabricado en arcilla cocida.

Se trata de un modelo de arcilla que representa cuatro toros en fila y todos ellos se encuentran representadas mirando en la misma dirección.

Modelo de Ganado en Arcilla de El-Amra

Cabe resaltar que el modelo fue elaborado con arcilla de cocción baja, que se ha mantenido de color gris mate y es friable (que se desmenuza fácilmente).

Se puede observar como falta la cabeza de un toro y otros dos carecen de un cuerno, aparte también falta la mayor parte de un cuerno en una tercera figura.

Las patas de los cuatro animales han sido simplificadas como soportes únicos, tanto en la parte delantera como trasera, por lo tanto no se distinguen las patas derechas e izquierdas.

En la superficie se han hallado rastros de tejido de lino, posiblemente del paño o trapo en el que fue envuelto antes de enterrarlo.

Modelo de Ganado en Arcilla de El-Amra

Además la superficie tiene restos de policromía blanca y negra.

También destacar que durante los trabajos de restauración se repararon varias piezas a partir de una pequeña colección de fragmentos sueltos no incorporados que fueron encontrados en el misma tumba.

Con respecto a la funcionalidad, los investigadores piensan que pudo tener la función simbólica de ser una fuente de comida disponible para el difunto en la otra vida.

Para finalizar subrayar que en el año 2.010 d.C. el Modelo de Ganado en Arcilla de El-Amra fue incluido como el octavo objeto en la serie "Una historia del mundo en cien objetos" (A History of the World in 100 Objects).

Un proyecto de emisiones radiofónicas realizado por la BBC Radio 4 y el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña) que consiste en una serie de cien emisiones presentadas por el director del Museo Británico Neil MacGregor.

En la que cada presentación tiene una duración de quince minutos y se habla sobre un objeto (arte antiguo, armas, productos industriales y tecnología) que se encuentra incluido dentro de la colección de arte del Museo Británico.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Idalion Bilingual

El Idalion Bilingual es un monumento datado aproximadamente entre los años 388 a.C. y 387 a.C., perteneciente al arte fenicio.

Idalion Bilingual

Fue hallado en el año 1.869 d.C. por el financiero, diplomático y coleccionista de antigüedades escocés Sir Robert Hamilton Lang.

Durante las excavaciones arqueológicas realizadas en el interior del Santuario de Apolo.

Situado en la antigua ciudad de Idalion (también conocida como Idalium).

En la actualidad esta localización se corresponde con el pueblo de Dali, localizado en el distrito de Nicosia, en Chipre.

En el año 1.872 d.C. el Idalion Bilingual pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Británico de Londres (Gran Bretaña).

Descripción

Tiene una altura de 27 cm, una anchura de 40,50 cm, una profundidad de 22 cm y un peso de 64 kg. Está fabricado en mármol, mediante la técnica de tallado.

Se trata de un monumento que presenta la base con forma rectangular y tiene una inscripción bilingüe en fenicio (alfabeto fenicio) y griego chipriota (escritura cipro-silábica).

Tanto la anchura, como la profundidad de la piedra se conservan, pero la superficie frontal superior se encuentra dañada.

Idalion Bilingual

Se pueden apreciar como tanto en la parte superior derecha como en la parte superior izquierda y a lo largo del lado izquierdo están muy deteriorados. 

Aparte se observa como parte de las inscripciones se han perdido.

La inscripción fenicia consta de tres líneas, se encuentra escrita de derecha a izquierda, es decir, siniestrógrado (cuando la escritura está orientada de derecha a izquierda), pero se observa como el texto se encuentra incompleto en ambos lados.

Además el texto en escritura cipro-silábica tiene cuatro líneas, también sinistrógradas, de las cuales el comienzo de las tres primeras líneas también está incompleto. Sin embargo se conserva íntegramente en el lado derecho.

Una traducción aproximada de la inscripción en idioma fenicio es la siguiente:

"Dedicación a Reshef Mikal por el príncipe fenicio Baalrom, hijo de Abdimilk,

en el cuarto año del reinado de Milkyaton, rey de Kition e Idalion"

Mientras que una traducción aproximada de la inscripción en silábico chipriota es la siguiente:

"Dedicación a Apolo Amyklos por el príncipe fenicio Baalrom, hijo de Abdimilk, 

en el cuarto año del reinado de Milkyaton, rey de Kition e Idalion"

Idalion Bilingual

Cabe destacar que en el año 1.871 d.C. el asiriólogo inglés George Smith realizó una serie de investigaciones en la que determino que gracias a la inscripción bilingüe en chipriota y fenicio, se pudo determinar el desciframiento del alfabeto chipriota.

Así mismo la inscripción bilingüe prueba que ambos alfabetos (fenicio y chipriota) tuvieron una coexistencia en el mismo período de tiempo.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que el Idalion Bilingual pudo haber sido una piedra pedestal para una estatua, puesto que en la parte posterior izquierda de la superficie superior hay un profundo canal ovalado.

Además resaltar que la parte posterior se encuentra toscamente cincelada, de forma que se cree que originalmente el monumento no estaba destinado a ser visto por todos lados y probablemente fue colocado contra una pared.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Kuros de Aristódikos

El Kuros de Aristódikos es una escultura datada aproximadamente entre los años 500 a.C. y 490 a.C., perteneciente al arte griego.

Kuros de Aristódikos

Cabe destacar que los investigadores piensan que pudo haber sido esculpida por algún artista de los talleres de Ática.

Fue hallada en el año 1.944 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas en la zona de Mesogea, localizada en la antigua región interna de la prefectura de Ática, en Grecia.

Descripción

Tiene una altura de 1,95 cm. Está fabricado en mármol de Paros, mediante las técnicas de incisión y tallado.

Se trata de una escultura de tipo kuros que representa un hombre joven desnudo y en posición de pie.

Cabe destacar que el cuerpo se encuentra representado de una forma más natural, con una representación más realista de los detalles anatómicos.

Destaca como el cabello rizado no se encuentra estilizado, los brazos se alejan de los flancos, mientras que tendones, huesos, rodillas y espinillas han sido representadas de forma más realista.

También se aprecia como la pierna y pie izquierdos están representados ligeramente adelantados, como si caminase hacia delante.

Sin embargo, a pesar de las formas y los detalles naturalistas, la figura todavía está representada en una pose más rígida y frontal.

Para finalizar subrayar que el Kuros de Aristódikos está considerado como una escultura que marca la transición del período Arcaico al período Clásico de la escultura griega.

Puesto que los escultores se estaban alejando de la escala sobrehumana y la forma lineal abstracta, para crear una figura de aspecto más natural y realista.

Actualmente se encuentra en el Museo Arqueológico Nacional de Atenas, en Grecia.

Estatua de la Reina Ahmose-Meritamun

La Estatua de la Reina Ahmose-Meritamun, también conocida como Estatua de Ahmose-Meritamon, es una escultura datada aproximadamente entre los años 1.500 a.C. y 1.450 a.C., perteneciente al arte egipcio.

Estatua de la Reina Ahmose-Meritamun

En concreto fue esculpida durante la XVIII dinastía de Egipto (período comprendido entre los años 1.550 a.C. y 1.295 a.C.).

Fue hallada en el año 1.817 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas por el explorador, ingeniero y viajero italiano Giovanni Battista Belzoni.

En el área denominada "octava torre", en el eje sur del Templo de Amón-Ra en Karnak.

Situado en la ribera oriental del río Nilo, localizado en la antigua zona de la ciudad de Tebas (Egipto).

En el año 1.823 d.C. la escultura fue adquirida por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Estatua de la Reina
Ahmose-Meritamun

Descripción

Tiene una altura 113 cm. Está fabricada en piedra caliza, mediante las técnicas de incisión y tallado.

Se trata de una escultura que representa la figura de Ahmose-Meritamon, la hermana y Gran Esposa Real del faraón Amenofis I (también conocido como Dyeserkara Amenhotep o Amenhotep I). 

En el rostro destacan los ojos almendrados, la nariz recta, los labios carnosos curvados en una pequeña sonrisa, las orejas y el mentón redondeado.

Estatua de la Reina
Ahmose-Meritamun

Se puede apreciar como alrededor del cuello ancho tiene un collar compuesto por cinco filas de cuentas.

Aunque los rasgos de la escultura han perdido su nitidez como resultado de la erosión de la piedra.

Además en la cabeza lleva una peluca tripartita que presenta en los extremos de los dos mechones forma de dos caracoles que le caen sobre el pecho.

Cabe destacar que éste tipo de pelucas eran conocidas como pelucas de caracol o pelucas Hathoricas (en honor a la dios Hathor).

También se observa como la peluca está sujeta  a la cabeza mediante una cinta o banda situada encima de la frente que lleva en el centro la figura de una cobra erguida, conocida como el nombre de "ureo".

Para finalizar subrayar que la Estatua de la Reina Ahmose-Meritamun fue hallada en dos piezas divididas a la altura de la cintura. 

La parte superior el busto es la que se encuentra en Museo Británico, mientras que la parte inferior de las estatua se encontró cerca de una estatua de Amenhotep I y representa a una reina sentada que se une al busto de Londres.

Por lo tanto la escultura completa mostraría a una mujer ataviada con una túnica larga, con las manos apoyadas sobre las rodillas y con inscripciones jeroglíficas situadas en la base.

Actualmente la Estatua de la Reina Ahmose-Meritamun se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Estela de Luna

La Estela de Luna es una estela datada aproximadamente entre los años 1.250 a.C. y 750 a.C., perteneciente al arte prehistórico.

Estela de Luna

En concreto fue elaborada durante la Edad de Bronce (período de la prehistoria en el que se desarrolló la metalurgia del bronce).

Cabe destacar que el año del hallazgo es desconocido, pero se conoce que fue encontrada de manera casual en los años setenta en La Tiña del Royo (también conocida como La Tiñica de Royo).

Localizada en el municipio de Luna, situado al noroeste de la provincia de Zaragoza, en la comunidad autónoma de Aragón (España).

También se conoce que después de su descubrimiento pasó a formar parte de la colección de arte del Museo de Zaragoza, en la ciudad de Zaragoza, dentro de la comunidad autónoma de Aragón (España).

Descripción

Tiene una altura de 130 cm, una anchura de 46 cm y una profundidad de 13 cm. Está fabricada en piedra arenisca, mediante las técnicas de incisión y tallado.

Estela de Luna

Se trata de una estela funeraria antropomorfa a la que le falta la cabeza a la altura de los hombros.

Una de las caras se encuentra ornamentada mediante dos grabados, uno situado en la parte central y el otro situado en la parte inferior de la estela.

En la parte superior central hay representado un escudo con escotadura en forma de "V", también tiene círculos concéntricos y una decoración en la banda exterior compuesta por motivos en zigzag.

En la parte inferior hay grabada una lira de nueve cuerdas con una caja de resonancia semicircular y ornamentada con líneas en zigzag.

Con respecto al estado de conservación destacar que en general es bueno, tan solo se puede observar como los bordes se encuentran desgastados y erosionados, aparte también hay una gran incisión situada en el centro de la estela. 

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que originalmente la Estela de Luna se encontraba situada sobre la tumba de un guerrero de élite, puesto que los símbolos grabados en la estela representan un estatus social elevado.

Actualmente se encuentra en el Museo de Zaragoza, en la ciudad de Zaragoza (España).

Señor de Ozuluama

El Señor de Ozuluama es una escultura datada aproximadamente entre los años 1.200 d.C. y 1.521 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte huasteca.

Señor de Ozuluama

Cabe destacar que el año del hallazgo es desconocido, pero se sabe que fue encontrado durante las excavaciones arqueológicas realizadas en el municipio de Ozuluama de Mascareñas.

Señor de Ozuluama

Localizado en el estado de Veracruz de Ignacio de la Llave (también conocido como Veracruz).

En México (llamado oficialmente Estados Unidos Mexicanos).

Descripción

Tiene una altura de 166 cm, una anchura de 55 cm y una longitud de 18 cm. 

Está fabricado en piedra arenisca, mediante la técnica de tallado.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa un porta-estandarte.

Señor de Ozuluama

Está representado un personaje que se encuentra siendo devorado por un monstruo con forma de batracio (animal vertebrado anfibio que pasa la primera parte de su vida en el agua y la edad adulta en la superficie terrestre).

Señor de Ozuluama

Los investigadores piensan que el monstruo podría representar un sapo, considerado por los huastecas símbolo de la tierra que devora los cadáveres.

En el rostro redondeado destacan los ojos pequeños almendrados, la nariz mutilada y los labios gruesos.

Aparte tiene grandes orejeras colgantes con forma geométrica en las orejas.

El brazo derecho se encuentra flexionado con la mano derecha apoyada en el pecho, mientras que el brazo izquierdo está estirado pegado al cuerpo.

Se encuentra ataviado con un faldellín decorado con cuadrados y anudado a la cintura, también lleva un pectoral ornamentado con formas geométricas compuestas por: círculos, medias lunas y líneas.

Lo que más llama la atención es que a la altura del pecho hay un hueco circular dónde originalmente podría haber estado colocado una piedra verde.

Señor de Ozuluama (detalle)

Cabe destacar que según la cultura huasteca la piedra verde se llevaba al inframundo para así entregarla en el lugar del corazón al señor de los muertos. 

Por lo tanto los investigadores piensan que la persona representada podría haber sido un difunto.

Además en la parte posterior hay representada una figura de un sacrificador con el corazón al descubierto.

Resalta como aparece representado con las manos y los pies en forma de garra.

Toda la escultura descansa sobre un pedestal rectangular elaborado en la misma piedra arenisca que el resto de la estatua.

Para finalizar subrayar que el Señor de Ozuluama está considerado una de las muestras de labrado en piedra dentro del arte huasteca más importantes que ha llegado hasta la actualidad.

Actualmente se encuentra en el Museo de Antropología de Xalapa, en México.

Torre de San Martín

La Torre de San Martín es una edificación datada aproximadamente entre los años 1.315 d.C. y 1.316 d.C., perteneciente al arte medieval, en concreto al arte islámico.

Torre de San Martín

Dentro de éste se encuentra englobado dentro del arte hispanomusulmán y concretamente pertenece al arte mudéjar.

Cabe destacar que el nombre del arquitecto es desconocido, pero se sabe que fue edificada en la plaza de Pérez Prado, frente a la calle de los Amantes. 

Localizada en la ciudad de Teruel, situada en la comunidad autónoma de Aragón, en España.

Torre de San Martín

Descripción

Se trata de una edificación con forma de torre-puerta de planta cuadrada y una pequeña deformación romboidal.

En la base hay una bóveda ojival por la que es posible cruzar la torre.

Además tres de sus laterales son visibles y el cuarto lateral se encuentra adosado a la Iglesia de San Martín, construida durante el período barroco.

Las fachadas exteriores se asemejan a la estructura de un alminar o minarete almohade compuesto por dos torres con forma cuadrada y concéntricas entre las cuales hay una escalera.

Torre de San Martín

Aparte se aprecia como la torre interior presenta tres pisos superpuestos cubiertos mediante una bóveda de crucería.

Así mismo se puede observar como en la parte inferior hasta la altura de la clave del arco e incluidas las albanegas no presenta ningún tipo de ornamentación.

Pero en los dos cuerpos superiores de la torre hay una ornamentación compuesta por ladrillo resaltado y cerámica vidriada.

Torre de San Martín

El primer ornamento está compuesto por una banda de esquinillas que están alternadas con pequeños tubos de cerámica vidriada de una altura de 20 cm. 

Aunque en el lado colindante con la Iglesia de San Martín hay esquinillas colocadas en dientes de sierra (sin ornamentación de cerámica vidriada).

A continuación hay una banda con un relleno de once arquillos mixtilíneos entrecruzados que se apean en pequeñas columnas de cerámica verde entre las que se intercalan un total de cuatro anillos blancos.

Los arcos están alternados entre: ramas curvas y otras ramas de ángulo recto que se prolongan hasta iniciar una trama de sebqa (red de lacería con forma de ladrillos formando rombos y barquillos rectilíneos).

Se puede observar como la trama de sebqa está decorada con un plato o disco cerámico de color verde. Además se aprecia como en los arcos hay los siguientes elementos ornamentales cerámicos:

Desde la parte inferior a la superior hay un elemento con forma cuadrada compuesto por un total de dieciséis pequeños cuadrados de color blanco y verde.

Torre de San Martín

Después hay tres discos verdes entre los cuales se intercalan dos pequeñas composiciones compuesta de cuatro pequeños azulejos: dos de color verde dispuestos en horizontal y dos de color blanco dispuestos en vertical.

También en la parte superior hay una banda de esquinillas en forma de dientes de sierra que se encuentran enmarcadas mediante una cenefa de azulejos colocados en espina alternados con colores verdes y blancos.

Es conocido que la Torre de San Martín fue reformada durante los años 1.549 d.C y 1.551 d.C. por el arquitecto, ingeniero y escultor francés Quinto Pierres Vedel (también conocido como Quinto Pierres Bedel). 

Torre de San Martín

La reconstrucción consistió en reforzar los cimientos que se encontraban muy erosionados a causa de la humedad. 

Para ello se reforzaron las esquinas creando un contrafuerte en talud que aumentó el saliente y la base de apoyo.

En el año 1.926 d.C. fue el arquitecto español Ricardo García Guerrera quién publicó un estudio criticando la primera reconstrucción desde un punto de vista estético y debido a la ejecución técnica utilizadas.

Aparte resaltar que entre los años 2.002 d.C. y 2.007 d.C. se ha llevado a cabo la última reconstrucción de la Torre de San Martín.

Para finalizar subrayar que en el año 1.986 d.C. la Torre de San Martín fue catalogada por la Unesco como Patrimonio de la Humanidad dentro de la categoría de arquitectura mudéjar de Aragón.

Además en el año 1.911 d.C. fue declarada Monumento histórico artístico de España.

Madonna de las Nubes (Donatello)

La Madonna de las Nubes, también conocida como Madonna de la Humildad, es un relieve datado aproximadamente entre los años 1.420 d.C. y 1.430 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Madonna de las Nubes

Fue esculpido por el artista y escultor italiano Donato di Betto Bardi (también conocido como Donatello).

Se conoce en el año 1.902 d.C. el relieve fue adquirido en la ciudad de Roma por el inversionista y magnate de los negocios estadounidense Quincy Adams Shaw.

Pasando a forma parte de su colección de arte privada, hasta que el 29 de marzo del año 1.917 d.C. la Madonna de las Nubes fue donada por Pauline Agassiz Shaw y Quincy Adams Shaw Jr. (esposa e hijo).

Al Museo de Bellas Artes de Boston, localizado en la ciudad de Boston, en el estado de Massachusetts (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene una altura de 33,1 cm y una anchura de 32 cm. Está fabricado en mármol, mediante la técnica de tallado.

Se trata de un bajorrelieve con forma rectangular que tiene representada una escena de la Virgen María y el Niño Jesús. Se observa como la Virgen se encuentra representada sentada en el suelo, está ataviada con una túnica con amplios pliegues y los pies descalzos.

Con la mano derecha agarra su túnica, mientras que con la mano izquierda sostiene al Niño Jesús que se encuentra representado en su regazo apoyando la mano derecha en el pecho de su madre.

Destaca como la expresión de la Virgen es seria y expresiva. Además se aprecia como el rostro está esculpido con un relieve más pronunciado que genera una sombra de contorno que hace que la figura de la Virgen destaque con respecto al resto de elementos de la composición.

Aparte cabe resaltar que la Virgen se encuentra representada sentada entre las nubes simbolizando su estatus de reina del cielo.

Además alrededor de la Virgen María y del Niño Jesús hay representados un total de siete ángeles con las alas estiradas, pero aunque se encuentran representados en diversas posiciones y con expresiones diferentes se puede observar como están representado en una calidad inferior.  

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que originalmente la Madonna de las Nubes podría haber estado destinada a la oración y habría sido colocada en el domicilio de la persona con grandes recursos económicos que la hubiera adquirido.

Actualmente se encuentra en el Museo de Bellas Artes de Boston, Estados Unidos de América.

Disco con Dragones

El Disco con Dragones, también conocido como Medalla Redonda de Chihulong o 元末明初 象牙雕螭龍圓牌, es un disco datado aproximadamente entre los siglos XIV d.C. y XV d.C. (período comprendido entre los años 1.301 d.C. y 1.500 d.C.), perteneciente al arte chino.

Disco con Dragones

En concreto los investigadores piensan que pudo haber sido fabricado a finales de la dinastía Yuan (元朝) o a principios de la dinastía Ming (明朝).

Se conoce que se encontró en la colección del distribuidor de arte chino John Sparks Ltd. ubicada en  la ciudad de Nueva York.

Hasta que en el año 1.919 d.C. el Disco con Dragones fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 25,7 cm y un diámetro de 11,6 cm. Está elaborado en marfil, mediante las técnicas de incisión y tallado.

Se trata de un disco o medallón con forma circular que presenta en una de sus caras una escena tallada. 

Disco con Dragones

Están representados un total de cuatro dragones: dos de los dragones son grandes y dos se encuentran representados más pequeños.

Cabe destacar que estos cuatro dragones son conocidos con el nombre de Chihulong (螭龍).

Los dragones presenta forma de serpiente, están situados enroscados alrededor de la superficie del disco, tienen los cuellos largos y estrechos.

También se puede observar como a lo largo de sus espaldas hay unas líneas en relieve y sus colas se encuentran representadas ramificadas.

Además destacar como el disco se encuentra situado en un soporte de madera que está finamente tallado, la base está compuesta por una serie de olas con detalles lineales y una especie de nubes decoradas con espirales que suben por el cuerpo hasta la parte superior del soporte con forma de media luna que tiene la función de sujetar al disco.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que el Disco con Dragones pudo haber sido utilizado como una incrustación para decorar otro mueble o una pantalla. Aunque también se creen que pudo haber sido una obra de arte independiente.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Retrato de Dante (Botticelli)

El Retrato de Dante, también conocido como Retrato de Dante Alighieri, es una pintura datada aproximadamente en el año 1.495 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Retrato de Dante

Fue pintada por el pintor italiano Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi (también llamado Sandro Botticelli).

Cabe destacar que después de su elaboración se desconoce dónde se encontró la obra de arte.

Aunque en la actualidad es conocido que el Retrato de Dante forma parte de la colección de arte de un coleccionista privado de la ciudad de Ginebra, localizada en el cantón de Ginebra (Suiza).

Descripción

Tiene una altura de 54,7 cm y una anchura de 47,5 cm. Está pintado al temple sobre lienzo.

Se trata de un retrato del poeta italiano Dante Alighieri (también llamado Durante di Alighiero degli Alighieri).

Autor de la "Divina Comedia" que está considerada una de las obras más importantes de la transición del pensamiento medieval al pensamiento renacentista.

Está representado de perfil mirando hacia la derecha, se aprecia como está ataviado con un manto, abrigo o túnica de color rojo y en la cabeza lleva una gorra blanca, sobre la que hay una capucha caída también de color rojo.

Además se aprecia como sobre la capucha de color rojo hay un tocado compuesto por una corona de laurel.

En el rostro de perfil destacan sus rasgos faciales característicos, como son el mentón pronunciado y la nariz aguileña.

Para finalizar con respecto a la composición destacar el marcado contraste de colores, como resultado de un fondo claro que contrasta con el color rojo de la vestimenta del poeta.

Aparte el color de la vestimenta, junto con la corona de laurel están considerados como los detalles estándar que se pueden observar en las numerosas representaciones que han llegado hasta la actualidad de Dante Alighieri.

Actualmente se encuentra en una colección privada.