martes, 31 de agosto de 2021

Valquiria de Hårby

La Valquiria de Hårby es una escultura datada aproximadamente entre los años 800 d.C. y 1.000 d.C., perteneciente al arte medieval, en concreto al arte vikingo.

Valquiria de Hårby

Fue hallada en diciembre del año 2.012 d.C. por el arqueólogo aficionado Morten Skovsby mientras utilizaba su detector de metales en un campo de arado al suroeste de la isla de Funen.

El campo está cerca a la ciudad de Haarby (también conocida como Hårby), situada en el municipio de Assens, en la región de Dinamarca Meridional (Dinamarca).

Cabe destacar que en el momento del hallazgo Morten Skovsby encontró en el suelo medio congelado una pequeña cara.

Por lo que decidió llevar el trozo de tierra a su casa con la finalidad de descongelarlo en el radiador. 

Valquiria de Hårby

Poco después de un tiempo de espera, pudo darse cuenta de que había encontrado una antigua y pequeña figura femenina de aspecto naturalista.

Después de su descubrimiento la Valquiria de Hårby pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Nacional de Dinamarca, localizado en la ciudad de Copenhague.


Descripción

Tiene una altura de 3,4 cm. Está fabricada en plata dorada, mediante las técnicas de fundición y nielado.

Se trata de una pequeña escultura que representa a una mujer en posición de pie con la parte interior hueca, por lo que los investigadores piensan que originalmente podría haber formado parte del extremo de un objeto más grande pero desconocido. 

Valquiria de Hårby

En el rostro ovalado los rasgos se encuentran muy marcados, resaltan los ojos almendrados delineados mediante finas incisiones, la nariz chata y la boca pequeña.

El cabello está recogido en una coleta alta atada en la parte posterior de la cabeza, en la parte posterior de la escultura se puede apreciar como la coleta del cabello forma un pequeño agujero por el que originalmente podría haber pasado un cordel o una cuerda.

El brazo derecho se encuentra representado levantado y en su mano derecha sostiene una espada, mientras que con el brazo izquierdo sostiene delante del cuerpo un escudo protector con forma circular.

El escudo está decorado con una protuberancia en el centro y ornamentado con un patrón geométrico, aparte aparecen representados los golpes que habría recibido con una espada o lanza.

Valquiria de Hårby

Se encuentra ataviada con un vestido largo con detalles resaltados con niel (pasta de azufre que hace que partes de la figura parezcan negras) y con estampados grabados. 

Además se pueden apreciar como en la parte delantera inferior del vestido tiene una serie de pliegues.

Para finalizar subrayar que la mayoría de los investigadores piensan que la Valquiria de Hårby representa la figura de una valquiria.

Es decir, una doncella guerrera al servicio del dios Odín (dios de la sabiduría, de la guerra, la muerte, de la magia, de la poesía, la profecía, la victoria y la caza, aparte de ser el dios principal de la mitología nórdica) bajo el mando de la diosa Freya (diosa del amor, de la belleza y la fertilidad).

Las valquirias tenían la misión de elegir a los más heroicos de los guerreros que morían en batalla para convertirlos en einherjer (espíritus de guerreros que habían perecido en batallas) y llevados al palacio del Valhalla (un enorme salón situado en la ciudad de Asgard) esperando a que llegue el Ragnarök (la batalla del fin del mundo) y luchen en la batalla al lado del dios Odín.

Aunque ésta sea la opinión más aceptada, algunos investigadores creen que la Valquiria de Hårby podría representar la figura de una doncella guerrera vikinga, además de que gracias a la escultura se puede conocer como era el vestuario y la moda del cabello en la época vikinga.

Actualmente se conserva en el Museo Nacional de Dinamarca, en la ciudad de Copenhague.

lunes, 30 de agosto de 2021

Biombos de Yatsuhashi

Los Biombos de Yatsuhashi, también conocidos como Yatsuhashizubyōbu (八橋図屏風), son dos biombos datado aproximadamente entre los años 1.710 d.C. y 1.716 d.C., perteneciente al arte japonés.

Biombos de Yatsuhashi

Fueron elaborados por el pintor y lacador japonés Ōgata Kōrin (尾形光琳).

Se conoce que en el año 1.919 d.C. los Biombos de Yatsuhashi fueron vendidos por Marquis Nakahiro Ikeda

Siendo comprados por Heisandō Co., Ltd, después fueron vendidos al empresario, pensador, orador y miembro de la Cámara de Representantes japonés Mutō Sanji (武藤山治).

En el año 1.934 d.C. los biombos fueron comprados por Sometani Kanji, quién se los vendió a Mizutani Nisaburō, a su vez éste los vendió a Yamanaka & Co.

Hasta que en el año 1.953 d.C. fueron comprados por Louisa Eldridge McBurney, quién los donó al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasaron a formar parte de su colección de arte.

Biombos de Yatsuhashi


Descripción

Cada biombo tiene una altura de 179,1 cm y una anchura de 371,5 cm.

Son dos biombos plegables que están compuestos por un total de seis paneles elaborados en tinta y color sobre pan de oro y sobre papel.

Tienen representados racimos de flores de iris azules pintados de forma abstracta, además las flores junto con el follaje verde se encuentran colocados contra un puente angular que se extiende en diagonal a través de ambos biombos.

Biombos de Yatsuhashi

Cabe resaltar que la composición hace referencia a uno de los poemas de la obra Ise Monogatari (伊勢物語) , una serie de relatos cortos escritos por el poeta y aristócrata japonés Ariwara no Narihira (在原業平).

El poema alude al momento en que Ariwara no Narihira (在原業平) fue exiliado de la ciudad de Kioto (京都), después de tener una aventura con una dama de alto rango de la corte.

El protagonista de la historia se detiene en Yatsuhashi (八橋), un lugar donde un arroyo se ramifica en ocho canales y cada canal tiene su propio puente.

Ahí la vista de los iris le impulsa a componer un poema nostálgico de amor, siendo la primera sílaba de cada línea del poema la que forma la palabra japonesa para designar a la flor iris Kakitsubata (燕子花), por lo que el poema funciona como un acróstico.

Biombos de Yatsuhashi

Para finalizar subrayar que el pintor y lacador japonés Ōgata Kōrin (尾形光琳) creo entre 5 y 12 años antes una obra con la misma temática conocida con el nombre de Biombos de los Lirios o Kakitsubatazu (燕子花図), que en la actualidad se encuentra en el Museo Nezu (根津美術館), en la ciudad de Tokio (Japón).

Actualmente los Biombos de Yatsuhashi se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

domingo, 29 de agosto de 2021

Estatua de Eyrarland

La Estatua de Eyrarland, también conocida como Estatua de Thor de Eyrarland o Estatuilla de Thor de Eyrarland, es una escultura datada aproximadamente en el año 1.000 d.C., perteneciente al arte medieval, en concreto al arte vikingo.

Estatua de Eyrarland

Fue hallada entre los años 1.815 d.C. y 1.816 d.C. en una de las dos granjas de Eyrarland, localizada en la ciudad de Akureyri, situada en el litoral de la región nororiental de Islandia.

Se conoce que en el año 1.817 d.C. la Estatua de Eyrarland fue enviada a la ciudad de Copenhague (Dinamarca), pero en el año 1.930 d.C. el Museo Nacional de Dinamarca lo devolvió juntó con otras antigüedades al Museo Nacional de Islandia, ubicado en la ciudad de Reikiavik.

Estatua de Eyrarland



Descripción

Tiene una altura de 6,7 cm. 

Está fabricada en bronce, mediante la técnica de fundición.

Se trata de una pequeña escultura de bulto redondo o exenta que representa una figura masculina en posición sedente.

La mayoría de los investigadores piensan que la escultura puede representar al dios Thor (dios del trueno y fuerza) sentado en un trono con un respaldo bajo.

Estatua de Eyrarland

Se observa como las piernas le cuelgan, mientras que con ambas manos sostiene delante del cuerpo el martillo conocido como "Mjöllnir" (martillo del dios Thor).

El "Mjöllnir" está representado como la forma de cruz invertida, cabe destacar que ésta forma es típicamente islandesa. 

En el rostro destacan los ojos pequeños y redondos y la nariz prominente. Además lleva un tocado con forma de cono.

Se piensa que la escultura podría representar una escena del "Þrymskviða" (uno de los poemas de la Edda Poética y uno de los más conocidos mitos nórdicos).

Estatua de Eyrarland

El poema cuenta que el gigante Prymr (rey de Jotun, es decir, rey de los gigantes de la escarcha) roba el martillo de Thor y reclama a la diosa Freya (diosa del amor, la belleza y la fertilidad) con la finalidad de casarse con ella a cambio de devolver el martillo.

Para recuperar el martillo Thor se disfraza como novia y junto a Loki, disfrazado como su dama de compañía.

La escultura representa el momento en que durante la ceremonia de boda el dios Thor está sentado mientras recupera su martillo agarrándolo con ambas manos.

Para finalizar subrayar que el tercer Presidente de la República de Islandia entre los años 1.968 d.C. y 1.980 d.C., profesor de islandés en la Universidad de Islandia y director del Museo Nacional Kistján Eldjárn Pórarínsson.

Considera que la Estatua de Eyrarland podría ser la pieza central de un conjunto de "hnefatalf" (juego de tablero y estrategia), esto es basándose en sus similitudes con una figura de ballena más pequeña que fue descubierta en una granja de Baldursheimur (Islandia) junto con piezas de juego en blanco y negro y un dado.

Actualmente se encuentra en el Museo Nacional de Islandia, en la ciudad de Reikiavik.

sábado, 28 de agosto de 2021

Lienzo de Quauhquechollan

El Lienzo de Quauhquechollan es un códice datado aproximadamente en el siglo XVI d.C. (período comprendido entre los años 1.501 d.C. y 1.600 d.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte maya.

Lienzo de Quauhquechollan

La primera mención del Lienzo de Quauhquechollan data del siglo XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 1.900 d.C.).

Cuando era conocido con el nombre de Lienzo de la Academia de Puebla.

El códice se encontraba en la colección de la Academia de Pintura de Puebla.

Aunque se desconoce su procedencia, los investigadores piensan que pudo haber sido elaborado en el municipio de Ciudad Vieja.

Localizado en el departamento de Sacatepéquez, en Guatemala (también conocida como República de Guatemala). 

Desde el año 2.017 d.C. el Lienzo de Quauhquechollan pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Regional de Cholula, localizado en la ciudad de Puebla de Zaragoza (también conocida como Heroica Puebla de Zaragoza o Puebla), en México.



Descripción

Tiene una altura de 2,35 metros y una anchura de 3,25 metros.

Se trata de un códice náhuatl, es decir, un tipo de pintura en tela que era utilizado por los indígenas de Mesoamérica con el fin de transmitir información.

Tiene un total de 15 piezas individuales de algodón pintado que han sido cosidas para formar una pieza más grande. Cabe destacar que las piezas son de distintos tamaños y fabricación, incluso alguna de ellas se había reutilizado. 

El Lienzo de Quauhquechollan fue elaborado utilizando convenciones artísticas indígenas que retratan una mezcla de temas de la comunidad nahuas y españoles.

Registra la primera conquista sustancial de Guatemala llevada a cabo por el conquistador español Jorge de Alvarado y Contreras y sus aliados nahuas quauhquecholtecas, quienes tuvieron un papel determinante en la conquista española.

Lienzo de Quauhquechollan
(restauración digital)

El foco principal del mapa se encuentra dentro de las fronteras de la Guatemala moderna.

Específicamente en el área alrededor del municipio de Chimaltenango y la ciudad de Santiago de los Caballeros de Guatemala (capital colonial).

En concreto el códice se concentra en el papel de los aliados nahuas en la conquista, incluyendo los viajes y las batallas en las que participaron.

Así mismo los investigadores creen que el códice pudo ser pintado por los aliados nahuas, pero pudo ser ejecutado por más de un artista como lo demuestran las diferencias estilísticas en la pintura. 

En la esquina superior izquierda del Lienzo de Quauhquechollan está ilustrada con el glifo del lugar que representa a Quauhquechollan combinado con el escudo de armas de la dinastía de los Habsburgos (también conocida como Casa de Austria).

Se aprecia como está representado el conquistador español Hernán Cortés de Monroy y Pizarro Altamirano abrazando a un noble quauhquecholteco. Ambos van acompañados de su séquito y están intercambiando obsequios.

Otra escena muestra a Jorge de Alvarado y Contreras al frente de un gran ejército cuando parten de Quauhquechollan. Se observa como el ejército es mixto, contiene tanto a soldados españoles como nahuas.

Además todos los nahuas quauhquecholtecas están representados llevando espadas españolas, un privilegio otorgado a algunos de los aliados nativos de los conquistadores.

Lienzo de Quauhquechollan
(restauración digital)

Se describe la ruta del ejército en su marcha hacia Guatemala, incluyendo la ciudad de Tehuantepec en Oaxaca y la región del Soconusco en las tierras bajas de Chiapas.

Ambas se encuentran en la actualidad dentro de las fronteras de México (también conocido como Estados Unidos Mexicanos).

En Guatemála el ejército pasa por Retalhuleu, San Francisco de Zapotitlán y Suchitepéquez. 

Entran en los reinos de Quiché (también conocido como K'iche'), Kaqchikel (también llamado Cachiquel) y Pipiles, así como a la región de Verapaz y la Sierra de los Cuchumatanes.

Aparte el ejército aparece representado librando una serie de batallas ocurridas entre los años 1.527 d.C. y 1.529 d.C..

Cabe destacar que en el año 2.002 d.C. la arqueóloga holandesa Florine Asselbergs, de la Universidad de Leiden (Holanda), fue la primera persona en identificar el Lienzo de Quauhquechollan como una representación de la campaña de Jorge de Alvarado y Contreras y en reconocer el papel de los nahuas quauhquecholtecas en la conquista española.

Además en el año 2.007 d.C. la Universidad Francisco Marroquín (también conocida como UFM), una universidad privada localizada en la ciudad de Guatemala (Guatemala), creó una versión restaurada digitalmente del Lienzo de Quauhquechollan como una parte de su programa "Exploraciones sobre la Historia".

Sin embargo aunque el códice fue restaurado, cabe resaltar que se hallaron varias hojas de papel fijadas al lado de las imágenes y con una inscripción en alfabeto latino, pero se encontraban en muy mal estado de conservación y no han podido ser restauradas con lo que en la actualidad son ilegibles.

Para finalizar subrayar que el Lienzo de Quauhquechollan es uno de los dos registro pictóricos de los nahuas supervivientes que relatan la conquista española de Guatemala y uno de los primeros mapas supervivientes de lo que en la actualidad es Guatemala.

Actualmente se encuentra en el Museo Regional de Cholula, en la ciudad de Puebla (México).

jueves, 26 de agosto de 2021

Retrato de Leonor de Toledo y su Hijo

El Retrato de Leonor de Toledo y su Hijo es una pintura datada aproximadamente en el año 1.545 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Retrato de Leonor de Toledo y su Hijo

En concreto se encuentra englobado dentro del estilo artístico conocido como manierismo (considerado la última parte del renacimiento).

Fue pintado por el pintor italiano Angelo di Cosimo di Mariano (también conocido como Agnolo Bronzino o Bronzino).

Se conoce que la pintura pasó a formar parte de la colección de arte de la Galería Uffizi, localizada en la ciudad de Florencia, situada en la región central de Italia.


Descripción

Tiene una altura de 115 cm y una anchura de 96 cm. Está pintado al óleo sobre panel de madera.

Se trata de una pintura que representa el retrato de la aristócrata española y duquesa consorte de Florencia, al ser esposa del II duque de la República de Florencia y I gran duque de Toscana Cosme I de Médici, Leonor Álvarez de Toledo y Osorio.

Y uno de sus hijos, la opinión más aceptada es que podría estar representado el hijo mayor, el II gran duque de Toscana, Francisco I de Médici a la edad de aproximadamente cuatro años.

Aunque otros investigadores creen que el niño podría haber sido su segundo hijo el cardenal italiano Giovanni di Cosimo I de Médici (también conocido como Juan de Médici) a la edad de dos años.

Su hijo está representado de pie en el lado derecho de su madre, está ataviado con una camisa azul oscuro de manga larga y una camisa interior bordada que sobresale en las solapadas del cuello y en los puños de las mangas. 

El brazo derecho se encuentra pegado al cuerpo, mientras que el brazo y la mano izquierda reposa sobre el regazo de su madre. Además en el rostro redondeado destacan los ojos almendrados, los mofletes, la nariz recta y los labios carnosos.

Leonor Álvarez de Toledo y Osorio se encuentra representada sentada con el brazo derecho pasado por detrás de la espalda de su hijo y la mano derecha apoyada en su hombro derecho, mientras que la mano izquierda reposa sobre su regazo.

En el rostro destacan los ojos almendrados, la nariz recta, los pómulos marcados, los labios carnosos y el mentón redondeado. Aparte se observa como el cabello se encuentra recogido por medio de un tocado o diadema compuesta por una red de oro con perlas. 

Se encuentra ataviada con un vestido de terciopelo de seda brocado con mangas anchas con cortes que dejan apreciar una camisa blanca subyacente, también lleva un corpiño ajustado y en los hombros lleva una red de cordón dorado con perlas.

El vestido está decorado por un motivo estilizado de la granada, que simboliza la fertilidad, rodeada por motivos entrelazados de guirnaldas. Se puede observar como lleva un cinturón de oro ornamentado mediante piedras y una borla de perlas.

También lleva alrededor del cuello varios collares de perlas de diferentes tamaños y tonalidades, del más pequeño de ellos le cuelga un colgante de oro con un gran diamante y una perla en forma de pera, mientras que en las orejas lleva unos pendientes de perla con forma de lagrima.

Cabe destacar que éste tipo de brocado bordado es típico del estilo español en el siglo XVI d.C. (periodo comprendido entre los años 501 d.C. y 600 d.C.), además los investigadores piensan que al retratar éste vestido era una especie de publicidad a la industria de la confección de la seda florentina.

Con respecto a la composición destaca el fondo oscuro, aparente plano, que representa un cielo plomizo con a lo lejos la vista de una finca, los investigadores creen que la finca podría ser la "Villa Medicea di Poggio a Caiano", a la que la familia se encontraba particularmente ligada.

Los personajes se encuentran representados con formas suaves, idealizados y con un gesto imperturbable que refleja su linaje. También la riqueza de la indumentaria representa su alto poder adquisitivo y su alta posición en la escala social.

Para finalizar subrayar que el Retrato de Leonor de Toledo y su Hijo está considerado uno de los mejores retratos de la familia de Cosme I de Médici y uno de los retratos italianos más emblemáticos pintados en el siglo XVI d.C. (período comprendido entre los años 1.501 d.C. y 1.600 d.C.).

Actualmente se encuentra en la Galería de los Uffizi de la ciudad de Florencia, Italia.

miércoles, 25 de agosto de 2021

Máscara de Sayula

La Máscara de Sayula, también conocida Mascarón de Medias Aguas, es una escultura datada aproximadamente entre los años 400 a.C. y 200 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte olmeca.

Máscara de Sayula

Fue encontrada en el año 1.960 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizas por el arqueólogo mexicano Alfonso Medellín Zenil.

En el municipio de Sayula de Alemán, localizado en el estado de Veracruz de Ignacio de la Llave, situado en la Región Olmeca, en México (también denominado Estados Unidos Mexicanos). 

Después de su descubrimiento paso a formar parte de la colección de arte del Museo de Antropología de Xalapa (también conocido por sus siglas MAX).

Localizado en la ciudad de Xalapa-Enríquez, situado en el estado de Veracruz de Ignacio de la Llave, en México.


Máscara de Sayula




Descripción

Tiene una altura de 87 cm, una anchura de 64 cm y una longitud de 46 cm. Está fabricada en basalto gris, mediante las técnicas de incisión y tallado.

Se trata de una escultura que representa la imagen de una máscara con una cara antropomorfa.

Máscara de Sayula

En el rostro destacan los ojos grandes y redondos, con las cuencas de los ojos representadas vacías. 

En la nariz lleva un adorno con forma rectangular que presenta en el centro un gran agujero circular.

Además la mandíbula se encuentra representada descarnada, se puede observar como sobresalen dos colmillos curvos.

También se puede apreciar como en los laterales presenta grandes agujeros circulares.

La parte posterior tiene una superficie con una depresión cóncava, los investigadores piensan que ésta depresión podría significar que la escultura ha sido reutilizada.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que la Máscara de Sayula podría haber sido una ofrenda votiva utilizada en algún ritual o ceremonia. Aunque también se cree que podría haber formado parte de un ajuar funerario.

Actualmente se encuentra en el Museo de Antropología de Xalapa, en Xalapa-Enríquez (México).

martes, 24 de agosto de 2021

Gur-e Dokhtar

Gur-e Dokhtar, también conocida como Tumba de la HijaTumba de Dokhtar, es una tumba datada aproximadamente entre los siglos VI a.C. y V a.C. (período comprendido entre los años 600 a.C. y 401 a.C.), perteneciente al arte persa.

Gur-e Dokhtar

Fue edificada en una llanura del valle de Bozpar, localizada en la provincia de Bushehr, situada al sur de Irán.

Se conoce que fue descubierta en el año 1.962 d.C. por el arqueólogo y historiador de arte belga Louis Vanden Berghe.

Cabe destacar que al principio se pensaba que podría haber sido la tumba del rey de Persia en Anshan Ciro I (también conocido como Ciro I de Anshan o Ciro I de Persia).

Gur-e Dokhtar

Pero después el arqueólogo iraní Alireza Shapour Shabazi consideró que la tumba podría haber sido la tumba del príncipe persa Ciro el Joven.

Aunque otros investigadores creen que la tumba podría haber pertenecido a una de las siguientes personas: 

- La reina consorte de Persia Atosa, la reina consorte de Persia Mandane (también conocida como Mandane de Media) o del líder persa Teispes (también conocido como Čiŝpiŝ).


Gur-e Dokhtar

Descripción

Tiene una altura de 4,45 m. La base tiene una longitud de 5,10 m y una anchura de 4,40 m.

La cámara funeraria tiene una altura de 2,05 m, una anchura de 1,55 m y longitud de 2,20 m.

Se trata de una tumba construida con un total de veinticuatro piezas de piedras de diferentes dimensiones que han sido ensambladas entre sí.

La tumba descansa sobre una base escalonada compuesta por tres escalones y cada escalón tiene aproximadamente una altura de 35 cm.

El acceso al interior se realiza por el lado norte, mediante una pequeña puerta baja de una altura de 67 cm y una anchura de 80 cm.

Además el interior está compuesto por una única cámara funeraria rectangular con un techo plano cubierto por una larga losa de piedra cóncava en forma de bóveda.

Gur-e Dokhtar

Originalmente la bóveda se encontraba oculta a la vista desde el exterior por medio de piedras altas a dos aguas en ambos extremos y por piedras más pequeñas que forman un techo a dos aguas en los lados largos.

Aparte tanto en la parte superior de las paredes delantera (en el lado norte) y trasera (en el lado sur) hay dos pequeños huecos con forma cuadrada.

Se conoce que entre los años 1.980 d.C. y 1.989 d.C. la tumba fue restaurada y mejorada por el equipo de rehabilitación liderado por arqueólogo y restaurador Hassan Rahsaz.

También cabe resaltar que a mediados de la década de los años 2.001 d.C. la tumba sufrió una segunda restauración, aunque a pesar de éstas restauraciones en la actualidad la tumba se encuentra muy deteriorada.

Para finalizar subrayar que Gur-e Dokhtar fue registrada el 1 de agosto del año 1.997 d.C., con el número 1.897, como uno de los monumentos incluidos en el patrimonio nacional iraní.

Actualmente se encuentra en su emplazamiento original, en el valle de Bozpar, situado en la provincia de Bushehr (Irán).

lunes, 23 de agosto de 2021

Escudo de Chertsey

El Escudo de Chertsey es un escudo datado aproximadamente entre los años 400 a.C. y 250 a.C., perteneciente al arte celta.

Escudo de Chertsey

Fue hallado en el año 1.985 d.C. por el conductor de una excavadora mecánica mientras excavaba graba en un antiguo canal del río Támesis.

En el municipio de Chertsey, localizado en el condado de Surrey, situado en la región sudeste de Gran Bretaña.

Cabe destacar que la excavadora había doblado y arrugado el escudo, pero el personal del Departamento de Conservación del Museo Británico lo ha restaurado y devuelto a su estado original.

Después de su descubrimiento, en el año 1.986 d.C. el Escudo de Chertsey fue adquirido por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 836 mm, una anchura de 468 mm y un peso de 2.750 g. 

Está fabricado en aleación de cobre, mediante la técnicas de fundición y soldado.

Se trata de un escudo con forma ovalada que está fabricado íntegramente en chapa de aleación de cobre de 1 a 1,25 mm de espesor. Está compuesto por un total de nueve secciones que han sido elaboradas por separado y unidas entre sí mediante una unión de aleación de cobre situada alrededor del borde.

Escudo de Chertsey

En la parte delantera la decoración es sencilla, la ornamentación está compuesta por un reborde que se eleva sobre una larga columna con una protuberancia situada en el centro y los terminales decorados con pequeños círculos concéntricos.

En el reverso hay un asidero de madera maciza de fresno cubierto con una lámina de aleación de cobre que está fijada a través del hueco detrás de la protuberancia.

El mango presenta terminales en forma de omega, con los retornos con forma semejante a cabezas de pájaros estilizadas.

Se puede observar como la longitud del lomo está cubierta con finas tiras de lámina de aleación de cobre, situadas a cada lado de la abertura en el reverso para el saliente.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que el Escudo de Chertsey no habría sido elaborado para ser usado en batalla, puesto que sin un respaldo de madera el escudo podría romperse con espadas y las lanzas podrían penetrar con facilidad.

Por lo tanto el Escudo de Chertsey probablemente fue fabricado para ser expuesto como un símbolo de poder y riqueza.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

domingo, 22 de agosto de 2021

Estatua de Baco (Miguel Ángel)

La Estatua de Baco es una escultura datada aproximadamente entre los años 1.496 d.C. y 1.497 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Estatua de Baco

Fue elaborada por el arquitecto, escultor y pintor italiano Michelangelo Buanarroti (también conocido como Miguel Ángel).

Se conoce que fue un encargo del cardenal italiano, obispo de Salamanca, Cuenca y Málaga, arzobispo de Tarento y Salerno, camarlengo de la Santa Iglesia de Romana, decano del sacro Colegio Cardenalicio, abad de Montecasino y virrey de Bari, Raffaele Sansoni Galeoti Riario (también como Rafael Sansori Riario).

Cabe destacar que el cardenal ordenó la escultura para completar su colección, sin embargo después de la finalización de la obra ésta fue rechazada.

Siendo en el año 1.506 d.C. comprada por el banquero Jacopo Galli, por lo tanto la escultura pasó a formar parte de su colección de arte y fue expuesta en su jardín en el Palacio de la Cancillería (Palais de la Chacellerie), localizado en la ciudad de Roma, en Italia.

Cabe resaltar que fue en éste jardín dónde entre los años 1.532 d.C. y 1.535 d.C.la Estatua de Baco fue dibujada por el pintor y retratista neerlandés Marten Jacobszoon Heemskerk van Veen (también conocido como Maarten van Heemskerck). 

En el año 1.572 d.C. la escultura fue adquirida por II Gran Duque de Toscana Francisco I de Médici y trasladada a la ciudad de Florencia, en Italia.

Después en el año 1.873 d.C. se incluyó en la colección de arte de la Galería Uffizi, un museo y palacio de la ciudad de Florencia, hasta que desde el año 1.865 d.C. pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Nacional del Bargello, localizado en la ciudad de Florencia, situada en la región central de Italia.

Estatua de Baco



Descripción

Tiene una altura de 203 cm. Está fabricada en mármol, mediante la técnica de tallado.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la figura del dios Baco (dios del vino, de la vendimia, de la diversión y de los placeres) en posición de pie.

El dios se encuentra representado desnudo, tambaleándose, el peso descansa sobre la pierna izquierda, mientras la pierna derecha se encuentra ligeramente flexionada hacia delante.

El brazo derecho está representado flexionado hacia delante, sosteniendo con su mano derecha una taza.

Estatua de Baco

Mientras que el brazo izquierdo cae al lado del cuerpo, mientras la mano izquierda sostiene un racimo de uvas y una piel de tigre o de leopardo.

En el rostro destacan los ojos almendrados, la nariz recta, los labios finos y el mentón redondeado.

Además en la parte superior de la cabeza lleva una guirnalda compuesta por hojas de parra y racimos de uvas.

Detrás aparece representado un pequeño sátiro (criatura masculina mitológica que formaba parte del cortejo del dios Baco) sentado en un tronco que está situado detrás de la pierna izquierda del dios. 

Se observa como se encuentra con el cuerpo ladeado y comiendo las uvas del racimo que sostiene el dios Baco.

Con respecto a la composición destacar el realismo, la naturalidad y la apariencia andrógina representada con un modelo que resalta los atributos de una virilidad sensual inmadura, aparte se pueden aprecian los efectos ilusorios y táctiles realizados en la superficie del mármol.

Los investigadores piensan que la representación del sátiro tiene una función estática que invita al espectador a ampliar la vista frontal al lateral.

Para finalizar subrayar que ambas esculturas reposan en una pedestal construido del mimo material que el resto de la escultura y que representa a una roca.

Actualmente se encuentra en el Museo Nacional de Bargello, en la ciudad de Florencia (Italia). 

sábado, 21 de agosto de 2021

Mosaico de Aydincik

El Mosaico de Aydincik, también conocido como Mosaico de Kelenderis, es un mosaico datado aproximadamente entre los siglos V d.C. y VI d.C. (período comprendido entre los años 401 d.C. y 600 d.C.), perteneciente al arte medieval, en concreto al arte bizantino.

Mosaico de Aydincik

Fue hallado en el año 1.992 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas por el profesor de la universidad de Selçuk, Levent Zoroğlu.

Se encuentra construido en la zona del puerto antiguo, situado en el oeste de la ciudad de Aydincik.

Cabe destacar que en la antigüedad el puerto era conocido por el nombre de Kelenderis.

Localizado en la provincia de Mersin (también denominada provincia de Içel), en Turquía.


Descripción

Tiene unas dimensiones de 12 x 3,2 metros cuadrados (40 x 11 pies cuadrados).

Se trata de un mosaico pavimentado que tiene representado un puerto medieval, dos embarcaciones (barcos) y partes de una ciudad, entre los edificios se pueden distinguir el castillo, la casa de baños y la taberna.

Mosaico de Aydincik

Además se puede observar como el moisaco se encuentra decorado con figuras geométricas y en el borde exterior tiene un cenefa ornamentada con un patrón geométrico.

Sin embargo llama la atención como en el mosaico no se encuentra representado ninguna figura humana, ni figura animal y tampoco hay representaciones vegetales.

Con respecto al estado de conservación destacar que en el año 2.005 d.C. el mosaico se colocó debajo de una vitrina con el fin de protegerlo.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que originalmente el Mosaico de Aydincik podría haber tenido la funcionalidad de ser un mapa urbano para los navegantes y comerciantes que desembarcaban en el antiguo puerto de Kelenderis.

Cabe resaltar que el profesor Levent Zoroğlu cree que el mosaico podría representar la ciudad de Aydincik entre los siglos V d.C. y VI d.C. (período comprendido entre los años 401 d.C. y 600 d.C.).

Actualmente se encuentra en su ubicación original en la ciudad de Aydincik, en Turquía.

viernes, 20 de agosto de 2021

Batidor de Moscas de Oro de Ashanti

El Batidor de Moscas de Oro de Ashanti es un batidor de moscas datado aproximadamente en el año 1.801 d.C. y 1.900 d.C., perteneciente al arte africano.

Batidor de Moscas de Oro de Ashanti

Se conoce que fue fabricado por el grupo étnico de ashanti (también conocido como asantes), localizado en el centro de Ghana, en África.

Fue encontrado en el interior del palacio de Manhyia, localizado en la ciudad de Kumasi (también conocida como "La ciudad jardín"), situada en la región de Ashanti, en Ghana.

En el año 1.876 d.C. el Batidor de Moscas de Oro de Ashanti fue adquirido por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una longitud de 4 cm, una anchura de 1,70 cm, una profundidad de 0,90 cm y un peso de 5,50 g. 

Está fabricado en oro, mediante las técnicas de fundición a la cera perdida e incisión.

Se trata de un batidor de moscas hueco con forma de cola de elefante. El reverso del mago se encuentra cubierto por un patrón de puntos con efecto punteado. 

La parte superior del asa está coronada por un puño circular profundo que tiene un agujero redondo moldeado en el centro para la suspensión.

Se puede observar como el anverso del mango es liso excepto por dos filas de puntos individuales ubicados alrededor del hueco triangular situado en el mango, además hay un bucle de suspensión circular fundido a la cera perdida.

Cabe resaltar que el efecto punteado en el mango sugiere que estaba destinado a representar a una cola de elefante que funcionaba como un batidor de moscas real.

Batidor de Moscas de Oro de Ashanti

Éste tipo de bastidor era llevado tradicionalmente por los niños pequeños (normalmente nietos y sobrinos del rey) que siempre caminaban y realizaban sus deberes públicos en parejas.

El batidor era sostenido en la mano derecha, pero cuando no se usaba descansaba sobre un pliegue de tela enrollado en el hombro izquierdo con la finalidad de que no tocara la piel del porteador.

Para finalizar subrayar que dentro del pueblo Ashanti hay muchos proverbios que se refieren a la obvia ecuación del poder real con el de un elefante, uno de los proverbios más famosos es: 

"El elefante es capaz de ahuyentar a las moscas con la cola, por muy corta que sea"

Éste proverbio indica que los impedimentos inevitables no deben utilizarse como excusa para la inactividad o la pereza.

Además el proverbio era una advertencia tanto para el gobernante como para el súbito, que reflejan algo de la interdependencia del rey y del súbdito siendo una característica prominente de la cultura Ashanti.

También resaltar que el elefante era considerado un animal real y cualquiera que matara a uno tradicionalmente tenía que entregar la cola, los colmillos y las orejas al rey.

Las orejas se utilizaban como pieles de tambor, los colmillos se usaban para hacer cuernos laterales y la cola eran utilizadas como batidor de moscas.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

jueves, 19 de agosto de 2021

Retrato del Cardenal Ludovico Trevisano

El Retrato del Cardenal Ludovico Trevisano es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.459 d.C. y 1.460 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Retrato del Cardenal Ludovico Trevisano

Se conoce que fue pintada por el pintor italiano Andrea Mantegna en su taller de la ciudad de Padua, localizada en la provincia de Padua, en la región de Véneto (Italia).


Descripción

Tiene una altura de 44,8 cm y una anchura de 33,9 cm. Está pintada a tempera sobre tabla.

Se trata de una pintura que representa el retrato del cardenal, condottiero, médico y patriarca católico italiano Ludovico Scarampi Mezzarota (también conocido como Ludovico Trevisano).

Está representado en posición de tres cuartos mirando hacia la derecha sobre un fondo oscuro.

En el rostro destaca los ojos almendrados con la mirada seria y concentrada, la nariz recta y los labios apretados que enfatizan el carácter resuelto del cardenal.

También destacan la representación fisonómica que refleja una edad avanzada, resaltando las arrugas, las orejeras y el rictus. 

Además se observa como el cabello se encuentra rapado con un corte conocido como tonsura consisten en cortar el cabello de manera parcial y circular en la parte superior o coronilla. Aparte cabe destacar que la tonsura es el primero de los grados clericales.

Se puede observar como está ataviado con una túnica plisada blanca con una cinta roja alrededor del borde del cuello, también lleva un manto rojo sobre los hombros. Cabe enfatizar que las vestimentas reflejan el estatus y nivel social.

En cuanto a la composición resaltar los efectos de claroscuro que enfatizan el volumen de la figura del cardenal.

Para finalizar subrayar que el Retrato del Cardenal Ludovico Trevisano recuerda a las esculturas de los bustos romanos perteneciente al arte romano, pero realizado en pintura.

Actualmente se encuentra en la pinacoteca de Gemäldegalerie englobada dentro de los Museos Estatales de Berlín, en la ciudad de Berlín (Alemania).

miércoles, 18 de agosto de 2021

Santa Catalina de Alejandría (Rafael)

Santa Catalina de Alejandría es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.507 d.C. y 1.509 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Santa Catalina de Alejandría

Fue pintada por el pintor y arquitecto italiano Raffaello Sanzio (también conocido como Rafael o Rafael de Urbino).

Lo primero que se conoce es que la pintura se encontraba en la ciudad de Florencia (Italia), dónde pertenecía a la colección de arte de la familia Aldobrandini.

Para después pasar a la colección de arte de la familia Borghese, por lo que la pintura fue traslada a la ciudad de Roma (Italia).

En el año 1.795 d.C. el cuadro fue comprado por el artista y coleccionista de arte inglés Alexander Day, siendo la pintura exhibida en el año 1.801 d.C. en la ciudad de Londres (Gran Bretaña). 

Posteriormente perteneció a la colección de arte del novelista inglés, político, escritor de crónicas de viaje y critico de arte inglés William Thomas Beckford.

Hasta que en el año 1.939 d.C. Santa Catalina de Alejandría fue cedida a la Galería Nacional de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 72,2 cm y una anchura de 55,7 cm. Está pintada al óleo sobre tabla.

Se trata de una pintura que representa la figura de Catalina de Alejandría (también conocida como Santa Catalina de la Rueda o "La Gran Mártir") es una santa y virgen cristiana que fue martirizada en la rueda de púas en el siglo IV d.C. (301 d.C. y 400 d.C.) por orden del emperador romano de Occidente Marco Aurelio Valerio Majencio (también conocido como Majencio).

Está representada en posición de pie sobre un paisaje de fondo, el cuerpo está representado ligeramente girado sobre sí misma, con la cabeza ladeada hacia el lado derecho y la mirada dirigida hacia el cielo.  

Se observa como la mano derecha descansa sobre su pecho, mientras que el antebrazo izquierdo reposa sobre una hueca dentada teniendo la mano izquierda apoyada sobre su muslo izquierdo. 

Aparte el peso del cuerpo descansa sobre la pierna derecha, mientras que la pierna izquierda está ligeramente flexionada hacia delante.

Está ataviada con un vestido azul con mangas verdes y largas, ceñido debajo del pecho mediante una banda negra que combina con la banda situada en el borde superior del vestido. Además lleva un manto rojo con un forro amarillo claro.

En el rostro destacan los ojos almendrados, la nariz recta, los labios carnosos y los pómulos marcados. Se aprecia como el cabello rubio se encuentra peinado hacia atrás y cubierto por un fino velo semitrasparente.

En cuanto a la composición resalta el uso del contrapposto, es decir, el cuerpo se encuentra representado en una posición armónica lo que proporciona a la composición cierta sensación de movimiento que rompe la ley de la frontalidad.

También destaca el uso de la policromía con la utilización de tonos primarios que combinan con un tipo especial de colores vidriados finamente pulverizados en varios pigmentos con el fin de acelerar el secado de las pinturas al óleo.

Además resaltar que los científicos de la Galería Nacional de Londres (Gran Bretaña) llevaron a cabo una investigación sobre un análisis de pigmentos.

Durante la investigación se realizaron numerosas imágenes microscópicas de cortes transversales, también imágenes infrarrojas y de "rallos X".

Siendo el estudio publicado en la web del "Raphael Research Project", en la que puede leer el siguiente análisis de pigmentos:

- El cielo azul está pintado de azul ultramar natural mezclado con blanco.

- Las nubes representadas de azul verdoso están pintadas con azul ultramar natural mezclado con algo de azurita.

- El halo dorado y los rayos del sol probablemente están pintados con oro metálico en polvo.

- La rueda marrón y la vestimenta de Santa Catalina de Alejandría están pintadas de amarillo plomo-estaño, blanco plomo, amarillo intenso, ocre, pardo, bermellón, negro y un poco de azurita.

- Para el follaje marrón oscuro del pequeño árbol situado al lado derecho se han utilizado ocre rojo, ocre marrón, azurita y un poco de amarillo plomo-estaño.

- Para el paisaje verde se utilizó amarillo plomo-estaño, blanco plomo, amarillo intenso, ocre, pardo, bermellón, negro y un poco de azurita.

Para finalizar como curiosidad destacar que la imagen de Santa Catalina de Alejandría ha sido utilizada parcialmente para la portada de "Mellon Collie and the Infinite Sadness", el tercer álbum de estudio de la banda de rock alternativo estadounidense "The Smashing Pumpkins".

Actualmente se encuentra en el Galería Nacional de Londres, en Gran Bretaña.

martes, 17 de agosto de 2021

Estatua de la Sacerdotisa Aristonoe

La Estatua de la Sacerdotisa Aristonoe es una escultura datada aproximadamente en el siglo III a.C. (período comprendido entre los años 300 a.C. y 201 a.C.), perteneciente al arte griego.

Estatua de la Sacerdotisa Aristonoe

Fue hallada en el año 1.890 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas por el arqueólogo griego Valerios Stais.

En el interior del Templo de Némesis, localizado en el asentamiento de Ramnonte (también denominado Ramnunte), situado cerca del municipio de Maratón, en la periferia de Ática, al sur de Grecia.

Cabe resaltar que en la actualidad ésta localización se conoce como el yacimiento arqueológico de Ramnonte.

Estatua de la 
Sacerdotisa Aristonoe



Descripción

Tiene una altura total de 162 cm y la base presenta una altura de 38 cm, una anchura de 61 cm y una profundidad de 62 cm. 

Está fabricada en mármol pentélico, mediante las técnicas de incisión y tallado.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la figura de Aristonoe en posición de pie, se conoce que era la sacerdotisa en el templo dedicado a la diosa Némesis (diosa de la justicia retributiva, la solidaridad, la venganza, el equilibrio y la fortuna).

Estatua de la
Sacerdotisa Aristonoe

Está representada como una mujer de mediana edad ataviada con un quitón (también conocido como chitón o jitón), compuesto por una pieza de tela con pliegues colocada alrededor del cuerpo.

Además encima del quitón lleva un himatión, es decir, un manto amplio que se enrollaba sobre el hombro y le envuelve el cuerpo.

Se puede observar como los brazos se encuentran doblados y estirados hacia adelante. 

El cuerpo descansa sobre la pierna derecha, mientras que la pierna izquierda está ligeramente flexionada hacia delante y en la parte inferior se aprecian los pies descalzos que sobresalen entre los pliegues del quitón.

En el rostro destacan los ojos almendrados, la nariz recta, el mentón redondeado y los labios gruesos y fruncidos. 

También se aprecia como el cabello se encuentra peinado hacia atrás despejando el rostro.

Cabe estacar que el estado de conservación es bueno, tan solo le faltan la parte inferior del brazo izquierdo, la mano derecha y en algunas zonas se aprecian abolladuras.

Para finalizar subrayar que sobre el pedestal rectangular y el zócalo se encuentra tallada una inscripción en griego antiguo, la inscripción es la siguiente:

"Θέμιδι καὶ Νεμέσει

Ἱεροκλῆς Ἱεροποιοῦ Ραμνούοιος

ὰνέθηκε τὴν μητέρα Ἀριοτονόην

Νικοκράτου Ραμνουοίου ἱέρειαν

Νεμέσεως"

Su traducción aproximada es:

" Para Themis y Némesis, Hierokles hijo de Hieropoios de Ramnonte 

dedicado a su madre Aristonoe hija de Nikokrates de Ramnonte,

sacerdotisa de Némesis"


Actualmente se encuentra en el Museo Arqueológico Nacional de Atenas, en Grecia.

domingo, 15 de agosto de 2021

La Muta (Rafael)

La Muta, también conocida como Retrato de una Dama o Retrato de una Mujer Joven, es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.507 d.C. y 1.508 d.C., perteneciente al arte renacentista.

La Muta
Fue pintada por el pintor y arquitecto italiano Raffaello Sanzio (también conocido como Rafael o Rafael de Urbino).

Lo primero que se conoce es que en el año 1.666 d.C. se encontraba incluida en el inventario de la herencia del cardenal italiano Carlos Fernando de Médici.

En el año 1.773 d.C. La Muta fue adquirida por la Galleria degli Uffizi, un museo estatal de la ciudad de Florencia (Italia), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Hasta que en el año 1.927 d.C. La Muta fue cedida a la Galleria Nazionale delle Marche, localizada en el municipio de Urbino, situado en la provincia de Pesaro y Urbino, en la región de Marcas (Italia)

Cabe destacar que la pintura fue robada el 6 de febrero del año 1.975 d.C., siendo recuperada por el "Arma dei Carabinieri" (organismo de seguridad del Estado italiano) el 23 de marzo del año 1.976 d.C. en la ciudad de Locarno, localizada en la comuna del cantón de Tesino, en Suiza.

Una vez recuperada la obra fue devuelta a la Galleria Nazionale delle Marche, en la ciudad de Urbino (Italia), dónde volvió a formar parte de su colección de arte.


Descripción


Tiene una altura de 64 cm y una anchura de 48 cm. Está pintada al óleo sobre tabla.

Se trata de un retrato que representa a una mujer noble en posición tres cuartos girada ligeramente hacia la derecha y sobre un fondo oscuro uniforme.

Está representada a medio cuerpo con las manos cruzadas sobre su regazo y apoyadas en el borde inferior, en el rostro destacan los ojos almendrados con la mirada hacia el espectador, la nariz recta y los labios finos.

La espalda está representada ligeramente encorvada hacia delante, aparte el cabello se encuentra peinado hacia atrás y sujeto en la parte superior por una banda o cinta. 

Se encuentra ataviada con un vestido verde ornamentado con bandas de terciopelo rojo, las mangas están abrochadas con cintas rojas que dejan al descubierto el vuelo de la enagua, lleva una camisa de lino con bordados negros y un delantal de lona blanca atado a la túnica con una cinta roja.

También lleva un colgante de cruz que está compuesto por una cadena de oro con eslabones densos y aplanados. Además la cadena está anudada en medio del busto y la cruz tiene un cabujón de piedra (posiblemente una esmeralda) en el medio, mientras que los brazos están decorados con un motivo formado por volutas de racimos que terminan en una flor roja.

En el el dedo índice de la mano izquierda lleva un anillo con un zafiro símbolo de castidad, en el dedo anular izquierdo lleva un anillo con un rubí símbolo de la prosperidad y en la mano derecha lleva un anillo joya ornamentado con un relieve.

Con respecto a la composición resaltar que presenta la influencia del polímata italiano Leonardo da Vinci (también conocido como Leonardo di ser Piero da Vinci), con una pose similar a la de la pintura de la Mona Lisa con el surgimiento gradual de la figura de la sombra, sin embargo tiene una definición más clara de los rasgos físicos y de la vestimenta.

Aparte se aprecia la influencia flamenca en el brillo general de la superficie pictórica, así como en el tratamiento de los detalles y sobretodo en los motivos ornamentales del vestido.

En cuanto a la policromía resaltar que la gamas limitadas de tonos de color unifican en su conjunto la composición.

Para finalizar subrayar que La Muta está considerada uno de los mejores retratos pintados por el pintor y arquitecto italiano Raffaello Sanzio.

Actualmente se encuentra en la Galleria Nazionale delle Marche, en el municipio de Urbino (Italia).

sábado, 14 de agosto de 2021

El Triunfo de Galatea (Rafael)

El Triunfo de Galatea es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.510 d.C. y 1.511 d.C., perteneciente al arte renacentista.

El Triunfo de Galatea

Fue pintada por el pintor y arquitecto italiano Raffaello Sanzio (también conocido como Rafael de Urbino o Rafael).

Se encuentra pintada en la Villa Farnesia, una villa-palacio construida por el pintor y arquitecto italiano Baldassare Peruzzi.

Propiedad del banquero y mecenas de arte italiano Agostino Chigi (también conocido como "el Magnífico").

La Villa Farnesia se encuentra en el barrio del Trastévere, localizado en la ciudad de Roma, situada en la región del Lacio, en Italia.


Descripción

Se trata de una pintura al fresco de carácter mitológico que representa el apoteosis de la nereida (ninfa del mar) Galatea, hija de Nereo y de Doris, amante del pastor Acis y amada por el cíclope Polifemo.

Galatea se encuentra representada en el centro de la composición, en posición de pie sobre un carro con forma de viera tirado por dos delfines. Está ataviada con un fino velo blanco sobre su rodilla izquierda y un manto rojo que esta anudado a su cuerpo dejando el torso y parte de la pierna derecha al descubierto.

Se aprecia como presenta el cuerpo se encuentra representado ligeramente torcido con una pose hacia la izquierda, con la cabeza girada sobre el hombro derecho y la mirada hacia arriba, además está representada con el cabello rubio largo y el manto rojo en movimiento arrastrados por el viento.

A su alrededor hay representados un grupo de dos nereidas y varios tritones, algunos de ellos están haciendo música tocando trompetas y caracolas, también se observa como en un primer plano está representado el dios Palemone (dios de los puertos) guiando a todos los personajes.

En la parte superior de la composición, en el aire, se encuentran representados tres cupidos apunto de lanzar dardos de amor a Galatea y un cuarto cupido está escondido detrás de una nube con un carcaj (también llamado aljaba) con flechas, cabe destacar que esta representación simboliza la castidad del amor platónico.

Con respecto a la composición resaltar la gama de colores, gracias a las investigadores llevadas a cabo se conoce que se utilizo "azul egipcio" para la representación del mar y del cielo.

También destaca el color del manto rojo de Galatea que contrasta con los colores utilizados para el resto de la composición atrayendo la mirada del espectador.

Aparte resalta como todos los personajes se encuentra representados con mucha naturalidad en sus rostros, siendo el rostro de Galatea el que refleja serenidad y dulzura.

Además destacar que los investigadores piensan que el rostro de Galatea se encuentra inspirado en la amante y modelo predilecta del pintor y arquitecto italiano Raffaello Sanzio, Margherita Luti (también conocida como la Fornarina).

Para finalizar subrayar que en el siglo XX d.C. (período comprendido entre los años 1.901 d.C. y 2.000 d.C.) El Triunfo de Galatea fue restaurado y durante la restauración se descubrió que la pintura había sido repintada en el siglo XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.700 d.C.).

Actualmente se encuentra en Villa Farnesina, en la ciudad de Roma (Italia).

viernes, 13 de agosto de 2021

Figura de Oba con Espada Ceremonial

La Figura de Oba con Espada Ceremonial es una escultura datada aproximadamente en el siglo XX d.C. (período comprendido entre los años 1.901 d.C. y 2.000 d.C.), perteneciente al arte africano.

Figura de Oba con Espada Ceremonial
Los investigadores piensan que podría haber sido fabricada en algún taller de la ciudad de Benín (también conocida como Edo), localizada en el estado de Edo, situado al sur de Nigeria.

Se conoce que desde el año 1.970 d.C. perteneció a la colección de arte del historiador de arte, coleccionista y marchante de arte Klaus Gunther Perls.

Hasta que en el año 1.991 d.C. la Figura de Obra con Espada Ceremonial fue donada por el Klaus Gunther Perls y su esposa Dolly Perls al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Donde pasó a formar parte de su colección de arte, dentro del departamento de arte africano.

Figura de Oba con
Espada Ceremonial



Descripción

Tiene una altura total de 30 cm. Está fabricada en latón, mediante las técnicas de incisión y fundición.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la figura de un oba (rey) en posición de pie.

Se encuentra ataviado con un traje ceremonial ornamentado mediante un tejido que tiene un patrón de coral trenzado.

Figura de Oba con
Espada Ceremonial

El traje se encuentra compuesto por una falda larga hasta la altura de los tobillos sujeta a la cintura por un fino cinturón del que cuelga una cadena.

Y una camisa de manga corta decorada en la parte delantera con pequeñas borlas y en la parte trasera con una cadena en forma de "x".

En las muñecas lleva pulseras y alrededor del cuello tiene un collar grueso decorado con un patrón geométrico que es característico de las imágenes asociadas a los gobernantes de Benín.

Figura de Oba con 
Espada Ceremonial

Con la mano derecha sostiene en alto una espada ceremonial, mientras que la mano izquierda está representada con la palma extendida y reposando en la cintura.

En el rostro destacan como los ojos almendrados y las cejas están muy marcados mediante incisiones, la nariz es recta y los labios gruesos.

Además lleva un tocado que le cubre la parte lateral y posterior de la cabeza y se encuentra decorado con un patrón geométrico.

Aparte la parte superior del tocado está ornamentado mediante figuras y diversas esculturas entre las que destaca una representación del árbol.

Se puede apreciar como los pies descalzos están apoyados sobre un pequeño pedestal cuadrangular que funciona como base de la escultura.

Para finalizar subrayar que la Figura de Oba con Espada Ceremonial tenía una funcionalidad propagandística destinada a reforzar la figura y autoridad del oba (rey).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

jueves, 12 de agosto de 2021

Tumba de la Pania

La Tumba de la Pania es una tumba datada aproximadamente en el siglo VI a.C. (período comprendido entre los años 700 a.C. y 601 a.C.), perteneciente al arte etrusco.

Tumba de la Pania
Fue hallada en el año 1.873 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas en una colina aislada en la meseta perteneciente a "Le biffe", localizada a lo largo de la carrera que conduce a la necrópolis de Chiusi.

Localizada en la provincia de Sienne, en la región de la Toscana (Italia).

Cabe resaltar que la Tumba de la Pania fue reconstruida en el parque de la "Villa Valentino", en la localidad de Cetona, situada en la provincia de Siena, en la región de Toscana (Italia).

En el año 1.974 d.C. el arqueólogo alemán Wolfgang Helbig publicó en el "Bullettino di Corrispondeza archeologica" los métodos del descubrimiento de la Tumba de la Pania y la disposición de los objetos.

Además en el año 1.900 d.C. el arqueólogo italiano Giulo Terrosi, publicó un estudio sobre el contenido hallado en la tumba, incluyendo un listado detallado de todos los diferentes objetos que fueron encontrados en su interior. 

También se puede apreciar como en el estudio se encuentran diferentes dibujos o bocetos y planos con anotaciones especificas del descubrimiento, las dimensiones de la tumba, las diferentes partes, así como notas con descripciones detalladas de todas las características de la tumba.

Tumba de la Pania
(Estudio de Giulo Terrosi)



Tumba de la Pania


Descripción


Se trata de una tumba compuesta por una única cámara funeraria casi cuadrada que ésta construida mediante bloques de travertino (roca formada por depósitos de calcita).

También dentro de la cámara hay un tabique central que separa las diferentes partes del interior de la tumba.

Destaca la zona destinada al depósito de un incinerado, es decir, la zona que fue utilizada para incinerar al difunto.

Y otra zona destinada al inhumado, es decir, la zona destinada al sepelio o velatorio del difunto. Además también fueron hallados diversos objetos personales del difuntos y otros objetos pertenecientes al ajuar funerario.
Tumba de la Pania

Además hay un pequeño compartimento dónde se encontraban depositados los objetos ceremoniales entre los que destacan:

Numerosos jarrones buccheros, perfumes, bálsamos y la Sítula de la Pania que está considerada uno de los mejores ejemplares de marfil fabricados dentro del arte etrusco que ha llegado hasta la actualidad.

Los investigadores piensan que todos éstos objetos ceremoniales podrían haber sido regalos realizados por la familia y la sociedad aristocrática al difunto.

Para finalizar subrayar que la Tumba de la Pania está considerada una de las tumbas más antiguas descubiertas en la necrópolis de Chiusi.

Medalla con Retrato del Sultán Mehmed II

La Medalla con Retrato del Sultán Mehmed II es una medalla datada en el año 1.480 d.C., perteneciente al arte otomano . Medalla con Retrato...