Estela de Raneb

La Estela de Raneb es una estela datada aproximadamente entre los años 2.850 a.C. y 2.700 a.C., perteneciente al arte egipcio.

Estela de Raneb

Fue elaborada durante la II dinastía del Antiguo Egipto, en concreto durante el reinado del faraón Raneb (también conocido como Nebra).

Cabe resaltar que el año del hallazgo es desconocido, pero se conoce que pudo haber sido encontrada durante las excavaciones arqueológicas realizadas en la antigua ciudad de Menfis. 

Localizada aproximadamente a 19 km al sur de la ciudad de El Cairo, situada en la ribera occidental y al sur del delta del río Nilo, en Egipto.

Se conoce que fue comprada en Egipto por el Museo de Ars Antiqua (Suiza), pasando a formar parte de su colección de arte.

Estela de Raneb

En el año 1.960 d.C. fue comprada al museo por el editor estadounidense Joseph Pulitzer.

Hasta que en el año 1.975 d.C. fue comprada por la editora de revistas y filántropa estadounidense Lila Acheson Wallace.

Quién donó la Estela de Raneb al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Estela de Raneb

Descripción

Tiene una altura de 100 cm, una anchura de 41 cm y un grosor de 27 cm. Está fabricada en granito, mediante las técnicas de incisión y tallado.

Se trata de una estela con forma rectangular grabada en relieve con el cartucho con el nombre del faraón Nebra (también conocido como Raneb), cuya traducción aproximada es "Ra es mi señor".

Cabe resaltar que fue el primer faraón que incorporó el nombre del dios Ra (dios del Sol y del origen de la vida) a su título de faraón.

El cartucho con el nombre del faraón se encuentra compuesto por un serej (una representación de la fachada de un palacio o edificio), en la parte inferior se aprecia un nicho asociado a las estructuras de edificaciones reales, mientras que la parte superior representa el interior del edificio o un patio en planta.

Además todo el conjunto se encuentra coronado por la representación del dios Horus (dios celeste, dios de la realeza del cielo, de la guerra y de la caza) que simboliza la identificación del faraón con ésta deidad, puesto que Horus es un dios que representa al faraón en vida.

Para finalizar subrayar que la Estela de Raneb forma parte de una serie de estelas con nombres de faraones que datan de la primera y segunda dinastía del Antiguo Egipto, además la mayoría de éstas eran elementos importantes de las tumbas reales. 

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Héctor Ecuestre

El Héctor Ecuestre es una escultura datada aproximadamente en el año 1.456 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Héctor Ecuestre

Fue fabricada por el escultor, ingeniero, arquitecto y teórico italiano Filarete (también conocido como Antonio Averlino, Antonio di Pietro Averlino o Antonio Averulino).

Héctor Ecuestre

En su taller localizado en la ciudad de Milán, situado en la región de Lombardía, en Italia.

La escultura procede del Museo de Antigüedades de la Real Biblioteca de España.

Hasta que pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Arqueológico Nacional de España, localizada en la ciudad de Madrid.

Descripción

Tiene una altura de 27,50 cm, una anchura de 25,50 cm y una profundidad de 12,50 cm. Está fabricada en bronce, mediante las técnicas de pulimentado, fundición a la cera perdida y cincelado.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la figura de un jinete erguido sobre el caballo. En el rostro serio destaca la mirada puesta en el horizonte y el torso erguido le da una actitud triunfante.

Héctor Ecuestre

La escultura representa al príncipe troyano Héctor (también conocido en la antigüedad como "domador de caballos") montado a caballo, cabe resaltar que la escultura también es un homenaje que ensalza el valor del príncipe.

El joven se encuentra ataviado con una armadura que fue utilizada entre los siglos XV d.C. o XVI d.C. (período comprendido entre los años 1.401 d.C. y 1.600 d.C.), así como los arreos del caballo.

Se puede apreciar como la armadura está ornamentada con el escudo de un león heráldico y en la silla de montar hay grabado una serpiente-dragón enroscada y echando llamas por las fauces.

El caballo está representado avanzando con paso elegante y firme, aparte se observa como eleva una de sus patas delanteras en señal de movimiento.

Tanto el caballo como el jinete se encuentra apoyados sobre una peana decorada en los laterales con escenas representadas en bajorrelieve.

Las escenas están adornadas con putti, láureas y bucráneos, en ellas se representa a Héctor derribando a Hércules de su callado en una justa de lanzas.

En el frente de la peana se encuentra una inscripción en latín que proclama la victoria y el valor del príncipe troyano.

Héctor Ecuestre

La inscripción es la siguiente:

"HECTOR HIC EST PRIAMI TRO M FROTISSIMVS 

HEROS ET DANAIS TERROR PRIMVS QUO 

CONCIDIT HERCLES DARDANIAE LVCEM"

Además en la base se encuentra inscrita la firma del autor: 

"OPVS ANTONII / 1456"

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que la escultura de Héctor Ecuestre puede ser un retrato alegórico del condotiero y fundador de la dinastía Sforza italiano Francesco I Sforza (también conocido como Francisco I Sforza).

Puesto que los emblemas heráldicos situados en la armadura coinciden, según el poema épico medieval del siglo XIII d.C.: "La canción de Hércules y Héctor", con los utilizados por Héctor en su enfrentamiento con Hércules, además el poema ensalza a Héctor como vencedor de Hércules en un lance caballeresco.

Actualmente se encuentra en el Museo Arqueológico Nacional de España, en la ciudad de Madrid.

Las Tres Edades y la Muerte (Hans Baldung)

Las Tres Edades y la Muerte es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.541 d.C. y 1.544 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Las Tres Edades y la Muerte

Fue pintado por el pintor, ilustrador, grabador y diseñador de vidrieras alemán Hans Baldung (también apodado Grien o Grün).

Se conoce que se encontraba en el Real Alcázar de Madrid, aunque después del incendio ocurrido el 24 de del año 1.734 d.C. la pintura, junto con otras obras, fueron trasladadas de forma provisional a las Casas Arzobispales (propiedad del Arzobispo de Toledo). 

Siguió perteneciendo a la Colección Real hasta que desde el 19 de noviembre del año 1.819 d.C. pasó a formar parte de la colección de arte del Museo del Prado, localizado en la ciudad de Madrid (España).

Descripción

Tiene una altura de 151 cm y una anchura de 61 cm. Está pintada al óleo sobre tela.

Se trata de una pintura en la que aparece representada una alegoría a la fugacidad de la belleza y la fragilidad de la vida humana.

A la izquierda de la composición se encuentra representada la Muerte con su mano izquierda sostiene una lanza rota o quebrada que está apoyada sobre la mano de un niño muerto representado tumbado en la parte inferior izquierda.

La Muerte con su mano derecha sostiene un reloj de arena que simboliza el paso del tiempo. Además con el brazo derecho toma a la mujer mayor que está representada en el medio.

Ésta se encuentra representada girada hacia la derecha, se puede observar como con la mano izquierda sostiene el manto con el que se encuentra ataviada la mujer joven situada a la derecha de la composición, mientras que la mano izquierda está apoyada en el hombro derecho de la mujer joven.

La mujer joven está representada desnuda, pálida, ataviada con un fino manto plisado semitrasparente que le cubre la parte inferior del cuerpo y deja entrever su anatomía. El cabello largo y rizado se encuentra peinado en un elaborado recogido y sujeto con un lazo o banda negro.

Cabe resaltar las semejanzas entre la mujer joven y la Muerte, puesto que ambas están representadas con la cabeza inclinada tres cuartos hacia la izquierda con la mirada fija en el espectador.

La principal diferencia radica en su apariencia física, puesto que la mujer joven aparece representada muy pálida como símbolo de pureza, la Muerte está representada calva, muy delgada y sin senos.

En el fondo hay representado un árbol seco, destaca como la parte superior de la composición simboliza el cielo con un Cristo crucificado y un rayo de luz celestial que sale del sol situado entre las nubes.

Mientras que en la parte inferior está representada la entrada al infierno, aparte se aprecia como en la parte inferior derecha, en el suelo, hay representado un búho o lechuza símbolo de sabiduría, además de ser una advertencia sobre las consecuencias del pecado.

Con respecto a la composición resaltar la gama cromática destacando el uso de colores fríos, los únicos matices visibles son un blanco muy pálido, el gris del cielo y un marrón degradado utilizado tanto para el color de la tierra como para representar los cuerpos de la mujer mayor y de la Muerte. 

También cabe enfatizar que los colores utilizados muestran una falta de vida en ésta pintura, así como la presencia de la Muerte recuerda el paso del tiempo y muestra que la vida humana irremediablemente acaba en ella.

Para finalizar subrayar que Las Tres Edades y la Muerte es una de las obras más conocidas del pintor, ilustrador, grabador y diseñador de vidrieras alemán Hans Baldung. 

Actualmente se encuentra en el Museo del Prado en la ciudad de Madrid, España.

Piedra de Agua

La Piedra de Agua, también conocida como Water Stone o ウォーター・ストーン, es una fuente datada en el año 1.986 d.C., perteneciente al arte japonés.

Piedra de Agua

Fue encargada al escultor y diseñador estadounidense-japonés Noguchi Isamu (野口勇).

Después de su fabricación, en el año 1.987 d.C., fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 63,6 cm, una anchura de 108, 6 cm y un peso de 1 tonelada. 

Se trata de una fuente fabricada en un bloque de basalto oscuro que ha sido asentado sobre una base de piedras de granito redondeadas naturalmente.

Piedra de Agua

La fuente y su entorno forman un jardín abstracto que evoca la estrecha relación entre el espacio interior y exterior.

Además la mampara de madera (cuya construcción fue aprobada por Noguchi Isamu (野口勇)) es una convención arquitectónica que se remonta al siglo XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.700 d.C.), según la cual el espacio interior se centra en un marco específico de un jardín.

Cabe resaltar que en Japón, los jardines a menudo contienen una palancana de piedra que tiene la funcionalidad de recolectar agua, que es transportada a través de una tubería de bambú desde un arroyo de montaña cercano.

Piedra de Agua

Pero en éste caso, el agua emerge de las profundidades de la roca, lo que une los elementos dispares de agua y piedra.

Se puede apreciar como el agua fluye sobre la fuente de piedra de manera casi invisible.

Además cabe resaltar que la fuente fue especialmente creada para este espacio.

Piedra de Agua

Los materiales para la fabricación de la fuente proceden de Japón.

Fueron transportados a la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde la obra de arte fue realizada.

Se conoce que las piedras claras de la fuente provienen del lecho del río Isuzu (五十鈴川), que fluye cerca del Santuario Ise (伊勢神宮), considerado uno de los lugares sintoístas más sagrados.

Mientras que la piedra de basalto oscuro que forma la fuente también procede de Japón.

Para finalizar subrayar que la Piedra de Agua es una de las últimas obras que fue creada por el escultor y diseñador estadounidense-japonés Noguchi Isamu (野口勇) antes de su muerte.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Retrato de una Princesa de la Casa de Este

El Retrato de una Princesa de la Casa de Este, también conocido como Retrato de una Princesa, es un retrato datado aproximadamente entre los años 1.435 d.C. y 1.449 d.C., perteneciente al arte medieval, en concreto al arte gótico.

Retrato de una Princesa de la Casa de Este

Fue pintado por el pintor y medallista cuatrocentista italiano Pisanello (también conocido como Antonio di Puccio Pisano o Antonio di Puccio da Cereto).

Se conoce que en el año 1.860 d.C. la pintura fue adquirida por el diplomático y cónsul alemán Félix Bamberg.

En el año 1.863 d.C. fue comprada por un precio de 30.000 francos para formar parte de la colección de arte del Museo del Louvre en la ciudad de París, Francia.

Descripción

Tiene una altura de 43 cm y una anchura de 30 cm. Está pintado en témpera sobre tabla.

Se trata de un retrato que representa la figura de una princesa de perfil mirando hacia la derecha.

En el rostro de perfil destaca el ojo almendrado con el párpado caído, las cejas finas, la nariz recta, los labios finos y el mentón redondeado. El cabello claro se encuentra recogido en un elaborado peinado sujeto mediante cintas blancas.

Se encuentra ataviada con un vestido plisado ceñido a la cintura mediante un cinturón marrón y mangas largas abullonadas de color rojo.

Además la parte superior del vestido también tiene un manto ornamentado con un jarrón de dos asas con anclas que es una heráldica de la familia Este y un borde con un patrón de líneas de franjas: rojas, negros y blancas. 

Con respecto a la composición llama la atención la minuciosidad en la representación de los detalles florales del fondo y la atmósfera serena que son elementos típicos del estilo gótico tardío.

Aparte en el fondo se pueden encontrar numerosos símbolos asociados con presagios de la muerte, entre los que destacan:

• Mariposa: símbolo del alma.
• Seto de Aquilege: símbolo del matrimonio, de la fertilidad y la muerte.
• Clavel: símbolo del matrimonio, la fertilidad y el compromiso.
• Ramita de enebro: referencia al nombre de Ginevra y también un presagio de muerte.
• Cadena: símbolo de unión y matrimonio.

Para finalizar subrayar que se piensa que la mujer representada pudo haber sido una noble italiana que falleció joven.

La opinión más aceptada por los investigadores es que la persona representada podría ser la noble italiana esposa del señor de Rímini, Fano y Cesena Segismondo Pandolfo Malatesta, Ginevra de Este. Quién murió a los veintiuno años tras una depresión por la muerte de su hijo.

Otros consideran que podría ser su hermana gemela la noble italiana esposa del señor de Sabbioneta y noble italiano de la Casa Mantua de Gonzaga Carlo Gonzaga de Milan, Lucía de Este, que murió joven sin dejar descendencia.

Ambas hermanas eran hijas del marqués Nicolás III de Este de Ferrara y Laura Malatesta (también conocida como Parisina Malatesta).  

Aunque unos pocos investigadores consideran que también la mujer representada podría ser la noble italiana y esposa del marqués de Este, marqués de Ferrara y duque de Módena y Regio Leonelo de Este, Margherita Gonzaga, quién murió un año después de dar a luz a su único hijo.

Actualmente se encuentra en el Museo del Louvre de la ciudad de París, Francia.

Botella con Dragón Enrollado

La Botella con Dragón Enrollado es una botella datada aproximadamente en el siglo XVI d.C. (período comprendido entre los años 1.501 d.C. y 1.600 d.C.), perteneciente al arte chino.

Botella con Dragón Enrollada

Es sabido que fue fabricada a finales de la dinastía Ming (明朝), en concreto durante el reinado del Emperador Wanli (萬曆帝) que gobernó desde el año 1.572 d.C. al año 1.620 d.C. por un período de 48 años.

Se conoce que el año 1.918 d.C. la Botella con Dragón Enrollado fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Cabe resaltar que desde el 24 de septiembre del año 1.978 d.C. hasta el 26 de noviembre del año 1.978 d.C. formo parte de la exposición "El dragón auspicioso: arte decorativo chino".

Expuesta en el Museo de Arte Katonah, localizada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Botella con
Dragón Enrollado

Descripción

Tiene una altura de 21 cm. Está fabricada en porcelana con esmalte transparente.

Se trata de una botella o un pequeño jarrón con tipología de yuhuchun (玉壶春瓶), es decir, una botella con la boca inclinada, el cuello estrecho, el cuerpo en forma de pera y una pequeña base.

El cuello es delgado, se puede apreciar como el centro del cuello se encuentra ligeramente estrecho, pero se ensancha gradualmente hacia abajo hasta juntarse con el cuerpo. Además se puede observar como en el cuello hay representado un dragón enrollado. 

También cabe resaltar que en la parte inferior del pie de la base hay una inscripción consistente en la marca: "Yuan".

Para finalizar subrayar que la Botella con Dragón Enrollado se encuentra englobada dentro del tipo conocido como Porcelana de Dehua (德化陶瓷), también conocido como "Blanc de Chine" (Blanco de China).

Botella con Dragón Enrollado

Originalmente fabricada en localidad de Déhuà Xiàn o condado de Déhuà 德化县, situada en la prefectura de Quanzhou (泉州).

En la provincia de Fujian (福建省), en China 中国 (también conocida como República Popular China o 中华人民共和国).

Aparte enfatizar que éste tipo de porcelana recibe su nombre de una fina cobertura blanca, relacionada por la utilización en su fabricación de una arcilla especial .

La porcelana fue fabricada en el yacimiento de horno de Qudougong (屈斗宫).

Además la arcilla especial de color blanca, es pura y con muy bajo porcentaje de óxido de hierro en ella, lo que permite que sea cocida a una atmósfera oxidante de una temperatura de 1.200 ºC y a aun color marfil claro o blanco cálido que la vuelve completamente diferenciable y reconocible.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Retrato de una Anciana (Giorgione)

El Retrato de una Anciana, también conocido como Vecchia, es una pintura realizada aproximadamente en el año 1.506 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Retrato de una Anciana

Fue pintado por el pintor italiano Giorgio Barbarelli da Castelfranco (también conocido como Giorgione).

Se conoce que desde el año 1.569 d.C. hasta el año 1.601 d.C. el Retrato de una Anciana se encontraba en la "Colección Vendramin".

Para después pasar a formar parte de la colección de arte de la "Accademia di Belle Arti", también conocida como Galería de la Academia.

Localizada en la ciudad de Venecia, situada en la región de Véneto, al noroeste de Italia.

Descripción

Tiene una altura de 68 cm y una anchura de 59 cm. Está pintado al óleo sobre tela.

Se trata de un retrato de una anciana girada hacia la derecha y sobre un fondo oscuro. En el rostro destaca la mirada dirigida al espectador y una intensa expresión de dolor con la boca ligeramente abierta.

Se encuentra ataviada con un vestido rosa de manga larga, así como una tela blanca con flecos en el dobladillo que descansa sobre el hombro izquierdo, también lleva un tocado blanco aflojado en la cabeza que deja al descubierto un mechón de pelo gris.

La mano derecha se encuentra representada apoyada en el pecho, aparte sostiene un pergamino que lleva escrito la inscripción: "Con Tempo", traducida como "con el tiempo".

Esto ha sido interpretado como una reflexión sobre la vejez, por un lado conlleva una inevitable devastación física, pero también conlleva un aumento de la sabiduría.

Para finalizar subrayar con respecto a la composición el uso de un fondo cromático denso que destaca y da relevancia a la figura representada. También resalta el realismo sobretodo en la representación de las arrugas y los cabellos de la anciana.

Actualmente se encuentra en la Galería de la Academia de la ciudad de Venecia, en Italia.

Vasija con Forma de Pájaro

La Vasija con Forma de Pájaro, también conocida como 새 모양 토기 삼국 (삼한시대), es una vasija datada aproximadamente en el siglo III d.C. (período comprendido entre los años 201 d.C. y 300 d.C.), perteneciente al arte coreano.

Vasija con Forma de Pájaro

Fue elaborada durante el período de los Tres Reinos de Corea (período comprendido entre los años 57 a.C. y 668 d.C.).

Se conoce que perteneció a la colección de arte de la editora de revistas y filántropa estadounidense Lila Bell Wallace.

Después perteneció a la colección de la galería de arte "J. J. Lally & Co. Oriental Art", localizada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.997 d.C. la Vasija con Forma de Pájaro pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene una altura de 32,7 cm, una anchura de 11,4 cm y una longitud de 35,2 cm. Está fabricado en loza de barro.

Se trata de un recipiente, una vasija con forma de pájaro, se puede apreciar como el cuerpo del animal se encuentra apoyado sobre un pie grueso que acaba en una base ligeramente acampanada.

El pájaro presenta el cuello largo, el pico alargado, el ojo pequeño y oblicuo, además se aprecia como tiene una especie de cresta en la parte posterior del cabeza.

El líquido podría ser vertido en la vasija a través de una abertura situada en la parte superior del lomo, el líquido fluía a través de la cola de ave por dónde podría ser expulsado.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que la Vasija con Forma de Pájaro podría haber tenido una función funeraria, puesto que se han hallado numerosos recipientes con formas parecidas en los cementerios cercanos al río Nakdong (낙동강), en Corea del Sur.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Piedra de la Bruja Serpiente

La Piedra de la Bruja Serpiente, también conocida como Piedra de Smiss o Hechicera Serpiente, es una estela datada aproximadamente entre los años 400 d.C. y 600 d.C., perteneciente al arte medieval, en concreto al arte vikingo.

Piedra de la Bruja Serpiente

Se conoce que en el año 1.952 d.C. fue el granjero y terrateniente Karl Larsson quién encontró la piedra de manera casual en un cementerio.

Sin embargo fue el 10 de abril del año 1.954 d.C. cuando la archivista nacional y la primera profesora de arqueología sueca Greta Arwidsson.

Inspeccionó el cementerio y según su informe la Piedra de la Bruja Serpiente fue encontrada boca abajo en el campo de al lado de la parroquia de När.

Localizada en la provincia de Gotland, situada en la región histórica de Götaland, en Suecia.

Desde el año 1.954 d.C. la estela pasó a formar parte de la colección de arte del Museo de Gotland, localizado en la ciudad de Visby, en la provincia de Gotland (Suecia).

Piedra de la Bruja Serpiente

Descripción

Tiene una altura de 82 cm.

Se trata de una estela de piedra que tiene una de sus caras grabada y policromada con pigmento rojo.

La escena grabada tiene dos motivos principales: la imagen superior está formada por la figura dónde hay tres criaturas entrelazadas, enroscadas en forma de serpiente, formando un patrón del símbolo trisquel (también conocido como triskelion o triskele).

Cabe destacar que el profesor y arqueológo sueco Sune Lindqvist considera a las tres criaturas con forma de serpiente como un jabalí, un ave de presa y un depredador.

Piedra de la Bruja Serpiente

Mientras que la parte inferior muestra la figura de una mujer sentada con una serpiente en cada mano. 

Además se puede observar como en el borde hay una banda ornamentada con un patrón geométrico.

Para finalizar subrayar que los motivos se han relacionado con Gutasagan (una saga que cuanta la historia de Gotland antes de la cristianización). 

Aparte también los motivos se han relacionado con la historia de Havde y su esposa Vitastjerna, que según la leyenda soñaba con tres serpientes que entraban y salían de su pecho.

Havde interpretaba éste sueño como que todo se encuentra atado con anillos, la Tierra será construida y tendrían tres hijos. También destacar que antiguamente la serpiente era considerada un símbolo de fertilidad.

Actualmente se encuentra en el Museo de Gotland, Suecia.

Medallón con Retrato de Gennadios

El Medallón con Retrato de Gennadios es un medallón datado aproximadamente entre los años 250 d.C. y 300 d.C., perteneciente al arte romano.

Medallón con Retrato de Gennadios

Se conoce que fue fabricado en la ciudad de Alejandría, localizada en la zona más occidental del delta del río Nilo, situado en el norte de Egipto.

También es sabido que perteneció a la colección de arte de Martin Fabiani.

Hasta que en el año 1.926 d.C. el Medallón con Retrato de Gennadios fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene un diámetro de 4,1 cm y un grosor de 0,6 cm. Está fabricado en vidrio y pan de oro.

Se trata de un medallón redondeado trabajado en oro sobre vidrio de azul oscuro. Se observa como en la su superficie de una de sus caras aparece representado el busto de un hombre joven.

Medallón con Retrato de Gennadios

Presenta el cabello rizado, la cabeza girada hacia el lado derecho, con un manto sobre el hombro izquierdo y que posiblemente fue educado en la ciudad portuaria de Alejandría (Egipto).

En el rostro destacan los ojos almendrados, la nariz recta, los labios carnosos y los pómulos marcados.

También tiene una inscripción escrita en griego, siendo la traducción aproximada la siguiente:

"Gennadios más logrado en las artes musicales"

Gracias a la inscripción se conoce que la persona retratada se llamaba Gennadios y que probablemente el medallón celebraría su éxito en algún concurso musical o que también el medallón podría haber servido para conmemorar y ensalzar sus buenas cualidades para la música.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que el Medallón con Retrato de Gennadios fue elaborado para ser montado y usado como colgante, sin embargo en la actualidad el colgante se encuentra perdido.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Lingote de Plomo con Monogramas

El Lingote de Plomo con Monogramas es un lingote datado aproximadamente en el siglo VI d.C. (período comprendido entre los años 501 d.C. y 600 d.C.), perteneciente al arte medieval, en concreto al arte bizantino.

Lingote de Plomo con Monogramas

Cabe destacar que se piensa que pudo haber sido fabricada en la ciudad de Bizancio, situada en la parte occidental de la entrada del estrecho del Bósforo. 

Antiguamente se encontraba en una provincia griega que pertenecía al Impero romano.

Después en la misma ciudad se fundó la antigua ciudad de Constantinopla.

Actualmente ésta localización se corresponde con la ciudad de Estambul, en Turquía.

Perteneció a la colección de arte del marchante de arte Robert Emmanuel Hecht.

Lingote de Plomo con Monogramas

Hasta que en el año 2.002 d.C. el Lingote de Plomo con Monogramas fue regalado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 0,7 cm, una anchura de 3,7 cm, una longitud de 3,6 cm y un peso de 80 g. Esta fabricado en plomo.

Se trata de un lingote con forma cuadrada que tiene en su superficie un estampado con tres monogramas circulares con la misma inscripción escrita en escritura griega.

La inscripción y su traducción aproximada es la siguiente:

"Eparchou Poleos" = "Eparca de la ciudad"

Lingote de Plomo con Monogramas

Por lo tanto éste lingote de tres onzas es probablemente un marcador de mercancía, lo que podría indicar que el eparca (es decir, un prefecto de la ciudad de Constantinopla durante el Imperio Bizantino) de la ciudad habría inspeccionado y aprobado el material.

Para finalizar subrayar que es conocido que durante el Imperio Bizantino el Lingote de Plomo con Monogramas formaba parte del uso para la medición precisa de las mercancías.

Además también se conoce que la medición pudo haber sido lograda gracias al uso de un conjunto de contrapesos estándar.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Broche de Ala Romano

El Broche de Ala Romano es un broche datado aproximadamente entre los años 100 d.C. y 200 d.C., perteneciente al arte romano.

Broche de Ala Romano

Los investigadores piensan que pudo haber sido fabricado en la antigua región de Panonia, limitada al norte por el río Danubio y una de las provincias de la fronteras del Imperio romano.

Se conoce que perteneció a un coleccionista privado afincado en Holanda, hasta que en el año 1.998 d.C. fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), donde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 19,6 cm, una anchura de 4,9 cm y una profundidad de 3,9 cm. Está fabricado en plata, oro y cuatro cornalinas (gema también conocida como alaqueca, alaqueque o carneola).

Se trata de un broche forjado en plata y ricamente decorado. Cabe enfatizar que este tipo de broche es conocido como "broche de ala" debido a las extensiones en forma de alas que flanquean el pomo en la curva del arco.

El pomo se encuentra decorado con un patrón en zigzag y las dos alas están ornamentadas con dos pequeños pomos.

Desde la perilla y a lo largo del arco hay un diseño perforado, además la gran placa de retención trapezoidal está cubierta con una lámina de oro, excepto la zona en la que está perforada con patrones elaborados.

El alambre de oro trenzado está dispuesto en líneas onduladas, también hay motivos de pergaminos y corazones. Se puede observar como cuatro cornalinas enmarcan los dos intrincados patrones calados cerca de la punta del plato de captura:

Uno de los patrones está ornamentado con círculos enlazados, mientras que el otro patón está compuesto por corazones enlazados. Aparte la superficie también esta adornada con tachuelas plateadas redondeadas y en forma de roseta.

Con respecto al estado de conservación destacar que excepto por pequeñas perdidas en la lámina de oro, el broche se encuentra completo y en excelentes condiciones.

Para finalizar subrayar que durante la época romana las mujeres solían utilizar éste tipo de broches en el hombro con las placas de retención intrigadamente perforadas sobresaliendo por encima de sus túnicas lo que creaba un efecto modelado relativamente delicado.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

El Caballero de la Mano en el Pecho

El Caballero de la Mano en el Pecho es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.578 d.C. y 1.580 d.C., perteneciente al arte renacentista.

El Caballero de la Mano en el Pecho

Fue pintado por el pintor griego Doménikos Theotokópoulos (también conocido como El Greco).

Se conoce que perteneció a la colección de arte del rey Felipe V de España (también conocido como "el Animoso").

La pintura se encontraba en la colección real del Palacio Real de El Pardo, localizado en el barrio de El Pardo perteneciente al municipio de Madrid, en la comunidad autónoma de Madrid (España).

Hasta que pasó a formar parte de la colección de arte del Museo del Prado, localizado en la ciudad de Madrid, situada en la comunidad autónoma de Comunidad de Madrid (España).

Descripción

Tiene una altura de 81,8 cm y una anchura de 65,8 cm. Está pintado en pintura al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura, un retrato, del medio cuerpo de un caballero cristiano representado en el momento de hacer un voto.

En el rostro ovalado destacan la mirada, puesto que el ojo derecho está fijo en el espectador, mientras que el ojo izquierdo presenta el párpado algo caído. La nariz es recta, los labios son finos, el bigote y la barba frondoso.

Tiene la mano derecha al lado izquierdo del pecho (sobre el corazón), simbolizando respeto y una declaración de intenciones comprometiéndose a mantener su honor.

Se observa como hay una espada que podría estar sostenida por su mano izquierda, pero tan solo se puede apreciar la empuñadura dorada.

El Caballero de la Mano en el Pecho

La espada simboliza el juramento para combatir en nombre y defensa de Dios.

Está ataviado con un traje negro con un cuello de lechuguilla con puntas y en las mangas también lleva encaje de lechuguilla con puntas. 

Aparte lleva una cadena y colgante de oro metido por dentro del traje negro.

Cabe resaltar que en el anverso, ángulo inferior izquierdo aparece la inscripción 1136 en color anaranjado.

Además en el margen derecho del anverso hay rastros de una inscripción escrita en pintura blanca y en letras griegas mayúsculas.

La inscripción y su traducción aproximada es la siguiente:

"ΔΟΜHΝΙΚΟΣ ΘΕΟΤΟΚOΠΟYΛΟΣ EΠΟIΕΙ" 

= 

"Doménikos Theotokópoulos me elaboró"

Con respecto a la composición destacar el fondo neutro que hace resaltar la figura representada, también se observa como la composición es centrada y simétrica.

Sobretodo se aprecia como el cabello, la nariz y la punta de la barba marcan el eje central y los hombros marcan un diseño triangular con la cabeza situada en el vértice.  

El Caballero de la Mano en el Pecho

También se observa como el cuerpo y los brazos están representados en un ángulo oblicuo con respecto al plano pictórico.

En cuanto a la policromía resalta el uso de los colores: blanco, gris y negros, junto con tonos rosados y dorados. 

Incluso se aprecia como la gama de tonos de los colores se complementan entre sí.

El negro resalta el color blanco, los tonos grisáceos oscuros resaltan los tonos dorados y los tonos blancos de la vestimenta hacen resaltar la expresión del rostro y dirigen la atención hacia la mano derecha.

Durante las restauraciones llevadas a cabos se revelaron que: el fondo original era de un tono mucho más claro, la luz exterior ilumina el rostro y la vestimenta muestra diversos matices oscuros.

Para finalizar subrayar que antes de la última restauración de la pintura el poeta y dramaturgo español Manuel Machado Ruiz dedicó el poema "El Caballero de la Mano en el Pecho" a la obra del mismo nombre.

El poema es el siguiente:

" Este desconocido es un cristiano 

de serio porte y negra vestidura, 

donde brilla no más la empuñadura,

de su admirable estoque toledano "

Cabe enfatizar que aunque la identidad de la persona representada es desconocida, la mayoría de los investigadores piensan que podría ser el retrato del noble español y I marqués de Montemayor, Juan de Silva y Rivera.

Sin embargo otros consideran que la persona representada podría ser el secretario de cámara y del Consejo de Estado del rey Felipe II de España (también conocido como "el Prudente"), Antonio Pérez del Hierro.

Actualmente El Caballero de la Mano en el Pecho se encuentra en el Museo del Prado de la ciudad de Madrid, España.

Patena Mozárabe de Valcavado

La Patena Mozárabe de Valcavado es una patena datada aproximadamente entre los siglos X d.C. y XI d.C. (período comprendido entre los años 901 d.C. y 1.100 d.C.), perteneciente al arte medieval.

Patena Mozárabe de Valcavado

En concreto al arte prerrománico y dentro de éste pertenece al arte mozárabe.

Fue hallada en el año 1.988 d.C. de manera casual por un fotógrafo mientas se encontraba pescando en el río Carríon.

Aproximadamente a 50 metros más abajo del emplazamiento de las ruinas del antiguo Monasterio de Valcavado.

Localizado en el pueblo de Villaires, situado en la provincia de Palencia, en la comunidad autónoma de Castilla y León (España).

Descripción

Está fabricada en plata con baño de oro.

Se trata de una patena, es decir, un plato pequeño de escaso fondo, utilizado para colocar la hostia durante la celebración eucarística.

La parte exterior se encuentra ornamentada con relieves, dónde se aprecian una serie de medallones dispuesto alrededor de una banda central y un medallón central.

Cada medallón está decorado con un animal típico del bestiario mozárabe, además alrededor de cada medallón también hay representada ornamentación con patrones geométricos y vegetales. 

Patena Mozárabe de Valcavado

Se puede observar como en el centro, en el interior de la banda circular, hay la siguiente inscripción escrita en latín:

"+ IN NOMINE DOMINI OSORIVS ET GOTO HOC VAS FIERI IVSSERVNT"

Su traducción aproximada es la siguiente:

"En el nombre de Dios, Osorio y Goto mandaron hacer esta patena"

Para finalizar subrayar que se desconoce la identidad de Osorio y Goto, pero los investigadores piensan que Osorio podría ser un noble perteneciente a la familia condal Banu Gómez, una poderosa familia levantisca que habitó en la marca castellana del Reino de León entre los siglos X d.C. y XII d.C. (período comprendido entre los años 901 d.C. y 1.200 d.C.).

Actualmente se encuentra en el Museo de la Iglesia de San Pedro, en la ciudad de Plasencia (España).

Bandeja de Corbridge

La Bandeja de Corbridge es una bandeja datada aproximadamente en el siglo IV d.C. (período comprendido entre los años 301 d.C. y 400 d.C.), perteneciente al arte romano.

Bandeja de Corbridge

Fue hallada en febrero del año 1.735 d.C. de manera accidental por Isabel Cutter, a la edad de nueve años, a orillas del río Tyne, cerca del Muero de Adriano.

Situado cerca del pueblo de Corbridge, localizado en el condado de Northumberland, en la región nordeste de Gran Bretaña.

Se conoce que la Bandeja de Corbridge pasó a formar parte de la colección de arte de los duques de Northumberland.

Hasta que en el año 1.993 d.C. fue vendida por el undécimo duque de Northumberland, Henry Alan Walter Richard Percy, al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña).

Descripción 

Tiene una longitud de 503 mm, una anchura de 380 mm y un peso de 4.600 g. Está fabricado en plata.

Se trata de un bandeja con forma rectangular que se encuentra grabada con una escena mitológica. Se piensa que originalmente podría haber sido utilizada en banquetes romanos o ser usada como una bandeja ritual para sacrificios.

Bandeja de Corbridge

La escena representada se encuentra enmarcada por un borde ornamentado con un patrón de racimos de vid.

En la parte izquierda de la escena aparece representado el dios Apolo (dios de la belleza, la música, de la curación, la adivinación y la juventud) en posición de pie a la entrada de un santuario.

En la cabeza lleva una corona de laurel, además sostiene una rama con su mano derecha, mientras que con la izquierda sostiene en alto un arco y a sus pies hay una lira.

Se puede apreciar como no lleva ningún tipo de ropa cubriendo el cuerpo, tan solo tiene una capa sobre los hombros que le cae por la espalda.

A la derecha de la composición se encuentra representadas la diosa Diana (diosa de la caza, de la luna, protectora de la castidad y la virtud) sosteniendo un arco y la diosa Minerva (diosa de la sabiduría, de la guerra, la civilización, la estrategia de combate, la ciencia, la justicia y la habilidad) con la mano levantada, ambas están representadas manteniendo una conversación.

Bandeja de Corbridge

Detrás de ellas aparecen dos figuras femeninas una de pie y otra sentada, sin embargo no se ha podido determinar quién divinidad del panteón romano representan. 

Se puede observar como frente a los dioses, en la parte inferior, hay representados un altar flanqueado por el sabueso (perro) de la diosa Artemisa, un ciervo caído y un grifo (animal mitológico cuya parte superior es de un águila, mientras que la parte inferior es un león).

Cabe resaltar que el grifo a menudo era un animal mitológico asociado con el dios Apolo.

Situado en la base cerca de la esquina del pie hay una inscripción escrita en latín realizada mediante puntos perforados.

La inscripción es la siguiente:

"p (ondo) (ibrae) XIV (unciae) III (scripula) II"

Su traducción aproximada es la siguiente:

" Peso catorce (libras) tres onzas y dos escrúpulos"

Cabe destacar que para los romanos un escrúpulo era una unidad de peso o de valor, aparte de una unidad de tiempo.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que la Bandeja de Corbridge pudo haber formado parte de un tesoro de plata romano, puesto que a principios del siglo XVIII d.C. y por un período aproximado de 30 años, en el mismo lugar donde fue hallada la bandeja también fueron encontrados otros artefactos y objetos de plata, sin embargo en la actualidad tan solo se conserva la Bandeja de Corbridge.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Estatua Sedente de Hatshepsut

La Estatua Sedente de Hatshepsut es una escultura datada aproximadamente entre los años 1.479 a.C. y 1.458 a.C., perteneciente al arte egipcio.

Estatua Sedente de Hatshepsut

Fue hallada en el año 1.843 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas por el lingüista, bibliotecario y egiptólogo alemán Karl Richard Lepsius.

En el interior del templo de Dyeser-Deyeseru (el templo funerario de Hatshepsut), localizado en complejo de Deir el-Bahari, situado en la ribera occidental del río Nilo, frente a la antigua ciudad de Tebas (Egipto).

En el año 1.929 d.C. la escultura fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

¿Quién fue Hatshepsut?

Hatshepsut, también conocida como Maatkara Hatshepsut, fue la quinta reina-faraón de la XVIII dinastía de Egipto, gobernó Egipto aproximadamente entre los años 1.490 a.C. y 1.468 a.C. por un período de 22 años.

Durante su gobierno se restauraron numerosos templos con la intención de embellecer el país después de que había sido arrasado por diversas guerras anteriores.

De entre todas las edificaciones que mandó edificar destaca: la Capilla Roja del templo de Amón en Karnak, un conjunto de grandes obeliscos y el templo funerario de Dyeser-Dyeseru, localizado en Deir el-Bahari.

Estatua Sedente de Hatshepsut

Descripción 

Tiene una altura de 213 cm, una anchura de 50 cm y un diámetro de 119 cm. Está fabricada en piedra caliza, mediante las técnicas de incisión y tallado.

Se trata de una escultura que representa a la reina-faraón Hatshepsut en posición sedente, sentada en un trono, con las manos apoyadas sobre las rodillas.

En el rostro destacan las cejas marcadas, los ojos almendrados, la nariz recta, los labios carnosos y el mentón redondeado.

En la cabeza lleva el tocado nemes, un tocado ornamentado con bandas horizontales que cubría la totalidad de la cabeza, cae por detrás de las orejas y se amarra con un nudo cerca de la nuca.

Además está fijado en la frente por medio de una banda o diadema que estaba ornamentada con el ureo (una cobra y un buitre), cabe resaltar que en el Antiguo Egipto el ureo era el emblema protector de los faraones.

Estatua Sedente de Hatshepsut
(detalle)

Aunque se puede observar como en la actualidad el ureo de la escultura no ha llegado hasta la actualidad.

Alrededor del cuello lleva un colgante-pectoral compuesto por varias cuentas dispuestas en bandas horizontales.

En el frente del trono hay escritas diversas inscripciones jeroglíficas, entre ella se distingue el cartucho con el nombre de Hatshepsut, así como todos sus títulos.

Entre los títulos reales situados a los lados del trono se pueden leer: "La Diosa Perfecta", "Dama de las dos Tierras" e "Hija corporal de Ra".

Con respecto a la composición destacar que se han hallado rastros de pigmento azul en algunos jeroglíficos y un pequeño fragmento situado en la parte posterior de la cabeza muestra que los pliegues del tocado nemes fueron originalmente pintados con pigmentos azules y amarillos alternos.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que la Estatua Sedente de Hatshepsut originalmente se encontraba situada en una de las áreas menos públicas del templo Dyeser-Dyeseru, como las capillas situadas en la terraza superior.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Kernos de Terracota de una Tumba de Melos

El Kernos de Terracota de una Tumba de Melos, también conocido como Kernos de Terracota, es un vaso datado aproximadamente entre los años 2.300 a.C. y 2.200 a.C., perteneciente al arte prehelénico, en concreto al arte cicládico.

Kernos de Terracota de una Tumba de Melos

En concreto fue fabricado durante el período Cicládico Antiguo III - Cicládico Medio II.

Fue hallado en el año 1.829 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas en el interior de una tumba de Melos.

Localizada en la isla de Melos, situada en el archipiélago de las Cícladas, en el mar Egeo (Grecia).

En el año 1.836 d.C. fue adquirido por el oficial naval británico conocido como Capitan Copeland.

Después de su muerte, su viuda en el año 1.857 d.C. entregó el Kernos de Terracota de una Tumba de Melos al "Eton College" (Gran Bretaña).

Dónde permaneció hasta que en el año 1.996 d.C. fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura total de 34,6 cm. Está fabricado en terracota.

Se trata de un kernos, es decir, un vaso de ofrendas o vaso ritual utilizado para las libaciones. Por lo tanto es un tipo de vasija que tiene en la parte superior una serie de pequeños recipientes (conocidos como opérculos o cotiliscos) unidos a un pie común.

Kernos de Terracota de una Tumba de Melos

Cabe resaltar que es conocido que antiguamente los opérculos se utilizaban como recipientes para mezclar en el cuerpo del vaso los diferentes líquidos usados durante la libación u ofrenda.

El pie ancho se encuentra decorado por un patrón de líneas agrupadas en grupos de tres líneas verticales que se unen en la parte superior a dos líneas horizontales. 

Además la superficie exterior de los opérculos también se encuentran ornamentados por líneas verticales colocadas de forma diagonal.

Para finalizar subrayar que el Kernos de Terracota de una Tumba de Melos está considerado uno de los mejores ejemplares, aparte de encontrarse en muy buen estado de conservación que se conservan en la actualidad.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Figura Masculina Sentada con Lanza

La Figura Masculina Sentada con Lanza es una escultura datada aproximadamente en el siglo XVI d.C. y XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.501 d.C. y 1.900 d.C.), perteneciente al arte africano.

Figura Masculina Sentada Con Lanza

Se conoce que fue fabricada durante el Imperio de Bamana (también conocido como Imperio de Segú o Reino de Segú).

En concreto pudo haber sido esculpida en la comuna de Bougouni, situada en la subdivisión administrativa de Buguni de la región de Sikasso, en Malí.

Es conocido que perteneció a la colección de arte Kronos propiedad de John y Evelyn Kossak.

Hasta que en el año 1.983 d.C. la Figura Masculina Sentada con Laza fue regalada en honor a Martin Lerner al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 90,2 cm, una anchura de 22,9 cm y una profundidad de 34,3 cm.

Está fabricada en madera, mediante las técnicas de incisión y tallado.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa una figura masculina en posición sedente, se puede observar como se encuentra sentado en una silla baja con respaldo.

Figura Masculina
Sentada con Lanza

El hombre se encuentra representado con un sombrero de cazador ornamentado con cuernos de animales y amuletos.

Cabe resaltar que los amuletos eran utilizados para aumentar su capacidad de perfección y así aumentar sus habilidades.

En el rostro ovalado destacan los párpados pesados, la nariz recta y los labios gruesos con la boca cerrada.

También resalta como los brazos están representados pegados al cuerpo lo que da a la escultura una sensación de calma y dominio propio.

Con la mano derecha sujeta una lanza, considerada como un "arma de distinción", puesto que eran armas reliquias de ancestros heroicos que eran transmitidas de padres a hijos en el momento de la iniciación.

Aparte el cuchillo que lleva sujeto en la parte superior del brazo izquierdo está asociado con la caza, así como el cuchillo que sostiene con su mano izquierda.

Para finalizar subrayar que la Figura Masculina Sentada con Lanza representa a un líder masculino idealizado que habría sido el compañero de una representación de madre e hijo vestidos de manera similar.

Los investigadores piensan que era utilizada para los rituales anuales dónde las esculturas eran sacadas de los santuarios, se limpiaran se decoraban con telas y cuentas y eran exhibía en la plaza del pueblo.

Además se conoce que las esculturas masculinas, femenina e infantil eran colocadas en posiciones centrales de honor, siendo distinguidas por los atributos de sus extraordinarios poderes físicos y sobrenaturales.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Placa Aqueménida con Grifos

La Placa Aqueménida con Grifos, también conocida como Placa con Grifos-León Cornudo, es una placa datada aproximadamente entre los siglos VI a.C. y V a.C. (período comprendido entre los años 600 a.C. y 401 a.C.), perteneciente al arte persa, en concreto al arte aqueménida.

Placa Aqueménida con Grifos

Cabe resaltar que el año del hallazgo es desconocido, pero los investigadores piensan que pudo haber sido encontrado en la antigua ciudad de Pasargada.

Actualmente ésta localización se corresponde con el yacimiento arqueológico de Pasargada, localizado en la provincia de Fars, en el condado de Pasargada (Irán).

Se conoce que la placa perteneció a la colección de arte del comerciante Khalil Rabenou.

Después en el año 1.952 d.C. pasó a formar parte de la colección de arte del conocedor de arte, coleccionista y arqueólogo armenio americano Hagop Kevorkian.

Hasta que en el año 1.954 d.C. la Placa Aqueménida con Grifos fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 13,5 cm, una anchura de 9,8 cm, un grosor de 1,2 cm y un peso de 0,1 kg. Está fabricada en oro.

Se trata de una placa en la que se encuentran representados dos especies de grifos colocados simétricamente uno a espaldas de otro, cada uno tiene forma de un monstruo-león alado con las fauces abiertas, las orejas de un toro y los cuernos enrollados hacia atrás sobre melenas puntiagudas.

El cuello de la criatura se encuentra cubierto con un patrón de plumas. Además la alas estilizadas se extienden sobre dos de los cinco escudos circulares decorados con una banda concéntrica exterior y un círculo situado en el centro.

Cabe resaltar que los cinco escudos circulares sirven como elementos decorativos y equilibran toda la composición.

Aparte se aprecia como en la parte posterior hay adheridos anillos pesados que sugieren que originalmente la placa podría haber sido utilizada como un adorno en un cinturón de cuero.

Para finalizar subrayar que éste motivo de animal mitológico era utilizado para decorar diferentes tipos de objetos lo que demuestra las convenciones decorativas durante el periodo del imperio aqueménida (el primer y más extenso de los imperios de los persas).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Estela de la Tumba de Mármol de una Niña

La Estela de la Tumba de Mármol de una Niña es una estela datada aproximadamente entre los años 450 a.C. y 440 a.C., perteneciente al arte griego.

Estela de la Tumba de Mármol 
de una Niña

Fue hallada en el año 1.785 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas en la isla de Paros, situada en el archipiélago de las Cícladas, en el mar Egeo (Grecia).

Después de su descubrimiento pasó a formar parte de la colección de arte del anticuario, coleccionista y político inglés Sir Richard Worsley.

En el año 1.787 d.C. la estela fue heredada por el primer conde de Yarborough Charles Anderson-Pelham, por lo que la estela pasó a formar parte de la colección de arte de los "Condes de Yarborough".

Hasta que en el año 1.927 d.C. la Estela de la Tumba de Mármol de una Niña fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de America) al cuarto conde de Yarborough Charles Alfred Worsley Pelham.

Descripción

Tiene una altura de 80,6 cm y una anchura de 37 cm. Está fabricada en mármol, mediante las técnicas de tallado e incisión.

Se trata de la estela de una tumba que tiene en su superficie superior la representación en relieve de la figura de una niña en posición de pie y originalmente era utilizada como la tapa de un sarcófago.

La niña está representada de perfil con la pierna izquierda ligeramente flexionada hacia delante mientras que la pierna derecha está recta.

Estela de la Tumba
de Mármol de una Niña

Se puede observar como sostiene con las manos dos palomas, la paloma sujeta con la mano derecha la tiene apretada sobre su pecho.

La cabeza se encuentra inclinada ligeramente hacia abajo, dirigiendo su mirada hacia la paloma sujeta con su mano derecha.

En el rostro destacan los ojos almendrados, la nariz recta, los labios carnosos y el mentón redondeado. 

También resalta como el rostro refleja una dulce expresión de despedida de sus palomas (mascotas). 

El cabello largo y ondulado se encuentra peinado en un recogido atado detrás de la cabeza.

Se encuentra ataviada con un fino peplo, es decir, con una túnica compuesta por una pieza rectangular doblada en dos para cubrir el cuerpo y anudada sobre el hombro derecho, el peplo presenta numerosos pliegues que permiten apreciar su anatomía, además lleva sandalias en los pies.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que debido a la calidad de la composición el escultor de esta estela podría haber estado entre los artistas que se congregaron en la ciudad de Atenas durante el tercer cuarto del siglo V a.C para decorar el Partenón de Atenas (Grecia).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Yugito Olmeca

El Yugito Olmeca es un yugito datado aproximadamente entre los siglos X a.C. y IV a.C. (período comprendido entre los años 1.000 a.C. y 301 a.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte olmeca.

Yugito Olmeca

Aunque el año del hallazgo es desconocido, los investigadores piensan que pudo haberse encontrado durante las excavaciones arqueológicas realizadas en el estado de Guerrero (también conocido como Estado Libre y Soberano de Guerrero), en México (llamado oficialmente Estados Unidos Mexicanos).

Se conoce que desde el año 1.954 d.C. hasta el año 1.957 d.C. perteneció a la colección de arte del pintor y teórico austro-mexicano surrealista, Wolfgang Paalen.

Después pasó a manos del comerciante de arte de la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América) Everett D. Rassiga.

En el año 1.958 d.C. el Yugito Olmeca fue comprado pro el político y vicepresidente estadounidense Nelson Aldrich Rockefeller.

Pasando desde el año 1.963 d.C. hasta el año 1.978 d.C. a formar parte de la colección de arte del Museo de Arte Primitivo de la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que finalmente en el año 1.978 d.C. el Yugito Olmeca fue regalado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte. 

Yugito Olmeca

Descripción

Tiene una altura de 17,8 cm, una anchura de 14,6 cm y una profundidad de 14,6 cm. 

Está fabricado en piedra, mediante las técnicas de tallado e incisión.

Yugito Olmeca

Se trata de un yugito de piedra en forma de "U"que originalmente servía como parte de un conjunto ceremonial de un cinturón.

Los investigadores piensan que podría haber sido montado sobre una tela gruesa o un cinturón de cuero, dejando el lado liso hacia el cuerpo de la persona que lo estuviera utilizando y la otra parte con el adorno de cara al espectador.

Yugito Olmeca

Está ornamentado con un retrato humano realizado en relieve en una de sus caras.

Se puede apreciar como la cara se encuentra delicadamente contorneada con los ojos rasgados profundamente tallados.

En la parte superior se observa como el cabello se encuentra peinado toscamente picoteado en un relieve superficial, lo que indica que originalmente podría haber tenido incrustaciones de algún otro material.

Yugito Olmeca

Los labios grandes y gruesos se encuentran ligeramente entreabiertos. La nariz es chata.

Las orejas enmarcan la cara y es posible que originalmente se hayan utilizado grandes perforaciones para colocar adornos en las orejas.

Una línea ondulada delimita la barbilla, además también se puede apreciar otra línea ondulada delineando el cabello. 

Aparte hay las líneas ligeramente incisas que descienden de las sienes y convergen en el labio superior de la figura, quizás éstas líneas sean representaciones de tatuajes o escarificaciones.

Para finalizar subrayar que el Yugito Olmeca se ha asociado con las insignias de los jugadores de pelota olmeca, lo que indica que la figura podría haber estado representando al antepasado del jugador que usaba o era propietario del yugito.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.