Antefija

Una antefija es un ornamento arquitectónico compuesto por una pieza vertical que es colocada en el extremo inferior de los tejados o cornisas de un edificio, también son colocadas en una hilera de tejas o en una parte que sobresale de un tejado.

Antefija romana 
(decorada con las cabezas
de dos machos cabríos)

Antefija griega
(decorada con palmetas)

Antefija etrusca de Cerveteri
(decorada con una ménade con una elaborada 
diadema y aretes de racimo de uvas)

Antefija griega
(decorada con una gorgona)

Cabe destacar que aunque la antefija tiene una funcionalidad ornamental, también es usada para proteger la unión de los elementos estructurales. 

Además en los grandes edificios, la cara de cada antefija de piedra se encontraba ricamente tallada, mientras que en edificios más pequeños y casas particulares las antefijas de cerámica moldeada, generalmente de terracota, pueden estar decoradas con figuras de cabezas, ya sea de cabezas humanas, criaturas mitológicas o iconografía astrológica.

Antefija griega
(de cerámica decorada
con diseño vegetal)

Antefija etrusca de Vulci
(decorada con una gorgona)

Es utilizada especialmente en la arquitectura del arte clásico (arte griego, arte etrusco y arte romano).

Sobretodo en el arte romano en los tejados de los templos la antefija presenta iconografía astrológica que se alternaban a menudo con figuras de ménades y sátiros.  

Incluso los aterradores rasgos de la gorgona (ser mitológico con el cabello formado por serpientes y que tenia el poder de petrificar a quien posase su mirada en ella) con sus ojos petrificantes y dientes afilados, también eran un motivo popular para protegerse del mal.

Antefija del arte jemer
(de Prasat Hin Phimmai, Tailandia)

Antefija romana
(decorada con la imagen de Venus y Marte)

Antefija japonesa
(Castillo de Himeji)

Antefija china
(Templo del Cielo de Pekín)

Antefija chino
(del Palacio de Verano)

Como curiosidad destacar un ejemplo de antefija romana del período del emperador romano Augusto presenta una decoración con cabezas de dos machos cabríos.

Es posible que ésta ornamentación haya tenido un significado especial en la Roma Imperial desde que el emperador Augusto adoptó la constelación de Capricornio como su propio signo de estrella de la suerte, con lo que también ésta ornamentación era utilizada en monedas y estandartes legionarios.

En el arte románico, en las iglesias, las antefijas tenían generalmente forma de cruz y estaban colocadas en las distintas cimas del ábside, del crucero o de la nave.

En el Lejano Oriente se utilizan principalmente en el arte jemer, en el arte chino y en el arte japonés.

En el arte chino la utilización de la antefija era muy común siendo usada en hogares ricos, como edificios importantes y de élite, aparte en la antigua china eran utilizadas con formas planas y redondeadas como las que se encuentran en numerosos tejados de palacios.

Para finalizar subrayar que la palabra viene del latín antefixa, antefixum. Cuyo significado es algo sujeto al frente, de antefixus, sujeto al frente: ante- y fixus sujeto, participio pasado de figere = sujetar.

Yamur

Un yamur es un ornamento arquitectónico compuesto por una barra vertical metálica dónde se insertan unas bolas (usualmente de bronce dorado) ordenadas de tamaño decreciente de abajo arriba.

yamur (Mezquita Kutubía)

yamur

yamur 
(Mezquita del Cadí)

Normalmente el yamur está compuesto por tres bolas, pero también hay con dos o cuatro bolas que aunque generalmente están fabricados en bronce, también pueden estar fabricadas en cobre o latón.

Cabe resaltar que el yamur es un elemento arquitectónico perteneciente al arte islámico y es utilizado como remate del alminar de una mezquita.

yamur
(Mezquita del jeque Lotf Allah)

Además se utiliza tanto como un elemento decorativo como un elemento apotraico para proteger a la mezquita.

El término apotraico se utiliza para describir un fenómeno cultural que se expresa como un mecanismo de defensa mágico o sobrenatural.

Una leyenda islámica dice que cuando el yamur está compuesto por tres bolas representan a los tres profetas más importantes del Islam: Mahoma, Moisés y Jesucristo.

Aunque también las tres bolas pueden representar los diferentes mundos en los que la divinidad islámica se da a conocer: terrestre, celestial y espiritual.

También cabe destacar que en algunos casos el yamur presenta en su parte superior una media luna creciente, que fue incorporada como un símbolo islámico a partir de la conquista del Imperio Persa Sasánida (dónde era utilizado, junto al Sol y las Estrellas, como un ornamento que simbolizaba a la diosa Ishtar o Astarté (diosa del amor, de la guerra, de la vida y de la fertilidad)).

En el siglo XV d.C. (período comprendido entre los años 1.401 d.C. y 1.500 d.C.) el uso del yamur se difundió por el Imperio Otomano que lo utilizó como un símbolo nacional y fue utilizado como un ornamento arquitectónico en alminares y cúpulas.

Para finalizar subrayar que en la España islámica numerosos alminares se remataron con yamures, aparte muchos de los yamures originales se han reutilizado en edificaciones posteriores, como campanarios de iglesias cristianas, conservando su función decorativa y sustituyéndolos o rematándolos con veletas o cruces cristianas. 

Procesión de Pescadores

La Procesión de Pescadores es una obra de arte datada aproximadamente entre los años 1.600 a.C. y 1.200 a.C., perteneciente al arte prehelénico, en concreto al arte micénico.

Procesión de Pescadores

Fue hallado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas por la Escuela Británica de Atenas (una de las diecisiete instituciones de arqueología extranjeras en la ciudad de Atenas, Grecia).

En el yacimiento arqueológico de Filakopí, ubicado en la isla de Milo, situada en el archipiélago de las Cícladas (Grecia).

Se conoce que poco después de su descubrimiento la Procesión de Pescadores fue adquirida por el Museo Arqueológico Nacional de Atenas (Grecia), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Procesión de Pescadores

Descripción

Se trata de una obra de arte elaborada en cerámica que tiene forma geométrica de cilindro, como un pie de vasija de barro.

Presenta las paredes gruesas y es hueco por dentro, además se han han hallado restos de pintura roja en su interior.

El exterior se encuentra ornamentado con pinturas rojas y negras sobre un fondo blanco. La escena representada son las figuras de cuatro pescadores mirando hacia el lado izquierdo, mientras caminan y sostienen en sus manos un pez que cuelga de la cola.

Uno de los pescadores destaca entre los demás porque sostiene un solo pez con la mano, mientras con la otra mano arregla la ropa que lleva puesta.

Todos se encuentran ataviados con una túnica corta micénica anudada a la cintura, mientras que nuevamente destaca el mismo pescador porque su vestimenta se encuentra más ornamentada que las del resto de pescadores.

También se puede observar como los cuatro presentan el cabello bien cuidado y cae en largos rizos ondulados hasta los hombros y también se aprecia como tienen el ojo en medio de la mejilla.

Aparte los peces son pequeños, la cinta situada bajo sus pies puede representar los guijarros de la playa y las hojas de hiedra decoran los espacios entre las cabezas de los pescadores.

Para finalizar subrayar que la pintura de la Procesión de Pescadores está considera la pintura de vasija de cerámica más notable que se ha encontrado en el yacimiento arqueológico Filakopí (Grecia).

Además los investigadores consideran que aunque no se conoce con exactitud su funcionamiento, se cree que podría haber sido el pie de una vasija o quizás una lámpara que se llenaba de aceite. 

Actualmente se encuentra en el Museo Arqueológico Nacional de Atenas, Grecia.

Hércules en la Infancia

El Hércules en la Infancia, también conocido como Hércules cuando era Niño, es una escultura datada aproximadamente entre los siglos VI a.C. y IV d.C. (período comprendido entre los años 400 a.C. y 400 d.C.), perteneciente al arte romano.

Hércules en la Infancia

Fue hallada en el año 1.900 d.C. durante unas excavaciones arqueológicas realizadas por el Instituto Arqueológico Alemán de Atenas (uno de los diecisiete institutos de arqueología extranjeros establecidos en la ciudad de Atenas, Grecia).

En la ladera occidental de la Acrópolis de Atenas, edificada en la ciudad de Atenas, situada en la periferia Ática, en Grecia.

Poco después de su descubrimiento el Hércules en la Infancia pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Arqueológico Nacional de Atenas (Grecia).

Hércules en la Infancia

Descripción

Tiene una altura de 57 cm. 

Está fabricado en piedra, mediante las técnicas de incisión, pulido y tallado.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la figura del héroe griego Hércules (también conocido como Heracles), hijo del dios Zeus (dios del cielo y los truenos) y la reina mortal Alcmena.

Está representado cuando era niño en posición de pie y desnudo, tan sólo lleva una piel de león que se echa sobre la cabeza y los hombros y se anuda en forma transversal al pecho. Además destaca como la cabeza del león la tiene puesta a modo de capucha en la parte superior de la cabeza.

También se puede observar como la mano derecha descansa sobre la parte superior del muslo derecho, mientras que el brazo izquierdo está representado extendido hacia delante.

En el rostro redondeado se pueden descifrar unos ojos almendrados, los mofletes, los labios curvados en una sonrisa y el mentón redondeado.

Para finalizar con respecto al estado de conservación destacar que no se encuentra en buen estado de conservación, puesto que se puede apreciar como le falta la parte inferior de la escultura, los genitales se encuentran mutilados, no se ha conservado el brazo derecho ni la mano izquierda, aparte en el rostro presenta la nariz mutilada y la cara desfigurada.

Actualmente se encuentra en el Museo Arqueológico Nacional de Atenas, Grecia.

Sello de un Noble sosteniendo una Flor

El Sello de un Noble sosteniendo una Flor es un sello datado aproximadamente entre los siglos III d.C. y IV d.C. (período comprendido entre los años 201 d.C. y 400 d.C.), perteneciente al arte persa, en concreto al arte sasánida.

Sello de un Noble sosteniendo una Flor

Lo primero que se conoce es que el sello se encontraba en posesión del coleccionista de arte y escritor estadounidense Edward Perry Warren (también conocido como Ned Warren).

Hasta que en el año 1.922 d.C. el Sello de un Noble sosteniendo una Flor fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene una altura de 3,3 cm, una anchura de 2,2 cm y un grosor de 0,6 cm. 

Está fabricado en sardónix.

Se trata de un sello con forma ovalada que se encuentra finamente tallado con la imagen de cuerpo entero de una figura masculina de alto rango. Sin embargo, no está claro si se trata de un príncipe o de un noble, puesto que carece de una inscripción que lo identifique.

Es más se puede apreciar como la persona representada se encuentra girada mirando una planta o una flor, simplemente dibujada que es sostenida en su mano derecha, mientras con la mano izquierda sostiene la empuñadura de su espada.

Además se puede observar como hay representados dos puntos en el pecho que pueden indicar cierres de una capa, aunque no se muestra ninguna.

Para finalizar subrayar que las figuras de cuerpo entero son raras en los sellos satánicas y tan solo han llegado hasta la actualidad unos pocos ejemplares, entre ellos el Sello de un Noble sosteniendo una Flor.

Aparte destacar que la postura y vestimenta es similar a las figuras masculinas representadas en los primeros relieves rupestres de Sasán, descubiertos en la antigua ciudad de Bishapur, en Irán.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Retrato de Sigismondo Pandolfo Malatesta

El Retrato de Sigismondo Pandolfo Malatesta es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.450 d.C. y 1.451 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Retrato de Sigismondo Pandolfo Malatesta

Fue pintado por el pintor italiano Piero di Benedetto de' Franceschi (también conocido como Piero della Francesca).

Lo primero que se conoce es que la pintura se encontraba en la colección de arte de la familia florentina Contini-Bonacossi.

Después estuvo hasta el año 1.880 d.C. en las colecciones imperiales rusas en la ciudad de San Petersburgo (Rusia).

Posteriormente pasó a formar parte de la colección de arte D'Ancona, ubicada en la ciudad de Milán (Italia).

En el año 1.930 d.C. la pintura fue nuevamente adquirida por el del marchante de arte y coleccionista italiano Alessandro Contini Bonacossi.

Con lo que el Retrato de Sigismondo Pandolfo Malatesta volvió a ser propiedad de la familia Contini-Bonacossi.

En el año 1.978 d.C. la pintura fue vendida en el mercado de antigüedades italiano, siendo comprada por el Museo del Louvre, ubicado en la ciudad de París (Francia), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

¿Quién fue Sigismondo Pandolfo Malatesta?

Sigismondo Pandolfo Malatesta (también conocido como "el lobo de Rímini"), fue un condotiero, líder militar y noble italiano, señor de Rímini, Fano y Cesena desde el año 1.432 d.C., aparte de mecenas y poeta.

Cabe resaltar que también fue considerado por sus coetáneos como uno de los líderes militares más capaces de Italia, cuando en el año 1.465 d.C. comandó las fuerzas militares de la ciudad de Venecia (Italia) contra el Imperio Otomano.

Descripción

Tiene una altura de 44 cm, una anchura de 34 cm y un grosor de 5 cm. Está pintada al temple y óleo sobre tabla.

Se trata de una pintura que representa el retrato de perfil de Sigismondo Pandolfo Malatesta, mirando hacia el lado derecho y sobre un fondo oscuro que confiere al retrato un carácter monumental y estatuario, típico de los bustos antiguos.

Resalta como la postura erguida va acompañada de una mirada que subraya su carácter sombrío y despótico. Además en el rostro destaca la nariz aguileña, los labios fruncidos y el mentón pronunciado. También se puede observar como el cabello forma una melena compacta.

Se encuentra ataviado con una rica vestimenta compuesta por un jubón con un cuello alechugado y de diferentes texturas, destacando sobretodo los reflejos de los drapeados de damasco y el pelo de las cenefas.

Para finalizar con respecto a la composición destacar que la línea del rostro avanza sobre una mirada fija y orgullosa, con los rasgos faciales finamente modelados.

Además el rostro representado de perfil en una pose de absoluta abstracción recuerda a la iconografía oficial de las medallas. Sin embargo también el retrato presenta rasgos naturalistas como son los detalles en la vestimenta, el realismo de los mechones del cabello y la tez del rostro.

Actualmente se encuentra en el Museo Louvre de París, Francia.

Espátula Moche

La Espátula Moche es una espátula datada aproximadamente entre los años 100 d.C. y 800 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte moche.

Espátula Moche

Espátula Moche

Espátula Moche

Espátula Moche

Espátula Moche

Se conoce que fue encontrada en marzo del año 1.891 d.C. en el interior de una sepultura ubicada en el Valle del Santa, localizado en el norte de Perú.

También es sabido que en el año 1.891 d.C. la Espátula Moche, junto con otros dos objetos (cuchillos o picadores de cobre), fueron vendidos por un precio de diez libras.

Siendo los tres objetos comprados por el científico, ingeniero y coleccionista de arte David Shepherd.

En el año 1.893 d.C. fue el coleccionista y marchante de arte G.A. Batchelor quién actuó como intermediario para la venta de la Espátula Moche al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña).

Fue comprada por el anticuario inglés Augustus Wollaston Franks, hasta que en ése mismo año, 1.893 d.C., la espátula fue donada al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Espátula Moche

Descripción

Tiene una altura de 21 cm, una anchura de 3,30 cm y una profundidad de 3,30 cm. 

Está fabricado en hueso, turquesa y pirita, mediante las técnicas de incisión, incrustación y tallado.

Se trata de una espátula o pala en forma de brazo que ha sido elaborada en hueso, turquesa y pirita de hierro. Además la superficie exterior se encuentra decorada con una ornamentación superficial incisa que representa escenas sobrenaturales de sacrificios humanos.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que originalmente la Espátula Moche formo parte de un ajuar funerario.

Aparte se piensa que debido a su decoración podría haber pertenecido a una persona de la élite moche, puesto que se conoce que éste tipo de ornamentación era utilizado por las élites para transmitir al pueblo una codificación simbólica de su propio poder y también pudo servir como un medio de refuerzo ideológico.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña. 

Alfiler con Cabeza Esférica

El Alfiler con Cabeza Esférica es un alfiler datado aproximadamente entre los siglos XIV a.C. XIII a.C. (período comprendido entre los años 1.400 a.C. y 1.201 a.C.), perteneciente al arte hitita.

Alfiler con Cabeza Esférica

Lo primero que se conoce es que en el año 1.965 d.C. se encontraba en la colección de arte del alemán Egon Beckenbauer, ubicada en la ciudad de Múnich (Alemania).

En el año 1.966 d.C. el alfiler fue adquirido por el coleccionista de antigüedades Norbert Schimmel.

Estando en su colección hasta que en el año 1.989 d.C. el Alfiler con Cabeza Esférica fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 13 cm. Está fabricado en oro.

Se trata de un alfiler compuesto por una cabeza dorada modelada a partir de una cápsula de amapola.

Además se aprecia como la parte superior de la cabeza tiene forma de roseta y su globo acanalado contiene objetos sueltos que suenan como semillas cuando el alfiler es agitado.

Aparte un collar de alambre delgado, fabricado por separado, enmascara la unión donde se insertó el pasador sólido en la esfera.

Para finalizar subrayar que los investigadores consideran que como la flor de amapola real produce abundantes semillas de sus cápusulas, es posible que los artistas hititas utilizaran la imagen de la amapola como un símbolo de fertilidad.

También se piensa que es probable que los surcos que se encuentran en las capas exteriores de la cápsula inmadura de la amapola se podría haber utilizado para aliviar el dolor e inducir el sueño.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Vasija con Tapa Yoruba

La Vasija con Tapa Yoruba es un recipiente datado aproximadamente entre los siglos XVII d.C. y XVIII d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.800 d.C.), perteneciente al arte africano.

Vasija con Tapa Yoruba

Se conoce que fue fabricada en el pueblo yoruba, un grupo etnolingüística ubicado en el oeste africano.

También se conoce que perteneció a la colección de arte de los comerciantes de arte tribal Roberta y Lance Entwistle.

El 3 de abril del año 1.981 d.C. la vasija fue subastada por la casa de subastas Christie's de Londres (Gran Bretaña).

Siendo comprada por el marchante de arte  alemán y dueño de una galería de arte en la ciudad de Nueva York Klaus Gunther Perls y su mujer la marchante de arte americana Amelia Perls (también conocida con el nombre de Dolly Perls), pasando a formar parte de su colección de arte localizada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.991 d.C. la Vasija con Tapa Yoruba fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Vasija con Tapa Yoruba

Descripción

Tiene una altura de 21 cm, una anchura de 12,1 cm y un diámetro de 11,7 cm. Está fabricada en marfil, madera e incrustaciones de cáscara de coco.

Se trata de un contenedor de hueso, es decir, una vasija compuesta por una base, un cuerpo ovalado y una tapa. 

Además tiene la peculiaridad de que la decoración calada de la parte superior del cuerpo sobresale por encima de la tapa, con lo que la tapa queda escondida en el interior.

La base se encuentra formada por diferentes bandas, siendo la banda inferior de menor tamaño que la superior, aparte se observa como la banda inferior esta decorada con un patrón circular y la banda superior se encuentra decorada con pequeños cilindros dispuestos uno al lado del otro horizontalmente.

También se aprecia como la parte superior de la base está ornamentada con un medallón decorado con un patrón geométrico compuesto por finos diseños lineales.

El cuerpo de la vasija está ornamentado con las imágenes divididas en cuatro grupos figurativos unidos por una serpiente pitón (un importante símbolo de la realeza) que reflejan los vastos y terribles poderes del "olowo" (gobernante del reino Yoruba de Owo).

Destacan sobretodo los motivos prominentes y omnipresentes de peces de barro y cocodrilos que evocan los nombres de alabanza del gobernante, u "oriki", que lo comparan con un vasto océano en el que fluyen todos los ríos y cuyas insondables profundidad guardan secretos y habilidades sobrenaturales.

También enfatiza la relación íntima del gobernante con el dios del mar Olokun, quién trae riqueza y fertilidad a sus seguidores. 

Con respecto a la composición destacar que las imágenes inscritas en la superficie de ésta vasija sugieren la capacidad del "olowo" de abarcar múltiples reinos: terrestre y acuático, humano y divino.

Para finalizar subrayar que se conoce que la Vasija con Tapa Yoruba originalmente fue una preciada posesión de un "olowo", es decir, de un gobernante del reino Yoruba de Owo (en la actualidad se corresponde con la ciudad de Owo, localizada en el estado de Ondo, en el sur de Nigeria).

Cabe destacar que el reino de Owo alcanzó prominencia regional en el siglo XVIII d.C. (período comprendido entre los años 1.701 d.C. y 1.800 d.C.) a través del comercio y la conquista, convirtiéndose en uno de los estados más grandes de África occidental y teniendo estrechos vínculos políticos con el reino de Benin, localizado aproximadamente a unos setenta kilómetros al sureste.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Ritmo del Brillo de los Cinco Colores 1302

Ritmo del Brillo de los Cinco Colores 1302, también conocido como Cinco Colores de Luz 1302, 정해조 오색광율 1302 o 鄭解朝 五色光律 1302, son unos recipientes datados en el año 2.013 d.C., perteneciente al arte coreano.

Ritmo del Brillo de los Cinco Colores 1302

Fueron fabricados por el artesano de lacado coreano Chung Haecho (정해조), también conocido como Jeong Hae-jo (정해조).

Se conoce que perteneció a la colección del Gobierno de la República de Corea del Sur.

Hasta que en el año 2.022 d.C. fueron donados al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasaron a formar parte de su colección de arte.

Ritmo del Brillo de los Cinco Colores 1302

Ritmo del Brillo de los Cinco Colores 1302

Ritmo del Brillo de los Cinco Colores 1302

Ritmo del Brillo de los Cinco Colores 1302

Ritmo del Brillo de los Cinco Colores 1302

Ritmo del Brillo de los Cinco Colores 1302

Descripción

Cada uno de los recipientes tiene una altura de 12 cm, una anchura de 12 cm y un diámetro de 12 cm.

Se trata de un total de cinco recipientes con diferentes formas que fueron realizados con arpillera como marco y recubiertos con laca, además presentan una textura única y un diseño curvo utilizando materiales y técnicas artesanales tradicionales coreanas.

También cabe destacar que los cinco recipientes se relacionan con el espectro de los cinco colores tradicionales coreanos conocido con el nombre de obangsaek (오방색). 

Los colores están conectados con los puntos cardinales y los cinco elementos que son la base de la cosmología del este asiático: blanco (oeste, metal), negro (norte, agua), amarillo (centro, tierra), rojo (sur, fuego) y azul (este, madera).

Para finalizar subrayar que en ésta obra dado que la laca es naturalmente de un marrón rojizo intenso no se puede volver blanca, por éste motivo el artista sustituyó el blanco por el color verde.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Dos Lagarto

Dos Lagarto es una escultura datada aproximadamente entre los años 1.200 d.C. y 1.521 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte huasteca.

Dos Lagarto

Dos Lagarto

Dos Lagarto

Dos Lagarto

Se conoce que fue hallada durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en el municipio de Chicontepec.

Ubicado en la zona norte del Estado de Veracruz (también conocido como Estado Libre y Soberano de Veracruz de Ignacio de la Llave), en la región de Huasteca Baja (México).

Poco después de su descubrimiento pasó a formar parte de la colección de arte del Museo de Antropología de Xalapa (también conocido como MAX), en México.

Descripción

Tiene una altura de 133 cm, una anchura de 72 cm y una longitud de 20 cm. Está fabricada en piedra, mediante las técnicas de incisión, tallado y grabado.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que en el anverso tiene representado un torso decorado con un personaje grotesco con la boca abierta y la lengua afuera, lo que acentúa su carácter dual.

Además se observa como en la parte inferior del anverso se desprende una larga banda vertical por encima del faldellín. También se observa que tiene delineados sus maxilares.

En el reverso de la escultura está representado el torso y las manos descarnadas y al centro, entre el penacho y entre las costillas, destaca un objeto oval que representa el corazón o el alma. 

Aparte se puede apreciar como de la cintura cae una banda vertical que tiene inscripta la fecha "Tzab Zipac", que se puede leer como "dos lagarto".

Para finalizar subrayar que Dos lagarto es una escultura con características calendáricas, que representa la dualidad, la vida y la muerte erguida sobre un trono.

Actualmente se encuentra en el Museo de Antropología de Xalapa, México.

Pectoral en Forma de Corazón

El Pectoral en Forma de Corazón es un pectoral datado aproximadamente entre los años 500 a.C. y 1.600 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte quimbaya.

Pectoral en Forma de Corazón

Pectoral en Forma de Corazón

Los investigadores piensan que el pectoral pudo haber sido hallado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en el departamento de Risaralda, ubicado en el centro-oeste de Colombia.

Aunque se desconoce la fecha del hallazgo, se sabe que perteneció a la colección de arte del coleccionista John W. Birch.

Hasta que en el año 1.880 d.C. el Pectoral en Forma de Corazón fue comprado por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña).

Descripción

Tiene una altura de 16 cm, una anchura de 20 cm y una profundidad de 3 cm. Está fabricado en oro, mediante las técnicas de martillado y recortado.

Se trata de un pectoral en forma de corazón y ligeramente cóncavo que ha sido realizado en oro mediante la técnica de martillado. También se aprecia como está ornamentado por dos espirales recortadas en su parte superior.

Para finalizar subrayar que el Pectoral en Forma de Corazón fue prestado a diversos museos del mundo para ser expuesto en la exposición "Treasures of the World's Cultures".

Fue expuesto entre el 11 de abril al 10 de julio del año de 2.005 d.C. en el Centro de Artes de Seúl (Corea del Sur). También del 25 de julio al 8 de octubre del año 2.005 d.C. fue expuesto en el Museo de Busan (Corea del Sur) y entre el 27 de octubre del año 2.005 d.C. al 31 de enero del año 2.006 d.C. fue expuesto en el Museo Haengso, en la universidad de Keimyung (Corea del Sur).

Entre el 18 de marzo y el 4 de junio del año 2.006 d.C. el Pectoral en Forma de Corazón fue expuesto en el Museo de Beijing (China).

Entre el 3 de febrero al 27 de mayo fue expuesto en el Museo de Taipei (Taiwán) y entre el 14 de septiembre al 2 de diciembre del año 2.007 d.C. fue expuesto en el Museo de Arte de Hong Kong.

Además entre el 14 de septiembre al 2 de diciembre del año 2.007 d.C. fue expuesto en el Museo Real de la Columbia Británica (Canada).

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Retrato de un Hombre con una Moneda Romana

El Retrato de un Hombre con una Moneda Romana, también conocido como Hombre de la Moneda Romana o Bernardo Bembo, Estadista y Embajador de Venecia, es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.474 d.C. y 1.480 d.C., perteneciente al arte medieval, en concreto al arte gótico.

Retrato de un Hombre con una Moneda Romana

Fue pintado por el artista y pintor alemán Hans Memling.

Se conoce que se encontraba en la colección de arte del diplomático holandés Florent Joseph van Ertborn.

Hasta que en el año 1.841 d.C. la pintura fue legada al Museo Real de Bellas Artes de Amberes (Bélgica), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 30 cm, una anchura de 22 cm y un grosor de 0,6 cm. 

Está pintado en óleo sobre tabla.

Se trata de una pintura que representa la figura de un hombre de mediana edad y de aspecto sureño en posición tres cuartos sobre un fondo paisajístico. 

En el rostro destaca los ojos almendrados con la mirada soñadora que mira directamente al espectador, la nariz recta, los labios finos y el mentón con un pequeño hoyuelo. Además se aprecia como el cabello negro tiene pequeños rizos que le enmarcan la frente. 

Con la mano derecha sostiene una rama de laurel, mientras que con su mano izquierda sostiene una moneda romana, más concretamente un "sertertius" que fue acuñado en la antigua ciudad de Lugdunum (actualmente la ciudad de Lyon), con la imagen del emperador romano Nerón Claudio César Augusto Germánico (más conocido con el nombre de Nerón).

Aparte se puede observar como la moneda presenta la siguiente inscripción escrita en latín:

"NERO CLAUD (IUS)

CAESAR PROMEDIO (USTUS)

GERMEN (ANICUS)

TR (IBUNICIA)

P (ODOESTATI)

IMPER (ATOR)"

Se encuentra ataviado con una camiseta interior blanca y un jubón (prenda rígida que cubría desde los hombros hasta la cintura) negro, también lleva en la cabeza un bonete (una especie de toca o gorro de seda, raso o terciopelo) de color negro.

El fondo se compone por un extenso paisaje en el que un jinete se detiene junto a una extensión de agua en la que se nadan cisnes. Resalta como el jinete tiene barba, la bandada de pájaros situada a la derecha y una cigüeña representada en el cielo a la izquierda.

En el año 2.001 d.C. la pintura fue restaurada, cabe destacar que al diluir las capas de barniz muy oscurecidas y degradadas, la calidad del retrato recuperó su máximo potencial.

Para finalizar subrayar que a lo largo del tiempo se ha derramado un mar de tinta sobre la identificación del retratado en esta pintura, surgiendo varias hipótesis que luego se han sido rechazadas.

En el siglo XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 1.900 d.C.) se pensaba que la moneda era la pista crucial, sugiriendo que el hombre era un medallista. 

Además su apariencia y vestimenta indicaban que era un sureño, probablemente italiano. Esto llevó a que lo identificaran como Nicolo di Forzore Spinelli o Giovanni de Candida, dos diseñadores de medallas italianos.

Sin embargo, en el siglo XX d.C. (período comprendido entre los años 1.901 d.C. y 2.000 d.C.) se llegó a la conclusión de que probablemente se trataba de un humanista que coleccionaba monedas clásicas.

Varias pistas apuntan más concretamente al humanista y estadista veneciano Bernando Bembo. Es más se conoce que tenía una gran colección de monedas y provenía de Italia, lo que concuerda con su vestimenta y atributos.

La palmera de la derecha y la hoja de laurel de abajo son probablemente alusiones a su emblema, que consistía en una hoja de palma y una ramita de laurel. Pero el argumento decisivo fue su carrera, ya que entre los años 1.471 d.C. y 1.474 d.C., fue embajador veneciano en la corte del duque de Borgoña, Brabante, Limburgo y Luxemburgo, Carlos I de Borgoña (también llamado "el Audaz" o "el Temerario").

También se sabe que a menudo participaba en campañas militares y en ocasiones permanecía en la ciudad de Brujas (Bélgica).

Bernando Bembo, que entonces rondaba los treinta, pudo haber conocido al artista y pintor alemán Hans Memling en esa época, ya que la edad coincide con la edad aparente del hombre del retrato.

Actualmente se encuentra en el Museo Real de Bellas Artes de Amberes, Bélgica.

Anillo de Cristal Romano

El Anillo de Cristal Romano es un anillo datado aproximadamente entre el siglo III d.C. (período comprendido entre los años 201 d.C. y 300 d.C.), perteneciente al arte romano.

Anillo de Cristal Romano

En concreto pertenece al arte romano tardío (período comprendido entre los años 200 d.C. y 400 d.C.), cuando el arte imperial se mezclo con las tradiciones locales.

Lo primero que se conoce es que el anillo perteneció al orfebre, platero y coleccionista de arte estadounidense Edward Chandler Moore.

Hasta que en el año 1.981 d.C. el Anillo de Cristal Romano fue legado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 2,5 cm, una anchura de 3,1 cm y un grosor de 0,6 cm. Está fabricado en vidrio.

Se trata de un anillo de azul cobalto translúcido con el aro macizo, plano por ambos lados, con hombros salientes y bisel rectangular plano. Además el interior del aro tiene forma circular.

También se observa como en el bisel hay un objeto largo grabado, tal vez una hoja, que se estrecha hacia un extremo. Aparte se aprecia como sobre los hombros hay talladas máscaras cómicas en relieve.

En las máscaras resaltan el pelo en los bordes del bisel, los ojos hundidos, la nariz ancha, la boca grande y redonda y una larga barba que se extiende alrededor del exterior del aro.

Para finalizar con respecto al estado de conservación destacar que en general el anillo se encuentra intacto, pero tiene algunas pequeñas astillas en el borde interior del aro, algunas burbujas, embotamiento, rayones superficiales y un leve desgaste por la intemperie.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Salvoconducto con Inscripción en Escritura Pahkpa

El Salvoconducto con Inscripción en Escritura Pahkpa, también conocido como Paiza con Inscripción en Escritura Phakpa o 八思巴文鐡牌, es un salvoconducto datado aproximadamente en el siglo XIII d.C. (período comprendido entre los años 1.201 d.C. y 1.300 d.C.), perteneciente al arte chino.

Salvoconducto con Inscripción en Escritura Pahkpa

Fue elaborado durante la dinastía Yuan (大元) (período de la historia china que abarca desde el año 1.271 d.C. hasta el año 1.368 d.C.).

Perteneció al coleccionista de arte Jeremy Pine, formando parte de la colección "Jeremy Pine Fine Art", ubicada en la ciudad de Sonoma, localizada en estado de California (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.993 d.C. el Salvoconducto con Inscripción en Escritura Pahkpa fue vendido al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Salvoconducto con Inscripción
en Escritura Pahkpa

Descripción

Tiene una altura de 18,1 cm y una anchura de 11,4 cm. Está fabricado en hierro con incrustaciones de plata.

Se trata de un salvoconducto con forma de placa circular que tiene en la parte superior una decoración de máscara de animales, similar a la de un espejo tibetano usado para reflejar el mal.

Además se observa como tanto en el anverso como en el reverso tiene una inscripción calada que ha sido llenada de plata hasta el punto de que los caracteres sobresalen de la superficie de la placa en ambos lados y la inscripción situada en el reverso está invertida.

Cabe resaltar que el tipo de escritura utilizada es el idioma mongol, que lleva el nombre de su inventor Phakpa (monje y erudito tibetano que sirvió como preceptor imperial de la corte mongol durante el reinado de Kublai Kan (el quinto y último gran kan del Imperio Mongol y primer emperador de la dinastía Yuan)).

Para finalizar destacar que en alfabeto latino la inscripción en idioma mongol es la siguiente:

"Mongk'a dengri

yin khuchundur

khaanu jarlikh k'en

ese bushireesu

aldatukhayi"

Cuya traducción aproximada es la siguiente:

"Por la fuerza del Cielo Eterno, un edicto del Emperador (Kan).

El que no tiene respeto será culpable"

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Cuenco con Motivo Alif-Lam

El Cuenco con Motivo Alif-Lam es un cuenco datado aproximadamente en el siglo XII d.C. (período comprendido entre los años 1.101 d.C. y 1.200 d.C.), perteneciente al arte islámico, en concreto al arte ayubí.

Cuenco con Motivo Alif-Lam

Cuenco con Motivo Alif-Lam

Lo primero que se conoce es que esta en posesión del coleccionista de arte de estadounidense Thomas Benidict Clarke.

Del 7 al 10 de enero del año 1.925 d.C. fue vendido con el lote 633 en la subasta realizada por la "American Art Galleries" (Estados Unidos de América).

Siendo adquirido por el coleccionista de antigüedades persa Hassan Khan Monif, pasando a formar parte de su colección de arte ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.934 d.C. el Cuenco con Motivo Alif-Lam fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Cuenco con Motivo Alif-Lam

Descripción

Tiene una altura de 7,6 cm y un diámetro de 26,4 cm. Está fabricado en cerámica policromada bajo esmalte transparente.

Se trata de un cuenco con forma semiesférica que está pintado en negro bajo un esmalte transparente de color turquesa.

El interior del cuento está ornamentado por una banda exterior ornamentada con un patrón geométrico.

Mientras que el diseño principal pintado en el medallón interior recuerda a un motivo epigráfico en el que los ejes verticales de las letras Alif y Lam se encuentran ricamente entrelazados entre sí. También destacan los paneles de relleno con diseños geométricos.

Cabe resaltar como el diseño de base caligráfica constituye un ejemplo de la audacia del enfoque que caracterizó la decoración de la cerámica siria y supuso la diferencia con la cerámica persa.

Es más algunas investigaciones arqueológicas han demostrado que el Cuenco con Motivo Alif-Lam es uno de los objetos que se pudo haber producido en varios talleres de Siria y Egipto y cuya distribución se extendía por Anatolia, Siria, Egipto e incluso Europa.

Para finalizar subrayar que en la base del Cuenco con Motivo Alif-Lam se puede observar un adhesivo en el que se lee: "H.K. Monif /843/ 645 Madison Av/ New York".

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.