jueves, 31 de agosto de 2023

Caveto

El caveto, también conocido como antequino o esgucio, es un ornamento arquitectónico consistente en una moldura cóncava con un perfil curvo regular que forma parte de un círculo.

caveto

Aunque el caveto es muy utilizado en arquitectura, también se utiliza en muebles, marcos de cuadros, orfebrería, trabajos en metal y otras artes decorativas.

Es más también se puede utilizar la palabra caveto para una variedad de curvas cóncavas que rodean objetos como vasijas y formas similares fabricadas en cerámica y orfebrería.

La palabra caveto proviene del italiano, como un diminutivo de la palabra "cueva", que a su vez deriva del latín que significa "hueco".

caveto (arquitetura egipcia)

Se conoce que dentro de la arquitectura del Antiguo Egipto el uso de grandes molduras caveto como cornisas era muy común.

Se utilizaba arriba una cara vertical lisa con una moldura toroidal (semicírculo convexo) debajo.

Además la cornisa caveto a veces también se la conoce como "cornisa egipcia" o "cornisa de garganta". 

Incluso algunos investigadores han sugerido que el caveto es una reminiscencia en la arquitectura de piedra del uso primitivo de manojos de juncos atados como soportes para edificios, siendo el peso del techo que dobla sus superficies superiores.

Es más muchos tipos de capiteles egipcios para columnas son esencialmente cavetos que rodean el fuste, a menudo con decoración adicional, siendo los capiteles más destacados los "capiteles de campana" o "capiteles de papiro".

caveto (arquitectura renacentista)

caveto (arquitetura persa)

El uso del caveto también se puede apreciar en la arquitectura griega temprana, en los capitales dóricos dentro de la arquitectura romana y en la arquitectura etrusca a menudo eran representados ornamentados con diferentes patrones geométricos y de escamas.

También destacar que el uso del caveto se puede apreciar en la arquitectura persa, en la arquitectura islámica en compañía de otras molduras y en la arquitectura románica que ha sido utilizado en la fachada exterior de en numerosas iglesias.

Es más el caveto también fue utilizado a menudo en la arquitectura gótica dónde se encuentraba muy ornamentado, siendo difícil de distinguir de otras molduras que lo acompañaban.

Por otro lado, en la arquitectura renacentista el uso del caveto destacaba por ser relativamente pequeño y por estar subordinado a elementos esencialmente verticales. 

caveto (cerámica)
caveto (Cerámica)

Con respecto al uso del caveto en cerámica destacar que en placas y otras formas planas es utilizado para el área curva que une la base y el borde. 

Ya sea que el borde presente una superficie ancha y plana (típico plato occidental del siglo XX d.C.) o simplemente el borde del típico cuenco de cereal moderno.

Normalmente el término caveto se refiere a la superficie superior del recipiente y si se refiere a la parte inferior (donde la curva ahora es convexa) puede describirse como "debajo del caveto".

Aparte cabe resaltar que el caveto a menudo se deja sin decoración, pero puede tener una decoración de un tipo diferente a la del medio o un borde plano y el termino se usa típicamente cuando es necesario para describirlo.

En formas de cerámica complicadas, dónde el vocabulario normal de molduras es apropiado se utiliza la palabra caveto para referirse a cualquier sección curva cóncava.

Mientras que en la terminología de la arqueología, especialmente en relación con la cerámica, una zona de caveto se refiere a la concavidad aguda que rodea el cuerpo de una vasija normalmente utilizada para almacenar o cocinar alimentos.

Para finalizar subrayar que el caveto no tiene que confundirse con la Nacela ni con la Escocia (arquitectura) que son también dos ornamentos arquitectónicos compuestos por molduras.

miércoles, 30 de agosto de 2023

Retrato del Sultán Ahmet I

El Retrato del Sultán Ahmet I es una pintura datada aproximadamente en el siglo XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.700 d.C.), perteneciente al arte otomano.

Retrato del Sultán Ahmet I
Retrato del Sultan Ahmet I

Se conoce que perteneció a la colección del arqueólogo, conocedor del arte y coleccionista armenio-estadounidense Hago Kevorkian.

Hasta que en el año 1.944 d.C. el Retrato del Sultán Ahmet I fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura total de 48,9 cm y una anchura total  de 36,2 cm, mientras que el retrato tiene una altura de 34,3 cm y una anchura de 22,2 cm. 

Está realizado en tinta, acuarela opaca y oro sobre papel.

Se trata de una pintura que representa el retrato del sultán otomano Ahmet I, quién gobernó el Imperio Otomano desde el 22 de diciembre del año 1.603 d.C. hasta el 22 de noviembre de 1.617 d.C. (por un período de 13 años y 335 días), durante su reinado destaca la construcción de la Mezquita Azul (considerada una de las mezquitas más famosas edificadas en Turquía) y el final de la tradición otomana del fratricidio real.

El sultán se encuentra representado en posición sedente, con el brazo derecho levantado y la mano derecha delante del pecho, mientras que la mano izquierda se encuentra apoyada sobre su muslo izquierdo.

En el rostro pequeño destacan la tez pálida de la piel, las cejas finas, los ojos rasgados, la nariz recta, los labios pequeños, la barba y el bigote con forma de "U" invertida que se curva hacia abajo.

Aparte se observar como el sultán está en el interior de una habitación decorada con una alfombra de color rosa y la pared rosa del fondo decorada en la parte superior con un patrón de celosía con patrones geométricos y en la parte inferior con un mosaico con motivos geométricos y arabescos.

Está ataviado con un kaftan (túnica larga) de color gris oscuro con una faja dorada enjoyada conocida con el nombre de "kusak", un "mitan" (chaleco) del mismo color del kaftan decorado con un patrón floral y en la cabeza lleva puesto un sarik (turbante) de color blanco.

Además se puede apreciar como el retrato se encuentra enmarcado dentro de un fondo ornamentado con un patrón floral dorado sobre un fondo azul oscuro.

Para finalizar subrayar que es conocido el interés otomano por los retratos reales fue expresado en la producción de manuscritos o códices ilustrados que contenían imágenes de la sucesión de sultanes.

El Retrato del Sultán Ahmet I originalmente perteneció a una serie de retratos similares de sultanes, como lo también lo es el Retrato del Sultán Mustafa I.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

martes, 29 de agosto de 2023

Jorobado Huasteca

El Jorobado Huasteca es una escultura datada aproximadamente entre los años 1.200 d.C. y 1.521 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte huasteca.

Jorobado Huasteca
Jorobado Huasteca

Jorobado Huasteca

Los investigadores piensan que pudo haber sido encontrada durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en la ciudad Tempoal.

Situada en la región de Huasteca Alta, localizada en el estado de Veracruz (también conocido como Estado Libre y Soberano de Veracruz de Ignacio de la Llave), en México (también denominado Estados Unidos Mexicanos).

Poco después de su descubrimiento pasó a formar parte de la colección de arte del Museo de Antropología de Xalapa (México).


Descripción

Tiene una altura de 91 cm, una anchura de 33 cm y una longitud de 63 cm. Está fabricada en piedra arenisca, mediante las técnicas de incisión, grabado y tallado.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la figura de un jorobado que muestra una parte de su cuerpo descarnando, sobretodo resalta cuando la escultura se aprecia de frente en la representación de sus costillas y el corazón.

Aparte se aprecia como todo el cuerpo descansa sobre sus talones y se puede observar como en ambas manos sostiene cuchillos utilizados en sacrificios y rituales.

Además se encuentra ataviado con un maxtlatl o tlalpilli (prenda consistente en un taparrabos que era utilizado por los hombres y niños de Mesoamérica) y un gorro cónico en el que lleva al frente una banda amplia que remata sobre la espalda.

Para finalizar subrayar que la representación de la cabeza ancha con una corona aplanada indican una representación de una práctica común precolombina huasteca de modificación craneal.

Cabe destacar que la modificación craneal mediante la cual la parte posterior de la cabeza se aplanaba artificialmente era realizada al nacer cuando aún el cráneo es maleable.

Actualmente se encuentra en el Museo de Antropología de Xalapa, México.

lunes, 28 de agosto de 2023

Leccionario Bizantino de Jaharis

El Leccionario Bizantino de Jaharis es un leccionario datado aproximadamente en el año 1.000 d.C., perteneciente al arte medieval, en concreto al arte bizantino.

Leccionario Bizantino de Jaharis

Leccionario Bizantino de Jaharis

Leccionario Bizantino de Jaharis


Leccionario Bizantino de Jaharis

Se piensa que fue hecho para la Hagia Sophia, la sede patriarcal de la iglesia ortodoxa, edificada en la antigua ciudad de Constantinopla.

Correspondiente con la actual ciudad de Estambul, localizada a ambos lados del Estrecho del Bósforo, en Turquía.

Estuvo en posesión del patriarca ortodoxo griego de Jerusalén, matemático, astrónomo, geógrafo y autor Chrysanthus Notaras (también denominado Chrysanthus de Jerusalén).

En el año 1.731 d.C. el leccionario fue donado a la comunidad monástica del Monte Athos, una comunidad ortodoxa oriental de monjes en Grecia.

En el año 1.866 d.C. fue adquirido por el griego Konstantinos Erbitsianos, después en el año 1.877 d.C.  el Leccionario Bizantino de Jaharis fue comprado por el historiador francés Henri-Léonard Bordier.

Leccionario Bizantino de Jaharis

En el año 1.898 d.C. pasó a ser propiedad del historiador francés Fernand de Schickler.

También en ése mismo año, 1.898 d.C., pasó a formar parte de la colección de la organización no gubernamental "Alliance biblique française", ubicada en la ciudad de París, en Francia.

En el año 2.006 d.C. se encontraba en posesión del anticuario y comerciante de arte Dr. Jörn Günther, estando en la "Dr. Jörn Günther Rare Books AG", en Basilea (Suiza).

Hasta que en el año 2.007 d.C. el Leccionario Bizantino de Jaharis fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de colección de arte.

Leccionario Bizantino de Jaharis

Leccionario Bizantino de Jaharis

Leccionario Bizantino de Jaharis
Leccionario Bizantino de Jaharis


Leccionario Bizantino de Jaharis


Descripción

Tiene una altura de 36,8 cm, una anchura de 29,6 cm y un grosor de 12,4 cm.

Cada folio tiene una altura de 35 cm y una anchura de 26,2 cm.

Está realizado en pintura al temple, oro y tinta sobre pergamino y encuadernación en cuero.

Leccionario Bizantino de Jaharis

Se trata de un leccionario, es decir, un manuscrito ilustrado que contiene los pasajes de los textos religiosos leídos durante las ceremonias religiosas.

Cabe resaltar que los Evangelios fueron fundamentales para la liturgia de la iglesia ortodoxa, siendo en la Pequeña Entrada, que introdujo la Liturgia de la Palabra, el diácono presentó el Evangelio a los fieles. 

En la era bizantina media, el leccionario reemplazó al libro del Evangelio como el texto más utilizado por la iglesia.

En el Leccionario Bizantino de Jaharis los textos evangélicos fueron reordenados según el orden en que se leen durante el año litúrgico que comienza en la Pascua en la iglesia ortodoxa.

Leccionario Bizantino de Jaharis
Además están inscritos el calendario litúrgico y las vidas de los santos que se celebraban diariamente.

La decoración también está compuesta por retratos de los cuatro evangelistas, comenzando por Juan (también conocido como Juan el Evangelista), cuyo texto se lee en Pascua.

Destaca la representación del evangelista Mateo, barbudo y de pelo blanco, sentado ante una muralla de la ciudad.

Su nombre se encuentra escrito en escritura griega en la parte superior. Aparte la pose con la que aparece representado hace eco a la de los filósofos antiguos adoptada para el uso cristiano.

Leccionario Bizantino de Jaharis

La mano de Dios desciende del arco del cielo azul, inspirando directamente al escritor en su escritorio y la mesa de escritura incluye todos los implementos que necesita un escriba, incluido un pergamino listo para las palabras del texto.

El rostro del evangelista está sutilmente modulado, sus prendas y el paisaje urbano que hay detrás se definen en tonos pastel.

Mientras que el borde elegantemente articulado hace eco de los patrones que se ven ampliamente en las obras de esmalte cloisonné de la época.

Leccionario Bizantino de Jaharis
Leccionario de Bizantino de Jaharis

Con respecto a la composición el incipit (es decir, la primera letra) de la escritura escrita en oro presenta a un niño pequeño levantando las manos hacia la imagen sentada de Cristo.

La escena refleja las primeras líneas de la lectura: "El Señor dijo: Mirad que nunca menosprecies a uno de estos pequeños" (Mateo 18:10).

Es conocido que los escribanos bizantinos altamente capacitados escribieron los textos a los que agregaron las iniciales elaboradamente coloreadas para lecturas especiales y las iluminaciones agregaron gran valor a la obra.

Para finalizar subrayar que los manuscritos iluminados escritos en griego fueron considerado una de las mayores formas de arte por la élite clerical y secular de Bizancio, quienes estaban altamente alfabetizada y sofisticada. 

A lo largo de los siglos se encargaron muchas obras para su uso en iglesias importantes. Es más la calidad y el calendario del Leccionario Bizantino de Jaharis sugiere que fue elaborado para la gran iglesia de Hagia Sophia, edificada en la antigua ciudad de Constantinopla.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Nueva York, Estados Unidos de América.

domingo, 27 de agosto de 2023

Arete Parto

El Arete Parto es un pendiente datado aproximadamente entre los siglos I d.C. y II d.C. (período comprendido entre los años 1 d.C. y 200 d.C.), perteneciente al arte persa, en concreto al arte parto.

Arete Parto

Lo único que se conoce es que antes del año 1.915 d.C. el pendiente fue adquirido por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.936 d.C. el Arete Parto fue transferido del Departamento Griego y Romano al Departamento de Cercano Oriente.

Sin embargo no hay información sobre la fuente de procedencia.


Descripción

Tiene una altura de 5,7 cm. Está fabricado en oro.

Se trata de un arete o pendiente de oro que presenta un anillo en forma de barco del que cuelga un jarrón tipo "ánfora" decorado con tres filas de perforaciones arqueadas y ornamentación granular y de filigrana.

Aparte se puede apreciar como un anillo en el fondo del jarrón indica que originalmente colgaba de él un colgante adicional.

También se observa como cinco granadas cuelgan de anillos unidos al jarrón colgante (originalmente había habido un total de siete granadas). 

Cabe resaltar que en la antigüedad las granadas eran asociadas con la fertilidad y eran un tema popular en la joyería del antiguo Cercano Oriente (también denominado Oriente Próximo).

Para finalizar subrayar que el Arete Parto es un símbolo de la riqueza parta obtenida a través de lucrativas redes comerciales resultando en un patrocinio sustancial de las artes y bienes de lujo, incluidas las joyas.

Además también se han encontrado aretes, collares, pulseras y bandas frontales en retratos funerarios de Palmira que representan el poder adquisitivo de la sociedad parta.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

sábado, 26 de agosto de 2023

Collar Micénico con Adornos

El Collar Micénico con Adornos es un collar datado aproximadamente entre los años 1.400 a.C. y 1.050 a.C., perteneciente al arte prehelénico, en concreto al arte micénico.

Collar Micénico con Adornos

Fue fabricada durante el período Heládico Reciente III (período ocurrido entre los años 1.400 a.C. y 1.100 a.C. que caracteriza la cultura de la Grecia continental durante de la Edad del Cobre y la Edad del Bronce).

Los investigadores piensan que el collar pudo haber sido encontrado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en el yacimiento arqueológico de Micenas.

Ubicado a 90 km al sudoeste de la ciudad de Atenas, localizado en el nordeste de la península del Peloponeso, en Grecia.

En el año 1.939 d.C. el Collar Micénico con Adornos fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde paso a formar parte de su colección de arte.


Descripción

La longitud del colgante es de 3,7 cm y el diámetro de las rosetas es de 2,7 cm con variaciones de aproximadamente 0,1 cm. Está fabricado en terracota y oro.

Se trata de un collar de adornos de terracota dorada, se puede apreciar como está compuesto por un total de trece rosetones de ocho pétalos y un colgante central en forma de flor. 

Cabe destacar que se piensa que originalmente el colgante podría haber tenido un total de catorce rosetones, siendo tan sólo un rosetón el que no ha llegado hasta la actualidad.

Para finalizar subrayar que se han encontrado collares similares con adornos de rosetas, pertenecientes al arte micénico, en diversos yacimientos localizados en la península del Peloponeso.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

viernes, 25 de agosto de 2023

Cabeza de Mármol de una Diosa

La Cabeza de Mármol de una Diosa es una escultura datada aproximadamente en el siglo IV a.C. (período comprendido entre los años 400 a.C. y 301 a.C.), perteneciente al arte griego.

Cabeza de Mármol de una Diosa

Cabe destacar que los investigadores piensan que pudo haber sido hallada durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en la ciudad de Tarento.

Ubicada en la provincia de Tarento, situada en la región de Apulia, localizada en el sur de Italia.

En el año 1.910 d.C. la Cabeza de Mármol de una Diosa fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 55,25 cm. Está fabricada en mármol, mediante las técnicas de incisión, pulido y tallado.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la cabeza de una mujer joven que por su tamaño colosal es la representación de la cabeza de una diosa.

En el rostro redondeado destacan los ojos almendrados finamente delineados, la nariz recta, los labios carnosos y el mentón redondeado.

El cabello largo está representado separado en gruesos mechones recogidos hacia atrás hasta la parte superior de la cabeza y atados sin apretar en un nudo. Se piensa que originalmente el nudo pudo haber sido fijado a la cabeza mediante tres grandes agujeros que quedan en la parte posterior.

Cabe resaltar que es conocido que ésta representación del cabello se corresponde a cómo eran representadas el cabello de la diosa Perséfone (reina del inframundo y guardiana de los secretos de los muertos) y de la diosa Higía (diosa de la curación, la limpieza y la sanidad).

Por lo tanto los investigadores consideran que la escultura puede ser una representación de una de éstas dos diosas.

Para finalizar subrayar que en la antigüedad a menudo las cabezas eran talladas por separado de las estatuas para la que estaban destinadas.

Además se cree que la Cabeza de Mármol de una Diosa fue fabricada con una espiga convexa que podría colocarse en una cavidad especialmente prepara para la estatua. Estando la unión oculta por una línea de ropaje.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

jueves, 24 de agosto de 2023

Botella con Caimán

La Botella con Caimán es una botella datada aproximadamente entre los años 1.000 a.C. y 800 a.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte cupisnique.

Botella con Caimán

Se conoce que fue encontrada durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en el cementerio de la localidad de Tembladera.

Situada en el distrito de Yonán que forma la provincia de Contumazá del Departamento de Cajamarca, en Perú.

También es conocido que la Botella con Caimán perteneció a la colección de arte André Emmerich, siendo expuesta en la galería de arte de Nueva York "Andre Emmerich Gallery" (Estados Unidos de América).

En el año 1.967 d.C. fue comprada por el político estadounidense y vicepresidente de los Estados Unidos de América Nelson Aldrich Rockefeller.

Siendo prestado para su exposición al Museo de Arte Primitivo de Nueva York, un antiguo museo dedicado a las artes de las culturas indígenas de África, Oceanía y América.

Hasta que en el año 1.978 d.C. la Botella con Caimán fue regalada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Botella con Caimán


Descripción

Tiene una altura de 32,4 cm, una anchura de 20,5 cm y un diámetro de 13,7 cm. 

Está fabricado en cerámica.

Se trata de un recipiente, una botella, compuesta por un recipiente con un único pico recto.

Durante su fabricación fueron colocadas losas de arcilla a los lados para crear una superficie expandida en la que se agregaron detalles incisos.

En el centro de la composición se encuentra un ojo que gira hacia arriba, un motivo conocido como "ojo excéntrico", que se cree que antiguamente era una representación de los efectos del consumo de sustancias alucinógenas.

Además las características ornamentales de la botella sugieren que el artista se inspiró en un caimán, el reptil más grande de América de Sur.

Resaltan la hileras de dientes pequeños intercalados con caninos más grandes que evocan la amenazadora dentición del caimán. 

Siendo otras características también los círculos inscritos en la cara que se parecen a las manchas en la piel del reptil, las crestas bulbosas de los ojos que recuerdan a los ojos saltones y la espiral detrás de los ojos podría indicar que tiene orejas cubiertas.

Aparte la fila de formas rectangulares con un diseño en "L" encima y debajo de la cabeza, situadas en la parte posterior de la vasija, puede sugerir las filas de escamas gruesas o escudos del cuerpo del caimán.

Con respecto a la composición destacar que el pigmento rojo que cubre gran parte de la superficie oscura de la botella es cinabrio, una sustancia muy tóxica pero que proporciona un color rojo muy brillante que imita la sangre fresca.

Para finalizar subrayar que a menudo los artistas cupisnique combinaron elementos de múltiples depredadores para componer cuerpos fantásticos de múltiples especies.

Es más los motivos rectangulares que simbolizan los escudos del caimán se identifican como plumas en otras imágenes, dejando abierta la posibilidad de que la Botella con Caimán sea también una composición quimérica.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

miércoles, 23 de agosto de 2023

Montura Carolingia

La Montura Carolingia es una montura datada aproximadamente en el siglo IX d.C. (período comprendido entre los años 801 d.C. y 900 d.C.), perteneciente el arte medieval.

Montura Carolingia

En concreto se encuentra englobada dentro del arte prerrománico y dentro de éste pertenece al arte carolingio.

Montura Carolingia

Fue hallado en el año 1.991 d.C. de forma accidental en el jardín delantero de una casa situada en el pueblo de Wareham, ubicado en el condado de Dorset, en el Sudoeste de Gran Bretaña.

También se conoce que poco después de su descubrimiento la montura estaba en posesión del británico D. Isaacs.

Hasta que en el año 2.007 d.C. la Montura Carolingia fue donada al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 14 mm, una anchura de 30 mm y una longitud de 30 mm. Está fabricado en niel, oro y plata.

Se trata de una montura fundida con forma cuadrada que ha sido empotrada dentro de un marco exterior acanalado. La montura tiene un borde de hojas de acanto que rodea un cuadrado abovedado central ornamentado con una cruz de brazos iguales con extremos en forma de rombo y un cuatrifolio de marco cuadrado en su centro.

Además se puede observar como entre los brazos hay bandas de acanto y aunque la parte trasera es lisa, tiene dos pequeñas argollas de fijación completas y otras dos pequeñas argollas que en la actualidad se encuentran rotas.

Con respecto a la composición destacar que durante los trabajos de restauración se identificaron rastros plateados alrededor del borde que posiblemente sean niel (labor en hueco sobre un metal precioso que ha sido rellenado con un esmalte negro fabricado de plata y plomo fundido con azufre).

Para finalizar subrayar que la Montura Carolingia es una pieza de orfebrería carolingia de alta calidad que probablemente fue originalmente un accesorio para una espada o un arnés para caballos.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

martes, 22 de agosto de 2023

Venus y Sático con dos Amorcillos

Venus y Sátiro con dos Amorcillos, también conocida como La Bacante, es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.588 d.C. y 1.590 d.C., perteneciente al arte barroco.

Venus y Sátiro con dos Amorcillos

Fue pintada por el pintor y grabado italiano Annibale Carracci.

Se conoce que en el año 1.620 d.C. la pintura fue vendida por el caballero boloñés (natural de la ciudad de Bolonia, situada en el norte de Italia) Camillo Bolognetti.

A un emisario del aristócrata italiano y Cuarto Gran Duque de Toscana Cosme II de Médici.

Cabe resaltar que estando en la colección de arte de los Médici, la pintura fue expuesta en la sala octogonal conocida como Tribuna de los Uffizi.

Ubicada en la Galería Uffici, situada en la ciudad de Florencia, localizada en la región de la Toscana, en Italia.


Descripción

Tiene una altura de 112 cm y una anchura de 142 cm. Está pintada en óleo sobre tela.

Se trata de una pintura que representa a la diosa Venus (diosa del amor, la belleza y la fertilidad) de espaldas, desnuda, con un paño blanco alrededor de la cintura y reclinada sobre una cama con el codo derecho apoyado en un cojín.

El cabello largo se encuentra recogido en un elaborado peinado ornamentado con perlas insertadas que deja ver el pendiente en forma de perla que le cuelga de su oreja derecha. 

Aparte en el rostro de perfil destaca el ojo almendrado, la nariz recta, los labios carnosos y el mentón redondeado.

Delante de la diosa está representado un sátiro (ser de la mitología clásica representado con pequeños cuernos, el cuerpo cubierto de vello, rabo y patas de macho cabrío, que acompañan al dios Pan y al dios Dionisio) que sostiene una copa de uvas (simbolizando el fruto dionisíaco) que ofrece a la diosa.

También hay representado un putti (figura de un niño desnudo y alado) agarrando uno de los muslos de la diosa, mientras que otro putti está representado sosteniendo con su mano derecha un cuerno del sátiro, mientras que con la mano izquierda sostiene una guirnalda encima de la cabeza de la diosa.

Cabe resaltar que los investigadores piensa que los dos putti representados son el dios Eros (dios del amor, de la atracción sexual y de la fertilidad) y el dios Anteros (dios del amor correspondido y vengador del amor no correspondido), quienes representan el deseo y las pasiones (Eros) y el amor espiritual y virtuoso (Ápteros).

Por lo tanto se puede afirmar que en la escena representa a la diosa Venus simbolizando los aspectos "nobles" del amor, en el que la diosa se resiste al acercamiento del sátiro y se cubre púdicamente con un paño.

Con respecto a la composición destacar el contraste entre las formas opulentas y rosadas de la diosa Venus con las formas oscuras y toscas del sátiro. Además se puede apreciar como debajo de la cama dónde está representada la diosa hay una pequeña porción de prado donde brotan margaritas.

Para finalizar subrayar que en el siglo XVIII d.C. (período comprendido entre los años 1.701 d.C. y 1.800 d.C.) debido a la desnudez de la diosa y a la carga erótica impregnada en la composición, la pintura fue cubierta con otro lienzo, utilizado como biombo, que sólo fue retirado en el siglo XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 1.900 d.C.).

Actualmente se encuentra en la Galería Uffizi de Florencia, Italia.

lunes, 21 de agosto de 2023

Botella de Estribo con Escena de Palacio

La Botella de Estribo con Escena de Palacio es una botella datada aproximadamente entre los años 1.000 d.C. y 1.400 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte chimú.

Botella de Estribo con Escena de Palacio
Botella de Estribo con Escena de Palacio

Lo primero que se conoce es que se encontraba expuesto en la galería de arte "Andre Emmerich Gallery", ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.967 d.C. la botella fue comprada por el político estadounidense y vicepresidente de los Estados Unidos de América Nelson Aldrich Rockefeller.

Entre los años 1.969 d.C. y 1.977 d.C. fue prestada al Museo de Arte Primitivo de Nueva York, un antiguo museo dedicado a las artes de las culturas indígenas de África, Oceanía y América.

Hasta que en el año 1.978 d.C. la Botella de Estribo con Escena de Palacio fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Botella de Estribo
con Escena de Palacio

Botella de Estribo
con Escena de Palacio

Botella de Estribo
con Escena de Palacio

Botella de Estribo
con Escena de Palacio


Descripción

Tiene una altura de 23,5 cm, una anchura de 11,1 cm y una profundidad de 16,5 cm. Está fabricada en plata.

Se trata de una botella fabricada mediante piezas de lámina de plata que fueron cortadas, repujadas y soldadas entre sí para crear una botella con un cuerpo en forma de plataforma arquitectónica con figuras.

Los investigadores piensan que el artista puede haber tenido la intención de evocar un área dentro de los palacios de Chan Chan.

Cabe destacar que la ciudad de Chan Chan era la capital del Imperio Chimú, además se conoce que era una gran ciudad del desierto andino que floreció en la costa norte de Perú.

Actualmente su ubicación se corresponde con la ciudad de Trujillo, situada en el valle de Moche, en el norte de Perú.

Botella de Estribo con Escena de Palacio

Se puede apreciar como en la botella hay representada una figura central con un tocado cónico y grandes orejeras que está sentada dentro de un espacio similar a un nicho.

Está flanqueada por dos figuras sentadas frente a él, una de ellas lleva un tocado cónico y orejeras, mientras que la otra parece estar cargando un saco sobre sus hombros.

También se observa como la escena se repite en el lado opuesto de la botella.

Botella de Estribo
con Escena de Palacio

Los muros de la estructura están decorados al estilo de los palacios de Chan Chan, con relieves que representan figuras con tocados de media luna y aves marinas.

Los individuos principales están sentados en audiencias en forma de tronos, es decir, en estructuras en forma de "U" que a menudo estaban ubicadas junto a las instalaciones de almacenamiento.

Cabe resaltar que no se conoce si las figuras con sacos sobre los hombros representaban a comerciantes de larga distancia o a porteadores de tributos.

Pero seguramente las escenas hablan de algún tipo de intercambio ocurrido dentro de los muros de la ciudad.

Para finalizar subrayar que la Botella de Estribo con Escena de Palacio es el único ejemplo, dentro del arte chimú, de una botella arquitectónica fabricada en plata que se ha encontrado en Perú.

Aparte es una rara supervivencia de la platería chimú que representa la tradición por la que los artistas chimú alguna vez fueron famosos, siendo esa fama reflejada en el hecho de que poco después de que los incas conquistaran a los chimú, los plateros de la ciudad de Chan Chan fueron llevado a la ciudad de Cusco (capital del Imperio Inca), dónde fueron puestos al servicio del nuevo Imperio Inca dominante.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

domingo, 20 de agosto de 2023

Anillo para el Cuello Celta

El Anillo para el Cuello Celta es un anillo datado aproximadamente entre los años 500 a.C. y 300 a.C., perteneciente al arte celta.

Anillo para el Cuello Celta
Anillo para el Cuello Celta
(detalle)

Se conoce que el anillo perteneció a la colección de arte del oficial del ejército británico, etnólogo y arqueólogo Augustus Henry Lane Fox Pitt Rivers.

Después fue propiedad del poeta irlandés John Harold Hewitt.

En el año 1.975 d.C. fue adquirido por Michael y Stark Ward, pasando a formar parte de su colección de arte ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 2.000 d.C. el Anillo para el Cuello Celta fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).


Descripción

Tiene una altura de 15,6 cm, una anchura de 16 cm y un grosor de 1,7 cm. Está fabricado en bronce.

Se trata de un anillo para el cuello de sección plana y ornamentado con un patrón geométrico inciso de zigzags y puntos perforados que incluye un motivo que recuerda a los rayos de sol.

También se puede apreciar como los terminales en forma de "cuello de cisne" se pliegan sobre sí mismos y están decorados con un motivo derivado de la clásica palmeta griega.

Para finalizar subrayar que el Anillo para el Cuello Celta da testimonio a la voluntad de los artesanos celtas de experimentar con la forma y la decoración de anillos para el cuello.

Además resaltar que el anillo presenta una elegante sencillez que reúne los diseños geométricos abstractos de la orfebrería norteña y los motivos curvilíneos de una estética mediterránea.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

sábado, 19 de agosto de 2023

Placa en Forma de Hombre Recostado

La Placa en Forma de Hombre Recostado es una placa datada aproximadamente entre los siglos I a.C. y I d.C. (período comprendido entre los años 100 a.C. y 100 d.C.), perteneciente al arte persa, en concreto se encuentra englobada dentro del arte parto.

Placa en Forma de Hombre Recostado

Lo primero que se conoce es que la placa se encontraba en posesión del comerciante de antigüedades Elias S. David.

Hasta que en el año 1.955 d.C. la Placa en Forma de Hombre Recostado fue regalada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 10,2 cm, una anchura de 13,2 cm y un grosor de 3,7 cm. 

Está fabricada en cerámica.

Se trata de una pequeña placa de terracota que presenta una figura reclinada en un sofá cubierto con un patrón de espiga y rayas.

También cabe destacar que la figura ha sido identificada como un hombre parto debido a su vestimenta, puesto que se encuentra ataviado con pantalones y una túnica hasta la altura de las rodillas ceñida al cuerpo mediante un cinturón.

Resalta como no tiene barba, lleva aretes en forma de disco y sostiene una taza en su mano izquierda. Aparte su torso se encuentra representado inclinado para que toda la figura se vea de frente.

Con respecto a la composición resaltar que la pose de la figura refleja los vínculos entre los artistas partos y los artistas griegos a lo largo de la costa oriental del mar Mediterráneo, aunque normalmente los artistas griegos representan en esta pose a mujeres.

Para finalizar subrayar que en la actualidad tan solo existen unas pocas placas de terracota que representen figuras con vestimenta parta, como jinetes a caballo, soldados y músicos.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

viernes, 18 de agosto de 2023

Peso Inscrito de la Dinastía Qin

El Peso Inscrito de la Dinastía Qin, también conocido como 秦 铜诏铁权, es un peso datado aproximadamente entre los años 221 a.C. y 206 a.C., perteneciente al arte chino.

Peso Inscrito de la Dinastía Qin
En el año 1.983 d.C. el peso fue desenterrado en el distrito de Qincheng (秦城区).

Ubicado en la ciudad de Tianshui (天水市), situada en la provincia de Gansu (甘肃省), en China (中国).

Poco después de su descubrimiento pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Provincial de Gansu (甘肃省博物馆).

Situado en la ciudad de Lanzhou (兰州市), localizada en la provincia de Gansu (甘肃省), en China (中国).


Descripción


Tiene una altura de 19 cm, un diámetro de 25 cm y un peso de 31,6 kg. Está fabricado en bronce y hierro.

Se trata de un gran peso de hierro que presenta un asa en la parte superior, también se puede apreciar como tanto el peso como la medida están inscritos con el mismo edicto en la placa de bronce rectangular que cuelga del asa.

Una traducción aproximada del edicto es la siguiente:

"En el año vigésimo sexto (correspondiente con el año 221 a.C.), 
el Emperador unificó por completo a los señores regionales de Todo-bajo-el- Cielo.
Los de cabeza negra (es decir, la gente común) estaban en gran paz, 
y él estableció el título de (Emperador).
Ahora dirige a los ministros principales (Wei) Zhuang y (Wang) Wan.
En cuanto a los estándares, longitudes, medidas y reglas que no estén unificadas y sean dudosas, 
aclararlas y unificarlas todas."

Cabe resaltar que el edicto demuestra los esfuerzos para unificar y estandarizar los sistemas en todo el Imperio Qin. 

Además la unificación no solo permitió la recaudación de impuestos sobre los cereales a una tasa uniforme en todos los territorios conquistados, sino que también comunicó a la audiencia más amplia posible la legitimidad y la autoridad del Imperio Qin.

Aparte el Peso Inscrito de la Dinastía Qin pesa 120 jin o 1 shi (literalmente "piedra") y se encuentra englobado dentro de los pesos más grandes en el sistema Qin. 

Es más se conoce que para prevenir la corrupción los funcionarios de Qin no podían utilizar pesos que se desviaran de las normas impuestas por el estado, lo que era una forma de garantizar que la gente reconociera la legitimidad del régimen de Qin.

Para finalizar subrayar que el Peso Inscrito de la Dinastía Qin fue prestado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América) para ser expuesto en la exposición "Age of Empires: Chinese Art of the Qin and Han Dynasties (221 a.C. - 200 a.C.)" ocurrida desde el 3 de abril del año 2.017 d.C. hasta el 16 de julio del año 2.017 d.C., después de la exposición el peso fue devuelto al prestamista.

Actualmente se encuentra en el Museo Provincial de Gansu, China.

jueves, 17 de agosto de 2023

Plato Mameluco de Vidrio Esmaltado

El Plato Mameluco de Vidrio Esmaltado es un plato datado aproximadamente entre los años 1.350 d.C. y 1.357 d.C., perteneciente al arte islámico, en concreto al arte mameluco.

Plato Mameluco de Vidrio Esmaltado
Plato Mameluco de Vidrio Esmaltado


Lo primero que se conoce es que se encontraba en la colección de arte del coleccionista y orfebre estadounidense Edward Chandler Moore.

Hasta que en el año 1.991 d.C. el Plato Mameluco de Vidrio Esmaltado fue legado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Plato Mameluco de Vidrio Esmaltado



Descripción

Tiene una altura de 2,2 cm y un diámetro de 22,2 cm. Está fabricado en vidrio esmaltado y dorado.

Se trata de un plato plano con un borde curvo elevado ornamentado con una cuadrícula geométrica creada a través de cinco círculos tangentes y dibujada en una línea circular continua que domina la composición.

Además se puede apreciar como cuatro de los círculos incluyen un patrón estrellado entrelazo que se alterna con patrones vegetales estilizados de tipo arabesco.

Con respecto a la composición destacar que el colorido contraste cromático entre los esmaltes: azul, blanco y rojo, así como el contraste con el dorado enfatizan la calidad gráfica de éste complejo diseño.

Para finalizar subrayar que los investigadores creen que originalmente el Plato Mameluco de Vidrio Esmaltado pudo haber formado parte de una lujosa vajilla utilizada por la élite gobernante en la región de Egipto.

Aparte destacar que la densa decoración es típica del estilo de vidrio esmaltado del siglo XIV (período comprendido entre los años 1.301 d.C. y 1.400 d.C.) en Egipto.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

miércoles, 16 de agosto de 2023

Escudo Moche

El Escudo Moche es un escudo datado aproximadamente entre los años 500 d.C. y 800 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte moche.

Escudo Moche

Se conoce que fue encontrado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en la región de Piura, situada en el noroeste de Perú.

También es sabido que fue expuesto en la galería de arte "Walter Randel Gallery", ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.971 d.C.  fue comprado por el psiquiatra y psicoanalista estadounidense Arnold I. Goldberg.

En el año 1.976 d.C. pasó a ser propiedad del erudito y profesor de historia de arte estadounidense Jane Costello Goldberg.

Hasta que en el año 1.987 d.C. el Escudo Moche fue legado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Escudo Moche 



Descripción

Tiene un diámetro de 31 cm. Está fabricado en cobre plateado.

Se trata de un escudo circular compuesto de una chapa martillada, a la que se cortaron partes del fondo con la finalidad de crear una escena, además la chapa presenta un borde exterior.

La escena representa a un guerrero moche sacrificado por dos guerreros "condors" representados de perfil.

El guerrero representado a la derecha levanta el brazo izquierdo de la víctima, mientras que el guerrero representado a la izquierda empuña un cuchillo en forma de media luna, conocido con el nombre de tumi.

Resalta como los dos guerreros "condors" tiene incisiones que indican los ojos y las plumas de la cola, aparte los cuerpos están realzados por "colgantes", pequeñas piezas de lámina de metal en forma de pluma o círculo unidas con alambres de metal.

También hay colgantes en las túnica de los guerreros y en el borde del disco, aunque actualmente algunos de éstos faltan pero quedan los cables para su conexión. Se puede observar como cada guerrero "condors" tiene una pata de ave y un pie y un brazo humano.

Con respecto a la composición destacar que originalmente el Escudo Moche era de color plata, puesto que se agregaron finas capas de plata elaboradas por expertos artistas a la superficie del sustrato de la lámina de cobre.

Sin embargo el color verde visible en la actualidad es el resultado de la corrosión y la exposición del metal de cobre a los elementos a lo largo del tiempo.

También se pueden observar como hay pequeños agujeros en el perímetro, lo que sugieren que éste escudo originalmente pudo haber estado adherido a un escudo ceremonial o a un estandarte ceremonial con la finalidad de ser exhibido durante desfiles y rituales religiosos.

Aparte en la escena representada llama la atención como la víctima no parece ser un cautivo, dado que está representado con una túnica, colgantes y un tocado cónico que indica que es un guerrero.

Es más la escena representada parece ser el proceso de un desmembramiento sacrificio que ya ha comenzado, ya que la víctima a la que le han levantado el brazo le falta la mano.

Para finalizar subrayar que es conocido que dentro de la sociedad moche los pájaros "condors" (pertenecientes a la familia de los buitres) están fuertemente asociados con el sacrificio y la muerte.

Se han documentado desmembramientos de humanos y animales en varios yacimientos arqueológicos localizados en la costa norte de Perú. También se sabe que en las creencias moche, tales rituales de sacrificio probablemente se consideraban esenciales para la continuación de su mundo.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

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