Aristóteles contemplando el Busto de Homero

Aristóteles contemplando el Busto de Homero es una pintura datada en el año 1.653 d.C., perteneciente al arte barroco.

Aristóteles contemplando el Busto de Homero

Fue pintada por el pintor y grabador neerlandés Rembrandt Harmenszoon van Rijn (también conocido como Rembrandt).

Lo primero que se conoce es que la pintura fue un encargo del noble, político, mecenas y coleccionista de arte siciliano Antonio Ruffo.

Siendo la pintura enviada durante el verano del año 1.654 d.C. desde la ciudad de Ámsterdam a su palacio ubicado en la ciudad de Messina, localizada al noroeste de Sicilia (Italia).

Cabe resaltar que el encargo se realizó a través del comerciante italiano Giacomo di Batista, que hacia negocios en la ciudad de Ámsterdam (Holanda), siendo el precio pagado por la pintura de 500 florines.

Aristóteles contemplando el Busto de Homero fue registrado en el año 1.657 d.C. en el inventario de la colección de arte de Antonio Ruffo.

Perteneció a la familia Ruffo hasta el año 1.760 d.C., después pasó a ser propiedad del empresario y diputado británico Sir Abraham Hume (primer Baronet).

Por herencia pasó a formar parte de la colección de arte del floricultor británico y político conservador Sir Abraham Hume (segundo Baronet).

En el año 1.838 d.C. la pintura fue comprada por el coleccionista de arte francés Rodolphe Kann.

En el año 1.905 d.C. la pintura fue vendida a un coleccionista de arte privado, afincado en Estados Unidos de América.

En el año 1.928 d.C. Aristóteles contemplando el Busto de Homero fue adquirido por el coleccionista de arte estadounidense Alfred William Erickson.

Hasta que el 15 de noviembre del año 1.961 d.C. la pintura fue comprada, por un precio de 2,3 millones de dólares, por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 143,5 cm y una anchura de 136,5 cm. Está pintada al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa al filósofo, polímata y científico griego Aristóteles en posición de pie, con el brazo derecho levantado y apoyando pensativamente su mano derecha sobre un busto del poeta épico Homero (autor de la Ilíada y la Odisea), mientras que la mano izquierda reposa sobre su cadera.

Está ricamente ataviado como un mercader holandés del siglo XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.700 d.C.) y un medallón de oro alrededor del cuerpo con un retrato de su alumno el rey de Macedonia, hegemón de Grecia, faraón de Egipto y Gran rey de Media y Persia, Alejandro III de Macedonia (también conocido como Alejandro Magno o Alejandro el Grande).

También se puede observar como situada en el pedestal del busto de Homero se puede leer la siguiente inscripción:

"Rembrandt. f. / 1653"

Con respecto a la composición destacar que entre el busto y la figura de Aristóteles flota una calida luz que se concentra en el punto dónde deberían cruzarse de las miradas. También llama la atención como la luz parece brotar de dentro de la oscuridad de la habitación dónde predomina una paleta cromática oscura.

Aparte resaltar que la pintura trasmite la meditación de Rembrandt sobre el significado de la fama, tal vez Aristóteles está representado sopesando su propio éxito mundano con el logro intemporal de Homero.

Para finalizar subrayar que siempre ha habido una confusión sobre la identidad del hombre representado en la pintura porque Antonio Ruffo no solicitó específicamente un tema para su encargo.

Se ha pensado que la figura podría representar: al fraile dominico y obispo de la iglesia católica, teólogo, geógrafo, filósofo y químico alemán Alberto Magno, al poeta italiano Torquato Tasso, al poeta italiano Ludovico Ariosto, al poeta romano Publius Virgilius Maro (también conocido como Virgilio) y el poeta, dramaturgo e historiador neerlandés Pieter Corneliszoon Hooft.

La identidad del tema también fue cuestionada por el historiador británico Simon Schama en su libro "Rembrandt's Eyes" (Los ojos de Rembrandt).

En el libro expone un argumento sustancial de que la figura representada es el pintor griego Apeles, considerado uno de los pintores más queridos y afamados de la Edad Antigua.

Sin embargo en el año 1.969 d.C. fue el historiador de arte y coleccionista alemán Julius Samuel Held, quién argumentó que la figura representada era Aristóteles analizando sus rasgos faciales, su ropa y los objetos que sostiene.

Según Julius Samuel Held Aristóteles es conocido por su pelo, barba largos, joyas elegantes y vestidos extravagantes, que se pueden ver en otras pinturas que lo representaron entre los siglos XVI d.C. y XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.501 d.C. y 1.700 d.C.) en Europa.

Es más se conoce que Aristóteles mencionaba a Homero y Alejandro Magno, lo que llevó a Julius Samuel Held a creer que debía ser Aristóteles el que aparecía en la pintura.

Además como curiosidad destacar que durante la renovación del ala Rembrandt del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, la pintura fue retitulada en noviembre del año 2.013 d.C. como Aristóteles contemplando el Busto de Homero.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Figura Sentada en un Banco

La Figura Sentada en un Banco es una escultura datada aproximadamente entre los siglos X a.C. y IV a.C. (período comprendido entre los años 1.000 a.C.  y 301 a.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte olmeca.

Figura Sentada en un Banco

Figura Sentada en un Banco

Lo primero que se conoce es que se encontraba en la colección de la galería de arte "Julius Carlebach Gallery", ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.960 d.C. la escultura fue comprada por el político estadounidense y vicepresidente de los Estados Unidos de América, Nelson Aldrich Rockefeller.

Entre los años 1.960 d.C. y 1.978 d.C. fue cedida al Museo de Arte Primitivo de Nueva York, un antiguo museo dedicado a las artes de las culturas indígenas de África, Oceanía, América, Europa y Asia.

Hasta que en el año 1.979 d.C. la Figura Sentada en un Banco fue legada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Figura Sentada en un Banco

Figura Sentada en un Banco

Descripción

Tiene una altura de 11,3 cm, una anchura de 5,7 cm y un espesor de 5,4 cm. 

Está fabricada en serpentina, mediante las técnicas de incisión, grabado, pulido y tallado.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa una figura humana, un hombre,  sentado en un banco acunando a un bebé-hombre-jaguar en brazos.

Llama la atención como la forma distintiva del banco representa un trono con motivo de nubes, similar a los representados en los relieves monumentales tallado en el yacimiento arqueológico de Chalcatzingo, localizado en el valle de Morelos, en el estado de Chalcatzingo (México).

El hombre presenta una cabeza grande, ovalada y con un peinado inciso. Además se aprecia como las orejas de gran tamaño tienen los lóbulos perforados, se cree que originalmente en las perforaciones podrían haber habido incrustadas adornos removibles.

En sus brazos sostiene un bebe-hombre-jaguar representado con las extremidades definidas y una cabeza inclinada con una hendidura incisa.

También se observa como el cuerpo del hombre presenta en sus hombros y rodillas esgrafías con personajes mitológicos, enfatizando la creencia mesoamericana de las cuatros esquinas y un centro, que son considerados como un principio organizado de la cosmovisión olmeca, siendo el bebe como una representación simbólica de un brote de maíz y el centro del mundo.

Es más es conocido que la preocupación de los pueblos olmecas por la crianza de los hijos y las conexiones mitológicas entre los ciclos de vida de los bebes y la agricultura trascienden el tiempo y el espacio.

Para finalizar subrayar que la Figura Sentada en un Banco tiene una apariencia similar al Señor de las Limas, asimismo cabe resaltar que los bebes-hombre-jaguar eran seres sobrenaturales que desempeñaban un papel importante en el arte olmeca y a menudo se representaban con rasgos felinos como colmillos y ojos rasgados.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Sello de Calcedonia Omeya

El Sello de Calcedonia Omeya es un sello datado aproximadamente entre los siglos VII d.C. y VIII d.C. (período comprendido entre los años 601 d.C. y 800 d.C.), perteneciente al arte islámico, en concreto al arte omeya.

Sello de Calcedonia Omeya

Sello de Calcedonia Omeya

Lo primero que se conoce es que el sello se encontraba en propiedad del clérigo británico, obispo de Sodor, Man, Bath y Well Robert John Eden (tercer barón de Auckland).

En el año 1.853 d.C. el Sello de Calcedonia Omeya fue comprado por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Se trata de un sello de calcedonia blanco translúcido con forma de cabujón ovalado que presenta dos líneas en idioma árabe escritas en escritura angular.

La inscripción es la siguiente:

"بسم الله كيسن عبد الله"

Siendo una traducción aproximada la siguiente:

" En el nombre de Alá, Kaysen Abdullah "

Con respecto al estado de conservación destacar que en general se encuentra en buen estado, pero se puede apreciar como su superficie se encuentra agrietada, tal vez debido a la exposición del sello a las condiciones climáticas.''

Para finalizar subrayar que llama la atención que la inscripción Sello de Calcedonia Omeya no habla en primera persona ni desea buena suerte a su propietario, tampoco declara "soy un anillo", ni afirma que "sella" o "valida" algo. Por lo que se trata se una inscripción que imita a las inscripciones que los gobernantes llevaban inscritos en sus sellos.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Gema Augustea

La Gema Augustea es un camafeo datado aproximadamente entre los años 9 d.C. y 12 d.C., perteneciente al arte romano.

Gema Augustea

Lo primero que se conoce es que el camafeo se encontraba en el año 1.246 d.C. en el tesoro de la abadía de Saint-Sernin de la ciudad de Toulouse.

Localizada en el departamento de Alto Garona, situada en la región de Occitania, al sur de Francia.

En el año 1.533 d.C. la Gema Augustea fue expropiada y pasó a formar parte de la colección de arte del rey de Francia Francisco I de Francia.

Alrededor del año 1.590 d.C. el camafeo fue robado y vendido unos años después por un precio de 12.000 ducados de oro.

Siendo comprado por el Archiduque de Austria, rey de Hungría, rey de Bohemia y Emperador del Sacro Imperio Romano Germánico Rodolfo II de Hasburgo.

El camafeo pasó entonces a formar parte del tesoro alemán propiedad de los Habsburgo, dónde fue restaurado y engastado en oro, por lo que se deduce que podría haber sido dañado con anterioridad.

Hasta que en el año 1.779 d.C. fue adquirido por el Museo de Historia del Arte de Viena, ubicada en la ciudad de Viena (Austria), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Gema Augustea

Descripción

Tiene una altura de 23 cm, una anchura de 19 cm y un espesor de 1,2 cm.

Está elaborado en piedra ónice árabe y oro, mediante las técnica de tallado, pulido y grabado.

Se trata de un camafeo, es decir, un relieve obtenido a partir de una piedra preciosa, en este caso el relieve está realizado en una piedra ónice árabe.

El relieve se encuentra tallado en dos capas, una de ellas blanca y otra de color marrón azulado, por lo que las figuras representadas en blanco contrastan sobre el fondo oscuro creando un fuerte contraste.

Además cabe resaltar que la Gema Augustea está considerada una obra maestra del taller imperial de gemas de la ciudad de Roma.

Las escenas se pueden dividir en dos partes y sirvieron para glorificar las hazañas del emperador romano Cayo Julio César Augusto (también conocido como Augusto) y su sucesor el emperador romano Tiberio Julio César Augusto.

En la franja superior del camafeo se encuentra representado el emperador Augusto entronizado con el traje y la pose del dios Júpiter (dios principal de la mitología romana, padre de los dioses y de los hombres y dios de los cielos y del rayo), sosteniendo un cetro y un bastón de ritual augural conocido como lituus o lituo. 

A la derecha del emperador se sienta Roma, la patrona de la ciudad. Aparte se aprecia como entre las cabezas de las dos figuras se encuentra la cabra montesa (la constelación de Augusto) y a sus pies el águila.

En el lado derecho hay figuras alegóricas: Ecúmene (el territorio delimitado en sus fronteras y habitado), el Océano (en referencia al océano que los romanos pensaban que era un enorme río que circundaba el mundo) e Italia (con una curnocopia o cuerno de la abundancia y dos niños).

Gema Augustea

Junto a Roma se encuentra representado el sobrino-nieto del emperador Augusto, el general romano Germánico Julio César ataviado con un uniforme militar.

A la izquierda está representado el príncipe heredero e hijastro del emperador Tiberio Julio César Augusto, de pie subido a un carro de dos ruedas conducido por la diosa Victoria (diosa personificada de la victoria y el triunfo).

En la franja inferior del camafeo están representado las figuras de los legionarios romanos victoriosos erigiendo un tropaion (monumento que conmemora una victoria sobre los enemigos). 

También se observa como se encuentran representados la figura de los "bárbaros" subyugados, probablemente habitantes de los pueblos panonios, dálmatas y germanos, que observan la escena.

Para finalizar subrayar que algunos investigadores piensan que la escena representada quizás se refiere a la derrota del levantamiento dálmata ocurrida en 16 de enero del año 10 d.C., después de la victoria el comandante en jefe de las tropas romanas Tiberio Julio César Augusto, entró en la ciudad de Roma y se presentó ante el emperador como vencedor.

Actualmente se encuentra en el Museo de Historia de Arte de Viena, en Austria.

Espada de Jade de Siete Agujeros

La Espada de Jade de Siete Agujeros (七孔玉刀), también conocida como Espada de Jade de Siete Agujeros Xia (夏七孔玉刀) o Espada de Jade Grande de Siete Agujeros (七孔大玉刀), es una espada datada aproximadamente entre los años 2.070 a.C. y 1.600 a.C., perteneciente al arte chino.

Espada de Jade de Siete Agujeros

Espada de Jade de Siete Agujeros

Espada de Jade de Siete Agujeros

En concreto fue elaborada durante la dinastía Xia (夏朝), la primera dinastía de la historia de China.

Fue hallada en el año 1.975 d.C. durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en el yacimiento arqueológico de Erlitou (二里头遗址).

Ubicado en el distrito de Yanshi (偃师), localizado en la ciudad de Louyang (洛阳市), situada en la provincia de Henan (河南), en China (中国).

Poco después de su descubrimiento la Espada de Jade de Siete Agujeros pasó a formar parte de la colección de arte del Museo de Luoyang (洛阳博物馆), en China.

Descripción

Tiene una longitud de 65 cm, una anchura de 9,5 cm y un grosor de 0,4 cm.

Se trata de la hoja de una espada con un borde afilado, que presenta un total de siete agujeros circulares perforados en la parte posterior y dispuestos en línea recta.

El cuerpo de la hoja de la espada es plano, en forma de trapecio ancho y largo con un lado estrecho y la hoja ancha. También se observa como hay dientes convexos simétricos en ambos lados y el material de jade del cuchillo es de color verde oscuro con un tinte amarillo en algunas partes.

Con respecto a la composición destacar que la ornamentación en ambos lados es similar, la decoración está formada por líneas rectas que se cruzan formando una red y diferentes patrones geométricos.

En cuanto al propósito de la espada resaltar que existen numerosas teorías, siendo la más aceptada la que la espada originalmente podría haber sido un instrumento ritual que simbolizaba autoridad y estatus.

Aunque también se piensa que el color amarillo parcial de la hoja puede ser el resultado de la exposición prolongada a la sangre, pero debido a su textura quebradiza, se especula que fue usada como un instrumento de tortura utilizado para matar a gente.

Para finalizar como curiosidad destacar que el 19 de agosto del año 2.013 d.C. la Espada de Jade de Siete Agujeros fue incluida en el "Tercer lote de catálogos de exhibición de reliquias culturales cuya exportación está prohibida" (第三批禁止出境展览文物目录) por la Administración Estatal de Patrimonio Cultural (国家文物局) (agencia administrativa subordinada al Ministerio de Cultura y Turismo de la República Popular China).

Actualmente se encuentra en el Museo de Louyang, China.

Tintero del Emperador Jahangir

El Tintero del Emperador Jahangir es un tintero datado aproximadamente entre los años 1.618 d.C. y 1.619 d.C., perteneciente al arte indio.

Tintero del Emperador Jahangir

Tintero del Emperador Jahangir

Fue realizado por el cuarto emperador mongol de la India Nuruddin Salim Jahangir (también conocido como Mū᾽min Jahangir).

Perteneció a la colección de arte, del coleccionista indio Lale Kashi Nath, ubicada en la ciudad de Lucknow, localizada en el estado de Uttar Pradesh, en India.

En el año 1.904 d.C. fue comprado por el coleccionista estadounidense George Coe Graves, pasando a formar parte de su colección de arte "The Sylmaris Collection" ubicada en el vecindario de Osterville, situado en la ciudad de Barnstable, en el estado de Massachusetts (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.929 d.C. el Tintero del Emperador Jahangir fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Tintero del Emperador Jahangir

Tintero del Emperador Jahangir

Tintero del Emperador Jahangir

Tintero del Emperador Jahangir

Tintero del Emperador Jahangir

Descripción

Tiene una altura de 6,4 cm y un diámetro de 7,9 cm.

Está fabricado en nefrita y oro.

Se trata de un tintero de jade compacto y redondeado, del tamaño y peso justo para la tinta y para sumergir plumas de caña sin volcarlas.

Sobretodo destaca que es un tintero robusto, monumental, ingeniosamente redondeado, ricamente adornado, pesado y bien equilibrado que difícilmente podría volcarse.

Cabe resaltar que originalmente pudo haber sido utilizado por el emperador Nuruddin Salim Jahangir para escribir su Tuzuk-e-Jahangiri (autobiografía) o firmar decretos imperiales.

La parte exterior del cuerpo se encuentra ornamentado con un patrón geométrico y vegetal. Además se observa como se encuentra grabada la siguiente inscripción en idioma persa: 

"از جهانگیر شاه اکبر شاه

در سنۀ 14 جلوس جهانگیري

 مطابق سنۀ 1028 هجري

 صورت اتمام یافت"

Una traducción aproximada de la inscripción es la siguiente:

"Fue completado por Mū᾽min Jahangir en el año 14 del reinado de Jahangir, equivalente al año 1028 de la Hégira (correspondiente con los años 1.618 d.C. y 1.619 d.C.)"

También en la base se puede apreciar como se encuentra la siguiente inscripción grabada en idioma persa:

"عمل مؤمن جهانگیري"

Siendo su traducción aproximada la siguiente:

"El acto de un creyente en el cuidado del mundo"

Con respecto a la composición destacar que la nefrita es una piedra muy dura, difícil y lenta de trabajar, por lo que para fabricar el tintero primero fue cortada la piedra en la forma adecuada con una sierra de arco provista de dos hilos de metal y un abrasivo de arena humedecida con agua.

Luego se dio forma y se ornamentó con un torno de arco accionado por una mano que tira del arco hacia adelante y hacia atrás mientras la otra mano sostuvo el objeto contra la rueda de corte.

Aparte para ahuecar el tintero fueron utilizados herramientas parecidas a taladros impulsados de manera similar.

Para finalizar subrayar que el Tintero del Emperador Jahangir está considerado como un símbolo visual poético del imperio heredado por el emperador Nuruddin Salim Jahangir de su padre el tercer emperador mongol de la India Abu'l-Fath Jalal-ud-din Muhammad Akbar (también conocido como Akbar o Akbar el Grande).

Cabe destacar que es conocido que el emperador Akbar encargaba obras de arte como elementos de una visión imperial dinámica, mientras que el hijo lo hacía por deleite y alimento espiritual.

Es más sus miniaturas, arquitectura, objetos y autografía lo revelan como un gobernante responsable, aunque peculiar que coleccionó fotografías y objetos del mundo islámico y más culturas como: porcelanas chinas, estatuillas de bronce dorado de Augsburgo, grabados del artista alemán Alberto Durero, obras de los manieristas flamencos, joyas del Renacimiento y miniaturas persas.

Además al llegar al trono el emperador Jahangir liberó a una gran proporción de los artistas y artesanos imperiales a las cortes feudatorias y a los talleres del bazar, reteniendo sólo a aquellos cuyo trabajo cumplía con sus estándares de seriedad y moderación.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Medalla con Retrato del Sultán Mehmed II

La Medalla con Retrato del Sultán Mehmed II es una medalla datada en el año 1.480 d.C., perteneciente al arte otomano.

Medalla con Retrato del Sultán Mehmed II

Medalla con Retrato del Sultán Mehmed II

Fue elaborada por el escultor italiano Bertoldo di Giovanni.

Se conoce que la Medalla con Retrato del Sultán Mehmed II fue un regalo del mecenas, estadista y diplomático italiano Lorenzo de Médici al sultán Mehmed II, como un halagador reconociendo de las victorias militares del sultán.

Perteneció a la colección del capitán de barco, comerciante, industrial y constructor checo Adalbert Lanka the Elder.

Después fue comprada el marchante de arte alemán Rudolph Lepke.

En mayo del año 1.911 d.C. fue comprada por el coleccionista británico Henry Oppenheimer, en el año siguiente, 1.912 d.C., la medalla fue subastada por la casa de subastas "Christie's de Londres" (Gran Bretaña).

En el año 1.936 d.C. la medalla fue comprada por el banquero y coleccionista estadounidense Robert Owen Lehman.

Hasta que en el año 1.975 d.C. la Medalla con Retrato del Sultán Mehmed II fue adquirida por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene un diámetro de 9,4 cm y un peso de 321,66 g. Está fabricada en bronce.

Se trata de una medalla con forma circular que presenta tanto el anverso como el reverso ornamentado con una escena grabada en bajorrelieve.

En el anverso aparece representado la efigie de perfil del sultán otomano Mehmed II (también conocido como "El Conquistador") mirando hacia el lado derecho.

En el rostro del perfil del sultán destaca el ojo almendrado, la nariz aguilera, los labios finos, la barba frondosa y el mentón pronunciado. Además está ataviado con un turbante en la cabeza, una túnica y un gran medallón alrededor del cuello.

En el borde exterior del anverso se puede leer la siguiente inscripción:

" MAVMhET ASIE ACTRAPESVNZIS MAGNEQVE GRETIE IMPERAT[or] "

En el reverso hay representado la figura de un carro triunfal tirado por caballos y conducido por el dios Marte (dios de la guerra) llevando un trofeo, en alusión a las conquistas territoriales planeadas por el sultán Mehmed II.

También se aprecia como de pie sobre un pedestal el dios agarra con una cuerda atada a tres figuras femeninas coronadas, que representan los raptos ocurridos en los territorios bajo el dominio del sultán: Asia, Grecia y Trebisonda (Imperio o Estado cristiano medieval de cultura griega).

Situada en la parte inferior del carro se puede leer la siguiente inscripción:

"GRETIE TRAPESVNTV ASIE OPVS bERTOLDI· FLORENTIN[i] SCVLTORIS"

Cabe resaltar que ésta escena representa que el sultán no se asoció con los gobernantes del Sacro Imperio Romano Germánico, sino con toda la línea de emperadores de la antigua Roma y Bizancio.

Para finalizar subrayar que es conocido que el escultor italiano Bertoldo di Giovanni basó la imagen del sultán en una medalla realizada por el pintor italiano Gentile Bellini, quién también había pintado el retrato del sultán otomano.

Aparte resaltar que se sabe que el sultán Mehmed II favorecía a los medallistas italianos, percibiendo su forma de arte como una forma de enfatizar su legítimo linaje entre los emperadores de Bizancio y la antigua Roma.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Colgante Wari con Estatuilla

El Colgante Wari con Estatuilla es un colgante datado aproximadamente entre los años 600 d.C. y 1.000 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte wari.

Colgante Wari con Estatuilla

Lo primero que se conoce es que pertenecía a la colección de arte del Sr. y la Sra. Herbert L. Lucas Jr..

Hasta que fue donado al Museo Fowler de UCLA, un museo ubicado en el campus de la Universidad de California, localizada en la ciudad de Los Ángeles, situada en el estado de California (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene una altura de 13,3 cm, una anchura de 11,4 cm y un diámetro de 5,1 cm. 

Está fabricado en concha e incrustaciones de piedra y metal.

Se trata de un pequeño colgante de concha de Spondylus (bivalvo o pelicípodo caracterizado por su fuerte conche, sus espinas exteriores y la coloración que va desde el púrpura hasta el blanco).

En la parte superior de la concha hay representada la figura de un hombre perteneciente a la sociedad wari,  cabe resaltar que se conoce que el hombre tenía un altus estatus por su vestimenta.

Puesto que se encuentra ataviado con una túnica tapiz, orejeras y un tocado. Es más resaltar que la túnica presenta incrustaciones de otros materiales raros e importados, incluida la madreperla, siendo un claro ejemplo del alcance imperial del Imperio Wari.

También se puede apreciar como en la parte superior de la cocha hay unos huecos con forma redondeada posiblemente utilizados para que el colgante fuera suspendido.

Para finalizar subrayar que el Colgante Wari con Estatuilla fue prestado entre el 16 de septiembre del año 2.017 d.C. hasta el 28 de enero del año 2.018 d.C. al Museo J. Paul Getty (Estados Unidos de América) para ser expuesto en la exposición: "Golden Kindoms: Luxury and Legacy in the Ancient Americas".

Además entre del 26 de febrero al 28 de mayo del año 2.018 d.C. también fue prestado para ser exhibido en la exposición: "Golden Kindoms: Luxury and Legacy in the Ancient Americas"", llevada a acabo en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Actualmente se encuentra en el Museo Fowler de UCLA, Estados Unidos de América.

Espolón Celta

El Espolón Celta, también conocido como Espuela Celta, es un espolón datado aproximadamente entre los siglos II a.C. y I a.C. (período comprendido entre los años 200 a.C. y 1 a.C.), perteneciente al arte celta.

Espolón Celta

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección del historiador de arte británico Sir Guy Francis Laking.

Entre el 19 y 22 de septiembre del año 1.920 d.C. fue vendido por la casa de subastas "Christie, Manson & Woods", ubicada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

Siendo comprado por un precio de £2.12.6 por el zoólogo, especializado en ictiología e historiador de arte estadounidense Bashford Dean.

Entre el 18 y 19 de noviembre del año 1.921 d.C. fue subastado y comprado por un precio de $10 por el marchante de arte estadounidense Thomas Ellis Kirby.

Hasta que en ese mismo año, 1.921 d.C., el Espolón Celta fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 5,7 cm, una anchura de 5,7 cm y un peso de 45,4 g. Está fabricado en aleación de bronce.

Se trata de un pequeño espolón o espuela consistente en una aguijada o aguijón, más o menos puntiagudo, conectado a unos brazos laterales, además resaltar que éste tipo de espolón está considerado como uno de los primeros tipos que se inventaron.

Es más los investigadores piensan que los primeros espolones probablemente eran simples espinas adheridas a la parte posterior del talón o del tobillo, antes de que comenzaran a fabricarse de metal.

También resaltar que el Espolón Celta originalmente se sujetaba en la parte posterior del pie mediante correas de cuero unidas a los botones de los terminales.

Para finalizar subrayar que en la antigüedad, en la sociedad celta, los espolones no se utilizaban en pares, sino que eran utilizados como un único accesorio sujeto a uno solo de los pies, generalmente utilizado en el pie izquierdo para dirigir al caballo para que avanzara.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Figura Femenina Minoica de Bronce

La Figura Femenina Minoica de Bronce es una escultura datada aproximadamente entre los años 1.700 a.C. y 1.600 a.C., perteneciente al arte prehelénico, en concreto al arte minoico.

Figura Femenina Minoica de Bronce

Figura Femenina Minoica de Bronce

Cabe destacar que los investigadores consideran que la escultura fue elaborada durante el período Minoico Medio III (también conocido por sus siglas MM III), período comprendido aproximadamente entre los años 1.750 a.C. y 1.700 a.C..

Lo primero que se conoce es que fue comprada en la región de Pediada, una antigua provincia de la prefectura de Heraklion, localizada en isla de Creta (Grecia), por el coleccionista de arte Richard B. Seager.

En el año 1.924 d.C. la Figura Femenina Minoica de Bronce fue adquirida por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 3,7 cm. Está fabricada en bronce.

Se trata de una pequeña escultura de bulto redondo o exenta que representa la figura de una mujer de pie con el brazo izquierdo levantado en un gesto de devoción y el brazo derecho pegado al cuerpo.

Por la forma se puede afirmar que la mujer se encuentra ataviada con una túnica larga hasta la altura de los pies y ceñida a la cintura. 

Aparte se observa como situado entre la cadera y el brazo derecho hay un pequeño agujero circular probablemente realizado mediante un punzón afilado.

Con respecto al estado de conservación resaltar que en la actualidad la escultura se encuentra en mal estado, puesto que el cobre está muy corroído lo que estropea tanto la forma como los detalles originales incisos que podría haber tenido la escultura en la antigüedad.

Para finalizar subrayar que se conoce que los minoicos solían depositar pequeños objetos de arcilla, piedra y metal en lugares sagrados, sobretodo en cuevas y santuarios edificados en las cimas de las montañas, como dedicatorias votivas a una deidad.

Además resaltar que la práctica es una característica de las religiones antiguas y modernas, basada en la creencia de que una persona podía comunicarse con lo divino a través de regalos o ofrendas simbólicas, ya sea con la esperanza de que la deidad le concediera una petición o como un agradecimiento por un resultado favorable.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Estudio Para Cabeza de Apolo

El Estudio Para Cabeza de Apolo es una pintura datada en el año 1.630 d.C., perteneciente al arte barroco.

Estudio Para Cabeza de Apolo

Fue pintado por el pintor español Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (también conocido como Diego Velázquez).

Lo primero que se conoce es que hasta el año 1.963 d.C. la pintura se encontraba en la colección de arte del marchante de arte, coleccionista, editor e historiador de arte francés Georges Wildenstein.

Después pasó a formar parte de la colección de arte de un coleccionista particular afincado en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene una altura de 36 cm y una anchura de 25 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa la cabeza de perfil del dios Apolo (dios del sol, de las artes, de la muerte súbita, de las plagas y enfermedades, de la belleza, de la perfección y de la armonía).

El dios aparece representado como un hombre joven, sin barba, de perfil mirando hacia el lado izquierdo, con el rostro ligeramente levantado destacan la nariz y los labios carnosos entreabiertos.

Además se puede apreciar como el cabello largo, castaño y rizado le cae por los hombros, aparte se observa como en la parte superior de la cabeza, entre los mechones de cabello, lleva una corona de olivo.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que el Estudio Para Cabeza de Apolo es un estudio preparatorio para la figura del dios Apolo que aparece representado en la pintura La Fragua de Vulcano.

Aunque cabe resaltar que algunos investigadores cuestionaron la autoría de la pintura, puesto que la figura de Apolo visible en La Fragua de Vulcano difiere de la figura del dios en el Estudio Para Cabeza de Apolo.

Sin embargo gracias a los estudios y restauraciones realizadas en la obra La Fragua de Vulcano se determino que la figura del dios inicialmente era muy similar a éste boceto, siendo luego la figura corregida por el pintor.

Actualmente se encuentra en propiedad de un coleccionista privado, ubicado en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Estela de Lilybaeum

La Estela de Lilybaeum, también conocida como Estela de Lilibea, es una estela datada aproximadamente entre los siglos X a.C. y VI a.C. (período comprendido entre los años 1.000 a.C. y 501 a.C.), perteneciente al arte fenicio.

Estela de Lilybaeum

Lo primero que se conoce es que fue encontrada durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en la antigua ciudad de Lilibea (también conocida como Lilibeo), que se corresponde en la actualidad con el municipio de Marsala.

Ubicado en la provincia de Trápani, localizada en la costa occidental de la región de Sicilia, en Italia.

En el año 1.882 d.C. la información de la estela fue publicada en el "Corpus Inscriptionum Semiticarum" (una colección de inscripciones antiguas en lenguas semíticas producidas desde finales del segundo milenio a.C. hasta el surgimiento del Islam).

También es conocido que la estela perteneció al Conde Francesco Hernández di Carrera y después fue adquirida por el escritor, filólogo, arqueólogo e historiador francés Joseph Ernest Renan (también conocido como Ernest Renan).

Hasta que en el año 1.892 d.C. la Estela de Lilybaeum fue comprada por el Museo Arqueológico Regional Antonio Salinas, ubicado en la ciudad de Palermo, situada en la región de Sicilia, en Italia.

Estela de Lilybaeum

Descripción

Tiene una altura de 0,37 m y una anchura de 0,22 m. 

Se trata de una estela esculpida en piedra calcárea blanca que presenta en su anverso una bajorrelieve.

En la parte superior hay representado en el centro un incensario, a la izquierda está representado  una media luna y un disco (símbolo de Baal Hammon).

Debajo a la derecha hay un símbolo con una circunferencia sobre un trazo horizontal y un triángulo o "v" invertida (símbolo de Tanit) y un caduceo.

Mientras que más a la derecha aparece representada la figura de un hombre de perfil, adorando con la mano derecha hacia arriba, una posición relacionada con el culto a la diosa Tanit (divinidad de la luna, la sexualidad, la fertilidad y la guerra). 

Además se puede observar como está ataviado con una gorra puntiaguda en la cabeza y una túnica que le llega hasta los pies y está anudada a la cintura.

También se puede apreciar como en la parte inferior presenta una inscripción grabada en idioma fenicio conocida como: "KAI 63" y "CIS I 138". 

La inscripción es la siguiente:

" LʾDN LBʿL ḥMN ʾš NDR ḥNʾ BN

ʾDNBʿL Bn GRʿšTRT BN ʾDNBʿL

K šMʿ QLʾ YBRKʾ "

Siendo una traducción aproximada la siguiente:

" Al señor - a Baal Hammon (la estela) que jura Hanno

hijo de Adonbaal hijo de Gerastart hijo de Adonbaal

para que su voz sea oída, que sea bendecido "

Por lo tanto se puede afirmar que se trata de una inscripción votiva púnica estándar dedicada al dios Baal Hammon (dios atmosférico considerado como el dios de la fertilidad de la vegetación y considerado como rey de los dioses en el panteón fenicio) por un fenicio llamado Hanno.

Para finalizar con respecto a la composición destacar que en la estela aparecen representados algunos símbolos religiosos fenicios como: el símbolo de la diosa Tanit y el símbolo del dios Baal Hammon. 

Actualmente se encuentra en el Museo Arqueológico Regional Antonio Salinas de Palermo, Italia.

Los Traductores

Los Traductores es un azulejo datado aproximadamente en el siglo XVIII d.C. (período comprendido entre los años 1.701 d.C. y 1.800 d.C.), perteneciente al arte otomano.

Los Traductores

Se conoce que fue encontrado en la ciudad de Kütahya, situada en la región del Egeo, al oeste de Turquía. 

Perteneció a la colección del coleccionista de arte británico Oscar Charles Raphael.

Hasta que en el año 1.932 d.C. fue donado al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 30 cm y un anchura de 22,80 cm. 

Se trata de un azulejo pintado en cobalto, morado, negro, amarillo, turquesa y rojo sobre una pasta de piedra que tiene representado en su anverso la escena de "Los Traductores".

Situado en el centro están representados los hombres, en posición sedente, con plumas, tinteros y papel, que en el año 413 d.C. tradujeron la Biblia al armenio clásico.

Además resaltar que entre los hombres representados destaca la figura del monje, teólogo y lingüista armenio San Mesrob Mashtóts, quién inventó el alfabeto armenio y la grafía Grabar para traducir la Biblia. 

Aparte se observa como situado encima de los hombres hay representados dos querubines llevando entre sus manos la Biblia con las páginas en blanco y abierta, y encima hay representado un pájaro con las alas extendidas y las plumas en tonos azules y dorados.

Tanto el lateral derecho como izquierdo, como en la parte superior hay una banda ornamentada con una cenefa con motivos vegetales y geométricos.

También situada en la parte inferior hay una inscripción compuesta por un total de cuatro líneas horizontales escritas en alfabeto armenio. 

Con respecto a la composición destacar que el azulejo se encuentra inspirado en los grabados de madera que fueron impresos en la ciudad de Venecia (Italia) y la ciudad de Constantinopla (Turquía) en el siglo XVIII d.C. (período comprendido entre los años 1.701 d.C. y 1.800 d.C.).

Para finalizar subrayar que Los Traductores fue expuesto desde el 2 de marzo del año 2.001 d.C. hasta el 27 de mayo del año 2.001 d.C. en la exposición "Treasures from the Ark: 1700 Years of Armenian Christian Art", realizada en la Biblioteca Británica de Londres (Gran Bretaña).

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Remate en Forma de Loro

El Remate en Forma de Loro es un remate datado aproximadamente entre los siglos XVII d.C. y XVIII d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.800 d.C.), perteneciente al arte indio.

Remate en Forma de Loro

Remate en Forma de Loro

Cabe destacar que aunque se desconoce el lugar exacto de fabricación.

Los investigadores consideran que pudo haber sido elaborado en el norte de la India. 

Lo que si se conoce es que perteneció a la colección de arte del abogado, ejecutivo, financiero y filántropo estadounidense Robert Weeks DeForest.

Hasta que en el año 1.919 d.C. el Remate en Forma de Loro fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde paso formar parte de su colección de arte.

Remate en Forma de Loro

Descripción

Tiene una altura de 14,6 cm y una longitud de 27,9 cm. 

Se trata de un remate fabricado en latón que presenta forma de loro con la cabeza y el pico curvado inclinado hacia delante.

Además se puede apreciar como está representado agarrándose con su garra izquierda a un palo vertical, mientras que la garra derecha está levantada y estirada hacia delante.

Con respecto al plumaje destacar que las plumas se encuentran representadas mediante finas incisiones y patrones geométricos.

Para finaliza subrayar que las fuertes tradiciones escultóricas de la India preislámica continuaron hasta cierto punto durante el período posterior, cuando elementos figurativos como el loro se utilizaron como remates y otros tipos de adornos.

Aparte destacar que la elección informal del tema y la simplicidad del estilo del Remate en Forma de Loro sugieren que probablemente pudo haber perteneció a un entono de corte provincial.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Figura Olmeca Sentada

La Figura Olmeca Sentada es una escultura datada aproximadamente entre los siglos XII a.C. y IX a.C. (período comprendido entre los años 1.200 a.C. y 801 a.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte olmeca.

Figura Olmeca Sentada

Lo primero que se conoce es que la escultura fue expuesta en la galería de arte "Edward Merrin Gallery", ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.972 d.C. pasó a formar parte de la colección de los coleccionistas de arte de Charles Diker y Valerie Diker.

Hasta que en el año 2.008 d.C. la Figura Olmeca Sentada fue adquirida por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde paso a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 14,9 cm, una anchura de 8,3 cm y un diámetro de 8,6 cm. 

Se trata de una escultura modelada en arcilla, que representa una figura humana en posición sedente, en una postura cómoda y relajada, con la pierna izquierda doblada debajo de la pierna derecha.

Tanto el brazo como la mano derecha están extendidos, descansando sobre el pie derecho, mientras que el brazo izquierdo descansa en el suelo junto al muslo izquierdo.

También se aprecia como cuatro surcos en los pies y las manos indican los dedos de las manos y de los pies. Además se observa como la cabeza estrecha, alargada y deformada artificialmente tiene orejas largas y se inclina ligeramente hacia la izquierda. 

En cuanto a los rasgos faciales destacan los ojos almendrados e hinchados, el labio superior grueso y la boca entreabierta con las comisuras hacia abajo, un rasgo típico de las figuras sobrenaturales olmecas.

Con respecto a la composición destacar que las cejas están dibujadas en un negro tenue y en los ojos quedan restos de pigmento rojo y blanco.

Aparte la mayor parte de la superficie de la figura está cubierta con un engobe de color crema, tan sólo la parte superior de la cabeza y el área de la cintura están sin pulir, probablemente indicando un gorro y un taparrabo o túnica usados por la figura.

Para finalizar subrayar que la Figura Olmeca Sentada es un buen ejemplo de un tipo de pequeñas figuras tridimensionales de arcilla sólida que se han hallado en los yacimientos arqueológicos de: Las Bocas, Tlatilco y Tlapacoya ubicados en el altiplano central de México.

Todas éstas esculturas exhiben una notable uniformidad en el estilo, pero no existen dos esculturas iguales.  Es más las esculturas pertenecientes al arte olmeca con sus torsos carnosos y expresiones faciales mostradas en poses activas, están consideradas las obras de arte más naturalistas de la forma humana en el México precolombino.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Folio del "Corán Azul"

El Folio del "Corán Azul" es un folio datado aproximadamente entre los siglos IX d.C. y X d.C. (período comprendido entre los años 801 d.C. y 1.000 d.C.), perteneciente al arte islámico, en concreto al arte omeya.

Folio del "Corán Azul"

Folio del "Corán Azul"

Los investigadores creen que en el año 900 d.C. el Folio del "Corán Azul" se encontraba en la Mezquita de Uqba (también conocida como la Gran Mezquita de Cairuán), en la ciudad de Túnez (Túnez).

En el año 2.002 d.C. fue adquirido por el marchante y coleccionista de arte Sam Fogg, siendo expuesto en la galería de arte "Sam Fogg", ubicada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

Hasta que en el año 2.004 d.C. el Folio del "Corán Azul" fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Folio del "Corán Azul"

Descripción

Tiene una altura de 30,4 cm y una anchura de 40,2 cm. Está fabricado en oro y plata sobre pergamino teñido de índigo.

Se trata de un folio de doble cara que contiene quince líneas de escritura cúfica en tinta dorada sobre un pergamino teñido de índigo.

También llama la atención como en la mayoría de los Corán escritos entre los siglos VIII d.C. y X d.C. (período comprendido entre los años 701 d.C. y 1.000 d.C.), el Folio del "Corán Azul" se distingue por un formato horizontal, el uso de pergamino y la escritura cúfica.

Se observa como en los dos lados de éste folio se omiten las vocales y los signos diacríticos y la ornamentación se mantiene al mínimo. La única decoración que se encuentra consiste en las marcas circulares de plata, ahora casi completamente oxidadas y descoloridas, que separan cada verso.

Todo ello hace que la escasa ornamentación permita una progresión ininterrumpida y un movimiento audaz de las letras de derecha a izquierda. 

Aparte cabe resaltar que se conocen muy pocos Corán en pergaminos de colores, puesto que la mayoría de los primeros manuscritos del Corán están realizados en tinta marrón o negra con vocales y signos diacríticos rojos sobre un fondo blanco.

La utilización de letras doradas hace de éste folio un ejemplo especialmente raro y lujoso. Incluso podría haber sido encargado por el propio califa o por un mecenas rico y piadoso, como un gobernador.

Para finalizar subrayar que el Folio del "Corán Azul" proviene de un suntuoso Corán de varios volúmenes con páginas índigo y marcadores de versos plateados que probablemente fue copiado en el norte de África.

Se piensa que su paleta cromática hace referencia a los manuscritos dorados teñidos de púrpura realizados en el Imperio Bizantino, ya que la práctica de escribir con tinta dorada o plateada sobre un pergamino o vitela azul o violeta provenía del Imperio Bizantino cristiano, dónde los documentos y manuscritos oficiales a menudo se ejecutaban de ésta manera. 

Además destacar cómo en otros Corán antiguos, la escritura es difícil de leer porque las letras han sido manipuladas para que cada línea tenga la misma longitud y se han omitido las marcas necesarias para distinguir entre letras.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Losa de Nectanebo I

La Losa de Nectanebo I es una losa datada aproximadamente entre los años 378 a.C. y 370 a.C., perteneciente al arte egipcio.

Losa de Nectanebo I

Se conoce que fue encontrada durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en la ciudad de Alejandría, localizada en el norte de Egipto, en la zona más occidental del delta del río Nilo.

Después perteneció a la colección del coleccionista de arte y político británico Edward Wortley Montagu.

En el año 1.761 d.C. la Losa de Nectanebo I fue comprada por el político y noble británico John Estuardo (3er Conde de Bute, también conocido como Lord Bute).

Lo siguiente que se conoce es que en el año 1.766 d.C. la losa fue donada al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña) por el rey de Gran Bretaña Jorge III.

¿ Quién fue Nectanebo I ?

Nectanebo I, también conocido como Jeperkara - Najtnebef, fue el primer faraón de la XXX Dinastía de Egipto durante el período tardío de Egipto (también conocido como Baja Época).

Durante su reinado se restauraron los lazos comerciales con Oriente y Grecia. Además de que está considerado como un nuevo período de prosperidad para Egipto.

Losa de Nectanebo I

Descripción 

Tiene una altura de 122,60 cm, una anchura de 95,50 cm y una profundidad de 38 cm. 

Está fabricada en grauvaca, mediante las técnicas de incisión y tallado.

Se trata de una losa de grauvaca ornamentada en ambos lados mediante un relieve hundido con escenas de ofrendas e inscripciones jeroglíficas.

Llama la atención como la losa presenta un diseño de nicho y se encuentra coronada por una cornisa de cavetto.

Se puede apreciar como en el lado mejor conservado de ésta losa hay representados una hilera de halcones mirando hacia adelante, de los que tan solo han sobrevivido las patas.

Aparte hay una inscripción incisa en idioma jeroglífico que hace referencia al faraón Nectanebo I y el faraón está representado arrodillado mostrando sólo una pierna y un número inadecuado de dedos, siendo ésta posición la tradicional para los faraones haciendo ofrendas.

La cabeza del faraón está coronada con una gorra muy inusual ajustada y un ureus. En el rostro destaca el ojo almendrado grande, las fosas nasales, los labios pequeños y delicados y el indicio de una papada.

Mientras que la decoración correspondiente del otro lado se ha perdido, pero probablemente consistía en una hilera de cobras erguidas. Además resaltar que éste lado esta más deteriorado, aunque se puede apreciar como está ornamentado con una escena de ofrenda y parte de otra.

A la izquierda hay representado un dios con cabeza de animal que mira hacia la derecha, el faraón se encuentra representado arrodillado ante él en posición semipostrada, con una pierna extendida hacia atrás.

También se aprecia como a la derecha hay representado otro dios de pie perteneciente a una segunda escena similar con una inscripción en idioma jeroglífico en el que se nombra al faraón Nectanebo I.

Con respecto a la composición destacar que el modelado del cuerpo del faraón, con el pecho, la caja torácica y el abdomen redondo como unidades discretas, sigue el etilo de finales de la XXX Dinastía del Antiguo Egipcio.

Sin embargo resalta como lo característico de la trigésima dinastía es la representación de las manos con sus dedos largos y ondulantes.

En cuanto al estado de conservación destacar que los daños infligidos en el lado más deteriorado de la losa son de varios tipos y pueden haber ocurrido varias veces durante la antigüedad. 

Las figuras han sido dañadas con un cincel, aunque las inscripciones quedaron intactas y las partes sobresalientes de la cornisa se recortaron para formar una superficie plana, presumiblemente debido a una adaptación de la losa para su reutilización y también se puede observar como en la losa se han perforado dos grandes agujeros.

Para finalizar subrayar la Losa de Nectanebo I pertenece a un grupo de cinco losas arquitectónicas que fueron retiradas de su ubicación original en la antigüedad.

Pero algunas inscripciones de las losas sugieren que todas fueron realizadas para una edificación ubicada en la antigua ciudad de Heliópolis, puesto que aparte de las inscripciones las losas presentan casi el mismo tamaño, una decoración arquitectónica idéntica y escenas figurativas muy similares.

Es más por lo general éste tipo de losas son conocidas como losas intercolumnares, es decir, losas utilizadas en muros bajos entre enormes columnas en las entradas de los templos.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Trompeta Teotihuacán

La Trompeta Teotihuacán es una trompeta datada aproximadamente entre los años 400 d.C. y 700 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte teotihuacán.

Trompeta Teotihuacán

Se sabe que fue hallada durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en el yacimiento arqueológico de Teotihuacán, localizado al nordeste de la Ciudad de México (México).

Lo siguiente que se conoce es que en el año 2.002 d.C. la Trompeta Teotihuacán fue adquirida por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 29,5 cm, una anchura de 5,2 cm y un diámetro de 5,2 cm.

Se trata de un instrumento musical de viento, una trompeta fabricada en cerámica policromada.

Llama la atención como la trompeta tiene un tubo de arcilla delgado, ligeramente cónico, con una campana en forma de copa decorada con un borde inciso, una boquilla integral cónica y tres crestas cerca del extremo de la campana.

También se puede apreciar como toda la trompeta se encuentra pintada de blanco con rastros de rojo y amarillo en las crestas.

Cabe destacar que dentro del arte teotihuacán las trompetas de cerámica convivían con las trompetas fabricadas en otros materiales como hueso, cuerno y calabaza.

Para finalizar subrayar que es sabido que las trompetas de diversos materiales existieron en toda América antes del contacto con las sociedades europeas.

Además destacar que los instrumentos musicales precolombinos revelan un alto grado de sofisticación tecnológica en su producción.

Aparte aunque se desconoce el propósito de las trompetas y el estatus que tenían en sus culturas, se cree que las trompetas se representan en el arte precolombino en el contexto de celebraciones o rituales para gobernantes y dioses.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Aguamanil de Abraham de Kütahya

El Aguamanil de Abraham de Kütahya es un jarro datado el 11 de marzo del año 1.510 d.C., perteneciente al arte otomano.

Aguamanil de Abraham de Kütahya

Aguamanil de Abraham de Kütahya

Se conoce que fue fabricado en algún taller de cerámica del municipio de Iznik, ubicado en la provincia de Bursa, en Turquía.

Estuvo en la colección de arte del naturalista, entomólogo, coleccionista y ornitólogo inglés Frederick DuCane Godman.

En el año 1.919 d.C. pasó a ser propiedad de la trabajadora benéfica británica Dame Alice Mary Godman, después por herencia pasó a ser propiedad de la coleccionista de arte británica Catherine Edith Godman.

Hasta que en el año 1.983 d.C. el Aguamanil de Abraham de Kütahya fue legado al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Aguamanil de Abraham de Kütahya

Descripción

Tiene una altura de 17,10 cm y un diámetro de 7,30 cm.

Se trata de un aguamanil, es decir, un jarro con pico utilizado para echar agua en la palancana o pila donde se lavan las manos, fabricado en cerámica vidriada en azul y blanco. 

Presenta un cuerpo globular y un elaborado cuello moldeado en una pieza con una moldura toroidal y un borde abocinado, apoyado sobre un pie perfilado.

El mango tiene la forma de un dragón escamoso con la boca abierta y una cola serpenteante, mientras que el pico tubular recto se estrecha y se curva hacia la punta.

El aguamanil se encuentra ornamentado mediante diversos motivos pintados, se aprecia como en tonos de azul cobalto hay pintada una banda de arabescos de palmetas divididas sobre un fondo de cobalto y sobre una banda más estrecha de volutas foliadas sobre un fondo blanco.

También se observa como en la zona del cuello hay decoración compuesta por paneles entre corchetes que encierran hojas bordeadas con pinzas, la moldura toroidal tiene una banda en forma de cadena y el cuello presenta solapas verticales manchadas separadas por hojas, con una voluta ondulada debajo del borde.

Llama la atención como en la base, bajo el vidriado, hay grabada una inscripción en idioma armenio.

Una traducción aproximada de la inscripción es la siguiente:

"Este aguamanil es en conmemoración de Abraham, 

siervo de Dios, de Kütahya.

En el año 959 (1.510 d.C.), 11 de marzo"

Cabe resaltar que la inscripción en idioma armenio hace referencia a que la ciudad de Kütahya era una ciudad próspera bajo el reinado de los otomanos y muchos cristianos armenios residían allí.

Aguamanil de Abraham de Kütahya

En cuanto al estado de conservación destacar que en general se encuentra en buen estado, pero tiene una gran astilla en el borde y el pico estaba roto y ha sido reparado.

Para finalizar subrayar que los otomanos establecieron un estilo cortesano distintivo que apareció en objetos fabricados en todo el imperio.

Uno de sus mayores logros artísticos fue la alfarería de Iznik, un centro de producción de cerámica establecido en la década de 1.480 dC., que continuó activo durante más de 200 años.

Los alfareros de Iznik introdujeron diferentes formas, estilos y colores, culminando en la década de 1.550 d.C. con un rojo brillante y una gran variedad de motivos florales, incluido el tulipán.

Además resaltar que la élite otomana, incluidos musulmanes, cristianos y judíos, encargaban y consumía productos como la cerámica de Iznik.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.