La Cabeza de Medusa

La Cabeza de Medusa, también conocida como Escudo con la Cabeza de Medusa, es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.597 d.C. y 1.598 d.C., perteneciente al arte barroco.

La Cabeza de Medusa

Fue pintada por el pintor italiano Michelangelo Merisi da Caravaggio (también conocido como Caravaggio).

Lo primero que se conoce es que la pintura fue encargada por cardenal y diplomático italiano Francesco Maria Bourbon del Monte Santa Maria.

El 25 de julio del año 1.598 d.C. la pintura fue regalada al tercer Gran duque de Toscana Fernando I de Médici, pasando a formar parte de la colección de arte de los Médici.

Siendo colocada en la "Sala dell'Armeria", ubicada en el Museo Nacional de Bargello, en la ciudad de Florencia (Italia).

Hasta que en el año 1.908 d.C. La Cabeza de Medusa pasó a formar parte de la colección de Galería Uffizi, localizada la ciudad de Florencia, en Italia

Descripción

Tiene una altura de 60 cm y una anchura de 55 cm. Está pintada al óleo sobre lienzo, madera y pan de oro.

Se trata de una pintura con forma circular que representa el tema mitológico de Medusa (una de las tres gorgonas que tenía el poder de poder petrificar a quien posara su mirada en ella) en el momento en el que es decapitada por el héroe y semidiós griego Perseo.

La pintura está destinada a adornar un escudo de madera, por lo que la superficie de la pintura es convexa cuya circunferencia es 15 cm más baja que el centro de 5 cm.

Se puede observar como la pintura capta el momento en el que Medusa es decapitada, la sangre fluye por la parte inferior del cuello, el cabello se encuentra representado por serpientes agitadas, la boca abierta, los ojos en blanco y las cejas fruncidas.

Aparte se aprecia como las serpientes son representaciones de víboras comunes y al estar representadas erguidas evocan un efecto trampantojo, es decir, la superficie parece moverse mientras la sangre ya se encuentra coagulada.

Es más la cabeza no se encuentra representada verticalmente, sino que está orientada en un ángulo de unos quince grados a la derecha, siendo ésta orientación deseada por el posicionamiento inicial de las asas destinadas a agarrar el escudo y dan a la pintura un efecto relieve que da la ilusión de una superficie cóncava.

La banda situada en el borde exterior se encuentra ornamentada mediante una cenefa de follaje realizada mediante pan de oro, además originalmente el reverso del escudo se encontraba acolchado con terciopelo, raso de seda y cuero del que tan solo se conservan algunos fragmentos.

También cabe resaltar que debido al atentado ocurrido en "vía dei Georgofili"en el año 1.993 d.C., realizado por la mafia siciliana, situada cerca de la Galería Uffizi, en la ciudad de Florencia (Italia).

La Cabeza de Medusa sufrió pequeños daños estructurales que comprometieron su ya precario estado de conservación, por lo que se realizo una restauración que finalizó en el año 2.002 d.C..

En la restauración realizada por Stefano Scarpelli bajo la dirección de Caterina Caneva se pudo determinar que para su fabricación fue utilizado un torno con el que tradicionalmente se realizaban los escudos de armas del siglo XVI d.C. (período comprendido entre los años 1.501 d.C. y 1.600 d.C.).

Aparte como curiosidad destacar que la restauración costo 250.000 euros, de los cuales 185.000 euros fueron financiados por el mecenazgo de una empresa italiana de alquiler de coches y 65.000 euros por los visitantes de la Galería Uffizi de la ciudad de Florencia (Italia). 

Con respecto a la composición destacar que dentro del ámbito humanístico el tema de Medusa tenía un valor simbólico como alegoría de la prudencia y la sabiduría.

Además se conoce que ésta simbología era muy conocida y se encontraba presente en numerosos tratados de pintura de la época, de hecho en el "Dialogo dei colori" del escritor italiano Ludovico Dolce (también conocido como Lodovico Dolce), escrito en el año 1.565 d.C., se lee que la Medusa representa la prudencia adquirida a través de la sabiduría.

Es más resaltar que aunque la imagen de Medusa era muy utilizado en las justas y torneos la pintura de La Cabeza de Medusa no fue concebida para ser utilizada en torneos sino que fue elaborada como un objeto decorativo.

También de la composición destacar que la pintura es célebre por el tratamiento del tema y la fuerza de expresión de Medusa, así como la habilidad necesaria del autor para realizar el retrato en la superficie convexa del escudo.

Para finalizar subrayar que existen dos versiones de la obra realizadas por el pintor italiano Michelangelo Merisi da Caravaggio (también conocido como Caravaggio).

La primera obra fue realizada entre los años 1.596 d.C. y 1.598 d.C. conocida como Medusa Murtola  mientras que la segunda obra fue realizada entre los años 1.597 d.C. y 1.598 d.C. conocida como La Cabeza de Medusa, siendo una pintura inspirada en la primera obra.

Actualmente se encuentra en la Galería Uffizi de la ciudad de Florencia, Italia.

Medusa Murtola

La Medusa Murtola es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.596 d.C. y 1.598 d.C., perteneciente al arte barroco.

Medusa Murtola

Fue pintada por el pintor italiano Michelangelo Merisi da Caravaggio (también conocido como Caravaggio).

Cabe destacar que no se conoce para quién fue pintada, ni quien fue su primer dueño.

Lo primero que se sabe es que en el año 1.994 d.C. la Medusa Murtola apareció en el mercado romano (Italia).

Pero no fue autentificada hasta unos diez años después mediante un examen que corroboró la autenticidad de la pintura.

Además destacar que durante los exámenes y análisis radiográficos y reflectográficos se atestiguaron numerosos retoques y correcciones.

Descripción

Tiene un diámetro de 48 cm y un borde de 1,7 cm. Ha sido pintada al óleo sobre lienzo y madera de chopo.

Se trata de una pintura circular que representa el tema mitológico de Medusa (una de las tres gorgonas que puede convertir en piedra a quién pose su mirada en ella) y el héroe y semidiós griego Perseo, en el momento en que la gorgona muere decapitada a manos del héroe.

Medusa se encuentra representada decapitada con la sangre fluyendo por la parte inferior de cabeza, también se puede observar como debajo de los flujos de la sangre de Medusa se puede leer la firma del autor: "Michel A.F.", es decir, "Michelangelo fecit".

En el rostro destacan la boca abierta, los ojos en blanco y las cejas fruncidas, aparte el cabello está representado por serpientes (víboras comunes) erguidas que dan una sensación de movimiento mientras la sangre ya se ha coagulado.

El borde exterior se encuentra decorado mediante una banda que presenta una cenefa con un motivo vegetal (follaje), aparte destacar que la cenefa ha sido elaborada mediante pan de oro sobre un fondo oscuro.

Con respecto a la composición destacar que tanto el anverso como el reverso se encuentran revestidos con un lienzo cubierto con una preparación a base de tiza y calcita. Además el reverso originalmente se encontraba forrado en terciopelo rojo oscuro, del que tan sólo quedan visibles algunos fragmentos.

Como curiosidad destacar que el título de la obra Medusa Murtola se debe al poeta, teólogo y jurisconsulto italiano Gaspare Murtola, quién es autor de una obra publicada en el año 1.604 d.C. en la que describe a la Medusa que probablemente vio en la ciudad de Roma (Italia) en compañía de otras obras de Caravaggio.

Para finalizar subrayar que el pintor italiano Michelangelo Merisi da Caravaggio (también conocido como Caravaggio) pintó dos obras de Medusa.

La primera obra realizada entre los años 1.596 d.C. y 1.598 d.C. conocida como Medusa Murtola y la segunda pintada entre los años 1.597 d.C. y 1.598 d.C. conocida como La Cabeza de Medusa, siendo la segunda versión una inspiración de la primera obra.

Actualmente se encuentra en propiedad de un coleccionista privado.

Escocia (arquitectura)

La escocia es un ornamento arquitectónico consistente en una moldura semi-ovalada cóncava formada por dos curvas de diferente radio, siendo normalmente el arco inferior del radio el de mayor tamaño.

escocia (Columna de la Plaza de San Pedro, Vaticano)

escocia (Acrópolis de Atenas, Grecia)

Generalmente se suele utilizar al pie del fuste de una columna.

Es una moldura hueca y recibe una sombra muy pronunciada entre dos toros.

Además destacar que la escocia posibilita el refuerzo o bien funciona como ornamentación de una obra.

Tiene su origen en la arquitectura clásica, sobretodo en la arquitectura griega, había una escocia en la basa ática (también conocida como basa aticurga) y dos escocias en la basa corintia, siendo en éste último caso la escocia inferior es más grande que la escocia superior.

escocia (Medina Azahara, España)

Cabe resaltar que dentro del arte islámico, sobretodo en la arquitectura omeya, se pueden apreciar como algunas escocias se encuentran ornamentadas con patrones geométricos y vegetales.

Aparte dentro del arte románico era utilizada en las basas, pero también era usada en el capitel románico junto al cimacio y dando forma a ciertas arquivoltas.

También cabe destacar que el nombre de escocia proviene de la palabra griega "skótos" (σκότος), cuyo significado es "oscuridad", es decir, el nombre se encuentra vinculado a las sombras que generan las escocias.

Para finalizar subrayar que aunque existen molduras parecidas, en concreto no hay que confundir la escocia, con la nacela ni con el caveto.

Bautisterio de Bekalta

El Bautisterio de Bekalta, también conocido como Bautisterio de El Gaalla, Baptisterio de Bekalta o Baptisterio de El Gaalla, es una pila bautismal datada aproximadamente entre los siglos VI d.C. y VII d.C. (período comprendido entre los años 501 d.C. y 700 d.C.), perteneciente al arte medieval, en concreto al arte paleocristiano.

Bautisterio de Bekalta

Bautisterio de Bekalta

Se conoce que fue hallado en el año 1.993 d.C. de manera accidental mientras se realizaban los trabajos de nivelación de terrenos en la explotación de una cantera que ocupa parte del terreno en el que se ubica el sitio arqueológico.

El complejo religioso del yacimiento arqueológico de El Gaala se encuentra ubicado en la ciudad de Bekalta, localizada en la gobernación de Monastir, en la zona costera de Túnez.

Además destacar que se halló en un cerro a 300 metros sobre el nivel de mar y bajo una profundidad de 20 cm de tierra.

Poco después de su descubrimiento en ese mismo año, 1.993 d.C., pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Arqueológico de Susa, ubicado en Túnez.

Bautisterio de Bekalta

Descripción

Tiene una altura de 2,50 m, una anchura de 2,20 m y una profundidad de 1,43 m.

Se trata de una pila bautismal con forma rectangular polilobulada y cruciforme.

La pila bautismal está decorada con mosaicos y se han utilizando teselas de aproximadamente un centímetro, las teselas son de piedra caliza de varios colores (amarillo, blanco, negro, rosa y verde), de terracota, mármol y vidrio.

Solo el tanque de la pila bautismal tiene una altura de 2,18 m, una anchura de 1,96 m y una profundidad de 1,35 m.

Presenta ocho contrahuellas (también conocido como contraescalón, contrapeldaño o contremarche), cuatro de las cuales son rectangulares y cuatro tienen forma de alvéolo. También tiene dos escalones que conducen al fondo del tanque y uno de los niveles en el fondo del tanque tiene forma circular.

Bautisterio de Bekalta

Bautisterio de Bekalta

Se puede apreciar como el borde se encuentra ornamentado con una decoración vegetal de volutas de acanto, flores, frutas y pájaros, destacando la representación de aves rapaces.

El baptisterio tiene dos representaciones de "un ave rapaz con las alas extendidas" en los ángulos noroeste y suroeste, un halcón con decoración de rosas y palmetas.

Las dos aves rapaces tienen simbología solar y dentro del marco cristiano simboliza "la victoria de Jesús sobre la muerte y el pecado".

En los ángulos sureste y noroeste se puede observar como hay representado un motivo floral con dos patos de misterioso significado simbólico.

Aparte las contrahuellas están ornamentadas con patrones geométricos, incluidos motivos en zigzags. Entre cada contrahuella hay una paloma (símbolo del Espíritu Santo) y los escalones tienen una representación de una concha (símbolo de fertilidad).

Bautisterio de Bekalta

Los escalones de acceso a la base del tanque incluyen decoración con elementos vegetales y geométricos. 

Destaca como el escalón que conduce al tanque tiene representado un rosetón y un motivo de la cruz de San Andrés realizada en hojas de olivo.

Los dos últimos niveles antes del fondo del tanque tienen representados varios motivos, en los que destacan las ondas. 

Además visto desde arriba se puede observar como hay una cruz inscrita en una corona, los brazos de la cruz se ensanchan en los extremos, su fondo es rojo, el borde exterior blanco y en el centro hay un patrón en forma de cruz con cuatro bolas en las esquinas.

En la parte inferior de la cruz están representadas las letras alfa y omega, mientras que en la parte superior hay representadas hojas con pecíolo.

Bautisterio de Bekalta

Cabe resalar que en el borde del Bautisterio de Bekalta se puede leer la siguiente inscripción inscripta en latín (grabada como una traducción fonética):

"(G) LORIA (IN EXCELSI)S DEO ET 

IN TERRA PAX OMINIBUS 

BONE BOLUMTATIS LAUDAMUS TE"

Cuya traducción aproximada es la siguiente:

"Gloria a Dios en las alturas del cielo y paz en la tierra a los hombres que ama, te alabamos"

Para finalizar subrayar que el Bautisterio de Bekalta es una de las mejores pilas bautismales con mosaicos que se han hallado en un buen relativo estado de conservación.

Es más resaltar que es el único caso de una pila bautismal con forma polilobulada y cruciforme hallada en el norte de África y se encuentra considerado uno de los bautisterios más bellos de los encontrados en Túnez.

Actualmente se encuentra en el Museo Arqueológico de Susa, Túnez.

Nacela

Una nacela es un ornamento arquitectónico consistente en una moldura que empieza en posición vertical y cóncava para acabar en un cuarto de cilindro convexo.

Nacela

Cornisa de nacela
(Iglesia de Nuestra Señora de la Asunción,
Aldealengua de Santa María, Segovia)

Nacela
(Iglesia de San Martín de Tours, Zaragoza)

Es decir, la moldura presenta un perfil en forma de "S" con dos arcos de circunferencia de diferente radio que concurren un un mismo punto de tangencia.

Nacela
(Sepulcro de Fernando III el Santo, Catedral de Sevilla)

Nacela
(Iglesia de San Miguel del Monte, Chantada, Lugo)

Cabe destacar que la nacela es una moldura continua que se suele utilizar sola sin estar intercalada con otro ornamento arquitectónico.

Pero si es utilizada junto a otro elemento como zócalos y arquivoltas.

También habitualmente se emplea para enmarcar un vano como una moldura decorativa, en los salmeres de los arcos, en las cornisas y en los aleros en los que la nacela forma un friso ornamental.

Con respecto a la etimología la palabra nacela proviene de la palabra francesa "nacelle".

Para finalizar subrayar que aunque las tres son molduras no se debe confundir la nacela con la escocia (arquitectura) ni con el caveto.

Losa con Relieve de una Mujer

La Losa con Relieve de una Mujer es una losa datada entre los años 1.200 d.C. y 1.521 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte huasteca.

Losa con Relieve de una Mujer

Se conoce que fue hallada durante unas excavaciones realizadas en la ciudad de Túxpam de Rodríguez Cano (también conocido como Tuxpan).

Ubicada en el estado Veracruz de Ignacio de la Llave (conocido oficialmente como Estado Libre y Soberano de Veracruz de Ignacio de la Llave), situado en el norte de México.

También se sabe que poco después de su descubrimiento la Losa con Relieve de una Mujer pasó a formar parte de la colección de arte del Museo de Antropología de Xalapa (también denominado MAX).

Localizado en la ciudad de Xalapa-Enríquez (conocida como Xalapa), situada en el estado de Veracruz de Ignacio de la Llave, en México.

Losa con Relieve de una Mujer

Descripción

Tiene una altura de 102 cm, una anchura de 34 cm y una longitud de 14 cm. 

Está fabricado en piedra, mediante las técnicas de incisión y tallado.

Se trata de una losa de piedra que presenta en una de sus caras con una escena talada en relieve.

Aparece representada la imagen de una mujer desnuda, una guerrera, con el cuerpo representado de frente y la cabeza de perfil, se observa como tiene la pierna derecha levantada, mientras apoya todo su peso sobre la pierna izquierda.

También se aprecia como la mano derecha está apoyada sobre la rodilla derecha y con la mano izquierda sostiene una lanza.

Cabe destacar que el diseño de la lanza se asemeja a una lanza asociada con el dios Xipe Totec (dios relacionado con la renovación de la vegetación en la primavera) en los códices.

En el rostro representado de perfil destaca el ojo rasgado, la nariz respingona, el labio fino y el mentón pronunciado. Además en la parte superior de la cabeza lleva un tocado de plumas y una banda decorada con líneas verticales.

Con respecto a la composición resaltar que dentro de la sociedad huasteca las mujeres-guerreras eran asociadas con las mujeres que habían muerto durante la labor de parto.

Aparte toda la escena está enmarcada dentro de unas bandas superior e inferior que se encuentran decoradas con diferentes patrones ornamentados con motivos geométricos.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que originalmente la Losa con Relieve de una Mujer podría haber formado parte de un relieve mayor que no ha llegado hasta la actualidad.

Actualmente se encuentra en el Museo de Antropología de Xalapa, México.

Rociador de Perfume

El Rociador de Perfume es un recipiente datado aproximadamente entre los siglos XI d.C. y XIII d.C. (período comprendido entre los años 1.001 d.C. y 1.300 d.C.), perteneciente al arte islámico, en concreto al arte abásida o arte abasí.

Rociador de Perfume

Lo primero que se conoce es que se encontraba en la colección de arte del economista iraní Mohammad Yeganeh.

Hasta que en el año 1.977 d.C. el Rociador de Perfume fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Rociador de Perfume

Descripción

Tiene una altura de 26 cm, una anchura de 13,4 cm, un diámetro de 8,3 cm y un peso de 155,9 g. 

Está fabricado en vidrio, mediante la técnica de soplado.

Se trata de un recipiente, un rociador con forma botella de vidrio verdoso con un cuello largo y el cuerpo tiene forma de anillo. Además se piensa que originalmente se podría haber utilizado para diseminar agua de rosas u otra sustancia aromática mezclada con agua.

Rociador de Perfume

La decoración del rociador está compuesta por estelas situadas en la parte inferior del cuello y el pie almohadillado con base acampanada, ambos trabajados en el pontil.

Con respecto a la composición destacar que el cuerpo en forma de anillo de éste rociador fue logrado al aplanar y perforar el bulbo de vidrio único del que se hicieron él y el largo cuello cónico.

Para finalizar subrayar que dentro de la sociedad abásida el agua de rosas se utilizaba para cocinar y como perfume para rociar a los invitados al final de una comida, puesto que cuando el anfitrión y sus invitados terminaban de comer, se lavaban las manos y la boca con salina perfumada con una de varias sustancias, incluida el agua de rosas. 

Después de pasar del comedor a los sofás, los invitados y su anfitrión pasaban jarras que contenían agua de rosas, que rociaban sobre la ropa y la cara. También alternativamente, los sirvientes pasaban entre los invitados reunidos rociándolos con refrescante agua de rosas.

Aparte cabe resaltar que se conoce que el agua de rosas se realizaba calentando pétalos de rosa frescos sobre un baño de agua, después de lo cuál se condensan los vapores aromáticos.

Es más el Rociador de Perfume refleja una parte del aspecto de los modales cortesanos en los que se valoraba el atractivo en todas sus formas.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Marcapiano

El Marcapiano, también conocido como Marcaplantas, Cornice Marcapiano o Cornisa Marcaplantas, es un ornamento arquitectónico puramente decorativo consistente en una cornisa.

Marcapiano (Castilla de Copertino)

Tiene la finalidad o función de separar o marcar exteriormente la separación interior entre las distintas plantas de un edificio. 

Además destacar que el marcapiano ayuda a aumentar la perspectiva marcando los niveles del edificio y también sirve para enmarcar los paneles.

Es más suele ser definido por una serie de molduras salientes y puede adoptar las formas del marco de los órdenes arquitectónicos.

Marcapiano (Palazzo Médici-Riccardi)

Generalmente puede ser utilizado en dos puntos: al nivel del piso o al nivel de los parapetos de las ventanas (alféizar de la ventana).

En algunos casos el marcapiano está presente en ambos niveles y pueden estar combinados en una banda o formando una franja.

Cabe destacar que el marcapiano puede ser del mismo tono de la decoración en general del exterior del edificio, es decir, puede ser del mismo color de los marcos de las ventanas o de los marcos de las puertas.

Marcapiano (Palazzo Mellini-Fossi)

Aunque también el marcapiano puede ser fabricado en materiales y colores que contrasten con el fondo de la pared exterior.

Aparte cabe resaltar que el marcapiano es un ornamento arquitectónico típico de la arquitectura residencial florentina (como palacios y villas) durante el periodo Renacentista.

También cabe destacar que la utilización del marcapiano fue originario a finales de la Edad Media en Italia.

Siendo utilizado hasta finales del siglo XX d.C. (período comprendido entre los años 1.901 d.C. y 2.000 d.C.), cuando con el Movimiento Moderno se superaron los modelos tradicionales reduciendo a un mínimo la decoración de las fachadas.

Para finalizar subrayar que uno de los ejemplos más claros del uso del marcapiano es el del "Palazzo Médici-Riccardi", en la fachada del edificio se puede apreciar como es de estilo "bugnato" (también conocido como estilo rústico) aligerándose el estilo de los pisos superiores hacia la parte superior, estando cada nivel separado por un marcapiano.

Wakizashi de Owari-Seki

El Wakizashi de Owari-Seki, también conocido como グリ彫金具脇指拵, es una espada datada en el siglo XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.700 d.C.), perteneciente al arte japonés.

Wakizashi de Owari-Seki

Wakizashi de Owari-Seki

Lo primero que se conoce es que estaba en posesión del coleccionista de arte estadounidense Howard Mansfield.

Formando parte de su colección de arte "The Howard Mansfield Collection", ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.936 d.C. el Wakizashi de Owari-Seki fue regalado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Wakizashi de Owari-Seki (detalle)

Descripción

Tiene una longitud total de 62,9 cm, la longitud de la hoja es de 43,9 cm, la longitud del filo es de 31,8 cm y el diámetro de la curvatura es de 0,5 cm.

Wakizashi de Owari-Seki (detalle)

Está fabricada en acero, madera, laca, piel, aleación de cobre y oro y cobre.

Se trata de un wakizashi (脇指 o 脇差), es decir, una espada corta tradicional japonesa similar a la katana (刀).

Cabe destacar que originalmente era un arma de defensa para el samurái, cuando no ponía disponer de la katana (刀).

Resalta como el filo de la hoja del wakizashi (脇指 o 脇差) es más delgado que el de una katana (刀), con lo que puede herir de mayor gravedad a un objetivo desprotegido.

Además el montaje de la empuñadura se distingue por sus accesorios realizados mediante múltiples capas alternas de aleación de cobre y oro (Shakudō 赤銅) y cobre rojo oscuro que están talladas en forma de espiral para revelar las capas.

Ésta técnica se denomina guribori (グリ彫り) y tiene sus raíces en la laca. Aparte destacar que las espadas montadas con un juego de accesorios guribori (グリ彫り) a juego son raras.

También se puede observar como cubriendo la vaina hay un tipo de piel de raya cuyos nódulos se asemejan a flores de ciruelos, conocidas en japonés como kairagi (梅花皮).

Para finalizar subrayar que aunque la hoja no se encuentra firmada, se puede atribuir a un fabricante de espada perteneciente a la escuela Owari-Seki (尾張関) de principios del período Edo (江戸時代).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Palas y el Centauro

Palas y el Centauro es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.482 d.C. y 1.483 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Palas y el Centauro

Fue pintada por el pintor italiano Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi (también conocido como Sandro Botticelli).

Lo primero que se conoce es que en el año 1.498 d.C. la pintura pertenecía a la colección de arte de Giovanni di Pierfrancesco di Medici (también conocido como "il Popolano" o "El Populista").

Entre los años 1.503 d.C. y 1.516 d.C. la pintura estaba colocada sobre la puerta de acceso a la antecámara, en el palacio de los Medici.

En el año 1.638 d.C. la pintura se encontraba en la "Medici Villa di Castello".

Después la pintura es registrada en el año 1.830 d.C. en el Palacio Pitti, ambos localizados en la ciudad de Florencia (Italia).

Hasta que en el año 1.922 d.C. Palas y el Centauro pasó a formar parte de la colección de arte de la Galería de las Uffizi, localizada en la ciudad de Florencia (Italia).

Descripción

Tiene una altura de 207 cm y una anchura de 148 cm. Está pintada al temple sobre tela.

Se trata de una pintura en la que aparece representada a la diosa Palas Atenea (diosa de la sabiduría, la estrategia en combate y la justicia) en posición de pie y situada a la derecha.

Con su mano izquierda sostiene una alabarda dorada, mientras que con su mano derecha sujeta por los cabellos a un centauro (ser mitológico cuya la parte superior del cuerpo es de hombre y la mitad inferior es de caballo) que está representado en el lado izquierdo y está armado con arco y carcaj, aparte resaltar como la expresión del rostro del centauro parece amansarse ante el gesto serio de la diosa.

La cabeza de la diosa se encuentra ligeramente inclinada hacia el lado derecho. En el rostro destacan los ojos almendrados, la nariz recta, los labios finos y el mentón pronunciado. Aparte se observa como el cabello es largo y ondulado y lleva en la parte superior de la cabeza coronas de olivo.

La diosa se encuentra ataviada con un vestido vaporoso de mangas largas que ha sido realizado con una tela transparente y está ornamentado con coronas de olivo, bordados con tres o cuatro anillos de diamantes cruzados con el lema "Deo Amante" ("Al dios devoto").

Cabe resaltar que el lema fue utilizado por el fundador de la dinastía de los Médicis, el político y banquero italiano Cosimo di Giovanni de Médici (también conocido como Cosme el Viejo) y después también fue utilizado por otros miembros de la familia.

También lleva un manto de color verde oscuro anudado alrededor del cuerpo y descansando sobre el hombro derecho. En los pies lleva unas sandalias que le cubren hasta los tobillos y le deja los dedos de los pies al descubierto.

Ambas figuras se encuentran representadas sobre un fondo compuesto por una gran roca tallada situada en el lado derecho y un gran paisaje lacustre (paisaje de un lago) representado en el lado izquierdo.

Cabe destacar que la mayoría de los investigadores consideran que la escena representada de Palas y el Centauro podría considerarse como la "Alegoría de la Razón", cuyo símbolo es la diosa que vence al instinto representado por el centauro, aunque otras lecturas simbólicas creen que la escena refleja el contraste entre "Castidad y Lujuria", "Humildad y Orgullo" y "Razón e Instinto".

No obstante otros investigadores creen que podría representar de manera simbólica la acción diplomática llevada a cabo por el aristócrata, coleccionista y diplomático italiano Lorenzo de Médici, que estuvo empeñado en negociar una paz por separado con el Reino de Nápoles para impedir su adhesión a la liga antiflorentina promovida por el papa Sixto IV (también conocido como Francesco Della Rovere).

En este caso el centauro sería Roma y la diosa la personificación de Florencia, reconociendo al fondo el golfo de la ciudad de Nápoles. También destacar que en ésta interpretación justificaría la corona y la decoración del vestido de la diosa con ramas de olivo, un notorio símbolo de paz. 

Con respecto a la composición destacar la utilización de la policromía con colores claros y contratantes, que recalcan la plasticidad de las figuras representadas y el expresionismo de la escena. Además los gestos y giro de las figuras están equilibrados dando como resultado una composición armoniosa.

Es más se puede apreciar como la composición se distingue por la utilización de ritmos lineales, un juego de vacíos y llenos equilibrados entre las figuras y el fondo rocoso que están enmarcados por una notable elegancia.

En cuanto al estado de conservación destacar que la pintura fue en el año 1.955 d.C. restaurada debido a unas laceraciones que fueron identificadas en las zonas laterales.

La restauración fue realizada mediante estuco y una integración por imitación del Gabinete de Restauración de la Superintendencia de Florencia (Italia).

Además la restauración fue dirigida por el historiador de arte, funcionario italiano, especialista en pintura medieval y teoría de la restauración Uno Procacci y realizada por el restaurador italiano Edo Masini.

Para finalizar subrayar que en el año 2.015 d.C. Palas y el Centauro fue expuesta en la exposición que se inauguró en la ciudad de Berlín (Alemania) para seguir en la ciudad de Londres (Gran Bretaña), dónde se exponían obras de Sandro Botticelli y las versiones de otros artistas de sus pinturas.

También como curiosidad destacar que la autora británica de ficción histórica Linda Proud en su trilogía de Botticelli, ambientada en la ciudad de Florencia de finales del siglo XV d.C., relató la creación de la obra Palas y el Centauro y sus posibles interpretaciones.

Actualmente se encuentra en la Galería Uffizi, en la ciudad de Florencia (Italia).

Vasija de Adivinación de Ifa

La Vasija de Adivinación de Ifa es un recipiente datado aproximadamente entre los siglos XVII d.C. y XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.900 d.C.), perteneciente al arte africano.

Vasija de Adivinación de Ifa

Lo primero que se conoce es que se encontraba en posesión del inversionista, promotor inmobiliario, banquero y filántropo estadounidense Richard L. Bloch.

En el año 1.977 d.C. fue adquirido, en la ciudad de Londres (Gran Bretaña), por los comerciantes de arte tribal Lance y Roberta Entwistle.

Después perteneció a la colección del marchante de arte alemán Klaus Gunther Perls.

Hasta que en el año 1.991 d.C. la Vasija de Adivinación de Ifa fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene una altura de 16,5 cm, una anchura de 11,4 cm y un diámetro de 11,7 cm. 

Está fabricado en madera, marfil e incrustaciones de cáscara de coco.

Se trata de un recipiente, una vasija, de adivinación consistente en un cuenco sostenido por una cariátide femenina que sirvió como un receptáculo para las dieciséis nueces de palma sagradas (conocidas con el nombre de ikin).

La mujer está representada arrodillada, con las piernas dobladas debajo de ella. Además se observa como equilibra un cuenco de ofrendas sobre su cabeza y lo sostiene con los brazos levantados, con las manos a ambos lados.

El torso fuerte y ancho contrasta con el elegante movimiento de sus brazos atenuados. En el rostro destacan como los rasgos faciales están tallados con audacia, con las pupilas profundamente incisas y tres marcas de cicatrización vertical sobre cada ojo.

También lleva un collar de cuentas que descansa sobre su pecho, siendo el único objeto de adorno corporal que lleva puesto.

Cabe destacar que se piensa que a través de éste medio, los sacerdotes de Ifa se comunicaban con el dios Orunmila (dios yoruba de la adivinación y la sabiduría), con el fin de obtener información sobre el destino de un individuo.

Con respecto a la composición resaltar que la inversión en materiales costosos y el arte de alta calidad aparente en su diseño lo elevan más allá de un mero implemento funcional. La relativa rareza de la elección del marfil para su fabricación sugiere que la Vasija de Adivinación de Ifa era propiedad de los sacerdotes de Ifa de más alto rango.

Aparte la representación de una mujer que lleva una ofrenda en actitud devocional transmite la idea de que  la vasija fue concebida como una forma de oración a lo divino.

Para finalizar subrayar que la Vasija de Adivinación de Ifa ha sido comparada con un templo miniatura del dios Orunmila. Es más destacar que la cariátide que sirve como base de la vasija toma una variedad de formas que incluyen bailarinas, músicos y figuras ecuestres.

Además las características de la suplicante femenina en ésta vasija se perciben como especialmente efectivas para predisponer a los dioses a actuar favorablemente en nombre de la suplicante y como un medio ideal para expresar agradecimiento. 

Resaltando como éstos temas reflejan a la vez las esperanzas de prosperidad de los clientes del adivino y expresan su gratitud al dios Orunmila por las consultas exitosas. 

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Remate para Estandarte Mameluco

El Remate para Estandarte Mameluco es un remate datado aproximadamente entre los años 1.500 d.C. y 1.511 d.C., perteneciente al arte islámico, en concreto al arte mameluco.

Remate para Estandarte Mameluco

Lo primero que se conoce es que fue adquirido de Haim en la antigua ciudad de Constantinopla.

Correspondiente con la actual ciudad de Estambul, localizada a ambos lados del estrecho del Bósforo, en Turquía.

Fue comprado por el coleccionista de armas, ingeniero de minas, metalúrgico y autor estadounidense George Cameron Stone.

Hasta que en el año 1.935 d.C. el Remate para Estandarte Mameluco fue legado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Remate para
Estandarte Mameluco

Descripción

Tiene una altura de 51,2 cm, una anchura de 11,7 cm y un peso de 802 g. 

Está fabricado en hierro y acero.

Se trata de un remate con forma de flecha que presenta en su superficie incripciones y grabados incisos, en su base se aprecian dos remaches en forma de media luna y en el centro un pequeño remache utilizado para sujetar el remate.

También se puede observar como en uno de los lados del remate hay grabada una inscripción dentro de un cartucho, en concreto se puede leer el "Verso del Trono" del Corán, el Ayat al-kursi (Sura 2, versículo 255).

Mientras que en el otro lado se aprecia el nombre y título del emir sirio Sayfī al-Dīn Tarabāy (de quién se conoce que entre los años 1.503 d.C. y 1.504 d.C. encargó un mausoleo en la ciudad de El Cairo, en Egipto).

Aparte cabe destacar que se cree que originalmente el Remate para Estandarte Mameluco servía como un remate para un estandarte que se portaba como bandera para identificar las unidades del ejército en el campo de batalla y en las revisiones militares ante el sultán.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que el Remate para Estandarte Mameluco pudo haber sido una de las numerosas insignias mamelucas que los otomanos tomaron como botín cuando en el año 1.517 d.C. derrotaron a los mamelucos.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Botella con Pico Estribo y Búho

La Botella con Pico Estribo y Búho es una botella datada aproximadamente entre los años 200 d.C. y 500 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte moche.

Botella con Pico Estribo y Búho

Botella con Pico de Estribo y Búho

Lo primero que se conoce es que estaba en posesión del empresario, inversor y filántropo judío-canadiense-estadounidense Nathan Cummings.

Hasta que en el año 1.966 d.C. la Botella con Pico Estribo y Búho fue regalada al Museo Metropolitano de Arte (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Botella con Pico Estribo y Búho

Descripción

Tiene una altura de 24,1 cm, una anchura de 11,7 cm y un diámetro de 14,6 cm. 

Está fabricado en cerámica.

Se trata de una botella de estribo con el cuerpo en forma de tyto alba (también denominada lechuza común, lechuza de campanario o lechuza blanca).

Cabe destacar que la especie representada es reconocible por el disco facial con forma de corazón y la ausencia de mechones en las orejas.

Además las alas son cortas y redondeadas, también se aprecia como las filoplumas están representadas mediante líneas verticales.

Aparte resalta como el mango de estribo en realidad forma parte del pico que emana de la parte del lomo y la parte trasera de la cabeza del animal.

Para finalizar subrayar que es sabido que los artistas moches plasmaron detalles naturalistas de humanos, animales y plantas con gran precisión anatómica. 

Es más se pueden reconocer especies exactas e incluso individuos históricos en imágenes escultóricas representadas con un alto grado de realismo.

También se conoce que en la religión e iconografía moche las aves rapaces naturalistas o antropomórficas realizan una variedad de actividades rituales relacionadas con su comportamiento natural, como batallas, cacerías y sacrificios.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Togado de Pompelo

El Togado de Pompelo es una escultura datada aproximadamente en el siglo II d.C. (período comprendido entre los años 101 d.C. y 200 d.C.), perteneciente al arte romano.

Togado de Pompelo

Fue hallada en el año 1.895 d.C. de manera accidental durante los trabajos de edificación de una casa en la Calle Navarrería de la ciudad de Pamplona, situada en la comunidad autónoma de Navarra, en España.

Fue el historiador, arqueólogo, ensayista y artista español Juan Iturralde y Suit, quién informó del hallazgo al Boletín de la Comisión de Monumentos Históricos y Artísticos de Navarra.

Después del hallazgo el Togado de Pompelo fue llevado al edificio dónde se encuentra la Cámara de Comptos de Navarra, ubicada en la ciudad de Pamplona (España).

Cabe destacar que en el año 1.906 d.C. la escultura fue reclamada por la persona que había descubierto la obra, es decir, según la normativa legal vigente de la época el propietario de la escultura era la persona que la había hallado.

Es en ese mismo año, 1.906 d.C., es cuando el rastro de la escultura se pierde, pero se piensa que durante muchos años formó parte de la colección de un coleccionista de arte francés.

En el año 1.970 d.C. se conoce que la escultura se encontraba en la ciudad de Versalles (Francia), mientras que en el año 1.985 d.C. el Togado de Pompelo era propiedad del coleccionista de arte y empresario germano-estadounidense John Werner Kluge.

Entre abril del año 1.996 d.C. y abril del año 1.997 d.C. la escultura fue expuesta en la exposición "The Fire of Hephaistos: Large Classical Bronzes from North American Collections" que fue organizada por la Universidad de Harvard (Estados Unidos de América).

El 9 de diciembre del año 2.010 d.C. fue subastada por la casa de subastas Christie's de Nueva York (Estados Unidos de América).

Togado de Pompelo

Sin embargo nadie compró la escultura por lo que dos años más tarde, en el año 2.012 d.C. el Togado de Pompelo fue expuesto sin intención de venta en la exposición "Dialogues Between Art & Design" organizada por "Phillips de Pury & Company".

Cabe resaltar que en el año 2.015 d.C. la escultura se encontraba en posesión de un coleccionista privado estadounidense.

Siendo ésta persona quién se puso en contacto con el Servicio de Museos del Gobierno de Navarra (España) al enterarse del origen del Togado de Pompelo.

El dueño de la escultura y el Gobierno Foral acordaron, sin contraprestación económica, el traslado de la escultura a la ciudad de Pamplona (Navarra) para su exposición y estudio durante una duración de dos años, llegando la escultura el 13 de mayo del año 2.022 d.C. a la ciudad de Pamplona (España).

No obstante en mayo del año 2.023 d.C. el gobierno de Navarra llegó a un acuerdo previo con el propietario del Togado de Pompelo por el cuál se adquirió la escultura por un precio de 620.000 dólares, pasando a formar parte de la colección permanente del Museo de Navarra (España).

Togado de Pompelo

Descripción

Tiene una altura de 127 cm. Está fabricada en bronce, mediante la técnica de fundición.

Se trata de una escultura de tamaño natural que representa el cuerpo de una figura masculina ataviado con una toga con numerosos pliegues que le cubre todo el cuerpo y le llega hasta los pies.

De la toga resalta el umbu que es una bolsa ornamental y práctica de la tela de la toga, situada sobre el hombro izquierdo y hacia la derecha, justo encima del sinus (pliegue suelto, colgado desde debajo del brazo izquierdo, hacia abajo a través del pecho y luego hacia arriba hasta el hombro derecho), utilizado como un bolsillo o bolsa.

También puede apreciar como con la mano derecha sostiene un "aspergillum" (atributo o elemento ritual usado para el esparcimiento de líquidos), mientras que la mano izquierda se encuentra estirada hacia delante.

Para finalizar subrayar que debido a que la escultura carece de busto se desconoce la identidad de la persona representada.

Pero los investigadores consideran que debido a que el bronce era un material caro y la figura al estar ataviada con una toga, prenda reservada sólo a los ciudadanos romanos, la persona representada podría haber sido un ciudadano romano con un estatus alto dentro de la sociedad romana.

Actualmente se encuentra en el Museo de Navarra, España.

Cuenco de Pedestal Moche

El Cuenco de Pedestal Moche es un cuenco datado aproximadamente entre los siglos VI d.C. y VIII d.C. (período comprendido entre los años 501 d.C. y 800 d.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte moche.

Cuenco de Pedestal Moche

Lo primero que se conoce es que en el año 1.938 d.C. el cuenco pasó a formar parte de la colección de arte "Bruno J. Wassermann-San Blas Collection", ubicada en la ciudad de Buenos Aires (Argentina).

En el año 1.954 d.C. el cuenco fue comprado por el empresario, inversor y filántropo judío-canadiense-estadounidense Nathan Cummings.

Estando en su colección de arte, hasta que en el año 1.963 d.C. el Cuenco de Pedestal Moche fue regalado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Cuenco de Pedestal Moche

Descripción

Tiene una altura de 17,8 cm y un diámetro de 26 cm. Está fabricado en cerámica policromada.

Se trata de un cuenco acampanado, también denominado florero, que tiene una base de pedestal vacía llena de pequeñas bolitas de cerámica que traquetean cuando se agita el recipiente.

Está ornamentado con un motivo de red en el interior y con líneas en zigzag entrelazadas con triángulos en el interior.

Aparte resaltar que la decoración geométrica, así como el borde muescado con escalones indican que el Cuenco de Pedestal Moche fue elaborado durante el período Moche Tardío (período comprendido entre los años 600 d.C. y 800 d.C.).

Con respecto a la composición se puede apreciar como la decoración compleja está casi invariablemente pintada dentro del borde, mientras que el exterior del cuenco presenta diseños más simples.

Para finalizar subrayar que dentro del arte moche los cuencos acampanados fueron producidos a partir del siglo IV d.C. (período comprendido entre los años 301 d.C. y 400 d.C.), también se conoce que con el tiempo se fabricaron recipientes más altos, con bases más pequeñas y bordes más anchos y evertidos.

Además resaltar que se han hallado recipientes similares durante excavaciones arqueológicas realizadas en el yacimiento arqueológico de Galindo, ubicado en el valle de Moche, en la costa norte de Perú.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Maqueta de una Casa con Escena Festiva

La Maqueta de una Casa con Escena Festiva es una maqueta datada aproximadamente entre los siglos XII d.C. y XIII d.C. (período comprendido entre los años 1.101 d.C. y 1.300 d.C.), perteneciente al arte islámico, en concreto al arte ayubí.

Maqueta de una Casa con Escena Festiva

Maqueta de una Casa con Escena Festiva

Cabe destacar que aunque su procedencia es desconocida.

La opinión más aceptada es que pudo haber sido fabricada en Iran.

Lo primero que se conoce es que la maqueta perteneció a la colección "The Collector's Corner", ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.967 d.C. la Maqueta de una Casa con Escena Festiva fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Maqueta de una Casa con Escena Festiva

Maqueta de una Casa con Escena Festiva

Maqueta de una Casa con Escena Festiva

Maqueta de una Casa con Escena Festiva

Maqueta de una Casa con Escena Festiva

Descripción

Tiene una altura de 7 cm, una anchura de 18,1 cm y un diámetro de 11,4 cm. 

Está fabricado en cerámica y vidriado en turquesa transparente.

Se trata de una maqueta que representa una casa que tiene un patio abierto con balaustrada perforada decorativa y las proyecciones del techo situados en las esquinas.

En el interior del patio llama la atención la representación de un hombre barbudo con turbante de pie sobre un alto taburete escalonado (denominado kursi) y frente a dos figuras en una plataforma elevada (conocida con el nombre de suffa).

El hombre del kursi se apoya en un bastón y tiene los rasgos convencionales de los hombres mayores, sabios, educados y religiosos.

También se observa como una figura en el suffa levanta su mano izquierda y sostiene un palo o herramienta en la otra mano, mientras que la segunda figura en el suffa está representada levantando ambas manos.

Aparte hay representadas las figuras de mujeres con el cabello largo, ataviadas con velos y sosteniendo en sus manos copas. 

Con respecto a la composición destacar que puede ser una representación de una reunión social que recuerdan ocasiones festivas, con personajes sentados que sostienen tazas, instrumentos musicales y bandejas redondas y jarrones para la comida y bebida. 

Para finalizar subrayar que tanto la Maqueta de una Casa con Escena Festiva como la Maqueta de Casa con Pareja Amorosa pertenecen a un grupo de maquetas de casas que permiten vislumbrar las prácticas y entornos vernáculos iraníes, pero cuya función o significado original aún no se ha determinado.

Aunque la opinión más aceptada es que se trataban de representaciones de celebraciones, como matrimonios o festividades relacionadas con el final del ayuno religioso, en cuyas ocasiones dichos objetos podrían haber sido intercambiados como obsequios.

Es más los investigadores piensan que las maquetas de casas de cerámica podrían haber sido una alternativa mucho más asequible a los regalos tradicionales dados con motivos de los matrimonios.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Sarcófago Antropoide de Mármol

El Sarcófago Antropoide de Mármol es un sarcófago datado aproximadamente en el siglo V a.C. (período comprendido entre los años 500 a.C. y 401 a.C.), perteneciente al arte fenicio.

Sarcófago Antropoide de Mármol

Se conoce que fue encontrado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en el yacimiento de Bamboula, ubicado en la antigua ciudad de Citio, situada en la costa sur de Chipre.

También es conocido que formó parte de la colección de arte "The Cesnola Collection", propiedad del soldado, diplomático y arqueólogo aficionado ítalo-estadounidense Luigi Palma di Cesnola.

Hasta que en el año 1.874 d.C. el Sarcófago Antropoide de Mármol fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Sarcófago Antropoide
de Mármol

Descripción

Tiene una altura de 208, 3 cm, una anchura de 86,4 cm, un grosor de 68,6 cm y un peso de 1332,2 kg.

Está fabricado en mármol de Paros, mediante las técnicas de incisión, pulido y tallado.

Se trata de un sarcófago antropoide que consta de una caja inferior ahuecada cubierta por unta tapa que transmite ligeramente los contornos de la parte superior del cuerpo y las piernas.

Resalta como los únicos rasgos humanos explícitos en el Sarcófago Antropoide de Mármol son la cabeza de una mujer, enmarcada con rizos y los largos mechones de cabello dispuestos sobre su pecho.

En el rostro ovalado destacan los ojos almendrados finamente delineados mediante incisiones, la nariz recta, los labios carnosos y el mentón pronunciado.

Además se aprecia como el sarcófago antropoide representa los volúmenes de un cuerpo envuelto en un sudario (pieza de tela que envuelve el cadáver para enterrarlo).

Para finalizar subrayar que el Sarcófago Antropoide de Mármol es uno de los cuatro sarcófagos antropoide, englobado dentro del arte fenicio, que han sido encontrados en la isla de Chipre.

También es sabido que éste tipo de sarcófagos fueron introducidos entre los siglos V a.C. y III a.C. (período comprendido entre los años 500 a.C. y 201 a.C.) por los fenicios en la isla de Chipre y en numerosas regiones que colonizaron.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.