Biblia de Danila

La Biblia de Danila, también conocida como Codex Cavensis, es un manuscrito datado aproximadamente en el siglo IX d.C. (período comprendido entre los años 801 d.C. y 900 d.C.), perteneciente al arte medieval.

Biblia de Danila

En concreto al arte prerrománico y dentro de éste se encuentra englobado dentro del arte asturiano.

Se conoce que el manuscrito fue escrito por la escriba Danila en un scriptorium (habitación de los monasterios utilizada por los escribas monásticos en la Europa medieval) de Asturias.

Durante el reinado del rey de Asturias Alfonso II de Asturias (también conocido como "el Casto").

Se conserva en la Abadía territorial de la Santísima Trinidad de Cava de' Tirreni (también conocida como Abadía de Cava), localizada en el municipio de Cava de' Tirreni.

Situada en la provincia de Salerno, ubicada en la región de Campania, en Italia.

Biblia de Danila

Descripción

Tiene un total de 330 folios de vitela (tipo de pergamino con una superficie particularmente pulida, fabricado a partir de la piel de becerros no natos (nacidos muertos) o de becerros recién nacidos y que se destaca por su delgadez y durabilidad). 

Cada folio presenta una altura de 320 mm y una anchura de 260 mm.

Se trata de un manuscrito que mezcla distintos tipos de escritura: la capitalis rustica (forma caligráfica de la antigua Roma compuesta por mayúsculas rústicas), la uncial (forma caligráfica que solamente emplea letras mayúsculas de un tamaño cercano a la pulgada) y la semiuncial (género de escritura libraría que fue utilizada en los códices escritos entre el siglos V d.C. y el siglo IX d.C. (período comprendido entre los años 401 d.C. y 900 d.C.)).

Biblia de Danila

Además se puede observar como el texto se encuentra dispuesto en tres columnas, utilizando el modelo antiguo y es complementado con glosas en alfabeto árabe (también denominado alifato).

Dos folios se encuentran teñidos de azul (folio: 220 y 221) y tres folios están teñidos de púrpura (folios: 194, 224 y 253).

Cabe destacar que la Biblia de Danila retoma una antigua tradición de manuscritos de lujo que antes eran escritos en tinta dorada sobre un fondo púrpura.

Biblia de Danila

Los títulos se encuentran rodeados por marcos explícitos, presentan las iniciales decoradas y el texto mismo a veces toma la forma de una cruz.

También se observa como varias cruces decoran el manuscrito: 

En el frontispice (folio 1), en la introducción al libro de los profetas (folio 143) o incluso en el marco del título de los salmos (folio 100).

Aparte resaltar que entre sus folios se puede observar la identificación dada a la cláusula en los versículos de la Primera epístola de Juan 5:7-8 conocida con el nombre de coma joánica (también denominada como juanina, paréntesis joánico, cláusula joánica o apócrifo joánico).

Cabe enfatizar que los motivos decorativos recuerdan a las decoraciones de la Basílica de San Julián de los Prados, edificada en la ciudad de Oviedo, situada en la comunidad autónoma de Asturias (España).

Para finalizar subrayar que la Biblia de Danila es uno de los manuscritos más importantes que se conservan de la Vulgata (una traducción de la Biblia del hebreo y del griego al latín, siendo la primera traducción realizada en el año 382 d.C. por el santo cristiano y padre de la iglesia Eusebio Hierónimo (también conocido como Jerónimo de Estridón o San Jerónimo)).

Actualmente se encuentra en la Abadía territorial de la Santísima Trinidad de Cava de' Tirreni, Italia.

Cabeza de Piedra Maya

La Cabeza de Piedra Maya es una escultura datada aproximadamente entre los años 250 a.C. y 900 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte maya.

Cabeza de Piedra Maya

Fue hallada por el diplomático, explorador y arqueólogo británico Alfred Percival Maudslay durante las excavaciones arqueológicas realizadas en la estructura 20.

Ubicada en el yacimiento arqueológico de Copán, localizado en el departamento de Copán, situado al occidente de Honduras.

También se conoce que después de su descubrimiento pasó a pertenecer a la colección del diplomático, explorador y arqueológico británico Alfred Percival Maudslay. 

Hasta que en el año 1.886 d.C. la Cabeza de Piedra Maya fue donada al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 33 cm. Está fabricada en toba, mediante las técnicas de incisión y tallado.

Se trata de una escultura que representa una cabeza de piedra tallada en toba volcánica, posiblemente representado la cabeza de un gobernante dinástico de la antigua ciudad de Copán o también puede ser la representación de una deidad maya.

En el rostro destacan los ojos hacia abajo, la nariz recta, la boca sensual con los labios carnosos y la frente aplanada artificialmente. Aparte cabe resaltar que la frente aplanada artificialmente se utilizaba entre los mayas para encapsular una visión de la juventud y la belleza idealizada.

Además se puede apreciar como utilizada grandes orejeras circulares ornamentadas con círculos concéntricos y un elaborado tocado de cuentas rectangulares, aunque en la actualidad ambos se encuentran incompletos.

Con respecto a la composición resaltar que originalmente los rasgos faciales y otros detalles habrían sido pintados en policromía sobre una fina capa de estuco.

Para finalizar subrayar que algunos investigadores piensan que originalmente la Cabeza de Piedra Maya formaba parte de un friso decorativo de la "Estructura 20" de la antigua ciudad de Copán (Honduras).

Es más el diplomático, explorador y arqueológico británico Alfred Percival Maudslay sugiere que la cabeza podría formar parte de una figura sentada con las piernas cruzadas.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Colador Celta

El Colador Celta es un colador datado aproximadamente entre los años 400 a.C. y 350 a.C., perteneciente al arte celta.

Colador Celta

Colador Celta

Se conoce que fue encontrado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en Francia. 

También es conocido que perteneció al recaudador de impuestos y arqueólogo aficionado francés León Morel.

En el año 1.901 d.C. el Colador Celta fue comprado por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción 

Tiene una anchura en el borde de 2 mm, un grosor en el borde de 0,60 mm, un diámetro de 102 mm y un peso de 18 g. 

Está fabricado en aleación de cobre, mediante la técnica de fundación y perforación.

Se trata de un plato colador formado por un disco cóncavo de chapa de aleación de cobre que presenta un borde liso con un canto acabado. Cabe resaltar que en el lado convexo aun quedan restos de soldadura o adhesivo en la parte inferior.

Además resaltar que el borde liso de ancho con un borde acabado demuestra que el Colador Celta fue realizado como un componente separado utilizado para encajar en un hueco asentado en la base de un recipiente de bronce, quizás similar a un embudo colador.

También cabe destacar que no hay orificios para clavos en la circunferencia ni en el borde, pero los restos de soldadura o adhesivo en la parte inferior (lado convexo) muestran cómo se habría asegurado e impermeabilizado la unión.

El colador se encuentra ornamentado por un motivo decorativo compuesto por un elaborado molinete de cuatro brazos con agujeros perfectamente perforados que forman el fondo.

Para finalizar subrayar que los motivos ornamentales del Colador Celta se encuentran englobados dentro del estilo "Waldalgesheim", un estilo de arte celta decorativo que se desarrolló como resultado de la gran invasión histórica que llevó, a principios del siglo IV a.C. (período comprendido entre los años 400 a.C. y 301 a.C.),  a los celtas a Roma y que culminó con la ocupación de la mayor parte del norte de Italia.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Cubilete Marlik

El Cubilete Marlik es un recipiente datado aproximadamente en el siglo VIII a.C. (período comprendido entre los años 800 a.C. y 701 a.C.), perteneciente al arte marlik.

Cubilete Marlik

Cubilete Marlik (detalle)

Cubilete Marlik (detalle)

Cubilete Marlik

Lo primero que se conoce es que perteneció a la coleccionista de arte iraní Mme Assefi Khonsari.

Hasta que en el año 1.965 d.C. el Cubilete Marlik fue comprado por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 19 cm, un diámetro en la base de 10,40 cm, un diámetro en la llanta de 14,70 cm y un diámetro en la cintura de 6,20 cm. 

Está fabricado en aleación de cobre, mediante las técnicas de perforado y repujado.

Se trata de un vaso de precipitados compuesto por una base ancha, una cintura estrecha y un amplio cuello con forma de campana. Además se puede observar como la superficie exterior presenta una decoración punzada y repujada.

La decoración se encuentra realizadas en diversos paneles que tienen representados escenas de animales. En la parte superior se aprecian las imágenes de: un león, diez cabras montesas y un pájaro, mientas que en la parte inferior hay representados: un hombre y siete cabras montesas. 

Para finalizar con respecto al estado de conservación destacar que el Cubilete Marlik fue aplastado y roto en el centro, pero luego fue reparado toscamente con arena mezclada con resina después de su fabricación. 

Aparte cabe subrayar que los bordes rotos de los fragmentos no encajan entre sí, pero no hay diferencias entre las dos mitades y hay malaquita en ambos fragmentos.

En el año 1.995 d.C. se llevó a cabo un análisis "XRF", también conocido como fluorescencia de rayos "X", (técnica analítica y no destructiva que se puede utilizar para determinar la composición química de un objeto) que identificó que la superficie del metal de las dos mitades o fragmentos tienen la misma composición de bronce, concretamente contienen aproximadamente un 10% de estaño, trazas de plomo, níquel, arsénico y plata.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Yugo Pequeño con Cara

El Yugo Pequeño con Cara es un yugo datado aproximadamente entre los siglos XII a.C. y IX a.C. (período comprendido entre los años 1.200 a.C. y 801 a.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte tlatilco.

Yugo Pequeño con Cara

Yugo Pequeño con Cara

Lo primero que se conoce es que estaba en posesión del marchante, anticuario y traficante de antigüedades Everett Rassiga.

En el año 1.964 d.C. el Yugo Pequeño con Cara fue comprado por el político estadounidense y vicepresidente de los Estados Unidos de América Nelson Aldrich Rockefeller.

Entre los años 1.964 d.C. y 1.978 d.C. el yugo fue cedido al Museo de Arte Primitivo de Nueva York (un antiguo museo dedicado a las artes de las culturas indígenas de África, Oceanía y América).

Hasta que en el año 1.979 d.C. el Yugo Pequeño con Cara fue adquirido por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 13,6 cm, una anchura de 14,6 cm y un diámetro de 15,2 cm. Está fabricado en piedra, mediante las técnicas de incisión y tallado.

Se trata de un pequeño yugo (también conocido con el nombre de yuguito) que probablemente pudo haber sido utilizado como parte de un cinturón ceremonial. 

Cabe resaltar que está ornamentado con una cara que podría representar a la víctima de una violencia brutal: un ojo se encuentra cerrado por la hinchazón y el otro ojo está completamente arrancado.

La cara habría mirado a los espectadores, mientras que la piedra en forma de "U" se montaba sobre una tela gruesa o una prenda para cintura de cuero, dejando el lado liso hacia el cuerpo del usuario.

Yugo Pequeño con Cara

Sobretodo resalta como el escultor creó una visión de dolor y angustia con rasgos profundamente contorneados, que incluyen una ceja fruncida y una boca abierta, como si el individuo representado estuviera congelado en medio de un grito. 

También llama la atención como las orejas pequeñas se indican en las pestañas a cada lado de la cara.

Para finalizar subrayar que se conocen varios ejemplos de éste tipo de representación de caras, por lo que se les suelen denominar tuertos.

Además la forma del yugo se ha asociado con las insignias de los jugadores de pelota en base a representaciones posteriores de jugadores, lo que indica que la figura puede haber estado representando a un enemigo vencido al usar la piedra durante el juego.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Mapa de China

El Mapa de China es una escultura datada aproximadamente en el año 2.006 d.C., perteneciente al arte chino.

Mapa de China

Fue elaborada por el artista y arquitecto del modernismo chino Ai Weiwei (艾未未).

Se conoce que perteneció a la colección de arte de "Stockamp Tsai Collection".

Descripción

Tiene una altura de 40 cm, una anchura de 92,7 cm y un diámetro de 80 cm.

Está fabricada en un tipo de madera conocida como "tie li mu" (铁力木) (madera de hierro).

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa el mapa de China y que ha sido construido con elementos de madera entrelazados rescatados de templos destruidos de la dinastía Qing (清朝), período de la historia China comprendido entre los años 1.636 d.C. y 1.912 d.C.. Cabe destacar que la dinastía Qing (清朝) fue la última dinastía imperial china. 

La obra es una afirmación conmovedora de que la China moderna es un mosaico de fragmentos de su pasado. Además la configuración tipo rompecabezas de sus piezas heterogéneas también puede leerse como un símbolo de la diversidad cultural y étnica de China, afirmando que si bien China sigue siendo claramente singular sigue siendo una fusión de innumerables individuos.

Aparte destacar que el Mapa de China desafía la capacidad del espectador de imaginar como surgió un estado tan complejo y como logró sobrevivir durante tanto tiempo y si se podría mantener o no en un futuro.

Para finalizar subrayar que el Mapa de China fue prestado desde el 9 de diciembre del año 2013 d.C. hasta el 6 de abril del año 2.014 d.C. al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América) para que formara parte de la exposición "Ink Art: Past as Present in Contemporary China".

Después de la exposición el Mapa de China fue devuelto al prestamista, además enfatizar que los derechos y reproducción de la escultura son de © Ai Weiwei (艾未未).

Actualmente se encuentra en posesión de un coleccionista privado.

Perro Casita

El Perro Casita, también conocido como Mastín Casita, es una escultura datada aproximadamente entre los años 1.531 a.C. y 1.155 a.C., perteneciente al arte mesopotámico, en concreto al arte casita.

Perro Casita

Lo primero que se conoce es que antes de la década de 1.970 d.C. la escultura perteneció a la colección del coleccionista francés Bernard Grettner.

Entre el 22 y el 23 de mayo del año 1.989 d.C. el Perro Casita fue comprado para la colección de arte del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

A través de Robert Haber, en la venta de la colección de arte de Bernard Grettner, ocurrida en el Hôtel Drouot, localizado en la ciudad de París (Francia).

Perro Casita

Descripción

Tiene una altura de 42,4 cm, una anchura de 20,2 cm y un grosor de 36 cm. Está fabricado en cerámica.

Se trata de una escultura que representa la figura de un perro, un mastín, hueco por dentro que presenta una postura vigilante, sentado.

Tiene las fauces abiertas, las orejas hacia delante, arrugas en la frente y el hocico. Aparte tanto los dientes como los hombros musculosos están cuidadosamente representados.

Se puede apreciar como hay representado un collar trenzado que rodea el cuello del animal y la cola está doblada alrededor de su pata trasera.

Aunque en la actualidad la escultura está parcialmente rota, se piensa que originalmente el Perro Casita era considerado la figura de un guardián y también posiblemente fue utilizado como un portaestandarte, puesto que tiene un agujero en la parte posterior de su cabeza.

Con respecto a la composición resaltar que la escultura conserva restos de policromía en su cuerpo y también hay restos de incrustaciones en los ojos.

Para finalizar subrayar que en el arte casita los perros a menudo se asociaban con la diosa Gula (diosa de la sanción). Además destacar que se conoce que los artistas casitas eran particularmente hábiles para esculpir arcilla, creando tanto esculturas como composiciones tridimensionales de ladrillos.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Urna Canópica Etrusca

La Urna Canópica Etrusca es una urna datada aproximadamente entre los años 625 a.C. y 600 a.C., perteneciente al arte etrusco.

Urna Canópica Etrusca

Urna Canópica Etrusca

Urna Canópica Etrusca

Fue hallada durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en el municipio de Chiusi, localizado en la provincia de Siena, situada en la región de la Toscana (Italia).

Se conoce que perteneció a la colección de arte del arqueólogo alemán August Emil Braun (también conocido como Auguste Emil Braun).

En el año 1.853 d.C. la Urna Canópica Etrusca fue subastada por la casa de subastas Christie's de Londres (Gran Bretaña), siendo comprado por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Urna Canópica Etrusca

Descripción

Tiene una altura de 58,50 cm, una anchura de 38,30 cm y una profundidad de 31,20 cm. 

Está fabricado en terracota, mediante la técnica de modelado a mano.

Se trata de una urna canópica colocada en una silla, está compuesta por una vasija o urna con forma ovoide que ha sido modelada como un torso rudimentario con asas en los hombros y la tapa modelada como una cabeza masculina. Destaca como la cabeza tiene un total de 23 agujeros que probablemente fueron utilizados para sujetar originalmente una máscara facial de bronce.

Cabe resaltar que los agujeros en la cara, que penetran justo a través del espesor de la arcilla, están presentes alrededor de la circunferencia de la cara, sobre y alrededor de los labios y la boca, así como alrededor de toda la circunferencia de la base del cuello.

Además en la cabeza masculina, de tipo arcaico temprano, con una frente muy baja destaca el mentón prominente angosto y redondeado.

El cabello se encuentra indicado en la parte posterior de la cabeza mediante incisiones toscas paralelas realizas cuando la arcilla estaba aun blanda.

También se puede apreciar como la urna en sí tiene una depresión vertical en cada lado, aparte en un lado hay un surco horizontal tosco cerca de la parte superior que va curvándose hacia abajo en cada extremo, posiblemente marcando los músculos pectorales (en lugar del trapecio) y debajo de él la línea alba.

La silla o trono es pesada con la base circular y la parte superior abocinada. En la superficie del asiento horizontal hay un agujero circular con un diámetro de 8,5 cm, que es ligeramente más pequeño que el diámetro de la base de la vasija o urna.

Con respecto a la composición destacar que el empaste utilizado es de un color marrón rojizo en todas las partes de la urna.

Para finalizar subrayar que se piensa que la Urna Canópica Etrusca fue utilizada para albergar los restos cremados del difunto que eran colocados en la urna debajo de la cubierta de la cabeza. A su vez la urna era colocada sobre la silla y el conjunto completo era colocado en un gran "pithos" de arcilla situado en el fondo de la tumba.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Recipiente Cosmético Fenicio

El Recipiente Cosmético Fenicio es un recipiente datado aproximadamente entre los años 630 a.C. y 580 a.C., perteneciente al arte fenicio.

Recipiente Cosmético Fenicio

Recipiente Cosmético Fenicio

Se conoce que perteneció al académico y arqueólogo alemán, secretario del Instituto Arqueológico Alemán en la ciudad de Roma (Italia), August Emil Braun (también conocido como Auguste Emil Braun).

Hasta que en el año 1.852 d.C. el Recipiente Cosmético Fenicio fue adquirido por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Recipiente Cosmético Fenicio

Descripción

Tiene una altura de 13,70 cm, una anchura de 21,70 cm y una profundidad de 11 cm. 

Está fabricado en concha de tridacna squamosa, mediante las técnicas de incisión y tallado.

Se trata de un recipiente cosmético elaborado en una concha de tridacna squamosa tallada en el ápice con una cabeza humana y en el borde del lado inferior hay incisas dos esfinges aladas.

También se puede observar como hay representados capullos y flores de loto en el espacio sobre la esfinges con una banda de triángulos rayados o lisos que están enmarcados por líneas paralelas que definen el borde interior.

Además cabe resaltar que se conoce que originalmente el caparazón del Recipiente Cosmético Fenicio era utilizado como un recipiente para cosméticos para los ojos.

Con respecto al estado de conservación señalar que el estado actual es debido a una restauración en la que el recipiente se volvió a ensamblar a partir de varios fragmentos.

Para finalizar subrayar que antiguamente las conchas tridacna squamosa eran originarias del Mar Rojo, se sabe que fueron utilizadas en numerosas culturas (fenicia, griega, etrusca,...,) y particularmente en el mundo griego oriental.

Aparte resaltar que la mayoría de recipientes cosméticos elaborados mediante conchas se han encontrado en santuarios de deidades femeninas, pero también se conocen ejemplos que han sido hallados en el interior de tumbas femeninas como parte del ajuar funerario.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña. 

Busto de Medusa

El Busto de Medusa es un busto datado aproximadamente entre los años 1.638 d.C. y 1.648 d.C., perteneciente al arte barroco.

Busto de Medusa

Fue esculpido por el arquitecto, escultor y pintor italiano Gian Lorenzo Bernini.

Los investigadores creen que el Busto de Medusa fue regalado por el escultor al cardenal católico italiano y nuncio papal en Francia, Alessandro Bichi.

Después se conoce que el busto se encontrada en la colección de arte del marqués Francesco Bichi, perteneciente a la familia Bichi originaria de la ciudad de Siena, en la región de la Toscana (Italia).

Hasta que en el año 1.731 d.C. el Busto de Medusa fue donado a los Museos Capitolinos, localizados en la ciudad de Roma (Italia).

El busto aparece por primera vez en el año 1.734 d.C. en los inventarios de una de las sedes de los Museos Capitolino, el "Palazzo dei Conservatori" (Palacio de los Conservadores), ubicado en la plaza del Campidoglio, en la ciudad de Roma (Italia).

Busto de Medusa

Descripción

Tiene una altura de 50 cm, una anchura de 41 cm y una profundidad de 38 cm. Está esculpido de mármol de Carrara.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa el busto de Medusa (es una criatura mitológica, una gorgona, que convertía en piedra a quién fijara su mirada en ella).

La cabeza se encuentra ligeramente inclinada hacia delante y ligeramente girada hacia el lado izquierdo. 

En el rostro redondeado destacan los ojos almendrados, la nariz recta, los labios carnosos entreabiertos y el mentón pronunciado. 

Busto de Medusa

Además resalta como los mechones de cabello están representados por serpientes venenosas entrelazadas. 

Sobretodo cabe destacar como Medusa se encuentra representada como un monstruo viviente, con una expresión del rostro que destaca sufrimiento y miedo.

Busto de Medusa

Esto puede ser posible por la decisión del artista de crear una escultura de mármol que pudiera ser una especie de juego de palabras visual con el mito.

Es decir, creó una versión en piedra de un ser vivo que podría convertir a los hombres y mujeres en piedra.

La base de mármol, en dónde se encuentra apoyada la escultura, fue elaborada durante el siglo XVIII d.C. (período comprendido entre los años 1.701 d.C. y 1.800 d.C.) y tiene una altura de 18 cm y un diámetro de 20 cm.

En el lado izquierdo de la base hay grabado el escudo de armas del Senado y del Pueblo Romano y en el lado derecho tiene el emblema de la familia Bichi.

También en el anverso de la base hay una inscripción grabada en mayúsculas. La inscripción grabada en latín es la siguiente:

"MEDUSAE IMAGO IN CLYPEIS

ROMANORUM AD HOSTIUM

TERROREM OLIM INCISA

NUNC CELEBERRIMI

STATUARIJ GLORIA SPLENDET

IN CAPITOLIO

MUNUS MARCH

FRANCISCI BICHI CONS

MENSE MARTIJ

ANNO D. MDCCXXXI"

Busto de Medusa

Siendo su traducción aproximada la siguiente:

"La cabeza de Medusa, en la antigüedad utilizada como ornamento de los escudos romanos con el fin de inspirar terror en los enemigos,

Hoy, gloria de un celebérrimo escultor, que resplandece en el Capitolio, donada por el marqués Francesco Bichi, "Conservatore" en el mes de marzo del año del señor 1.731 d.C.."

Con respecto a la composición destacar la sensación de movimiento representado por la posición de las serpientes que forman el cabello y el realismo en la expresión del rostro. También destaca como el rostro muestra una belleza clásica y facciones suaves.

Para finalizar subrayar que el Busto de Medusa ha sido expuesto en mayo del año 2.011 d.C. en el Museo Pushkin de Bellas Artes de Moscú (Rusia) como parte del "Year of Italy in Russia".

También el busto fue exhibido a finales del año 2.011 d.C. y principios del año 2.012 d.C. en el Palacio de Legión de Honor en San Francisco (Estados Unidos de América), como parte de la exhibición "Dream of Rome", una exhibición que mostraba obras maestras de arte de la ciudad de Roma en los Estados Unidos de América.

Actualmente se encuentra en los Museos Capitolinos en la ciudad de Roma, Italia.

Broche de Disco Merovingio

El Broche de Disco Merovingio es un broche datado aproximadamente en el siglo VII d.C. (período comprendido entre los años 601 d.C. y 700 d.C.), perteneciente al arte medieval.

Broche de Disco Merovingio

En concreto se encuentra englobado dentro del arte prerrománico y dentro de éste pertenece al arte merovingio.

Fue hallado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en el año 1.980 d.C. en el municipio de Linz am Rhein.

Situado en el distrito de Neuwied, localizado en el estado federado de Renania-Palatinado, en Alemania.

Se conoce que perteneció a la colección de arte del alemán Baron Julius von Hövel.

Después perteneció al coleccionista de antigüedades y comerciante alemán Louis Moritz Richard Zschille.

Hasta que en el año 1.894 d.C. el Broche de Disco Merovingio fue adquirido por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Broche de Disco Merovingio

Descripción

Tiene un diámetro de 4,70 cm. Está fabricado en oro, niel y plata.

Se trata de un broche circular en plata dorada realizado mediante la técnica de fundición. 

El anverso se encuentra ornamentado con un cuadrado central elevado, con el interior decorado con un nudo en forma de trébol de cuatro hojas y con un borde compuesto por incrustaciones realizadas con la técnica ornamental de nielado.

El cuadrado presenta una banda exterior circular que está ornamentada con un borde entrelazo trenzado y un borde exterior elevado decorado con triángulos entrelazados también realizados mediante la técnica ornamental de nielado.

Para finalizar subrayar que llama la atención como en la actualidad aunque el estado de conservación en general es bueno, no hay dorado en el cuadro central ni el borde exterior.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Máscara de Hannya Noh

La Máscara de Hannya Noh, también conocida como Máscara de Hannya Nō o 友閑満庸作　能面 『般若』, es una máscara datada en el siglo XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.700 d.C.), perteneciente al arte japonés.

Máscara de Hannya Noh

Fue elaborada por el artista y escultor japonés Yūkan Mitsuyasu (友閑満庸), durante el período Edo (江戸時代).

Período de la historia japonesa comprendido entre el 24 de marzo del año 1.603 d.C. hasta el 3 de mayo del año 1.868 d.C..

Descripción

Tiene una altura de 21,6 cm, una anchura de 17,8 cm y un diámetro de 11,4 cm. 

Está fabricada en madera, yeso, pigmentos policromados y detalles realizados en oro y latón.

Se trata de una máscara noh o máscara nō (能面), una máscara utilizada en el arte escénico tradicional japonés, dónde se combinan canto, danza, drama y orquestación de tres o cuatro instrumentos.

También se conoce que la Máscara de Hannya Noh era utilizada en obras dónde aparecían canciones en Nohgaku (能楽) dónde las mujeres demonio eran los personajes principales. 

En concreto hace referencia a la segunda parte de la obra titulada Aoi (葵), basada en el capítulo 9 de "Leaves of Wild Ginge" que forma parte de la novela "The Tale of Genji" (源氏物語) y también es el tema de la canción Noh "Aoi no Ue" (葵の上).

La historia cuenta como Lady Rokujō (六条御息所) que era la amante del protagonista de la novela Hiraku Genji (光源氏) de quién se enamora y se pone celosa de sus otras amantes. 

Sus celos inconscientemente hacen que su ikiryō (生霊 ) (espíritu errante, en la mitología japonesa es una manifestación del alma de una persona viva separada de su cuerpo) se convierta en un yūrei (幽霊) (espíritus que han sido apartados de una vida pacífica tras la muerte debido a algo que les ocurrió en vida y deambulan como almas en pena) o en un shiryō (死霊) (en el folclore japonés son las almas de los muertos) que ataca y asesina a muchas otras amantes y esposas de Hiraku Genji (光源氏).

En teatro la Máscara de Hannya Noh se utiliza para representar la pieza de Aoi no Ue (葵の上), destaca como Lady Rokujō (六条御息所) posee a la esposa de Hiraku Genji (光源氏), Lady Aoi (葵の上) por celos, lo que hace que Lady Aoi (葵の上) se enferme.

Entonces se convoca a un monje que residía en la montaña para realizar un ritual con el objetivo de exorcizar el espíritu vengativo de Lady Rokujō (六条御息所). 

Cabe resaltar que los celos en su corazón se encarnan como un ogro femenino interpretado por un actor de Noh que lleva una máscara hannya que representa a una serpiente-demonio femenina. Hay una batalla entre el moje y el demonio hasta que eventualmente una escritura budista llega al corazón de la dama y su aspecto de ogro se calma.

Con respecto a la Máscara de Hannya Noh se puede observar como tiene la boca abierta, una mandíbula fuerte, dientes afilados, ojos dorados y cuernos. Además la expresión de la máscara es simultáneamente demoníaca, enojada, aterradora, atormentada y triste.

Aparte resaltar que la palabra "hannya" (般若) en la terminología budista significa "sabiduría", que en otras palabras significa "alcanzar la iluminación a través de la oración".

Para finalizar subrayar que la Máscara de Hannya Noh fue prestada entre el 5 de marzo del año 2.019 d.C. hasta el 16 de junio del año 2.019 d.C. al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América) para ser expuesta en la exposición titulada "The Tale of Genji: A Japanese Classic Illuminated", después de ser expuesta la máscara fue devuelta a su prestamista.

Actualmente la Máscara de Hannya Noh se encuentra en posesión de un coleccionista privado.

Collar Mixteca

El Collar Mixteca, también conocido como Collar con Cuentas en Forma de Dientes de Jaguar, era un collar datado aproximadamente entre los siglos XIII d.C. y XVI d.C. (período comprendido entre los años 1.201 d.C. y 1.600 d.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte mixteca.

Collar Mixteca

Lo primero que se conoce es que entre el año 1.920 d.C. y el año 1.949 d.C. el collar perteneció a la colección del director y vicepresidente de "American Metal Company" Heath McClung Steele.

En el año 1.978 d.C. el Collar Mixteca fue subastado por la casa de subastas Sotheby's de Nueva York (Estados Unidos de América).

Siendo adquirido por Saguario Pérez Soto de Atencio, ubicado en la ciudad de Caracas (Venezuela).

Entre los años 2.006 d.C. y 2.017 d.C. el collar se encontró en posesión de un coleccionista privado.

Hasta que en el año 2.017 d.C. el Collar Mixteca fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección.

Collar Mixteca

Descripción

Tiene una altura de 11,4 cm, una anchura de 3,5 cm, un diámetro de 12,7 cm y una longitud de 38,7 cm. 

Está fabricado en oro.

Se trata de un collar de oro elaborado mediante la técnica de la cera perdida, está compuesto por treinta y cuatro cuentas de oro con la forma de los dientes carnasiales de un jaguar con igual número de cascabeles unidos a ellos mediante delicadas "falsas filigranas" en forma de bucle.

Cabe resaltar que la filigrana falsa se refiere al proceso en el que los artesanos mixtecas, en lugar de aplicar hebras individuales de metal, modelaban los bucles en cera para luego moldearlos creando un delicado patrón de encaje.

Collar Mixteca
(detalle)

Con respecto al estado de conservación destacar que una campana (la tercera a la derecha) es un reemplazo moderno.

También como curiosidad resaltar que el Collar Mixteca fue elaborado por artesanos mixtecos, también conocidos con el nombre de ñudzavui.

Para finalizar subrayar que para los mixtecas el poder del jaguar se invocaba en la guerra, la caza y el juego de pelota ritual.

Aparte los guerreros jaguar eran la clase militar más elitista y era un rango que se alcanzaba solo después de derrotar a varios enemigos en la batalla.

Se conoce que los guerreros y los gobernantes que enfatizaban su destreza militar eran representados con cascos y tocados de jaguar.

Además dentro de la sociedad mixteca llevar una piel de jaguar era un privilegio que había que ganarse y la sutil alusión a los jaguares en forma del Collar Mixteca, junto con el delicado sonido creado cuando las campanas sin badajo habrían chocado entre sí cuando el usuario se movía indicaban la importancia del individuo que habría tenido el privilegio de usarlo.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Fusayola Minoica

La Fusayola Minoica es una fusayola datada aproximadamente entre los años 2.200 a.C. y 1.450 a.C., perteneciente al arte prehelénico, en concreto al arte minoico.

Fusayola Minoica

En concreto los investigadores creen que pudo haber sido fabricada durante el período Minoico medio I (período comprendido entre los años 2.100 a.C. y 1.850 a.C.).

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte del arqueólogo estadounidense Richard Berry Seager.

Hasta que en el año 1.926 d.C. la Fusayola Minoica fue legada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene una altura de 9 mm.

Se trata de una fusayola (también conocida como tortera, malacate o volante) fabricada en cristal de roca que presenta forma de tronco cónica y un agujero en su centro.

Cabe resaltar que las fusayolas eran utilizadas para ayudar en la confección de telas para prendas de vestir y ropa de cama. Además destacar que se usaba como un contrapeso colocado en el huso (objeto utilizado para hilar fibras textiles) de tipo vertical para hilar, aparte también servía de tope cuando era situado en la parte inferior del huso.

Para finalizar subrayar que dentro del arte minoico las fusayolas se solían colocar en el interior de las tumbas como parte del ajuar funerario, los investigadores piensan que era para que el difunto pudiera seguir hilando lana en el más allá.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Lápida Otomana

La Lápida Otomana es una lápida datada el 25 de agosto del año 1.823 d.C., perteneciente al arte otomano.

Lápida Otomana

Lo único que se conoce es que pudo haber sido fabricada por un artista conocido con el nombre de Zilhicce.

Después es conocido que la Lápida Otomana pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Británico de Londres (Gran Bretaña).

Descripción

Tiene una altura de 195 cm, una anchura de 39 cm y una profundidad máxima de 26 cm. 

Se trata de una lápida columnar que ha sido fabricada en piedra caliza labrada en relieve por una de sus caras. Aparte se conoce que originalmente formaba parte de una tumba.

Además se puede apreciar como en la parte superior de la lápida hay un remate en forma de turbante redondo y muy plegado.

Es más el turbante se encuentra englobado dentro del tipo "makdem", que era utilizado por los soldados navales.

También cabe destacar que la cara labrada en relieve presenta una inscripción compuesta por once líneas grabadas en alfabeto turco otomano (que era la versión del alfabeto árabe utilizada para escribir durante el Imperio Otomano). 

Lápida Otomana (detalle)

La transliteración (escrito que refleja la forma exacta en la lengua original) de la inscripción es la siguiente:

1. Hüve el-Bákí

2. Altmış seneden mütecáviz Devlet-iʿAliyede

3. ḫulúṣáne ẖidmet üzere olub

4. Mutakáʿid olmuş iken bu defʿa tuğyán

5. Eden Rum Milleti ḫáinlerinin Akdenízden

6. Tathíri icün me'múr buyurılan Donanmáyi

7. Hümáyúnda búlanmasi ba iráde-i Haḍret-i Mulúkí

8. Ta ʿalluk buyurulmuş edüğünden Donanmáyi

9. Hümáyún bú Saḥilda iken şehidan vefát

10. Eden reʾīs-i liman-ı esbaḳ Kaşotī 

11. el-Seyyid Aḥmed Begin rúhiçün fátiḥa. Fí 17 D. 1238.

Lápida Otomana (detalle)

Cuya traducción aproximada es la siguiente:

"Él es el eterno, (recitar) una Fatiha por el alma de Seyyid Ahmed Beg de Kasos, 

ex capitán de puerto, que desempeñó más de sesenta años de fiel servicio al Imperio Otomano, 

y que en su retiro, por orden del sultán fu adscrito a la Armada Imperial Otomana,

a la que se le había ordenado limpiar el Mediterráneo de los traidores de la comunidad griega, que en ése momento estaban en rebelión.

Mientras la Armada Imperial estaba en esas costas murió el 25 de agosto del año 1.823 d.C. (correspondiente al 17 de Dhu'l Hijja de 1.238 año de la Hégira).

Para finalizar subrayar que una de las mejores y más veraces traducciones de las once líneas horizontales fue la realizada por el historiador de arte Ünver Rüstem, especializado en el arte y arquitectura del mundo islámico, con un enfoque en el Imperio Otomano en sus últimos siglos.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Columna de Mármol del Templo de Artemisa en Sardis

La Columna de Mármol del Templo de Artemisa en Sardis, también conocida como Columna de Mármol del Templo de Artemisa en Sardes, es una columna datada aproximadamente en el año 300 a.C., perteneciente al arte griego.

Columna de Mármol del
Templo de Artemisa en Sardis

Fue hallada durante las excavaciones arqueológicas realizadas entre los años 1.911 d.C. y 1.912 d.C. en la antigua ciudad de Sardis (también conocida como Sardes).

Actualmente ésta localización se corresponde con el pueblo de Sart, localizado en el distrito de Salihli, situado en la provincia de Manisa, en Turquía.

Las excavaciones fueron realizadas por el arqueólogo estadounidense Howard Crosby Butler.

Y patrocinadas por la Sociedad Estadounidense para la Excavación de Sardis, que contaba con el apoyo de destacados filántropos y coleccionistas de arte de la ciudad Nueva York, incluidos miembros del consejo de administración del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.

En el año 1.926 d.C. la Columna de Mármol del Templo de Artemisa en Sardis fue un obsequido de la Sociedad Estadounidense para la Excavación de Sardis.

Para el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 361 cm. Está fabricado en mármol, mediante las técnicas de incisión y tallado.

Se trata de parte o una sección de una columna jónica, dónde destaca el capitel compuesto por dos volutas o espirales que forma parte del equino (elemento circular consistente en una especie de "almohadilla" bajo el ábaco y encima del collarino) decorado con molduras en forma de ovas y dardos.

El fuste es de sección circular y tiene un total de veinticuatro acanaladuras o estrías separadas entre sí por medio de finos filetes longitudinales.

La basa está compuesta por tres molduras: dos boceles circulares (también conocido como toros) y una escocía intercalada entre ambos, aparte la basa se apoya sobre un plinto (pieza con forma de prisma, de planta cuadrada y de poco espesor).

Con respecto a la composición destacar que la delicada talla foliada del capitel es única entre los capitales existentes del templo, además resaltar que en la basa destaca el toro ornamentado con un patrón similar a una escama vegetal llama la atención por ser excepcionalmente elaborado.

En cuanto al estado de conservación resaltar que partes del eje estriado se encuentran restauradas y la basa perfilada situada debajo del toro, conocida como escocia, es una copia de la original.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que la originalmente la Columna de Mármol del Templo de Artemisa en Sardis podría haber tenido más de cincuenta y ocho pies de altura en su ubicación original en el Templo de Artemisa.

También cabe enfatizar que el capitel es algo más pequeño que otros encontrados en el mismo yacimiento de Sardis, lo que indica que no pertenecía a la columnata exterior. Es más dos pares de columnas similares se encontraron en los pórticos este y oeste. 

Por lo tanto los investigadores creen que la columna podría ser del naos (cámara pequeña o cámara interior del un templo) o del porche trasero interior del Templo de Artemisa.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Recipiente en Forma de Fruta

El Recipiente en Forma de Fruta es un recipiente datado aproximadamente entre los años 500 d.C. y 700 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte quimbaya.

Recipiente en Forma de Fruta

Se conoce que fue hallado durante unas excavaciones arqueológicas realizas en el departamento de Caldas, localizado en el centro de Colombia.

También se sabe que perteneció a la colección " Johnson Matthey & Co" propiedad de un comerciante de arte británico. 

Hasta que en el año 1.910 d.C. el Recipiente en Forma de Fruta fue comprado por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Recipiente en Forma de Fruta

Descripción

Tiene una altura de 15,50 cm y una anchura de 7,50 cm. 

Está fabricado en tumbaga (una aleación de oro y cobre que elaboraban los orfebres indígenas de América).

Se trata de un recipiente con forma de fruta compuesto por un cuerpo que tiene la función de recipiente y una tapa, ambos (el cuerpo y la tapa) han sido realizados mediante la técnica de vaciado a la cera perdida (también conocida como fundición a la cera perdida).

La forma del recipiente es una "totuma" aplanada, el fruto del árbol del totumu (también conocido como "crescentia cujete"), es decir, una vasija o recipiente de originen vegetal empleado antiguamente en América Central y en América del Sur.

También se puede observar como la tapa combina perfectamente con el cuerpo del recipiente tanto en su forma como en sus agujeros. 

Es más se piensa que los dos agujeros rectangulares situados en los lados opuestos, cerca del borde podrían haber sido utilizados para pasar una cuerda u otro dispositivo con la finalidad de poder transportar el recipiente. 

Con respecto a la composición resaltar que la forma plana del Recipiente en Forma de Fruta habría permitido que el recipiente fuera transportado cómodamente.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que el Recipiente en Forma de Fruta fue utilizado para guardar la cal utilizada con las hojas de coca, así como ser un símbolo de fertilidad debido a su color y brillo.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Mujer Vistiéndose

La Mujer Vistiéndose, también conocido como 橋口五葉画 長襦袢の女 o 長襦袢の女, es una xilografía datada en el año 1.920 d.C., perteneciente al arte japonés.

Mujer Vistiéndose

Fue pintado por el artista y pintor japonés Higashiguchi Goyō (橋口五葉).

Durante el período Taishō (大正時代), un período de la historia de Japón (日本) comprendido entre el 30 de julio del año 1.912 d.C. y el 25 de diciembre del año 1.926 d.C..

También se conoce que perteneció a la colección de arte "The Howard Mansfield Collection", localizada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.936 d.C. la Mujer Vistiéndose fue adquirida por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene una altura de 45,1 cm y una anchura de  14,6 cm. Está elaborada en xilografía, tinta y color sobre papel.

Se trata de un xilografía que representa la figura de una mujer joven en posición de pie, vistiéndose con un kimono interior denominado nagajuban (長襦袢). Aparece representada de manera sensual con parte de los senos al descubierto, mientras sostiene un estrecho obi (帯) de color verde entre los dientes, también se puede observar como sobresalen por debajo del nagajuban (長襦袢) los dedos de los pies descalzos.

El borde del cuello del nagajuban (長襦袢) está ornamentado con un patrón vegetal de color blanco sobre un fondo celeste, aparte el resto del nagajuban (長襦袢) presenta un diseño, sobre un fondo blanco, compuesto por mariposas rojas, por flores rojas y pequeños puntos rojos que forman líneas.

En el rostro destacan las cejas marcadas, los ojos rasgados, la nariz recta y la boca pequeña. El cabello largo y negro se encuentra recogido en un elaborado peinado conocido con el nombre de shimada mage (島田髷).

Además cabe resaltar que se conoce que la mujer representada es una de las modelos favoritas del autor, la la japonesa Kodaira Tomi (小平とみ).

Para finalizar subrayar que situado en el lateral derecho se encuentra inscrita una inscripción en escritura japonesa, seguida del sello del autor en color rojo.

La inscripción y su traducción aproximada es la siguiente:

"大正九年五月 五葉画" 

= 

"Pintado por Goyō en mayo del noveno año de Taishō"

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Kuduo Asante

El Kuduo Asante es un recipiente datado aproximadamente entre los siglos XIX d.C. y XX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 2.000 d.C.), perteneciente al arte africano.

Kuduo Asante

Fue creado por el Imperio Asante (también conocido como Imperio Ashanti), un imperio y reino creado por los asantes o ashanti (una etnia perteneciente al grupo de los akan).

Durante un período comprendido entre el año 1.701 d.C. hasta el año 1.957 d.C. y que ocupó tierras cercanas a las Costa de Oro, en la África Occidental.

Lo primero que se conoce es que perteneció al oficial colonial británico y gobernador de Gambia Sir Cecil Hamilton Armitage.

En el año 1.933 d.C. fue adquirido por el coleccionista de arte británico Maurice Stanley Cockin.

Después en el año 1.960 d.C. fue comprado por el político estadounidense y vicepresidente de los Estados Unidos de América Nelson Aldrich Rockefeller.

Hasta que en el año 1.978 d.C. el Kuduo Asante fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 17 cm, una anchura de 14 cm y un diámetro de 16,5 cm. Está fabricado en latón.

Se trata de un recipiente conocido como kuduo con forma de vasija, con una base ensanchada y calada que crea un patrón de líneas verticales. Además tiene en los laterales dos pequeñas argollas utilizadas como asas y una tapa con una composición figurativa.

En la parte superior de la tapa se encuentra representado la figura de un leopardo que se prepara para comerse a un cerdo y a un pollo, también cabe destacar que los investigadores piensan que ésta representación puede ser una referencia a la posición dominante del dueño del kuduo dentro de la sociedad.

Aparte el mecanismo de cierre se encuentra en el costado y tiene el simbolismo de ser la retención y protección de la alma del dueño del Kuduo Asante.

Puesto que el kuduo fue creado para almacenar posesiones valiosas como polvo de oro y cumplían el propósito simbólico de salvaguardar el "kra" (fuerza vital o alma) de su propietario. Además resaltar que desempeñaba un papel importante en las ceremonias destinadas a mantener el bienestar espiritual de quién lo poseía.

Con respecto a la composición destacar la combinación vibrante entre las imágenes figurativas y las imágenes con patrones geométricos.

Para finalizar subrayar que dentro de la sociedad Asante al final de la vida los kuduo fueron dejados en los sitios de entierro de sus dueños junto con otras posesiones personales. También resaltar que si el kuduo pertenecía a un jefe supremo, acompañaría su kuduo ennegrecido en una sala especial dedicada a su espíritu y memoria.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Tapa de Libro de una sola Contraportada

La Tapa de Libro de una sola Contraportada, también conocida como Cubierta de Libro de una sola Contraportada, es una tapa de libro datada aproximadamente en el año 1.500 d.C., perteneciente al arte otomano.

Tapa de Libro de una sola Contraportada

Se conoce que perteneció a la colección de arte del escritor francés Jean Soustiel, ubicada en la ciudad de París (Francia).

El 4 de diciembre del año 1.999 d.C. la tapa fue adquirida por la galería de arte "Francesca Galloway", ubicada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

Hasta que en el año 2.000 d.C. la Tapa de Libro de una sola Contraportada fue comprada por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 20,70 cm y un anchura de 13,40 cm. Está fabricada en cuero y oro.

Se trata de la tapa de un libro de cuero marrón claro que presenta una única contraportada, el exterior está ornamentado en el centro mediante un medallón ovalado polilobulado que ha sido repujado y dorado con motivos decorativos arabescos florales y diversos motivos florales.

Además se puede observar como las esquinas están decoradas con motivos arabescos sobre un fondo ligeramente dorado.

También se puede apreciar como el interior de la tapa es de cuero rojizo decorado con un medallón central de cuero en filigrana sobre una cartela azul y horizontal central. Aparte en las esquinas están decoradas con filigranas de cuero sobre un fondo azul.

Para finalizar subrayar que durante el Imperio Otomano las cubiertas de los libros se encuadernaban por separado. Es decir, las cubiertas de los libros actuaban como "fortalezas" para proteger el libro y también para ser quitadas de los libros cuando estuvieran dañadas.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.