lunes, 28 de febrero de 2022

Manuscrito Portátil del Corán

El Manuscrito Portátil del Corán es un libro datado aproximadamente en el siglo XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.700 d.C.), perteneciente al arte otomano.

Manuscrito Portátil del Corán
Manuscrito Portátil del Corán

Se conoce que hasta el año 1.888 d.C. perteneció a la colección de arte del banquero, filántropo y coleccionador de libros estadounidense Joseph William Drexel.

En el año 1.889 d.C. el Manuscrito Portátil del Corán fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), por Lucy Wharton Drexel, en memoria de su esposo Joseph William Drexel.

Manuscrito Portátil del Corán


Descripción

Tiene una altura máxima de 3,2 cm y una anchura máxima de 3,2 cm. Está elaborado en tinta y oro sobre papel y encuadernación en cuero.

Se trata de un pequeño manuscrito o libro con forma hexagonal en el que está escrito El Corán.

La letras se encuentran escritas dentro de pequeños hexágonos rodeados por un fino borde fabricado en oro.

Además las páginas se encuentran unidas entre sí por medio de una cuerda o cordón de color rojo. También presentan la cubiertas encuadernadas en cuero y decoradas con diferentes motivo compuestos por un patrón geométrico.

Manuscrito Portátil del Corán

Aunque era difícil de leer debido al pequeño tamaño de la escritura, se pensaba que el Manuscrito Portátil del Coral empoderaba y protegía al sultán otomano y a sus tropas en batalla.

Para finalizar subrayar que gracias a los textos históricos y a las pinturas se conocen que éstos pequeños manuscritos eran denominados "Coranes Sançak" (Coranes bandera).

Aparte eran utilizados como colgantes talismánicos que se colocaban en cajas o bolsas de metal y se sujetaban al asta de los estandarte militares e incluso también se usaban como brazaletes o alrededor del cuello de un soldado, o podrían haber sido colocados en un arma o un objeto ceremonial.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

domingo, 27 de febrero de 2022

Tumba de Darío el Grande

La Tumba de Darío el Grande, también conocida como la Tumba de Darío I, es una tumba datada aproximadamente entre los años 522 a.C. y 486 a.C. , perteneciente al arte persa.

Tumba de Darío el Grande

Fue construida en el sitio histórico de Naqsh-e Rustam, localizado a unos 12 km al noroeste de la antigua ciudad de Persépolis.

Situada próxima a la ciudad de Marvdasht, en la provincia de Fars, en Iran.

Tumba de Darío el Grande

Descripción

Se trata de una tumba o mausoleo construida a una altura considerable sobre el suelo y excavada en la pared de la montaña, perteneciente al tercer rey de la dinastía aqueménida de Persia Darío I (también conocido como Darío el Grande).

Tumba de Darío el Grande

Cabe destacar que está considerada uno de los sitios claves dentro del patrimonio cultural iraní.

Aunque la tumba fue saqueada tras la conquista del imperio aqueménida llevada a cabo por el rey de Macedónia, hegemón de Grecia, faraón de Egipto y Gran rey de Media y Persia, Alejandro Magno (también conocido como Alejandro III de Macedonia o Alejandro el Grande).

Se puede observar como situada en la esquina superior izquierda de la fachada de la tumba hay una inscripción conocida como "DNa" (Darius Naqsh-i Rostam "a").

En ésta inscripción se mencionan las conquistas del rey Darío I y sus diversos logros ocurridos a lo largo de su vida, sobretodo se mencionan la última década de su reinado.

Tumba de Darío el Grande

También se encuentran escritos los territorios controlados por el imperio aqueménida que están claramente enumerados.

Se puede observar como en la parte superior de la fachada exterior hay representado un friso con un grupo de 30 soldados del Imperio con sus ropas nativas y portando armas.

Todos los soldados están apoyando la plataforma en la que el rey Darío I destaca por su devoción a la divinidad Ahuramazda (entidad suprema del zoroastrismo).

Los 30 soldados tienen además etiquetas trilingües sobre ellos para su identificación étnica (el origen étnico), conocidas colectivamente como la inscripción "DNe" (Darius Naqsh-e Rustam "e").

Tumba de Darío el Grande (detalle)

Las nacionalidades de los soldados representado en el relieve están inscritas de izquierda a derecha, siendo las siguientes:

Maka, persas (también conocidos como farsíes), medo, elam, partia, aria bactria, sogdianos, corasmia (también conocido como jorasmia), drangiana (también llamado sarangia), aracosia, satagidia, gandara, hindush, sacas, babilonios, athura (también llamada asiria aqueménida), arabia (también conocido como arabia aqueménida), egipcios, satrapy de Armenia, cappadocia, sapatry de Lydia, ionias (también conocido como Yaunas), escitas, skudra (también llamado Scudra), macedonios, libios, nubios y carias.

Tumba de Darío el Grande (detalle)

Para finalizar subrayar que la Tumba de Darío el Grande está considerada un ejemplo histórico significativo de ingeniería sísmica, puesto que es la estructura con base aislada más antigua del mundo, lo que le permite una gran resistencia contra los peligros sísmicos.

sábado, 26 de febrero de 2022

Retrato de María Magdalena (El Perugino)

El Retrato de María Magdalena, también conocido como María Magdalena o Santa María Magdalena, es una pintura datada aproximadamente en el año 1.500 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Retrato de María Magdalena

Fue pintada por el pintor italiano Pietro di Cristoforo Vannucci (también conocido como El Perugino o Pietro Perugino).

En el año 1.912 d.C. la pintura pasó a formar parte de la colección de arte de la "Galleria Palatina", situada en la ciudad de Florencia, localizada en la región de la Toscana, en Italia.


Descripción

Tiene una altura de 47 cm y una anchura de 35 cm. Está pintado en óleo sobre tabla.

Se trata de una pintura que representa el retrato de María Magdalena en posición tres cuartos hacia la izquierda sobre un fondo oscuro.

Además destaca como la cabeza está ligeramente inclinada hacia la izquierda, la mirada soñadora dirigida oblicuamente hacia el lado izquierdo y las manos están representadas apoyadas sobre un parapeto imaginario. 

En el rostro redondeado destacan los ojos almendrados, la nariz recta, los labios carnosos y estrechos y el mentón redondeado.

Se encuentra ataviada con un abrigo de piel con diseños en la manga izquierda y debajo lleva un vestido de escote recto adornado en la zona del busto por un patrón geométrico.

Con respecto a la composición resaltar que sobre el fondo oscuro se aprecia como detrás de la cabeza de María Magdalena hay un fino halo dorado.

Aparte destaca como la figura emerge de un fondo oscuro con tonos suaves y modulados que recuerdan a la técnica del sfumato (también llamado esfumado) y aportan a la composición una impresión de profundidad.

Para finalizar subrayar que la persona que fue utilizada como modelo en la pintura era la dama florentina Chiara Fancelli.

Cabe resaltar que se conoce que posó como modelo en numerosas obras de su esposo el pintor italiano Pietro di Cristoforo Vannucci (también conocido como El Perugino o Pietro Perugino) y también para el pintor y arquitecto italiano Raffaello Sanzio (también conocido como Rafael de Urbino o Rafael).

Actualmente se encuentra en la Galleria Palatina en la ciudad de Florencia, Italia.

viernes, 25 de febrero de 2022

Estatuilla de Kary

La Estatuilla de Kary es una escultura datada aproximadamente entre los años 1.304 a.C. y 1.237 a.C., perteneciente al arte egipcio.

Estatuilla de Kary

En concreto se conoce que fue elaborada durante la XIX dinastía del Antiguo Egipto.

Los investigadores piensan que pudo haber sido encontrada durante unas excavaciones arqueológicas realizas en el antiguo poblado de Deir el-Medina.

Estatuilla de Kary

Localizado a la entrada del Valle de las Reinas y cerca del Valle de los Reyes, situado en la ribera occidental del río Nilo, al frente de la ciudad de Tebas (Egipto).

Se conoce que la escultura perteneció al coleccionista de antigüedades y comerciante griego Nicolas Koutoulakis.

Hasta que en el año 1.965 d.C. la Estatuilla de Kary fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Estatuilla de Kary


Descripción

Tiene una altura de 49,5 cm, una anchura de 13,5 cm y una profundidad de 28,8 cm. Está fabricada en madera.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa al artesano Kay en posición de pie sobre una base con forma rectangular.

En el rostro ovalado destacan: las cejas marcadas, los ojos almendrados, la nariz recta, los labios carnosos y el mentón redondeado.

En la cabeza lleva una peluca trenzada con dos mechones enmarcando el rostro y que le caen sobre el torso.

Estatuilla de Kary

Se encuentra ataviado con un faldellín plisado que le llega hasta la altura de los tobillos y está anudado en la cintura.

También se observa como en el lado izquierdo del cuerpo lleva un estandarte coronado con la cabeza de un halcón.

El estandarte hace referencia al dios Horus (dios celeste, de la guerra, de la caza y el protector del linaje real). 

Se puede apreciar como el mástil del estandarte lleva la siguiente inscripción escrita en escritura jeroglífica:

Estatuilla de Kary

"Horus, hijo de Isis ... Señor del desierto"

Además tanto en la vestimenta como en el hombro derecho hay inscripciones, sobretodo destaca la inscripción situada en la base escrita en escritura jeroglífica, siendo su traducción aproximada la siguiente:

"Una buena vida combinada con salud,

alegría y regocijo todos los días,

mis dos ojos viendo,

mis dos oídos escuchando,

mi boca llena de verdad"

Para finalizar subrayar que es conocido que en el Antiguo Egipto Kary fue considerado un gran artesano y se conoce que fue uno de los artistas que decoró numerosas tumbas reales localizadas en el Valle de los Reyes.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

jueves, 24 de febrero de 2022

Cuchara de Plata Bizantina

La Cuchara de Plata Bizantina es una cuchara datada aproximadamente entre los siglos VI d.C. y VII d.C. (período comprendido entre los años 501 d.C. y 700 d.C.), perteneciente al arte medieval, en concreto al arte bizantino.

Cuchara de Plata Bizantina
Cuchara de Plata Bizantina

Se conoce que hasta el año 1.990 d.C. la cuchara formaba parte de la colección de arte de un coleccionista privado.

Desde el año 1.990 d.C. hasta el año 2.005 d.C. la Cuchara de Plata Bizantina se encontró en "Ward & Company Works of Art", situado en la ciudad de Nueva York, en Estados Unidos de América.

Hasta que en el año 2.005 d.C. la cuchara fue adquirida por el coleccionista de arte John C. Weber quién la donó al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), en honor de la historiadora y curadora del arte estadounidense Helen C. Evans.

Cuchara de Plata Bizantina


Descripción

Tiene una altura de 25,3 cm, una anchura de 3,7 cm y una profundidad de 2,3 cm. Está fabricada en plata y dorado, mediante las técnicas de fundición y nielado.

Se trata de una cuchara que originalmente podría haber formado parte de un juego de cubertería que ejemplifica la calidad excepcional de la plata bizantina.

El cuenco de la cuchara se encuentra perfilado con un elegante patrón ondulado trabajado en niel y en el centro contiene la siguiente inscripción en latín: "Puritas".

Cuchara de Plata Bizantina

El tallo ahusado con restos de dorado muestra en niel el nombre de "Matteus", posiblemente una referencia a Mateo el Evangelista (también conocido como Mateo el Apóstol, Mateo Leví o Leví de Alfeo).

También hay pequeñas cruces junto a las inscripciones y en el disco que conecta el cuenco y el tallo, todo esto ubica la obra dentro de un contexto cristiano.

Además cabe destacar que en el disco también se encuentra representado el monograma del propietario original que en la actualidad aún no ha podido ser identificado.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que el uso del idioma del latín para las inscripciones asocia a la cuchara con la tradición imperial romana que fue tomada por los bizantinos.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

miércoles, 23 de febrero de 2022

Veleta de Heggen

La Veleta de Heggen es una pieza datada aproximadamente entre los años 900 d.C. y 1.050 d.C., perteneciente al arte medieval, en concreto al arte vikingo.

Veleta de Heggen

Los investigadores piensan que originalmente podría haber estado unida al mástil de un barco vikingo. 

Se conoce que en el año 1.702 d.C. la Veleta de Heggen fue trasladada al frontón oeste de la iglesia de Heggen.

Localizada en el municipio de Modum, situada en la provincia de Buskerud, en Noruega.

Cabe resaltar que después del año 1.702 d.C. la Veleta de Heggen desapareció y reaparición en el año 1.880 d.C. en las inmediaciones de la iglesia y en manos de un particular.

En el año 1.923 d.C. la Veleta de Heggen fue trasladado a la colección de arte del Museo de Antigüedades de la Universidad de Oslo.

Hasta que en el año 1.999 d.C. fue trasladada al Museo Cultural Histórico de la Universidad de Oslo, localizado en la ciudad de Oslo, en Noruega.

Veleta de Heggen

Veleta de Heggen

Descripción

Tiene una altura de 19 cm y una longitud de 28 cm. Aunque los investigadores creen que originalmente podría haber tenido una altura de 23,5 cm y una anchura de 33 cm. 

Veleta de Heggen

Está fabricada en cobre, mediante las técnicas de fundición, incisión y grabado.

Se trata de parte de una pieza, una veleta o un estandarte, que ha sido fabricada en una placa de cobre dorado de 3 mm de espesor.

Una de las superficies se encuentra ornamentada con una escena donde aparece representada un águila con el pico curso, borla de plumas en la cabeza y grandes alas.

Veleta de Heggen

Mientras que en la otra superficie hay representada un animal mitológico semejante a la figura de un león y rodeado por un gusano. 

Se aprecia como el borde ancho de ambos lados tienen varios agujeros en su superficie y están decorados con un patrón geométrico.

En la parte superior, en la punta, se observa como hay representada un animal escayolado de cuatro patas, éste animal ha sido identificado con la reprsentación de un león.

Para finalizar subrayar que el tipo de decoración se encuentra englobado dentro del estilo Ringerike, un estilo de ornamentación zoomórfica vikinga que se desarrolló entre el siglo X d.C. y el siglo XI d.C. (período comprendido entre los años 901 d.C. y 1.100 d.C.).

Actualmente se encuentra en el Museo Cultural Histórico de la ciudad de Oslo, Noruega. 

martes, 22 de febrero de 2022

San Pedro

San Pedro es una pintura datada aproximadamente en el año 1.608 d.C., perteneciente al arte renacentista.

San Pedro

Fue pintada por el pintor griego Doménikos Theotokópoulos (también conocido como El Greco).

Se conoce que originalmente la pintura se encontraba en la Iglesia de San Vicente, localizada en la ciudad de Toledo, situada en la provincia de Toledo, en la comunidad autónoma de Castilla-La Mancha (España).

Hasta que pasó a formar parte de la colección de arte del Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial, situado en la localidad de San Lorenzo de El Escorial, en la comunidad autónoma de Madrid (España).


Descripción

Tiene una altura de 207 cm y una anchura de 105 cm. Está pintada al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa al apóstol Simón Pedro (también conocido como San Pedro, Cefas o Pedro), uno de los discípulos de Jesús de Nazaret y considerado el primer papa de la Iglesia Católica.

Está representado como una persona mayor con el cabello y la barba blancos, de pie en la cima de una montaña, también se observa como se encuentra ataviado con una túnica azul oscuro y un manto de color amarillo que le envuelve el cuerpo.

El brazo derecho está representado flexionado con la mano derecha situada delante del torso, mientras que con la mano izquierda sostiene un juego de llaves.

Con respecto a la composición destaca el contraste de luces y sombras, el uso de la luz para definir los contornos de la figura, la desproporción entre la cabeza y el cuerpo y el efecto azul-grisáceo del cielo que resalta con los colores llamativos del manto.

Para finalizar subrayar que la pintura hace referencia al pasaje de Mateo 16: 18-18 ("la roca sobre la cual edificaré mi iglesia. Te daré las llaves del reino de los cielos"), en el cual el apóstol está de pie en la cima de una montaña con las llaves de la iglesia que le fueron otorgadas por Jesús. 

Actualmente se encuentra en el Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial, España.

lunes, 21 de febrero de 2022

Sarcófago de Terracota Minoico

El Sarcófago de Terracota Minoico es un sarcófago datado aproximadamente en el siglo XIII a.C. (período comprendido entre los años 1.300 a.C. y 1.201 a.C.), perteneciente al arte prehelénico, en concreto al arte minoico.

Sarcófago de Terracota Minoico

Se conoce que desde finales de la década de 1.920 d.C. el Sarcófago de Terracota Minoico formaba parte de una colección privada, localizada en Austria.

En el año 1.930 d.C. el sarcófago fue comprado por el coleccionista privado griego Emmanuel Koutoulakis, pasando a formar parte de su colección de arte.

Hasta que en el año 1.996 d.C. fue donado por Emmanuel, Ariane y Daphne Koutoulakis al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), en memoria de Nicolas y Mireille Koutoulakis.

Sarcófago de Terracota Minoico



Descripción

Tiene una altura total de 101,6 cm, una anchura de 45,7 cm y una longitud de 107,3 cm. 

La altura del cuerpo es de 77,5 cm y la tapa tiene una altura de 24,1 cm. Está fabricado en terracota.

Se trata de un sarcófago o ataúd, conocido con el nombre de larnax, compuesto por una tapa y un cuerpo.

Sarcófago de Terracota Minoico

El cuerpo está formado por una caja rectangular reposada sobre cuatro patas compuestas por cuatro pilares que sobresalen en las cuatro esquinas y van desde el borde hasta el suelo.

La tapa presenta forma de techo inclinado y siendo con forma aplanada a la altura del borde del sarcófago lo que permite que la tapa se asiente firmemente sobre el cuerpo del sarcófago.

Los cuatro laterales del cuerpo se encuentran ornamentados mediante distintos patrones geométricos y vegetales.

Además se observa como la tapa también presenta una decoración con patrones geométricos de espirales.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que la estructura con paneles empotrados en cada lado del cuerpo sugiere que los larnax minoicos podrían haber sido creados a imagen o prototipos de madera de los cofres egipcios.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

domingo, 20 de febrero de 2022

Encuadernación del Corán insertada con Turquesa

La Encuadernación del Corán insertada con Turquesa es una encuadernación datada aproximadamente en el siglo XVI d.C. (período comprendido entre los años 1.501 d.C. y 1.600 d.C.), perteneciente al arte otomano.

Encuadernación del Corán insertada con Turquesa

Cabe destacar que los investigadores creen que fue elaborada en Irán.

Perteneció a la colección de arte de John Howell, afincado en la ciudad de San Francisco.

Localizada en el estado de California, en la parte occidental de Estados Unidos de América.

En el año 1.956 d.C. la Encuadernación del Corán insertada con Turquesa fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 54,6 cm y un grosor de 3,8 cm. Cerrado presenta una anchura de 25,4 cm y abierto una anchura de 68,6 cm.

Está fabricado en cuero, estampado, pintado, dorado e incrustado con turquesa.

Se trata de una encuadernación fabricada para albergar El Corán (el libro sagrado del islam que es la palabra de Alá, revelada a Mahoma). 

La cubierta está ornamentada por diferentes diseños florales, por bandas rectangulares con patrones geométricos y placas doradas con escritura cúfica. Además se aprecia como los medallones con forma de almendra tienen pequeñas incrustaciones en forma de bolas de turquesa.

Cabe resaltar que los medallones centrales en forma de almendra y los rellenos cóncavos situados en las cuatro esquinas son características comunes de los libros islámicos.

Con respecto a las técnicas de estampado y dorado éstas eran utilizadas para la encuadernación en cuero que eran comunes en Oriente Medio, especialmente en Irán dónde el arte se desarrolló por primera vez y en Turquía dónde fue perfeccionado.

Para finalizar subrayar que las cubiertas de libros otomanos con este tipo de composición y diseño floral sirvieron como modelos para un gran número de encuadernaciones renacentista venecianas, e incluso sirvieron como modelo para la fabricación de muebles venecianos.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

sábado, 19 de febrero de 2022

Fíbula Corsini

La Fíbula Corsini es una fíbula datada aproximadamente en el siglo VII a.C. (período comprendido entre los años 700 a.C. y 601 a.C.), perteneciente al arte etrusco.

Fíbula Corsini

Fue hallado en el año 1.908 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas por el noble y político italiano Tommaso Bartolomeo Pier Francesco Melchiorre Maria Corsini (VI príncipe de Sismano).

En la necrópolis de Banditella, localizada en la localidad de Manziano, situada en la provincia de Grosseto, en la región de la Toscana (Italia).

Poco después de su descubrimiento la Fíbula Corsini pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Arqueológico Nacional de Florencia, localizado en la ciudad de Florencia, situada en el norte de la región central de Italia.


Descripción 

Está fabricada en plata fundida y oro laminado.

Se trata de un fíbula tallada ricamente ornamentada utilizada para asegurar las prendas en los hombros y en la cintura. También se puede apreciar como a lo largo del arco y en la vaina hay tallados pequeñas figuras de animales, entre las que destacan las figuras de pequeños patos y leones.

Las figuras se encuentran realizadas mediante estampación poniendo dos tiras una al lado de la otra  y utilizando la técnica de granulado para realizar los detalles.

Cabe resaltar que los animales representados son simbólicos: los pájaros que durante su migración indican un camino más allá del horizonte físico, simbolizan que van más allá de la muerte y velan por los cuatro puntos cardinales asociados a los principios reales.

Con respecto a la composición destaca que la calidad del acabado hace que se reconozca como un producto elaborado en un taller localizado en el sur de Etruria (también conocida como Tyrrhenia o Tirrenia), una antigua región histórica situada en el centro de Italia.

Aparte se considera que originalmente la fíbula podría haber pertenecido a una persona importante o perteneciente a un rango social alto dentro de la cultura etrusca.

Para finalizar subrayar que la Fíbula Corsini se encuentra considerada una de las obras de orfebrería más importantes dentro del arte etrusco.

Además como curiosidad resaltar que el descubrimiento de la Fíbula Corsini tuvo tal resonancia que incluso el rey de Italia Víctor Manuel III, lo reconoció como: "fulgida espressione della cultura etrusca" ("brillante expresión de la cultura etrusca").

Actualmente se encuentra en el Museo Arqueológico Nacional de Florencia, Italia.

viernes, 18 de febrero de 2022

Estatua Estelófora de un Hombre

La Estatua Estelófora de un Hombre es una escultura datada aproximadamente entre los años 1.550 a.C. y 1.295 a.C., perteneciente al arte egipcio.

Estatua Estelófora de un Hombre

Cabe destacar que lo único que se conoce es que la escultura fue encontrada en la ciudad de Luxor (Egipto).

Perteneció a la colección de arte del anticuario y coleccionista de arte Rev Chauncey Murch.

Hasta que en el año 1.981 d.C. la Estatua Estelófora de un Hombre fue comprada por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña).


Descripción

Tiene una altura de 26 cm, una anchura de 11,50 cm y una profundidad de 18 cm. 

Está fabricada en piedra caliza, mediante las técnicas de incisión, tallado y pintado.

Se trata de una estatua estelófora de un hombre desconocido, es decir, es una estatua que representa a un hombre arrodillado sobre un pedestal, tiene las manos representadas alzadas en posición orante y apoyadas sobre una losa de piedra con forma de estela.

Estatua Estelófora de un Hombre

Lleva una peluca larga trenza, una barba postiza corta y se encuentra ataviado con una falda larga que le llega hasta la altura de los tobillos.

Se puede apreciar como la parte superior de la estela tiene forma de mesa de ofrendas.

Es aquí dónde se encuentran talladas algunas de las ofrendas, en la parte superior del soporte que une la estela con la figura del hombre.

Además en el arco de la estela están incisos dos "Ojos de Horus" (también conocidos por el nombre de "Udyat") que flanquean un signo "Shen" (símbolo en forma de anillo anudado que representa lo ilimitado), una copa y tres líneas de agua.

Debajo hay una inscripción jeroglífica compuesta por un total de ocho líneas horizontales que se leen de derecha a izquierda.

Estatua Estelófora de un Hombre

La inscripción hace referencia al "Hechizo número 15 del Libro de los Muertos", que es un himno al dios Ra (dios del Sol).

Una traducción aproximada de la inscripción es la siguiente:

"Alabado a Ra cuando se levanta,

hasta que se pone en vida,

por el copero (...),

dice:

'Salve a ti Ra en tu salida,

Atum en tu perfecto ocaso.

Te daré adoraciones en tu escenario perfecto.

Exaltado sea Ra en la Barca del Día Solar,

que se levanta en el horizonte oriental,

que se pone en el oeste,

que cae el enemigo "

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que originalmente la escultura formaba parte de un ajuar funerario y se encontraba colocada en un nicho orientado de cara al sol naciente y situado sobre la capilla de la tumba. 

Además se piensa que el nombre de la persona representada fue borrado presumiblemente debido a que contenía el nombre del dios Amón (dios celeste y dios de la creación) y pudo ser eliminado durante el reinado del faraón Akhenatón (también conocido como Neferjeperura Amenhotep, Ajenatón, Akenatón, Amenhotep IV o Amenofis IV) como parte de las reformas religiosas llevadas a cabo por ese faraón.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

jueves, 17 de febrero de 2022

El Portador del Espejo

El Portador del Espejo es una escultura datada aproximadamente en el siglo VI d.C. (período comprendido entre los años 501 d.C. y 600 d.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte maya.

El Portador del Espejo

Los investigadores piensan que pudo haber sido encontrada en la región fronteriza entre Guatemala y en el estado de Tabasco (México).

Además debido al buen estado de conservación lo más probable es que el lugar del hallazgo haya sido una cueva seca o una cámara funeraria y que el daño en su lateral izquierdo podría ser el resultado de algún desgaste o descomposición, tal vez por descansar contra una superficie o por estar sujeta a un paso variable de aire.

Se conoce que perteneció a la colección de arte de John Stokes, hasta que en el año 1.962 d.C. la escultura fue comprada por el coleccionista de arte, político y vicepresidente de Estados Unidos Nelson Aldrich Rockefeller.

Desde el año 1.962 d.C. hasta el año 1.978 d.C. El Portador del Espejo fue cedido al Museo de Arte Primitivo de la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América). 

Después del cierre del museo en el año 1.976 d.C. El Portador del Espejo fue legado en el año 1.979 d.C. al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

El Portador del Espejo



Descripción

Tiene una altura de 35,9 cm, una anchura de 22,9 cm y un diámetro de 22,9 cm. Está fabricada en madera y hematita roja (también conocida como oligisto o acerina).

Se trata de una escultura de madera portátil elaborada a partir de una única pieza sólida de madera dura del género de arbustos y árboles Cordia, conocido localmente como "bocote".

Se piensa que la escultura podría representar a un enano de la corte real, es decir, una persona con acondroplasia u otro tipo de enanismo genético.

Tiene un peinado y un bigote rizado, también destaca el vello facial inusual y la frente bulbosa. Se aprecia como las cuencas de los ojos se encuentran talladas, posiblemente para contener incrustaciones de concha o obsidiana (en la actualidad perdidas).

Está representado en una posición sedente arqueando la espalda, la cabeza ligeramente inclinada hacia arriba, la parte superior de los brazos están paralelos al suelo y los pies están doblados debajo del cuerpo.

El Portador del Espejo

Los puños están apretados contra el pecho, agarrando un pectoral que representa un retrato antropomórfico, con tocado orejeras y un amplio collar de cuentas de jade.

Resalta como los elaborados adornos de las orejas tienen varios niveles, consistente en una llamarada puesta a través del lóbulo estirado, con otros dos discos de jade colgando debajo y que terminan en un elegante retrato de una criatura reptil sin mandíbula.

Cabe destacar que este tipo de joyas de jade tan solo habrían sido utilizadas para un alto miembro de la élite dentro de la sociedad maya.

Se encuentra ataviado con una falda tejida hasta la altura de las rodillas que presenta lazos que cubren su ombligo. La cinturilla la falda tiene un diseño trenzado con flecos con rosetones circulares en la zona de las caderas y la espalda.

Mientras que el dobladillo muestra un patrón irregular similar a un estallido de estrellas que está bordeado por arriba por una trenza retorcida y por la parte de abajo por un fleco acampanado.

El nudo cuadrado en el estómago de la figura acentúa la representación realista de la prenda que cuelga entre sus rodillas ligeramente separadas. 

El Portador del Espejo

Además la persona representada tiene un chal colocado alrededor del cuello que cae a través de sus brazos y se conecta con la roseta trasera que se recoge en un montón que cuelga lejos de la espalda de la figura.

Se piensa que originalmente las muescas claramente definidas en la falda y debajo de los brazos habrían sostenido una placa removible de aproximadamente 5 pulgadas cuadradas.

La placa se podría haber insertado debajo de los brazos y luego ensanchado en las muescas de la falda y probablemente estaba cubierta con un espejo de mosaico de pirita u obsidiana.

Con respecto a la composición destacar que se han hallado restos de pigmento de óxido de hierro rojizo en la superficie lo que indica que originalmente la escultura habría estado pintado y habría tendido un efecto vívido.

Para finalizar subrayar que dentro de las sociedades mesoamericanas las personas con acondroplasia u otros tipos de enanismo genético fueron muy especiales puesto que se pensaban que tenían poderes adivinos y eran buscados como artistas en las cortes reales.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

miércoles, 16 de febrero de 2022

Recipiente de Libación Griego

El Recipiente de Libación Griego es un recipiente datado aproximadamente en el siglo V a.C. (período comprendido entre los años 500 a.C. y 401 a.C.), perteneciente al arte griego.

Recipiente de Libación Griego

Se conoce que se encontraba expuesto en la galería de arte "Ariadne Galleries", localizada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 2.001 d.C. el Recipiente de Libación Griego fue comprado por el abogado, hombre de negocios y filántropo estadounidense Michael Jaharis y su esposa Mary Jaharis.

Estando en su colección de arte hasta que en el año 2.015 d.C. fue regalado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América) en honor al director de museo estadounidense Thomas Patrick Campbell.


Descripción

Tiene una altura de 3,2 cm, un diámetro de 20,3 cm y un peso de 413,95 g. 

Está fabricado en plata dorada.

Se trata de un recipiente circular con forma de plato o vasija poco profundo de plata que presenta el interior decorado con diversos patrones y figuras doradas, además era utilizado durante la realización de rituales de libación.

Recipiente de Libación Griego

El interior del plato está ornamentado en el centro por una pequeña protuberancia dorada, a su alrededor hay dos pequeñas bandas ornamentadas mediante un patrón geométrico.

También se observa como la banda exterior es la más ancha y se encuentra decorada por una escena con cuatro jóvenes con lanzas cazando ciervos a caballo.

Con respecto a la composición destacar como el artista hace un uso inteligente de la forma circular del plato para mostrar a los cuatro cazadores rodeando a su presa.

Para finalizar subrayar que el Recipiente de Libación Griego es uno de los pocos ejemplares de recipientes de plata con decoración figurativa dorada que han llegado hasta la actualidad.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

martes, 15 de febrero de 2022

Cuchillo Ornamentado (Tumi)

El Cuchillo Ornamentado (Tumi) es un cuchillo datado aproximadamente en el siglo XV d.C. (período comprendido entre los años 1.401 d.C. y 1.500 d.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte inca.

Cuchillo Ornamentado (Tumi)

Se conoce que fue fabricado en la ciudad de Cuzco, la capital del Imperio Inca, localizada en la vertiente oriental de la cordillera de los Antes, al sureste de Perú.

Estaba en la colección de Juan Luis Pereira, localizada en la ciudad de Lima, en Perú.

En el año 1.972 d.C. el Cuchillo Ornamentado (Tumi) fue adquirido por Arnold I. Goldberg.

Después en el año 1.976 d.C. pasó a ser propiedad de Jane Costello Goldberg.

Hasta que en el año 1.986 d.C. el cuchillo fue legado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 17,1 cm, una anchura de 15,9 cm y un espesor de 6,4 cm. Está fabricado en bronce y estaño.

Se trata de un cuchillo, también conocido como tumi, que presenta una hoja larga y curva en ángulo recto con el mango, se conoce que fue utilizado durante la realización de sacrificios rituales.

Cabe destacar que normalmente los tumis eran representados con frecuencia en obras de arte, sobretodo en manos de deidades y seres sobrenaturales a punto de realizar un acto de sacrificio. Además suelen estar adornados con escenas de sacrificio en la parte superior o con elementos que hacen referencia al sacrificio.

En el Cuchillo Ornamentado (Tumi) la parte superior del mango tiene forma de enormes garras de un poderoso ave de rapiña, aparte la textura rugosa del eje recuerda a la piel áspera de las patas de las aves rapaces y las impresiones textiles del entierro cubren la mayor parte de la superficie de la hoja.

Cabe resaltar que los hábitos alimenticios de las aves rapaces y los buitres les otorgan una conexión simbólica natural con el sacrificio y el mundo de los muertos.

Para finalizar subrayar que los cuchillos o tumis se encontraban entre las herramientas de metal más comunes y ampliamente producidas en la época del Imperio Inca.

También enfatizar que los incas heredaron una traducción metalúrgica que comenzó mucho más de 2.000 años antes de su ascenso al poder. Numerosos metalúrgicos de todo el imperio, sobretodo de la costa norte, se concentraron en la capital del imperio Cuzco para producir objetos en oro, bronce, cobre y plata.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

lunes, 14 de febrero de 2022

IvO 240/241

IvO 240/241 es el número de catálogo de un disco datado aproximadamente entre los años 255 a.C. y 241 a.C., perteneciente al arte griego

IvO 240/241

Cabe destacar que los investigadores desconocen el año del hallazgo.

Pero se sabe que se encontró durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en el yacimiento arqueológico de Olimpia. 

Situada en la unidad periférica de Élide, localizada en la región de Grecia occidental.

Poco después de su descubrimiento pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Arqueológico de Olimpia, localizado en la ciudad de Olimpia (Grecia).


Descripción

Tiene un diámetro de 15,24 cm y un peso de 4,08 kg. Está fabricado en bronce.

Se trata de un disco de bronce que presenta su cara exterior ornamentada por bandas concéntricas en relieve y una inscripción escrita en griego antiguo inscrita entre las dos bandas exteriores. 

El disco representa a los discos de bronce que eran utilizados durante el pentatlón de los Juegos Olímpicos en la antigüedad, durante los juegos los atletas lanzaban el disco y competían para ver quién alcanzaba la mayor distancia.

La inscripción escrita en griego es la siguiente:

" ΕΥΧΑΡΙCΤΗΡΙΟΝ ΔΙΕΙ ΟΛΥΜΠΙΩI ΠΟΠΛ[ΙΟΣ]  ΑCΚΛΗΠΙΑΔΗC ΚΟΡΙΝΘΙΟC ΠΕΝΤΑΘΛΟC ΟΛ[ΥΜΠΙΑΔΟC] CNE"

Una traducción aproximada es la siguiente:

"Poplio Asklepiades de Corintio, agradece a Zeus Olímpico por su victoria en el pentatlón de los Juegos Olímpicos"

Para finalizar subrayar que la funcionalidad del disco era ser usado como una ofrenda depositada como agradecimiento por su victoria en el templo del díos Zeus (rey de los dioses, dios del cielo y del trueno) en la ciudad de Olimpia.

Cabe enfatizar que los investigadores piensan que el disco de bronce era una copia del disco utilizado en los juegos, puesto que el disco ofrendado fue fabricado en bronce y éste material era considerado el más caro en la época antigua.

Actualmente se encuentra en el Museo Arqueológico de Olimpia, Grecia. Pero también se puede apreciar una réplica en la Gliptoteca de Múnich, Alemania.

domingo, 13 de febrero de 2022

Vasija de Adivinación

La Vasija de Adivinación es un recipiente datado aproximadamente entre los siglo XVIII d.C. y XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.701 d.C. y 1.900 d.C.), perteneciente al arte africano.

Vasija de Adivinación

Se conoce que se encontraba en la galería de arte "Charles Jones African Art", localizada en la ciudad de Wilmington, situada en el condado de New Hanover, en el estado de Carolina del Norte (Estados Unidos de América).

Después pasó a formar parte de la colección del marchante de arte y historiador de arte alemán Klaus Gunther Perls.

Hasta que en el año 1.991 d.C. la Vasija de Adivinación fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), por Klaus Gunther Perls y por su esposa Amelia Perls (también conocida como Dolly Perls).


Descripción

Tiene una altura de 10,16 cm. Está fabricada en latón.

Se trata de un recipiente formado por un cuerpo compuesto por una vasija con forma de casco redondo que presenta en la parte superior una escultura humana. 

La escultura es el busto de un hombre con las manos levantadas por delante del pecho y portando en cada mano unos pequeños objetos utilizados durante los rituales o ceremonias.

Vasija de Adivinación

Además en el rostro alargado destacan los ojos ovalados, la nariz chata, los labios gruesos y la boca ligeramente entreabierta. También se aprecia como en la parte superior de la cabeza lleva un sombrero.

Se puede observar como en la parte delantera del cuerpo de la vasija hay representado un medallón con una cara en relieve rodeada por una banda con un patrón geométrico.

Con respecto a la funcionalidad destacar que es conocido que la Vasija de Adivinación habría sido utilizada como en rituales y ceremonias realizados por los habitantes del estado Edo, un estado interior de Nigeria.

Para finalizar subrayar que en el año 1.960 d.C., con el establecimiento de la Federación de Nigeria como nación, la ciudad de Benin se convirtió en la capital del estado de Edo.

Se conoce que numerosas de las obras de arte relacionadas con el arte Edo que se conservan en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América) fueron donadas a ésta institución en los años 1.969 d.C. y 1.991 d.C. por personas que las adquirieron en el mercado internacional de arte con la finalidad de que las obras fueran accesibles al público y celebrar su excelencia.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

sábado, 12 de febrero de 2022

Collar con Medallón y Amuleto

El Collar con Medallón y Amuleto es un collar datado aproximadamente entre los años 100 d.C. y 450 d.C., perteneciente al arte medieval, en concreto al arte bizantino.

Collar con Medallón y Amuleto

Fue hallado en el año 1.908 d.C. en la "Piazza della Consolazione", localizada en la ciudad de Roma, situada en la región de Lacio, en Italia.

Se conoce que en el año 1.913 d.C. el collar se encontraba en la colección de arte de los hermanos armenios Hagob y Garbis Kalebdijian.

El Collar con Medallón y Amuleto fue expuesto en su galería de arte antigua, situada en la ciudad de París (Francia).

Desde el año 1.947 d.C. hasta el año 1.957 d.C. el collar pasó a formar parte de la colección de arte del experto en numismática, arte clásico y comerciante alemán Jacob Hirsch.

Hasta que en el año 1.958 d.C. el Collar con Medallón y Amuleto fue comprado por el Museo de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción 

La longitud de la cadena es de 78,7 cm. El medallón tiene una altura de 6,5 cm y una anchura de 1,1 cm. El amuleto tiene una altura de 4,3 cm, una anchura de 3 cm y un espesor de 0,7 cm. Está fabricado en oro y hematita.

Collar con Medallón y Amuleto
(detalle)

Se trata de un collar con medallón de matrimonio de oro y un amuleto de hematita.

El medallón presenta forma circular con un borde dentado compuesto por un patrón formado por pequeñas bolas circulares dispuestas una al lado de la otra.

En el centro del medallón hay una escena que representa a un matrimonio, además la escena se encuentra rodeada por varios círculos concéntricos.

Se puede observar como las dos figuras están representadas una frente a otra y se encuentran bendecidas por Cristo que sostiene una corona de flores sobre sus cabezas.

Cabe resaltar que ésta representación es una variación cristiana de un motivo pagano. Aparte el colgante-amuleto situado en la parte trasera del collar tiene representado una deidad solar probablemente debido a sus cualidades curativas.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que el collar podría haber formado parte de un tesoro que fue escondido durante el saqueo de la ciudad de Roma ocurrido en el año 410 d.C. y llevado a cabo por el caudillo militar y rey visigodo Flavio Alarico I.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

viernes, 11 de febrero de 2022

Busto Tusculum

El Busto Tusculum, también conocido como Retrato Tusculum, es una escultura datada aproximadamente entre los años 50 a.C. y 40 a.C., perteneciente al arte romano.

Busto Tusculum

Fue hallada en el año 1.825 d.C. durante las excavaciones realizadas por el I Príncipe de Canino y Musignano, Luciano Bonaparte.

En el foro de Tusculum, situado en la ciudad latina de Tusculum, localizada en los montes Albanos, en la antigua región de Latium (Italia).

Después de su descubrimiento la escultura fue trasladada al Castillo de Agliè, una de las Residencias de la casa real de Saboya, localizada en la "Piazza Castelo", en la provincia de Turín, situada en la región de Piamonte (Italia).

Se conoce que en el año 1.940 d.C. fue el arqueólogo, investigador, historiador y profesor universitario italiano Maurizio Borda quién identificó el Busto Tusculum con una representación del político y militar romano Gayo Julio César (también conocido como Cayo Julio César o Julio César).

Después el Busto Tusculum fue expuesto en el Museo del Louvre de París (Francia), hasta que fue trasladado de forma definitiva al Museo de Antigüedades de Turín (Italia).

Busto Tusculum

Sin embargo se pueden apreciar tres copias localizadas: una en la Abadía de Woburn Abbey, situada al este de la localidad de Woburn, en el condado de Bedfordshire (Gran Bretaña).

Las dos otras copias pertenecen a coleccionistas privados y se encuentran: una copia en la ciudad de Florencia (Italia) y la otra copia en la ciudad de Roma (Italia).


Descripción

Tiene una altura de 33 cm. Está fabricado en mármol.

Se trata de una escultura que representa el rostro de un hombre que ha pasado de los cincuenta años, está caracterizado por una gran frente calva y por ojos pequeños y saltones.

Busto Tusculum

También se aprecia como la nariz es alargada con un tabique un poco curvo, los pómulos prominentes sobre mejillas hundidas, los labios finos y la mandíbula cuadrada y fuerte.

Además la cabeza muestra algunas irregularidades congénitas craneales como el crecimiento excesivo del parietal izquierdo y la forma alargada del casquete.

Aparte destaca como el cuello delgado muestra una nuez de Adán (también conocida como manzana de Adán) pronunciada.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que es la representación de Gayo Julio César (también conocido como Cayo Julio César o Julio César) en los últimos meses de su vida o en los meses inmediatamente posteriores a su muerte. 

Debido a que se han comparado las características faciales de la escultura con las características faciales del rostro que aparecen en las monedas acuñadas en el último año de vida de Gayo Julio César y ambas presentas grandes semejanzas entre sí.

Actualmente se encuentra en el Museo de Antigüedades de Turín, Italia.

jueves, 10 de febrero de 2022

Vaso con forma de Toro

El Vaso con forma de Toro es un recipiente datado aproximadamente entre los siglos XIV a.C. y XIII a.C. (período comprendido entre los años 1.400 a.C. y 1.201 a.C.), perteneciente al arte hitita.

Vaso con forma de Toro

Los investigadores piensan que el recipiente pudo haber sido vendido en el mercado de arte de Estambul (Turquía).

En el año 1.965 d.C. pertenecía a la colección de arte privada del alemán Egon Beckenbauer.

Después en el año 1.966 d.C. fue comprado por el coleccionista de antigüedades Norbert Schimmel.

Hasta que en el año 1.989 d.C. el Vaso con forma de Toro fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 18 cm, una anchura de 12,8 cm, una longitud de 21,5 cm y un peso de 0,7 kg. Está fabricado en plata.

Se trata de un recipiente de plata para beber que presenta la parte delantera en forma de toro. El animal se encuentra arrodillado y está formado por dos piezas de plata realizadas de manera independientes y unidas por medio de un collar ranurado.

La cabeza con su cuello corto es maciza y fuerte, destaca la representación del hocico, los ojos ovalados y las cejas que originalmente podrían haber tenido incrustaciones.

Las mejillas y la mandíbula del toro están formadas por crestas en forma de pétalos, mientras que una musculatura repujada adicional decora el cuello por encima de las piernas y los hombros.

El pecho tiene una papada prominente con ondulaciones horizontales, que representan los pliegues de la piel del toro.

Para finalizar subrayar que las características de modelado y decoración se corresponde con los textos hititas donde se describen que sus dioses recibieron sus propios recipientes para beber elaborados con la forma de sus contrapartes animales.

Por lo tanto se piensa que el Vaso con forma de Toro podría haber sido una ofrenda depositada en algún templo del dios Teshub (dios del cielo y de la tormenta) cuyo animal asociado era el toro.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

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La Figura Sentada en un Banco es una escultura datada aproximadamente entre los siglos X a.C. y IV a.C. (período comprendido entre los años ...