Concha Sumeria Tallada

La Concha Sumeria Tallada es una placa datada aproximadamente entre los años 2.600 a.C. y 2.500 a.C., perteneciente al arte mesopotámico.

Concha Sumeria Tallada

Cabe destacar que tanto el año como el lugar del hallazgo es desconocido, pero los investigadores piensan que pudo haber sido encontrada en la antigua ciudad de Lagash.

Actualmente sus ruinas se conocen como Tell al-Hiba, situadas al noroeste de la unión del río Éufrates con el río Tigris, en Irak.

Lo primero que se conoce es que la placa se encontraba en la colección de arte de la "Galerie François Antonovich", localizada en la ciudad de París, en Francia.

Hasta que en el año 1.984 d.C. la Concha Sumeria Tallada fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 6 cm, una anchura de 5,3 cm y una profundidad de 3,1 cm. Está fabricada en concha, mediante las técnicas de incisión, grabado y tallado.

Se trata de una placa de concha tallada y grabada con la imagen de un toro con cabeza humana que está siendo atacado por un águila con cabeza de león sobre un fondo compuesto por vegetación.

Resalta como ambas criaturas se encuentran representadas con los cuerpos de perfil y las cabezas de frente mirando directamente al espectador.

Además el cuerpo del toro con cabeza humana es robusto y poderoso, se observa como su larga cola roza el suelo. En el rostro destacan los ojos grandes cuyas pupilas están enfatizadas mediante finas incisiones.

También llama la atención como el rostro está rodeado por una barba de largos mechones individuales, cada uno de los cuales termina en un rizo. Aparte una hilera de rizos cortos es visible en la frente, debajo de las grandes orejas y los cuernos bovinos.

El águila con cabeza de león le agarra la espalda con garras que se representan como manos humanas y le clava los dientes en el lomo del toro con cabeza humana.

Las plumas del águila se encuentran representadas mediante grandes áreas sombreadas y su cabeza de león se muestra completa y con orejas.

Cabe resaltar que se desconoce la funcionalidad original de ésta placa tallada, pero es probable que originalmente podría haber sido fijada en betún (una sustancia similar al alquitrán que es utilizada como adhesivo) a trozos de concha y piedras con la finalidad de crear una composición de un mosaico.

Para finalizar subrayar que tanto el toro con cabeza humana como el águila con cabeza de león aparecen con frecuencia en el arte mesopotámico del período dinástico temprano, dónde a menudo se muestran en combate con otros animales, ya sean reales, sobrenaturales o con figuras humanas.

Es más la figura del águila con cabeza de león se encontraba especialmente asociada con la ciudad-estado de Lagash y con su deidad principal Ningirsu (dios protector de Lagash, dios guerrero y eliminados de demonios). 

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Soporte de Recipientes con Figura de Cabra Montés

El Soporte de Recipientes con Figura de Cabra Montés es un soporte datado aproximadamente entre los años 2.600 a.C. y 2.500 a.C., perteneciente al arte mesopotámico.

Soporte de Recipientes con Figura de Cabra Montés

Cabe resaltar que el lugar y el año del hallazgo es desconocido.

Sin embargo los investigadores piensan que pudo haber sido encontrado en la antigua ciudad de Kish.

Situada a 15 km al este de la ciudad de Babilonia, localizada en la región central-sur de Mesopotamia.

También se conoce que perteneció a la colección de arte del marchante de arte neoyorquino Elias S. David.

Hasta que en el año 1.974 d.C. el Soporte de Recipientes con Figura de Cabra Montés fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Soporte de Recipientes
con Figura de Cabra Montés

Descripción

Tiene una altura de 40 cm, una anchura de 24,3 cm y una profundidad de 22,1 cm. 

Está fabricado en aleación de cobre, con incrustaciones de concha y lapislázuli.

Se trata de un soporte compuesto por cuatro aros sostenidos por la figura de una cabra montés en posición erguida. 

Los investigadores piensan que originalmente podría haber sido un soporte para lámparas o cuencos que podrían haber contenido ofrendas o incienso, habiendo utilizado durante rituales en algún templo.

Soporte de Recipientes con 
Figura de Cabra Montés

Es conocido que el soporte fue fabricado mediante un sofisticado método de trabajo en metal conocido como la técnica a la cera perdida.

Es decir, primero la figura del soporte fue esculpida en cera y rodeada con arcilla, al endurecerse la arcilla en un molde todo el soporte se horneó. 

Con el calor la cera se fundió dejando un espacio negativo que se corresponde con la imagen de la cera, luego se vertió metal fundido en la cavidad vacía dejada por la cera. 

Por lo tanto se consiguió una reproducción del modelo de cera original, seguidamente se realizaron las incrustaciones de concha y lapislázuli para representar los ojos de la figura de la cabra montés.

Para finalizar destacar que que se sabe que el soporte fue elaborado durante el período Dinástico Arcaico (también conocido como período protodinástico de Mesopotamia o período presargónico).

Además éste tipo de soportes eran utilizados en los rituales de los templos para ofrecer comida, bebida y probablemente incienso a los dioses.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Sarcófago de Wennefer

El Sarcófago de Wennefer es un sarcófago datado aproximadamente entre los años 380 a.C. y 332 a.C., perteneciente al arte persa.

Sarcófago de Wennefer

Los investigadores piensan que pudo haber sido encontrado durante las excavaciones arqueológicas realizadas para el gobierno egipcio.

Por el egiptólogo y arqueólogo francés Françoise Auguste Ferdinand Mariette.

En el interior de la Tumba de Wennefer, localizada en la ciudad de Menfis, situada al sur del delta del río Nilo (Egipto).

Para después ser en el año 1.910 d.C. la tumba redescubierta por el egiptólogo británico James Edward Quibell.

En el año 1.911 d.C. el Sarcófago de Wennefer fue comprado a las autoridades egipcias por el Museo Metropolitano de Arte del Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Sarcófago de Wennefer

Descripción

La caja presenta una altura de 113 cm, una anchura de 150 cm y una longitud de 258 cm.

Mientras que la tapa tiene una altura de 49 cm, una anchura de 151 cm y una longitud de 258 cm.

Está fabricado en granito o granodiorita (roca ígnea con una textura similar al granito), mediante las técnicas de incisión y tallado.

Sarcófago de Wennefer

Se trata de un sarcófago con forma trapezoidal compuesto por una caja y una tapa decoradas mediante inscripciones y grabados.

La parte superior de la tapa se encuentra ornamentado con el "Ba" (como es conocido la parte de una persona que vivía después de la muerte del cuerpo, también denominado "alma") de Wennefer.

Sarcófago de Wennefer

Se puede observar como está representado con un aspecto de su ser intangible en forma de ave con cabeza humana, que volaría desde la tumba para unirse con "Ka" (fuerza vital) en su vida futura.

Además hay diversas inscripciones con textos compuestos por hechizos del "Libro de los Muertos" que estaban destinados a garantizar la transformación exitosa de Wennefer en un espíritu.

En la parte inferior de la tapa hay una representación de la diosa Nut (diosa del cielo) con sus extremidades extendidas con la finalidad de proteger a la momia que una vez se encontraba dentro de la caja del sarcófago.

La parte exterior de la caja se encuentra decorada con textos e imágenes que ilustran el peligroso viaje nocturno realizado por el dios sol a través del inframundo.

Para finalizar subrayar que el Sarcófago de Wennefer se encuentra englobado dentro de los grandes sarcófagos trapezoides característicos del período tardío de Egipto y del segundo Imperio Persa.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Ataúd de Khnumnakht

El Ataúd de Khnumnakht es un ataúd datado aproximadamente entre los años 1.850 a.C. y 1.750 a.C., perteneciente al arte egipcio.

Ataúd de Khnumnakht

Fue hallado durante las excavaciones arqueológicas realizadas entre los años 1.910 d.C. y 1.915 d.C. por el arqueólogo y coleccionista de antigüedades Sayyid Khashaba.

En el pueblo de Mair (también conocido como Meir), situado en la gobernación de Asiut, localizado en la orilla occidental del río Nilo, en Egipto.

En el año 1.915 d.C. el Ataúd de Khnumnakht fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 68 cm, una anchura de 51,8 cm y una longitud de 207,5 cm. Está fabricado en madera policromada.

Se trata de un ataúd de madera con forma rectangular compuesto por una tapa y una caja con la parte exterior totalmente decorada mediante figuras e inscripciones en escritura jeroglífica.

Aparte en la parte inferior exterior de la base de la caja hay un total de ocho pequeños apoyos rectangulares que sirven para apoyar y levantar el ataúd del suelo.

Ataúd de Khnumnakht

Llama la atención como en el lado izquierdo de la caja del ataúd hay representada una fachada arquitectónica con una pequeña puerta en el centro de la parte inferior.

Cabe destacar que para los antiguos egipcios ésta puerta es el equivalente a la puerta falsa que permitía que el espíritu del difunto se moviera entre la tierra de los muertos y la tierra de los vivos. 

La puerta se encuentra pintada para parecerse a dos hojas de puerta de madera aseguradas con dos pernos, también se observa como sobre la puerta hay dos ojos que miran hacia la tierra de los vivos.

Ataúd de Khnumnakht

En uno de los paneles hay representada la figura de una diosa con los brazos extendidos hacia arriba y ataviada con una túnica blanca ceñida al cuerpo.

El resto de los laterales se encuentran inscritos con invocaciones y recitaciones de varias edades primordiales, en particular aquellas asociadas con la muerte y el renacimiento.

Como son el dios Osiris (el principal dios de los muertos, dios funerario y juez de las almas) y el dios Anubis (dios del embalsamiento, guardián de las tumbas y dios de vida).

Con respecto a la composición destaca que como tanto la escritura jeroglífica como las figuras representadas han sido dibujadas a mano por el autor, además de que cada jeroglífico ha sido pintado en la forma prescrita para el momento y el lugar en el que se fabricó el ataúd.

Para finalizar subrayar que el exterior brillantemente pintado del Ataúd de Khnumnakht, un individuo desconocido excepto por su nombre, muestra la multiplicidad de textos y paneles decorativos característicos de la decoración de ataúdes durante el Imperio Medio Tardío del Antiguo Egipto.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Venus de Itálica

La Venus de Itálica es una escultura datada aproximadamente entre los años 117 d.C. y 138 d.C., perteneciente al arte romano.

Venus de Itálica

Fue hallada en el año 1.940 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas por el arqueólogo e historiador de arte español Antonio García y Bellido.

En el Cerro de San Antonio del municipio de Santiponce, situado en la provincia de Sevilla, localizada en la comunidad autónoma de Andalucía, en España.

Se conoce que poco después de su descubrimiento pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Arqueológico de Sevilla, ubicado en plaza de América en la ciudad de Sevilla (España).

Descripción

Tiene una altura de 211 cm, una anchura de 70 cm y una profundidad de 56 cm. Está fabricado en mármol blanco, mediante las técnicas de alisado, incisión y tallado.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la figura de una mujer joven, desnuda en posición de pie y en actitud de cubrirse con un manto.

En la mano izquierda lleva una hoja de colacasia, extendida a lo largo de su brazo izquierdo, y a sus pies hay representado la figura de un delfín. Además se puede observar como sobre los hombros hay representados varios mechones de cabello.

Venus de Itálica

Está representada en posición frontal, con la pierna izquierda ligeramente adelantada, sobre la que se apoya el cuerpo y la pierna derecha ligeramente exonerada.

Aunque en la actualidad no conserva la cabeza, la fractura del cuello indica que originalmente la cabeza podría haber estado ligeramente inclinada hacia el lado izquierdo.

Con respecto a la composición destacar que tanto las proporciones como los rasgos anatómicos se encuentran muy bien definidos. 

Aparte el manto aparece representado con un amplio vuelo de pliegues profundos y rectos y en el interior de los pliegues se han hallado restos de policromía roja.

Para finalizar subrayar que el arqueólogo e historiador de arte español Antonio García y Bellido ha identificado a la figura representada con la diosa "Afrodita Anadyomene" (diosa del amor, de la belleza y la sensualidad) emergiendo del mar, debido a su imagen desnuda, el manto movido por el viento y el delfín, puesto que todos son elementos alusivos al episodio del nacimiento de la diosa de la espuma del mar. 

Actualmente se encuentra en el Museo Arqueológico de Sevilla, en la ciudad de Sevilla (España).

Santa Catalina de Alejandría (El Greco)

Santa Catalina de Alejandría es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.610 d.C. y 1.614 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Santa Catalina de Alejandría

Fue pintada por el pintor griego Doménikos Theotokópoulos (también conocido como El Greco).

Se conoce que hasta el año 1.936 d.C. la pintura se encontraba en la colección de arte del IV marqués de Alós, Luis Ignacio de Alós y Huelín.

La pintura se estaba en el Castillo de Balsareny, situado en el municipio de Balsareny, localizado en la provincia de Barcelona, en la comunidad autónoma de Cataluña (España).

Después la pintura pasó a formar parte de varias galerías de arte hasta que fue comprada por el coleccionista y filantrópico estadounidense William Appleton Coolidge.

Estando en su propiedad hasta que en el año 1.993 d.C. Santa Catalina de Alejandría fue legada al Museo de Bellas Artes de Boston, situado en la ciudad de Boston, en el estado de Massachusetts (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene una altura de 100, 5 cm y una anchura de 63,8 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa la figura de la mártir cristiana Catalina de Alejandría, en posición erguida con una corona en la cabeza que le da dignidad y solemnidad.

Además destacar como en el rostro ovalado resaltan las cejas pobladas, los ojos que miran al espectador, la nariz recta y la boca pequeña con los labios fruncidos.

Con la mano izquierda sostiene una palma, símbolo de santidad, que aparece colocada en una rueda dentada, símbolo de su martirio. Aparte se aprecia como con su mano derecha sostiene una espada que hace referencia al arma que fue utilizada para matarla.

Se encuentra ataviada con un vestido rojo, un fino velo blanco y un manto azul celeste doblado sobre el brazo izquierdo que presenta reflejos nacarados.

Para finalizar con respecto a la composición subrayar como la pintura se encuentra pintada con pinceladas gruesas características de la obra tardía del pintor griego El Greco.

También resalta el uso de la policromía, sobretodo se puede observar como la figura de Catalina de Alejandría resalta sobre un cielo con nubes y como toda ella parece emanar un halo de luz azulado.

Actualmente se encuentra en el Museo de Bellas Artes, de la ciudad de Boston (Estados Unidos de América).

Virgen con Niño (Guillem Seguer)

La Virgen con Niño es una escultura datada aproximadamente en el siglo XIV d.C. (período comprendido entre los años 1.301 d.C. y 1.400 d.C.), perteneciente al arte medieval, en concreto al arte gótico.

Virgen con Niño

Fue esculpida por el maestro de obras y escultor español Guillem Seguer (también conocido como Guillem Seguer de Montblanc).

Virgen con Niño

Cabe resaltar que se conoce que la escultura fue esculpida en su taller del municipio de Montblanc.

Localizado en la provincia de Tarragona, situada en la comunidad autónoma de Cataluña (España).

Entre los años 1.926 d.C. y 1.941 d.C. la escultura se encontraba en posesión del banquero, coleccionista de arte y filantrópico estadounidense George Blumenthal y de su esposa Florence Meyer Blumenthal.

Hasta que en el año 1.941 d.C. fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Virgen con Niño

Descripción

Tiene una altura de 132,7 cm, una anchura de 41,6 cm y una profundidad de 32,1 cm. Está fabricada en piedra caliza, mediante las técnicas de incisión, policromado y tallado.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta policromada que representa a la Virgen María con el Niño Jesús.

Virgen con Niño

La Virgen está representada de pie, se encuentra ataviada con un vestido ceñido a la cintura por un cinturón dorado, en la zona del cuello se aprecia como se encuentra decorada con un borde dorado y dos colgantes ornamentados con el mismo patrón de flores.

También lleva un velo sujetado a la cabeza mediante una corona y un manto con numerosos pliegues que le envuelve el cuerpo y le cubre hasta la parte inferior. 

Del manto sobresalen unos zapatos en forma de punta, además el manto se encuentra decorado por un borde dorado y a la altura de los hombros (derecho e izquierdo) lleva un broche, en cada lado, con forma de flor acabada en seis pequeñas flores de lis.

En el rostro redondeado destacan los ojos almendrados, las cejas marcadas, la nariz recta, los labios finos y pequeños, los pómulos marcados y el pequeño mentón redondeado.

Virgen con Niño (detalle)

Se observa como el cabello rizado y rubio está recogido en dos mechones que sobresalen por debajo del velo y le caen sobre el pecho enmarcando el rostro.

Con la mano derecha sostiene una pequeña escultura gris (en la actualidad parcialmente rota), mientras que con el brazo y la mano izquierda sostiene al Niño Jesús que se encuentra sentado en su antebrazo izquierdo.

El Niño Jesús se encuentra ataviado con una túnica que presenta el borde del cuello y el bordes de las mangas decoradas con unas bandas doradas.

El rostro es redondeado, destacando los ojos almendrados, la nariz recta y los labios ligeramente entreabiertos.

Virgen con Niño

Con las manos sostiene un libro abierto en el que se puede leer una inscripción escrita en latín.

En la página izquierda se puede apreciar la siguiente inscripción:

"verbo (m) caro"

Mientras que en la página derecha se puede leer:

"factum est et (h) abrita vit in"

Gracias a la traducción de las dos inscripciones ha sido posible relacionarla con la siguiente cita de Juan 1:14.

"El Verbo se hizo carne y habitó entre (nosotros)"

Para finalizar subrayar que en general el estado de conservación es bueno, tan solo se pueden observar algunos desperfectos en la parte trasera de la escultura y como se ha perdido parte de la policromía dorada.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

San Juan Bautista (Leonardo da Vinci)

San Juan Bautista es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.513 d.C. y 1.516 d.C., perteneciente al arte renacentista.

San Juan Bautista

Fue pintado por el anatomista, arquitecto, artista, botánico, científico, escritor, escultor, filósofo, ingeniero, inventor, músico, paleontólogo, pintor, poeta y urbanista italiano Leonardo da Vinci (también conocido como Leonardo di ser Piero da Vinci).

En el año 1.519 d.C. la pintura se encontraba en posesión del pintor italiano Gian Giacomo Caprotti da Oreno (también conocido como Salai o Salaino).

En el año 1.542 d.C. fue comprado en la ciudad de Fontainebleau (Francia) por el rey Francisco I de Francia (también conocido como el Padre y Restaurador de las Letras, el Rey Caballero y el Rey Guerrero).

Años después fue comprada por el segundo duque de La Roche-Guyon (también conocido como "duque de Liancourt"), militar y aristócrata francés Roger du Plessis-Liancourt.

Quién en el año 1.625 d.C. regaló la pintura, con motivo del nacimiento de su cuarto hijo, al rey Carlos I de Inglaterra y de Escocia.

En el año 1.649 d.C. la pintura fue comprada por el coleccionista y banquero de origen alemán y naturalizado francés Everhard Jabach.

En el año 1.661 d.C. pasó a formar parte de la colección de arte del diplomático, cardenal y político italiano Jules Raymond Mazarin (también conocido como Cardenal Mazarino).

En el año 1.662 d.C. volvió a formar parte de las colecciones reales francesas cuando fue comprada por el rey Luis XIV de Francia (también conocido como "El Rey del Sol" o Luis el Grande).

Hasta que en el año 1.799 d.C. pasó a formar parte de la colección de arte del Museo del Louvre de la ciudad de París (Francia).

Descripción

Tiene una altura de 69 cm y una anchura de 57 cm. Está pintado al óleo sobre tabla.

Se trata de una pintura que representa el torso y el rostro de San Juan Bautista (también conocido como "El Bautista" o San Juan) sobre un fondo oscuro. Además aparece representado como vivía, un ermitaño, ataviado con una sencilla piel de animal. 

En el rostro ovalado destaca los ojos almendrados que miran directamente al espectador, la nariz recta, la sonrisa enigmática y el mentón redondeado. También se aprecia como el cabello largo y rizado le cae a ambos lados del rostro.

Con su mano izquierda sostiene un crucifijo de caña delgada o un junco, mientras que su mano derecha se encuentra extendida hacia el cielo, interpretado como un gesto que refleja la importancia de la salvación a través del bautismo.

Con respecto a la composición destacar que el barniz oscureció y alteró mucho la imagen del cuadro, aparte es difícil apreciar el especial cuidado con el que el autor matizó el paso entre las zonas claras y las zonas oscuras.

También destaca el uso de la técnica del "sfumato", la capa de pintura es tan fina que cada capa desde el blanco de la preparación hasta el último de los esmaltes superpuestos de la pintura crean un efecto vaporoso que difumina los contornos.

Para finalizar subrayar que durante las restauraciones llevadas a cabo entre los años 2.015 d.C. y 2.016 d.C. y gracias a las radiografías que se hicieron a la pintura se determinó que el dibujo apenas se encuentra esbozado y los contornos están representados con efectos de luz y sombr.

Actualmente se encuentra en el Museo Louvre de París, Francia.

Estela Funeraria con Marco Arquitectónico

La Estela Funeraria con Marco Arquitectónico es una estela datada aproximadamente entre los siglos VI d.C. y VII d.C. (período comprendido entre los años 501 d.C. y 700 d.C.), perteneciente al arte medieval, en concreto al arte bizantino.

Estela Funeraria con Marco Arquitectónico

Cabe resaltar que el año del hallazgo es desconocido, pero los investigadores piensan que pudo haber sido encontrado en la ciudad de Armant.

Localizada en la ribera occidental del río Nilo, cerca de la ciudad de Luxor, al sur de Egipto.

Lo siguiente que se conoce es que en el año 1.936 d.C. la Estela Funeraria con Marco Arquitectónico fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 52,5 cm y una anchura de 37 cm. 

Está fabricada en piedra caliza, mediante las técnicas de tallado, incisión y pintado.

Se trata de una estela funeraria tallada en relieve que presenta una ornamentación arquitectónica, la parte superior de la estela está adornada por una serie de arcos con bandas ornamentadas con patrones geométricos.

Además en el centro hay un adorno circular similar a la parte interior de una cúpula, rodeado por una banda circular y un patrón con líneas onduladas.

En la parte inferior, en el centro, hay un rectángulo con una inscripción escrita en alfabeto copto (también conocido como egipcio copto).

Una traducción aproximada de la inscripción es la siguiente:

"A la memoria de la difunta Taeiam,

quién partió de esta vida el dieciocho de Choiak (diciembre)

del séptimo acta (calendario fiscal de la ciudad)

Ella duerme en Cristo"

A ambos lados de la inscripción hay representadas dos columnas estriadas con capiteles de palmetas, debajo hay un patrón geométrico compuesto por cuadrados concéntricos, debajo de los cuales hay representado un pez.

Para finalizar subrayar que en Egipto durante el período bizantino éste tipo de estelas eran monumentos permanentes en honor a los difuntos. Aunque normalmente se encontraban incrustadas en paredes o en el piso cercano de la tumba, algunas estelas podrían formar parte de estructuras más grandes.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Sítula de Vidrio con Asas Plateadas

La Sítula de Vidrio con Asas Plateadas es un recipiente datado aproximadamente entre los siglos IV a.C. y III a.C. (período comprendido entre los años 400 a.C. y 201 a.C.), perteneciente al arte griego.

Sítula de Vidrio con Asas Plateadas

Cabe resaltar que tanto el año como el lugar del hallazgo es desconocido, si embargo los investigadores piensan que pudo haber sido encontrado en Grecia.

Lo primero que se conoce es que en el año 2.000 d.C. pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados de Unidas de América).

La Sítula de Vidrio con Asas Plateadas fue una donación benéfica del fideicomiso de Bernard y Audrey Aronson, en memoria de Bernard Aronson.

Descripción

Tiene una altura de 26,7 cm, una anchura de 20,3 cm y una profundidad de 17,1 cm. Está fabricado en vidrio.

Se trata de una sítula de color verdoso translúcido que presenta el borde evertido, angular y con el borde exterior vertical grueso.

Originalmente la Sítula de Vidrio con Asas Plateadas era utilizada para enfriar y servir vino en banquetes. Además se encuentra fabricada en vidrio casi incoloro que fue fundido, tallado y luego policromado con bandas de decoración dorada y pintada alrededor del exterior.

Un lado está ligeramente convexo que se estrecha hacia abajo, con el fondo ligeramente abovedado. También se observa como tiene dos accesorios de manija, cada uno perforado por dos orificios horizontales que se proyectan hacia afuera y hacia arriba desde el borde en los lados opuestos de la sítula.

Hay dos manijas plateadas, cada una cortada de una hoja plana en una tira arqueada semicircular, que terminan en varillas redondas en forma de "U" con remates decorativos que se giran hacia arriba a través de los orificios en los accesorios de las manijas.

Sítula de Vidrio con Asas Plateadas

Los accesorios del mango se encuentran tallados en bloques rectilíneos redondeados con un remate central hacia arriba con una superficie exterior elevada que se asemeja a una palmeta estilizada.

En la parte exterior, la decoración pintada se extiende desde la parte inferior del borde hasta la parte inferior del recipiente. 

La ornamentación está compuesta por una banda continuada de dientes de perro en color violáceo y debajo hay una delgada línea de azul claro (egipcio).

En el cuerpo hay decoración conformada por bandas horizontales irregulares de pequeños objetos en formas de yemas en tonos de rojo y rosado, con detalles delineados en marrón oscuro.

En la parte inferior hay representados pequeños objetos similares dispuestos en forma de roseta. 

Aparte hay dos franjas verticales situadas por los lados debajo de los accesorios del mango, ambas franjas están llenas de bloques con pintura roja violácea, en la que se han grabado a mano alzada las líneas de delgados zarcillos ondulados.

Los rastros dorados son visibles en las rayas y en otras partes de los lados, mientras que los mangos plateados tienen la forma de un capullo estilizado al final de cada varilla.

Para finalizar subrayar que la sítula se encontraba rota y fue reparada a partir de numerosos fragmentos pequeños, con algunas pérdidas y áreas de relleno. 

También hay algunas burbujas, muchas grietas internas por tensión, áreas de erosión blanquecina iridiscente y los mangos de plata también se encontraban rotos y fueron reparados. 

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Piedra Rúnica de Vang

La Piedra Rúnica de Vang, también conocida como Vangsteinen, es una piedra rúnica datada aproximadamente en el siglo XI d.C. (período comprendido entre los años 1.001 d.C. y 1.100 d.C.), perteneciente al arte medieval, en concreto al arte vikingo.

Piedra Rúnica de Vang

Originalmente la piedra se encontraba situada en el exterior de la antigua iglesia de madera de Vang que fue demolida debido a que era demasiado pequeña y se encontraba desactualizada.

En el año 1.849 d.C. se construyó la iglesia de Vang como remplazo de la anterior, siendo la Piedra Rúnica de Vang colocada en los terrenos situados frente a su puerta de entrada.

La iglesia se encuentra edificada en el municipio de Vang, localizado en la provincia de Oppland, en la región de Østalndet o Austlandet (Noruega).

Descripción

Tiene una altura de 2,15 m, una anchura de 1,25 m y un grosor que varía de entre 8 a 13 cm. Está fabricada en pizarra.

Se trata de una piedra rúnica con forma irregular ornamentada en una de sus caras y también presenta una inscripción escrita en alfabeto rúnico.

La parte superior se encuentra decorada con una figura estilizada de un león, además tanto la parte central como la parte inferior están ornamentadas con imágenes de bandas, solapas de hojas que conforman la forma de una cruz, roseta y un árbol estilizado.

Piedra Rúnica de Vang

Piedra Rúnica de Vang

Se puede observar como a lo largo del canto del lado izquierdo se encuentra una inscripción en alfabeto rúnico.

En concreto está inscripto en futhark joven (también conocido como runas escandinavas).

La inscripción en caracteres latinos es la siguiente:

"kosa:sunir:ristu:s(t)in:þinsi:af(t)ir:kunar:bruþur:sun"

Cuya traducción aproximada es la siguiente:

"Los hijos de Gasi erigieron esta piedra en memoria de Gunnar, (su) sobrino"

Para finalizar subrayar que las imágenes representadas en la Piedra Rúnica de Vang se encuentran englobadas dentro del estilo Ringerike caracterizado por el uso de ornamentación zoomórfica vikinga.

Actualmente se encuentra situada delante de la Iglesia de Vang, en el municipio de Vang (Noruega).

Vasija con Forma de Ciervo

La Vasija con Forma de Ciervo, también conocida como Vasija que termina con la forma de un Ciervo, es un recipiente datado aproximadamente entre los siglos XIV a.C. y XIII a.C. (período comprendido entre los años 1.400 a.C. y 1.201 a.C.), perteneciente al arte hitita.

Vasija con Forma de Ciervo

Aunque el año del hallazgo y el lugar es desconocido, los investigadores piensan que pudo haber sido encontrado cerca de la antigua ciudad de Hattusa.

La capital del Imperio Hitita (también conocido como Imperio Hatti), localizada junto al río Kizil-Irmak, en el centro de la península de Anatolia.

Se dice informalmente que la Vasija con Forma de Ciervo se encontraba en el mercado de arte en la ciudad de Estambul (Turquía).

En el año 1.965 d.C. el recipiente se encontraba en posesión del comerciante Egon Beckenbauer.

En el año 1.966 d.C. fue comprado por el coleccionista de antigüedades Norbert Schimmel.

Desde el año 1.970 d.C. hasta el año 1.989 d.C. fue cedido periódicamente al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), hasta que finalmente en el año 1.989 d.C. fue donado al museo por Norbert Schimmel.

Vasija con Forma de Ciervo

Descripción

Tiene una altura de 18 cm, una anchura de 13,5 cm, una profundidad de 18 cm y un peso de 0,3 kg. 

Está fabricada con incrustaciones de oro y láminas de plata.

Se trata de un recipiente, una vasija, de plata utilizada para beber que termina con la forma de un ciervo arrodillado.

La cabeza del ciervo se encuentra unida al cuerpo mediante un anillo o banda decorado con un diseño de tablero de ajedrez, además tanto los cuernos del ciervo como el mango del recipiente fueron realizados por separados y después unidos.

El mango se encuentra ornamentado por una banda con un friso que representa una ceremonia religiosa. Se aprecia una figura prominente (identificada como una diosa) sentada en un trono bajo, se encuentra sosteniendo un ave de rapiña en su mano izquierda, mientras que con la mano derecha sostiene una pequeña taza. También tiene una corona cónica y orejas grandes.

Vasija con Forma de Ciervo

También hay represando un quemador de incienso en forma de hongo que separa la figura de la diosa de la de un dios masculino representado de pie sobre el lomo de un ciervo. 

El dios sostiene un halcón en la mano izquierda, mientras que con la mano derecha agarra un pequeño bastón curvo.

Vasija con Forma de Ciervo

Además delante de él hay representados tres hombres de perfil, moviéndose hacia la derecha y mirando hacia las deidades. 

Cada uno de ellos sostiene una ofrenda para ofrecer a las divinidades.

Detrás de los hombres hay un árbol o una planta contra la que descansa la figura de un ciervo muerto. 

Aparte colgando del árbol hay un carcaj con flechas y un objeto que parece ser una bolsa o saco, también hay representadas dos lanzas en posición vertical que completan el friso y separan al ciervo de la figura prominente de la diosa.

Vasija con Forma de Ciervo (detalle del friso)

Para finalizar subrayar que dentro del arte hitita las escenas de culto o procesiones religiosas son representaciones comunes.

Los árboles y las plantas están asociados con rituales, las lanzas eran objetos venerados y el ciervo muerto en al caza, sugiere que junto con el carcaj y el saco pudiera haber sido una ofrenda dedicada al dios ciervo.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Cuenco Doble Inca

El Cuenco Doble Inca es un recipiente datado aproximadamente entre los siglos XV d.C. y XVI d.C. (período comprendido entre los años 1.401 d.C. y 1.600 d.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte inca. 

Cuenco Doble Inca

Cabe resaltar que el año y el lugar del hallazgo es desconocido, pero los investigadores piensan que pudo haber sido encontrado durante las excavaciones arqueológicas realizadas en Peru.

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte de la "Andre Emmerich Gallery", localizada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.965 d.C. el Cuenco Doble Inca fue comprado por el político y vicepresidente estadounidense Nelson Aldrich Rockefeller.

Hasta que en el año 1.979 d.C. el recipiente fue legado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 9,2 cm, una anchura de 13,3 cm y una perímetro de 18,1 cm. Está fabricado en cerámica.

Se trata de un recipiente, un cuenco poco profundo y ligeramente curvado que se asienta sobre tres soportes cortos. Aparte se aprecia como también lleva un cuenco más pequeño en su interior.

Dos animales de cuello largo (una llama y un pájaro) sirven como surtidores, ambos se encuentran sujetos por un lado y conectados a los tazones interior y exterior respectivamente.

El cuerpo delgado y manchado de un tercer animal, probablemente un felino, se extiende sobre parte de la parte superior del cuenco más grande, con las patas agarrando el borde.

Todo el cuenco presenta policromía negra y roja, además alrededor de la pared exterior del cuerpo del recipiente hay una banda segmentada decorada con insectos.

Para finalizar subrayar que el Cuenco Doble Inca probablemente sirvió como un recipiente ceremonial utilizado para verter libaciones como "chicha" (cerveza de maíz) en la tierra durante algún ritual para asegurar la fertilidad y el crecimiento de abundantes cultivos.

Además enfatizar que los investigadores piensan que los animales representados pueden referirse a las diversas regiones ambientales del Imperio Inca: el ave de cuello largo podría simbolizar el océano en el oeste, la llama la alta cordillera de los Andes en el centro y el felino la selva tropical en el este.

También cabe destacar que durante el Imperio Inca la producción y distribución de cerámica se encontraba controlada por el estado.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Virgen del Libro (Botticelli)

La Virgen del Libro, también conocida como Madonna del Libro, es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.480 d.C. y 1.481 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Virgen del Libro

Fue pintada por el pintor italiano Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi (también conocido como Sandro Botticelli).

Se conoce que desde el año 1.881 d.C. pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Poldi Pezzoli. 

Localizado en la ciudad de Milán, situada en la región de Lombardía, en la Italia noroccidental.

Descripción

Tiene una altura de 58 cm y una anchura de 39,5 cm. Está pintada en pintura al temple sobre tabla. 

Se trata de una pintura que representa a la Virgen María con el Niño Jesús en su regazo mientras hojea las páginas de un libro en el interior de una habitación, junto a una ventana abierta por la que se aprecia un trozo de paisaje con árboles y un cielo despejado.

Se puede observar como el libro se encuentra abierto, por lo que el contenido es parcialmente legible, en él se pueden reconocer algunos pasajes del "Libro de Isaías", pero por la forma y el diseño parece ser un "Libro de Horas" (también conocido como "Horae Beatae Mariae Virginis"), un tipo de manuscrito iluminado muy común durante la Edad Media.

El Niño Jesús, envuelto en un manto azul claro, está sentado en el regazo de su madre dirigiendo la mirada hacia la Virgen, mientras que ésta se encuentra absorta en la lectura del libro.

Tanto la Virgen como el Niño presentan la mano derecha abierta en un gesto de bendición, mientras que la mano izquierda está representada cerrada. Además se observa como el Niño Jesús sostiene con su mano izquierda tres clavos y alrededor de la muñeca izquierda hay colocada una corona de espinas.

La Virgen se encuentra ataviada con una vestido rojo cruzado con dos cintas en forma de cruz a la altura del pecho, también lleva un manto azul oscuro con el borde negro ornamentado a la altura del hombro con una estrella bordada. 

Aparte el cabello está recogido con una cinta azul claro y también tiene un velo trasparente sobre su cabeza que le cuelga por los hombros y le cae por la espalda.

En el rostro de la Virgen destacan los ojos almendrados semicerrados, la nariz recta, los labios finos y el mentón redondeado, también resalta el gesto serio, con una expresión de meditación. 

En el fondo, situado en la parte derecha de la habitación, se pueden apreciar: una caja de madera para dulces, un frutero con frutas y hojas, algunos libros y estantes.

Para finalizar con respecto a la composición resaltar la utilización de la luz, se puede observar como la luz que ilumina a las figuras representadas no procede de la ventana abierta, si no que emana de las propias figuras.

Así mismo resaltan los numerosos reflejos dorados que amplifican este efecto de luz, como el cabello de la Virgen María, los detalles dorados tejidos en la vestimenta, las hojas del frutero y en los halos (resplandor o círculo luminoso que se encuentra detrás de las cabezas del Niño Jesús y la Virgen María).

También subrayar que las formas se encuentran bien proporcionadas y calibradas, se puede apreciar en la posición curva y protectora de la Virgen María hacia su hijo, así como el entrelazamiento de gestos y miradas que unen a las dos figuras y representa una relación de afecto entre ellos.

Actualmente se encuentra en el Museo Poldi Pezzoli en la ciudad de Milán, Italia.

Estela de la Diosa Protectora Lama

La Estela de la Diosa Protectora Lama, también conocida como Estela de la Diosa Lama, es una estela datada aproximadamente entre los años 1.307 a.C. y 1.282 a.C., perteneciente al arte mesopotámico.

Estela de la Diosa Protectora Lama

En concreto fue elaborada durante la Dinastía Casita (dinastía reinante en Babilonia aproximadamente entre los años 1.550 a.C. y 1.200 a.C.). 

Cabe resaltar que tanto el año como el lugar del hallazgo son desconocidos, sin embargo los investigadores piensan que podría proceder del sur de Mesopotamia.

En el año 1.931 d.C. la estela pertenecía a la colección de arte del marchante de arte, comerciante de arte islámico y coleccionista armenio Dikran Kelekian.

Después, en el año 1.959 d.C., pasó a la colección de arte del comerciante de antigüedades Elias S. David.

Hasta que en el año 1.961 d.C. la Estela de la Diosa Protectora Lama fue regalada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 83,8 cm, una anchura de 30,5 cm y una profundidad de 20,3 cm. Está fabricada en alabastro.

Se trata de una estela tallada con la figura de una diosa de perfil, identificable por su tocado con cuernos, mirando hacia el lado izquierdo y con los brazos en alto.

Lleva el cabello recogido con un mechón sobre el hombro y su falda de cinco niveles se encuentra ornamentada con una inscripción compuesta por un total de diecisiete líneas de escritura cuneiforme.

Gracias a la inscripción se conoce que la figura representada es la diosa Lama (diosa protectora que actúa como intermediario entre el pueblo (generalmente el rey) y los dioses).

Aparte la estela se encontraba dedicada a la diosa Inanna (diosa del amor, de la vida, de la belleza y de la fertilidad) "por la vida" del rey de Babilonia Nazi-Bugash.

Además en la inscripción también hay escrita una maldición que caería sobre cualquier persona que manipulara la estela, la dañara o la moviera de su emplazamiento original.

Para finalizar subrayar que los investigadores creen que la estela formaba parte de un par de estelas que fueron erigidas en el recinto sagrado conocido como "Eanna" ("Casa del Cielo"), un lugar de culto situado en la ciudad de Uruk y que fue renovado durante la dinastía Casita. 

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Dama Col Mazzolino

La Dama Col Mazzolino, también conocida como Gentildonna Dalle Belle Mani, Dama del Ramo o Dama de Manos Hermosas, es una escultura datada aproximadamente en el año 1.475 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Dama Col Mazzolino

Fue esculpida por el pintor, escultor y orfebre italiano Andrea del Verrocchio (también conocido como Andrea di Michele di Francesco de Cioni o Verrocchio).

Lo primero que se conoce es que en el año 1.822 d.C. la Dama Col Mazzolino se encontraba en el testamento del noble italiano Francesco Ceccherini.

En el año 1.825 d.C. los herederos de Francesco Ceccherine negociaron la venta de la escultura, siendo adquirida por una familia florentina, por lo que pasó a formar parte de su colección de arte privada.

En el año 1.873 d.C. fue adquirido por el Gran Duque de Toscana, Archiduque de Austria y Príncipe Real de Hungría y Bohemia Leopoldo de Habsburgo-Lorena y Borbón Dos Sicilias (también conocido como Leopoldo II de Toscana).

Por lo que el busto pasó a formar parte de las colecciones de la Galería Uffizi, localizado en la ciudad de Florencia, situada en la región de la Toscana, en Italia.

Dama Col Mazzolino

Descripción

Tiene una altura de 60 cm. Está fabricada en mármol, mediante las técnicas de incisión y tallado.

Se trata de la escultura de bulto redondo o exenta que representa el busto prolongado (busto que representa la parte superior del cuerpo) de una mujer que sostiene con sus manos cruzadas delante del pecho un ramo de flores.

La espalda se encuentra ligeramente inclinada hacia delante, además la cabeza está ladeada ligeramente hacia el lado derecho, aparte en el rostro destacan los ojos almendrados, la nariz recta y la boca pequeña, mientras que la expresión tiene un gesto serio.

Se encuentra ataviada con una camiseta interior de lino, sobre la que lleva un vestido de mangas largas, amplio, con pliegues y con escote en forma de "V" tanto en la parte delantera como trasera.

Dama Col Mazzolino

El cabello rizado se encuentra peinado en un elaborado peinado anudado con cintas y recogido en la parte trasera de la cabeza por un pequeño sombrero en forma de mono que se asemeja a una boina acolchada.

Cabe destacar que la escultura está considerada un ejemplo emblemático del busto retrato que se desarrolló en la ciudad de Florencia en la segunda mitad del siglo XV d.C. (período comprendido entre los años 1.450 d.C. y 1.500 d.C.).

Para finalizar subrayar que aunque la identidad de la mujer representada es desconocida, algunos investigadores piensan que podría ser la esposa del político italiano Juliano de Médici, Fioretta Gorini.

Sin embargo otros investigadores consideran que la mujer representada podría ser la poetisa italiana Lucrecia Tornabuoni e incluso otros investigadores creen que la persona representada podría ser la noble italiana Lucrezia Donati.

Actualmente se encuentra en el Museo Nacional del Bargello, en la ciudad de Florencia, en Italia.

Busto de una Mujer Joven (Verrocchio)

El Busto de una Mujer Joven, también conocido como Busto de una Mujer, es una escultura datada aproximadamente entre los años 1.460 d.C. y 1.470 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Busto de una Mujer Joven

Fue esculpida por el pintor, escultor y orfebre italiano Andrea del Verrocchio (también conocido como Andrea di Michele di Francesco de Cioni o Verrocchio).

Se conoce que la escultura perteneció a la colección de arte del pintor, coleccionista de arte y crítico francés Louis Charles Timbal.

En el año 1.870 d.C. fue comprada por el coleccionista de arte francés Gustave Louis Dreyfus.

Después en el año 1.930 d.C. fue adquirida por el empresario, inversor e industrial estadounidense John Davison Rockefeller.

Hasta que en el año 1.961 d.C. pasó a formar parte de la Colección Frick, un museo de arte ubicado en la desembocadura del río Hudson, en la isla de Manhattan, al norte del puerto de Nueva York (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene una altura de 47,3 cm, una anchura de 48,7 cm y una profundidad de 23,8 cm. Está fabricada en mármol, mediante las técnicas de incisión y tallado.

Busto de una Mujer Joven

Se trata de la escultura de un busto que representa a una mujer joven con la cabeza ligeramente inclinada hacia la derecha.

En el rostro destacan los ojos almendrados, la nariz recta, los labios pequeños y carnosos, los pómulos marcados y el mentón redondeado. 

Aparte el cabello se encuentra peinado en un elaborado peinado compuesto por rizos atados con cintas y rosetones.

Está ataviada con un vestido con corpiño atado con cordones y una túnica con motivos flotares de brocado o terciopelo cortado que está abrochada con una hebilla con forma de hojas situada a la altura del pecho.

Se puede apreciar como ambas mangas se encuentran adornadas con motivos florales entre los cuales se puede observar un escudo de armas estampado.

Además resaltar que los detalles en la vestimenta, así como los ornamentados broches sugieren que la mujer representada pertenece a una clase social acomodada.

Para finalizar subrayar que aunque en las mangas se encuentra representado un escudo de armas no se ha podido identificar a la mujer representada.

Aunque los investigadores piensan que la joven puede pertenecer a una familia con un poder adquisitivo alto que habría vivido durante el siglo XV d.C. (período comprendido entre los años 1.401 d.C. y 1.500 d.C.) en la ciudad de Florencia (Italia).

Actualmente se encuentra en la Colección Frick, en Nueva York, Estados Unidos de América.

Diosa Alada

La Diosa Alada, también conocido como Amuleto de Diosa Alada, es un amuleto datado aproximadamente entre los años 1.295 a.C. y 712 a.C., perteneciente al arte egipcio.

Diosa Alada

En concreto fue fabricado al final del Imperio Nuevo o a principios del Tercer Período Intermedio del Antiguo Egipto.

Cabe resaltar que el año del hallazgo es desconocido. 

Lo único que se conoce es que se encontró durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en la ciudad de Abidos, localizada en el Alto Egipto.

También es conocido que hasta el año 1.910 d.C. perteneció a la colección de arte de la aristócrata Valerie Susan (también conocida como Lady Meux).

Después perteneció a la colección del aristócrata y mecenas de arte inglés George Edward Stanhope Molyneux Herbert (también conocido como Lord Carnarvon).

En el año 1.926 d.C. la Diosa Alada fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 11,5 cm y una anchura de 23,6 cm. Está fabricado en loza.

Se trata de un amuleto con forma de una mujer arrodilla de perfil con los brazos y las manos extendidas, aparte tiene alas protectoras extendidas.

Diosa Alada

En la cabeza lleva una peluca, se aprecia como el cabello se encuentra recogido en un mechón que descansa sobre su hombro izquierdo.

Además en la parte superior de la cabeza tiene cuernos de vaca y un disco solar entre los cuernos, ambos elementos están asociados a varias diosas.

Por lo tanto podría ser la representación de la diosa Nut (diosa madre y diosa del cielo) o también podría ser una representación de la diosas Isis (diosa madre y diosa de todos los dioses).

Para finalizar subrayar que tanto en la parte frontal como en la parte posterior se pueden apreciar varios agujeros pequeños que posiblemente se realizaron para poder coser el amuleto en las envolturas de una momia o para incorporarlo en redes de cuentas que eran colocadas encima de una momia envuelta.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Espejo de Bronce Etrusco

El Espejo de Bronce Etrusco es un espejo datado aproximadamente entre los años 350 a.C. y 300 a.C., perteneciente al arte etrusco.

Espejo de Bronce Etrusco

Fue hallado en el año 1.877 d.C. en la finca del Conde Burgiosanti de Orvieto.

Localizada en el municipio de Orvieto, situado en la provincia de Terni, en la región de Umbría (Italia).

Después de su descubrimiento pasó a formar parte de la colección de arte del Conde Burgiosanti de Orvieto.

Hasta que en el año 1.883 d.C. pasó a la colección de arte del orfebre italiano Alessandro Castellani.

En el año 1.884 d.C. el Espejo de Bronce Etrusco fue subastado en la ciudad de Roma (Italia), siendo comprado por el coleccionista y arqueólogo italiano Francesco Martinetti.

Siendo adquirido poco después por el arqueólogo e historiador de arte alemán Paul Hartwing. 

Hasta que en el año 1.909 d.C. fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), donde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene un diámetro de 16,2 cm. Está fabricado en bronce, mediante las técnicas de grabado, incisión y fundición.

Se trata de un espejo con forma circular que presenta una de sus caras ornamentada con una escena grabada en la que aparecen representados el rey de los mirmidones de Egina Peleo, la nereida Tetis y la nereida Galene.

Espejo de Bronce Etrusco

Peleo se encuentra representado de pie detrás de su futura esposa Tetis que está representada de pie arreglándose mirándose en un espejo, mientras es asistida por su hermana la nereida Galene que aparece representada sentada.

Se puede observar como entre la figura de Peleo y Tetis hay una caja de artículos de tocador grabada con la tapa entreabierta.

Dentro de la caja hay representados varios artículos del tocador, incluidos un aplicador de perfume y dos jarrones de perfume.

Todo el borde se encuentra ornamentado mediante un patrón geométrico entrelazado con detalles florales.

Además se aprecia como en la parte inferior de la composición, debajo de una banda horizontal, hay representado un animal durmiendo.

Para finalizar subrayar que debido a la buena conservación y la excelente calidad del grabado, el Espejo de Bronce Etrusco está considerado uno de los mejores ejemplos de espejo dentro del arte etrusco que han llegado hasta la actualidad.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Broche de Caja Redonda Vikingo

El Broche de Caja Redonda Vikingo es un recipiente datado aproximadamente entre los años 1.000 d.C. y 1.100 d.C., perteneciente al arte medieval, en concreto al arte vikingo.

Broche de Caja Redonda Vikingo

Cabe resaltar que el año del hallazgo es desconocido.

Pero los investigadores piensan que pudo haber sido encontrado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en la isla de Gotland.

Localizada en la provincia de Gotland, ubicada en el mar Báltico, al este de la península Escandinava, en Suecia.

Se conoce que se encontraba en una colección privada de arte hasta que en el año 1.980 d.C. el Broche de Caja Redonda Vikingo fue vendido en la casa de subastas "Christie, Manson & Woods", localizada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

Siendo comprado por los distribuidores y especialistas en obras de arte, esculturas, cerámica, vidrio y plata europeos "Rainer Zietz Ltd".

Hasta que en el año 1.982 d.C. fue adquirido por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Broche de Caja Redonda Vikingo

Descripción

Tiene una altura de 6 cm y una anchura de 2,5 cm. 

Está fabricado en aleación de cobre y láminas de plata, mediante las técnicas de fundición e incisión.

Se trata de un broche de caja con forma circular que era utilizado como contenedor para guardar objetos pequeños.

Está ornamentado con pequeños animales mitológicos representados de manera estilizada que se entrelazan con patrones geométricos entrelazados situados en la parte superior y en los laterales. También se observa como en la base hay situados unos pequeños soportes.

Para finalizar subrayar que originalmente los investigadores piensan que las mujeres vikingas de la isla escandinava de Gotland utilizaban los broches de caja como recipientes para guardar los broches utilizados para asegurar sus chales o túnicas a la altura de la clavícula.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.