Dracma de Bahram IV

El Dracma de Bahram IV es una moneda datada aproximadamente entre los años 99 d.C. y 388 d.C., perteneciente al arte persa, en concreto al arte sasánida.

Dracma de Bahram IV

Dracma de Bahram IV

Lo primero que se conoce que perteneció a la colección de arte del coleccionista Joseph H. Durkee.

Hasta que en el año 1.898 d.C. el Dracma de Bahram IV fue adquirido por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene un grosor 0,15 cm y un diámetro de 2,45 cm. Está fabricada en plata.

Se trata de un dracma, es decir, una moneda de plata utilizada como moneda de referencia por la dinastía sasánida.

En el anverso se encuentra representado el busto del rey sasánida Bahram IV que reino desde el año 388 d.C. hasta el año 399 d.C. por un período de 11 años.

Se puede apreciar como el rey está representado llevando en la cabeza una corona con diadema, también aparecen representados: un par de alas, una sola almena, un globo terráqueo y dos columnas. 

Mientras que en el reverso el rey aparece representado tanto a la derecha como a la izquierda, en posición de pie, de un altar de fuego en llamas colocado en el centro.

Con respecto a la composición destacar que las autoridades centrales reales controlaban todas las casas de moneda sasánidas y el gobernante se encuentra representado en las monedas con su corona individual representativa.

Para finalizar subrayar que en la actualidad se conocen dracmas de treinta y dos gobernantes sasánidas, hecho muy importante porque aparte de que los dracmas tenían su importancia para la historia económica, los retratos de los dracmas reales permiten la identificación de representaciones de reyes sasánidas en otros medios como: relieves de estuco y roca y relieves realizados en placas de plata.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Vasija con Seis Frisos

La Vasija con Seis Frisos es una vasija datada aproximadamente entre los siglos X a.C. y VIII a.C. (período comprendido entre los años 1.000 a.C. y 701 a.C.), perteneciente al arte marlik.

Vasija con Seis Frisos

Lo primero que se conoce es que la vasija fue hallada en el noroeste de Irán.

También se conoce que la vasija se encontraba en posesión del fundador de una de las galerías de arte antiguo más antiguas de Estados Unidos, Edward Safani.

Hasta que en el año 1.964 d.C. la Vasija con Seis Frisos fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene una altura de 33,2 cm, una anchura de 21,3 cm y un diámetro de 21,3 cm. 

Está fabricada en bronce (aleación de cobre y estaño).

Se trata de una vasija que ha sido fabricada martillando dos láminas de bronce unidas en el medio mediante remaches de bronce y presenta la superficie exterior del cuerpo decorado con un total de seis frisos de animales.  

En el cuerpo aparecen  seis registros de pájaros, árboles y animales con cuernos representados corriendo, todos ellos fueron martillados desde la superficie de la vasija con la técnica del repujado.

Además el cuerpo está decorado con líneas grabadas que han sido creadas por una herramienta desafilada que fue golpeada y empujaba el metal hacia ambos lados.

Con respecto al estado de conservación destacar que la parte inferior del cuerpo y el pie se encuentran destruidos, aparte se puede apreciar como la superficie de la vasija tiene una capa de color verde debido a la exposición de la vasija al aire y la humedad.

Para finalizar subrayar que la decoración de la Vasija con Seis Frisos presenta una similitud con la cerámica de estilo de la cabra salvaje (estilo regional de la cerámica griega que se caracterizaba por tener decoraciones de cabras salvajes) del este de Grecia, lo que sugiere que los alfareros griegos se encontraban familiarizados con éste tipo de vasija del Cercano Oriente.

Aparte destacar también que la decoración cincelada y repujada tiene paralelismos con las placas de marfil de la antigua ciudad de Hasanlu, en la actualidad localizada en el yacimiento arqueológico de Teppe Hasanlu o Hasanlu Tepe, en el noroeste de Irán.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Brazalete de Marfil Edo

El Brazalete de Marfil Edo es un brazalete datado aproximadamente en el siglo XVIII d.C. (período comprendido entre los años 1.701 d.C. y 1.800 d.C.), perteneciente al arte africano.

Brazalete de Marfil Edo

Brazalete de Marfil Edo

Fue fabricado en la ciudad de Benín, en el estado de Edo (un estado interior de Nigeria).

En el año 1.922 d.C. el Brazalete de Marfil Edo fue vendido por la casa de subastar "Glendining & Co,Ltd.".

Siendo comprado por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Brazalete de Marfil Edo

Brazalete de Marfil Edo

Brazalete de Marfil Edo

Descripción 

Tiene una altura de 13 cm, una anchura de 9,50 cm y una profundidad de 7,50 cm. 

Está fabricado en marfil de elefante y latón, mediante las técnicas de incisión, incrustación y tallado.

Se trata de un brazalete de marfil tallado, con forma cilíndrica que presenta ornamentaciones realizadas mediante incrustaciones de latón.

La parte exterior está tallada con decoración que incluyen espadas ceremoniales (conocidas como "eben") alternadas con rostros abstractos. Además se puede observar como los bordes se encuentran esculpidos en un patrón trenzado.

También se aprecia como dentro del borde trenzado hay dos filas de nudos diminutos que parecen sujetar cada asa "eben" a la trenza. Aparte un segundo nivel de "eben" se encuentra unido al primero y el tercer nivel descansa sobre filas similares de nudos y trenzas situadas alrededor del otro borde del marfil.

Cabezas portuguesas con sombreros bulbos con estampados se comprimen para llenar los espacios entre las múltiples imágenes y hay incrustados pequeños discos de bronce de marfil para formar sus ojos.

Con respecto a la composición las cabezas orientan el diseño para que parezca que las espadas "eben" en la superficie están todas suspendidas hacia abajo. Cabe resaltar que ésta posición indicó un reconocimiento de la influencia ancestral en los asuntos de la ciudad de Benin.

La superficie de marfil de cada "eben" se han enriquecido mediante incrustaciones de metal. Cabe destacar que debido a que las incrustaciones de metal eran inusuales en éste tipo de brazaletes, los investigadores consideran que el brazalete pudo haber sido tallado para recibir las incrustaciones que serían importadas.

Para finalizar subrayar que originalmente el Brazalete de Marfil Edo podría haber sido parte de la indumentaria de un Oba siendo utilizado para cubrirle la muñeca.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Menhir de Outeiro

El Menhir de Outeiro, también conocido como Menhir do Outerio o Menhir en el Sitio do Penedo, es un monumento megalítico datado aproximadamente entre los años 6.000 a.C. y 4.000 a.C., perteneciente al arte prehistórico.

Menhir de Outeiro

En concreto los investigadores piensan que puede ser datado a finales del período Neolítico.

Fue hallado en el año 1.969 d.C. por el profesor y arqueólogo portugués Henrique Leonor Pina y por el profesor y arqueólogo portugués José Pires Conçalves.

También cabe destacar que fue por su iniciativa que en el año 1.970 d.C. el Menhir de Outeiro fue levantado nuevamente.

Fue descubierto a medio camino de las localidades de Outerio y Barrada, situadas en el municipio de Reguengos de Monsaraz, localizado en el distrito de Évora, en la región de Alentejo (Portugal).

Resaltar que actualmente ésta localización se encuentra ubicada a pocos kilómetros de la frontera portuguesa-española.

Menhir de Outeiro

Descripción

Tiene una altura de 5,6 metros, un diámetro promedio de 1 metro y un peso de alrededor de 8 toneladas.

Se trata de un menhir de granito, es decir, un monumento megalítico consistente en una piedra alargada que se encuentra colocada de forma vertical y que presenta la parte inferior enterrada en el suelo.

Se puede observar como en la parte superior presenta una cavidad de 30 cm de diámetro, cabe resaltar que los investigadores creen que ésta cavidad presenta una uretra, lo que da pie a entender que el megalito simboliza un falo.

Además destacar que se encuentra considerado uno de los mejores ejemplos de menhir fálico encontrado en la Península Ibérica y es el segundo menhir más grande encontrado en Portugal.

Para finalizar subrayar que en el año 1.971 d.C. el Menhir de Outeiro fue clasificado como Monumento Nacional Portugués.

Actualmente se encuentra en su ubicación original entre las localidades de Outerio y Barrada, en Portugal.

Alegoría de la Prudencia

La Alegoría de la Prudencia es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.550 d.C. y 1.565 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Alegoría de la Prudencia

Fue pintada por el pintor italiano Tiziano Vecellio di Gregorio (también conocido como Tiziano).

Se conoce que se encontraba en la colección de arte del cuarto Conde de Aberdeen y político británico George Hamilton-Gordon.

Posteriormente perteneció al banquero, cónsul, coleccionista de arte y filántropo británico Alfred Charles Freiherr de Rothschild.

Después la pintura perteneció a la colección de arte del marchante de arte David Maurits Koetser y su esposa Betty Koetser.

Hasta que en el año 1.996 d.C. la Alegoría de la Prudencia fue adquirida por la National Gallery de Londres, Gran Bretaña.

Descripción

Tiene una altura de 75,5 cm y una anchura de 68,4 cm. Está pintada al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura en la que aparecen representadas tres cabezas masculinas en diferentes etapas de la vida que se encuentran emparejadas con tres cabezas de animales.

A la derecha se encuentra representadla la cabeza de un anciano barbudo llevando una gorra roja y emparejado con la cabeza de un lobo.

Situado en el medio hay representado un hombre de mediana edad con el cabello y la barba oscuros que está emparejado con la cabeza de un león.

Mientras que situada al lado izquierdo se encuentra representada la cabeza de un hombre joven emparejada con la cabeza de un perro.

Además sobre ellos hay inscrita una inscripción en latín, destaca como la inscripción se encuentra dividida con el fin de corresponder a las tres cabezas.

La inscripción es la siguiente:

"EX PRAETE

RITO

PRAESENS PRVDEN

TER AGIT 

NI FVTVRA

ACTIONE DE

 TVRPET"

Siendo la traducción aproximada de la inscripción la siguiente:

"Aprendiendo de ayer, hoy actúa con prudencia para que su acción no estropee el mañana"

Con respecto a la composición destacar que las imágenes de rayos "X" y la reflectografía infrarroja revelaron que la composición fue pintada sobre una figura diferente.

Alegoría de la Prudencia

Aparentemente una figura con un cuello ancho, vista desde atrás y mirando hacia la izquierda.

Además se realizaron alteraciones en la cabeza del anciano durante su ejecución. Se observa como la ejecución de las cabezas tienen un acabado y calidad diferente, siendo la cabeza central la más sutil y vibrante.

Aparte resaltar que la pintura se encuentra iluminada desde el lado derecho, lo que sugiere que originalmente la pintura pudo haber estado pintada para un lugar específico o incluso quizás estuviera destinada a ser vista desde lejos.

Para finalizar subrayar que el significado y el propósito de ésta pintura han sido objeto de numerosos debates.

Algunos investigadores sugieren que la pintura puede tener una naturaleza autobiográfica, puesto que representaría a Tiziano (izquierda), su hijo Orazio (centro) y su sobrino Marco Vecellio (derecha). Sin embargo aunque las tres cabezas coinciden bastante bien con las edades relativas de los tres miembros de la familia de Tiziano no se parecen especialmente a ellos.

Otros investigadores consideran que la pintura podría ser una representación de las tres edades del hombre: juventud, madurez y vejez. 

Es más consideran que los animales también tienen un significado simbólico: el perro representaría el aprendizaje ocurrido durante la juventud, el león significaría la fuerza y el poder de la madurez y el lobo representaría la soledad de la vejez.

Actualmente se encuentra en la National Gallery de Londres, Gran Bretaña.

Serpiente de Cascabel Enroscada

La Serpiente de Cascabel Enroscada es una escultura datada aproximadamente entre los años 1.325 d.C. y 1.521 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte azteca o arte mexica.

Serpiente de Cascabel Enroscada

Serpiente de Cascabel Enroscada

Serpiente de Cascabel Enroscada

Serpiente de Cascabel Enroscada

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección del coleccionista de antigüedades mexicanas, el británico John Wetherall.

Hasta que en el año 1.849 d.C. la Serpiente de Cascabel Enroscada fue comprada por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 36 cm y un diámetro de 53 cm. Está fabricada en granito, mediante las técnicas de incisión y tallado.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la figura de una serpiente de cascabel (también conocida como crotalus horridus o cascabel de los bosques) enroscada.

Serpiente de Cascabel Enroscada

Resalta como los detalles anatómicos clave, incluidos la representación de los colmillos y la lengua bifurcada se encuentran representados con precisión.

Además se puede observar como la cola presenta un total de trece segmentos.

Con respecto a la composición destacar que se han hallado rastros de pintura roja, por lo que originalmente la escultura podría haber estado totalmente policromada y la pintura podría haber representado la especie específica de serpiente de cascabel.

Para finalizar subrayar que los investigadores consideran que la representación realista y la precisión de muchos detalles anatómicos de la escultura sugieren que los artistas aztecas observaron de cerca el ciclo de vida y los hábitos del reptil.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Tondo Taddei

El Tondo Taddei es una escultura datada aproximadamente entre los años 1.504 d.C. y 1.505 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Tondo Taddei

Fue esculpido por el arquitecto, escultor, pintor y poeta italiano Michelangelo Buonarroti (también conocido como Miguel Ángel).

Se conoce que en el año 1.822 d.C. el Tondo Taddei fue comprado por el ex miembro del parlamento británico, mecenas y pintor aficionado inglés Sir George Howland Beaumont.

En el año 1.829 d.C. el tondo fue legado a la Real Academia de Artes, ubicada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

Descripción 

Tiene un diámetro de 109 cm y una profundidad de tallado que va desde los 7,5 cm a los 22 cm.

Está fabricado en mármol, mediante las técnicas de incisión y tallado.

Se trata de un tondo (composición pictórica en forma de disco) que tiene en su anverso un relieve esculpido dónde aparecen representados la Virgen María, el Niño Jesús y San Juan Bautista.

A la derecha de la composición se encuentra representado San Juan Bautista como un niño de pie que sostiene un pájaro en sus manos que ofrece al Niño Jesús. 

Además se puede observar como lleva una cinta cruzada sobre su pecho de la que cuelga su cuenco bautismal, cabe resalar que a menudo en la historia del arte el cuenco es identificado como el atributo de San Juan Bautista. 

Tondo Taddei

A la izquierda se encuentra representada la Virgen María en posición sedente, mirando hacia el lado derecho y ataviada con una túnica de manga larga con amplios pliegues.

El Niño Jesús aparece representado tendido sobre el regazo de su madre, girando la cabeza y mirando por encima de su hombro derecho hacia San Juan Bautista.

Con respecto a la composición destacar que el Tondo Taddei ha sido elaborado solo con un cincel de punta y garra aplicando fuerza y energía, puesto que la combinación de ambas ayuda a crear una sensación de "unidad superficial."

También se puede apreciar como la figura del Niño Jesús se encuentra representada en un relieve muy acabado, mientras que la Virgen María y San Juan Bautista presentan un relieve menos profundo y están acabados en un menor grado. 

El fondo se encuentra toscamente ejecutado, haciendo que estas variaciones en la texturas ayuden a establecer el estado relativo de las tres figuras al tiempo que crean una sensación de profundidad compositiva al no encontrarse la obra "terminada" de la manera más convencional.

Para finalizar subrayar que el Tondo Taddei es única escultura de mármol que ha sido esculpida por Miguel Ángel que se encuentra en la actualidad en una colección de arte de Gran Bretaña.

Actualmente se encuentra en la Real Academia de Artes (Royal Academy of Arts) de Londres, Gran Bretaña.

Anillo de Coventry

El Anillo de Coventry es un anillo datado aproximadamente en el siglo XV d.C. (período comprendido entre los años 1.401 d.C. y 1.500 d.C.), perteneciente al arte medieval, en concreto al arte gótico.

Anillo de Coventry

Anillo de Coventry

Lo primero que se conoce es que se encontraba en la colección de arte del anticuario inglés Augustus Wollaston Franks.

Hasta que en el año 1.897 d.C. el Anillo de Coventry fue legado al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Anillo de Coventry

Anillo de Coventry

Descripción

Está fabricado en oro.

Tiene un diámetro de 27,20 mm, una profundidad de 16,50 mm y un peso de 16,50 g. 

Se trata de un anillo con el aro grueso y ancho que tiene representado en su superficie exterior la figura de Cristo de pie en la tumba con la Cruz y los Instrumentos de la Pasión detrás de él.

También se puede observar como las Cinco Llagas de Cristo están grabadas a intervalos alrededor del aro, cada una situada entre un jeroglífico de las heridas.

Anillo de Coventry

La más grande ("el pozo de la vida eterna") está representada al lado de Cristo y las otras en pares una encima de la otra, siendo todas ellas representadas en letra negra.

Cabe resaltar que los jeroglíficos de las llagas simbolizan lo siguiente:

"El pozo de la piedad", "El pozo de la misericordia", "el pozo del consuelo", "el pozo de la gracia" y "el pozo de la vida eterna".

Además se puede apreciar como en la parte interior del aro se encuentra grabada la siguiente inscripción:

"Wulnera quinq dei sunt medicina mei pia

crux et passio Cri sunt medicina michi jaspar

melchior baltasar ananyzapta tetragrammaton"

Cuya traducción aproximada es la siguiente:

Las cinco llagas de Dios son mi medicina, 

la santa cruz y la pasión de Cristo son mi medicina,

Melchior Balthazar ananyapata tetragrammaton.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que las inscripciones originalmente se encontraban esmaltadas en negro, mientras que las heridas y las gotas de sangre originalmente se podrían haber encontrado esmaltadas en rojo.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Ánfora de Exequias

El Ánfora de Exequias, también conocida como Ánfora de Exekias, es un ánfora datada aproximadamente entre los años 540 a.C. y 530 a.C., perteneciente al arte griego.

Ánfora de Exequias

Fue fabricada por el pintor y ceramista griego Exequias (también llamado Exekias). 

Cabe resaltar que el año del hallazgo es desconocido, pero se conoce que fue encontrada durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en la ciudad de Vulci.

Localizada en la provincia de Viterbo, situada en la región de la Toscana meridional y en parte de la región del Lacio septentrional, en Italia central.

Se encontraba en la colección de arte del diplomático y coleccionista de arte francés Edmé Antoine Durand.

Hasta que en el año 1.836 d.C. el Ánfora de Exequias fue comprada por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña).

Descripción

Tiene una altura de 41 cm, una anchura de 29 cm y un diámetro en la boca del ánfora de 18 cm. Esta fabricada en cerámica.

Se trata de un ánfora panzuda con el labio recto, las asas cilíndricas y el pie redondeado, también se aprecia como se encuentra ornamentada con dos escenas representadas en el cuerpo del ánfora.

Ánfora de Exequias

En una de las escenas aparece representado el héroe griego Aquiles matando a la reina amazona Pentesilea (también conocida como Penthesilea).

Aquiles está representado de pie como un hombre barbudo, con largas trenzas y completamente armado.

Lleva un casco de cresta alta y un quitón corto a rayas, además está representado golpeando en una rodilla a la reina amazona mientras le calva una lanza en la garganta.

Pentesilea está ataviada con un casco de cresta alta decorado con una serpiente en relieve, un quitón corto sobre el cual hay una piel de leopardo, una espada y un escudo.

Se observa como Pentesilea está mirando a Aquiles, mientras empuja la lanza y un chorro de sangre brota de la herida de la garganta.

Delante de Aquiles se encuentra inscrito la siguiente inscripción en griego: "Αχιλ<λ>ευ<ς>", mientras que frente a Pentesilea aparece inscrita la siguiente inscripción griega: "Πενθεσιλεα".

Aparte a la derecha aparece inscrito: "Ονετοριδες καλος" y a la derecha se puede leer: "Εχσεκιας εποιεσε".

Ánfora de Exequias (detalle)

En la otra escena aparece representado Enopión (rey de Quíos e hijo de Dionisio y Ariadna) y el dios Dionisio (dios del vino, de la fertilidad, de la diversión y el teatro).

Dionisio aparece representado de pie mirando hacia el lado derecho, barbudo, con el cabello recogido y coronado con una hiedra.

Está ataviado con un quitón largo blanco y un himatión bordado. Con la mano izquierda sostiene ramas de vid, mientras que con la derecha le da un cántaro (vasija utilizada para beber) a su hijo Enopión.

En en lado izquierdo aparece representado Enopión en posición de pie, desnudo, con el cabello recogido con una corona de mirto y sosteniendo con su mano derecha una enócoe (jarra de vino).

Delante del dios se encuentra inscrita la siguiente inscripción escrita en griego: "Διονυσος", mientras que arriba de Enopión está inscrito: "Οινοπιον" y detrás de él aparece inscrita la siguiente inscripción en griego: "Εχσεκιας εποιεσε".

Se puede apreciar como debajo de cada mango se encuentran representados dos patrones de espirales y tanto en el cuello como en la parte inferior del cuerpo se encuentran ornamentados por unas bandas decoradas con patrones compuestos por figuras geométricas y vegetales.

Para finalizar subrayar que para la fabricación del Ánfora de Exequias se ha utilizado la técnica de figuras negras consistente en que la ornamentación se encuentra pintada sobre un fondo rojo.

Además destacar que ésta técnica fue utilizada en la antigua Grecia sobretodo entre los siglos VII a.C. y V a.C. (período comprendido entre los años 700 a.C. y 401 a.C.).

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Vasija con Pico

La Vasija con Pico es un recipiente datado aproximadamente entre los siglos XIII d.C. y XV d.C. (período comprendido entre los años 1.201 d.C. y 1.500 d.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte huasteca.

Vasija con Pico

Aunque el año del hallazgo es desconocido, se conoce que fue encontrada durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en la región Huasteca.

Localizada al norte del estado de Veracruz, en el sur del estado de Tamaulipas y en partes de los estados de San Luis Potosí e Hidalgo, todos situados en México.

En la década de 1.960 d.C. la Vasija con Pico fue adquirida por los coleccionistas de arte Albert J. Grant y Monique Grant.

Hasta que en el año 2.014 d.C. fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Vasija con Pico

Descripción

Tiene una altura de 19,1 cm y una anchura de 16 cm. 

Está fabricada en cerámica policromada.

Se trata de un reciente, una vasija, con forma de cabeza humana en la que destacan la representación de los ojos muy abiertos y fijos, una nariz pequeña y respingona y la boca cerrada.

Además se aprecia como en el labio inferior utiliza un tapón labial. También hay un mango que se extiende desde la frente hasta la parte posterior de la cabeza.

En el lado derecho detrás de la oreja se proyecta un solo pico que apunta hacia arriba. Aparte se observa como a los lados de la cara y en la parte posterior de la cabeza la superficie pintada de color crema se encuentra ornamentada con motivos geométricos que incluyen: puntos, círculos, rombos y cruces en colores marrón oscuro y púrpura.

Para finalizar subrayar que la pintura huasteca generalmente se conoce a través de los detalles que han llegado hasta la actualidad de la cerámica (ollas y vasijas) que muestran diseños sintéticos, abstractos delineados en negro o rojo sobre el barro, normalmente realizados sobre un fondo de color crema.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Botella Globular de Vidrio

La Botella Globular de Vidrio es una botella datada aproximadamente entre los siglos I d.C. y II d.C. (período comprendido entre los años 1 d.C. y 200 d.C.), perteneciente al arte romano.

Botella Globular de Vidrio

Cabe destacar que algunos investigadores piensan que pudo haber sido encontrada en la isla de Melos, localizada en el archipiélago de las Cicladas, en el mar Egeo (Grecia).

Lo siguiente que se conoce es que se encontraba en la colección de arte del banquero, empresario y coleccionista de arte estadounidense John Pierpont Morgan.

Hasta que en el año 1.917 d.C. la Botella Globular de Vidrio fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene una altura de 18 cm. Está fabricado en vidrio.

Se trata de una botella de vidrio verde azulado translúcida que presenta un borde con collar doblado hacia afuera, hacia abajo, redondo y hacia arriba.

El labio se encuentra levemente elevado hacia la boca y el cuello alto cilíndrico se expande hacia abajo, hacia el cuerpo.

El cuerpo tiene forma globular con una base con borde redondeado y un fondo cóncavo. Además se aprecia como una costura de molde continua alrededor del cuerpo y en la parte inferior se extiende hasta la base del cuello formando una línea elevada en la parte inferior.

El cuerpo se encuentra ornamentado mediante relieves a juego en las dos caras: hay representado un rosetón central de doce pétalos dentro de dos círculos concéntricos.

También se observan seis medialunas a modo de pelta (escudo pequeño) con remates enroscados y triángulos centrales que junto con resaltes están flanqueados por un línea vertical, siendo la mas baja de las medias lunas de cada lado las que se encuentran parcialmente oscurecidas por la base.

Para finalizar con respecto al estado de conservación destacar que ha sido reparada en mitad del cuello, la base se encuentra agrietada y astillada en un lado, también tiene algunas burbujas alargadas en el cuello y un lado está embotado en el exterior.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Anillo con Bisel Rectangular

El Anillo con Bisel Rectangular es un anillo datado aproximadamente entre los siglos VI d.C. y VII d.C. (período comprendido entre los años 501 d.C. y 700 d.C.), perteneciente al arte medieval.

Anillo con Bisel Rectangular

En concreto se encuentra englobado dentro del arte prerrománico y dentro de éste pertenece al arte merovingio.

Se conoce que el anillo fue encontrado en el año 1.852 d.C. de manera accidental en el lecho de un río ubicado en la población de Mulsanne.

Localizada en la región de Países de Loire, situada en el departamento de Sarthe.

En el distrito de Le Mans y cantón de Écommoy, al noroeste de Francia.

Perteneció a la colección de arte del escritor francés Eugène Hucher.

Después pasó a la colección de arte del coleccionista de arte, bibliófilo y bibliógrafo francés Jérome Pichon.

Posteriormente el Anillo con Bisel Rectangular fue comprado por el coleccionista francés Edouard Guilhou, siendo después adquirido por el anticuario y coleccionista de arte inglés George Fabian Lawrence.

Siendo en noviembre del año 1.937 d.C. cuando el anillo fue comprado por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Anillo con Bisel Rectangular

Descripción

Tiene un diámetro de 2,50 cm. 

Está fabricado en oro y niel, mediante las técnicas de incrustación, fundación, nielado e incisión.

Se trata de un anillo con un bisel rectangular, siendo el aro de sección triangular y la banda en forma de rombo que presenta un campo elevado situado en la parte posterior.

Anillo con Bisel Rectangular

El aro está ornamentado con un diseño estilizado que representa un par de cabezas de pájaros perfiladas y unidas.

Cabe resaltar que el diseño es interpretado como una máscara animal o un motivo foliado dentro de un marco nielado.

También se puede apreciar como en el bisel se encuentran representadas dos figuras de pie enfrentadas, la figura de un guerrero y la figura de una mujer.

Para finalizar subrayar que el borde superior e inferior del bisel hay una inscripción realizada mediante incrustaciones elaboradas mediante la técnica ornamental de nielado.

Siendo la inscripción la siguiente:

"DROMACI / VSBETTA"

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Antinous Mondragone

El Antinous Mondragone, también conocido como Antínoo Mondragone o Cabeza Mondragone, es una escultura datada aproximadamente entre los años 130 d.C. y 138 d.C., perteneciente al arte romano.

Antinous Mondragone

Fue hallada durante las excavaciones arqueológicas realizadas entre los años 1.713 d.C. y 1.729 d.C. en la ciudad de Frascati.

Localizada en la provincia de Roma, situada en la región del Lacio, en el centro de Italia.

Después de su descubrimiento se conoce que pasó a formar parte de la "colección Borghese" y fue expuesta en la Villa Mondragone, ubicada en la localidad de Monte Porzio Catone, en la provincia de Roma (Italia).

En el año 1.807 d.C. la escultura fue adquirida por el Emperador de los franceses, Copríncipe de Andorra, militar y estadista francés Napoleón I Bonaparte.

Poco después de su compra Antinous Mondragone fue expuesto en el Museo del Louvre de París (Francia), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Antinous Mondragone

Descripción

Tiene una altura de 95 cm y una anchura de 37 cm. Está fabricada en mármol blanco, mediante las técnicas de incisión y tallado.

Se trata de parte de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la cabeza del joven Antínoo.

Es conocido que Antínoo nació en la ciudad de Bitinio-Claudiópolis, situada en la región de Bitinia (una región situada al noroeste de Asia Menor y al suroeste del mar Negro), durante su adolescencia se encontró con el emperador romano Adriano (también conocido como Publio Elio Adriano).

También se conoce que acompaño al emperador en todos sus viajes, siendo su favorito y amante hasta su muerte en el año 130 d.C. ocurrida por ahogamiento en el río Nilo, a su paso cercano a la ciudad de Besa, en Egipto.

Antinous Mondragone

Cabe resaltar que después de su muerte fue deificado o divinizado y su culto fue establecido sobretodo en las provincias orientales del Imperio Romano.

En el rostro ovalado destacan las cejas estriadas, la nariz recta, los labios carnosos y el mentón redondeado.

También destaca como los ojos almendrados originalmente podrían haber tenido incrustaciones de piedras preciosas, bronce o marfil.

Además se observa como la cabeza se encuentra representada ligeramente inclinada hacia abajo y mirando hacia el lado derecho.

Antinous Mondragone

El cabello ondulado y largo está recogido en un peinado con una raya en el centro que le enmarca el rostro y le deja algunos mechones sueltos laterales que le caen hasta los hombros.

Aparte se aprecia como en el cabello lleva un tipo de guirnalda, posiblemente una especie de tainai (orquídeas), decorada con diferentes incrustaciones que en la actualidad se encuentran perdidas, puesto que tanto solo se han conservado los agujeros.

Con respecto a la composición destaca sobretodo como la piel ha sido muy trabajada y el resultado es una piel tersa. 

Para finalizar subrayar que los investigadores consideran que el Antinous Mondragone originalmente formaba parte de un acrolito (una estatua cuyo torso era de madera y las extremidades (cabeza, manos y pies) de mármol), siendo una escultura de culto utilizada para el culto a Antínoo como dios.

Actualmente se encuentra en el Museo Louvre de París, Francia.

Sello de Bronce Hitita

El Sello de Bronce Hitita es un sello datado aproximadamente entre los años 2.000 a.C. y 1.500 a.C., perteneciente al arte hitita.

Sello de Bronce Hitita

Sello de Bronce Hitita

Fue hallado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en el yacimiento arqueológico de Alacahöyük (también conocido como Alaca Höyük).

Situado en el distrito de Alaca, localizado en la provincia de Çorum, ubicada en el norte de Turquía.

Se conoce que perteneció al comerciante de arte y antigüedades iraní Saeed Motamed (también conocido como Sayed Motamed).

Hasta que en el año 1.972 d.C. el Sello de Bronce Hitita fue donado al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 35,80 mm, una anchura de 28,12 mm, una longitud de 30,91 mm y un peso de 47 g. Está fabricado en bronce.

Se trata de un sello de bronce con la base con forma ovalada y los lados inclinados hacia arriba, además se observa como los lados se inclinan hacia el mango de bucle en forma de barril.

También tiene un orificio perforado trasversalmente a través del mango, éste orificio fue originalmente utilizada para la suspensión del sello.

Aparte se puede apreciar como en la base hay un boceto profundamente grabado de diseño geométrico de impresión "compartimentada" a la derecha de la base.

Con respecto a la funcionalidad se considera que el Sello de Bronce Hitita fue utilizado tanto para firmar documentos como para marcar propiedades.

Para finalizar con respecto al estado de conservación subrayar que en general la base está en buenas condiciones, pero el mango se encuentra un poco desgastado y astillado.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Vasija con Forma de Buitre

La Vasija con Forma de Buitre es una vasija datada aproximadamente entre los años 1.200 d.C. y 1.521 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte azteca o arte mexica.

Vasija con Forma de Buitre

Vasija con Forma de Buitre

Se conoce que perteneció a la colección de arte de Carol R. Meyer.

Estando la colección ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.981 d.C. la Vasija con Forma de Buitre fue regalada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 21,3 cm, una anchura de 21 cm y un diámetro de 23,2 cm. Está fabricada en cerámica policromada.

Se trata de una vasija trípode en forma de efigie de animal, en concreto tiene forma de un buitre rey (también conocido por el nombre de Sarcoramphus Papa), estando el cuerpo de la vasija sostenido por las patas y la cola del ave.

Cabe destacar que los investigadores creen que originalmente en la base de su pico podría haber estado representa una protuberancia carnosa característica del buitre rey que en la actualidad está perdida.

Además la representación del ave incluye tres aspecto humanos significativos: de sus salientes "orejas" cuelgan adornos colgantes, mientras que sus garras se muestran como manos con pulgares prominentes y su cabeza está adornada con un abanico de papel plisado que a menudo aparece representado en los tocados de las figuras de las deidades aztecas.

Vasija con Forma de Buitre

Con respecto a la composición destacar que la superficie lisa y brillante de color rojo oscuro y negro crea un contraste con la textura áspera y mate de la cabeza y las patas del ave.

Así mismo se aprecia como los contornos de la vasija se encuentran bien equilibrados, puesto que las líneas de las alas inclinadas hacen eco de los ángulos de las patas y el pecho abultado del ave está perfectamente centrado entre sus patas.

Para finalizar subrayar que dentro de la sociedad azteca las aves generalmente simbolizaban el reino celestial y estaban asociadas con el sol, la luna y el planeta Venus.

Aunque también las aves fueron consideradas mensajeras entre el mundo de los vivos y la esfera sobrenatural. Aparte aunque los buitres rey se alimentan principalmente de carroña ocasionalmente matan para comer y por lo tanto están conectados con el sacrificio humano en el pensamiento azteca.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Tablero de Changgi

El Tablero de Changgi, también conocido como 장기판 將棋板 o Tablero de Janggi, es un juego datado aproximadamente entre los siglos XIX d.C. y XX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 2.000 d.C.), perteneciente al arte coreano.

Tablero de Changgi

Se conoce que perteneció a la colección de arte de la coleccionista coreana Yi Dooyoung.

Hasta que en el año 1.991 d.C. el Tablero de Changgi fue comprado por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 14,5 cm, una longitud de 45 cm y una anchura de 53,20 cm. 

Está fabricado en madera y textil.

Se trata de un changgi, janggi o ajedrez coreano, es decir, un juego de mesa estratégico tradicional que representa simbólicamente una batalla entre los estados chinos de Han (漢) y Chu (楚).

El tablero se encuentra fabricado con varios bloques de madera unidos entre sí para formar cuatro patas, aparte está cubierto con tres placas de madera fijadas con dos clavos de madera en cada lado, la parte superior está formada por líneas: 10 líneas de largo y 9 líneas de ancho.

Tablero de Changgi

También hay un total de treinta y dos piezas o fichas con forma de octágonos planos de distintos tamaños que presentan en la parte superior un carácter en escritura hanja (sinogramas en idioma coreano).

Cada jugador tiene un total de dieciséis piezas que representan a: un general, oficiales (también conocidos como consejeros o guardias del rey), elefante, caballo (también llamado como caballero), torres (también denominadas carros), cañones y peones.

Además cabe destacar que cuatro de las piezas (un oficial y tres peones) están sin etiquetar puesto que las piezas originales en la actualidad se han perdido.

Aparte cabe resaltar que las piezas son guardas en una pequeña bolsa que ha sido tejida con hilo de cañamo.

Para finalizar subrayar que se conoce que el juego de Janggi proviene del juego chaturanga (un juego originario de India).

Asimismo como dato curioso destacar que las partidas de janggi pueden ser partidas cortas, aunque las partidas profesionales pueden durar más de 100 jugadas lo que lo convierte en un juego lento.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Broche de Cruz Merovingio

El Broche de Cruz Merovingio es un broche datado aproximadamente entre los siglos VI d.C. y VII d.C. (período comprendido entre los años 501 d.C. y 700 d.C.), perteneciente al arte medieval.

Broche de Cruz Merovingio

En concreto se encuentra englobado dentro del arte prerrománico y dentro de éste pertenece al arte merovingio.

Se conoce que perteneció al anticuario inglés Augustus Wollaston Franks.

Hasta que en el año 1.897 d.C. el Broche de Cruz Merovingio fue legado al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene un diámetro de 3,10 cm. 

Está fabricado en oro y granate, mediante las técnicas de filigrana, incrustación y granulación.

Se trata de un broche con forma de cruz que ha sido elaborado con una placa base de aleación de bronce, con una carcasa superior de chapa de oro con decoración compuesta por filigrana, granulación e incrustación y un borde exterior de alambre rebordeado en espiral.

Presenta los cuatro brazos iguales y de un mismo tamaño, en su centro de la cruz hay una pequeña protuberancia ornamentada con distintas bandas con diseños de filigrana.

La banda exterior presenta un borde formado por pequeñas bolas granuladas colocadas una al lado de la otra, mientras que en el centro hay representadas pequeñas bolas doradas. Además la superficie de la protuberancia presenta decoración en filigrana con diseños geométricos.

También se aprecia como situada en el centro de la protuberancia originalmente habría una incrustación de una piedra preciosa, en la actualidad perdida.

El anverso de los brazos de la cruz también se encuentran ornamentados con diseños de filigrana con detalles geométricos y en los extremos hay incrustaciones de granate.

Para finalizar con respecto al estado de conservación subrayar que en general el estado de conservación es bueno, tan sólo algunas incrustaciones se han perdido y algunos adornos de filigrana y granulado no han llegado hasta la actualidad.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Silla de Montar Tibetana

La Silla de Montar Tibetana, también conocida como 清 馬鞍一套, es una silla de montar datada aproximadamente entre los siglos XVII d.C. y XVIII d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.800 d.C.), perteneciente al arte chino.

Silla de Montar Tibetana

Silla de Montar Tibetana

Se conoce que el 16 de septiembre del año 1.998 d.C. la Silla de Montar Tibetana fue vendida por la casa de subastas Sotheby's de Nueva York (Estados Unidos de América).

Siendo vendida en el lote 191 y comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Silla de Montar Tibetana

Descripción

Tiene una altura de 34,9 cm, una anchura de 36,8 cm y una longitud de 70,4 cm.

Está fabricada en hierro, oro, plata, madera, coral, marfil, seda, estaño, pigmentos y cuero.

Se trata de una silla de montar elaborada a partir de un arzón de madera (parte delantera o trasera de la silla de montar) recubierto por una funda para el asiento fabricada en seda bordada y sujeta al arzón mediante finas cuerdas o cordones dorados.

Las placas de la silla están fabricadas de hierro relativamente grueso, profundamente cinceladas y perforadas, aparte se encuentran ornamentadas con motivos en forma de volutas estrechas.

También resaltar que las placas se encuentran finamente rayadas, damasquinadas y recubiertas con una gruesa capa de lámina de oro.

Silla de Montar Tibetana

Por otro lado se observa como el centro del pomo está decorado con cuentas de coral y marfil.

Mientras que el canto tiene una representación de los símbolos budistas populares conocidos como las "Tres Joyas" (que representan a Dharma (enseñanzas budistas), Sangha (la comunidad de creyentes) y Buda).

Cabe resaltar que la Silla de Montar Tibetana está considerada uno de los mejores ejemplares de silla de montar que han llegado hasta la actualidad debido a la altísima calidad de su fabricación y de que todavía tiene la mayoría de sus piezas originales.

Con respecto a la composición destacar que la forma de las placas de la silla, el estado de la mano de obra y el tipo de sillín indica que su procedencia es china, posiblemente fue fabricada en los talleres imperiales.

Aunque enfatizar debido a la inscripción situada en la parte inferior de la silla de montar con la letra tibetana "ka" indica que la silla pudo haber pertenecido a un noble tibetano con un rango social elevado y posiblemente la silla podría haber sido un regalo directamente de parte de la corte imperial china. 

Para finalizar subrayar que la Silla de Montar Tibetana debido a la calidad y al estilo de fabricación es extremadamente similar a algunas de las mejores sillas de montar chinas imperiales.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Anillo de Oro Merovingio

El Anillo de Oro Merovingio es un anillo datado aproximadamente entre los siglos VI d.C. y VII d.C. (período comprendido entre los años 501 d.C. y 700 d.C.), perteneciente al arte medieval.

Anillo de Oro Merovingio

En concreto se encuentra englobado dentro del arte prerrománico y dentro de éste pertenece al arte merovingio.

Anillo de Oro Merovingio

Fue hallado en el año 1.867 d.C. en la instalación de la bodega de hielo (también conocida con el nombre de nevera artificial) Schumacher, localizada la ciudad de Andernach.

Situada en el distrito de Mayen-Coblenza, ubicada en el estado federado de Renania-Palatinado, en la parte oeste de Alemania.

Se conoce que el 28 de mayo del año 1.877 d.C. el anillo fue comprado por el comerciante alemán Hugo Garthe, después en el año 1.890 d.C. pasó a pertenecer a la colección del coleccionista de arte alemán Tauchnitz.

Posteriormente el Anillo de Oro Merovingio se encontró en la colección del anticuario inglés Augustus Wollaston Franks.

Anillo de Oro Merovingio

Hasta que en el año 1.897 d.C. el anillo fue legado al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene un diámetro total de 0.72 mm y un peso de 100 g. Está fabricado en oro.

Se trata de un anillo de oro que presenta una inscripción en la parte superior del bisel.

El bisel plano con forma redondeada se encuentra ornamentado mediante un borde de alambre compuesto por cuentas doradas colocadas una al lado de la otra formando una cadena. 

Anillo de Oro Merovingio

También se aprecia como en el anverso de la parte superior del bisel tiene grabado un monograma formado por la siguiente palabra escrita en latín:

"REGINAE"

Además se observa como en el lugar donde se juntan el bisel y el aro hay situadas tres pequeñas bolas (en cada lateral).

Mientras que en el reverso del bisel el aro se encuentra terminado en volutas planas en forma de corazón.

Para finalizar subrayar que que los investigadores piensan que originalmente el Anillo de Oro Merovingio pudo haber sido utilizado por una persona con un poder adquisitivo alto dentro de la sociedad merovingia siendo considerado un símbolo de poder y estatus social.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.