Madona de Casa Tempi

Madonna de Casa Tempi es una pintura datada en el año 1.508 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Madona de Casa Tempi

Fue pintada por el arquitecto y pintor italiano Raffaello Sanzio (también conocido como Rafael de Urbino o Rafael).

Se conoce que la pintura fue adquirida por la familia Tempi, una familia noble florentina, históricamente conocida por su prestigio y su importante legado artístico en la ciudad de Florencia (Italia) y sus alrededores.

Perteneció a la colección de arte de la familia Tempi hasta que en el año 1.829 d.C. fue comprada por un precio de 16.000 escudos romanos por el rey de Baviera Luis I de Baviera (también conocido como Luis I o Luis Carlos Augusto).

En el año 1.836 d.C. la pintura pasó a formar parte de la colección arte del reciente fundado museo Alte Pinakothnek de Múnich (Alemania), considerado el gran museo de "pintura antigua" de la capital bávara.

Descripción

Tiene una altura de 75 cm y una anchura de 51 cm. Está pintada al óleo sobre tabla o panel ligeramente curvo de madera de álamo.

Se trata de una pintura que representa la figura del Niño Jesús y la Virgen María sobre un fondo paisajístico compuesto por un horizonte bajo y el cielo azul verdoso que resalta los tonos de piel de las figuras.

Se puede apreciar como la masa oscura y marrón en la parte inferior separa al grupo del paisaje de fondo, que aparece a ambos lados del manto de la Virgen.

Aparte se puede observar como colinas y torres, apenas esbozados, emergen tenuemente entre un cielo azul y una masa de agua azul.

La Virgen María se encuentra representada de medio cuerpo (enmarcada de cintura para arriba), alzando y sosteniendo al Niño Jesús en brazos, ambos sin aureola e inclinado ligeramente la cabeza hacia él, apoyando sus rostros mejilla con mejilla.

Llama la atención como la boca entreabierta de la Virgen acentúa una tierna sonrisa, mientras el Niño Jesús confiado se apoya en sus brazos para girar la cabeza y mirar al espectador.

Asimismo resalta como la Virgen tiene los párpados entrecerrados y su mirada está fija en su hijo, se encuentra ataviada con una túnica de mangas largas roja holgadas que deja entrever la manga de otra túnica interior dorada más ajustada al cuerpo.

Además lleva un manto azulado con pliegues que le cubre y envuelve el cuerpo y parte de la cabeza, donde también lleva un fino velo semitrasparente que permite apreciar su cabello largo y rubio.

Con respecto a la composición llama la atención como las dos figuras se encuentran impregnadas de una única sensación de movimiento, ligeramente en espiral, desde los amplios pliegues del manto en la parte inferior hasta el abrazo y los tiernos gestos de los rostros, tan íntimos y familiares.

También destaca el equilibrio entre el ideal de perfección artística y la naturalidad de las figuras, realizado mediante la utilización de una pincelada más libre y fluida, especialmente en el velo semitransparente de la Virgen María.

Es más el gesto de afecto íntimo entre madre e hijo de presionar mejilla contra mejilla es conocido en la tradición iconográfica como Eleúsa (Virgen de la Ternura).

La ternura e intimidad entre madre e hijo transforma la pintura, pasando de ser una representación de una escena íntima a una idealización del amor maternal.

Igualmente enfatizar que la pintura Madona de Casa Tempi está considerada una de las representaciones más bellas de la Virgen María de principios del siglo XVI d.C. (período comprendido ente los años 1.501 d.C. y 1.530 d.C.).

Para finalizar como curiosidad destacar que se conoce que el rey de Baviera Luis I de Baviera (también conocido como Luis I o Luis Carlos Augusto), necesitó un largo proceso de adquisición. 

Según se cuenta su deseo por la pintura se remonta al año 1.809 d.C. (unos 20 años antes de su adquisición), desde entonces numerosas cartas llegaron a Italia con la intención de adquirirla.

Las dificultades resultantes, e incluso a veces la desesperanza de los agentes del rey (en ese entonces príncipe), no hicieron sino intensificar su deseo por la pintura.

Escribió cartas personales al Gran Duque de Baden para que extendiera la pensión de su agente, el grabador Metzger, y así retenerlo en la ciudad de Florencia (Italia).

Incluso no dudó ni siquiera en ofrecer sobornos, y finalmente aumentó su oferta de 6.000 a 16.000 escudos romanos.

Hasta que la compra se completó el 9 de febrero del año 1.829 d.C. y el rey conservó la pintura en su colección de arte hasta el año 1.835 d.C., colocándola en la Capilla de Santa Cecilia de la residencia real.

Es más pese a que desde el año 1.836 d.C. pasó a formar parte de la colección de arte de la Alte Pinakothnek de Múnich (Alemania) siguió siendo propiedad privada de la realeza.

Actualmente se encuentra en la Alte Pinakothnek de Múnich, Alemania.

Perla de Modena

La Perla de Modena, también conocida como Retrato Femenino, es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.518 d.C. y 1.520 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Perla de Modena

Perla de Modena

Fue pintado por el pintor y arquitecto italiano Raffaello Sanzio (también conocido como Rafael de Urbino o Rafael).

Se conoce que la pintura fue un encargo del Conde de Canossa, perteneciente a una antigua noble familia italiana descendiente de la duquesa y margravina (rango nobiliario) italiana Matilde de Canosa (también conocida como la Gran Condesa o Matilde de Toscana).

En el año 1.663 d.C. se encontraba en los sótanos del Palacio Ducal de Este, propiedad de la familia noble italiana, soberanos del Ducado de Ferrara y del Ducado de Módena, la Casa de Este.

En el año 1.894 d.C. la Perla de Modena fue trasladada a la Galería Estense, ubicada en la ciudad de Módena, localizada en la provincia de Módena, situada en la región Emilia-Romaña, en Italia.

Perla de Modena

Descripción

Tiene una altura de 35 cm y una anchura de 30 cm. 

Se trata de una pintura que representa el busto de la Virgen María sobre un fondo oscuro que destaca su figura.

Tiene la cabeza representada ligeramente ladeada hacia el lado derecho, con la mirada dirigida a su hombro derecho descubierto.

En el rostro redondeado destacan las cejas finas, los ojos almendrados entrecerrados, la nariz recta, los labios carnosos, el mentón redondeado y los pómulos marcados mediante un leve rosado.

También se puede observar como el cabello largo y castaño está peinado hacia atrás en un elaborado peinado, sujetado por una fina cinta y un velo semitransparente que le cubre la parte posterior de la cabeza.

Además está ataviada por una túnica en tonos morados-plateados con numerosos pliegues y escote en forma de barco que le deja los hombros al descubierto. Aparte lleva un manto en tonos verdes-dorados que le cubre.

Para finalizar subrayar que expertos italianos han identificado la pintura como un fragmento de una composición original de Rafael, una primera versión de la Sagrada Familia (también conocida como La Perla), que el artista habría pintado entre los años 1.518 d.C. y 1.520 d.C. (año de su muerte), lo que atestigua la actividad tardía del pintor en la ciudad de Roma (Italia).

Es más se piensa que tras la muerte prematura del maestro, que probablemente sólo puedo realizar el boceto, podría haber sido uno de sus discípulos quién completó la obra que, sin embargo, fue atribuida al pintor y arquitecto italiano Raffaello Sanzio (también conocido como Rafael de Urbino o Rafael).

Actualmente se encuentra en la Galeria Estense de Módena, Italia.

Retrato de Isabel Gonzaga

El Retrato de Isabel Gonzaga es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.504 d.C. y 1.505 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Retrato de Isabel Gonzaga

Fue pintado por el arquitecto y pintor italiano Rafael Sanzio (también conocido como Rafael de Urbino, Raffaello Sanzio o Rafael).

Lo primero que se conoce es que la pintura se encontraba en las colecciones del duque de Urbino.

Fue traída en el año 1.625 d.C. a la ciudad de Florencia (Italia), con la dote de Vittoria della Rovere (quinta gran duquesa consorte de Toscana y esposa del quinto duque de Toscana Fernando II de Médici).

Por lo que en el año 1.625 d.C. el Retrato de Isabel Gonzaga pasó a formar parte de las colecciones de los Uffizi.

El 14 de agosto del año 1.773 d.C. se conoce que la pintura fue trasladada del Palacio Pitii (también denominado Palazzo Pitti) al Palacio Vecchio (también conocido como Palacio Viejo), ambos edificados en la ciudad de Florencia (Italia).

Hasta que en el año 1.890 d.C. el Retrato de Isabel Gonzaga pasó a formar parte de la colección de la Galería Uffizi, localizada en la ciudad de Florencia, situada en la región de la Toscana, en Italia.

¿Quién fue Isabel Gonzaga?

Isabel Gonzaga, también conocida como Elisabetta Gonzaga, fue una noble italiana perteneciente a la Casa Gonzaga (familia noble italiana que desde el año 1.326 d.C. hasta el año 1.708 d.C. gobernó la ciudad-estado y después ducado de Mantua).

Se casó el 11 de febrero del año 1.488 d.C. con el condottiero italiano y tercer duque de Urbino Guidobaldo de Montefeltro, pasando a ser duquesa consorte de Urbino.

Descripción

Tiene una altura de 52,5 cm y una anchura de 37,3 cm. Está pintado al óleo sobre tabla.

Se trata de un retrato en el que aparece representada, en una pose frontal, el busto de la Isabel Gonzaga. En el rostro ovalado destacan las cejas finas, los pequeños ojos almendrados, la nariz recta, los labios pequeños y carnosos y el mentón un poco pronunciado.

El cabello largo se encuentra semirecogido por detrás en una larga trenza que le cae por la espalda y le enmarca el rostro. Aparte lleva una ferronnière, es decir, una pequeña diadema que le rodea la frente y está ornamentada con una pequeña joya con forma de escorpión.

También lleva alrededor del cuello un largo collar compuesto por varias cadenas que están sueltas en los lados y anudadas en la cadena del centro.

Se encuentra ataviada con un vestido negro de mangas largas, con el escote cuadrado decorado con un borde claro con bordados dorados. Se observa como el vestido está decorado con adornos compuestos por un elegante patrón de mosaico de rayas horizontales y verticales alternadas.

Con respecto a la composición destaca el fondo compuesto por un paisaje de un valle en el que destaca un desfiladero rocoso situado en el lado derecho, aparte las tonalidades azules y amarillas del cielo junto con las tonalidades verdes del valle hacen que la figura de la duquesa sobresalga. 

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que la pintura fue pintada por Rafael Sanzio para Isabel Gonzaga que era su mecenas y se caracterizaba por ser una mujer de inquietudes literarias y artísticas.

Cabe resaltar que en el reverso de la tabla se puede leer la siguiente inscripción escrita en latín: "Isabella Mantovana, moglie del duca Guidobaldo", cuya traducción es la siguiente: "Isabella Mantovana, esposa del duque Guidobaldo". Además enfatizar que se conoce que la duquesa solía firmar en obras de su posesión como Isabella.

Actualmente se encuentra en la Gallería Uffizi, Italia.

Las Gracias

Las Gracias es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.504 d.C. y 1.505 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Las Gracias 

Fue pintada por el pintor y arquitecto italiano Raffaello Sanzio (también conocido como Rafael de Urbino o Rafael).

Cabe resaltar que se conoce que la pintura fue una obra de encargo.

Sin embargo algunos investigadores piensan que pudo ser un encargo del duque de Urbino y Sora y condottiero italiano Francesco María I della Rovere.

Pero otros consideran que el encargo pudo haber sido de parte del aristócrata italiano Scipione di Tommaso Borghese.

En el año 1.650 d.C. la pintura se encontraba en la colección Borghese, localizada en la ciudad de Roma (Italia).

Además en el año 1.693 d.C. aparece en el inventario de los bienes del cardenal, arzobispo católico y coleccionista de arte italiano Scipione Caffarelli-Borghese.

En el año 1.800 d.C. la pintura fue comprada por el químico, geólogo y político francés Henri Reboul, quién en el año 1.803 d.C. llevó la pintura a Francia.

Luego fue transportada a Gran Bretaña dónde pasó a formar parte de varias colecciones privadas, hasta que en el año 1.885 d.C. Las Gracias fue comprada por el príncipe francés de la Casa de Orleans y Duque de Aumale Henri Eugène Philippe Louis d'Orléans (también conocido como Enrique de Orleans).

Siendo la pintura expuesta en el Museo Condé de Chantilly, ubicado en el interior del Castillo de Chantilly, localizado en la comuna de Chantilly, situada en el departamento de Oise, en la región de Picardía (Francia).

Descripción

Tiene una altura de 17,8 cm y una anchura de 17,6 cm. Está pintada al óleo sobre tabla.

Se trata de una pintura que representa a las Cárites, también conocidas como Las Tres Gracias, (las diosas del encanto, la belleza, la creatividad humana, la fertilidad y la naturaleza).

Sus nombres son: Aglaya ("Belleza"), Eufrósine ("Júbilo") y Talia ("Abundancia"), además formaban parte del séquito de la diosa Afrodita (diosa del amor, la belleza y la sensualidad).

Las tres diosas se encuentran representadas de pie, agrupadas en el centro, desnudas, también se puede observar como cada una sostiene con su mano una manzana de oro símbolo de la inmortalidad y sus brazos se encuentran enlazados entre sí.

La diosa situada a la derecha se encuentra representada de frente con la cabeza ligeramente inclinada hacia la derecha, el cabello largo se encuentra recogido y lleva un fino velo semitransparente que le cubre el pubis pero deja entrever su cuerpo desnudo.

La diosa que se encuentra situada en el medio aparece representada de espaldas, volviendo la cabeza hacia la izquierda por lo que se aprecia su cara de perfil. El cabello se encuentra recogido en un elaborado peinado adornado con una banda con cuentas rojas que le cae por la nuca.

Mientras que la diosa situada a la izquierda tiene la cabeza ligeramente inclinada hacia la izquierda, el cabello se encuentra peinado con una banda de cuentas y lleva un colgante con cuentas rojas del que pende una cuenta verde con forma de lágrima.

Con respecto a la composición destacar su simplicidad y aparente espontaneidad, en la realidad representada mediante un uso delicado de equilibrio de líneas y planos, dónde las figuras de las diosas se destacan sobre el fondo compuesto por un paisaje accidentado en tonos terrosos y azules. 

Para finalizar subrayar que la fisonomía de las tres diosas están consideradas el prototipo de belleza de la escultura clásica italiana, aparte Las Gracias está considerada una de las mejores obras del pintor y arquitecto italiano Raffaello Sanzio.

Actualmente se encuentra en el Museo Condé de Chantilly, en Francia.

Santa Catalina de Alejandría

Santa Catalina de Alejandría es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.507 d.C. y 1.509 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Santa Catalina de Alejandría

Fue pintada por el pintor y arquitecto italiano Raffaello Sanzio (también conocido como Rafael o Rafael de Urbino).

Lo primero que se conoce es que la pintura se encontraba en la ciudad de Florencia (Italia), dónde pertenecía a la colección de arte de la familia Aldobrandini.

Para después pasar a la colección de arte de la familia Borghese, por lo que la pintura fue traslada a la ciudad de Roma (Italia).

En el año 1.795 d.C. el cuadro fue comprado por el artista y coleccionista de arte inglés Alexander Day, siendo la pintura exhibida en el año 1.801 d.C. en la ciudad de Londres (Gran Bretaña). 

Posteriormente perteneció a la colección de arte del novelista inglés, político, escritor de crónicas de viaje y critico de arte inglés William Thomas Beckford.

Hasta que en el año 1.939 d.C. Santa Catalina de Alejandría fue cedida a la Galería Nacional de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 72,2 cm y una anchura de 55,7 cm. Está pintada al óleo sobre tabla.

Se trata de una pintura que representa la figura de Catalina de Alejandría (también conocida como Santa Catalina de la Rueda o "La Gran Mártir") es una santa y virgen cristiana que fue martirizada en la rueda de púas en el siglo IV d.C. (301 d.C. y 400 d.C.) por orden del emperador romano de Occidente Marco Aurelio Valerio Majencio (también conocido como Majencio).

Está representada en posición de pie sobre un paisaje de fondo, el cuerpo está representado ligeramente girado sobre sí misma, con la cabeza ladeada hacia el lado derecho y la mirada dirigida hacia el cielo.  

Se observa como la mano derecha descansa sobre su pecho, mientras que el antebrazo izquierdo reposa sobre una hueca dentada teniendo la mano izquierda apoyada sobre su muslo izquierdo. 

Aparte el peso del cuerpo descansa sobre la pierna derecha, mientras que la pierna izquierda está ligeramente flexionada hacia delante.

Está ataviada con un vestido azul con mangas verdes y largas, ceñido debajo del pecho mediante una banda negra que combina con la banda situada en el borde superior del vestido. Además lleva un manto rojo con un forro amarillo claro.

En el rostro destacan los ojos almendrados, la nariz recta, los labios carnosos y los pómulos marcados. Se aprecia como el cabello rubio se encuentra peinado hacia atrás y cubierto por un fino velo semitrasparente.

En cuanto a la composición resalta el uso del contrapposto, es decir, el cuerpo se encuentra representado en una posición armónica lo que proporciona a la composición cierta sensación de movimiento que rompe la ley de la frontalidad.

También destaca el uso de la policromía con la utilización de tonos primarios que combinan con un tipo especial de colores vidriados finamente pulverizados en varios pigmentos con el fin de acelerar el secado de las pinturas al óleo.

Además resaltar que los científicos de la Galería Nacional de Londres (Gran Bretaña) llevaron a cabo una investigación sobre un análisis de pigmentos.

Durante la investigación se realizaron numerosas imágenes microscópicas de cortes transversales, también imágenes infrarrojas y de "rallos X".

Siendo el estudio publicado en la web del "Raphael Research Project", en la que puede leer el siguiente análisis de pigmentos:

- El cielo azul está pintado de azul ultramar natural mezclado con blanco.

- Las nubes representadas de azul verdoso están pintadas con azul ultramar natural mezclado con algo de azurita.

- El halo dorado y los rayos del sol probablemente están pintados con oro metálico en polvo.

- La rueda marrón y la vestimenta de Santa Catalina de Alejandría están pintadas de amarillo plomo-estaño, blanco plomo, amarillo intenso, ocre, pardo, bermellón, negro y un poco de azurita.

- Para el follaje marrón oscuro del pequeño árbol situado al lado derecho se han utilizado ocre rojo, ocre marrón, azurita y un poco de amarillo plomo-estaño.

- Para el paisaje verde se utilizó amarillo plomo-estaño, blanco plomo, amarillo intenso, ocre, pardo, bermellón, negro y un poco de azurita.

Para finalizar como curiosidad destacar que la imagen de Santa Catalina de Alejandría ha sido utilizada parcialmente para la portada de "Mellon Collie and the Infinite Sadness", el tercer álbum de estudio de la banda de rock alternativo estadounidense "The Smashing Pumpkins".

Actualmente se encuentra en el Galería Nacional de Londres, en Gran Bretaña.

La Muta

La Muta, también conocida como Retrato de una Dama o Retrato de una Mujer Joven, es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.507 d.C. y 1.508 d.C., perteneciente al arte renacentista.

La Muta

Fue pintada por el pintor y arquitecto italiano Raffaello Sanzio (también conocido como Rafael o Rafael de Urbino).

Lo primero que se conoce es que en el año 1.666 d.C. se encontraba incluida en el inventario de la herencia del cardenal italiano Carlos Fernando de Médici.

En el año 1.773 d.C. La Muta fue adquirida por la Galleria degli Uffizi, un museo estatal de la ciudad de Florencia (Italia), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Hasta que en el año 1.927 d.C. La Muta fue cedida a la Galleria Nazionale delle Marche, localizada en el municipio de Urbino, situado en la provincia de Pesaro y Urbino, en la región de Marcas (Italia)

Cabe destacar que la pintura fue robada el 6 de febrero del año 1.975 d.C., siendo recuperada por el "Arma dei Carabinieri" (organismo de seguridad del Estado italiano) el 23 de marzo del año 1.976 d.C. en la ciudad de Locarno, localizada en la comuna del cantón de Tesino, en Suiza.

Una vez recuperada la obra fue devuelta a la Galleria Nazionale delle Marche, en la ciudad de Urbino (Italia), dónde volvió a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 64 cm y una anchura de 48 cm. Está pintada al óleo sobre tabla.

Se trata de un retrato que representa a una mujer noble en posición tres cuartos girada ligeramente hacia la derecha y sobre un fondo oscuro uniforme.

Está representada a medio cuerpo con las manos cruzadas sobre su regazo y apoyadas en el borde inferior, en el rostro destacan los ojos almendrados con la mirada hacia el espectador, la nariz recta y los labios finos.

La espalda está representada ligeramente encorvada hacia delante, aparte el cabello se encuentra peinado hacia atrás y sujeto en la parte superior por una banda o cinta. 

Se encuentra ataviada con un vestido verde ornamentado con bandas de terciopelo rojo, las mangas están abrochadas con cintas rojas que dejan al descubierto el vuelo de la enagua, lleva una camisa de lino con bordados negros y un delantal de lona blanca atado a la túnica con una cinta roja.

También lleva un colgante de cruz que está compuesto por una cadena de oro con eslabones densos y aplanados. Además la cadena está anudada en medio del busto y la cruz tiene un cabujón de piedra (posiblemente una esmeralda) en el medio, mientras que los brazos están decorados con un motivo formado por volutas de racimos que terminan en una flor roja.

En el el dedo índice de la mano izquierda lleva un anillo con un zafiro símbolo de castidad, en el dedo anular izquierdo lleva un anillo con un rubí símbolo de la prosperidad y en la mano derecha lleva un anillo joya ornamentado con un relieve.

Con respecto a la composición resaltar que presenta la influencia del polímata italiano Leonardo da Vinci (también conocido como Leonardo di ser Piero da Vinci), con una pose similar a la de la pintura de la Mona Lisa con el surgimiento gradual de la figura de la sombra, sin embargo tiene una definición más clara de los rasgos físicos y de la vestimenta.

Aparte se aprecia la influencia flamenca en el brillo general de la superficie pictórica, así como en el tratamiento de los detalles y sobretodo en los motivos ornamentales del vestido.

En cuanto a la policromía resaltar que la gamas limitadas de tonos de color unifican en su conjunto la composición.

Para finalizar subrayar que La Muta está considerada uno de los mejores retratos pintados por el pintor y arquitecto italiano Raffaello Sanzio.

Actualmente se encuentra en la Galleria Nazionale delle Marche, en el municipio de Urbino (Italia).

El Triunfo de Galatea

El Triunfo de Galatea es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.510 d.C. y 1.511 d.C., perteneciente al arte renacentista.

El Triunfo de Galatea

Fue pintada por el pintor y arquitecto italiano Raffaello Sanzio (también conocido como Rafael de Urbino o Rafael).

Se encuentra pintada en la Villa Farnesia, una villa-palacio construida por el pintor y arquitecto italiano Baldassare Peruzzi.

Propiedad del banquero y mecenas de arte italiano Agostino Chigi (también conocido como "el Magnífico").

La Villa Farnesia se encuentra en el barrio del Trastévere, localizado en la ciudad de Roma, situada en la región del Lacio, en Italia.

Descripción

Se trata de una pintura al fresco de carácter mitológico que representa el apoteosis de la nereida (ninfa del mar) Galatea, hija de Nereo y de Doris, amante del pastor Acis y amada por el cíclope Polifemo.

Galatea se encuentra representada en el centro de la composición, en posición de pie sobre un carro con forma de viera tirado por dos delfines. Está ataviada con un fino velo blanco sobre su rodilla izquierda y un manto rojo que esta anudado a su cuerpo dejando el torso y parte de la pierna derecha al descubierto.

Se aprecia como presenta el cuerpo se encuentra representado ligeramente torcido con una pose hacia la izquierda, con la cabeza girada sobre el hombro derecho y la mirada hacia arriba, además está representada con el cabello rubio largo y el manto rojo en movimiento arrastrados por el viento.

A su alrededor hay representados un grupo de dos nereidas y varios tritones, algunos de ellos están haciendo música tocando trompetas y caracolas, también se observa como en un primer plano está representado el dios Palemone (dios de los puertos) guiando a todos los personajes.

En la parte superior de la composición, en el aire, se encuentran representados tres cupidos apunto de lanzar dardos de amor a Galatea y un cuarto cupido está escondido detrás de una nube con un carcaj (también llamado aljaba) con flechas, cabe destacar que esta representación simboliza la castidad del amor platónico.

Con respecto a la composición resaltar la gama de colores, gracias a las investigadores llevadas a cabo se conoce que se utilizo "azul egipcio" para la representación del mar y del cielo.

También destaca el color del manto rojo de Galatea que contrasta con los colores utilizados para el resto de la composición atrayendo la mirada del espectador.

Aparte resalta como todos los personajes se encuentra representados con mucha naturalidad en sus rostros, siendo el rostro de Galatea el que refleja serenidad y dulzura.

Además destacar que los investigadores piensan que el rostro de Galatea se encuentra inspirado en la amante y modelo predilecta del pintor y arquitecto italiano Raffaello Sanzio, Margherita Luti (también conocida como la Fornarina).

Para finalizar subrayar que en el siglo XX d.C. (período comprendido entre los años 1.901 d.C. y 2.000 d.C.) El Triunfo de Galatea fue restaurado y durante la restauración se descubrió que la pintura había sido repintada en el siglo XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.700 d.C.).

Actualmente se encuentra en Villa Farnesina, en la ciudad de Roma (Italia).

La Fornarina

La Fornarina, también conocida como el Retrato de Una Joven o Ritratto di Giovane Donna, es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.518 d.C. y 1.520 d.C., perteneciente al arte renacentista.

La Fornarina

Fue pintada por el arquitecto y pintor italiano Raffaello Sanzio (también conocido como Rafael de Urbino o Rafael).

Cabe destacar que la modelo para la pintura es conocida como Margherita Luti (también llamada Margherita Luzi, Margherita Luzzi, o la Fornarina).

La pintura permaneció en el estudio del pintor hasta el día de su muerte ocurrida el 6 de abril del año 1.520 d.C., poco después de la finalización de la obra.

Después perteneció a la colección de arte de la condesa "Catalina Sforza di Santa Fiora".

A la muerte de la condesa, ocurrida en el año 1.605 d.C., la pintura paso a formar parte de la colección de su yerno el duque de Sora Giovanni Buoncompagni.

En el año 1.642 d.C. La Fornarina fue comprada por la familia Barberini pasando a formar parte de su colección de arte.

Entre los años 1.960 d.C. y 1.979 d.C. la pintura fue trasladada a la Galería Borghese, un museo localizado en los jardines de Villa Borghese, situado en la ciudad de Roma (Italia).

Años después La Fornarina pasó a formar parte de la colección de arte la Galería Nacional de Arte Antiguo, expuesto dentro de la sede del Palacio Barberini, situado en la ciudad de Roma (Italia).

Descripción

Tiene una altura de 85,5 cm y una anchura de 61,5 cm. Está pintado al óleo sobre tabla de madera de álamo.

Se trata de una pintura del retrato de Margherita Luti en posición sedente y semidesnuda, cabe destacar que los investigadores piensa que la mujer representada era la amante y musa del pintor.

Aparece representada en posición tres cuartos a la derecha, se pueden observar como tiene los senos descubiertos, apenas se encuentra cubierta por un velo que le cubre la parte inferior del abdomen y un manto de color rojo que le cubre las piernas. 

En el rostro redondeado destacan los rasgos marcados, se aprecia como los ojos almendrados miran hacia la izquierda. Además resaltan las cejas finas, la nariz recta y los labios carnosos curvados en una ligera sonrisa.

La Fornarina

El cabello oscuro se encuentra recogido en un elaborado peinado, también lleva un turbante de seda dorada anudado en el cabello y decorado con rayas verdes y azules.

Aparte se aprecia como también está ornamentado con un broche compuesto por dos piedras engastadas con una perla colgante.

El brazo derecho se encuentra doblado delante del cuerpo, con la mano derecha sujetando el velo a la altura de su pecho izquierdo, mientras que el brazo y la mano izquierda reposa sobre su regazo.

En el antebrazo izquierdo lleva un brazalete grabado con la firma del pintor: "Raphael Vrbinas", que puede representar un sello de amor.

El fondo consiste en un arbusto de mirto (también conocido por el nombre de arrayán o murta) espeso. 

Aunque cabe enfatizar que los análisis de rayos "X" realizados a la pintura han demostrado que originalmente el fondo consistía en un paisaje de estilo leonardesco.

Además también se ha podido constatar que tenía un anillo de rubí sobrepintado en el tercer dedo de la mano izquierda de la modelo, algunos investigadores piensan que el anillo podría significar que podría haber habido un matrimonio secreto entre la modelo y el pintor.

En cuanto a la composición destaca la efigie (imagen) que recibe toda la luz resaltando sobre el fondo oscuro. Así mismo se aprecia como el pecho izquierdo presenta un mayor contraste cromático que el pecho derecho puesto que los trazos del pincel son más sueltos.

Para finalizar subrayar que La Fornarina está considerada una de las obras más importantes y representativas del pintor renacentista italiano Rafael Sanzio.

Aparte lo intrigante de la modelo representada ha inspirado a numerosos autores dentro de los campos literarios y teatral, entre las que destacan:

- La ópera musical contemporánea "Raffaello e la leggenda della Fornarina", escrita y compuesta por Giancarlo Acquisti, que fue puesta en escena en el año 2.011 d.C. con una orquesta en vivo en el Teatro Argentina de la ciudad de Roma, además de estar dirigida y coreografiada por Marcello Sindici.

- En el año 2.012 d.C. la misma obra se presentó en versión concierto en los Museos Capitolinos y en mayo del año 2.014 d.C. se representó durante dos semanas en el "Salone Margherita" de la ciudad de Roma (Italia).

- En el año 2.017 d.C. Giovanni Montanaro se inspiró en la historia entre el pintor y Margherita Luti para su novela "Mírame a los ojos".

- En el año 2.020 d.C., con motivo del quinto aniversario de la muerte del pintor, se estrenó la novela de Pierluigi Panza "Un amore di Raffaelo", dedicado a la historia de la Fornarina.

Actualmente se encuentra en la Galería Nacional de Arte Antiguo, en la ciudad de Roma (Italia).