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jueves, 19 de febrero de 2026

Muchacha con Flores

Muchacha con Flores es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.665 d.C. y 1.670 d.C., perteneciente al arte barroco.

Muchacha con Flores

Fue pintada por el pintor español Bartolomé Esteban Murillo (también conocido como Murillo).

En el siglo XVIII d.C. el artista británico Francis Bourgeois adquirió la pintura para el rey de Polonia Estanislao II Poniatowski (también conocido como Estanislao II de Polonia), quién deseaba establecer un museo de arte en la ciudad de Varsovia (Polonia).

Sin embargo, esto no se llevó a cabo, puesto que el rey abdicó al trono en el año 1.795 d.C., y en su lugar en el año 1.811 d.C. la Muchacha con Flores fue legada al museo de arte Dulwich Picture Gallery, situado en el área de Dulwich, dentro del condado del Gran Londres, en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).


Descripción

Tiene una altura de 120,7 cm y una anchura de 98,3 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa a una mujer joven medio sonriente, sentada en el pedestal de un edificio a un lado, de frente al espectador con un paisaje como telón de fondo.

En el rostro llaman la atención las cejas finas, los ojos almendrados, la nariz recta, los labios carnosos, la esquiva media sonrisa y el mentón redondeado.

Está ataviada con un vestido con un cierto aire oriental en tonos blancos, amarillo pálido y marrón claro, con mangas anchas y amplias y falda larga. 

En la cabeza lleva un turbante blanco ornamentado con flores que le deja entrever el cabello oscuro y el pendiente colgante en su oreja derecha.

También lleva un largo chal marrón claro, decorado con patrones geométricos, colocado alrededor del hombro izquierdo, cayéndole por la parte delantera del busto hasta la altura de su regazo. 

Con ambas manos sostiene la parte inferior del chal donde reposan flores blancas y rosas, símbolo de pureza. Aparte se puede observar como también hay algunos pétalos de flores en el pedestal dónde se encuentra sentada.

Asimismo cabe enfatizar que la identidad de la joven ha sido objeto de un amplio debate desde el siglo XVIII d.C. (período comprendido entre los años 1.701 d.C. y 1.800 d.C.).

Se la ha descrito como la personificación de la primavera, una vendedora de flores, una gitana e incluso una cortesana.

Además destacar que la Muchacha con Flores también ha sido identificada como la hija única, Francisca María, del pintor español Bartolomé Esteban Murillo, quién ingresó en el año 1.671 d.C. y tomó el nombre de Sor Francisca María de Santa Rosa, en honor a Santa Rosa de Lima.

Si bien la figura representada era la hija de Murillo, las rosas podrían simbolizar su nuevo nombre, combinando así en una sola imagen la referencia religiosa y familiar del artista, junto con las alusiones a la esperanza y a los nuevos comienzos que acompañan a las representaciones de la primavera.

Con respecto a la composición resaltar que la iluminación cálida y difusa, junto con el manejo fluido e intuitivo de la pintura, con especial mención en las mangas abiertas del vestido de la niña, son característicos del estilo de enfoque suave del autor en la cúspide de su carrera.

Para finalizar subrayar que durante la realización de una radiografía de "rayos X" se reveló otra imagen bajo la primera capa de pintura: siendo la mitad inferior de una figura que coincide, en un ángulo de 90 años, con la pintura La Virgen María de La Inmaculada Concepción (conservada en la colección de arte del El Escorial, España).

Esto ha llevado a los investigadores a considerar que el pintor español Murillo reutilizó los lienzos, ya que los dibujos que se conservan muestran que produjo, a partir del año 1.664 d.C., varias versiones de ésta pintura.

Actualmente se encuentra en el Museo Dulwich Picture Gallery, Gran Bretaña.

sábado, 7 de febrero de 2026

Fin de Collation

Fin de Collation, también conocida como Naturaleza Muerta o Un Dessert, es una pintura datada en el año 1.637 d.C., perteneciente al arte barroco.

Fin de Collation
Fin de Collation

Fue pintada por el pintor neerlandés Willem Claeszoon Heda (también conocido como Willem Claesz. Heda o Willem Heda).

Lo primero que se conoce es que la pintura fue saqueada por en el año 1.809 d.C. por los franceses durante la Guerra de la Quinta Coalición (conflicto en Europa Central donde el Imperio Francés de Napoleón enfrentó al Imperio Austriaco).

Siendo también en ese año, 1.809 d.C., cuando la pintura Fin de Collation pasó a formar parte de la colección de arte del Museo del Louvre de París (Francia).

Fin de Collation
Fin de Collation


Descripción

Tiene una altura de 44 cm y una anchura de 55 cm, mientras que con el marco tiene una altura de 63 cm y una anchura de 73 cm.

Está pintado al óleo sobre madera.

Se trata de una pintura que representa una mesa de comedor después de una comida. La mitad de la mesa se encuentra cubierta con un mantel blanco ligeramente arrugado, sobre el que se colocan dos platos de plata, dos vasos de diferentes formas, una copa con intrincados tallados y un salero.

Además un vaso alto, delgado y poliédrico se yergue como un pilar sobre la mesa, mientras que otro vaso, situado a la derecha, se inclina sobre un plato.

Aparte se puede apreciar como un cuchillo reposa precariamente entre el vaso y el plato, amenazando con caerse de la mesa en cualquier momento.

En el plato hay trozos de pastel sin comer y una cuchara para servir. También sobre la mesa hay nueces, avellanas y aún queda un rastro de vino tinto en el vaso inclinado.

Cabe resaltar que ésta representación da una sensación de una vívida realidad, como si alguien acabara de levantarse de la mesa.

También llama la atención la ventana de la habitación que se refleja en la superficie curva del vidrio volcado y que es un testimonio de la habilidad del artista.

En cuanto a la composición destaca la paleta de colores suave y sobria, indicativa de una obra de la etapa intermedia del artista, junto con los fuertes contrastes entre los elementos horizontales y verticales.

La pintura monocromática muestra solo un tenue resplandor de luz. Sin embargo se puede observar la textura y las características de la superficie de cada objeto bañado por la luz creando una sensación de presencia que los parece hacer tangibles.

Para finalizar subrayar que en la copa de peltre se puede leer la firma del autor: "S.D. Heda 1637.".

Actualmente se encuentra en el Museo del Louvre de París, Francia.

domingo, 1 de febrero de 2026

Virgen de la Servilleta

La Virgen de la Servilleta es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.668 d.C. y 1.669 d.C., perteneciente al arte barroco.

Virgen de la Servilleta

Fue pintada por el pintor español Bartolomé Esteban Murillo (también conocido como Murillo).

Lo primero que se conoce es que la pintura fue pintada para la Iglesia de los Capuchinos (en la actualidad Convento de los Capuchinos).

Ubicado en la ciudad de Sevilla, localizada en la comunidad autónoma de Andalucía (España).

Permaneciendo en el retablo de la iglesia por un período de 150 años.

Durante la Guerra de la Independencia Española (conflicto bélico ocurrido entre los años 1.808 d.C. y 1.814 d.C. entre las potencias aliadas compuestas por Gran Bretaña, España y Portugal contra el emperador, militar y político francés Napoleón Bonaparte (también conocido como Napoleón I).

El militar y político francés Jean-de-Dieu Soult (también conocido como Nicolás de Juan-Soult) quiso requisar la Virgen de la Servilleta.

Sin embargo en el año 1.810 d.C. los religiosos lograron trasladar la pintura, junto con otras obras, a Gibraltar, dónde permaneció hasta el año 1.814 d.C., año que término la guerra.

En el año 1.836 d.C. a causa de la desamortización de Mendizábal la Virgen de la Servilleta pasó a ser propiedad del estado.

Hasta que en el año 1.840 d.C. la pintura pasó a formar parte de la colección de arte del Museo de Bellas Artes de Sevilla, situado en la ciudad de Sevilla, localizado en la provincia de Sevilla, en la comunidad autónoma de Andalucía (España).


Descripción

Tiene una altura de 67 cm y una anchura de 72 cm. Está pintada óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa la figura de la Virgen María con el Niño Jesús en brazos sobre una habitación o lugar en penumbra que resalta sus siluetas y hace que las figuras se diluyan con el fondo.

La Virgen aparece representa de frente, con el cuerpo ligeramente girado al lado izquierdo, el brazo derecho apoyado, mientras sujeta con sus manos a su hijo.

Está ataviada con una túnica de manga larga roja, un manto azul y un velo traslúcido, que le cubre parte del cabello oscuro, en un peinado suelto hacia atrás que le despeja el rostro.

Además en el rostro ovalado destacan las cejas pobladas, los ojos almendrados con la mirada fija en el espectador transmitiendo ternura e intimidad, la nariz recta, los labios carnosos y las mejillas sonrosadas.

En cuanto al Niño Jesús resaltar que su pequeño cuerpo está parcialmente cubierto por un manto blanco y aparece representado inclinado hacia delante, casi como si quisiera emerger del lienzo.

Con respecto a la composición resaltar que la obra evoca la influencia de tres de los artistas admirados por el pintor español Bartolomé Esteban Murillo

Los colores vivos y la delicadeza de las formas evocan la pintura del pintor italiano Rafaello Sanzio (también conocido como Rafael Urbino o Rafael), mientras que la atmósfera casi imperceptible denota el conocimiento de las obras del pintor español Diego Rodríguez de Silva y Velázquez y del pintor alemán Pedro Pablo Rubens.

Aparte llama la atención el contraste entre la vitalidad del Niño Jesus y la actitud serena y de afecto de la Virgen María, estando ambos representados en una composición cercana, casi cotidiana.

Para finalizar subrayar que existen dos leyendas relacionadas con el nombre del la pintura, según una primera versión los frailes capuchinos notaron que entre sus ajuares faltaba una servilleta, siendo devuelta a los pocos días, junto con la pintura, por el propio artista el pintor español Bartolomé Esteban Murillo.

La segunda versión, más aceptada, se dice que fue un fraile capuchino del convento el que le pidió al pintor español Bartolomé Esteban Murillo una representación de la Virgen con la finalidad de orar en privado en su celda.

El pintor accedió pidiéndole a cambio un lienzo para la pintura. Sin recursos económicos el fraile le entregó una servilleta sobre la cual el pintor pintó la pintura.

Actualmente se encuentra en el Museo de Bellas Artes de Sevilla, España.

sábado, 31 de enero de 2026

Escalera de Cassiobury Park, Hertfordshire

La Escalera de Cassiobury Park, Hertfordshire es una talla datada aproximadamente entre los años 1.677 d.C. y 1.680 d.C., perteneciente al arte barroco.

Escalera de Cassiobury Park, Hertfordshire
Escalera de Cassiobury Park, Hertfordshire

Fue tallada por el escultor, tallador, albañil y diseñador Edward Pearce.

Lo primero que se conoce es que la talla formó parte de la colección de arte del estadista, político, virrey y revolucionario británico Arthur Feliz Capell (I Conde de Essex).

Después es sabido que la talla formó parte de la colección de "Edwards and Sons", ubicada en Gran Bretaña.

Hasta que en el año 1.932 d.C. la Escalera de Cassiobury Park, Hertfordshire fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de escultura y artes decorativas europeas.

Escalera de Cassiobury Park, Hertfordshire
Escalera de Cassiobury Park, Hertfordshire


Descripción

Tiene una altura de 472,4 cm.

Las contrahuellas y los peldaños han sido tallados en roble, los frisos de balaustrada y los remates en olmo, los postes de la escalera, largueros, zócalos, bases de balaustres y el pasamanos están tallados en pino.

Se trata de una exuberante talla de una escalera, destaca como el diseño consiste en elementos vegetales naturales contenidos y ordenados por el arte.

Sobretodo llama la atención una voluta de acanto dramáticamente socavada con vainas de semillas que sostiene la balaustrada entre postes cuadrados.

Además se puede apreciar como las hojas de roble que se encuentran cuidadosamente dispuestas componen la moldura inferior y remates de piñas coronan los postes esquineros (elementos colocados en los cantos y bordes).

Para finalizar subrayar que la Escalera de Cassiobury Park, Hertfordshire se encuentra en consonancia con los ideales englobados dentro del arte barroco.

Es más enfatizar que la talla es similar a la obra del escultor holandés Grinling Gibbons, considerado un artista influyente en la Gran Bretaña del siglo XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.700 d.C.).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

martes, 25 de noviembre de 2025

Santa Isabel de Portugal

Santa Isabel de Portugal es una pintura datada aproximadamente en el año 1.635 d.C., perteneciente al arte barroco.

Santa Isabel de Portugal

Santa Isabel de Portugal

Fue pintada por el pintor español Francisco de Zurbarán.

Los investigadores piensan que la pintura pudo haber sido comprada en la ciudad de Sevilla (España) por el rey de España Carlos IV (también conocido como "el Cazador").

Lo primero que se conoce con seguridad es que la pintura pasó a formar parte de la colección real durante el reinado del rey de España Fernando VII (también conocido como "el Deseado" y "el rey Felón").

Entre los años 1.814 d.C. y 1.818 d.C. la pintura fue colocada en la Sala de la Chimenea en el trascuarto de la Reina, en el Palacio Real, localizado en la ciudad de Madrid (España).

En el año 1.854 d.C. la pintura Santa Isabel de Portugal pasó a formar parte de la colección de arte del Museo del Prado (también conocido como Museo Nacional del Prado), situado en la ciudad de Madrid (España).


Descripción 

Tiene una altura de 184 cm y una anchura de 98 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa a la reina consorte de Portugal Isabel de Portugal (también conocida como Isabel de Aragón y Sicilia), esposa del rey de Portugal y Algarve Dionisio I (también apodado "el Labrador").

Aparece representada en posición de pie, de perfil mirando hacia el lado izquierdo, con el rostro girado hacia el espectador y con sus manos sostiene su falda que está llena de flores en su regazo.

Se encuentra ataviada con un elegante vestido de tela gruesa y brillante que ha sido bordado con joyas. Lleva una basquiña de color castaño-violáceo sobre un zagalejo de color verde oscuro. 

También se aprecia como por encima lleva un vestido de tafetán azul verdoso, con las mangas desde el hombro hasta el codo abullonadas y desde la altura del codo hasta las muñecas las mangas son de color bermellón.

En la espalda lleva una fastuosa prenda de color amarillo-dorado que le cuelga por la espalda hasta la altura del suelo.

Aparte se observa como los codos, hombros y la cintura están marcados mediante cadenas y adornos con gemas.

Alrededor del cuello lleva un collar de perlas y el cabello oscuro está recogido en un elaborado peinado sujeto con cintas de perlas y una tiara.

En el rostro destacan las cejas fijas, los ojos almendrados, la nariz recta, los labios carnosos, los pómulos rosados y el mentón redondeado.

Con respecto a la composición destacar que la mujer aparece representada sobre un fondo oscuro, en penumbra, que destaca su silueta.

De la vestimenta llama la atención el drapeado, ya que el artista ha usado el efecto de una tela muy plisada que refleja la luz.

Asimismo destacar el tratamiento de luz, puesto que toda la pintura se encuentra iluminada por una intensa luz que emerge del lado derecho destacando parte de su anatomía y la calidad de las telas con las que se ha confeccionado su vestimenta.

Como curiosidad enfatizar que las rosas que lleva la mujer en su regazo hacen referencia a la leyenda más importante de su vida. 

La reina era muy caritativa y solía repartir limosnas a los pobres, a pesar de que la prohibición de su marido, ya que la reina entregaba a la caridad gran parte de sus propios caudales.

Un día de invierno cuando el rey la sorprendió y quiso hallar el dinero oculto entre sus ropas, el dinero que llevaba entre sus ropas se había convertido milagrosamente en rosas.

Para finalizar subrayar que tanto la composición como la postura de la mujer y el tema representado se asemejan a la pintura Santa Casilda conservada en el Museo Thyssen Bornemisza (España) y pintada por el mismo artista, el pintor español Francisco de Zurbarán.

Actualmente se encuentra en el Museo del Prado de Madrid, España.

martes, 14 de octubre de 2025

Santa Casilda

Santa Casilda es una pintura datada aproximadamente en el año 1.635 d.C., perteneciente al arte barroco.

Santa Casilda

Fue pintada por el pintor español Francisco de Zurbarán.

Se piensa que pudo haber sido pintada en la ciudad de Sevilla, situada en la comunidad autónoma de Andalucía (España).

En el año 1.810 d.C. se encontraba en posesión del militar y político francés Nicolas Jean-de-Dieu Soult, formando parte de su colección de arte ubicada en la ciudad de París (Francia).

Entre el 19 y 22 de mayo del año 1.852 d.C. la pintura fue vendida, junto con otros objetos, dentro del lote número 35 por un precio de 3.200 francos.

Pasando a formar parte de la colección de arte del conde Duchatel, situada en la ciudad de París (Francia).

Después pasó a ser propiedad del empresario, marchante de arte y político estadounidense Louis R. Ehrich, siendo expuesta en la galería de arte "Ehrich Galleries", localizada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.913 fue adquirida en la ciudad de Montreal (Canada) por el coleccionista de arte y ejecutivo ferrovial norteamericano William Van Horne.

En el año 1.979 d.C. la pintura fue comprada en la ciudad de Lugano (Suiza) por el empresario y coleccionista de arte neerdelandés Hans Heinrich von Thyssen-Bornemisza.

En el año 1.992 d.C. la pintura Santa Casilda pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Thyssen-Bornemisza, ubicada en la ciudad de Madrid (España).

Santa Casilda


Descripción

Tiene una altura de 171 cm y una anchura de 107 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa la figura en posición de pie y de perfil mirando hacia el lado izquierdo de la hija del emir de Toledo Santa Casilda de Toledo, que practicaba la caridad cristiana llevando alimentos a los prisioneros cristianos encarcelados por su padre.

En ésta pintura se encuentra representa en el momento en que es descubierta por su padre ocultando los alimentos entre sus ropas y éstos, según la leyenda, se convirtieron en rosas.

En el rostro, ligeramente inclinado hacia delante y girado hacia el espectador, destacan las cejas finas, los ojos almendrados, la nariz recta, las mejillas sonrosadas, los labios carnosos y pequeños y el mentón pronunciado.

Además se puede apreciar como el largo cabello oscuro y rizado está recogido y atado con una cinta bermellón alrededor del cuello. También lleva una diadema dorada y pequeñas cintas doradas.

Se encuentra ataviada con una basquiña de color gris azulado y ornamentada con motivos florales, también está ornamentada con una orla de oro y gemas azules y rojas.

Destaca las mangas del antebrazo bermellón que están recubiertas con un sobre-manga. Aparte en la espalda lleva un manto de color malvarrosa que le llega hasta sus pies, una gargantilla de perlas y un brazalete enjoyado.

Con respecto a la composición resalta el uso de una luz fuerte que enfatiza y resalta el intenso colorido de las ropas contra un difuminado y discreto fondo.

Sobretodo destaca como la luz incide sobre la imagen en un primer plano haciendo que destaquen la delicadeza, calidad, diseño y encanto de las telas.

La mujer aparece representada sobre un fondo oscuro e indeterminado, destacando su silueta y su propia sombra en el suelo.

Para finalizar subrayar que tanto la composición como la postura del personaje se asemejan a la pintura de Santa Isabel de Portugal conservada en la colección de arte del Museo del Prado (España).

Además también existe una otra versión con el mismo título Santa Casilda que en la actualidad está en posesión de un coleccionista privado.

Actualmente se encuentra en el Museo Thyssen Bornemisza, España.

viernes, 10 de octubre de 2025

Una Doncella Dormida

Una Doncella Dormida, también conocida como Muchacha Dormida, es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.656 d.C. y 1.657 d.C., perteneciente al arte barroco.

Una Doncella Dormida

Fue pintada por el pintor neerlandés Johannes Vermeer van Delft (también conocido como Johannes Vermeer, Joannis ver Meer, Joannis van der Meer o Jan ver Meer).

Lo primero que se conoce es que la pintura fue adquirida por el mecenas de arte neerlandés Pieter Claesz van Rujiven, formando parte de su colección ubicada en la ciudad de Delft (Países Bajos).

En el año 1.674 d.C. pasó a ser propiedad de su viuda Maria de Knujit

En el año 1.681 d.C., por herencia, pasó a ser propiedad de su hija Magdalena van Rujiven y en el año 1.682 d.C. pasó a ser propiedad de su viudo Jacob Abrahamsz.

El 16 de mayo del año 1.696 d.C. Una Doncella Dormida fue vendida por 62 florines al coleccionista de arte belga John Waterloo Wilson.

En el año 1.881 d.C. la pintura fue comprada por el marchante de arte, coleccionista y editor austriaco-francés Charles Sedelmeyer.

En ese mismo año, 1.881 d.C. Una Doncella Dormida fue vendida al empresario y coleccionista de arte alemán Rodolphe Kann.

En el año 1.907 d.C. la pintura fue adquirida por los marchantes de arte británicos "Duveen" (también conocidos como los "hermanos Duveen"), formando parte de su colección de arte ubicada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

En el año 1.908 d.C. la pintura fue comprada por el coleccionista de arte y empresario estadounidense Benjamin Altman.

Hasta que en el año 1.913 d.C. Una Doncella Dormida fue legada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Una Doncella Dormida


Descripción

Tiene una altura de 87,6 cm y una anchura de 76,5 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa una escena doméstica dónde una mujer, una doncella, joven está sentada, dormitando con codo derecho apoyado sobre la mesa y junto a una copa de vino en el interior de una habitación desordenada.

Además cabe resaltar que el vaso volcado a la izquierda (en la actualidad desgastado por el tiempo) y la alfombra arrugada de la mesa podrían indicar la presencia de un visitante recién fallecido.

Destaca como en el lado izquierdo se puede observar una silla inclinada con una almohada sobre ella, posiblemente indicando indolencia, junto con un indicio de compañía reciente.

Sin embargo la idea que había estado recientemente con alguien se ve reforzada por la jarra de vino, la copa de lado y la posible presencia de un cuchillo y un tenedor sobre la mesa.

Aparte el cuenco chino con fruta simboliza la tentación, y el cuchillo y la jarra colocados sobre una tela vaporosa habrían evocado algo más que una simple interacción social.

Llama la atención como la esquina de un cuadro colocado en la pared, sobre la doncella, muestra la pierna de un Cupido y una máscara teatral.

Una Doncella Dormida
(radiografía)

Es más resaltar que se conoce, por el examen técnico, que el artista realizó varias modificaciones a la pintura.

Una radiografía revela la figura de un hombre en la habitación trasera, con la cabeza coincidiendo con el espejo que, al igual que la mesa de debajo, fue añadido posteriormente.

El rostro del hombre parece verse de perfil, y se probaron dos sombreros diferentes. 

El sombrero más grande se ve de frente, lo que indica que en un momento dado el hombre se acerba al espectador.

Además un perro se encontraba junto a la puerta abierta, observando al visitante, y el bodegón sobre la mesa también fue modificado.

Por lo tanto, la escena representada no da a entender que se espera una visita, sino que, a juzgar por la puerta abierta y el desorden de objetos sobre la mesa, alguien ha salido recientemente de la habitación.

También cabe destacar que la pintura se encuentra firmada por el autor, se puede leer en el lado izquierdo, sobre la cabeza de la joven:

"I·VMeer·" (VM en monograma)

Para finalizar subrayar que el mal comportamiento de las doncellas sin supervisión era un tema común para los pintores holandeses del siglo XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.700 d.C.).

Sin embargo, en su representación de una joven doncella junto a una copa de vino, el artista transformó una escena ordinaria en una investigación de color, luz y textura que supera a cualquier moralización.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

martes, 23 de septiembre de 2025

Santa Casilda

Santa Casilda es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.635 d.C. y 1.640 d.C., perteneciente al arte barroco.

Santa Casilda

Fue pintada por el pintor español Francisco de Zurbarán.

En el año 1.937 d.C. la pintura fue descubierta en el Palacio Arzobispal de la ciudad de Granada, localizada en la provincia de Granda, en la comunidad autónoma de Andalucía (España).

En el año 1.945 d.C. fue comprada por el industrial, político y coleccionista español Luis Plandiura y Pou.

Formo parte de la colección de arte "Colección Antonio Plandiura", ubicada en la ciudad de Barcelona, situada en la comunidad autónoma de Cataluña (España).

Hasta que la pintura Santa Casilda fue comprada por un coleccionista anónimo, pasando así a formar parte de su colección privada de arte.


Descripción

Tiene una altura de 170 cm y una anchura de 108 cm. Está pintada al óleo sobre lienzo.

Se trata de un pintura que representa la figura juvenil de Santa Casilda de Toledo, la hija andalusí del emir de Toledo, que practicando la caridad cristiana llevaba alimentos a los prisioneros cristianos de su padre.

Aquí aparece representada en el momento en que fue descubierta por su padre y según la leyenda los alimentos que ocultaba entre sus ropas se convirtieron en rosas.

La santa aparece pintada de pie sobre un fondo oscuro, casi negro, que resalta el color de su vestimenta y sobretodo resalta tono claro de su piel. 

Se encuentra de perfil mirando hacia el lado izquierdo, mientras que la cabeza se encuentra representada ligeramente girada hacia el espectador con la mirada dirigida hacia arriba.

En el rostro pequeño y ovalado destacan los ojos almendrados, la nariz recta, los labios finos, el mentón pronunciado y los pómulos marcados.

También destaca como el cabello largo oscuro se mimetiza en parte con el fondo y en la parte superior de la cabeza, cruzando su frente, lleva una diadema de perlas.

Está ataviada con una basquiña (un tipo de fada o saya usada en España por la mujer) bordada en seda roja y ornamentada en el hombro derecho por una fila de perlas, también lleva una blusa blanca de muselina y por encima un chal violeta oscuro de un tejido más sedoso.

Con respecto a la composición resaltar que tanto la figura como el rostro de la mujer aparecen representados de forma un tanto oblicua y la basquiña la da una cierta solemnidad a la obra.

Para finalizar subrayar que la pintura de Santa Casilda es una de las dos versiones, con el mismo nombre, pintadas por el pintor español Francisco Zurbarán.

La otra versión de la pintura Santa Casilda forma parte de la colección de arte del Museo Thyssen-Bornemisza (España).

Actualmente se encuentra en posesión de un coleccionista privado.

viernes, 12 de septiembre de 2025

Mater Dolorosa

Mater Dolorosa es una escultura datada aproximadamente entre los años 1.674 d.C. y 1.685 d.C., perteneciente al arte barroco.

Mater Dolorosa
Mater Dolorosa

Fue esculpida por el escultor español Pedro de Mena y Medrano (también conocido como Pedro de Mena).

Lo primero que se conoce es que la escultura Mater Dolorosa perteneció a la colección de arte de Felix Ange Thomas de Baciocchi Adorno y de su esposa Antoinette Marie de las Dolores y Garcia Josephine Nicette Euphrenie Felicie Henriette Dominique Toussaint de Vejarano.

Formando parte de la colección de arte de la familia Baciocchi, una noble familia francesa (en la actualidad extinta) originaria de la isla de Córcega (Italia) y que se distinguió por los cargos políticos y militares que ocupaban sus miembros.

Hasta que en el año 1.973 d.C. la escultura fue vendida a un coleccionista privado, por lo que pasó a formar parte de su colección de arte ubicada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

En el año 2.013 d.C. fue comprada por el marchante de arte español Jorge Coll y el marchante de arte Nicolás Cortés, pasando a formar parte de la colección de la galería de arte "Coll & Cortés", con sedes en la ciudad de Londres (Gran Bretaña) y la ciudad de Madrid (España).

En el año 2.014 d.C. la escultura Mater Dolorosa fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Mater Dolorosa
Mater Dolorosa

Mater Dolorosa



Descripción

Tiene una altura de 63 cm, una anchura de 58,7 cm y un grosor de 38,1 cm. 

Con la base negra presenta una altura de 66 cm, una anchura de 62,9 cm, un grosor de 41,9 cm y un peso de 20 kg.

Está esculpida en madera policromada parcialmente dorada.

Se trata de un busto que representa la figura de la Virgen María con una pose noble y sufriendo ante la muerte de su hijo en la cruz.

La Virgen tiene el brazo derecho flexionado delante del cuerpo con la mano derecha sobre su pecho, mientras que el brazo izquierdo está estirado hacia delante con la palma de la mano izquierda abierta.

La cabeza se encuentra representada ligeramente girada hacia el lado derecho, aparte llama la atención como el rostro ovalado refleja una espiritualidad sobrenatural y una devoción intimista.

En el rostro destacan las cejas finas, los ojos ovalados entrecerrados, las lágrimas, la nariz recta, los labios rojos y carnosos y el mentón redondeado.

Se encuentra ataviada con una túnica de color púrpura de mangas largas y cuello redondo, ornamentada con finas veladuras de brocado plateado y rojo, sobre la túnica lleva un velo blanco y un manto azul, se aprecia como todas las prendas presentan numerosos pliegues y un profundo drapeado.

Con respecto a la composición resaltar que se enfoca en la empatía y en el sufrimiento invitando al espectador a la reflexión sobre el dolor de la madre y la conexión entre el sufrimiento de Cristo y el de la Virgen María.

Además resaltar un virtuosismo entre las texturas de las telas, los pliegues y la finura de la policromía en el rostro, que incluyen tonos nacarados y la sutileza de cada pelo de las cejas y el cabello.

También destaca el dramático contraste entre los tonos inmaculistas de las vestimentas y la expresión de pena reflejado en el rostro de la Virgen. Éste se encuentra representado con serenidad y una contención que transmite intimidad e invita a la devoción y la oración.

Aparte llama la atención el naturalismo y el realismo, puesto que la escultura logra ha sido esculpida con una gran semejanza con los cuerpos y vestimentas reales.

Para finalizar subrayar que la escultura de Mater Dolorosa junto con la escultura Ecce Homo suelen exponerse juntas como una pareja de esculturas devocionales, siendo ambas un ejemplo de una paciencia mundana ante la tragedia.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

jueves, 21 de agosto de 2025

Busto de Francesco Barberini

El Busto de Francesco Barberini, también conocido como Monsignor Francesco Barberini, es una escultura datada aproximadamente en el año 1.623 d.C., perteneciente al arte barroco.

Busto de Francesco Barberini
Busto de Francesco Barberini

Fue encargada por el papa italiano Urbano VIII (también conocido como Maffeo Barberini), sobrino del clérigo y noble italiano Francesco Barberini.

Al escultor, arquitecto y pintor italiano Gian Lorenzo Bernini.

Se conoce que perteneció a la colección de arte de arte de la familia Barberini, ubicada en el "Palazzo Barberini alle Quatro Fontaine", localizada en la ciudad de Roma (Italia).

En el año 1.635 d.C. la escultura fue trasladada al "Palazzo alla Cancelleria", situado en la ciudad de Roma (Italia), hasta que años después fue devuelta al "Palazzo Barberini alle Quatro Fontane", en la ciudad de Roma (Italia).

En el año 1.948 d.C. el Busto de Francesco Barberini fue comprado por el marchante de arte y político italiano Alessandro Contini Bonacossi.

En el año 1.950 d.C. fue comprado por el empresario y filántropo estadounidense Samuel Henry Kress, pasando a formar parte de la colección de arte "Kress Collection".

Hasta que en el año 1.961 d.C. el Busto de Francesco Barberini fue donado a la "National Gallery of Art" (Galería Nacional de Arte) de Washington D.C. (Estados Unidos de América).

Busto de Francesco Barberini



Descripción 

Tiene una altura total 80,01 cm, una anchura total de 65,88 cm y un grosor total de 25,72 cm. 

La base tiene una altura 19,05 cm, una anchura de 21,27 cm y un grosor de 18,42 cm. 

Está esculpida en mármol blanco, mediante las técnicas de incisión, grabado y tallado.

Se trata de un escultura que representa el busto (cabeza, hombros y pecho) del clérigo y noble italiano Francesco Barberini.

En el rostro alargado destaca la frente con arrugas, las cejas pobladas, los ojos almendrados, la nariz aguilera, los labios finos, la barba y el bigote frondoso y los pómulos muy marcados. 

Aparte en la parte superior de la cabeza se pueden apreciar las entradas en el cabello que reflejan la edad avanzada del representado.

Está ataviado con una sotana (vestimenta clerical cristiana usada por el clero y los religiosos varones de las Iglesias Ortodoxas Orientales, la Iglesia Ortodoxa Orienta y la Iglesia Católica) con pliegues.

Con respecto a la composición resaltar que es armoniosa con el truncamiento inferior reflejando el arco de los hombros ligeramente curvados.

Además se puede observar como las sombras juegan sobre el rostro envejecido, sobretodo en las sienes hundidas y bajo las cejas pobladas.

Es más resaltar que mediante el movimiento, la variedad de texturas y la manipulación de la luz, el artista consiguió dar vida a la imagen de un hombre que nunca había visto en vida.

Para finalizar subrayar que el clérigo y noble italiano Francesco Barberini falleció en el año 1.600 d.C. por lo que el escultor, arquitecto y pintor italiano Gian Lorenzo Bernini se basó en un retrato de tres cuartos ya existente para esculpir la escultura.

También cabe destacar que en la actualidad ésa pintura forma parte de colección de arte "Corsini Collection", ubicada en la ciudad de Florencia (Italia).

Actualmente se encuentra en la National Gallery of Art de Washington D.C., Estados Unidos de América.

miércoles, 9 de julio de 2025

Busto de Costanza Bonarelli

El Busto de Costanza Bonarelli es una escultura datada aproximadamente entre los años 1.636 d.C. y 1.638 d.C., perteneciente al arte barroco.

Busto de Costanza Bonarelli
Busto de Costanza Bonarelli

Fue esculpida por el arquitecto, escultor y pintor italiano Gian Lorenzo Bernini.

Desde el año 1.645 d.C. la escultura fue expuesta en el primer corredor de la Galería de los Uffizi (Italia), probablemente siendo cedida por el autor como regalo para el cardenal italiano Gian Carlo de' Medici.

Años después el Busto de Costanza Bonarelli fue trasladado y pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Nacional del Bargallo, localizado en la ciudad de Florencia (Italia).

Busto de Costanza Bonarelli
Busto de Costanza Bonarelli
Busto de Costanza Bonarelli

Busto de Costanza Bonarelli

¿ Quién fue Costanza Bonarelli ?

Costanza Piccolomini (también conocida como Costanza Bonarelli o Costanza Bonucelli) fue una aristócrata, coleccionista de arte y marchante de arte italiana.

Proviene de la familia noble italiana, con influencia en la ciudad de Siena desde el siglo XIII d.C. (período comprendido entre los años 1.201 d.C. y 1.300 d.C.), vinculada a la rama viterbeña de los Piccolomini.

Se conoce que fue esposa del escultor, restaurador y marchante de arte italiano Matteo Bonarelli da Luca (también conocido como Matteo Bonucelli da Luca) y que era una mujer con alma emprendedora: ayudaba a su marido en la tienda atendiendo las ventas y a los clientes.

Aunque también se dice que fue la amante del arquitecto, escultor y pintor italiano Gian Lorenzo Bernini y de su hermano el ingeniero, arquitecto y escultor italiano Luigi Bernini

Busto de Costanza Bonarelli
Busto de Costanza Bonarelli


Descripción

Tiene una altura de 72 cm. Está esculpida en mármol, mediante las técnicas de incisión, tallado y pulido.

Se trata de una busto que representa a Costanza Bonarelli con el cabello despeinado y el vestido abierto a la altura de sus pechos, retratándola en un momento de la intimidad cotidiana.

En el rostro llama la atención como los ojos almendrados que presentan una mirada atrevida, algo sorprendida, la nariz recta, los labios carnosos ligeramente entreabiertos y el mentón redondeado.

El cuello es robusto y el cabello largo y rizado se encuentra ligeramente despeinado, echado hacia atrás revelando una amplia frente y con un peinado suelto con trenzas recogidas detrás de su cuello.

En cuanto a la vestimenta destaca como el vestido es ligero con pliegues y presenta una sencilla y suave cinta en el escote que se frunce y se abre para revelar los pechos. 

Con respecto a la composición resaltar las superficies agradables y lisas especialmente en el rostro y el cuello. Aparte de la vivacidad en la expresión del rostro.

Además el busto no tiene la función de transmitir una imagen oficial del estatus, rango o rol social de la mujer, sino más bien el busto trasmite un momento de su vida, capturando los sentimientos y el vínculo personal entre ella y el artista.

Para finalizar subrayar que se piensa que el Busto de Costanza Bonarelli fue esculpido como una "obra de arte privada" para el propio arquitecto, escultor y pintor italiano Gian Lorenzo Bernini, es decir, los investigadores creen que fue realizado para él mismo retratando a la mujer que fue su amante durante un tiempo y formando parte de su colección de arte. 

Según la biografía escrita por el hijo del artista el erudito y autor italiano Domenico Bernini la mujer era amante de su padre y un documento anónimo afirma que también su tío Luigi Bernini frecuentaba a la mujer.

Una mañana antes del amanecer Gian Lorenzo Bernini fue a ver a su amada encontrándose a su hermano saliendo por la puerta de la casa de la mujer y ésta todavía llevaba el cabello despeinado.

Cegado por los celos Gian Lorenzo Bernini siguió a su hermano y tras alcanzarlo, justo a la entra de San Pietro, lo golpeó con una barra de hierro hasta romperle dos costillas.

Luigi Bernini fue salvado por unos transeúntes y el artista regresó a su casa para ordenar a su sirviente que desfigurara a su amada como una señal de castigo.

Como resultado, el sirviente fue exiliado, Luigi Bernini partió hacia Bolonia y Gian Lorenzo Bernini, gracias a la intervención directa del papa Urbano VII (pedida por la madre de Bernini, Angelica Galante), fue castigado sólo con una multa económica.

Actualmente se encuentra en el Museo Nacional del Bargello, Italia.

lunes, 30 de junio de 2025

Ecce Homo

Ecce Homo es una escultura datada aproximadamente entre los años 1.673 d.C. y 1.685 d.C., perteneciente al arte barroco.

Ecce Homo
Ecce Homo

Fue esculpida por el escultor español Pedro de Mena y Medrano (también conocido como Pedro de Mena).

Se conoce es que perteneció a la colección de arte de Felix Ange Thomas de Baciocchi Adorno y de su esposa Antoinette Marie de las Dolores y Garcia Josephine Nicette Euphrenie Felicie Henriette Dominique Toussaint de Vejarano.

Estando en posesión de la familia Baciocchi (una noble familia francesa (en la actualidad extinta) originaria de la isla de Córcega (Italia) y que se distinguió por los cargos políticos y militares que ocupaban sus miembros) hasta el año 1.973 d.C., cuando fue vendida por sus herederos.

Ecce Homo
La escultura Ecce Homo fue comprada por un coleccionista privado, pasando a formar parte de su colección de arte localizada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

En el año 2.013 d.C. al escultura fue adquirida por el marchante de arte español Jorge Coll y el marchante de arte Nicolás Cortés, pasando a pertenecer a la colección de la galería de arte "Coll & Cortés", con sedes en la ciudad de Londres (Gran Bretaña) y la ciudad de Madrid (España).

En el año 2.014 d.C. el Ecce Homo fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Ecce Homo
Ecce Homo


Ecce Homo


Descripción

La escultura tiene una altura de 62,9 cm, una anchura de 45,1 cm y un grosor de 46,7 cm.

Incluida la base negra tiene una altura de 66,7 cm, una anchura de 53,3 cm, un diámetro de 41 cm y un peso de 14,5 kg.

Está esculpida en madera policromada parcialmente dorada.

Se trata de un busto que representa la figura de Jesucristo después de ser azotado, coronado de espinas y ataviado con una túnica por los soldados romanos.

Destaca como la escultura exalta el sufrimiento de Cristo con una talla que muestra las contusiones y la laceración del martirio en su cuerpo con la sangre cayendo sobre su cuerpo semidesnudo.

En la cabeza, ligeramente levantada hacia arriba y coronada por una corona de espinas, destacan el cabello largo marrón y ondulado con los mechones enmarcando el rostro, así como la textura de barba y el bigote.

Además en el rostro resaltan las cejas finas, los ojos almendrados entreabiertos, la nariz recta, los labios carnosos y los pómulos marcados, con una expresión conmovedora y dramática, siendo un ejemplo de paciencia mundana ante la tragedia.

Los brazos se encuentran representados cruzados, con el brazo izquierdo encima del brazo derecho, y las manos están representadas atadas con una cuerda retorcida que también le envuelve el cuello y le cae sobre el pecho.

Está ataviado con un manto rojo drapeado anudado a la altura de la cintura y sujeto sobre el hombro y antebrazo izquierdo dejando parte de su cuerpo desnudo al descubierto.

También destacar que en la parte inferior de la vestimenta se puede leer la firma del autor:

"P.s de Mena y Medrano F.t Malace, anno 1673"

Con respecto a la composición resaltar el realismo y naturalismo con las que el autor manipuló los materiales para crear una semejanza real en el cuerpo y las vestimentas.

También destaca como los detalles en los mechones del cabello, la sangre y la expresión del rostro generan una intimidad que potencia la intensidad emocional de la escultura e invita al espectador a generar una conexión más cercana con la imagen de Cristo.

Para finalizar en cuanto a la finalidad subrayar que se trata de una escultura concebida para la devoción y que junto con la escultura Mater Dolorosa buscaba generar en el espectador una profunda compasión y un sentimiento de sobrecogimiento ante el sufrimiento de Cristo y la Virgen María (respectivamente).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

jueves, 3 de abril de 2025

La Joven de la Perla

La Joven de la Perla, también conocida como Muchacha con TurbanteMona Lisa del Norte o Mona Lisa Holandesa, es una pintura datada en el año 1.665 d.C., perteneciente al arte barroco.

La Joven de la Perla

Fue pintada por el pintor neerlandés Johannes Vermeer van Delft (también conocido como Joannis ver Meer, Joannis van der Meer o Jan ver Meer).

Se conoce que la obra estuvo olvidada más de doscientos años, la pintura fue subastada en el año 1.881 d.C. en la ciudad de la Haya (Países Bajos).

Siendo comprada por dos florines y treinta céntimos por el oficial militar, genealogista y coleccionista de arte neerlandés Arnoldus Andries des Tombe.

Estando en su colección de arte hasta que en el año 1.903 d.C. La Joven de la Perla fue legada al Museo de Mauritshuis, localizado en la ciudad de La Haya (Países Bajos), dónde pasó a formar parte de su colección permanente.


Descripción

Tiene una altura de 44,5 cm y una anchura de 39 cm. Está pintada al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa el retrato de la cabeza y hombros de una mujer joven anónima que lleva una perla en la oreja y un turbante en la cabeza.

El busto aparece representado sobre un fondo negro uniforme, con los hombros girados hacia izquierda del marco, mostrando una vista trasera de tres cuarto.

Aparte la cabeza se encuentra girada hacia la izquierda, revelando su rostro en una vista de tres cuartos, con la mirada fija en el espectador.

En el rostro destacan los ojos almendrados que miran de soslayo al espectador, la nariz recta y los labios carnosos y rojos entreabiertos que permiten apreciar los dientes.

En la parte superior de la cabeza lleva un turbante de color azul utltramar rematado con una tela en tonos amarillos que le cuelga por su espalda.

También destaca como lleva en el lóbulo de la oreja izquierda (la única visible) una perla.

Se puede apreciar como se encuentra ataviada con lo que parece una chaqueta realzada con un cuello blanco, resalta como la tela pesada con pocos pliegues es de color ocre oscuro o marrón.

Con respecto a la composición destacar que la luz del cuadro proviene del borde izquierdo que ilumina a la modelo casi de frente, lo que produce un juego de sombras variadas sobre su espalda y nuca y dónde resaltan los reflejos brillantes del pendiente.

Además por su composición y temática, que son cercanas a la pintura renacentista de la Mona Lisa del pintor Leonardo da Vinci, el cuadro también recibe el apodo de "Mona Lisa del Norte" o "Mona Lisa Holandesa".

En cuanto al estado de conservación resaltar que en el año 1.994 d.C. la pintura fue objeto de una restauración que permitió apreciar mejor su calidad y también comprender con mayor precisión la técnica utilizada por el artista.

Se retiró el viejo barniz amarillento y se volvió a colocar devolviendo a los colores a su brillo original. Ésta limpieza reveló un pequeño punto de color compuesto por dos manchas rosas superpuestas, que representa un reflujo húmedo justo debajo de la esquina izquierda de los labios de la modelo.

Por el contrario, una pequeña mancha blanca situada en la perla, obra de una mano distinta a la del pintor neerlandés Johannes Vermeer, ha sido eliminada.

En octubre del año 2.022 d.C. la pintura fue atacada por dos activistas ambientales de "Just Stop Oil" que se pegaron al vidrio que protegía la obra, siendo éstos activistas sentenciados a un mes de prisión por hacerlo, pero por lo que toca a la obra, protegida por el cristal, no sufrió daños.

Para finalizar subrayar que La Joven de la Perla está considerada una de las obras maestras del pintor neerlandés Johannes Vermeer.

Además es una pintura representativa de la edad de oro de la pintura holandesa, un período de excepcional riqueza en la creación pictórica europea, comprendido desde finales de la década de 1.620 d.C. hasta la invasión francesa del año 1.972 d.C. durante la Guerra Civil Holandesa.

Actualmente se encuentra en el Museo Mauritshuis de La Haya, Países Bajos.

martes, 21 de enero de 2025

Betsabé en el Baño

Betsabé en el Baño es una pintura datada aproximadamente en el año 1.700 d.C., perteneciente al arte barrroco.

Betsabé en el Baño

Fue pintada por le pintor italiano Giuseppe Bartolomeo Chiari (también conocido como Giuseppe Chiari).

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte del diplomático francés Charles-Louis de Beauchamp.

El 1 de marzo del año 1.784 d.C. fue comprada por un precio de 6,720 libras por el subastador y comerciante de arte francés Alexandre Joseph Paillet.

El 30 de abril del año 1.785 d.C. la pintura fue subastada por la casa de subastas Christie's de Londres (Gran Bretaña), siendo comprada por el marchante de arte Grégoire-Hippolyte de la Roche.

El 30 de mayo del año 1.799 d.C. fue adquirida, en la ciudad de París (Francia), por el marchante de arte Eduardo Moratilla.

En el año 1.952 d.C. la pintura fue comprada por el coleccionista de arte y músico italiano Mario Modestini.

Hasta que en el año 1.993 d.C. Betsabé en el Baño fue regalada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 135,9 cm y una anchura de 97,8 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa la figura de Betsabé (también conocida como Bathsheba) en su baño, con las manos tenzándose el cabello con una cinta azul para formar un peinado más intrincado y elaborado. 

Está sentada sobre cojines, con una paño blanco con pliegues colocado alrededor de la cintura y cayéndole por el muslo derecho, colocada estratégicamente para taparle su sexo.

La pierna derecha y pie derecho están dentro de una gran palangana. Aparte se puede apreciar como situado delante de la palangana en el lado derecho hay un recipiente volcado que se supone que fue utilizado para llenar la palangana en la que se baña Betsabé.

Mientras que la pierna y pie izquierdo están estirados hacia delante, en concreto resalta como una asistente arrodillada le seca el pie y dirige su mirada a otra asistente de pie, situada a su lado, que sostiene un gran espejo en el que se mira Betsabé y gira la cabeza devolviéndole la mirada. 

Las tres mujeres están representadas en un primer plano, en una estancia compuesta por una gran columna y una cortina gris, además se puede apreciar como la estancia abierta da a un patio que conecta con el palacio del rey de Israel.

Se puede observar como en un segundo plano aparece representado el rey David, asomado y observando desde la azotea de su palacio como se baña.

Con respecto a la composición destacar el uso de una paleta policromada formada por colores pálidos, así como la delicada languidez de Betsabé y la utilización de pinceladas suaves y refinadas.

Para finalizar subrayar que la pintura hace referencia a la historia bíblica del Antiguo Testamento, de Betsabé y el rey de Israel David que se relata en el segundo libro de Samuel (11:1 a 12:25).

David vio a la bella Betsabé desde el techo de su palacio mientras se bañaba, aunque estaba casada, la sedujo y ella quedó embarazada. 

Más tarde, David hizo que su esposo, Urías (apodado "el Hitita") soldado del ejército del rey y uno de los llamados "valientes de David", muriera en batalla y convirtió a Betsabé en una de sus esposas, llegando a ser su esposa más preciada.

Pero Dios castigó a David por sus actos con la muerte del primer hijo con Betsabé, sin embargo otro de sus hijos en común Salomón finalmente sucedió a su padre como rey de Israel.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

jueves, 19 de diciembre de 2024

Retrato Bordado de Carlos I

El Retrato Bordado de Carlos I es un retrato datado aproximadamente entre los años 1.650 d.C. y 1.670 d.C., perteneciente al arte barroco.

Retrato Bordado de Carlos I

Lo primero que se conoce es que perteneció al hombre de negocios, escritor y coleccionista de arte británico Sir Percival Joseph Griffiths.

Hasta que en el año 1.939 d.C. el retrato fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 15,2 cm y una anchura de 11,4 cm.

Se trata de un retrato en miniatura bordado que representa al rey Carlos I de Inglaterra, Escocia e Irlanda de perfil mirando hacia el lado izquierdo.

Está ataviado con un jubón (prenda que cubría desde los hombros hasta la cintura) de color marrón y blanco abotonado en el frente y por encima lleva una valona de encaje (tipo de cuello vuelto amplio que cae sobre la vestimenta).

También se puede apreciar como alrededor del cuello y cayéndole por delante del pecho lleva una cinta gruesa de color azul claro, de la que cuelga el medallón de la Orden de la Jarretera (la orden de caballería más importante y antigua de Gran Bretaña).

El cabello castaño claro ondulado le cae hasta la altura de los hombros. Además se observa como en el rostro ovalado destacan las cejas pobladas, los ojos claros, la nariz recta, los labios carnosos, el bigote y la barba puntiaguda.

Situado en el margen, en hilo de plata, se puede leer la siguiente inscripción:

"Deus meus est Rvpis mea Psa: 18"

Cuya traducción aproximada es:

"El Señor es mi roca"

Una referencia al Salmo 18:2-3, que dice: 

"El Señor es mi roca, mi baluarte y mi libertador; mi Dios, mi roca en quién me refugio; mi escudo y el cuerno de mi salvación, mi alto inexpugnable. Invoco al Señor, que es digno de ser alabado, y soy salvo de mis enemigos".

Es más destacar que se dice que el Salmo 18:2-3 era supuestamente uno de los favoritos del rey Carlos I de Inglaterra, Escocia e Irlanda .

Cabe resaltar que el Retrato Bordado de Carlos I está considerado uno de los ejemplos más bellamente ejecutados de bordado profesional datados del siglo XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.700 d.C.) y puede entenderse como un objeto conmemorativo asociado al culto al "rey mártir", que se desarrolló en el año 1.649 d.C. tras la decapitación del rey Carlos I de Inglaterra, Escocia e Irlanda .

Con respecto a la composición destacar que todos los elementos, desde el collar de encaje y el medallón que luce el rey, hasta los reflejos en sus ojos y cabello, están realizados con minuciosas puntadas de seda e hilo de metal.

Para finalizar subrayar que la imagen del rey se basó en un grabado datado en el año 1.641 d.C. del grabador y dibujante checo Wenceslaus Hollar (también conocido como Václav Hollar o Wenzel Hollar), que a su vez fue tomado de un retrato del rey Carlos I y la reina Enriqueta María datado en el año 1.632 d.C. y realizado por el pintor y grabador flamenco Anton van Dyck.

Aparte resaltar que ésta misma imagen aparece como fronstispicio de las "Reliquiae Sacrae Carolae", también conocido como "Las obras del gran monarca y glorioso mártir rey Carlos I", un libro originalmente publicado en el año 1.650 d.C. y que recoge los acontecimientos que llevaron a la ejecución del rey Carlos I de Inglaterra, Escocia e Irlanda

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Escena de Batalla: Asirios Asaltando una Ciudadela

La Escena de Batalla: Asirios Asaltando una Ciudadela es un fragmento de relieve datado aproximadamente entre los años 704 a.C. y 681 a.C.,...