Nueve Paneles de Plumas

Los Nueve Paneles de Plumas son paneles datados aproximadamente entre los años 600 d.C. y 900 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte wari.

Nueve Paneles de Plumas

Fueron hallados en el año 1.943 d.C. por unos campesinos en el yacimiento arqueológico Corral Redondo, en el valle de Churunga (también conocido como valle de Chorunga).

Localizado en el distrito de Río Grande, situado en la provincia de Condesuyos, en el departamento de Arequipa (Perú).

Perteneció a la colección de arte del coleccionista estadounidense Louis Slavitz, localizada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.956 d.C. fueron comprados por el político estadounidense y vicepresidente de los Estados Unidos de América Nelson Aldrich Rockefeller.

Entre los años 1.956 d.C. y 1.978 d.C. fueron prestado al Museo de Arte Primitivo de Nueva York (Estados Unidos de América), un antiguo museo dedicado a las culturas indígenas de América, Asia, Europa, Oceanía y África.

Hasta que en el año 1.979 d.C. los Nueves Paneles de Plumas fueron legados al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), donde pasaron a formar parte de la colección de arte permanente del museo.

Nueve Paneles de Plumas

Nueve Paneles de Plumas

Nueve Paneles de Plumas

Descripción

Tienen (los nueve paneles) una altura total de 207 cm y una anchura total de 614 cm. 

Están elaborados en plumas sobre algodón y pelo de camélido.

Se tratan de nueve paneles de plumas, cada uno densamente cubierto por decenas de miles de pequeñas plumas corporales brillantes de guacamayo, principalmente del guacamayo azul y amarillo.

Las plumas han sido fijadas sobre una base tejida de algodón y fibra de camélido (alpaca o llama), además cada pluma ha sido amarrada de forma individual a mano con un nudo corredizo a hilos de algodón.

Posteriormente éstas cuerdas repletas de plumas fueron cosidas de forma horizontal y escalonada a la tela base de cada panel.

Los paneles presentan dimensiones muy similares y la mayoría tiene rectángulos alternos de plumas azules y amarillas, provenientes de las zonas dorsal y ventral del guacamayo respectivamente.

También cuentan con una banda tejida en la parte superior y la mayoría incluye cordones trenzados que cuelgan de los lados más estrechos.

Cabe enfatizar que si bien los cordones sugieren que éstas piezas estaban destinadas a fijarse a algún tipo de estructura, su función exacta sigue siendo un misterio difícil de descifrar.

Aunque algunos investigadores sugieren que originalmente podrían, durante ceremonias importantes, haber adornado las paredes de algún recinto sagrado (huacas) o las paredes de templos.

Asimismo resaltar que los paneles presentan un diseño puramente abstracto con cuadrantes geométricos de color amarillo brillante y azul.

Es más su apariencia minimalista sorprende en la actualidad por su vigencia y similitud con las obras englobadas en el arte abstracto moderno.

En cuanto a la composición destacar que aunque los paneles se hallaron en las áridas estribaciones occidentales de los Andes, el hábitat natural de éstas aves es la selva amazónica, situada más al este.

Por lo tanto el esfuerzo necesario para conseguir una gran cantidad de plumas o de aves vivas sugiere que éstas plumas coloridas eran sumamente valoradas.

Para finalizar subrayar que el descubrimiento de un antiguo sitio funerario o ceremonial en la zona alta del valle de Churunga, en el extremo sur del Perú, pasó casi inadvertido en el convulso mundo de 1.943 d.C.

Décadas más tarde, dos generaciones de especialistas en estudios andinos necesitarían reconstruir minuciosamente la desconcertante historia de éste hallazgo, que incluía la colección más grande y espectacular de arte plumario peruano precolombino conocida hasta la fecha.

Durante el hallazgo del años 1.943 d.C. se hallaron un conjunto de noventa y seis paneles de plumas, incluido los Nueve Paneles de Plumas, los paneles habían sido enrollados y colocados de forma segura en vasijas de cerámica antropomorfas.

Sobretodo resaltar que el clima extremadamente árido del desierto costero Andino permitió su conservación impecable por más de mil años. 

Actualmente se encuentran en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Plato de Libación con Brazos de Ka

El Plato de Libación con Brazos de Ka, también conocido como Plato de Libación con Brazos de Ka que forman un Ankh, es un plato datado aproximadamente entre los años 3.100 a.C. y 2.900 a.C., perteneciente al arte egipcio.

Plato de Libación con Brazos de Ka

Plato de Libación con Brazos de Ka

En concreto se encuentra datado durante el período Dinástico Temprano (también conocido como Período Arcaico o Época Tinita, período comprendido entre los años 3.100 a.C. y 2.686 a.C.).

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte del coleccionista  y marchante de arte francés Maurice Sharia Nahman (también conocido como Maurice Nahman), ubicada en la ciudad del El Cairo (Egipto).

En el año 1.919 d.C. el Plato de Libación con Brazos de Ka fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de arte egipcio.

Descripción

Tiene una altura de 3,5 cm, una anchura de 14,5 cm y una longitud de 17,6 cm. Está elaborado en grauvaca, mediante las técnicas de incisión, tallado y grabado.

Cabe destacar que la grauvaca es una roca sedimentaria arenisca de tono gris verdoso que era  muy valorada por los artesanos egipcios debido a su durabilidad y fino acabado.

Se trata de un plato de libación o plato ritual que presenta la forma de dos jeroglíficos egipcios tallados e intrincadamente entrelazados.

Los dos brazos doblados o curvados hacia arriba que enmarcan tres de los lados del plato se representan como "Ka", palabra egipcia antigua que significa "espíritu" o "fuerza vital", mientras que el lazo y el nudo central forman el jeroglífico egipcio "Ankh", que significa "vida" o "vivir". 

Por lo tanto la combinación tridimensional de los dos símbolos podría interpretarse como la frase "vida a tu espíritu" o "vida para tú espíritu".

Aunque también la combinación tridimensional de ambos puede interpretarse como el nombre de una persona de alto rango "Ankh-ka".

En cuanto a la funcionalidad destacar que se piensa que originalmente el plato pudo haber sido diseñado como un recipiente sagrado para verter líquidos purificadores.

Los investigadores creen que habitualmente se vertía agua durante los rituales funerarios u ofrendas a los dioses, de forma que al deslizarse el agua por el plato el agua adoptaba simbólicamente la fuerza mágica y protectoras de los jeroglíficos tallados, transmitiendo el significado de pureza y vida eterna.

Para finalizar subrayar que el Plato de Libación con Brazos de Ka está considerado una obra maestra de la talla en piedra del período Dinástico Temprano.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Colmillo con Relieves Figurativos

El Colmillo con Relieves Figurativos es un colmillo datado aproximadamente entre los años 1.880 d.C. y 1.890 d.C., perteneciente al arte africano, en concreto al arte vili.

Colmillo con Relieves Figurativos

Colmillo con Relieves Figurativos

Fue elaborado por un artista perteneciente al pueblo Vili, un grupo étnico bantú de África Central que constituye un subgrupo del pueblo Kongo.

Están asentados en el suroeste de Gabón, la República del Congo, Cabinda y la República Democrática del Congo.

El 22 de noviembre del año 1.988 d.C., fue subastado dentro del lote nº202, por la casa de subastas Christie's South Kensington, siendo comprado por los coleccionistas Peter y Monika Wengaf.

El 23 de mayo del año 1.989 d.C. fue comprado por los médicos humanitarios y coleccionistas de arte estadounidenses Daniel Malcolm y Mariam Malcom.

Pasando a formar parte de su colección privada de arte ubicada en el pueblo de Tenafly, situado en el condado de Bergen, en el estado de Nueva Jersey (Estados Unidos de América).

En el año 2.022 d.C. el Colmillo con Relieves Figurativos fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), por Marian Malcolm en memoria de su esposo el Daniel Malcolm. 

Colmillo con Relieves
Figurativos (detalle)

Colmillo con Relieves
Figurativos (detalles)

Colmillo con Relieves
Figurativos (detalles)

Colmillos con Relieves
Figurativos (detalles)

Descripción

Tiene una altura de 67,3 cm, una anchura de 14 cm y un diámetro de 6,4 cm. 

Está elaborado en marfil de elefante, mediante las técnicas de incisión, tallado y grabado.

Se trata de un colosal colmillo de elefante ornamentado en toda la superficie exterior por dos grupos de personajes distintos, representados con estilos diferentes.

Las escenas descienden desde la punta en un espiral que refleja las nociones kongo del "luzîngu" (es decir, ciclo de vida).

Éstas imágenes representadas muestran la brutalidad de la trata de esclavos, comenzando por la violencia de la captura.

Las escenas que representan el traslado forzoso de personas esclavizadas se alternan con otras que muestran negociaciones entre jefes regionales y comerciantes europeos, en las que los tejidos ocupan un lugar destacado.

La base del colmillo, organizada mediante una cuadrícula, está realizada con un estilo más lineal y de menor relieve, lo que sugiere la mano de un segundo tallador.

Este segmento representa a los dioses y diosas del calendario romano, un tema probablemente adaptado de materiales impresos facilitados por un mecenas europeo.

Para finalizar subrayar que la naturaleza violenta y recurrente de las interacciones cotidianas representadas por el artista en el Colmillo con Relieves Figurativos constituye una crítica incisiva a la explotación europea.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Peine Decorado con Hileras de Animales Salvajes

El Peine Decorado con Hileras de Animales Salvajes es un peine datado aproximadamente entre los años 3.200 a.C. y 3.100 a.C., perteneciente al arte egipcio.

Peine Decorado con Hileras de Animales Salvajes

Peine Decorado con
Hileras de Animales Salvajes

En concreto fue elaborado durante el período Naqada III (correspondiente con la fase final de la cultura Naqada, período comprendido entre los años 3.200 a.C. y 3.000 a.C.).

Se piensa que pudo haber sido encontrado durante unas excavaciones arqueológica realizadas entre los años 1.902 d.C. y 1.914 d.C. en el Valle de los Reyes (Egipto).

Lo primero seguro que se conoce es que fue propiedad del abogado y financiero estadounidense Theodore Monroe Davis (también conocido como Theodore M. Davis), formando parte de la colección de arte Theodore M. Davis Collection.

Hasta que en el año 1.915 d.C. el Peine Decorado con Hileras de Animales Salvajes fue legado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a partir del año 1.930 d.C. a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de arte egipcio.

Peine Decorado con Hileras de Animales Salvajes

Peine Decorado con
Hileras de Animales Salvajes

Descripción

Tiene una altura de 5,5 cm, una anchura de 3,9 cm y un grosor de 0,5 cm. 

Está elaborado en marfil, mediante las técnicas de grabado, incisión y tallado.

Se trata de un peine ornamentado en ambas caras del mango con figuras de animales salvajes dispuestas en hileras horizontales, una organización espacial característica del arte egipcio posterior al período Naqada.

Entre los animales representados se incluyen elefantes y serpientes, aves zancudas y una jirafa, hienas, ganado vacuno y, posiblemente, jabalíes.

Cabe resaltar que la presencia de disposiciones similares de éstas mismas criaturas en otros objetos de marfil tallado sugiere que tanto la organización como la elección de los animales no fueron aleatorios.

La imagen de elefantes pisoteando serpientes sugiere que ésta parte de la escena tenía un carácter simbólico (se conoce que las mitologías de muchos pueblos africanos asocian a los elefantes y a las serpientes con la creación del universo).

Además destacar que algunos investigadores creen que la hilera superior del peine podría simbolizar una deidad creadora a la que deben su existencia los demás animales representados.

También se puede apreciar como en el borde inferior del peine están los restos de los dientes, en la actualidad perdidos.

En cuanto a la composición resaltar que su detallada decoración sugiere que se trataba de un objeto ceremonial y no simplemente de un utensilio para peinarse.

Para finalizar subrayar que los peines y mangos de cuchillos de marfil finamente tallados, elaborados hacia el final de la prehistoria de Egipto, demuestran el alto nivel técnico alcanzado por los artistas egipcios.

Los investigadores piensan que es posible que el Peine Decorado con Hileras de Animales Salvajes originalmente formaba parte del ajuar funerario de un individuo de la élite que vivió hace unos 5.200 años en Egipto.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Cuentas Sumerias de Collar

Las Cuentas Sumerias de Collar, también conocidas como Cuentas de Collar, son cuentas datadas aproximadamente entre los años 2.600 a.C. y 2.500 a.C., perteneciente al arte mesopotámico, en concreto al arte sumerio.

Cuentas Sumerias de Collar

Cabe destacar que es conocido que se fueron elaboradas durante el período Dinástico Arcaico (también conocido como período protodinástico de Mesopotamia o período presargónico).

Fueron halladas entre los años 1.928 d.C. y 1.929 d.C. durante las excavaciones realizadas por el arqueólogo británico Leonard Woolley.

En nombre de la Expedición Conjunta del Museo Penn (Universidad de Pensilvania) y el Museo Británico de Londres.

Las excavaciones fueron realizadas en el interior de la "Gran Fosa de la Muerte", localizada en el Cementerio Real de Ur, ubicado en la actual provincia de Dhi Qar, en el sur de Irak.

Las cuentas fueron cedidas, durante el reparto de hallazgos, al Museo Penn (Museo de Arqueología y Antropología de la Universidad de Pensilvania), localizado en el campus de Penn, en el barrio de University City de Filadelfia (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.933 d.C. las Cuentas Sumerias de Collar fueron compradas por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), donde pasaron a formar parte de su colección de arte dentro del arte del antiguo Asia Occidental.

Descripción

Tiene una longitud de 54 cm. Están elaboradas en oro y lapislázuli.

Se trata de cuatro hilos de cuentas de forma bicónica, que se alternan en grupos de tres láminas de oro y seis cuentas de lapislázuli, finalizando con una de oro y tres de lapislázuli.

Esta repetición crea un rico contraste cromático dentro del sistema artístico sumerio, caracterizado por su gran uniformidad.

Cabe destacar que es posible que los distintos materiales tuvieran significados específicos, dado que textos posteriores describen sus propiedades mágicas y sus propiedades como amuletos.

Aunque sin duda, evocaban tierras lejanas, ya que ninguna de las cuentas es autóctona del sur de Mesopotamia, lo que pone de manifiesto la importancia de las conexiones a larga distancia para la obtención de materiales preciosos.

El lapislázuli procedía probablemente de la región de Badakhshan, en Afganistán, mientras que el oro llegaba a Mesopotamia desde diversas direcciones, pues existían antiguas fuentes de extracción en Irán, Anatolia e incluso tan lejos como Egipto.

Para finalizar subrayar que éstos cuatro hilos de cuentas proceden de la llamada "Gran Fosa de la Muerte", una de las tumbas reales de Ur.

Asimismo resaltar que los setenta y ocho cuerpos femeninos hallados en interior de la fosa estaban adornados con magníficas joyas de oro, lapislázuli y cornalina.

También resaltar que al excavarse en Ur, rara vez se han encontrado las cuentas en su disposición original, ya que inicialmente estaban ensartadas con materiales orgánicos que se desintegraron hace mucho tiempo.

Por ello enfatizar, que los investigadores no se sabe con certeza si las Cuentas Sumerias de Collar fueron halladas en su orden original.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Ganso Sagrado de Gandhara

El Ganso Sagrado de Gandhara es una reliquia datada aproximadamente en el siglo I d.C. (período comprendido entre los años 1 d.C. y 100 d.C.), perteneciente al arte indio.

Ganso Sagrado de Gandhara

Ganso Sagrado de Gandhara

En concreto fue elaborado durante el Imperio Kushán (imperio sincrético entre los años 30 y 375 formado por la etnia yuezhi).

Fue hallado en el interior de la estupa (monumento funerario) 32 del grupo Gansu, ubicada en el antiguo suburbio arqueológico de Babar Khana, localizado al norte de la ciudad fortificada de Sirkap, en el yacimiento arqueológico de Taxila (Pakistán).

Se conoce que perteneció a la colección de arte del comerciante de arte británico Michael Caspari, ubicada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

Hasta que en el año 1.867 d.C. el Ganso Sagrado de Gandhara fue comprado por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Ganso Sagrado de Gandhara

Ganso Sagrado de Gandhara

Descripción

Tiene un diámetro máximo de 3,40 cm, una altura de 3,80 cm, una longitud máxima de 10 cm y una anchura de 6,90 cm. 

Está elaborado en cristal de roca, mediante las técnicas de incisión, tallado y grabado.

Se trata de una objeto con forma zoomorfa, que presenta la forma hueca de un ganso, es decir, es la representación de un hamsa (también conocido como jansá), una palabra sánscrita que representa a un ave sagrado (como un cisne o un ganso).

El cuerpo hueco y globular está abierto por la parte superior y rematado por un borde de sección redondeada, salvo en la zona posterior, donde pudo haber sido parcialmente aplanado en la antigüedad (posiblemente para encajar una tapa).

Un pequeño orificio situado en el punto de unión de la cola con el cuerpo, que originalmente pudo haber servido para su sujeción.

La cabeza se encuentra unida al cuerpo por un cuello corto, además se puede apreciar cómo presenta unos ojos saltones y un pico ancho.

En los costados hay unas protuberancias de contorno ovalado que representan las alas, y muestran una banda con rayado cruzado en la parte delantera y estrías horizontales en la trasera (que aluden a las plumas cobertoras y a las remeras), mientras que la cola presenta estrías rectas y regulares dispuestas en ángulo recto con respecto al cuerpo.

La parte inferior muestra dos pequeños orificios a cada lado, realizados de forma tosca y con daños superficiales localizados, posiblemente destinados a la fijación de las patas.

En cuanto al estado de conservación resaltar que el cristal de roca presenta desconchados, grietas y decoloración, también un gran defecto interno o grieta que se extiende desde el cuello hacia un lado, mostrando una decoloración amarillenta.

Aparte el ala derecha presenta desconchados y se puede apreciar como el extremo del ala derecha se ha perdido.

Para finalizar subrayar que originalmente en el momento de su hallazgo el Ganso Sagrado de Gandhara contenía una lámina o placa de oro con una inscripción (en la actualidad perdida).

Qué se ha traducido en el sentido de que una reliquia de Buda fue depositada en su interior por una mujer llamada Sirā, en beneficio de sus padres para una existencia futura.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

La Italiana

La Italiana, también conocida como L'Italien, es una pintura datada en el año 1.887 d.C., perteneciente al postimpresionismo.

La Italiana

La Italiana

Fue pintada por el pintor neerlandés Vincent Willem van Gogh (también conocido como Vincent van Gogh).

Perteneció a la colección de arte de la editora neerdelandesa y traductora Johanna Gezina "Jo" van Gogh-Bonger.

Formando parte de la colección de arte "Collection Mme J. Van Gogh-Bonger", localizada en la ciudad de Ámsterdam (Países Bajos).

En el año 1.931 d.C. la pintura fue comprada por el marchante de arte francés Paul Rosenberg, pasando a formar parte de la colección de la "Galerie Paul Rosenberg", ubicada en la ciudad de París (Francia).

En el año 1.965 d.C. la pintura fue adquirida por la coleccionista de arte Eva Gebhard-Gourgaud, en ese mismo año, el 7 de octubre, fue donada al Estado Francés.

En el decreto del 21 de octubre del año 1.965 d.C. se asignó a la pintura La Italiana como parte de la colección de arte del Museo del Louvre de París (Francia).

Hasta que en el año 1.986 d.C. la pintura fue trasladada al Museo de Orsay de París (Francia), donde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 81,5 cm y una anchura de 60,5 cm, mientras que con el marco presenta una altura de 112,3 cm, una anchura de 91,6 cm y un grosor de 9,4 cm. 

Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de un retrato que representa a una mujer sentada en una silla azul de la cual solo se puede apreciar una esquina detrás de ella.

Está ataviada con un atuendo tradicional de la región italiana de Ciociaria (que destaca por su origen campesino), con un pañuelo rojo que le cubre el cabello oscuro y sosteniendo, con sus manos cruzadas en su regazo, un par de flores silvestres que hacen alusión a la vida idílica y rústica del campo.

Además el fondo es monocromo de un color amarillo uniforme, lo que evoca la técnica de utilizar puntos de color puro y opaco propia de las estampas japonesas.

El borde asimétrico está compuesto por una franja en los bordes izquierdo y superior del lienzo que han sido pintadas con trazos entrecruzados de los mismos colores que la falda de la mujer.

En cuanto a la composición resaltar que la ausencia de perspectiva tridimensional, el uso del borde asimétrico y el fondo monocromático, que confiere cierto protagonismo a la figura de la mujer, muestran una clara influencia al arte oriental.

La modelo ha sido representada con trazos que se nerviosos, gruesos y cruzados qué se imbrican y se cortan, utilizando colores complementarios para intensificar su percepción.

Los colores rojos y lo verdes, así como los azules y los anaranjados se encuentran representados yuxtapuestos, dando como resultado una paleta cromática muy expresiva y violenta.

Asimismo resaltar que en el rostro de la mujer predominan el rojo y el verde, ilustrando como el autor consigue mediante la utilización de éstos dos colores expresar las pasiones de la humanidad.

Para finalizar subrayar que para la mayoría de los investigadores la mujer representada podría ser la italiana Agostina Segatori, antigua modelo y propietaria del Café du Tambourin, en el boulevar de Clichy, ubicada en el distrito de Montmartre de la ciudad de París (Francia).

Es más se conoce que unos meses antes de pintar éste retrato el artista mantuvo una breve relación sentimental con ella, durante su estancia en la ciudad de París entre el año 1.886 d.C. y febrero del año 1.888 d.C.

Actualmente se encuentra en el Museo de Orsay, Francia.

Claw Beaker

El Claw Beaker, también conocido como Vaso de Garras, es un recipiente datado aproximadamente entre los siglos V d.C. y VI d.C. (período comprendido entre los años 401 d.C. y 600 d.C.), perteneciente al arte medieval.

Claw Beaker

En concreto se encuentra englobado dentro del arte prerrománico y dentro de éste pertenece al arte merovingio.

Claw Beaker

Fue hallado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en el municipio de Bellenberg-Voehringen, situado en el distrito de Nuevo Ulm, ubicado en el estado de federado de Baviera (Alemania).

También es sabido que formó parte de la colección de arte del coleccionista Jules Charvet, localizada en la ciudad de París (Francia).

Después fue comprado por el financiero, filántropo y coleccionista de arte estadounidense Henry Gurdon Marquand, pasando a formar parte de su colección de arte ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.881 d.C. el Claw Beaker fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de arte medieval.

Claw Beaker

Claw Beaker

Claw Beaker

Claw Beaker

Claw Beaker

Descripción

Tiene una altura de 18,7 cm y un anchura de 10,8 cm.

Se trata de un recipiente, un vaso de vidrio con una decoración simple, que presenta un cuerpo alargado, un bordes superior acanalado y una pequeña base acampanada.

Llama la atención como se encuentra ornamentado con un apéndice hueco en forma de garras realizado aplicando los filamentos e hilos de vidrio fundido sobre el cuerpo soplado y tirando de ellos hacia abajo.

Asimismo se pueden apreciar como también presenta decoración compuesta por texturas acanaladas (líneas pararelas) que han sido creada mediante el soplado en un molde estriado.

Con respecto al estado de conservación destacar que en general se encuentra en buen estado, gracias a que originalmente formaba parte del ajuar funerario y fue hallado en el interior de una tumba perteneciente a la élite merovingia, siendo un símbolo de estatus y riqueza para el más allá.

En cuanto a la composición resaltar que debido a las impurezas de hierro en la arena utilizada, el vidrio presenta tonalidades verde oliva, amarillentas o aguamarina.

Además cabe subrayar que éste tipo de vasos están considerados una de las piezas más icónicas y lujosas dentro del arte del vidrio merovingio.

Igualmente enfatizar qué es conocido que la producción continuó las tradiciones técnicas de los talleres romanos tardíos de la región de Renania y el norte de la Galia, pero los merovingios desarrollaron tipologías y decoraciones completamente nuevas.

Para finalizar destacar que el Claw Beaker fue expuesto desde el 15 de mayo del año 2.010 d.C. al 2 de enero del año 2.011 d.C. en la exhibición "Medieval Glass for Popes, Princes, and Peasants" ("Vidrio medieval para: papas, príncipes y campesinos"), ocurrida en el Corning Museum of Glass (Museo de vidrio Corning) de la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América). 

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Vasija con Forma de Ciervo

La Vasija con Forma de Ciervo, también conocida como Recipiente con Forma de Ciervo, es un recipiente datado aproximadamente entre los años 1.350 d.C. y 1.470 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte chimú.

Vasija con Forma de Ciervo

Vasija con Forma de Ciervo

Lo primero que se conoce es que la vasija estaba en posesión del galerista estadounidense de origen alemán André Emmerich.

Siendo expuesta en la "André Emmerich Gallery", ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.967 d.C. fue comprada por el político estadounidense y vicepresidente de los Estados Unidos de América Nelson Aldrich Rockefeller.

Entre los años 1.967 d.C. y 1.969 d.C. fue prestada al Museo de Arte Primitivo de Nueva York (Estados Unidos de América), un antiguo museo dedicado a las culturas indígenas de América, África, Asia, Europa y Oceanía.

Hasta que en el año 1.978 d.C. la Vasija con Forma de Ciervo fue legada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte permanente.

Descripción

Tiene una altura de 13 cm, una anchura de 8,3 cm y un grosor de 19,7 cm. Está elaborada en plata.

Se trata de un recipiente, una vasija con forma zoomorfa, con forma de ciervo que ha sido elaborado mediante numerosas piezas de lámina de plata moldeadas por separado y unidas minuciosamente entre sí mediante soldadura.

El ciervo destaca por la representación de sus patas dobladas bajo su cuerpo, el ojo finamente delineado, los cuernos, el hocico y la cola que presenta forma de una pequeña asa.

Además llama la atención como el recipiente entero adopta la anatomía del animal en una postura orgánica, mostrando un marcado naturalismo. 

También resaltar que a pesar de que la vasija presenta una apariencia puramente escultórica, el interior se encuentra hueco y está diseñado como un recipiente para albergar y verter líquidos, probablemente con fines rituales o ceremoniales.

Puesto que es conocido que las vasijas con formas de animales (zoomorfas) poseían una profunda carga ritual y simbólica en el antiguo Perú.

Y eran utilizadas en ceremonias de la clase social alta (la élite) y frecuentemente eran depositadas en contextos funerarios de alto estatus.

Para finalizar subrayar que es sabido que en la costa norte del Perú se elaboraron vasijas con formas de animales desde el segundo milenio a.C. (período comprendido entre los años 2.000 a.C. y 1.001 a.C.) hasta la época de la conquista (período comprendido entre los años 1.532 d.C. y 1.572 d.C.).

La Vasija con Forma de Ciervo fue fabricada cuando la producción de metal en Perú había alcanzado su apogeo y muestra el naturalismo que caracterizó obras cerámicas similares creadas por culturas anteriores.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Árbol y Casas

Árbol y Casas es una pintura datada en el año 1.919 d.C., perteneciente al expresionismo.

Árbol y Casas

Fue pintado por el pintor, dibujante y escultor italiano Amedeo Clemente Modigliani (también conocido como Amedeo Modigliani).

Es sabido que la pintura fue comprada por el mecenas y coleccionista francés Jonas Netter.

Pasando de ésta manera a formar de la colección de arte "Colección Netter", ubicada en la ciudad de París (Francia).

Lo último que se conoce es que la pintura Árbol y Casas fue adquirida por un coleccionista de arte privado, pasando a formar parte de su colección de arte ubicada en la ciudad de París (Francia).

Descripción

Tiene una altura de 55 cm y una anchura de 46 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa un paisaje de la Costa Azul (también conocida como Riviera Francesa), localizada al sureste de Francia.

En el paisaje destaca la representación de un árbol sin hojas y casas estilizadas en el fondo, las casas están representadas con formas geométricas simples y las ramas del árbol están representadas con líneas curvas y fluidas.

Además destaca cómo el árbol sirve como una línea vertical fuerte que divide el cuadro detrás de él, dónde se pueden apreciar las casas típicas de la región.

También se puede observar cómo en la esquina inferior derecha se puede leer la firma del autor: "MODIGLIANI".

Con respecto a la composición resaltar que las pinceladas están compuestas por líneas suaves y alargadas, así como una composición con una perspectiva plana que trasmite una sensación de quietud y melancolía.

En cuanto a la policromía, la paleta de colores utilizada es completamente terrosa y sobria, ya que el autor buscaba capturar emociones y formas simples más allá de una escena realista.

Para finalizar subrayar que la pintura Árbol y Casas fue una de las últimas pinturas que pintó el pintor, dibujante y escultor italiano Amedeo Modigliani antes de su muerte.

Además resaltar que es una de las pocas pinturas del autor dónde representa la naturaleza, puesto que se especializó en pintar retratos.

Actualmente se encuentra en posesión de un coleccionista privado.

Linga con Base Arquitectónica

La Linga con Base Arquitectónica es una obra datada aproximadamente en el año 975 d.C., perteneciente al arte camboyano o arte jemer. 

Linga con Base Arquitectónica

Lo primero que se conoce es que se encontraba en posesión de la casa de subastas Spink & Son Ltd., ubicada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

En el año 1.981 d.C. fue comprado por el coleccionista de arte Randall Kreiling, pasando a formar parte de su colección de arte localizada en la ciudad de Ginebra (Suiza).

El 14 de noviembre del año 1.988 d.C. fue subastado, dentro del lote 50, por la casa de subastas Sotheby's de Londres (Gran Bretaña).

Siendo comprado por la editora y filántropa Enid Haupt, pasando a formar parte de su colección de arte situada en la ciudad de Greenwich, en el estado de Connecticut (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.988 d.C. la Linga con Base Arquitectónica fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 37,5 cm, una anchura de 37,5 cm y un grosor de 28,6 cm. Está elaborado en piedra arenisca gris, mediante las técnicas de incisión, tallado y grabado.

Se trata de un obra de arte de piedra tallada de un Linga (emblema fálico de Shiva) con una base arquitectónica perteneciente al periodo de Angkor (Camboya).

El pilar superior anicónico (es decir, fálico) representa al dios Shiva (dios de la destrucción, la regeneración, dios patrón del yoga, la meditación y las artes), la conciencia divina masculina y el gran principio generativo del universo.

La base es un pedestal arquitectónico cuadrado con un canal de desagüe que representa a la diosa Shakti (diosa hindú del poder y la energía femenina), la energía creativa femenina y matriz del cosmos.

En cuanto a la composición resaltar que el linga insertado firmemente en el centro del pedestal simboliza el equilibrio dinámico e inseparable entre la creación, preservación y destrucción universal.

Es más enfatizar que los reyes jemeres se identificaban a sí mismos con Shiva (Deveraja), por lo que colocar un linga en la cima de sus templos más importantes como parte de su parafernalia real legitimaba su poder sagrado en la Tierra.

Para finalizar subrayar que se conoce que durante las ceremonias en los templos de Angkor, los sacerdotes vertían agua sagrada, leche o aceites sobre la punta redondeada del linga.

El líquido fluía hacia abajo por la columna, para acumularse en la base arquitectónica y saliendo purificado a través del característico canal de desagüe lateral.

Los fieles recogían este líquido sagrado en la salida con la finalidad de recibir bendiciones de fertilidad, prosperidad y liberación espiritual.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Tecpatl (Tláloc, Señor de la Lluvia)

Tecpatl (Tláloc, Señor de la Lluvia) son unos cuchillos ceremoniales datados aproximadamente entre los años 1.502 d.C. y 1.520 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte azteca o arte mexica.

Tecpatl (Tláloc, Señor de la Lluvia)

Fueron hallados durante unas excavaciones arqueológicas realizadas entre los años 1.978 d.C. y 1.982 d.C. por el arqueólogo y antropólogo dominicano-mexicano Eduardo Matos Moctezuma.

En la Ofrenda 52 del Templo Mayor de Tenochtilan, situada en el lado este de la estructura.

Correspondiente a la Etapa Constructiva VII (período comprendido aproximadamente entre los años 1.500 d.C. y 1.521 d.C.).

Durante la primera etapa del Proyecto Templo Mayor (programa de investigación arqueológica del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), cuyo objetivo es explorar y estudiar el Recinto Sagrado de Tenochtitlan.

Poco después de su descubrimiento, en el año 1.980 d.C., los Tecpatl (Tláloc, Señor de la Lluvia) pasaron a formar parte de la colección de arte del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), en México.

Descripción

Cada uno presenta una altura de 6,7 cm y una longitud de 22,8 cm. Están elaborados en pedernal (sílex), obsidiana y pigmentos.

Se trata de un par de tecpatl, es decir, cuchillos rituales, un cuchillo de sacrificio que son considerados seres vivos, capaces de representar y encarnar a los dioses.

Fueron elaborados en pedernal (sílex) un material asociado con el fuego y el rayo, decorados con obsidiana y ornamentados con pigmentos de color.

Además representan la personificación de deidades a través de rasgos faciales detallados, es decir, se les dotó de rasgos humanos, como ojos y dientes.

Cabe destacar que los tecpatl son un elemento crucial dentro de la cosmología azteca, siendo asociados con el nacimiento, el sacrificio y los rituales agrícolas.

Asimismo resaltar la superficie de los cuchillos al ser pintado con detalles que aluden a la identidad de deidades específicas, se puede afirmar que son una variante de la personificación del dios Tláloc (dios de la lluvia, el agua, el rayo y la fertilidad), considerada una de las deidades más antiguas y veneradas de Mesoamérica).

También es sabido que originalmente los tecpatl fueron depositados como ofrendas en el Templo Mayor de la ciudad de Tenochtilan.

Para finalizar subrayar que Tecpatl (Tláloc, Señor de la Lluvia) han sido prestados desde el 18 de mayo al 18 de octubre del año 2.026 d.C. al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América) para ser expuestos en la exposición "Creatures of Myth and Imagination: Europe and the Americas" ("Criaturas de mito e imaginación: Europa y las Américas").

Actualmente se encuentra en el Instituto Nacional de Antropología e Historia, México.

Calco de una Inscripción de Bakong

El Calco de una Inscripción de Bakong, también conocido como Frotamiento de una Inscripción de Bakong, es una obra de arte datada en el siglo XX d.C. (período comprendido entre los años 1.901 d.C. y 2.000 d.C.), perteneciente al arte camboyano o arte jemer.

Calco de una Inscripción de Bakong

Estuvo en posesión y bajo el resguardo de las autoridades de la Angkor Conservation, en la provincia de Siem Reap (Camboya).

Hasta que en el año 1.959 d.C. el Calco de una Inscripción de Bakong fue donado por el arqueólogo e investigador francés Mr. Jean Laur (curador de Angkor) al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene una altura de 117,5 cm y una anchura de 59,1 cm. Está elaborado en tinta sobre papel.

Se trata de un calco que muestra caracteres de la antigua escritura Jemer tallados originalmente en piedra en el Templo de Bakong, englobado dentro del Grupo Roluos, situado en el parque arqueológico de Angkor, en el distrito de Prasat Bakong (Camboya).

La inscripción original conocida con el nombre Estela K.826 es un importante monumento arqueológico que conmemora la fundación de Bakong, el primer gran templo-montaña de piedra de la región de Angkor.

El texto, grabado en idioma sánscrito, describe como el tercer rey de Angkor del Imperio Jemer Indravarman I dedicó el templo estatal al dios Shiva (también conocido como el "Gran Dios" y representa la destrucción y el cambio) y consagró en su centro un lingam (símbolo sagrado) denominado Sri Idresvara, uniendo así el nombre del monarca con el de la deidad.

Para finalizar enfatizar que las inscripciones originales talladas en sus estelas y muros son fundamentales para poder comprender la genealogía real, la dedicación del templo al dios Shiva (también conocido como el "Gran Dios" y representa la destrucción y el cambio) y la historia política del sudeste asiático primitivo.

Aparte de que los calcos o frotamientos en papel realizados en el siglo XX d.C. (período comprendido entre los años 1.901 d.C. y 2.000 d.C.) sirvieron como una importante documentación científica.

Así como un medio para la difusión del arte Jemer o arte camboyano en las colecciones de todo el mundo.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Fragmento de Pilar con Apsaras Danzantes

El Fragmento de Pilar con Apsaras Danzantes es un fragmento de pilar datado aproximadamente entre los siglos XII d.C. y XIII d.C. (período comprendido entre los años 1.101 d.C. y 1.300 d.C.), perteneciente al arte camboyano o arte jemer.

Fragmento de Pilar con Apsaras Danzantes

Fragmento de Pilar con
Apsaras Danzantes

En concreto fue tallado durante el período Angkor (período comprendido entre los años 802 d.C. y 1.431 d.C.).

Durante el reinado del rey del Imperio Jemer Jayavarman VII (también conocido como Mahaparamasaugata).

Se conoce que perteneció a la colección de arte del museo École française d'Extrême-Orient de Phnom Penh (Camboya).

Hasta que en el año 1.936 d.C. el Fragmento de Pilar con Apsaras Danzantes fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), donde pasó a formar parte de su colección dentro del departamento de arte asiático.

Fragmento de Pilar con Apsaras Danzantes

Fragmento de Pilar con 
Apsaras Danzantes

Descripción

Tiene una altura de 83,3 cm, una anchura de 41,9 cm y una profundidad de 22,9 cm. Está elaborado en piedra arenisca, mediante las técnicas de incisión, tallado y grabado.

Se trata del fragmento de pilar que presenta en el anverso una escena de dos apsaras, es decir, dentro de la mitología hinduista y budista dos ninfas celestiales o diosas de las nueves y el agua. 

Aparecen representadas en una postura dinámica equilibrándose elegantemente sobre flores de loto abiertas bajo un arco decorativo.

Además llama la atención como ambas apsaras presentan en su rostro la característica sonrisa enigmática y serena (también conocida como "sonrisa de Angkor"), sobre la cabeza llevan coronas idénticas con forma altas y puntiagudas.

Se encuentran ataviadas con sampots (faldas cruzadas tradicionales) con los bordes o extremos vueltos hacia afuera.

También se puede apreciar como la superficie situada alrededor de la escena está ornamentada con diversos motivos geométricos y vegetales.

En cuanto a la composición destacar que el estilo artístico del fragmento fue creado durante el Imperio Jemer y refleja un estilo artístico profundamente espiritual.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que originalmente formaba parte de la decoración arquitectónica interior de un templo edificado en la antigua Camboya.

Es más se conoce que antiguamente se hacían éste tipos de tallas que servían de puente entre el mundo humano y el mundo celestial o divino. 

Por lo tanto enfatizar que las tallas eran consideradas una tradición viva, ya que las posturas de danza no eran solo arte, sino que constituyen la base de la danza clásica camboyana.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Brazalete con Remates en Forma de Animal

El Brazalete con Remates en Forma de Animal es un brazalete datado aproximadamente entre los siglos VIII a.C. y VII a.C. (período comprendido entre los años 800 a.C. y 601 a.C.), perteneciente al arte persa, en concreto al arte de Luristán.

Brazalete con Remates en Forma de Animal

Brazalete con Remates en Forma de Animal

El brazalete fue elaborado durante el período Edad de Hierro III.

Fue hallado en el año 1938 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas por el arqueólogo alemán, naturalizado estadounidense, Erich Friedrich Schmidt.

En nombre de la Segunda Expedición Holmes patrocinada por el American Institute for Persian (más tarde Iranian) Art and Archaeology.

En el antiguo asentamiento arqueológico de Surkh Dum-i-Luri (también conocido como Surkh Dum o Surkh-i-Dum), ubicado en el valle de Kuhdasht, situado en la provincia de Luristán, en los montes Zagros, al oeste de Irán.

En el año 1.943 d.C. el Brazalete con Remates en Forma de Animal fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de arte del antiguo Asia Occidental.

Descripción

Tiene una altura de 7,8 cm, una anchura de 8,15 cm y un grosor de 2 cm.

Se trata de un brazalete de bronce que presenta remates con forma de animales estilizados, se puede apreciar cómo en la parte posterior de los animales, a la altura del lomo, surge una anilla.

Además destacar que los animales aparecen representados con hocicos, alargados, bocas abiertas, ojos saltones, cuellos largos y las patas delanteras extendidas.

En cuanto a la funcionalidad destacar que originalmente el brazalete formaba parte de un gran depósito de objetos enterrados bajo la jamba de una puerta en una estructura interpretada por los investigadores como santuario.

Por lo tanto es muy probable que el Brazalete con Remates en Forma de Animal, junto con el resto de objetos, fueran ofrendas dedicadas a una divinidad.

Con respecto a la composición resaltar que aunque resulta difícil identificar a los animales debido a su estado de conservación y a su forma estilizada.

La comparación con otros brazaletes y objetos metálicos atribuidos a Luristán sugiere que se trata de leones.

Para finalizar subrayar que se conoce que la representación del león es un elemento habitual en el arte antiguo de Irán, aparte se sabe que tanto en el arte elamita, como en el arte aqueménida los leones estaban asociados con la realeza.

También ocupan un lugar destacado en la metalistería de bronce frecuentemente atribuida a Luristán durante la Edad del Hierro, donde podrían simbolizar el poder de la naturaleza.

Es más enfatizar que Luristán era una región de terreno accidentado, por lo que los leones constituían un símbolo idóneo para representar los desafíos que implicaba vivir allí.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Kesa de Siete Franjas

La Kesa de Siete Franjas, también conocida como Shichijō Kesa de Siete Franjas o 七条袈裟　紅地幸菱模様唐織, es una túnica budista datada datada aproximadamente en el siglo XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.700 d.C.), perteneciente al arte japonés. 

Kesa de Siete Franjas

Lo primero que se conoce es perteneció al japonés Shōjiro Nomura, oriundo de la prefectura de Kyoto (京都府), en Japón (日本).

En el año 1.915 d.C. la túnica budista fue adquirida por el coleccionista y crítico educativo estadounidense Porter Edward Sargent.

Pasando a formar parte de su colección de arte ubicada en la ciudad de Boston, en el estado de Massachusetts (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.919 d.C. el Kesa de Siete Franjas fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), pasando a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de arte asiático.

Descripción

Tiene una altura de 111,76 cm y una anchura de 213,36 cm. Está elaborado en seda de tejido de sarga con decoración de trama suplementaria.

Se trata de un kesa (túnica budista) de siete franjas, con un fondo carmesí y un motivo de rombos auspiciosos, tejida al estilo Tang (hace referencia a las técnicas de indumentaria tradicionales de la dinastía Tang, que incluyen el uso de seda, motivos orgánicos entrelazados, damascos y bordados).

En concreto es un shichijō kesa (七条袈裟), es decir, un manto rectangular de retazos elaborado cosiendo tiras de tela en siete columnas verticales, que simbolizan los principios de humildad y pobreza de Buda.

En éste caso ha sido elaborado a partir de fragmentos de un "karaori", una prenda utilizada en el teatro clásico Noh como túnica exterior para representar papeles de mujeres, jóvenes o cortesanos nobles.

Algunos investigadores piensan que lo más probable es que el "karaori" original hubiera sido una ofrenda religiosa.

Para finalizar subrayar que se conoce que en la antigua India, a los monjes que habían renunciado al mundo no se les permitía poseer bienes privados que pudieran considerarse riqueza, por lo que la vestimenta no era una excepción.

Como recordatorio de la sencilla prenda remendada del Buda, cosían retazos de tela, desechados y sin valor alguno, para confeccionar un kesa que se llevaba en diagonal sobre el pecho y el hombro izquierdo.

En Japón, la entrega de ésta vestidura al discípulo simboliza la transmisión del "dharma" (la enseñanza) y era llevado colocado sobre el hombro izquierdo y debajo del brazo derecho (henta uken), sujetándose con un pequeño cordón.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Un Cangrejo de Espaldas

Un Cangrejo de Espaldas, también conocida como Een op zijn rug liggende krab, es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.887 d.C. y 1.889 d.C., perteneciente al postimpresionismo.

Un Cangrejo de Espaldas

Fue pintada por el pintor neerlandés Vincent Willem van Gogh (también conocido como Vincent van Gogh).

En el año 1.962 d.C. la pintura pasó a formar parte de la colección de arte "Fundación Vincent Van Gogh", siendo expuesta en el museo Stedelijk Museum, situado en la ciudad de Ámsterdam (Países Bajos).

Hasta que en el año 1.973 d.C. la pintura Un Cangrejo de Espaldas pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Van Gogh, localizado en la ciudad de Ámsterdam, en los Países Bajos.

Descripción

Tiene una altura de 38 cm y una anchura de 46,8 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura, una naturaleza muerta o bodegón, dónde aparece representado un cangrejo marrón común acostado boca arriba, es decir, acostado sobre su caparazón.

El crustáceo aparece representado sobre un fondo en tonos verdes y texturas marcadas conseguidas mediante pinceladas enérgicas, amplias, gruesas y dinámicas, que evoca las aguas del mar Mediterráneo.

El cangrejo ha sido pintado en tonos rojos y amarillos vibrantes, realzando el caparazón marrón rojizo y con las pinzas acabadas con las puntas negras, así como los detalles anatómicos del animal.

Con respecto a la composición destacar que la mayoría de los investigadores piensan que la revista sobre arte japonés "Le Japon Artistique" que incluía la obra ilustrada de "Un Cangrejo en la Orilla del Mar" del grabador japonés Katsushika Hokusai (también conocido como 北斎) podría haber inspirado el enfoque lineal y compositivo del autor en ésta pintura.

Sobretodo llaman la atención como las pinceladas cortas y discontinuas en el vientre y en el caparazón del cangrejo evocan las pinceladas usadas en la caligrafía japonesa.

Para finalizar subrayar que el pintor neerlandésVincent van Gogh pintó otra pintura complementaria en el mismo período conocida como Dos Cangrejos y en la actualidad en propiedad de un coleccionista privado.

Actualmente se encuentra en el Museo Van Gogh de Ámsterdam, Países Bajos.

Calle 14

Calle 14 es una pintura datada en el año 1.937 d.C., perteneciente al expresionismo.

Calle 14

Fue pintada por el pintor ecuatoriano Camilo Alejandro Egas Silva (también conocido como Camilo Egas).

Se conoce que la pintura pasó en el año 1.956 d.C. a formar parte de la colección pública de Quito, siendo donada por el propio autor al Museo de la Casa de la Cultura Ecuatoriana.

También conocido como Casa de la Cultura Ecuatoriana Benjamín Carrión, localizado en la ciudad de Quito, en Ecuador.

Descripción

Tiene una altura de 101 cm y una anchura de 137 cm.

Se trata de una pintura que representa la atmósfera de desamparo, crisis económica y melancolía que afecto tras la el mayor colapso de la bolsa de valores ocurrida en octubre del año 1.929 d.C. (conocida como "Crack del 29") a la sociedad estadounidense y que causó la Gran Depresión (crisis económica mundial que duró una década).

La pintura retrata el andén subterráneo de la estación de la Calle 14 del Metro de la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En un primer plano llama la atención un hombre enjuto, desposeído y solitario que se resguarda del frío, el hombre calvo se encuentra junto a un cubo de basura metálico, con los brazos cruzados y delante de un poste con el número 14.

Mientras que al fondo hay representado otro hombre con abrigo y sombrero que lee un período a la tenue luz del metro.

También cabe destacar que la representación de éstos dos hombres refuerzan el concepto de la incomunicación, así como el espacio público donde aparecen representados acentúa la sensación de alienación y encierro.

En cuanto a la composición resaltar que la paleta cromática utilizada está compuesta por tonalidades ocres y grises oscurecidos con mezclas de tonalidades negras, dónde la deformación anatómica ligera sirve al autor para canalizar la sensación de angustia, la migración forzosa y la soledad urbana.

Para finalizar subrayar que la pintura Calle 14 refleja el ambiente desolado de los barrios pobres de la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América) durante la Gran Depresión.

Es conocido que el artista vivió y ejerció por más de tres décadas como profesor en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América), por lo que la pintura muestra su vivencia directa del entorno urbano marginal.

Además enfatizar que la pintura Calle 14 se encuentra considerada la obra culmen del pintor ecuatoriano Camilo Egas.

Actualmente se encuentra en el Museo de la Casa de la Cultura Ecuatoriana, Ecuador.