miércoles, 20 de mayo de 2026

Borde de Sarcófago de Terracota

El Borde de Sarcófago de Terracota es un borde de sarcófago datado aproximadamente en el último siglo VI a.C. (período comprendido entre los años 525 a.C. y 500 a.C.), perteneciente al arte griego.

Borde de Sarcófago de Terracota

Lo primero que se conoce es que estuvo en posesión de los marchantes y anticuarios de arte armenios Hermanos Indjoudjian.

Formando parte de su colección de arte expuesta en la galería "Indjoudjian Frères", ubicada en la ciudad de Paris (Francia).

El 18 de agosto del año 1.921 d.C. fue adquirido por el marchante y coleccionista de arte húngaro Joseph Brummer.

Hasta que en el año 3 de diciembre del año 1.921 d.C. el Borde de Sarcófago de Terracota fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del arte griego y romano.


Descripción

Tiene una altura de 19,1 cm, una anchura de 92,7 cm y una longitud de 213,4 cm. Está elaborado en terracota.

Se trata de un borde de sarcófago con la zona superior de la tapa decorada con una escena de batalla, se puede apreciar como hay representados cuatro soldados de infantería que luchan sobre un guerrero caído, mientras una figura alada y un carro se aproximan desde ambos lados.

También destaca cómo a los lados del borde se encuentra representado un centauro (ser mitológico mida hombre y mitad caballo) y una sirena (ser mitológico con cuerpo de ave y rostro de mujer).

Además se puede observar cómo situados debajo de ambos seres mitológicos hay representados dos leones atacando a un jabalí.

Con respecto a la composición resaltar que por los restos de policromía se puede afirmar que originalmente los detalles de las figuras se encontraban pintados en blanco.

Para finalizar subrayar que se han encontrado un número significativo de sarcófagos de terracota con borde superior decorado procedentes de Clazomenia y de la Antiga Esmirna, ambos yacimientos griegos orientales en la costa occidental de Asia Menor.

Aparte resaltar que dado su tamaño y su peso, se piensa que pudieron haber sido fabricados localmente y antes del funeral el sarcófago aparentemente se enterraba hasta la altura del borde superior.

Después de que el difunto fuera depositado en su interior durante la ceremonia funeraria, se colocaba una tapa de piedra sobre el sarcófago y se amontonaba tierra para marcar la tumba.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

martes, 19 de mayo de 2026

El Molino de Aceite

El Molino de Aceite, también conocido como The Oil Mill, es una pintura datada en el verano del año 1.909 d.C., perteneciente al cubismo.

El Molino de Aceite
El Molino de Aceite

Fue pintado por el pintor español Pablo Ruiz Picasso (también conocida como Pablo Picasso). 

En primavera del año 1.910 d.C. la pintura fue expuesta en la galería de arte "Galerie Kahnweiler", localizada en la ciudad de París (Francia), propiedad del escritor y coleccionista de arte alemán Daniel-Henry Kahnweiler.

En el año 1.910 d.C. El Molino de Aceite fue vendido, por un precio de 500 francos, al industrial y coleccionista de arte francés Roger Dutilleul.

En el año 1.956 d.C. pasó a formar parte de la colección del mecenas y coleccionista de arte francés Jean Masurel.

En el año 1.991 d.C., a su muerte, la pintura pasó a forma parte de la colección de arte de sus herederos, ubicada en la ciudad de París (Francia).

En febrero del año 2.000 d.C. fue comprada por el multimillonario, filántropo y coleccionista de arte estadounidense Leonard Alan Lauder.

El 8 de abril del año 2.013 d.C. la pintura pasó a formar parte del fidecomiso "Leonard A. Lauder Cubist Trust" (colección de 81 obras maestras cubistas valoradas en más de mil millones de dólares).

Hasta que en el año 2.025 d.C. la pintura El Molino de Aceite fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), donde pasó a formar parte de la colección de arte permanente del museo. 


Descripción

Tiene una altura de 38,1 cm y una anchura de 45,7 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa un paisaje rural con un conjunto de edificios reducidos a sus componentes geométricos más esenciales, resaltando como las casas, el terreno y la vegetación están representados como facetas y cubos interconectados.

El paisaje se compone de un molino de aceite de oliva en un primer plano, junto con un conjunto de edificios, un río con un velero apenas visible en el plano medio y montañas en el fondo.

El paisaje representado se corresponde con la localidad histórica de Horta de Ebro (en la actualidad Horta de Sant Joan), localizada en la provincia de Tarragona, ubicada en la comunidad autónoma de Cataluña (España).

Escrito en el dorso (a la izquierda, en el travesaño superior, con lápiz negro) se puede leer: Picasso - molino (parcialmente ilegible).

A lo largo del travesaño derecho, en lápiz azul, se lee: LV. Dutilleul y horizontalmente en la esquina inferior derecha del travesaño, en marcador rojo, se lee: c (subrayado).

En cuanto a la composición resaltar la paleta cromática por el uso de tonos tierra, ocres, verdes, oliva, grises y marrones que resaltan la forma sobre el color.

Además enfatizar que la pintura se considera un referente en el desarrollo del cubismo analítico, caracterizado por la representación de espacios fragmentados, reduciendo la arquitectura a formas volumétricas básicas.

También como curiosidad destacar que la pintura El Molino de Aceite está considerada una obra importante dentro de la historia de arte moderna debido al impacto internacional que tuvo poco después de su creación.

Fue una de las primeras pinturas cubistas reproducidas en la prensa italiana, en concreto, apareció en diciembre del año 1.911 d.C. en la portada del periódico florentino "La Voce" (una de las revistas cultuales, políticas y literarias más influyente de Italia en el siglo XX d.C. (período comprendido entre los años 1.901 d.C. y 2.000 d.C.)).

Para finalizar subrayar que los derechos y reproducción de la pintura El Molino de Aceite son de © 2026 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

lunes, 18 de mayo de 2026

Ornamento con Glifo Maya

El Ornamento con Glifo Maya es un ornamento datado aproximadamente entre los años 200 d.C. y 600 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte maya.

Ornamento con Glifo Maya
Ornamento con Glifo Maya

Se conoce que perteneció a la colección de arte de Allan Caplan, ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.959 d.C. el ornamento fue comprado por el político estadounidense y vicepresidente de los Estados Unidos de América Nelson Aldrich Rockefeller.

Desde el año 1.959 d.C. al año 1.978 d.C. fue cedido para su exposición al Museo de Arte Primitivo de Nueva York (Estados Unidos de América), un antiguo museo dedicado a las culturas indígenas de América, Europa, África, Oceanía y Asia.

Hasta que en el año 1.979 d.C. el Ornamento con Glifo Maya fue legado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 2,9 cm, una anchura de 3,2 cm y un grosor de 0.5 cm. Está fabricado en jadeíta.

Se trata de un ornamento o adorno, un colgante de jade, hallado en la región atlántica de Costa Rica, que probablemente fue reelaborado a partir de una pieza mayor producida en la zona maya.

Aunque enfatizar que si bien los objetos de jadeíta se fabricaban en el centro y norte de Costa Rica desde el año 500 a.C., práctica que continuó hasta alrededor del año 800 d.C., la fuente más cercana de jadeíta se encuentra en la región del río Motagua, en Guatemala.

La presencia de elementos glifos mayas grabados en la superficie del Ornamento con Glifo Maya indica que viajó una larga distancia como artefacto y no como materia prima.

Artistas de la antigua Costa Rica tomaron el objeto maya, lo giraron 80 grados en sentido contrario a las agujas del reloj, con respecto a su orientación original, y luego perforaron los orificios bicónicos.

Una vez reorientado a su estado original, los signos (originalmente grabados en el adorno de jade en un estilo perteneciente al período Clásico Temprano Maya) se identificaron con mayor facilidad.

Se puede observar como una calavera ocupa la mayor parte del espacio, siendo el gran orificio central, perforado a través del ornamento el que reemplaza la órbita ocular de la calavera y evoca el vacío dejado por la ausencia del ojo.

La calavera mira hacia el lado izquierdo, con su prominente mandíbula marcada por dos hileras de dientes. Además destaca cómo sobre la hilera superior de dientes, una pequeña nariz esquelética da paso a una frente inclinada.

Aparte se aprecia cómo en el lado derecho de la calavera, frente a la nariz, hay bordes festoneados que delimitan el hueso occipital y la curvatura del cráneo, paralelos a los bordes festoneados cercanos del ornamento de jade.

Debajo de la calavera hay un pequeño patrón de líneas curvos y puntos aludían originalmente a una superficie acuática sobre la que se encontraba la calavera.

En la actualidad este patrón se encuentra interrumpido y separado del resto de la representación original por la reelaboración a la que fue sometida el objeto (aproximadamente ocurrida en el año 600 d.C.).

Sobre la calavera descansan al menos dos elementos glíficos: un elemento retorcido y entrelazado que probablemente representa el glifo maya "WAY" y dos elementos rectangulares, similares a antorchas, que sobresalen en ángulos de 45 grados de éste signo y que forman la lectura "TAJ".

La combinación de estos signos alude al nombre "K'inich Tai Wayib", presente en otros contextos mayas del período Clásico Temprano, que se refiere a una figura sobrenatural y posiblemente a un gobernante histórico.

Otros elementos presentes en la escena, un pequeño signo fragmentario sobre el glifo "WAY", así como un círculo y un elemento curvo punteado a la derecha de la calavera, probablemente contribuyeron a la lectura de éste mensaje.

Pero su legibilidad se ha visto afectada por los agujeros perforados y la extracción de ésta sección de lo que alguna vez fue una pieza más grande, seguramente un hacha.

Desafortunadamente cabe resaltar que es imposible saber qué representaba el resto de la escena o el texto glífico.

Para finalizar subrayar que el Ornamento con Glifo Maya evidencia el alcance de las redes comerciales y el intercambio de ideas en el primer milenio después de Cristo.

Éste tipo de objetos fabricados en piedra verde duradera y muy valiosa, como el jade, merecían ser transportados y transmitidos a lo largo del tiempo.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

domingo, 17 de mayo de 2026

Placa Calada con Cabeza de Felino

La Placa Calada con Cabeza de Felino es una placa datada aproximadamente entre los siglos IX a.C. y VIII a.C. (período comprendido entre los años 900 a.C. y 701 a.C.), perteneciente al arte mesopotámico, en concreto al arte asirio.

Placa Calada con Cabeza de Felino
Placa Calada con Cabeza de Felino

Fue hallada en el año 1.962 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas por el arqueólogo británico Max Mallowan, en nombre de la Escuela Británica de Arqueología en Irak.

La Placa Calada con Cabeza de Felino se encontró en el interior de un almacén del Fuerte Salmanasar, un edificio real en la antigua ciudad de Nimrud, utilizado para guardar el botín y los tributos recolectados por los asirios durante sus campañas militares.

En el año 1.962 d.C. la placa fue adquirida por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), como resultado de su contribución financiera a las excavaciones, por lo que pasó a formar parte de la colección de arte del museo dentro del departamento de arte antiguo de Asia Occidental.


Descripción

Tiene una altura de 5,31 cm, una anchura de 4,8 cm y un grosor de 2,39 cm. Está fabricado en marfil, mediante las técnicas de incisión, tallado y pulido.

Se trata de una placa que representa el rostro frontal de un felino con un ancho collar wesekh (collar ancho y plano) adornado con cuentas, flanqueado por dos uraei (consideradas en el arte asirio como serpientes míticas que escupen fuego) coronados con discos solares nacientes.

Se aprecia como una espiga que sobresale del tocado del felino sugiere que originalmente podría haber estado integrada en un marco, probablemente como parte de un mueble de madera.

Dos orificios para pasadores, uno perforado en la espiga y otro que atraviesa el borde del collarín ancho desde la base de la placa, sugieren que originalmente podría haber estado fijada a un marco mediante pasadores.

La letra semítica occidental Bet se encuentra inscrita en el reverso liso, conocida como marca de instalador, puesto que ésta inscripción habría servido de guía para ayudar al artesano en el ensamblaje pieza por pieza del mueble al que pertenecía originalmente en ésta placa.

Con respecto a la composición resaltar que la imagen representada en la placa proviene del arte egipcio, dónde la cabeza de felino puede representar tanto a la diosa Bastet (diosa protectora del hogar, la familia, el amor, la fertilidad y los secretos femeninos, además de diosa de la antigua ciudad de Bubastis en el delta del río Nilo), como a la diosa Sekhmet (diosa de la guerra, la venganza, el sol abrasador y patrona de la medicina), así como influencias del arte fenicio.

Para finalizar subrayar que se conoce que construidos por el rey asirio Ashurnasirpal II, los palacios y almacenes de Nimrud albergaban miles de piezas de marfil tallado.

La mayoría de los marfiles se utilizaban como incrustaciones en muebles o cómo pequeños objetos preciosos como cajas.

Si bien algunos estaban tallados en el mismo estilo que los grandes relieves asirios que adornaban las paredes del Palacio Noroeste, cabe destacar que la mayoría de los marfiles muestran imágenes y estilos relacionados con el arte del norte de Siria y las ciudades-estado fenicias.

Los marfiles de estilo fenicio se distinguen por el uso de iconografía relacionada con el arte egipcio, como esfinges y figuras con coronas faraónicas, y por el empleo de elaboradas técnicas de tallado, como el calado y la incrustación de vidrio de colores.

Los marfiles de estilo sirio septentrional tienden a representar figuras más robustas en composiciones más dinámicas, talladas como placas sólidas con menos elementos decorativos.

No obstante algunas piezas no encajan fácilmente en ninguno de éstos tres estilos, por lo que algunos investigadores creen que la mayoría de los marfiles probablemente fueron recolectados por los reyes asirios como tributo de los estados vasallos y como botín de los enemigos conquistados.

Mientras que algunos pudieron haber sido fabricados en talleres en Nimrud. Aunque enfatizar que los colmillos de marfil que proporcionaron la materia prima para éstos objetos procedían casi con toda seguridad de elefantes africanos importados de tierras al sur de Egipto.

A pesar de que los elefantes habitaron varios valles fluviales en Siria hasta que fueron cazados hasta su extinción a finales del siglo VIII a.C. (período comprendido entre los años 720 a.C. y 701 a.C.).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

sábado, 16 de mayo de 2026

Espada de Médico

La Espada de Médico, también conocida como Espada de Salón de Té o Chatou (茶刀), es una espada datada aproximadamente en el siglo XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 1.900 d.C.), perteneciente al arte japonés

Espada de Médico

Lo primero que se conoce es que formó parte de la colección de arte del Dr. Frederick Malling Pedersen, ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.947 d.C., por herencia, la espada pasó a ser propiedad de su ahijado, Henry Shiro Iijima.

En el año 1.994 d.C. la Espada de Médico también pasó por herencia a formar parte de la colección de arte de Etsuko O. y John H. Morris Jr.

Desde el año 1.994 d.C. la espada forma parte, de manera temporal, de la colección de arte del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), habiendo sido la espada prometida para una futura donación. 

Espada de Médico


Descripción

Tiene una longitud de 45,7 cm, una anchura de 4,5 cm y un peso de 204,1 g. 

Esta elaborada en madera, nácar y seda.

Se trata de una pequeña espada o daga ceremonial japonesa que ha sido tallada en bulto redondo a partir de una sola pieza de madera.

Lo más llamativo es la decoración compuesta por una enérgica formada por figuras de dragones y animales entrelazados.

Asimismo se puede apreciar como en la empuñadura se encuentra firmada con el nombre en japonés de Yoshiteru.

Para finalizar subrayar que se conoce que los samuráis llevaban éste tipo de espadas en las casas de té como sustitutos de las espadas de metal conocidas como wakizashi (脇差), que no estaban permitidas en el interior.

De forma que podían utilizar estas espadas para defensa personal y sobretodo para mantener la dignidad o el estatus de un samurái.

Es más destacar que los médicos también las lucían en público. Siendo los ejemplares ornamentados, como la Espada de Médico, muy apreciados por los coleccionistas en Europa y América.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

viernes, 15 de mayo de 2026

Botella de Doble Pico con Figura Voladora

La Botella de Doble Pico con Figura Voladora es una botella datada aproximadamente entre los años 300 d.C. y 500 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte nazca o arte nasca.

Botella de Doble Pico con Figura Voladora
Botella de Doble Pico con Figura Voladora

Lo primero que se conoce es que fue hallado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en la costa sur de Perú.

El 14 de mayo del año 1.996 d.C. la Botella de Doble Pico con Figura Voladora fue subastada por la casa de subastas Sotheby's de Nueva York (Estados Unidos de América).

Siendo comprada, dentro del lote número 7, por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Botella de Doble Pico con Figura Voladora


Descripción

Tiene una altura de 17,1 cm y un diámetro de 16,5 cm. 

Se trata de una botella de cerámica con forma de cúpula con dos picos unidos por un asa en forma de correa.

De ahí su nombre de "botella de doble pico y puente", un tipo de recipiente con una larga tradición en la región.

El cuerpo se encuentra ornamentado por dos figuras idénticas, cada una sosteniendo una cabeza en una mano y un bastón en la otra.

Sus cuerpos cortos flotan de lado sobre un fondo blanco y el contorno negro realza la nitidez de la compleja imagen.

Las figuras se encuentran ataviadas con elaborados trajes que consisten en un adorno para la frente, una máscara bucal, discos colgantes, un collar, una túnica, un taparrabos y una capa.

Tienen ojos blancos y fijos, y lenguas protuberantes. Además destaca cómo pequeños rostros animan el adorno de la frente, los bigotes de la máscara bucal y el bastón, mientras que en la capa aparecen cabezas de perfil.

Siendo éstas figuras enmascaradas muy comunes en el arte nazca, dónde generalmente se las identifica como seres míticos o ancestros deificados.

Para finalizar subrayar que se conoce que los artistas nasca de la costa sur de Perú produjeron gran cantidad de vasijas de cerámica de diversas formas.

Las superficies des estas vasijas suelen ser muy lisas y brillantes y están pintadas con hasta trece colores, incluyendo blanco, rojo, marrón, gris, amarillo, naranja y rosa.

Es más resaltar que se sabe que los vibrantes tonos se lograban aplicando engobes coloreados con pigmentos minerales sobre la superficie lisa y endurecida antes de la cocción.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

jueves, 14 de mayo de 2026

Broche Lobulado Merovingio

El Broche Lobulado Merovingio es un broche datado aproximadamente en el siglo VII d.C. (período comprendido entre los años 601 d.C. y 700 d.C.), perteneciente al arte medieval.

Broche Lobulado Merovingio

En concreto pertenece al arte prerrománico y dentro de éste se encuentra englobado dentro del arte merovingio.

Lo primero que se conoce es que fue encontrado cerca del municipio de Niederbreising (Bad Breisig), ubicado en el distrito de Ahrweiler.

Situado en el estado federado de Renania Palatinado, en Alemania.

También es sabido que perteneció a la colección de arte del marchante y coleccionista de arte alemán Friedrich Jakob Queckenberg.

Después pasó a formar parte de la colección de arte del coleccionista alemán Joseph Queckenberg.

En el año 1.913 d.C. el broche fue comprado por el empresario, banquero y coleccionista de arte estadounidense John Pierpont Morgan.

Hasta que en el año 1.917 d.C. el Broche Lobulado Merovingio fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), donde pasó a formar parte de su colección de arte.



Descripción

Tiene una altura de 5,8 cm, un grosor de 1,9 cm y una anchura de 5,8 cm.

Está fabricado en lámina de oro, filigrana, piedra lunar (también conocida como piedra de luna o adularia), cabujones de vidrio, granates y nácar.

Se trata de un broche lobulado con el contorno redondeado dividido en varios lóbulos, sobretodo llama la atención como el anverso se encuentra ricamente ornamentado mediante incrustaciones.

El fondo ha sido decorado utilizando filigrana (finos hilos de oro retorcidos) y granulado, resaltando por el diseño en patrones geométricos y círculos concéntricos alrededor de un gran botón central.

Se puede apreciar como el botón central está compuesto por una gran incrustación de vidrio coloreado, rodeado por una banda dorada y una banda exterior con un patrón lobulado.

Aparte destaca como a su alrededor hay pequeñas incrustaciones en forma de cabujón (también denominado cabujón en forma de lágrima) y en el borde exterior hay un total de ocho incrustaciones (cuatro con forma redondeada y cuatro con forma cuadrada).

Con respecto a la composición resaltar como la base formada de una lámina de oro se encuentra complementada con un núcleo interno de hierro que aporta firmeza.

Asimismo resalta el contraste de color conseguido mediante las incrustaciones de vidrio coloreado, pasta vítrea, piedra lunar , nácar y granate que contrastan con el fondo dorado.

Para finalizar subrayar que se conoce que el atuendo de las mujeres merovingias consistía generalmente en una túnica, ceñida con un cinturón del que colgaban diversos colgantes.

Sobre la túnica se cubrían con un chal o manto. Además llevaban zapatos y media, sujetas con hebillas, que cubrían las piernas, mientras que pendientes, collares y horquillas completaban el conjunto.

Algunos aspectos de éste atuendo cambiaron entre los siglos IV d.C. y VII d.C. (período comprendido entre los años 301 d.C. y 700 d.C.) y los broches, en particular, reflejan cambios en el gusto.

Desde el siglo IV d.C. y VI d.C. (período comprendido entre los años 301 d.C. y 600 d.C.) pares de pequeños broches, con una variedad de formas ingeniosas, sujetaban el chal. Pero hacia el siglo VII d.C. (período comprendido entre los años 601 d.C. y 700 d.C.), un único broche de disco grande, generalmente ricamente ornamentado, cumplía la misma función.

Es más es sabido que ninguna otra joya es más característica del atuendo merovingio que el broche y ninguna otra demuestra mejor el virtuosismo de los orfebres merovingios.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

miércoles, 13 de mayo de 2026

Figura de un Cautivo Asiático

La Figura de un Cautivo Asiático es una pieza datada aproximadamente entre los años 1.295 a.C. y 1.070 a.C., perteneciente al arte egipcio.

Figura de un Cautivo Asiático
Figura de un Cautivo Asiático

Fue elaborado durante el Imperio Nuevo de Egipto (período comprendido entre los años 1.550 a.C. y 1.070 a.C.).

En concreto durante la última etapa del Imperio Nuevo de Egipto, también conocido como período Ramésida (período comprendido entre los años 1.292 a.C. y 1.077 a.C.). 

Lo primero que se conoce es que formó parte de la colección de arte de la casa de subastas de arte y numismática  "Spink & Son", ubicada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

En julio del año 1.954 d.C. la pieza fue comprada por el artista, coleccionista y escritor estadounidense Albert Gallatin.

Hasta que en el año 1.966 d.C. la Figura de un Cautivo Asiático fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento da arte egipcio.


Descripción

Tiene una altura de 11,8 cm, una anchura de 4,2 cm y un grosor de 0,4 cm. Está elaborada en marfil, pigmento rojo y rosa sobre un fondo blanco.

Se trata de una pieza de marfil que representa a un cautivo encadenado. Sobretodo resalta como su barba puntiaguda, las arrugas faciales y la vestimenta ricamente ornamentada lo identifican como asiático.

Aparte destacar que algunos investigadores por la vestimenta con elaborados estampados y con flecos identifican a la figura masculina como de origen cananeo o sirio.

El prisionero permanece de pie con los brazos levantados, con las manos atadas, las piernas flexionadas, con la parte inferior del cuerpo de perfil hacia el lado izquierdo y la parte superior del cuerpo y el rostro de frente.

Para finalizar subrayar que se conoce que éste tipo de representaciones frontales de extranjeros se usaban comúnmente como incrustaciones para muebles, tronos, sillas, escabeles, así como otros elementos escultóricos colocados en las bases de las esculturas.

Por lo tanto la Figura de un Cautivo Asiático es un ejemplo de la iconografía real egipcia diseñada para proyectar el poder absoluto del faraón sobre los enemigos extranjeros.

Es más los investigadores creen que al apoyar los faraones los pies sobre éste tipo de representaciones frontales de extranjeros expresaba de una forma visualmente brutal su dominio sobre otras tierras al simbolizar al faraón "pisoteando" físicamente a sus enemigos.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

martes, 12 de mayo de 2026

Cuenco Colgante Celta

El Cuenco Colgante Celta es un cuenco colgante datado aproximadamente entre los siglos VI d.C. y VII d.C. (período comprendido entre los años 501 d.C. y 700 d.C.), perteneciente al arte celta.

Cuenco Colgante Celta
Cuenco Colgante celta
(dibujo)

Lo primero que se sabe es qué fue encontrado de manera accidental junto con otros numerosos objetos, presumiblemente procedentes de un cementerio, por obreros durante las obras de construcción del ferrocarril de Londres (Gran Bretaña).

También se conoce que perteneció a la colección de arte del coleccionista, clérigo, coleccionista de monedas y plantas escocés John Hutton Pollexfen (también conocido como Rev. J. H. Pollexfen).

Hasta que el año 1.870 d.C. el Cuenco Colgante Celta fue comprado por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), donde pasó a formar parte de su colección de arte dentro, dentro del departamento de arte de Gran Bretaña, Europa y Prehistoria.



Descripción


Tiene una altura de 28 mm, un grosor de 1,50 mm y un diámetro de 16 mm. Está elaborado en aleación de cobre y esmalte.

Se trata de un escudo de bronce para cuenco colgante, fundido en una sola pieza con gancho saliente (en la actualidad roto), que se asemeja a un pájaro estilizado.

El diseño, de líneas finas sobre un fondo de esmalte rojo (actualmente deteriorado), consiste en una gran espiral central de la que parten tres espirales más pequeñas.

Las dos superiores son del mismo tamaño, mientras que la inferior es más pequeña para ajustarse al espacio reducido en la punta del escudo.

Se observa cómo los tres extremos dentro de la gran espiral central son zoomorfas, con cabezas aplanadas, puntas de pico o narices en forma de maza y pequeños orificios circulares (ojos) claramente visibles.

La espiral inferior contiene un único extremo de tipo similar, aparentemente sin el aplanamiento de la cabeza. Aparte destaca cómo los extremos del par de espirales superiores difieren.

El de la izquierda muestra dos cabezas zoomorfas, planas de extremo a extremo, con ojos y orientadas en direcciones opuestas, una apunta hacia arriba y la otra hacia abajo.

Las puntas de los de los picos o bocas son triangulares y en ambas cabezas se aprecian claramente los orificios circulares que representaban los ojos.

Se aprecia cómo en la espiral de la derecha, los extremos tienen forma de plátano, con una conicidad uniforme, que se superponen y entrelazan sin tocarse.

En el fondo del motivo de volutas a cada lado hay un total de seis formas ovaladas abiertas, con forma de pera o puntiagudas, dispuestas en pares opuestos y cuyo tamaño disminuye de arriba abajo del escudo.

Asimismo destaca como el par superior, situado en la base del gancho, sobresale del nivel del esmalte en relieve.

Además se puede observar cómo el soporte presenta una ligera concavidad para adaptarse a la superficie redondeada del cuenco y, los investigadores creen que por analogía con otros soportes, el gancho habría terminado en una cabeza con forma de ave estilizada.

Para finalizar con respecto a la composición destacar que los motivos ornamentales del Cuenco Colgante Celta son de particular interés, ya que combinan un tipo zoomórfico angular con un extremo en forma de maza.

También resaltar que el diseño muestra una gran elegancia y maestría en su ejecución, destacando cómo la línea es continua y fluye con naturalidad de un extremo a otro del diseño.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

lunes, 11 de mayo de 2026

La Boloñesa

La Boloñesa, también conocida como La Boulonnaise, es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.922 d.C. y 1.923 d.C., perteneciente al cubismo.

La Boloñesa
La Boloñesa

Fue pintada por la pintora española María Gutiérrez-Cueto Blanchard (también conocida como María Blanchard).

Lo primero que se conoce es que la pintura formó parte de la colección de arte de un coleccionista privado.

El 3 de diciembre del año 1.986 d.C. fue subastada por la casa de subastas Sotheby's de Londres (Gran Bretaña), dentro del lote número 311.

En el año 1.988 d.C. La Boloñesa fue comprada por la sociedad francesa de subastas "Ader Picard Tajan", situada en la ciudad de París (Francia). 

En el año 1.989 d.C. fue adquirido por el museo privado Musée Petit Palais, localizado en la ciudad de Ginebra, en Suiza.

En el año 2.000 d.C. la pintura fue vendida a través de la galería de arte Galería Guillermo de Osma, siendo comprada por un coleccionista particular, pasando a formar parte de su colección de arte ubicada en la ciudad de Oviedo, en la comunidad autónoma de Asturias (España).

En el año 2.021 d.C. la pintura La Boloñesa fue adquirida por el Museo Nacional del Prado, ubicado en la ciudad de Madrid (España).

Cabe resaltar que la compra pudo realizarse gracias al legado de la benefactora y mecenas de la Fundación Amigos Museo del Prado Carmen Sánchez García.

Además destacar que su ingreso en la pinacoteca del museo fue significativo y está considerada una de las piezas estrella que representa la vanguardia española en el Museo del Prado.


Descripción

Tiene una altura de 65 cm y una anchura de 100 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa a una mujer joven, con el cuerpo ligeramente girado hacia el lado derecho y con los brazos en jarras. 

Cabe resaltar que la mujer representada es oriunda de la ciudad pesquera de Boulogne-sur-Mer, situada en al región de Boulonnais, localizada en la prefectura de Arras, en la región de Alta Francia (Francia).

Es conocido que las mujeres de ésta localidad, conocidas como "boloñesas", se dedicaban tradicionalmente a la descarga de pescado y la recogida de marisco.

La mujer se encuentra ataviada con el traje de fiesta regional, con un vestido de seda negra y el delantal ocre, pero sobretodo llama la atención su cofia blanca circular de encaje almidonado y encañonado.

También resalta el manto o chal en tonos rojos, rosas y blancos, con flecos y decorado con flores y patrones geométricos, colocado alrededor del cuello, cayéndole por los hombros y el busto. 

En el rostro alargado destacan las cejas finas, los ojos almendrados, la nariz recta, los labios carnosos de un tono pálido, el mentón pronunciado y las orejas, de las que cuelgan grandes pendientes colgantes.

En el anverso, situado en el ángulo inferior derecho, se puede leer la firma de la autora: "M. BLANCHARD".

Con respecto a la composición destacan las líneas rectas y la fragmentación, a la vez que la autora aborda la cultura popular francesa representada con sombras marcadas.

Aparte destaca el uso de la policromía con la utilización de tonos de color contrastados, que resaltan sobre el fondo de un color azul haciendo resaltar la silueta de la mujer realizada en un tono más claro.

Para finalizar subrayar que La Boloñesa está considerada un ejemplo del cubismo personal de la autora y su interés por temas etnográficos, consolidando su lugar entre las grandes figuras del cubismo parisino.

Además algunos investigadores creen que la mujer representa proyecta una apariencia física sólida que transmite una energía poderosa, lo que contrastaría con la propia fragilidad de la autora, que padecía cifoscoliosis (deformidad compleja de la columna vertebral que combina dos tipos de curvaturas anormales).

Actualmente se encuentra en el Museo del Prado de Madrid, España.

domingo, 10 de mayo de 2026

Vaso con Figura Frontal

El Vaso con Figura Frontal es un recipiente datado aproximadamente entre los años 900 d.C. y 1.100 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte lambayeque o arte sicán.

Vaso con Figura Frontal
Vaso con Figura Frontal

Fue hallado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en la costa norte de Perú.

Formó parte de la colección de arte de la colección del académico, arqueólogo y profesor estadounidense Paul Robert Cheesman, ubicada en la ciudad de Miami, situada en el estado de Florida (Estados Unidos de América).

En el año 1.964 d.C. fue comprado por el restaurador y coleccionista de arte Jan Mitchell, pasando a formar parte de su colección de arte ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.991 d.C. el Vaso con Figura Frontal fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 15,2 cm, una anchura de 10,8 cm y una profundidad de 10,2 cm. Está elaborado en oro.

Se trata de un vaso acampanado que está ornamentado en el cuerpo con una figura antropomórfica de frente, repetida en ambos lados del vaso, que se presenta con los talones juntos, los pies apuntando hacia afuera y sosteniendo en cada mano un largo bastón.

Mientras que en la base del recipiente la decoración está compuesta por diseños de aves zoomorfas estilizadas probablemente inspirados en los diseños norcosteños anteriores de animales estilizados. 

En cuanto a los rasgos faciales de la figura de pie, resaltar que cuyo rostro en forma de media luna y ojos puntiagudos se asemejan a los de las pinturas de líneas finas del período Moche tardío (aproximadamente entre los años 500 d.C. y 800 d.C.).

Con respecto a la composición resaltar que los artistas lambayeque incorporaron las tradiciones visuales moche a sus propias creaciones aproximadamente hacia el año 1.000 d.C., la época en la que la entidad política Lambayeque se consolidó rápidamente como una poderosa fuerza en la región.

Además cabe destacar que los objetos con forma de bastón que se muestran en el Vaso con Figura Central son una combinación visual de dos motivos comunes de la cultura moche (la cabeza triangular de la maza y el escudo redondeado).

Éstos objetos bélicos, que en las representaciones Moche suelen asociarse con la violencia ritual, aluden a una noción diferente cuando se fusionan y se observan en las obras Lambayeque.

En éste caso el poder ceremonial invoca de forma más directa la autoridad divina o ancestral, siendo ésta adaptaciones lo que reflejan cómo los artistas Lambayeque cultivaron una identidad artística única, que combinó y transformó motivos existentes para denotar nuevos significados y valores.

Es más se piensa que originalmente el Vaso con Figura Frontal probablemente contenía líquidos rituales, posiblemente chicha (una bebida fermentada de maíz ampliamente consumida en lo que en la actualidad es Sudamérica).

Para finalizar subrayar que el Vaso con Figura Frontal fue expuesto del 9 de mayo al 11 de agosto del año 1.985 d.C. en la exposición "The Art of Precolumbian Gold: The Jan Mitchell Collection" ("El arte del oro precolombino: la colección de Jan Mitchell"), ocurrida en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

sábado, 9 de mayo de 2026

Armor

Armor, también conocido como Armadura, es una pintura datada en el año 1.891 d.C., perteneciente al simbolismo.

Armor
Armor

Fue pintada por el pintor francés Odilon Redon

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte del arquitecto y coleccionista de arte francés Antoine-Nicolas Bailly.

En el año 1.892 d.C. la pintura fue adquirida por el marchante de arte y galerista francés Ambroise Vollard.

Después pasó a formar de la colección de la "Galerie Jacques Dubourg", ubicada en la ciudad de París (Francia).

Hasta que en el año 1.948 d.C. la pintura Armor fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), pasando a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de dibujos y grabados.


Descripción

Tiene una altura de 50,7 cm y una anchura de 36,8 cm. Está pintado al carboncillo y lápiz conté.

Se trata de un dibujo fantástico que presenta la figura de perfil de una mujer, mirando hacia el lado izquierdo, envuelta en una armadura oscura compuesta por un casco con púas y tan sólo dejando ver una mirada melancólica.

Cabe enfatizar que el significado exacto de la imagen no está claro, algunos investigadores piensan que la extraña atadura impuesta a la mujer retratada expresa un miedo subconsciente a la sexualidad femenina o, por el contrario, sirve como símbolo de la fecundidad femenina.

Con respecto a la composición resaltar que la armadura no está representada como un objeto, sino que se encuentra representada como una metáfora de aislamiento, introspección o protección espiritual.

Además resaltar que el artista está considerado un maestro del carboncillo y ha utiliza el difuminado para crear una atmósfera de ambigüedad y misterio.

También llama la atención la habilidad del autor para capturar toda la gama de todos del carboncillo, desde la oscura textura aterciopelada del casco hasta la palidez de la piel de la mujer.

Para finalizar subrayar que la pintura Armor forma parte de la serie de "noirs" (negros), dónde el artista exploraba temas fantásticos, oníricos y psicológicos.

Asimismo resaltar que la obra es uno de los cuatro dibujos a carboncillo similares que el pintor francés Odilon Redon realizó durante la última década del siglo XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.891 d.C. y 1.900 d.C.).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

viernes, 8 de mayo de 2026

Bolso Bordado con Flecos

El Bolso Bordado con Flecos es un bolso datado aproximadamente en el siglo VII d.C. (período comprendido entre los años 601 d.C. y 700 d.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte nazca o arte nasca.

Bolso Bordado con Flecos

Lo primero que se conoce es que se encontraba en la colección de arte del coleccionista Alan C. Lapiner, ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.967 d.C. el bolso fue comprado por el coleccionista de arte Arnold I. Glodberg, pasando a formar parte de su colección localizada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.976 d.C. el bolso pasó a ser propiedad, por herencia, de la coleccionista e historiadora de arte estadounidense Jane Costello Goldberg.

Hasta que en el año 1.986 d.C. el Bolso Bordado con Flecos fue legado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una anchura de 15,2 cm y un diámetro de 36,2. Está tejido en pelo de camélido.

Se trata de un bolso creado por un tejedor nasca afincado en la costa norte de Perú, el tejido del bolso es liso de color marrón oscuro, ornamentado con diseños bordados en colores amarillo, blanco y rojo.

El tejido se doblaba, mientras que los laterales y la base se bordaban con hilos de los mismos colores que los diseños. Aparte resalta como los flecos se formaban con bucles de urdimbre sin tejer.

También destaca cómo originalmente el bolso tenía un cordón, del cual se conserva un fragmento en la parte superior, que se usaba para cerrarlo.

Con respecto a la composición resaltar que los motivos del diseño podrían sugerir una conexión con el imperio Wari, una entidad política de la sierra que llegó a dominar gran parte de la costa de Perú en la segunda mitad del primer milenio d.C. (período comprendido entre los años 1 d.C. y 1.000 d.C.).

El hecho de que la bolsa estuviera hecha de fibra de camélido también indica la interacción entre la costa y las tierras altas, ya que las llamas y las alpacas prosperan principalmente en altitudes elevadas.

Para finalizar subrayar que se conoce que las personas de alto estatus llevaban las hojas de coca en bolsos finamente tejidos, como el Bolso Bordado con Flecos

Además resaltar que la práctica de masticar hojas de coca se remonta a más de 8.000 años en Perú, masticar hojas de coca con cal viva o ceniza libera hidrocloruro de cocaína, que entra rápidamente en el torrente sanguíneo y produce un leve efecto narcótico.

Se piensa que la droga proporciona energía y enmascara el hambre. Es más en las sociedades tradicionales actuales, masticar hojas de coca forma parte de rituales sociales y religiosos, y es razonable pensar que también esto ocurría hace miles de años.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

jueves, 7 de mayo de 2026

Retrato de la Madre del Artista

El Retrato de la Madre del Artista, también conocida como Cabeza de Mujer, es una pintura datada en el año 1.912 d.C., perteneciente al cubismo.

Retrato de la Madre del Artista

Fue pintado por el pintor, ilustrador y litógrafo español José Victoriano González-Pérez (también conocido como Juan Gris).

Lo primero que se conoce es que la pintura fue expuesta en la galería de arte "Galerie Kahnweiler", situada en la ciudad de París (Francia), propiedad del escritor, coleccionista y marchante de arte alemán Daniel-Henry Kahnweiler.

El 4 de julio del año 1.922 d.C. fue comprado por un precio de 65 francos por el escultor y coleccionista de arte lituano Chaïm Jacob Lipchitz (también conocido como Jacques Lipchitz).

En el año 1.923 d.C. la pintura fue comprada por el historiador y crítico de arte polaco Waldemar George.

En el año 1.937 d.C. la pintura Retrato de la Madre del Artista fue vendida al comerciante de arte y coleccionista de arte alemán Justin K. Thannhauser.

En junio del año 1.938 d.C. la pintura fue adquirida por el historiador, crítico y coleccionista de arte británico Douglas Cooper, pasando a formar parte de su colección ubicada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

En el año 1.984 d.C. fue legado al diseñador de interiores estadounidense y filántropo William Augustine MacCarty-Cooper.

En noviembre del año 1.986 d.C. la pintura fue vendida al multimillonario, filántropo y coleccionista de arte estadounidense Leonard Alan Lauder.

El 8 de abril del año 2.013 d.C. la pintura fue transferida a la colección de arte "The Leonard A. Lauder Cubist Trust", ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 2.025 d.C. el Retrato de la Madre del Artista fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de la colección de arte permanente del museo, dentro del departamento de arte moderno y contemporáneo.


Descripción

Tiene una altura de 53,8 cm y una anchura de 46,4 cm, mientras que con el marco tiene una altura de 71,8 cm, una anchura de 88,3 cm y un grosor de 4,4 cm.

Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura donde el artista descompone la figura humana femenina, altamente estilizada, en una red de planos geométricos y fragmentos.

Donde las facciones de su madre emergen de una composición cuadriculada, si bien los rasgos faciales distorsionados son legibles en la mitad superior de esta composición cuadriculada, la mita inferior es más difícil de interpretar, lo que dificulta la identificación de la mujer con pendientes de perlas.

Sobretodo enfatizar cómo el autor ha creado una experiencia visual desafiante al espectador de la pintura, como si fuera "como un rompecabezas".

También se puede observar como situado arriba a la izquierda, con pintura negra, se encuentra la firma del autor: "Juan Gris".

Con respecto a la composición resaltar que la pintura destaca la transición del pintor de la ilustración a la pintura y su enfoque en el estructuralismo técnico e intelectual en el arte.

Además llama la atención la utilización de la paleta cromática con el uso de tonos tierras y grises, así como la precisión matemática característica del estilo del artista, habitualmente denominado "cubismo cristalino".

Para finalizar subrayar que fue el escritor, marchante y coleccionista de arte alemán Daniel-Henry Kahnweiler, amigo del pintor, ilustrador y litógrafo español Juan Gris, quién se refirió por primera vez a ésta pintura como Retrato de la Madre del Artista, puesto que sabia que la pintura fue "pintada de memoria, pues tras abandonar la ciudad de Madrid (España), el arista nunca volvió a verla".

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

miércoles, 6 de mayo de 2026

Varita Mágica

La Varita Mágica es un objeto datado aproximadamente entre los años 1.850 a.C. y 1.640 a.C., perteneciente al arte egipcio.

Varita Mágica
Varita Mágica

En concreto la Varita Mágica se encuentra datada entre las XII Dinastía de Egipto (período comprendido entre los años 1.990 a.C. y 1.786 a.C.) y la XIII Dinastía de Egipto (período comprendido entre los años 1.786 a.C. y 1.560 a.C.).

El objeto fue hallado entre los años 1.885 d.C. y 1.886 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas por el arqueólogo francés Gaston Maspero.

En el antiguo poblado egipcio de Deir el-Medina, ubicado cerca de la colina de Qurnet Mura, situado en la ribera occidental del río Nilo, frente a la ciudad de Tebas, en la gobernación de Lúxor (Egipto).

En el año 1.886 d.C. la Varita Mágica fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento del arte egipcio.

Varita Mágica



Descripción

Tiene una longitud de 26,6 cm, una anchura de 3,6 cm, una altura de 9,5 cm y un grosor de 1,5 cm.

Se trata de un objeto curvo, fabricado en un único colmillo de hipopótamo, con uno de los extremos redondeados, mientras que el otro extremo está más aplanado y que presenta en toda su superficie decoraciones incisas.

Las incisiones representan las figuras de: una rana, de la diosa Tawaret (diosa protectora del embarazo, el parto y la fertilidad), un cocodrilo, un felino alado, el "daimon" Bes (deidad protectora egipcia, a menudo considerada un demonio), la cabeza de un chacal, un león erguido y un babuino.

Para finalizar subrayar que la Varita Mágica pertenece a un grupo de objetos similares, todos datados de finales del Reino Medio (periodo de "reunificación" y "renacimiento" cultural en Egipto, caracterizado por expandir las fronteras, fomentar el arte, la literatura y la construcción), que comparten una forma parecida: curvos con un extremo ligeramente redondeado y el otro plano.

Además debido a la presencia de la diosa Tawaret (diosa protectora del embarazo, el parto y la fertilidad) y el "daimon" Bes (protector de los recién nacidos), así como a las inscripciones en algunos de estos objetos que mencionan a niños.

Por lo que se suele considerar que este grupo de objetos estaban asociado con prácticas mágicas relacionadas con el nacimiento y la primera infancia.

Así mismo el hallazgo de estos objetos en el interior de las tumbas podría explicarse por la creencia de que el difunto egipcio deseaba renacer en el más allá.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

martes, 5 de mayo de 2026

Duho (Máscara de Halcón) o Duba (Máscara de Buitre)

La Duho (Máscara de Halcón) o Duba (Máscara de Buitre) es una máscara datada aproximadamente en el siglo XX d.C. (período comprendido entre los años 1.901 d.C. y 2.000 d.C.), perteneciente al arte africano.

Duho (Máscara de Halcón) o Duba (Máscara de Buitre)

Fue elaborada por un artista Bwa blacksmiths del Sur, del pueblo Bwa.

Un grupo étnico de personas nativo de Burkina Faso y Mali.

En el año 1.955 d.C. fue comprada en el departamento de Boni, situado en la provincia de Tuy, en la región Hauts-Bassins (Burkina Faso) por el marchante de arte polaco John J. Klejman, pasando a formar parte de su colección de arte ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.960 d.C. fue comprada por el político estadounidense y vicepresidente de los Estados Unidos de América Nelson Aldrich Rockefeller.

Entre los años 1.960 d.C. y 1.978 d.C. la máscara fue prestada para su exhibición al Museo de Arte Primitivo de Nueva York (Estados Unidos de América), un antiguo museo dedicado a las culturas indígenas de América, Asia, África, Europa y Oceanía.

Hasta que en el año 1.979 d.C. la Duho (Máscara de Halcón) o Duba (Máscara de Buitre) pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).


Descripción

Tiene una altura de 31,8, una anchura de 130,2 cm y un profundidad de 22,2 cm. Está elaborada en madera de ceiba, pigmento y fibra.

Se trata de una máscara de madera denominada duho (que significa halcón) o a veces denominada duba (que significa buitre), con las alas de la máscara de halcón bidimensional y ornamentada con pintura blanca.

Llama la atención como el rostro del halcón se ha reducido a formas geométricas básicas y un triángulo invertido define el "rostro", con una boca cónica y prominente.

También tiene dos conjuntos de círculos concéntricos para representar los ojos. Aparte se observa como el pico que sobresale y el gancho en la parte superior del rostro son dos de los pocos elementos que contrastan con la naturaleza plana de ésta representación del espíritu de la naturaleza.

Asimismo se aprecia como entre los rasgos hay pintados formas geométricas audaces, repetidas en diseños pintados negros, con la finalidad de dar vida a las superficies de éstas formas relativamente abstractas.

Cabe resaltar que las máscaras de espíritus de la naturaleza Bwa son particularmente impresionantes debido a su imponente tamaño y forma.

La máscara Duho (Máscara de Halcón) o Duba (Máscara de Buitre) tiene una envergadura horizontal de casi un metro y medio.

Resalta como a pesar de su imponente tamaño, es sabido que la máscara facial era usada por un artista, quién mordería una gruesa cuerda de fibra que pasa por orificios en la máscara para sujetarla a su rostro.

La máscara también se encontraría unida a un traje de fibra que cubre la cabeza y el cuerpo del artista y la coreografía de la representación se basaba en los movimientos y el comportamiento de un halcón o un buitre.

Para finalizar subrayar que en la sociedad Bwa, la identidad y el bienestar continuo de una familia suelen estar ligados a un espíritu de la naturaleza.

El origen de esta asociación puede ser un sueño o incluso un encuentro con un espíritu que se materializa en forma animal.

Tras consultar a un sacerdote, una familia puede encargar una escultura para encarnar a ese espíritu de la naturaleza.

Es conocido que las máscaras aparecen en funerales importantes para honrar a los difuntos y acompañar sus almas al más allá.

También bailan en las festividades agrícolas para asegurar el correcto transcurso de las estaciones, y en los rituales de iniciación para introducir a los jóvenes a los secretos y responsabilidades de la adultez.

La máscaras son motivo de orgullo familiar y una forma no oficial de representar su prosperidad e influencia.

Las familias rivales compiten por ofrecer las representaciones más innovadores y espectaculares y por consiguiente, las familias encargan la talla de multitud de máscaras, incluso hasta nueve máscaras diferentes pueden representar a una misma familia extensa.

La elaborada decoración, el impresionante tamaño y diseño de las máscaras, así como la dinámica coreografía contribuyen a la grandeza y el prestigio del evento.

Por otra parte es conocido que muchas religiones tradicionales africanas sufrieron durante el siglo XX d.C. (período comprendido entre los años 1.901 d.C. y 2.000 d.C.) debido a los profundos cambios sociales derivados del colonialismo, la urbanización y la expansión del islam.

A pesar de estos cambios, la mayoría de los Bwa han conservado un núcleo de tradiciones religiosas y artísticas relacionas que incluyen máscaras como el duho.

La vida religiosa Bwa se centra en la figura mítica de Do, un intermediario entre el pueblo Bwa y el Creador (Difini o Dobweni).

El Do representa la naturaleza salvaje e inexplorada y su fuerza vital, de ahí el énfasis en las máscaras inspiradas en espíritus de la naturaleza como el halcón, la mariposa o la serpiente, entre otros.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

lunes, 4 de mayo de 2026

Placa con la Entrada de Jesús en Jerusalén

La Placa con la Entrada de Jesús en Jerusalén es una placa datada aproximadamente entre los años 900 d.C. y 925 d.C., perteneciente al arte medieval.

Placa con la Entrada de Jesús en Jerusalén
Placa con la Entrada de
Jesús en Jerusalén

En concreto se encuentra englobada dentro del arte prerrománico y dentro de éste pertenece al arte otoniano.

Se conoce que la placa fue elaborada en un taller ubicado en la ciudad de Milan (Italia).

Perteneció a la colección del anticuario, coleccionista de arte y arquitecto aficionado británico Sir Andrew Fountaine, ubicada en el condado de Norfolk (Gran Bretaña).

El 16 de junio del año 1.884 d.C. la placa fue subastada por la casa de subastas Christie's de Londres (Gran Bretaña), siendo comprada por el comerciante de arte británico G.R. Harding.

En el año 1.906 d.C. la Placa con la Entrada de Jesús en Jerusalén fue comprada por el empresario, banquero y coleccionista de arte estadounidense John Pierpont Morgan.

Hasta que en el año 1.917 d.C. la placa fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Placa con la Entrada de Jesús en Jerusalén
Placa con la Entrada de
 Jesús en Jerusalén


Descripción

Tiene una altura de 17,3 cm, una anchura de 11,7 cm y un grosor de 0,6 cm. Está elaborado en marfil de elefante, mediante las técnicas de incisión, grabado y tallado.

Se trata de una placa con forma rectangular que representa en su anverso la entrada de Jesús en la ciudad santa de Jerusalén.

En un primer plano, Jesús aparece representado de perfil, erguido, montado en un burro, mientras sostiene las bridas con la mano izquierda, mientras que con la mano derecha hace un gesto de bendición.

También se puede observar como está ataviado con una túnica con pliegues y un manto y en la cabeza tiene un nimbo (también conocido como halo o aureola) decorado con un patrón circular.

A ambos lados de su cabeza se puede leer los siguiente monogramas:

"XPS y IHS"

Cabe destacar que en la tradición cristiana éstos monogramas son abreviaturas para representar el nombre de Jesucristo:

- XPS: es una abreviatura de "Christus" (Cristo), derivada del griego (ΧΡΙΣΤΟΣ (Christós)).

- IHS: es una abreviatura de Jesús en griego (ΙΗΣΟΥΣ - Iēsoûs).

En el fondo situado en el lateral izquierdo hay representado un hombre con una rama de palma que saluda desde una posición alta, presenciando la llegada triunfal de Jesús.

Asimismo se aprecia cómo en el lateral derecho hay representadas los apóstoles y espectadores anunciando la entrada de Jesús a la ciudad santa.

Además la representación de mantos y prendas colocados en el suelo, debajo del burro, simboliza como los seguidores reconocían a Jesús como un rey, puesto que existía la tradición de extender alfombras o telas ante la llegada de la realeza.

Con respecto a la composición destacar que la escena bíblica representada es un tema común dentro de la iconografía cristiana para marcar el inicio de la Semana Santa.

Es más enfatizar que la entrada triunfal de Jesús se conmemora frecuentemente en el arte religioso y simboliza con las ramas de palma la realeza de Jesús.

Para finalizar subrayar que los investigadores creen que originalmente la Placa con la Entrada de Jesús en Jerusalén formaba parte de un extenso ciclo narrativo de la vida de Jesús.

Siendo el episodio representado en la placa, en el que el pueblo aclamó a Jesús como rey con ramas de palma y mantos, el que da inicio a la serie de acontecimientos que condujeron a la Crucifixión.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

domingo, 3 de mayo de 2026

Medallón con Inscripción Repetida

El Medallón con Inscripción Repetida es un medallón datado aproximadamente en el siglo XVI d.C. (período comprendido entre los años 1.501 d.C. y 1.600 d.C.), perteneciente al arte indio.

Medallón con Inscripción Repetida
Medallón con Inscripción Repetida

Por sus características los investigadores piensan que pudo haber sido realizado en un taller ubicado en la ciudad de Hyderabad.

Localizada en el estado de Telangana, situado en el sur de la India.

Formó parte de la colección de arte de "John Lawrence Fine Arts Inc.", ubicada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

Hasta que en el año 1.991 d.C. el Medallón con Inscripción Repetida fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), donde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene un diámetro que varia de los 3 cm a los 48 cm. Está elaborado en madera policromada, estuco y pan de oro y plata.

Se trata de un medallón de madera tallada con forma circular que evoca dos de los noventa y nueve nombres de Alá (asma al-husna): al-Haqq (la Verdad) y al-Qayym (el Eterno), a través de su intrincada composición.

La inscripción árabe, en escritura naskhi, se escribe primero verticalmente y luego en imagen especular (muthanna) (escrito una vez en sentido normal y otra en sentido inverso), repitiéndose cada par ocho veces.

"يا حي يا قيوم"

Siendo una traducción aproximada la siguiente:

"Oh, el Eterno, el Autosuficiente"

Cabe resaltar que el Medallón con Inscripción Repetida estaba considerado un reflejo de los aspectos externo (zahir) e interno (batin) de lo Divino.

Asimismo se puede apreciar cómo las letras se disponen alrededor de la palabra "ya", en la que la letra "alif" forma un trazo vertical alto.

Además llama la atención como la zona central con la escritura se encuentra rodeada por un borde exterior formado por un patrón de rayos de sol circundante.

Con respecto a la composición resaltar que se han hallado restos de pintura roja, amarilla, azul y verde, así como pan de oro y posiblemente de plata, lo que indican que originalmente el medallón habría tenido una paleta de colores vibrante, que probablemente se retocaba periódicamente.

Para finalizar subrayar que los medallones caligráficos tallados en arenisca y madera pintada, como el Medallón con Inscripción Repetida, se encuentran típicamente en las enjutas de los portales arqueados, nichos y muros interiores de edificios de los siglos XVI d.C. y XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.501 d.C. y 1.700 d.C.) en la región del Decán, en la India.

En concreto éste medallón pertenece a un grupo de ejemplares que adornan las paredes interiores del Badshahi ‘Ashurkhana en Hyderabad (un santuario chií que conmemora el martirio de Husain, nieto del Profeta, en Karbala, erigido entre los años 1.593 d.C. y 1.596 d.C., con azulejos añadidos en el año 1.611 d.C.), también construido bajo el patrocinio de Muhammad Quli Qutb Shah.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

sábado, 2 de mayo de 2026

Paño Cuadrado con Borde de Plumas

El Paño Cuadrado con Borde de Plumas es un paño datado aproximadamente entre los años 1.200 d.C. y 1.400 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte chimú.

Panel Cuadrado con Borde de Plumas
Panel Cuadrado con Borde de Plumas

Fue hallado entre los años 1.968 d.C. y 1.969 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas en el interior de una tumba situada en el valle de Chancay, al norte de la ciudad de Lima (Perú).

Formó parte de la colección de arte del coleccionista Juan Luis Pereira, ubicada en la ciudad de Lima, en Perú.

En el año 1.969 d.C. fue comprado por el coleccionista de Arnold I. Goldberg, pasando a formar parte de su colección de arte localizada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

A su muerte, ocurrida en el año 1.976 d.C., el paño pasó a ser propiedad de la historia de arte y coleccionista estadounidense Jane Costello Goldberg.

En el año 1.987 d.C. el Paño Cuadrado con Borde de Plumas fue legado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 30,5 cm y una anchura de 6 cm. Está elaborado en plumas, pelo de camélido, algodón y lana.

Se trata de un sencillo paño cuadrado marrón que se encuentra adornado con plumas tanto en los bordes como en las borlas.

Las plumas, probablemente procedentes de una guacamaya azul (también conocido como guacamayo jacinto) y un guacamayo amarilla, estaban sujetas al paño mediante nudos. 

Mientras que las borlas de madera estaban adornadas con plumas violetas, verdes y naranjas, probablemente de la tangara del Paraiso (también conocida como Tangana chilensis), adheridas a la superficie mediante un adhesivo.

En cuanto a la funcionalidad los investigadores creen que el Paño Cuadrado con Borde de Plumas podría haber sido parte de una ofrenda votiva, que originalmente habría sido enterrada ritualmente para pedir favores a los dioses.

Para finalizar subrayar que el conjunto de obras de arte con plumas que ha llegado hasta nuestros días, junto con los relatos de cronistas españoles del siglo XVI d.C. (período comprendido entre los años 1.501 d.C. y 1.600 d.C.) que describieron las tradiciones andinas en la época del Imperio Inca.

Sugirieron que antes de los incas, en el antiguo Perú las plumas se utilizaban principalmente para adornar túnicas o tabardos, tocados y accesorios que las personas de alto rango vestían o intercambiaban durante ceremonias y festividades.

Por lo tanto enfatizar que las plumas se elegían principalmente por sus colores radiantes, su llamativa iridiscencia y su textura sedosa, propiedades difíciles de lograr con tintes naturales para telas.

Además resaltar que usar plumas de aves nativas de la costa y la sierra, se conoce que los artistas chimú incorporaron cada vez más las brillantes plumas de aves amazónicas en sus creaciones.

Una tradición que desapareció gradualmente a principios del siglo XVI (período comprendido entre los años 1.501 d.C. y 1.600 d.C.), tras la conquista española (proceso histórico en el que la Corona de Castilla expandió su soberanía, militar y culturalmente, sobre el continente americano).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Borde de Sarcófago de Terracota

El Borde de Sarcófago de Terracota es un borde de sarcófago datado aproximadamente en el último siglo VI a.C. (período comprendido entre lo...