lunes, 31 de enero de 2022

Cabezas Grotescas

Las Cabezas Grotescas es un dibujo datado aproximadamente en el año 1.490 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Cabezas Grotescas

Fue dibujado por el anatomista, arquitecto, artista, botánico, científico, escritor, escultor, filósofo, ingeniero, inventor, músico, pintor, paleontólogo, poeta y urbanista italiano Leonardo da Vinci (también conocido como Leonardo di ser Piero da Vinci).

Se conoce que desde el año 1.494 d.C. las Cabezas Grotescas forman parte de la colección de arte de la Biblioteca Real de Windsor, situada en el castillo de Windsor.

Localizado en la ciudad de Windsor, en el condado de Berkshire (Gran Bretaña).


Descripción

Tiene una altura de 26 cm y una anchura de 20 cm. Está pintado en un folio con pluma y tinta.

Se trata de un dibujo parecido a una caricatura (retrato que distorsiona o exagera los rasgos físicos de una o varias personas) que representa cinco cabezas humanas.

En el centro y en un primer plano se encuentra representado la cabeza de un hombre mayor de perfil que lleva en la parte superior de la cabeza una guirnalda realizada con hojas de encina.

Se puede observar como también hay representadas dos cabezas a ambos lados, destaca como al fondo a la derecha hay representado una cabeza con la boca abierta, aparte se aprecian la representación de un hombre mayor desdentado y otro con un labio protuberante.

Con respecto a la composición resaltar que los investigadores piensan que las Cabezas Grotescas representan una burla del Humanismo por parte de la gente vulgar e inculta.

Para finalizar subrayar que existen varios dibujos grotesco pintados por el artista italiano Leonardo da Vinci que se encuentran repartidos en las colecciones de los grandes museos. 

Además destacar que son creaciones de rasgos bizarros e imaginativos que no se correspondían con la realidad y representan una característica del arte de Leonardo da Vinci.

Actualmente se encuentra en la Biblioteca Real del Castillo de Windsor, Gran Bretaña.

domingo, 30 de enero de 2022

Espada de Siete Ramas

La Espada de Siete Ramas, también conocida como 七支刀 (Shichishitō), es una espada datada aproximadamente entre los años 250 d.C. y 269 d.C., perteneciente al arte japonés.

Espada de Siete Ramas

Se conoce que la espada fue un regalo del rey del reino de Baekje (reino situado al suroeste de la península de Corea) a un gobernante japonés durante el período Yamato (大和時代).

Esto es conocido debido a que se menciona en el Nihonshoki (日本書紀) o Nigongi (日本紀), el segundo libro más antiguo sobre la historia de Japón.

Concretamente se encuentra registrado en el libro del año cincuenta y dos del reinado de la emperatriz consorte Jingū (神功皇后 Jingū Kōgo).

La Espada de Siete Ramas se ha conservado, desde la antigüedad, en el templo de Isonokami (石上神宮), localizado en la ciudad de Tenri (天理市), situado en la prefectura de Nara (奈良県), en Japón (日本).

Espada de Siete Ramas



Descripción

Tiene una longitud total de 74,8 cm.

Se trata de la hoja de una espada que presenta seis hojas de rama situadas tres a cada lado de la espada.

Además en su superficie tiene una inscripción con incrustaciones de oro. La inscripción consta de un total de 61 caracteres situados en el anverso y reverso.

Se pueden apreciar un total de 34 caracteres en el anverso y 27 caracteres en el reverso de la hoja.

Sin embargo debido a la corrosión tan solo se pueden leer claramente 49 caracteres, 4 caracteres no se pueden leer en absoluto y los 8 caracteres restantes tan solo se pueden apreciar algunos líneas.

Con respecto al estado de conservación, la Espada de Siete Ramas ha sido restaurada y reproducida por el museo adjunto al Instituto Arqueológico de Kashihara (立橿原考古学研究所), localizado en la prefectura de Nara (奈良県).

La restauración fue realizada por un herrero de la ciudad de Higashiyoshino (東吉野村), situada en la prefectura de Nara (奈良県), en Japón (日本). 

Aunque debido a que se desconoce el método de fabricación original, las reproducciones se llevaron a cabo dos veces, una en el año 1.980 d.C. (correspondiente con el año 55 de la era Showa 昭和55年) y otra en el año 2.005 d.C. (correspondiente con el año 17 de la era Heisei 平成17年) cambiando el método de fabricación.

En el año 1.980 d.C. la espada fue forjada, mientras que en el año 2.005 d.C. la espada fue fundida y procesada en un horno a 890 ºC durante un período de 6 horas.

Espada de Siete Ramas

Como curiosidad destacar que debido a su apariencia la imagen de la Espada de Siete Ramas ha sido representada como un arma poderosa en películas de ficción y animaciones.

Pero en realidad parece difícil utilizarla como un arma práctica, por ello los investigadores piensan que la espada se podría haber utilizado como un símbolo de poder durante la realización de rituales.

Para finalizar subrayar que en el año 1.953 d.C. (correspondiente al año 28 de la era Showa 昭和28年) la Espada de Siete Ramas fue designada como Tesoro Nacional de Japón.

Actualmente la Espada de Siete Ramas se encuentra en el templo de Isonokami (石上神宮) en Japón (日本), pero no se encuentra expuesta al público. Sin embargo se pueden apreciar diferentes réplicas localizadas en diferentes museos del mundo. 

sábado, 29 de enero de 2022

Virgen con el Niño

La Virgen con el Niño, también conocida como Virgen del Oro, es una escultura datada aproximadamente entre los años 1.526 d.C. y 1.527 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Virgen con el Niño

Se conoce que la escultura fue encargada en nombre de Juan de Luján, maestrasala (criado de la casa de un rey o soberano de una monarquía hereditaria) del arzobispo Juan II de Aragón, al escultor francés Gabriel Yoly

Quién recibió un total de diez ducados como el primer tercio de sus honorarios, aunque el total no se pago puesto que se estableció una tasación con un descuento de cien sueldos.

Para el retablo de la Iglesia parroquial de San Miguel Arcángel, localizada en municipio de Villafeliche, situado en la provincia de Zaragoza, en la Comunidad autónoma de Aragón (España).

En el año 1.581 d.C. la Virgen con el Niño se encontraba en propiedad de la colección de arte particular de la familia Luján.


Descripción

Tiene una altura de 118 cm y una anchura de 75 cm. Está fabricada en madera dorada y policromada.

Se trata de una escultura que representa a la Virgen María en posición sedente, con la mirada ausente y con el Niño Jesús en posición de pie con las manos extendidas hacia la derecha y apoyado sobre las rodillas de su madre, mientras la Virgen acaricia su cabeza con la mano izquierda.

Virgen con el Niño

En el rostro ovalado de la Virgen destacan los ojos almendrados semicerrados, la nariz recta, los labios carnosos y los pómulos marcados.

Además se observa como la cabeza se encuentra ligeramente inclinada hacia el lado derecho y el cabello es ondulado y rubio.

La Virgen se encuentra ataviada con un vestido ornamentado con hojas grabadas sobre un campo carmín que están incluidas en una trama romboidal.

También lleva un manto dorado con pliegues amplios y un borde azul ultramar ornamentado con una cenefa vegetal.

En la parte de atrás de la cabeza lleva un velo con cadenetas, una serie de puntos y escamados que están alternados con bandas blancas rojas y azules.

Mientras que el Niño Jesús lleva una túnica azul ultramar decorada con un punteado (también conocido como graneteado) y ceñida a la cintura mediante una fina banda o cordón.

Para finalizar con respecto a la composición resaltar una equilibrada composición piramidal y una dulzura algo melancólica reflejada en los rostros que la acercan a los ideales clasicistas representados en el alto renacimiento italiano.

Aparte destaca como está representada la Virgen María en una dolorosa reflexión motivada por el conocimiento del futuro de su hijo.

viernes, 28 de enero de 2022

Colgante con Nudo de Hércules

El Colgante con Nudo de Hércules es un colgante datado aproximadamente entre los siglos IV a.C. y III a.C. (período comprendido entre los años 400 a.C. y 201 a.C.), perteneciente al arte griego.

Colgante con Nudo de Hércules

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte del restaurador y coleccionista Christos G. Bastis.

Hasta que en el año 1.995 d.C. el Colgante con Nudo de Hércules fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América) en honor al historiador de arte, director museístico y aristócrata francés Guy Philippe Henri Lannes de Montebello.


Descripción

Tiene una longitud de 43,2 cm. Está fabricado en oro.

Se trata de un colgante que presenta en el frente un adorno central compuesto por un nudo de Hércules y dos palmetas con una roseta en el medio que llenan el centro del nudo.

Además los extremos acaban en cabezas león, se puede observar como en el nudo, entre los pares de cabezas de león, hay representadas dos cabezas femeninas exquisitamente acabadas.

Aparte también se puede apreciar como en el extremo del broche de las cadenas hay terminales de cabeza de león, cada uno de ellos con un anillo en la boca.

Para finalizar subrayar que en la antigüedad el nudo de Hércules representaba un símbolo relacionado con la diosa Hera (reina del cielo, diosa del matrimonio, de la fidelidad conyugal y protectora de las mujeres), también se conoce que el símbolo era utilizado por las mujeres recién casadas que rogaban a la diosa un matrimonio feliz, próspero y tener fecundidad, es decir, poder tener mucha descendencia.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

jueves, 27 de enero de 2022

Tejido Safávida

El Tejido Safávida es un tejido datado aproximadamente en el siglo XVI d.C. (período comprendido entre los años 1.501 d.C. y 1.600 d.C.), perteneciente al arte persa.

Tejido Safávida

Se conoce que en el año 1.907 d.C. el tejido fue adquirido por el marchante y coleccionista de arte Dikran Kelekian.

En el año 1.951 d.C. fue vendido al editor estadounidense de origen judío húngaro Joseph Pulitzer.

Hasta que en el año 1.952 d.C. el Tejido Safávida fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 134,6 cm, una anchura de 81,6 cm, un peso de 14,1 kg. Está fabricado en hilo envuelto en metal y seda.

Se trata de un tejido que tiene una escena dónde aparecen representados soldados safávidas a caballo, mientras sujetan con una cuerda a un soldado cautivo.

Tejido Safávida

Las figuras están representadas sobre un fondo rojo y rodeadas por árboles y un patrón compuesto por hojas y aves.

Además se aprecia como las mismas figuras así como los árboles, las hojas y las aves están repetidas en tres filas horizontales situadas en toda la superficie del tejido.

Cabe destacar que el tejido forma parte de un grupo de trece tejidos en el que aparecen representadas escenas relacionadas de cortesanos safávidas y sus cautivos: nobles, mujeres y niños que fueron secuestrados durante una serie de invasiones ocurridas entre los años 1.540 d.C. y 1.553 d.C., éstas invasiones estaban destinadas a entrenar los soldados safávidas, pero sobretodo a traer a un gran número de esclavos cristianos circasianos y georgianos que formarían la base de un sistema de esclavos militares.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que originalmente fue empleado hilo envuelto en metal como un color adicional en la paleta cromática.

Sin embargo en la actualidad hay varias partes en los que se ha perdido, se puede observar como una vez embelleció la camisa y el caballo del captor situado en la fila superior y en el traje del cautivo situado en las filas central e inferior.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

miércoles, 26 de enero de 2022

Anillo con una Cruz

El Anillo con una Cruz es un anillo datado aproximadamente entre los años 450 d.C. y 525 d.C., perteneciente al arte medieval, en concreto al arte paleocristiano.

Anillo con una Cruz

Se conoce que el anillo se encontraba en la colección privada del aristócrata francés Alexandre-Stanislas, Baron de Wimpffen.

En el año 1.917 d.C. el Anillo con una Cruz fue comprado por el empresario, banquero y coleccionista de arte estadounidense John Pierpont Morgan.

En ese mismo año (1.917 d.C.) el anillo fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura total de 1,6 cm y una diámetro total de 2,1 cm. El bisel presenta una anchura de 1,6 cm, una anchura de 1,6 cm y un grosor de 0,3 cm. La banda tiene una anchura de 2 cm y un grosor de 0,6 cm. Está fabricado en oro.

Se trata de un anillo de oro que presenta un bisel en forma de cruz, se observa como en el centro de la cruz hay una joya circular blanca, mientras que los brazos de la cruz presentan un borde dorado y en las esquinas interiores hay un total de cuatro pequeñas bolas.

Anillo con una Cruz
La banda ancha se encuentra ornamentada por un patrón geométrico compuesto por espirales alternadas con pequeñas bolas dispuestas en tres filas horizontales.

Aparte se aprecia como tanto la banda como el bisel tienen por la parte superior e inferior un borde estriado.

Para finalizar subrayar que dentro del arte paleocristiano los anillos tenían una naturaleza puramente decorativa utilizando símbolos cristianos. 

Aunque también otros anillos llevaban monogramas o nombres que servían también como sellos para sellar documentos oficiales.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

martes, 25 de enero de 2022

Espada y Vaina Celta

La Espada y Vaina Celta es un arma datada aproximadamente en el año 60 a.C., perteneciente al arte celta

Espada y Vaina Celta

Cabe destacar que los investigadores piensan que pudo haber sido encontrada en Suiza, pero lo primero que se conoce es que perteneció a una colección de arte privada.

Hasta que en el año 1.999 d.C. la Espada y Vaina Celta fueron vendidas al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasaron a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 49,8 cm, una anchura de 6,7 cm y un profundidad de 2,2 cm. 

Tanto la empuñadura como la vaina están fabricadas en aleación de bronce y la hoja se encuentra fabricada en hierro.

Espada y Vaina Celta
(detalle)

Se trata de una espada antropomórfica, la empuñadura tiene la forma un guerrero celta que acaba en una cabeza bellamente modelada. 

La forma humana de la empuñadura aparece representada como una reducción geométrica de un guerrero, con el rostro con grandes ojos almendrados, además el cabello presenta forma de omega y está finamente dibujado.

Los investigadores piensan que originalmente la empuñadura podría haber tenido la función de aumentar el poder del propietario y podría haber tenido un significado talismánico.

Con respecto a la composición destacar que la vaina se ha amalgamado con la hoja de hierro, lo que afecta a parte de su superficie y ornamentación.

Para finalizar subrayar que la Espada y Vaina Celta se encuentra considerada como uno de los mejores ejemplos y mejor conservados de espada celta antropomórfica que ha llegado hasta la actualidad.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

lunes, 24 de enero de 2022

Cruz Procesional Bizantina

La Cruz Procesional Bizantina es una cruz datada aproximadamente entre los años 1.000 d.C. y 1.050 d.C., perteneciente al arte medieval, en concreto al arte bizantino.

Cruz Procesional Bizantina

Se conoce que la cruz se encontraba en una colección privada en Israel, después en el año 1.969 d.C. estaba en posesión de "Robert Haber and Associates Inc.".

Hasta que en el año 1.993 d.C. la Cruz Procesional Bizantina fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura total de 59,5 cm, una anchura total de 43 cm y un grosor de 2,2 cm.

El diámetro del medallón central en el frente es de 5,9 cm, mientras que el diámetro del medallón central en la parte posterior es de 6 cm.

Está fabricada en plata y plata dorada.

Se trata de una cruz procesional en la que los brazos se ensanchan en la parte exterior y se estrechan en la parte interior, además en las esquinas de los brazos exteriores hay unos adornos acabados en pequeñas bolas, aunque actualmente en algunas esquinas los adornos están perdidos.

La cruz presenta ambas caras ornamentadas. En el frente de la cruz, el medallón central contiene una representación de un busto de Cristo.

Cruz Procesional Bizantina

En los medallones situados arriba y abajo están representados los guardianes del cielo, los arcángeles Miguel y Gabriel.

Mientras que en los medallones de la izquierda y derecha están representados los intercesores tradicionales en nombre de la humanidad: la Virgen María y San Juan Bautista.

Cabe resaltar que en cada medallón hay inscripciones escritas en griego que identifican las figuras sagradas representadas en bustos de retratos.

Aparte se observa como en la base del dorso de la cruz hay una inscripción que identifica a la cruz como el regalo votivo de un obispo de la ciudad de León (España).

Los investigadores piensan que probablemente el regalo fue ofrecido en honor al médico San Thalilaeus Epiklautos, quién aparece representado en el medallón central situado en la parte posterior con los símbolos de su profesión: un maletín y una lanceta (instrumento quirúrgico puntiagudo).

En los medallones situados en la parte posterior izquierda y derecha están representados dos de los padres más importantes de la iglesia primitiva San Nicolás (también llamado San Nicolás de Mira o San Nicolás de Bari) y Juan Crisóstomo (también conocido como Juan de Antioquía).

Mientras que en los medallones de la parte posterior situados arriba y abajo se encuentran representados los arcángeles San Uriel y Rafael.

Para finalizar subrayar que probablemente la Cruz Procesional Bizantina fue utilizada en procesiones religiosas, militares e imperiales durante la era bizantina.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

domingo, 23 de enero de 2022

Báculo con Cordero de Dios

El Báculo con Cordero de Dios es un báculo datado aproximadamente entre los años 1.360 d.C. y 1.400 d.C., perteneciente al arte medieval, en concreto al arte gótico.

Báculo con Cordero de Dios

Los investigadores piensan que posiblemente fue fabricado en la ciudad de Venecia, localizada en la región de Véneto, en Italia.

Perteneció a la colección de arte del arquitecto alemán Theodor Fischer.

Hasta que en el año 1.953 d.C. fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Báculo con
Cordero de Dios



Descripción

Tiene una altura de 154,9 cm, una anchura de 24,3 cm y un grosor de 6,2 cm. 

Está fabricado en hueso con pintura y oro.

Se trata de un báculo, es decir, un bastón pastoral basado en el cayado del pastor y utilizado por los obispos, abades y abadesas.

Está compuesto por un total de tres secciones con un extremo con forma de rosca en el aparece representado el "Cordero de Dios".

Como un cordero con la cabeza aureada, herido por una lanza en el pecho y que agarra con su pata delantera derecha un estandarte coronado por una cruz.

Cabe destacar que ésta representación se conoce en el arte cristiano con el nombre de "Agnus Dei" y es un símbolo del martirio como imagen del sacrificio de Jesucristo en la Cruz.

En la superficie enroscada hay grabada en ambas caras la misma inscripción escrita en latín. La inscripción es la siguiente:

Báculo con Cordero de Dios

"Ave Maria gratia plena dominus tecum beata"

Haciendo referencia al pasaje del evangelio de San Lucas 1:28.

"Ave María, llena eres de gracia, 

el Señor (está) contigo habiendo sido bendecida"

También se observa como en la parte superior, antes de la parte enroscada, hay un adorno compuesto por pequeños paneles en los que aparecen representados las figuras de Santos en posición de pie.

Para finalizar subrayar que originalmente el Báculo con Cordero de Dios fue elaborado en tres secciones con extremos enroscados que podían desenroscarse.

Sin embargo las tres secciones que se conservan fueron dañadas y reparadas de forma que en la actualidad no se pueden separar. Además los investigadores creen que originalmente podría haber tenido una cuarta sección que se ha perdido.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

sábado, 22 de enero de 2022

Mesa de Mármol y Bronce

La Mesa de Mármol y Bronce es un mueble datado aproximadamente en el siglo I d.C. (período comprendido entre los años 1 d.C. y 100 d.C.), perteneciente al arte romano.

Mesa de Mármol y Bronce

Cabe resaltar aunque el año del hallazgo es desconocido, los investigadores piensan que fue encontrada durante las excavaciones arqueológicas realizadas en el municipio de Boscoreale.

Situado en la ciudad de Nápoles, localizada en la región de Campania, en la Italia meridional.

En el año 1.906 d.C. la Mesa de Mármol y Bronce fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 81,3 cm, una anchura de 65,4 cm y una profundidad de 106 cm. Está fabricada en mármol, plata y bronce.

Se trata de un mueble, una mesa, con forma rectangular que tiene un marco de bronce ricamente ornamentado mediante incrustaciones de plata y cobre que forman diversos patrones geométricos y vegetales.

Aparte se observa como la parte superior de la mesa reposa sobre una columna de mármol, situada en el centro, que hace la función de pata, a su vez la columna reposa en un pie de bronce con forma de trípode.

También se aprecia como toda la mesa, pata y pie están apoyadas sobre una base con forma geométrica. Sin embargo enfatizar que tal como está actualmente, gran parte de la pata y la base han sido fruto de una restauración.

Para finalizar subrayar que las habitaciones de las casas romanas estaban en gran parte desprovistas de muebles, en cambio se exhibían numerosas obras de arte como: pisos de mosaico, pinturas murales y esculturas de bronce y mármol.

Los investigadores creen que la Mesa de Mármol y Bronce probablemente fue utilizada en la parte pública de una villa o una casa urbana de un rico romano, como en la zona del atrio (vestíbulo de entrada). 

Además podría haber servido como soporte para exhibir una obra de arte o un conjunto de vasijas de metal o vasijas de vidrio costosas.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América. 

viernes, 21 de enero de 2022

Vasija del Dios de la Tormenta

La Vasija del Dios de la Tormenta es una vasija datada aproximadamente entre los años 200 d.C. y 700 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte teotihuacán.

Vasija del Dios de la Tormenta

Cabe resaltar que el año del hallazgo es desconocido, pero se conoce que fue encontrado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en el complejo arqueológico de Teotihuacán, localizado al nordeste de la Ciudad de México, en México.

Vasija del Dios de la Tormenta

En el año 1.973 d.C. la vasija fue adquirida por los marchantes y coleccionistas de arte John y Marisol Stokes.

Desde el año 2.008 d.C. pasó a formar parte de la colección de arte de la "Fundación Austen-Stokes Ancient Americas", con sede en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 2.012 d.C. la Vasija del Dios de la Tormenta fue donada a través de la "Fundación Austen-Stokes Ancient Americas" al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Vasija del Dios de la Tormenta



Descripción

Tiene una altura de 16,19 cm, una anchura de 10,48 cm y una profundidad de 11,11 cm. 

Está fabricado en piedra esteatita (también conocida como piedra o roca de jabón), mediante las técnicas de incisión y tallado.

Se trata de una vasija de esteatita originalmente utilizada para beber o para realizar libaciones durante alguna ceremonia ritual. 

En el cuerpo de la vasija se encuentra tallada la imagen del dios de la Tormenta de Teotihuacán, reconocido por la boca prominente con colmillos y los ojos circulares.

Vasija del Dios de la Tormenta

La cabeza del dios descansa sobre el cuello de la vasija y se encuentra marcada por un labio superior prominente con cuatro colmillos, acentuado por un agujero perforado debajo de los dientes.

Además la deidad se muestra en cuclillas sobre la vasija, con sus piernas y pies calzados con sandalias que se muestran en el costado del cuerpo del recipiente.

Con la mano izquierda sujeta un paquete de dardos, mientras que con la mano derecha sostiene un lanzador de lanzas con el que podría lanzar los dardos.

Para finalizar subrayar que en la antigua Mesoamérica, los dioses de la lluvia y la tormenta a menudo se representaban con armas que simbolizaban su poder para ejercer rayos y truenos dañinos. 

Aparte destacar que dentro de la sociedad teotihuacán el dios de la tormenta se encontraba estrechamente relacionado con el gobierno y el poder marcial.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

jueves, 20 de enero de 2022

Cabeza de Rey

La Cabeza de Rey es una pieza de orfebrería datada aproximadamente en el siglo IV d.C. (período comprendido entre los años 301 d.C. y 400 d.C.), perteneciente al arte persa, en concreto al arte sasánida.

Cabeza de Rey

Lo primero que se conoce es que se encontraba en propiedad de "K. Rabenou Ltd.", hasta que en el año 1.965 d.C. fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura 40 cm, una anchura de 22,9 cm y una profundidad de 20 cm. Está fabricada en plata y dorado.

Se trata de una pieza de orfebrería que representa la cabeza de un rey sasánida, se encuentra fabricada en una única pieza de plata con detalles cincelados y repujados.

En el rostro destacan los ojos almendrados con los iris muy marcados, la nariz arqueada y los labios finos. También se aprecia como en las orejas lleva unos aretes ovoides.

El cabello largo está peinado con rizos que le enmarcan el rostro, aparte la barba frondosa y ondulada se encuentra peinada terminando en una pequeña trenza que le cae por delante a la altura del mentón.

En la parte superior de la cabeza lleva una corona almenada decorada con una media luna y un orbe estriado que se eleva sobre ella, aparte en la parte inferior está ornamentada mediante una banda compuesta por cuentas.

Con respecto a la composición destacar que la representación de la poderosa mirada, junto con la representación de la nariz arqueada sugiere que el artista intentaba transmitir una sensación de majestuosidad.

Para finalizar subrayar que la parte inferior de la cabeza ha sido recortada, por lo que no se conoce si originalmente formaba parte de una escultura más grande compuesta por varias piezas o sí formaba parte de un busto decorativo.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

miércoles, 19 de enero de 2022

Estatuilla de Cristal de Roca de un León

La Estatuilla de Cristal de Roca de un León es una escultura datada aproximadamente entre los siglos III d.C. y IV d.C. (período comprendido entre los años 201 d.C. y 400 d.C.), perteneciente al arte medieval, en concreto al arte bizantino.

Estatuilla de Cristal de Roca de un León

Se conoce que perteneció a la colección de la coleccionista de arte estadounidense Ada Waterman Small Moore.

Hasta que en el año 1.955 d.C. la escultura fue legada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Estatuilla de Cristal de Roca de un León
Estatuilla de Cristal de Roca de un León


Descripción

Tiene una altura de 3,8 cm, una anchura de 5,4 cm y una profundidad de 2,5 cm. 

Está fabricada en cristal de roca, mediante las técnicas de incisión y tallado.

Estatuilla de Cristal de Roca de un León

Se trata de la escultura de bulto redondo o exenta que representa la figura de un león.

Está representado semiincorporado, con las patas delanteras estiradas, mientras que las patas traseras están apoyadas en el suelo.

La cabeza se encuentra representada girada hacia el lado derecho, también se aprecia como las fauces están abiertas dejando entrever los dientes.

Destaca como la melena se encuentra finamente trabajada reflejando fielmente los mechones de pelo.

En la parte trasera de la escultura resalta la cola del león que está representada arrollada y apoyada sobre su pata trasera.

Estatuilla de Cristal de Roca de un León

Se puede observar como la figura del león reposa sobre un pequeño pedestal realizado con el mismo cristal de roca. 

Además en la parte inferior de la base hay una ranura que sugiere que originalmente la escultura pudo haber estado montada sobre otro objeto, posiblemente un cetro.

Para finalizar subrayar que antiguamente se creía que el cristal provenía de la nieve y debido a la belleza de la escultura se pensaba que protegía contra dolencias renales y otras enfermedades.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

martes, 18 de enero de 2022

Tondo con Emblema

El Tondo con Emblema es un tondo datado aproximadamente entre los años 1.500 d.C. y 1.520 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Tondo con Emblema

Fue elaborado por el escultor y ceramista italiano Giovanni della Robbia, en su taller de la ciudad de Florencia, situado en al región de la Toscana, en Italia.

Se conoce que perteneció a la colección de arte del marchante italiano Stefano Bardini.

En el año 1.918 d.C. el Tondo con Emblema fue comprado por el banquero, propietario de un caballo de carreras, coleccionista de arte y filántropo estadounidense Robert Owen Lehman.

Hasta que en el año 1.975 d.C. fue adquirido por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene un diámetro de 57,5 cm. Está fabricado en terracota vidriada con estaño.

Se trata de un tondo, es decir, una composición pictórica con forma circular que representa un "imago clipeata" (imagen de un escudo o emblema).

El tondo lleva el emblema asociado con la basílica de San Lorenzo (iglesia italiana de culto católico), localizada en la ciudad de Florencia (Italia) o con su dependencia, la Iglesia de San Marco Vecchio, también situada en la ciudad de Florencia (Italia).

El emblema consiste en una cruz y dos espigas de trigo sobre una parrilla, además se observa como se encuentran colocadas en un marco de huevo y dardo vidriado en blanco y rodeado por una corona compuesta por frutas, piñas y hojas sujetas mediante cintas.

Para finalizar subrayar que el escultor y ceramista italiano Giovanni della Robbia fue uno de los primeros artistas en elaborar esculturas en relieve de terracota vidriada con estaño. Aparte amplió la paleta tradicional de esmaltes azul y blanco a una gama de colores más amplia.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

lunes, 17 de enero de 2022

Jarra de Terracota en forma de Dionisio

La Jarra de Terracota en forma de Dionisio es un recipiente datado aproximadamente en el siglo I a.C. (período comprendido entre los años 100 a.C. y 1 a.C.), perteneciente al arte griego.

Jarra de Terracota en forma de Dionisio

Cabe resaltar que tanto el año como el lugar del hallazgo es desconocido.

Lo primero que se conoce es que en el año 1.942 d.C. la Jarra de Terracota en forma de Dionisio fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 14,9 cm. Está fabricado en terracota.

Se trata de una jarra o jarrón que presenta un cuerpo modelado en forma humana, un asa, un cuello alargado y la boca con forma redondeada.

En el cuerpo aparece representado la cabeza del dios Dionisio (dios del vino, de las festividades, de los excesos, del teatro y los placeres).

En el rostro destacan los ojos almendrados finamente delineados, la nariz recta, los labios carnosos y el mentón redondeado. 

También resalta como el cabello es rizado con pequeños mechones peinados con tirabuzones que le caen enmarcando el rostro. Además lleva una cinta o banda en la frente que está anudada por la parte trasera de la cabeza recogiéndole el cabello.

Para finalizar subrayar que la Jarra de Terracota en forma de Dionisio es uno de los mejores ejemplares que se conservan de jarras de terracota con un fino vidriado amarillo que está modelada con la cabeza de una deidad.

Aparte las jarras y los jarrones modelados en forma humana o en forma animal eran muy comunes durante  todo el período helenístico (período comprendido entre los años 323 a.C. y 33 a.C.).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

domingo, 16 de enero de 2022

Sello Hitita

El Sello Hitita es un sello datado aproximadamente entre los siglos XVII a.C. y XVI a.C. (período comprendido entre los años 1.700 a.C. y 1.501 a.C.), perteneciente al arte hitita.

Sello Hitita

Lo primero que se conoce es que desde el año 1.893 d.C. hasta el año 1.910 d.C. perteneció a la colección de arte del coleccionista y comerciante de arte islámico Dikran Garabed Kelekian.

En el año 1.999 d.C. el Sello Hitita fue donado por Nanette B. Kelekian, en memoria de Charles Dikran Kelekian y Beatrice Kelekian, al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Sello Hitita


Descripción

Tiene una altura de 3,5 cm y un diámetro de 2,6 cm. Está fabricado en hematita (también conocida con el nombre de hematite).

Se trata de un sello circular tallado en piedra hematita negra y que presenta un asa en forma de martillo.

La imagen tallada en la cara del sello es la de un león rampante sobre dos toros recostados. 

Sello Hitita

Se puede apreciar como la escena se encuentra rodeada por un patrón de líneas entrecruzadas. 

Cabe resaltar que éste tipo de ornamentación era muy utilizado en la antigüedad en Anatolia (también conocida como Asia Menor).

Para finalizar subrayar que los sellos cilíndricos fueron la herramienta administrativa preferida en la antigua Mesopotamia y en las demás civilizaciones del Antiguo Oriente Próximo.

Además los investigadores piensan que posiblemente a los sellos se les han atribuido propiedades protectoras tanto al material con el que fueron fabricados como a los diseños tallados.

Aparte los sellos son importantes para el estudio del arte antiguo porque han sobrevivido numerosos ejemplos de cada período y por lo tanto sirven como una crónica visual del estilo y la iconografía.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

sábado, 15 de enero de 2022

Fuente de Vidrio para Servir

La Fuente de Vidrio para Servir es un recipiente datado aproximadamente entre los siglos I d.C. y II d.C. (período comprendido entre los años 1 d.C. y 200 d.C.), perteneciente al arte romano.

Fuente de Vidrio para Servir
Se conoce que se encontraba en una colección particular hasta que a finales de la década de 1.980 d.C. fue comprado por "Mansour Gallery", localizada en la ciudad de Londres, Gran Bretaña.

En el año 1.990 d.C. la Fuente de Vidrio para Servir fue comprada por el petrolero y filántropo estadounidense Robert Alexander Belfer y su esposa Renée E. Belfer.

Formando parte de su colección de arte hasta que en el año 2.012 d.C. la Fuente de Vidrio para Servir fue regalada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).


Descripción

Tiene una altura total de 18,8 cm y una anchura de 32,3 cm, siendo la longitud de las asas de 5,2 cm. Está fabricada en vidrio incoloro verdoso.

Se trata de un recipiente, una fuente rectangular, con el borde rectificado liso, es decir, tiene un borde horizontal con dos líneas elevadas a cada lado del recipiente poco profundo.

Los lados están inclinados hacia el fondo plano y las dos grandes asas horizontales presentan un orificio cortado toscamente en el centro de cada una, además tienen decoración cortada a lo largo del borde exterior.

Fuente de Vidrio para Servir

Se observa como en las esquinas hay cuatro pequeños círculos incisos, mientras que el pie hueco está levantado de forma rectangular.

Esto se ha conseguido aplicando un rastro de vidrio grueso y pulido al fondo de la fuente. 

También es conocido que ha sufrido una restauración en la que se ha reparado un asa y un extremo del otro lado de la fuente, aunque por lo general el estado de conservación es bueno.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que la Fuente de Vidrio para Servir podría haberse fabricado imitando el cristal de roca y las vajillas de mármol, aunque también han sido encontrados ejemplos de fuentes similares fabricadas en plata.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

viernes, 14 de enero de 2022

Vasija de Libación de Manuwai

La Vasija de Libación de Manuwai es un recipiente datado aproximadamente entre los años 1.479 a.C. y 1.425 a.C., perteneciente al arte egipcio.

Vasija de Libación de Manuwai

Lo primero que se conoce es que fue comprado en el año 1.917 d.C. en la ciudad de Luxor, localizada en la orilla este del río Nilo, en el sur de Egipto.

En el año 1.918 d.C. la Vasija de Libación de Manuwai fue adquirida por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Vasija de Libación de Manuwai

Descripción

Tiene una altura de 19,5 cm, en la boca tiene una anchura de 3 cm y un diámetro total de 13 cm. Está fabricado en plata.

Se trata de un recipiente compuesto por un cuerpo con una forma similar a un tipo de vasija de libación, pero sin pico.

Vasija de Libación de Manuwai

Sin embargo presenta una tapa con forma piramidal con el que se podía cerrar el recipiente.

En el cuerpo hay una inscripción escrita en escritura jeroglífica. Una traducción aproximada es la siguiente:

"Otorgado como una bendición del faraón a la esposa del rey, Manuwai"

Cabe destacar que Manuwai era una de las esposas secundarias extranjeras del faraón Tutmosis III (también conocido como Menjeperra Dyehutymose o Thutmose III).

Además se observa como el nombre extranjero de la princesa Manuwai se encuentra escrito fonéticamente en escritura jeroglífica.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que la Vasija de Libación de Manuwai podría haber formado parte del ajuar funerario de Manuwai y originalmente pudo haber si encontrado en el interior de la Tumba de Manuwai, localizada en los acantilados de las montañas del desierto, en el valle suroeste cercano a la ciudad de Luxor (Egipto).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

jueves, 13 de enero de 2022

Contenedor de Cal (Poporo)

El Contenedor de Cal (Poporo) es un recipiente datado aproximadamente entre los siglo I d.C. y VII d.C. (período comprendido entre los años 1 d.C. y 700 d.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte quimbaya.

Contenedor de Cal (Poporo)

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de Juan Heiniger, localizada en la ciudad de Medellín, situada en el departamento de Antioquia, en Colombia.

En el año 1.944 d.C. el Contenedor de Cal (Poporo) pasó a formar parte de la Colección Hoffman, con sede en la ciudad de Ginebra, en Suiza.

Después fue comprada por el restaurador y coleccionista de arte Jan Mitchell, afincado en la ciudad de Nueva York, en Estados Unidos de América.

Hasta que en el año 1.991 d.C. el Contenedor de Cal (Poporo) fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 22,9 cm, una anchura de 13,3 cm y una profundidad de 5,1 cm. Está fabricado en oro.

Se trata de un poporo, es decir, un recipiente o contenedor destinado a contener cal en polvo que era elaborada a partir de conchas marinas quemadas.

Contenedor de Cal (Poporo)

Es conocido que durante la época precolombina existía una tradición consistente en utilizar las hojas de coca para usos rituales.

El método principal era colocar un quid de hojas de coca en la boca y agregar una pequeña cantidad de cal en polvo.

Éste poporo en forma de botella con hombros destacados se encuentra ornamentado en ambas caras por el relieve de la figura de una mujer.

Ambas mujeres aparecen representadas desnudas, con ligaduras situadas encima de los tobillos y debajo de las rodillas.

También se observa como las manos se encuentran representadas juntas a la altura del pecho. Aparte cada una lleva un colgante alrededor del cuello y una diadema en la frente.

Con respecto a la composición destacar que tanto el frasco como las figuras representadas muestran una gran elegancia de concepción, fabricación y acabado.

Para finalizar subrayar que aun en la actualidad en el interior del Contenedor de Cal (Poporo) hay rastros de cal en polvo.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

miércoles, 12 de enero de 2022

Espejo de Bronce con Restos de Dorado

El Espejo de Bronce con Restos de Dorado es un espejo datado aproximadamente en el siglo II d.C. (período comprendido entre los años 101 d.C. y 200 d.C.), perteneciente al arte romano.

Espejo de Bronce con Restos de Dorado

Cabe destacar que se desconoce dónde el espejo fue encontrado.

Sin embargo los primeros registros del Espejo de Bronce con Restos de Dorado son en el año 1.978 d.C. cuando fue donado mediante la "The Abraham Foundation Inc.".

Al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene un diámetro de 14,7 cm. Está fabricado en bronce.

Se trata de un espejo que presenta una de sus caras ornamentada con una escena mitológica que representa el Rapto de Europa (princesa fenicia de origen argivo, es decir, procedía de la ciudad de Argos) por el dios Júpiter (dios del cielo, rey de los dioses y dios del trueno). 

El dios Júpiter aparece representado transformado en un toro y con la princesa Europa sentada sobre su lomo. La princesa se encuentra ataviada con una túnica y sostiene con sus manos un velo por encima de su cabeza. 

Se aprecia como toda la escena se desarrolla en un prado con flores, diversa vegetación y un árbol situado en el lado izquierdo.

Cabe resaltar que según el mito el dios Júpiter se transforma en un toro blanco y secuestra a Europa llevándola sobre su lomos a la isla de Creta. En la isla de Creta Júpiter le revela a Europa su identidad, según la leyenda el dios tuvo con Europa tres hijos: Minos, Radamantis y Sarpedón y además la convirtió en la primera reina de la isla.

Para finalizar con respecto a la composición destacar que la representación de temas mitológicos eran muy populares dentro del arte romano. 

Aparte son su escena mitológica y la superficie dorada lo que hacen que el espejo sea un ejemplo de la riqueza material y de la comodidad de las que disfrutaban, sobretodo las mujeres pudientes, dentro de la sociedad romana.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

martes, 11 de enero de 2022

Relieve Ortostato Hitita

El Relieve Ortostato Hitita es un ortostato datado aproximadamente entre los siglos X a.C. y IX a.C. (período comprendido entre los años 1.000 a.C. y 801 a.C.), perteneciente al arte hitita.

Relieve Ortostato Hitita

Fue hallado entre los años 1.911 d.C. y 1.913 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas por el abogado, diplomático, historiador antiguo y arqueólogo alemán Barón Max Von Oppenheim.

En el yacimiento arqueológico de Tell Halaf, localizado cerca de la ciudad de Ra's al-'Ayn, situada en la provincia de Al Hasakah, al noroeste de Siria.

En el año 1.943 d.C. el Relieve Ortostato Hitita fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 66,5 cm, una anchura de 37,5 cm y una profundidad de 20 cm. 

Está fabricado en basalto, mediante las técnicas de incisión y tallado.

Se trata de una losa de piedra conocida con el nombre de ortostato, es decir, es una losa de piedra vertical que forma parte del interior de un muro.

Presenta en una de sus caras ornamentada con un bajorrelieve tallado que tiene representado un león alado con cabeza humana.

El cuerpo de león se encuentra representado apoyado sobre sus patas traseras, de perfil y mirando hacia el lado izquierdo. También están representadas de perfil las alas extendidas dónde se observan el contorno y la forma de las plumas.

Aparte se aprecia como la cabeza está representada de frente, destacando la representación de la barba rizada y larga y como de ambos lados de las sienes le salen unos pequeños cuernos, también resalta la representación del cabello largo y ondulado, los ojos almendrados, la nariz grande y los labios gruesos.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que originalmente se encontraba decorando la pared de algún palacio o templo hitita. Además es conocido que el Relieve Ortostato Hitita fue reutilizado en las paredes del palacio del rey Kapara de Guzana (gobernante del reino arameo Bit Bahiani).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

lunes, 10 de enero de 2022

Anteojera de Caballo

Al Anteojera de Caballo es una anteojera datada aproximadamente en el siglo VIII a.C. (período comprendido entre los años 800 a.C. y 701 a.C.), perteneciente al arte mesopotámico, en concreto al arte asirio.

Anteojera de Caballo
Fue hallada en el año 1.952 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas por el arqueólogo inglés Sir Max Edgar Lucien Mallowan.

En el yacimiento arqueológico de Nimrud, localizado a las orillas del río Tigris.

Actualmente ésta localización se encuentra a 30 km al sudeste de la ciudad de Mosul, en Irak.

En el año 1.954 d.C. la Anteojera de Caballo fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción


Tiene una altura de 10,5 cm, una anchura de 18,6 cm y una profundidad de 2 cm. Está fabricada en marfil, mediante las técnicas de incisión y tallado.

Se trata de una anteojera de caballo con forma de pala, es decir, es una pieza que era colocada sobre los ojos de un caballo con la finalidad de que el caballo solamente pueda ver el camino que hay frente a él.

Está decorada con un bajorrelieve tallado en la superficie de una de sus caras, se observa como hay representada una esfinge sentada que lleva en su cabeza un disco solar y un uraeus (representación de la diosa Uadyet con forma de cobra erguida).

También hay representado otro uraeus alado y un disco solar que dan la espalda a la esfinge mirando hacia el lado derecho.  

Así mismo se observa como detrás de la esfinge hay un cartucho unido a una planta de loto, dentro del cartucho está inscrita una inscripción jeroglífica con el nombre fenicio de "Djunen".

Para finalizar con respecto a la composición destacar que los artistas asirios tallaban estos marfiles al estilo fenicio que se encontraba fuertemente influenciados por el arte egipcio, por lo que numerosas composiciones ilustran temas y motivos egipcios, pero en composiciones completamente originales.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

domingo, 9 de enero de 2022

Escultura de un Joven Guerrero

La Escultura de un Joven Guerrero es una escultura datada aproximadamente en el año 1.490 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Escultura de un Joven Guerrero

Fue esculpida por el escultor y arquitecto italiano Tullio Lombardo.

Se conoce que antes del año 1.905 d.C. se encontraba en la colección Canonici Mattei, después perteneció a la colección de arte de George Blumenthal.

Desde el año 1.921 d.C. perteneció a la colección de arte del filántropo y militar estadounidense Michael Friedsam.

Hasta que en el año 1.931 d.C. la Escultura de un Joven Guerrero fue legada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 87,6 cm, una anchura de 53,3 cm, una profundidad de 35,6 cm y un peso de 113,4 kg. 

Está fabricado en mármol blanco, mediante las técnicas de incisión y tallado.

Se trata de una escultura que representa la figura de un hombre joven ataviado con una armadura de estilo antiguo, cabe destacar que los investigadores piensan que puede ser una representación de San Jorge o San Teodoro (también conocido como San Teodoro de Amasea).

Escultura de un Joven Guerrero

Ambos fueron guerreros cristianos que fueron especialmente venerados en la ciudad de Venecia (Italia).

Destaca como presenta una pose enérgica, además de que la cabeza girada y los brazos tensos transmiten el estado de alerta requerido de una figura de un guardián o soldado.

En el rostro destacan los ojos almendrados, la nariz recta y los labios ligeramente entreabiertos.

Aparte se puede apreciar como el cabello rizado le cae hasta los hombros enmarcando el rostro.

La armadura se encuentra ornamentada mediante enredaderas de volutas delicadamente texturadas que decoran el peto, también destaca sobretodo los cordones que mantienen unidas las mangas al metal.

Cabe resaltar que los investigadores creen que originalmente podría haber portado una lanza en su mano derecha.

Para finalizar subrayar que debido a que la parte posterior de la escultura se encuentra sin terminar, los investigadores piensan que esto indica que originalmente la Escultura de un Joven Guerrero fue instalada en un nicho o contra una pared.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

sábado, 8 de enero de 2022

Estatuilla de Bronce de un Guerrero

La Estatuilla de Bronce de un Guerrero es una escultura datada aproximadamente en el siglo V a.C. (período comprendido entre los años 500 a.C. y 401 a.C.), perteneciente al arte íbero.

Estatuilla de Bronce de un Guerrero

Se conoce que hasta el año 1.953 d.C. perteneció a la colección de arte de "Galería Abelardo Linares", una de las galerías de antigüedades más antiguas de España.

Localizada en la ciudad de Madrid, situada en la comunidad autónoma de Madrid, en España.

En el año 1.953 d.C. la Estatuilla de Bronce de un Guerrero fue comprada por la coleccionista de arte estadounidense Nanette Beatrice Kelekian.

Hasta que en el año 2.020 d.C. la escultura fue legada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Estatuilla de Bronce de un Guerrero



Descripción

Tiene una altura de 10,4 cm. Está fabricada en bronce, mediante la técnica de fundición.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exento que representa la figura de un guerrero en posición de pie.

Estatuilla de Bronce de un Guerrero

El guerrero aparece representado ataviado con una túnica de manga corta que le llega hasta la altura de las rodillas, se encuentra sujeta a la cintura por medio de un cinturón. 

También se observa como en la cabeza lleva un casco que le cubre la cabeza y le protege el cuello.

Cabe resaltar que debido a su vestimenta se piensa que el guerrero representado podría ser un guerrero mercenario ibérico.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que la escultura podría haber tenido la funcionalidad de ser una escultura votiva, es decir, pudo haber sido una escultura considerada como un ofrenda votiva que fue dejada en un lugar sagrado por motivos rituales.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Losa de Nectanebo I

La Losa de Nectanebo I es una losa datada aproximadamente entre los años 378 a.C. y 370 a.C., perteneciente al arte egipcio . Losa de Necta...