Vasija con Figura

La Vasija con Figura es un recipiente datado aproximadamente entre los siglos I d.C. y III d.C. (período comprendido entre los años 1 d.C. y 300 d.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte vicús.

Vasija con Figura

Vasija con Figura

Lo primero que se conoce es que fue encontrada durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en la provincia de Morropón, ubicada en el departamento de Piura, localizado en el noroeste de Perú.

Después de su descubrimiento pasó a ser propiedad del empresario, inversor y filántropo judío-canadiense-estadounidense Nathan Cummings, formando parte de su colección de arte situada en la ciudad de Chicago, en el estado de Illinois (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.966 d.C. la Vasija con Figura fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Vasija con Figura

Descripción

Tiene una altura de 24,8 cm, una anchura de 12,7 cm y una profundidad de 24,1 cm. 

Está fabricada en cerámica y pigmento.

Se trata de una vasija de doble cámara con una de las cámaras ornamentada con la forma de la figura de un hombre estilizado, desnudo y en posición de pie.

Llama la atención como presenta el rostro ligeramente levantado hacia arriba, además se puede apreciar como en la parte superior de la cabeza hay un silbato.

Lo que hace que cuando el líquido del recipiente pasa de una cámara a la otra cámara a través del tubo que las conecta, fuerza el paso del aire a través del silbato, creando un sonido similar al trino de un pájaro, aunque éste sonido también se puede lograr soplando por la boquilla.

El cuerpo y el cuello de la otra cámara, así como los dos tubos que conectan ambas cámaras, se encuentra ornamentados por bandas lineales y bandas con un patrón en forma de greca.

A su vez se puede apreciar como el cuerpo del hombre está ornamentado con diferentes bandas, patrones geométricos y diferentes símbolos entre los que destaca la figura de un sol pintado a la altura del pecho.

Con respecto a la composición resaltar que el color naranja de la cerámica se encuentra realzado con pintura de reserva en negro y pintura posterior a la cocción en color blanco.

Asimismo se sabe que para poder lograr el diseño negativo de la pintura al agua, la composición fue delineada con una pintura acuosa que actuaba como pintura al agua después de que la pieza de cerámica se bruñiera y cociera inicialmente. 

Luego la Vasija con Figura se volvió a cocer a baja temperatura, lo que dio como resultado de que el humo llenara las superficies descubiertas, para finalmente retirar la pintura al agua revelando la capa inferior más brillante.

Para finalizar subrayar que dentro del arte vicús éste tipo de recipientes se creaban a menudo como pares de hombre y mujer, por lo que los investigadores consideran que la Vasija con Figura es un par con Botella de Doble Cámara con Efigies también en la colección del museo.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Dama con Abanico

La Dama con Abanico es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.917 d.C. y 1.918 d.C., perteneciente al simbolismo.

Dama con Abanico

Fue pintada por el pintor austriaco Gustav Klimt.

Cabe destacar que se conoce que la pintura se inició en otoño del año 1.917 d.C. y quedó como está el 6 de febrero del año 1.918 d.C., día del fallecimiento del artista.

La Dama con Abanico fue encontrada, junto con gran cantidad de obras inacabadas, sobre un caballete en el estudio o taller del pintor, ubicado en la ciudad de Viena (Austria).

En el año 1.920 d.C. el industrial y coleccionista de arte Erwin Böhler adquirió el cuadro a través del marchante de arte austriaco Gustav Nebehay.

Fue expuesta de manera temporal en el Museo de Artes Aplicadas de Viena (Austria), donde fue presentada al público austriaco en una exposición en dicha ciudad.

Después fue trasladada en la sala de música de los aposentos de Erwin Böhler, ubicada en el Palacio Dumbasa de la ciudad de Viena (Austria).

Permaneció en la familia de Erwin Böhler hasta la década de 1.960 d.C., cuando fue adquirida por el coleccionista de arte austriaco Rudolf Leopold.

En el año 1.981 d.C. se obtuvo un permiso para exportar la pintura, siendo exhibida en el Museo de Arte Isetan de la ciudad de Tokyo (Japón), tras la exposición la Dama con Abanico regresó a Austria.

En el año 1.982 d.C. la pintura fue vendida por un precio de 18 millones de chelines a través de un marchante de arte vienés y después fue exportada ilegalmente de Austria.

En el año 1.992 d.C. un marchante de arte de Chicago ofreció al director de la Galería de arte Belvedere Herbert Frod la Dama con Abanico por un precio de 80 millones de chelines.

Sin embargo, al no haberse emitido ningún permiso para su exportación indefinida del país, se abrió una causa penal, según el protocolo el coleccionista de arte austriaco Rudolf Leopold declaró no recordar el nombre del comprador.

Por lo que al no haberse identificado a ningún sospechoso en el año 1.993 d.C. el caso se cerró y en el año 1.994 d.C. la pintura fue legada a los herederos del empresario y coleccionista de arte estadounidense Wendell Cherry.

Siendo subastada por la casa de subastas Sotheby's de Nueva York (Estados Unidos de América), alcanzando un precio récord para el autor de 11,6 millones de dólares estadounidenses.

En el año 2.021 d.C. la Dama con Abanico se exhibió durante un año en la "Galerie du Belvédère" de la ciudad de Viena (Austria), en la sección de exposiciones temporales.

En junio del año 2.023 d.C. la pintura fue vendida en una subasta de Sotheby's de Londres (Gran Bretaña) por un precio de 85,3 millones de libras esterlinas (108,4 millones de dólares y 99,2 millones de euros), convirtiéndose, hasta en ese momento, en el precio más alto jamas alcanzado por una obra de arte.

Cabe resaltar que la pintura fue adquirida por la marchante de arte, asesora de arte y ex ejecutiva de una casa de subastas con sede en Hong Kong, Patti Wong, en nombre de un coleccionista privado afincado en Hong Kong.

Descripción

Tiene una altura de 100 cm y 100 cm. Está pintado óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa a una misteriosa mujer joven desconocida, presumiblemente una bailarina, con el pelo castaño rizado sobre un fondo compuesto por un entorno exótico amarillo con decoraciones densas y delicadas de motivos orientales.

Llama la atención como la mujer sensual y refinada se encuentra envuelta en un kimono de seda estampada que se desliza de su hombro izquierdo y un gran abanico abierto que sostiene con sus manos cubriéndole el pecho desnudo.

También destaca cómo la mujer se encuentra representada segura de sí misma, seductora, orgullosa pero a la vez benevolente, mientras mantiene la cabeza erguida y la mirada fija en la distancia, invitando al espectador a perderse en el esplendor del fondo.

En el rostro destacan, aparte de la mirada, los ojos almendrados, las cejas gruesas, la nariz recta, los pómulos rosados y los labios rojos. 

El fondo está compuesto por varias figuras y objetos, entre las que destacan, la figura de un fénix, un faisán dorado, una grulla, flores de loto y otras plantas.

Una de las cosas que mas atrae el interés son los cuellos alargados de las aves que resaltan el cuello inusualmente largo, similar al de un cisne, de la persona retratada.

Para finalizar con respecto a la composición resaltar que la temática de la Dama con Abanico se encuentra influenciada por motivos englobados dentro del arte chino y del arte japonés, entre los que destaca el fénix (simbolismo de inmortalidad, buena fortuna y renacimiento), la grulla (relacionada con una vejez feliz) y flores de loto (asociadas con el amor, la pureza y la belleza inmutable).

Es más la imperfección de la obra la hace vibrante, humana e infinita en su fragilidad, mientras que el anonimato de la modelo lo que hace es añadir un toque de misterio.

Aparte de ser la última pintura del artista, la Dama con Abanico destaca por los colores vivos y las líneas sinuosas de la imagen, que dan forma y asimetría a la composición.

Actualmente se encuentra en posesión de un coleccionista privado.

Elefante Pisoteando a un Caballo

El Elefante Pisoteando a un Caballo es una iluminación datada aproximadamente en el siglo XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.700 d.C.), perteneciente al arte indio.

Elefante Pisoteando a un Caballo

Fue elaborado en la por un artista indio afincado en la ciudad de Bijapur (también conocida como Vijayapura).

Localizada en el distrito de Bijapur, situado en el estado de Karnataka, en India.

Lo primero que se conoce es que desde la década de 1.950 d.C. se encontraba en posesión de un coleccionista privado afincado en Alemania.

El 17 de junio del año 1.999 d.C. fue vendido por la casa de subastas Sotheby's de Londres (Gran Bretaña), siendo comprado por el pintor, coleccionista e impresor británico Gordon Howard Eliot Hodgkin.

En el año 2.017 d.C. la iluminación pasó a formar parte de la colección de arte "Howard Hodgkin Indian Collection Trust", que gestiona una renombrada de colección de 122 pinturas y dibujos indios reunidos por el pintor, coleccionista e impresor británico Gordon Howard Eliot Hodgkin a lo largo de seis décadas.

Hasta que en el año 2.022 d.C. el Elefante Pisoteando a un Caballo fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 17 cm y una anchura de 25,5 cm, mientras que con marco presenta una altura de 31,5 cm, una anchura de 39,8 cm y un grosor de 2,5 cm.

Está realizado en acuarela dorada y opaca sobre papel jaspeado.

Se trata de una iluminación que representa a un mahout o cornaca (cuidador, entrenador y jinete principal de un elefante) intentando desesperadamente controlar a su elefante enfurecido, que pretende pisotear a un caballo atemorizado y domado.

Sobretodo destaca el brillante fondo jaspeado, compuesto de tierra roja, negro e índigo gris azulado, que realza el dramatismo de la escena representada.

También se conoce que se aplicó una plantilla de papel recortado sobre la hoja antes de jaspearla, tras lo cual se realizó el dibujo en el espacio resultante.

Aparte se puede apreciar como justo delante del mahout se trazó una sola pincelada descendente con un estilete sobre el diseño jaspeado, aportando un mayor dinamismo a la obra final.

El arnés y la cadena enjoyados del elefante, la brida del caballo, el khawah (daga) y el ankusha (aquijón para elefantes) del mahout están representados con tinta dorada.

Si bien el atuendo del mahout es claramente mongol, el delicado dorado del arnés evoca la elaborada orfebrería enjoyada que se aprecia en las pinturas de Atash Khan, el elefante favorito de Ibrahim 'Adil Shah II.

Con respecto a la composición resaltar que la escena se realizó con las técnicas de sombreado nim-qalam (media pluma) y la técnica de marmoleado conocida como kaghaz-i abri (también conocida como "abri").

Aquí el artista ha delimitado hábilmente las áreas del elefante, el jinete y el caballo, creando un vibrante fondo marmolado, antes de finalizar la obra con un fino sombreado de tinta negra para crear los detalles de los animales y el mahout.

Para finalizar subrayar que se conoce que las pinturas marmoleadas se producían en el Decán a finales del siglo XVI d.C. y durante el siglo XVII d.C., siendo ésta técnica consistente en manipular pigmentos flotantes en la superficie de un baño líquido para formar diseños, que luego se transferían a una hoja de papel colocándola cuidadosamente encima. 

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

La Cestilla de Fresas Silvestres

La Cestilla de Fresas Silvestres es una pintura datada en el año 1.761 d.C., perteneciente al arte rococó.

La Cestilla de Fresas Silvestres

La Cestilla de Fresas Silvestres

En concreto está englobada dentro del costumbrismo (o escenas de la vida cotidiana).

Fue pintada por el pintor francés Jean-Baptiste-Siméon Chardin (también conocido como Jean Siméon Chardin).

En verano del año 1.761 d.C. la pintura fue expuesta en el Salón de París celebrado en el "Palais Royal" y organizado por la "Académie Royale de Peinture et de Sculpture".

Después se conoce que perteneció a la colección de arte del comerciante de semillas, pintor y coleccionista de arte francés François Marcille. 

En el año 1.856 d.C., por herencia, pasó a formar parte de la colección de arte del coleccionista de cuadros, pintor, director de museo y director de escuela de dibujo francés Eudoxe Marcille.

En el año 1.890 d.C. La Cestilla de Fresas Silvestres pasó a formar parte de la colección de arte de su hija, Marie-Françoise Eudoxie Marcille.

A su vez en el año 1.917 d.C. por herencia pasó a formar parte de la colección de arte de Josèphe Marie Geneviève Jahan.

También por herencia en el año 1.956 d.C. pasó a ser propiedad de la coleccionista de arte Paule Chévrier y posteriormente en el año 2.004 d.C. pasó a ser propiedad de sus descendientes.

El 23 de marzo del año 2.022 d.C. la pintura fue subastada en la "Vente Artcurial", celebrada en la ciudad de Paris (Francia), siendo vendida a un coleccionista privado estadounidense por un precio de 24.381.400 euros, estableciendo un récord mundial para una pintura del pintor francés Jean-Baptiste-Siméon Chardin.

En el año 2.024 d.C. el Museo del Louvre de París (Francia) adquirió formalmente la pintura tras una campaña de recaudación masiva que involucró a unos 10.000 donantes particulares (conocidos como "Tous Mécènes" ("Todos los Mecenas")) y apoyo del patrocinio corporativo.

Tras su adquisición por el Museo del Louvre (Francia) La Cestilla de Fresas Silvestres fue declarada Tesoro Nacional de Francia, lo que garantizó que la obra de arte permanezca en el país. 

Descripción

Tiene una altura de 38 cm y una anchura de 46 cm, mientras que con marco presenta una altura de 55,6 cm, una anchura de 63,9 cm y un grosor de 7 cm. 

Está pintada al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa una montaña piramidal de pequeñas fresas silvestres desbordando una cestilla de mimbre.

La cestilla está flanqueada por dos claveles blancos, un vaso de agua, un par de cerezas y un melocotón, todos colocados sobre una sobria y gruesa mesa de madera.

Con respecto a la composición resaltar la representación de los objetos cotidianos y simples con una iluminación, armonía de colores y textura de las frutas que capturan la sustancia de los mismos objetos. 

Para finalizar subrayar que La Cestilla de Fresas Silvestres forma parte del género de pintura naturaleza muerta europea del siglo XVIII d.C. (período comprendido entre los años 1.701 d.C. y 1.800 d.C.), que destaca por la representación realista de lo cotidiano con gran detalle, sencillez y una gran utilización de la luz.

Es más enfatizar que la pintura es uno de los últimos bodegones pintados por el pintor francés Jean-Baptiste-Siméon Chardin, pintado en la cúspide de su carrera, una que le había granjeado el reconocimiento en toda Europa y prestigiosos encargos reales.

Además resaltar que la pintura es un claro ejemplo de la capacidad del pintor para dotar de una "atmosfera de silencio" y "dignidad" a los sencillos objetos cotidianos, caracterizándose por un profundo realismo, sencillez y una atmósfera íntima.

Actualmente se encuentra en el Museo del Louvre de París, Francia.

Deidad Sintoísta Femenina

La Deidad Sintoísta Femenina, también conocida como 女神立像, es una escultura datada aproximadamente entre los siglos XI d.C. y XII d.C. (período comprendido entre los años 1.001 d.C. y 1.200 d.C.), perteneciente al arte japonés.

Deidad Sintoísta Femenina

Deidad Sintoísta Femenina

En concreto fue elaborada durante el período Heian (平安時代), período de la historia japonesa comprendido entre los años 794 d.C. y 1.185 d.C.

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte del coleccionista japonés Fujiki Shōichi, localizada en la ciudad de Osaka (Japón).

En el año 1.943 d.C. la escultura fue adquirida por el coleccionista y pintor japonés Umehara Ryūzaburō (梅原 龍三郎), formando parte de su colección de arte ubicada en las ciudad de Kyoto y Tokyo (Japón).

El 21 de mayo del año 1.964 d.C. la Deidad Sintoísta Femenina  fue vendida por el marchante de arte japonés Hirota Hiroshi.

Siendo comprada por el coleccionista de arte y empresario lituano Sam Josefowitz, pasando a formar parte de su colección de arte ubicada en la ciudad de Lausana (Suiza).

Hasta que en el año 2.023 d.C. la Deidad Sintoísta Femenina fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), donde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de arte asiático.

Deidad Sintoísta Femenina

Deidad Sintoísta Femenina

Descripción

Tiene una altura de 97,8 cm, una anchura de 24,8 cm y una profundidad de 12,7 cm.

Se trata de una escultura de madera de bulto redondo o exento que representa la figura de una deidad sintoísta (kami), la deidada aparece representada como una dama de la corte china, con una vestimenta formal de manga larga que recuerda a las túnicas que usan las deidades budistas femeninas en las imágenes del reino celestial.

La figura de la mujer es alta, estilizada y de una abstracción sorprendente que evoca la verticalidad del árbol original del que fue esculpida.

Además destaca como las manos se encuentran unidas bajo las mangas largas de la túnica y el cabello largo está peinado con raya al medio y un doble moño.

Con respecto a la composición resaltar que solo con la llegada del budismo a Japón en el siglo VI d.C. (período comprendido entre los años 501 d.C. y 600 d.C.), los escultores japoneses comenzaron a representar a los kami en forma humana, a menudo con la indumentaria secular de la corte de Kyoto o con vestimenta aristocrática china, como es el caso de la Deidad Sintoísta Femenina.

Asimismo resaltar que un análisis científico reveló que la escultura fue tallada a partir de un único bloque de madera de magnolia, la parte inferior de la escultura muestra que debió provenir de un cuarto de tronco de unos 45 cm de diámetro y un metro de altura.

Aparte mediante el estudio posterior de imágenes fotográficas de alta resolución de la base, se conoce que el magnolio del que se talló tenía más de 180 años cuando se cortó para crear la escultura.

Por lo tanto se puede imaginar lo majestuoso e imponente que debió ser éste árbol y suponer que era venerado por albergar la presencia de un kami.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensa que la Deidad Sintoísta Femenina forma parte de un conjunto de al menos veintiuna figuras de madera, de las cuales al menos cinco permanecen en Japón, mientras que las demás esculturas ingresaron a colecciones occidentales a medidos del siglo XX d.C. y al menos trece de ellas se encuentran en museos y colecciones privadas estadounidenses.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Adornos con Cabeza de Guerrero

Los Adornos con Cabeza de Guerrero son un total de seis adornos datados aproximadamente entre los años 980 d.C. y 1.500 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte mixteca.

Adornos con Cabeza de Guerrero

Fueron hallados en el año 1.976 d.C. de forma fortuita por el pescador mexicano Raúl Hurtado Hernández.

Los encontró mientras pescaba pulpos en el fondo del mar en la zona norte del puerto de Veracruz, situado en la ciudad de Veracruz (también conocida como Heroica Veracruz), ubicada en la costa del golfo de México, localizada en el estado de Veracruz, en México.

Cabe destacar que los Adornos con Cabeza de Guerrero forman parte de un conjunto de más de 40 piezas de oro prehispánico conocido como las "Joyas del Pescador" o el "Tesoro del Pescador".

El "tesoro", considerado de un valor histórico incalculable, provocó problemas legales al mexicano Raúl Hurtado, puesto que inicialmente fundió algunas piezas lo que llevó a su detención y a un proceso legal por el manejo de piezas arqueológicas.

Aunque finalmente fue absuelto tras demostrase que Raúl Hurtado Hernández desconocía su valor histórico.

Después de examinar las piezas por los especialistas del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), fueron exhibidas internacionalmente.

Hasta que en el año 1.985 d.C. las joyas pasaron a formar parte de la colección de arte del Museo Baluarte de Santiago (también conocido como Baluarte de la Pólvora), situado en la ciudad de Veracruz (México).

Adorno con Cabeza de Guerrero

Descripción

Cada uno presenta una altura de 4,6 cm, una anchura de 1,4 cm y un diámetro de 1,2 cm. 

Se trata de seis pendientes colgantes de oro realizados mediante la técnica de cera perdida y con forma casi idénticas.

Llama la atención como la parte superior de los adornos presentan la forma de cabezas de guerrero que muestran dientes prominentes, además se puede apreciar como en la cabeza llevan cascos de águilas y en las orejas orejeras circulares.

También destaca como de la parte inferior de las cabezas cuelgan un total de tres adornos colgantes con decoración en filigrana, de los que a su vez cuelgan tres adornos colgantes en forma de lágrima que contienen pequeños cascabeles en su interior.

Para finalizar subrayar que gracias a las investigaciones llevadas a cabo se ha podido determinar que los Adornos con Cabeza de Guerrero, así como el resto de las joyas que forman el "Tesoro del Pescador", posiblemente provienen de una tumba mixteca en Oaxaca.

Se piensa que la tumba pudo haber sido saqueadas durante la conquista española en las primeras décadas del siglo XVI d.C. por españoles que intentaron enviarlas a España cuando el barco que lo transportaba se hundió.

Actualmente se encuentra en el Museo Baluarte de Santiago, México.

Broche de Roseta

El Broche de Roseta es un broche datado aproximadamente en el siglo VI d.C. (período comprendido entre los años 501 d.C. y 600 d.C.), perteneciente al arte medieval.

Broche de Roseta

En concreto se encuentra englobado dentro del arte prerrománico y dentro de éste pertenece al arte carolingio.

Lo primero que se conoce es que en el año 1.913 d.C. el broche fue comprado por el empresario, banquero y coleccionista de arte estadounidense John Pierpont Morgan.

Hasta que en el año 1.917 d.C. el Broche de Roseta fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una diámetro de 2,2 cm y una grosor de 0,3 cm. Está elaborado en plata dorada, granates, vidrio verde y perla.

Se trata de un broche con forma de roseta de once puntas realizado en una lámina de plata dorada, que presenta el anverso ornamentado con granates con reservo de lámina ornamentada.

Llama la atención como el borde de la roseta se encuentra ornamentado con granulado, mientras que el anverso, realizado mediante la técnica de cloisonné, presenta once celdas exteriores.

Se aprecia como en el interior alrededor del centro hay representado un cuadro divido en un total de cuatro celdas, dos de ellas decoradas con incrustaciones de vidrio verde.

También se puede apreciar como en el centro de la roseta, dónde se juntan todas la decoración en cloissoné, hay una pequeña celda con forma circular con una incrustación de una pequeña perla.

Con respecto a la composición resaltar que el joyero carolingio saldó pequeños compartimentos dispuestos en patrones geométricos sobre la superficie de un disco de metal.

Siendo en éstos compartimentos, celdas o cloisonnés donde se colocó una lámina de oro texturizada, que se trasparentaba a través del fino granate translúcido que luego era colocado encima.

En cuanto a la funcionalidad destacar que los investigadores consideran que originalmente el Broche de Roseta podría haber sido utilizado para sujetar túnicas y mantos de su porteador, simbolizando su estatus poder y riqueza.

Para finalizar subrayar que se conoce que los granates, trabajados con la técnica de cloisonné, ocupaban un lugar destacado en la joyería de lujo dentro de la sociedad carolingia.

Es más enfatizar que la orfebrería carolingia se encuentra considerada una de las producciones artísticas más destacadas de la Alta Edad Media en la Europa Occidental.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

El Ángel Herido

El Ángel Herido es una pintura datada en el año 1.903 d.C., perteneciente al simbolismo.

El Ángel Herido

Fue pintada por el pintor y artista gráfico finlandés Hugo Gerhard Simberg (también conocido como Hugo Simberg).

La pintura fue expuesta por primera vez en el año 1.903 d.C. en la exposición de otoño del museo Ateneum, localizado en la ciudad de Helsinki (Finlandia).

Cabe destacar que se conoce que la pintura recibió buenas críticas gracias a una carta que escribió, el 10 de octubre del año 1.903 d.C., el autor a su hermana Blenda Simberg.

Descripción

Tiene una altura de 127 cm y una anchura de 154 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa la figura de dos niños transportando a una ángel herida por un sendero en el parte de Eläintarha, con la bahía Töölönlahti al fondo, situado en la ciudad de Helsinki (Finlandia).

La figura central representada como una ángel con cabello largo y rubio, los ojos y frente vendados, cabizbaja con la espalda ligeramente encorvada hacia delante y el ala ensangrentada.

Se encuentra ataviada con un vestido de mangas largas que le cubre todo el cuerpo y le deja los pies descalzos descubiertos y en su mano derecha sostiene un ramo de campanillas de invierno, símbolo de curación y renacimiento.

Los dos jóvenes transportistas están ataviados con vestimenta sombría, el niño situado delante, en el lado derecho mira hacia el frente con el rostro apesadumbrado, mientras que el joven situado detrás, en el lado izquierdo, gira la cabeza hacia la izquierda mirando directamente al espectador.

Con respecto a la composición resaltar que la obra transmite una atmósfera melancólica, que irradia paz y armonía.

Es conocido que en aquel entonces, cuando se pintó la pintura, numerosas instituciones benéficas se ubicaban en el parque Eläintarha y era un lugar popular para el esparcimiento entre la clase trabajadora.

Por lo que se piensa que en la pintura "El Ángel Herido" representa a dos niños sanos que llevan a la niña herida hacia la Escuela para Niñas Ciegas.

Aunque también cabe resaltar que el autor se rehusó a ofrecer cualquier explicación o interpretación de la pintura, sugiriendo que era el espectador el que debía sacar sus propias conclusiones basadas en el simbolismo.

Sin embargo, en el momento de pintar la pintura el autor padecía meningitis y la obra fue una fuente de fortaleza durante su recuperación.

Para finalizar subrayar que El Ángel Herido es una de las pinturas más reconocibles del pintor y artista gráfico finlandés Hugo Simberg.

Fue elegido en el año 2.006 d.C. como "pintura nacional" o "cuadro nacional" de Finlandia en una votación organizada por el museo de arte Ateneum (Finlandia).

Además en el año 2.013 d.C. en una votación similar realizada por la empresa finlandesa "Nordic Moneta" El Ángel Herido fue elegido como la segunda obra más importante.

Es más en el año 1.999 d.C. la pintura sirvió de inspiración para la portada del cuarto álbum de estudio, "Spiritual Black Dimensions", de la banda noruega de black metal melódico Dimmu Borgir.

También en el año 2.007 d.C. la pintura inspiró parcialmente el videoclip de la canción "Amaranth" de la banda de metal sinfónico Nightwish.

Aparte El Ángel Herido tuvo un fuerte simbolismo en la serie de Apple TV "Constellation" (fue una serie de televisión de ciencia ficción y suspense psicológico, estrenada el 21 de febrero del año 2.024 d.C. y cancelada en mayo del año 2.024).

Actualmente se encuentra en el Museo Ateneum de Helsinki, Finlandia.

Botella con Forma de Perro

La Botella con Forma de Perro es una botella datada aproximadamente entre los años 1 d.C. y 600 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte nazca o arte nasca.

Botella con Forma de Perro

Botella con Forma de Perro

Lo primero que se conoce es que fue hallada durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en la costa sur de Perú.

Perteneció a la colección de arte de Louis Slavitz, ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.988 d.C. la Botella con Forma de Perro fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 13 cm, una anchura de 8,9 cm y una profundidad de 16,5 cm. Está realizado en cerámica y engobe.

Se trata de una botella modelada con la forma de un perro y con detalles añadidos mediante engobe, es decir, mediante una suspensión de arcilla y pigmentos en agua.

Los investigadores piensan que algunos perros probablemente eran compañeros de las familias nazca, es más otros, como los perros sin pelo se creían que tenían propiedades curativas.

Además resaltar que algunas razas, como la que está representada en la Botella con Forma de Perro, pudieron haber ayudado a las familias en las actividades agrícolas o de pastoreo.

Con respecto a la composición resaltar el uso de engobes aplicados antes de la cocción, fijando así el color de forma permanente a la superficie cerámica.

Asimismo destacar que el delicado brillo de la superficie se consiguió al pulir la superficie con un pulidor de piedra o un instrumento similar antes de la cocción, mientras la cerámica aún se encontraba relativamente húmeda.

En cuanto a la funcionalidad se piensa que originalmente la Botella con Forma de Perro se utilizaba en ceremonias a las que asistían cientos de personas, quienes transportaron la botella de regreso a sus hogares como un objeto de prestigio y como portadores de conocimiento religioso.

Para finalizar subrayar que los perros acompañaron a los primeros migrantes humanos a través del estrecho de Bering hacia Norteamérica hace aproximadamente 9.900 años y se extendieron rápidamente por todo el hemisferio.

Es más resaltar que se han encontrado restos óseos caninos en excavaciones en múltiples sitios de Perú, incluyendo los de Moche, Pachacamac, Chiribaya y enterramientos incas.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

La Dama del Armiño

La Dama del Armiño, también conocida como Dama con Estola de Piel, es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.580 d.C. y 1.588 d.C., perteneciente al arte renacentista.

La Dama del Armiño

La Dama del Armiño

Fue pintada por el pintor español Alonso Sánchez Coello.

Lo primero que se conoce es que la pintura perteneció a la colección de arte de Serafín García de la Huerta, ubicada en la ciudad de Madrid (España).

La pintura salió de España en la década de 1.830 d.C. (período comprendido entre los años 1.830 d.C. y 1.839 d.C.).

También es sabido que La Dama del Armiño formó parte de la colección de arte del rey Luis Felipe I (también conocido como Luis Felipe de Orleans o Luis Felipe I de Francia), siendo expuesta en la Galería Española del Museo del Louvre de París (Francia). 

En el año 1.853 d.C. la pintura fue comprada en la subasta de la Galería Española del Museo del Louvre (Francia) por el historiador de arte, político, coleccionista, bibliófilo e hispanista escocés Sir. William Stirling-Maxwell.

En el año 1.966 d.C. La Dama del Armiño fue legada por sus herederos, Anne Maxwell Macfonald y su familia, a la ciudad de Glasgow (Escocia) junto con Pollok House y su finca.

Pasando así en el año 1.967 d.C. a formar parte de la colección de arte de la Pollok House de Glasgow (Gran Bretaña).

Descripción 

Tiene una altura de 79,8 cm y una anchura de 65,7 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa la figura de una mujer joven con una tez ligeramente rosada, cabello y cejas oscuros sobre un fondo oscuro.

En el rostro suave destacan las cejas gruesas, los ojos almendrados negros, la nariz recta, los labios carnosos de color rosa y los pómulos rosados, así como el cabello oscuro peinado con tres filas de pequeños rizos y un pequeño lazo rojo en la parte superior.

La joven dirige la mirada fijamente al espectador y está ataviada con un vestido de mangas largas negras, del que tan solo se aprecia el manguito de la mano derecha y parte del escote, y una capa de piel que cubre el resto de su vestido.

Además se puede observar como tiene un fino velo transparente que le cubre la cabeza y deja vislumbrar vagamente el collar enjoyado que lleva debajo, alrededor del cuello. 

Con respecto a la composición resaltar como la capa se funde tras su forro de piel (de armiño o lince) con la oscuridad del fondo.

Aparte destacar que un estudio reveló que la técnica de las capas de pintura y el dibujo subyacente coinciden con los métodos utilizados por el pintor español Alonso Sánchez Coello.

Para finalizar subrayar que aunque se desconoce el nombre de la modelo, su porte noble y la vestimenta sobria pero elegante, a pesar de la informalidad de su pose, ha dado lugar a que algunos investigadores crean que la mujer habría podido ser un miembro de la familia real española.

Unos piensan que podría ser la infanta de España y duquesa de Saboya Catalina Micaela de Austria y otros sugieren que podría ser la infanta de España y duquesa de Béjar Juana de Mendoza.

Actualmente se encuentra en la Pollok House de Glasgow, Gran Bretaña.

Labret con Cabeza de Águila

Labret con Cabeza de Águila es un labret datado aproximadamente entre los años 1.325 d.C. y 1.521 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte azteca o arte mexica.

Labret con Cabeza de Águila

Labret con Cabeza de Águila

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte de la coleccionista Mariana Thomas.

Ubicada en la ciudad de Fort Worth, localizada en el estado de Texas (Estados Unidos de América).

En el año 1.967 d.C. fue comprado por el político estadounidense y vicepresidente de los Estados Unidos de América Nelson Aldrich Rockefeller.

En el año 1.968 d.C. el labret fue donado al Museo de Arte Primitivo de Nueva York (Estados Unidos de América), un antiguo museo dedicado a las culturas indígenas de América, Asia, Europea, Oceanía y África.

Hasta que en el año 1.978 d.C. el Labret con Cabeza de Águila pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene una altura de 1,6 cm, una anchura de 3,2 cm y una profundidad de 3,8 cm.

Se trata de un labret (también conocido en idioma náhuatl como tentetl) finamente elaborado en oro amarillo pálido y con la forma de la cabeza de un águila lista para atacar a su presa.

Llama la atención como una disposición de motivos abstractos adorna la frente y la cresta de águila, realzando la mística representación de la criatura.

Además se aprecia como bajo su frente curvada se encuentran un par de ojos saltones que probablemente habrían tenido una incrustación con la finalidad de acentuar la mirada siempre atenta del ave rapaz.

El pico curvo se encuentra sostenido por dos soportes verticales en la parte posterior de la boca y su forma sugiere la representación de un águila lanzando un ominoso grito de caza.

En cuanto a la composición resaltar que aunque el labret mide menos de cinco centímetros los elementos radiantes de la orfebrería habrían brillado intensamente bajo la luz del sol.

Aparte las águilas estaban simbólicamente arraigadas en el pensamiento mexica. En sus orígenes mitológicos, los mexicas recibieron instrucciones divinas del dios Huitzilopochtli (dios supremo de la guerra, el sol y el sacrificio) para establecerse en una isla donde un águila se posaba sobre un nopal, convirtiéndose así en el centro del mundo mexica: Tenochtitlán.

Asimismo resaltar que como seres del reino superior, la capacidad del águila para surcar los cielos se asemejaba al recorrido del Sol a través del firmamento y el inframundo.

Para finalizar con respecto a la funcionalidad destacar que se conoce que originalmente el Labret con Cabeza de Águila fue utilizado a través de una perforación debajo del labio inferior del usuario.

Es más los labret de oro fueron considerados como una manifestación física de poder y clase en todo el imperio mexica (imperio azteca).

El Labret con Cabeza de Águila y otros labrets semejantes, que encarnaban la ferocidad de un águila, probablemente se usaban como insignias militares exclusivas de los guerreros de élite.

Puesto que éste labret de gran ornamentación fue elaborado en oro (considerado como un material sagrado) y distinguía de inmediato el estatus de quién lo llevara.

Se consideraba que el oro (en idioma náhuatl teocuitlatl) era la materialización terrenal de los excrementos de los dioses, siendo sus cualidades radiantes y brillantes íntimamente ligadas a los dioses y eran usado exclusivamente por el gobernante mexica (el huey tlatoani "gran orador") y sus aliados militares.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Vaso con Cabezas y Sapos

El Vaso con Cabezas y Sapos es un recipiente datado aproximadamente entre los años 900 d.C. y 1.100 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte lambayeque o arte sicán.

Vaso con Cabezas y Sapos

Vaso con Cabezas y Sapos

Lo primero que se conoce es que el vaso fue encontrado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas cerca del río La Leche.

Ubicado en el departamento de Lambayeque, localizado en la costa norte de Perú.

También es sabido que el Vaso con Cabezas y Sapos fue comprado por el comerciante de bellas artes, especializado en el período precolombino, John C. Wise.

Formando parte de su colección "John Wise, Ltd.", ubicado en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.963 d.C. el vaso fue comprado por la filántropa y coleccionista de arte estadounidense Alice K. Bache.

En el año 1.966 d.C. el vaso fue donado parcialmente al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), hasta que en el año 1.977 d.C. pasó a formar parte de la colección de arte permanente del museo.

Descripción

Tiene una altura de 16,8 cm, una anchura de 11,4 cm y una profundidad de 11,7 cm.

Se trata de un vaso con forma acampanada elaborado a partir de una delgada lámina de oro martillada, para después ser moldeada sobre un molde de madera y que presenta decoración repujada en la parte exterior del cuerpo.

Hay representados cuatro anfibios (ranas y sapos) en repujado, con las patas extendidas como si sujetaran los lados del vaso.

Destaca como el cuerpo de cada anfibio se encuentra marcado con dos filas de círculos, lo que sugiere que éstos ejemplares son representaciones de sapos bufo o sapos de caña, originarios de Sudamérica y caracterizados por tener membranas moteadas en relieve.

Además cabe destacar que se conoce que éstos animales suelen aparecer antes de las lluvias, una necesidad vital en la costa desértica de Perú, y por lo tanto se asocian con la fertilidad y las cosechas abundantes.

Aparte resaltar que los sapos de caña también son venenosos, con glándulas parótidas agradadas que segregan una toxina que a veces se utiliza como enteógenos, representadas en el Vaso con Cabezas y Sapos con líneas curvas alrededor de los ojos de los anfibios.

Sobre éstos sapos, en el registro superior del vaso, se encuentran representadas cuatro cabezas sin cuerpo o posiblemente máscaras funerarias, cada una coronada con un tocado en forma de media lunas que presenta un grupo de círculos que probablemente representan incrustaciones de turquesa o colgantes metálicos redondos.

Siendo elementos ornamentales comunes en los tocados Lambayeque, es mas éstos círculos, a la luz de los motivos anfibios, también podrían aludir a huevos de sapo o rana, enfatizando aún más las nociones de abundancia y fecundidad.

Para finalizar con respecto a la funcionalidad subrayar que los investigadores creen que originalmente el Vaso con Cabezas y Sapos probablemente contenía líquidos rituales, posiblemente chicha (bebida fermentada de maíz consumida ampliamente en lo que hoy es Sudamérica).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Nogi de Jefe

El Nogi de Jefe es un nogi datado aproximadamente en el siglo XX d.C. (período comprendido entre los años 1.901 d.C. y 2.000 d.C.), perteneciente al arte africano, en concreto al arte mangbetu.

Nogi de Jefe

En concreto fue realizado por un artista Mangbetu afincado en la República Democrática del Congo.

En el año 1.959 d.C. el Nogi de Jefe fue adquirido en la República Democrática del Congo por las Hermanas Misioneras Dominicas de Notre Dame de Namur (Bélgica).

En el año 2.010 d.C. fue adquirido por el coleccionista Pierre Loos, formando parte de la tienda de antigüedades "Galerie Ambre Congo", situada en la ciudad de Bruselas (Bélgica).

También en ese mismo año , 2.010 d.C., fue comprado por Andres Moraga, formando parte de su colección ubicada en la ciudad de Berkeley, situada en el condado de Alameda, en el estado de California (Estados Unidos de América).

En el año 2.012 d.C. el Nogi de Jefe fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura aproximada de190 cm y una anchura de 200 cm. Está elaborado en tela de corteza (ficus natalensis o ficus platyphylla) teñida.

Se trata de una prenda de vestir conocida como nogi que era utilizada doblada entre las piernas y alrededor de ellas, sujeto a la cintura con un cinturón para crear un conjunto de pantalones voluminosos.

Aparte resaltar que los nogi eran artículos personales que solían ser elaborados a mano por el usuario, martillando grandes secciones de corteza para formar paneles de tela fibrosa que luego se cosían con hebras de rafia.

Además destacar que los intrincados patrones realzaban el prestigio de la prenda, como se evidencia en el Nogi de Jefe, con sus dos paneles estrechos con motivos de rayos de sol y círculos.

Para finalizar subrayar que se conoce que a principios del siglo XX d.C., los miembros masculinos de la corte Mangbetu exhibían su elevado estatus usando constantemente nogi nuevos, cuyos bordes se extendían rígidamente por encima del cinturón.

En contraste, aquellos de menor posición social conservababan nogi más antiguos, con bordes suavizados debido al su uso regular.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Dibujos de Flores, Mariposas e Insectos

Dibujos de Flores, Mariposas e Insectos es un dibujo datado aproximadamente entre los años 1.649 d.C. y 1.650 d.C., perteneciente al arte persa, en concreto al arte safávida.

Dibujos de Flores, Mariposas e Insectos 

Fue pintada por el pintor safávida Shafi' 'Abbasi, activo durante el reinado del sah de Persia de la dinastía de los safávidas, Abbás II (también conocido como Abbás II de Persia).

Lo primero que se conoce es que en la década de 1.960 d.C. se encontraba en una tienda de antigüedades, localizada en la ciudad de Teherán (Irán).

También se sabe que perteneció a la colección del artista y coleccionista de arte iraní Monir Shahroudy Farmanfarmaian, ubicada en la ciudad de Teherán (Irán).

Entre los años 1.980 d.C. y 1.981 d.C. fue traído a la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América), aunque siguió formando parte de su colección de arte.

Hasta que en el año 2.021 d.C. Dibujos de Flores, Mariposas e Insectos fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Dibujo de Flores, Mariposas e Insectos

Descripción

La página tiene una altura de 12,7 cm y una anchura de 22,3 cm, mientras que con marco tiene una altura de 34,9 cm y una anchura de 42,5 cm.

Está elaborado en tinta sobre papel.

Se trata de un dibujo, una acuarela, que representa mariposas, abejas y escarabajos revoloteando alrededor de un rosal y lo que parece ser una planta de boca de dragón o acónito.

Cabe destacar que la elaborada inscripción en escritura nasta'liq, situada en la parte inferior, consiste en un poema seguido de la firma del artista ("el humilde Shafi' 'Abbasi") y la fecha ("fechada el domingo de Muharram de 1.059 AH").

Además se puede apreciar como la firma incluye la palabra ab-u-rang, que en idioma persa significa "acuarela", haciendo referencia a la técnica utilizada para pintar el dibujo.

Llama la atención como los versos del poema hacen referencia a la poesía de amor Sufí alusiva a la geometría y sus herramientas (la línea, el punto, el círculo y el compás (pargar) y la clavija (mismar).

La inscripción es la siguiente:

"هر کجا نقطه شدند خط پرگار شدم هر کجا دایره زد غم دل مسمار شدم

بوی یار من از این سست وفا می آید گلم از دست بگیرید که از کار شدم

در روز یکشنبه شهر محرم الحرام سنه ۱۰۵۹ آب ورنگ کمینه شفیع عباسی"

Siendo una traducción aproximada la siguiente:

"Dondequiera que hubiera puntos, me convertí en una brújula.

Dondequiera que hubiera un círculo, me convertí en la clavija en su centro.

El aroma de mi amada proviene de esta desleal.

Lleva estas flores (a mi lugar de descanso) cuando muera"

Con respecto a la composición resaltar que los versos líricos que la acompañan al dibujo son altamente metafóricos, puesto que comparan el anhelo del amante por la persona amada con formas geométricas (el punto, el círculo y la línea) producidas por herramientas como el compás (pargar) y la clavija (mismar), y la composición del artista con una flor que espera que los espectadores lleven a su lugar de descanso tras su fallecimiento. 

Para finalizar subrayar que se conoce que Dibujos de Flores, Mariposas e Insectos está inspirado por las láminas botánicas europeas que circulaban por la ciudad de Isfahán (Irán) en aquella época.

Es más enfatizar que a diferencia de su padre, el renombrado pintor safávida Riza-yi 'Abbasi, cuyas obras son principalmente figurativas, el pintor safávida Shafi' 'Abbasi se centró en la naturaleza e inició un género de composiciones botánicas que alcanzó gran popularidad en Irán y floreció hasta bien entrado el siglo XIX d.C.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Jarrón de Tallo con Diseño Inciso y Pintado

El Jarrón de Tallo con Diseño Inciso y Pintado es un jarrón datado aproximadamente entre los años 1.000 a.C. y 300 a.C., perteneciente al arte tailandés.

Jarrón de Tallo con Diseño Inciso y Pintado

Fue hallado en el yacimiento arqueológico de Ban Chiang, ubicado en el distrito de Nong Han, situado en la meseta de Khorat, en la provincia de Udon Thani, al nordeste de Tailandia.

Perteneció a la colección de arte de la coleccionista Cynthia Hazen Polsky, ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.987 d.C. el Jarrón de Tallo con Diseño Inciso y Pintado fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), pasando a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de arte asiático.

Descripción

Tiene una altura de 24,1 cm y una anchura de 17,4 cm. Está realizado en loza con engobe beige y decoración de óxido rojo.

Se trata de un elegante jarrón de tallo que se ensambló en dos piezas: una copa bulbosa corta con borde completo y un asa o "tallo" más largo con base acampanada.

Además se puede apreciar como se encuentra ornamentado con patrones geométricos, tanto curvilíneaos como triangulares y rectangulares más estructurados.

También se puede apreciar como todos los patrones geométricos se encuentran delicadamente incisos en la copa y en la parte inferior del tallo, y pintados con engobes beige y rojos.

Para finalizar subrayar que recipientes como el Jarrón de Tallo con Diseño Inciso y Pintado, que combinan decoración pintada e incisa, se asignaron a la fase media de Ban Chiang y yacimientos relacionados.

Aparte se conocen varios jarrones con esta forma, aunque no se han excavado científicamente piezas comparables en el yacimiento de Ban Chiang.

La opinión más aceptada por los investigadores es que éstos recipientes podrían representar una tradición afín centrada en un yacimiento similar en la meseta de Khorat o en otro lugar del Sudeste Asiático continental.

Siendo muy probable que éstas cerámicas formaran parte de los bienes de lujo que se intercambiaban como regalo entre culturas del sudeste asiático que habían estado conectadas entre sí durante mucho tiempo a través de ríos y otras vías fluviales.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Bandeja Mameluca

La Bandeja Mameluca es una bandeja datada aproximadamente en el siglo XIV d.C. (período comprendido entre los años 1.301 d.C. y 1.400 d.C.), perteneciente al arte islámico, en concreto al arte mameluco.

Bandeja Mameluca

Bandeja Mameluca

La opinión más aceptada por los investigadores es que la bandeja fue elaborada en un taller de Egipto, durante el Sultanato Mameluco.

Lo primero que se conoce es que la bandeja perteneció a la colección de arte del platero y coleccionista de arte estadounidense Edward Chandler Moore.

Hasta que en el año 1.891 d.C. la Bandeja Mameluca fue legada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), donde pasó a formar parte de su colección de arte.

Bandeja Mameluca

Bandeja Mameluca

Descripción

Tiene una altura de 5,1 cm y un diámetro de 47,1 cm. Está elaborada en latón y originalmente también con incrustaciones de plata.

Se trata de una bandeja con forma circular, que presenta un umbo central, una base central con un total de seis medallones hundidos y un borde exterior elevado.

Además se puede observar como se encuentra totalmente ornamentada en su superficie por diferentes patrones arabescos, compuestos por intrincados detalles geométricos, caligrafía árabe y motivos vegetales.

También se puede apreciar como hay una inscripción que rodea el centro en relieve. Concretamente la inscripción es una dedicatoria a un alto funcionario mameluco anónimo.

Una traducción aproximada de la inscripción en árabe es la siguiente:

"Su excelencia, el Alto, el Rey, el Gobernador, el Alto, el Rey"

En cuanto a la funcionalidad destacar que se piensa que originalmente la bandeja era utilizada para llevar comida colocada en platillos que encajaban en los seis medallones perforados hundidos.

Para finalizar subrayar que la Bandeja Mameluca fue expuesta desde el 21 de noviembre del año 1.981 d.C. al 10 de enero del año 1.982 d.C. en la exposición "Renaissance of Islam: Art of the Mamluks" ("Renacimiento del Islam: Arte de los mamelucos"), realizada en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

También fue expuesta desde el 5 de marzo del año 2.023 d.C. al 28 de mayo del año 2.023 d.C. en la exposición "Near East to Far West: Fictions of French and American Colonialism" ("Del Cercano Oriente al Lejano Oeste: Ficciones del colonialismo francés y estadounidense"), ocurrida en el Museo de Arte de Denver (Estados Unidos de América).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Ataúd de Teti

El Ataúd de Teti es un ataúd datado aproximadamente entre los años 1.550 a.C. y 1.458 a.C., perteneciente al arte egipcio.

Ataúd de Tetis

En concreto fue elaborado durante el reinado del faraón Amenofis I (también conocido como Amenhotep I o Dyeserkara Amenhotep), correspondiente con la XVIII Dinastía de Egipto.

Lo primero que se conoce es que fue hallado durante las excavaciones arqueológicas realizadas entre los años 1.911 d.C. y 1.912 d.C. por el arqueólogo y egiptólogo británico Howard Carter y el aristócrata y mecenas de arte británico George Edward Stanhope Molyneux Herbert, V conde de Carnarvon (también conocido como Lord Carnarvon).

En una de las tumbas ubicadas en el Patio CC 41, en el lado norte, de la zona arqueológica Asasif Inferior, dentro de la necrópolis de El-Asasif, en la ciudad de Tebas Occidental (Egipto).

También es sabido que poco después de su descubrimiento el ataúd fue conservado por el Gobierno Egipcio como parte de la división de hallazgos.

Hasta que en el año 1.912 d.C. el Ataúd de Teti fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de arte egipcio.

Ataúd de Teti

Descripción

Tiene una longitud de 184 cm, una anchura de 44 cm y una altura de 76 cm. Está elaborado en madera (ficus sycomorus), pintura, mortero, yeso y estuco.

Se trata de un gran ataúd rectangular con una tapa ligeramente arqueada que fue ensamblado con tablones y trozos de madera de sicomoro.

La decoración de los laterales más  largos está dominada por patrones de damero en negro y rojo, junto con escenas figurativas pintadas toscamente.

A un lado, se pueden apreciar la figura de dolientes ataviados con faldas blancas frente a un pedestal y numerosas ofrendas, entras las que se encuentran una serie de jarras colocadas en soportes.

En el otro lado, hay representadas dos ilustraciones: una muestra una barca funeraria (probablemente en peregrinación al lugar sagrado de Abidos), y la otra escena, en dos registros, representa a portadores de ofrendas.

En la cabecera, la diosa Isis (diosa de la magia, la maternidad, la fertilidad y la protección) se encuentra sobre un santuario que se le añadió un panel de madera encima con dos ojos wedjat o Ojo de Horus (un antiguo símbolo egipcio que representa el ojo del dios halcón Horus) pintados.

Además resalta como el extremo de los pies se encuentra ornamentado con la figura de la diosa Neftis (diosa de la oscuridad, la noche, el duelo y la protección de los muertos) y el dios Anubis (dios de la momificación, guardián de la necrópolis y guía de las almas al más allá), en forma de chacal.

Para finalizar subrayar que cuando fue hallado dentro del Ataúd de Teti se encontraron las momias de dos adultos y un niño, así como un cuenco de loza y un escarabajo.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Orfeo

Orfeo, también conocido como Joven Tracia con la Cabeza de Orfeo, es una pintura datada en el año 1.865 d.C., perteneciente al simbolismo.

Orfeo

Orfeo

Fue pintado por el pintor francés Gustave Moreau.

El 3 de julio del año 1.866 d.C. la pintura fue adquirida al artista por un precio de 8.000 francos por el Estado Francés.

En el año 1.867 d.C. la pintura Orfeo ingresó a formar parte de la colección del Museo de Luxemburgo, localizado en la ciudad de París (Francia).

En el año 1.874 d.C., mediante un decreto del 3 de mayo del año 1.874 d.C., fue asignada a los Museos Nacionales e inscrita en el inventario de Pinturas "RF 104".

El 30 de enero del año 1.926 d.C. la pintura fue transferida al Museo del Louvre de París (Francia), hasta que en el año 1.986 d.C. Orfeo fue transferida al Museo de Orsay de París (Francia), donde pasó a formar parte de las colecciones de arte del museo.

Orfeo

Descripción

Tiene una altura de 154 cm y una anchura de 99,5 cm. Está pintado al óleo sobre tabla.

Se trata de una pintura que representa a una joven tracia de mirada melancólica y ataviada con ropas orientales de mangas.

El vestido, ceñido al cuerpo, de mangas largas y falda larga, por la que le sobresalen por abajo los pies descalzos, esta ornamentado por diferentes patrones y texturas.

El cabello largo claro está recogido en un elegante peinado con trenzas que le despeja el rostro.

En el rostro inclinado hacia delante destacan los ojos almendrados entornados mirando hacia su regazo, la nariz recta, los labios fijos y el mentón redondeado.

Con ambas manos sostiene la cabeza de Orfeo que reposa sobre la lira del poeta que parece fundirse con ella y rodeada por laurel apolíneo (símbolo de la inmortalidad).

Además se puede observar como destaca como los rostros de ambos presentan un gran parecido, ambos aparentemente están representados absortos en la misma contemplación, con los ojos, ahora sin vida, de Orfeo y la mirada de la mujer que se encuentran y se contemplan dando a lugar a una compenetración indisoluble.

Aparte llama la atención como toda la escena se encuentra bañada por la penumbra con un telón de fondo de paisajes fantásticos, que destaca por la sensación de paz que evoca.

Reflejando la paz que sigue al horror de la tortura que Orfeo acababa de sufrir, es más sobretodo resalta como la dulzura y serenidad de los rostros disipan misteriosamente la atmósfera mórbida de la situación.

También se aprecia como en la esquina inferior izquierda hay representadas dos pequeñas tortugas, que según el mito fueron sus intestinos los que proporcionaron las cuerdas para la primera lira jamás construida, forjada por el dios Hermes (mensajero de los dioses, dios de los viajeros, del comercio, los ladrones y la oratoria).

Con respecto a la composición resaltar que el autor se inspiró en la leyenda de Orfeo o mito de Orfeo, el famoso poeta tracio conocido por su talento musical y quién fue asesinado por enfurecer a las ménades, siendo descuartizado y sus restos arrojados al río Ebro.

Asimismo destacan el vago matiz místico-fantástico que impregna la obra, su atmósfera sugerente, sensual, y a la vez ligeramente inquietante.

Esto junto con los suaves efectos de claroscuro y la paleta cromática compuesta por tonos dorados hacen que sean peculiaridades distintivas no solo de ésta pintura sino de una parte de la colección de pinturas del pintor francés Gustave Moreau.

Para finalizar subrayar que la pintura Orfeo ocupa un lugar destacado en la obra del artista, puesto que es una de las primeras pinturas que le valió el éxito y el reconocimiento de los círculos oficiales.

Siendo la pintura Orfeo la que allanó el camino para el movimiento simbolismo pictórico, del que el pintor francés Gustave Moreau fue uno de los pintores más importantes.

Actualmente se encuentra en el Museo de Orsay de París, Francia.

Caja con Sello y Tapa

La Caja con Sello y Tapa, también conocido como 清中期 玉印盒, es una caja datada aproximadamente entre los siglos XVIII d.C. y XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.701 d.C. y 1.900 d.C.), perteneciente al arte chino.

Caja con Sello y Tapa

Caja con Sello y Tapa

Caja con Sello y Tapa

Caja con Sello y Tapa

Caja con Sello y Tapa

Caja con Sello y Tapa

Caja con Sello y Tapa

En concreto fue elaborado durante la dinastía Qing (la última dinastía imperial de China, que gobernó desde el año 1.644 d.C. y 1.912 d.C.).

Lo siguiente que se conoce es que perteneció a la colección del empresario y filántropo estadounidense Heber Reginald Bishop.

Hasta que en el año 1.902 d.C. la Caja con Sello y Tapa fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 12,4 cm, una anchura de 9,5 cm y una profundidad de 9,5 cm. Está elaborado en nefrita (variedad de jade, silicato cálcico de magnesio y hierro).

Se trata de un estuche de almacenamiento de negrita con forma de caja cuadrada con una tapa circular, ambas ornamentadas en su parte exterior con diferentes relieves ornamentales.

Sobretodo destaca como un dragón animado se asienta sobre su tapa circular, en cuya pared se encuentran grabados los ocho símbolos auspiciosos del budismo tibetano, incluyendo la rueda de la ley, la caracola, la sombrilla, el dosel, la flor de loto, el jarrón, la pareja de peces y el nudo de la eternidad.

En los cuatro lados de su base cuadrada se encuentran representados los doce emblemas reales: el sol, la luna, la constelación, la montaña, el dragón, el faisán, los vasos rituales, la planta acuática, la llama, el arroz, el hacha y el diagrama de la polaridad.

El estuche ha sido diseñado para albergar con seguridad el sello imperial, aparte resaltar que en la dinastía Qing éste tipo de estuches de almacenamiento eran utilizados para guardar sellos de jade o de metal de alto valor, a veces acompañados de certificados o elementos de cera.

Para finalizar subrayar que originalmente la Caja con Sello y Tapa albergaba el sello imperial de la dinastía Qing, formado por un conjunto de veinticinco sellos oficiales de jade, oro o sándalo, custodiados en la Ciudad Prohibida.

Es más destacar que eran los símbolos supremos del poder absoluto y el Mandato del Cielo, siendo utilizados para validar decretos, entronizaciones y documentos importantes.

Además resaltar que cada uno de los veinticinco sellos tenía funciones específicas para la administración del estado y eran usados bajo un estricto protocolo.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.