sábado, 31 de octubre de 2020

Retrato de Giovanni Arnolfini y su Esposa

El Retrato de Giovanni Arnolfini y su Esposa, también conocido como El Matrimonio Arnolfini, es un cuadro datado en el año 1.434 d.C., perteneciente al arte medieval, en concreto al arte gótico.

Retrato de Giovanni Arnolfini y su Esposa

Fue pintado por el pintor flamenco Jan Van Eyck (también conocido como Johannes de Eyck).

Se conoce que el cuadro fue mandado elaboraran por el comerciante y mercader italiano Giovanni di Nicolao Arnolfini.

Aunque cabe resaltar que los primeros documentos que hacen referencia al cuadro datan del siglo XVI d.C. (período comprendido entre los años 1.501 d.C. y 1.600 d.C.).

Después se conoce que en el año 1.813 d.C. el cuadro desapareció de la residencia oficial del rey de España, el Palacio Real de Madrid (también conocido como Palacio de Oriente).

Hasta que en el año 1.842 d.C. el cuadro fue comprado por la Galería Nacional de Londres.

Localizada en el límite norte de la plaza de Trafalgar, en el municipio de Westminster, justo en el centro de la subdivisión conocida como Gran Londres (Gran Bretaña).

Retrato de Giovanni
Arnolfini y su Esposa
(Detalle)



Descripción

Tiene una altura de 84,5 cm y una anchura de 62,5 cm. Está elaborado en pintura al óleo sobre tabla de roble.

Se trata de una pintura consistente en un retrato doble de cuerpo entero que representa al mercader italiano Giovanni di Nicolao Arnolfini y a su esposa Giovanna Cenami (también conocida como Jeanne Cenami).

La escena aparece representada en el interior de una vivienda burguesa, posiblemente en su residencia en la ciudad de Brujas (Bélgica). 

La construcción del espacio se conforma a partir de la confluencia entre la pared del fondo y los planos laterales (en la pared derecha hay representada una ventana abierta y en la pared izquierda hay representado el dosel de una cama).

A la derecha se encuentra representado Giovanni di Nicolao Arnolfini ataviado con un tabardo de piel de marta (un ropón blasonado amplio y largo que presenta abertura laterales para sacar las manos) y en la cabeza lleva un sombrero de paja trenzada teñida de negro.

La mano derecha se encuentra situada sobre el pecho bendiciendo, mientras que con la mano izquierda sostiene la mano de su esposa.

Retrato de Giovanni
Arnolfini y su Esposa
(Detalle)

En el rostro destaca su expresión severa, además de una actitud seria e inexpresiva. 

A la izquierda está representada Giovanna Cenami ataviada con un vestido verde. 

Tanto las mangas de la ropa interior azul como la cola larga del vestido han sido elaborados con tela doblada y cosida, para después ser cortada y deshilachada decorativamente. 

También se aprecia como el vestido está sujeto debajo del pecho mediante un cinturón brocado de oro y las mangas están adornadas con pelaje blanco.

En el rostro destaca el tono de piel blanquecino y el cabello se encuentra peinado en un regido que sujeta un velo blanco.

La mano derecha se apoya en la mano izquierda de su marido, mientras que con la mano izquierda sostiene parte del vestido arrugado a la altura del vientre abultado.

Cabe resaltar que aunque aparece representada con un vientre abultado no se encontraba embarazada, si no que es una característica del canon de belleza del arte gótico que alude a la fertilidad.

Retrato de Giovanni 
Arnolfini y su Esposa
(Detalle)

Aunque el collar de oro liso de la mujer y los anillos que ambos usan sean las únicas joyas visible, ambos atuendos han sido elaborados con telas de gran calidad y muy costosas que reflejan la alta posición social del matrimonio.

También se aprecia como las naranjas colocadas a la izquierda de la composición son un signo de riqueza, puesto que eran importadas del sur y en el norte de Europa se consideraban un artículo de lujo.

Otros signos del lujo son: la alfombra situada junto a la cama (el diseño procede de Anatolia) y en el cabezal de la cama, situado al fondo a la izquierda, hay tallada la figura de una mujer junto con un dragón.

En la pared del fondo hay un espejo circular cuyo marco se encuentra decorado con diez medallones que representan diez de las catorce estaciones del Vía Crucis (las paradas del camino de Cristo hasta su muerte en el Gólgota).

Además desde el espejo se muestra la escena de la habitación desde una perspectiva inversa. Se puede observar la parte trasera del matrimonio así como a otras dos figuras (una de ellas ataviada con vestimenta roja y otra ataviada con una vestimenta azul).

Retrato de Giovanni
Arnolfini y su Esposa
(Detalle)

Encima del espejo se encuentra la siguiente inscripción fechada que hace referencia a la firma del autor y al año que se elaboró la pintura.

"Johannes de Eyck fuit hic 1.434"

Cabe destacar que la inscripción se encuentra pintada en la pared con letras grandes, como se hacía con los refranes y otras frases en esta época.

En cuanto a la composición resaltar la utilización de la técnica de aplicar varias capas de esmaltes translúcidos delgados con el fin de crear una pintura con una gran intensidad de tono y color.

Se puede apreciar como los colores brillantes también ayudan a resaltar el realismo y ensalzar la riqueza y la opulencia de matrimonio Arnolfini.

También destaca la utilización de símbolos relacionados con el matrimonio. Como son la representación de los zuecos en el suelo que simbolizan el vínculo con el suelo sagrado del hogar y es señal de una celebración religiosa.

La lampara colgada del techo tiene una única vela encendida, según la costumbre flamenca simboliza la llama del amor y se encendía una vela el primer día de la boda. Además también simboliza a Jesucristo, cuya presencia santifica los esponsales.

El pequeño perro situado en un primer plano, entre el matrimonio, simboliza la fidelidad conyugal y el amor terrenal.

Retrato de Giovanni
Arnolfini y su Esposa
(Detalle)

Aparte destacar el uso de la luz, en toda la composición existen dos focos de luz: uno de ellos es la iluminación a través de la ventana y el otro foco se sitúa fuera del cuadro (representado en el reflejo del espejo), se trata de una ventana cuya luz ilumina al matrimonio y crea un contraste claroscuro en la cara de Giovanni di Nicolau Arnolfini.

Con respecto al estado de conservación, la pintura en general se encuentra en muy buenas condiciones.

Aunque en algunas partes se puede apreciar pequeñas perdidas de la pintura original y daños que en su mayoría han sido retocados.

Durante el proceso de restauración los reflectogramas infrarrojos de la pintura mostraron muchas pequeñas alteraciones en el dibujo interior: en ambas caras, en el espejo y en otros elementos.

Para finalizar subrayar que la mayoría de los investigadores piensan que la escena representada es el momento del matrimonio, celebrado en secreto y siendo atestiguado por el pintor. Siendo así sería la única forma de contrato matrimonial registrado como una pintura que ha llegado hasta la actualidad. 

Independiente de esto el Retrato de Giovanni Arnolfini y su Esposa es una de las pinturas más complejas dentro del arte occidental, destacando por su belleza, su iconografía compleja, el uso de la perspectiva geométrica octogonal y la ampliación del espacio pictórico mediante el uso del espejo.

Actualmente se encuentra en la Galería Nacional de Londres, Gran Bretaña.

viernes, 30 de octubre de 2020

Columna de una Figura Disfrazada

La Columna de una Figura Disfrazada es una escultura datada aproximadamente entre los siglos VIII d.C. y IX d.C. (período comprendido entre los años 701 d.C. y 900 d.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte maya.

Columna de una Figura Disfrazada

Aunque el año del hallazgo es desconocido, se conoce que fue encontrada en el municipio de San Francisco de Campeche, en el estado de Campeche, situado en la península de Yucatán (México).

Perteneció a la colección conmemorativa de arte Michael C. Rockefeller, hasta que en el año 1.963 d.C. fue donado como regalo al Museo Metropolitano de Arte en Nueva York (Estados Unidos de América).


Descripción

Tiene una altura de 173,4 cm y una anchura de 73,7 cm. Esta fabricada en piedra caliza, mediante la técnica de tallado.

Se trata de una escultura de piedra con forma de columna que presenta un relieve tallado en el que aparece un individuo vestido de forma ornamentada y un enano.

Columna de una
Figura Disfrazada

La figura central es un gobernante maya que lleva en la cabeza un enorme tocado escalonado con plumas que representa una monstruosa cabeza zoomorfa.

Se observa como en el frente hay dos rosetas centrales que se apilan sobre la cabeza, del rosetón superior emerge una nariz con forma trapezoidal. 

A ambos lados están los ojos con las pupilas onduladas, se puede observar como entre los rosetones superior e inferior se encuentran dos colmillos curvos. También se aprecia como en la parte superior del tocado hay situada una placa de jade.

Cabe resaltar que este tipo de tocado era conocido como Tocado de la Serpiente de Guerra y fue adoptado por los gobernantes mayas aproximadamente a partir del año 400 d.C., éste tocado era un símbolo de fuerza militar y se asociaba a fuerzas "externas" y poderes divinos.

Alrededor del cuello lleva un collar con tres imágenes de cabezas humanas y un collar largo de cuentas. 

Cabe destacar que los gobernantes mayas a menudo utilizaban en sus representaciones los rostros de sus antepasado con la finalidad de unirse físicamente a sus predecesores reales y enfatizar su propia legitimidad dinástica.

Con la mano derecha sostiene una hoja de obsidiana en forma de gancho, mientras que su brazo izquierdo se encuentra escondido detrás de un escudo decorado con un símbolo formado por bandas cruzadas asociado con la autoridad del gobernante.

Columna de una
Figura Disfrazada

Se puede apreciar como la mayor parte de su cuerpo se encuentra cubierto por una túnica larga elaborada con mosaicos cuadrados y un borde con motivos geométrico. Aparte lleva sandalias altas en los pies.

En el lado derecho de la columna se encuentra representada la figura de un enano enmarcado por las plumas del tocado del gobernante.

Además usa un tocado y los lóbulos de las orejas se encuentran decorados con grandes conjuntos de orejeras.

Columna de una
Figura Disfrazada

La parte trasera de la columna tiene una superficie irregular, encontrándose inacabada. 

Esto sugiere que originalmente la escultura podría haber estado situada incrustada en una pared, en vez de ser una escultura independiente. 

En cuanto a la composición se han hallado restos de policromía, se puede observar restos de pigmento rojos en las figuras.

Aparte resaltar que aunque la composición es parcialmente simétrica se pueden apreciar diferencias sutiles que indican que al menos dos artistas diferentes trabajaron en la realización de la escultura.

Para finalizar subrayar que la escultura presenta las caras dañadas con marcas que indican que los daños fueron causados de manera intencional.

Cabe destacar que para los mayas este tipo de representaciones estáticas se encontraban relacionadas con la personas que representaban.

Como tales estas esculturas debían ser cuidadas y protegidas. Desfigurar las caras de este tipo de esculturas habría ofrecido una forma de acabar con el poder del gobernante.

A pesar de los rostros dañados, esta escultura transmite claramente el poder del gobernante como guerrero, asegurando la continuación de los ciclos de vida a través de la acción ritual y la presentación de la fuerza militar.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

jueves, 29 de octubre de 2020

Frontal de Altar de Esquius

El Frontal de Altar de Esquius, también conocido como Antipendio Esquius, es un frontal datado aproximadamente en el siglo XII d.C. (período comprendido entre los años 1.101 d.C. y 1.200 d.C.), perteneciente al arte medieval, en concreto al arte románico.

Frontal de Altar de Esquius
Los investigadores piensan que puede proceder de la antigua Iglesia de Santa María del Castillo de Besora.

Localizado en el pueblo de Santa María de Besora, en la comarca de Osona.

Situada en la provincia de Barcelona, en la comunidad autónoma de Cataluña (España). 

Desde el año 1.958 d.C. pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Nacional de Arte de Cataluña (España).


Descripción


Tiene una altura de 88 cm, una anchura de 123 cm y una profundidad de 1,6 cm. Esta elaboro en pintura al temple y restos de hoja metálica corlada sobre tabla de madera.

Se trata de una pintura que forma parte del frontal de altar en la que aparece representada una escena de Cristo y los Apóstoles representado en dos hileras.

En el centro aparece representado Cristo Pantocrátor dentro de una mandorla con un borde dónde se encuentra escrita una inscripción poética en latín.

La inscripción y su traducción es la siguiente:

" HIC DEVS ALFA ET OMEGA
CLEMENS MISERATOR ADESTRO
AC PIETATE TVA 
MISERORVM VINCLA
RELAXA AMEN "

" Este es el Dios de la Alfa y la Omega
Ven, oh clemente y misericordioso,
con tu piedad, 
y afloja las cadenas de los miserables.
Amén "

Se aprecia como en las cuatro esquinas exteriores de la mandorla aparecen representados de manera simbólica los cuatro Tetramorfos (representación artística de los cuatro Evangelistas).

Frontal de Altar de Esquius
(Detalle)
San Juan se encuentra representado por el águila, San Marcos por un León, San Mateo como un ángel y San Lucas como un toro o buey.

En los laterales están representados los apóstoles, dispuestos en cuatro registros superpuestos dos a dos.

Dónde los apóstoles se encuentran representados en grupos de tres, repartidos en cada uno de los registros.

En cuanto a la composición resaltar el uso de pigmentos como el: lapislázuli, oropimente y cinabrio. Además toda la escena esta encuadrada dentro de un borde decorado con motivos geométricos.

También resaltar que tanto los rostros como los pies se encuentran representados de manera frontal y esquemática. 

Por el contrario las vestimentas, los nimbos, los detalles y las variedad de expresiones hacen posible la identificación de tres de los doce apóstoles: San Pedro que lleva unas llaves en la mano, San Pablo representado sin pelo y San Andrés que sostiene la cruz, el resto llevan un pergamino o un libro. 

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que el Frontal de Altar de Esquius pudo haber sido pintado en un monasterio.

Cabe enfatizar que la opinión más aceptada es que fue elaborado en el monasterio de Ripoll, esto es debido a la inscripción poética que recorre el borde de la mandorla, ya que es una características de los ambientes intelectuales de Ripoll.
 
Actualmente se encuentra en el Museo Nacional de Arte de Cataluña, España.

miércoles, 28 de octubre de 2020

Sarcófago de Payava

El Sarcófago de Payava, también conocido como Tumba de Payava, es un sarcófago datado aproximadamente entre los años 375 a.C. y 362 a.C., perteneciente al arte griego.

Sarcófago de Payava

Fue hallado en el año 1.838 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas por el arqueólogo y explorador inglés Sir Charles Fellows.

En la necrópolis de la ciudad de Janto, una antigua ciudad de Licia situada en la provincia de Antalya, en Turquía.

En el año 1.848 d.C. el Sarcófago de Payava fue adquirido por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de Grecia y Roma.


Descripción

Tiene una altura de 1,21 metros, una anchura de 1,83 metros y una longitud de 3,04 metros.

Se trata de un sarcófago de piedra caliza que representa con precisión una estructura de madera.

Está compuesto por un total de cuatro niveles (apilados uno sobre otros), tiene forma rectangular, un techo a dos aguas y una bóveda de cañón.

Algunos niveles se encuentran decorados con esculturas en relieve que tienen representadas varias escenas, aparte en algunos laterales o caras se pueden apreciar algunas inscripciones licias.

Sarcófago de Payava

En la cara norte hay representado un hombre colocando una corona de flores en la cabeza de un joven deportista.

En la cara oeste se puede observar la figura de un persa sentado acompañado por varios personajes. También hay una inscripción, gracias a la cuál se ha podido saber que una de las figuras representadas es el sátrapa (gobernante) Autofradates.

En la cara sur hay dos figuras armadas y una inscripción muy deteriorada de la que tan solo se ha podido descifrar lo siguiente: "Payava hijo de Ad ..., secretario de A... rah, de raza licia ...".

En la cara este hay representada una batalla de caballería y soldados de infantería, junto con una inscripción que registra que el sarcófago fue mandado construir por Payava.

En la parte superior de la estructura destaca como desde el techo curvo se proyectan las cabezas y las partes delanteras de leones, además el techo se encuentra decorado con un carro.

En los extremos del hastial piñón (es la parte superior en forma triangular y cubierto con un tejado a dos vertientes) se aprecia como están decorados con una pareja persa sentada, en los frontones, sobre estas figuras sentadas hay parejas de esfinges.

Sarcófago de Payava

En el nivel superior también se encuentran dos frisos que muestran en un lado una caza de animales salvajes, destacando la representación de un oso levantado sobre sus patas traseras y en el otro lado una batalla entre caballería y soldados de infantería.

En cuanto a la composición de los frisos tallados destacar que presentan rasgos mezclados del arte griego y del arte persa, lo que indica la mezcla de influencias artísticas que había en la antigua ciudad de Janto cuando el sarcófago fue elaborado.

Para finalizar subrayar que gracias a las inscripciones se conoce que el sarcófago pertenecía a un hombre conocido como Payava (algunos investigadores piensan que podría haber sido el gobernante de la ciudad de Janto). Aunque cabe enfatizar que tan solo se han encontrados referencias con el nombre de Payava en éste sarcófago.

Actualmente tres de los cuatro niveles de la tumba se encuentra en el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), mientras que el nivel más bajo (en un mal estado de conservación) se encuentra en Turquía. 

martes, 27 de octubre de 2020

Figurilla de una Mujer Esteatopigia

La Figurilla de una Mujer Esteatopigia es una escultura datada aproximadamente entre los años 1.630 a.C. y 1.539 a.C., perteneciente al arte egipcio.

Figurilla de una Mujer Esteatopigia

Se conoce que perteneció a la colección privada de arte del periodista y egiptólogo estadounidense Charles Edwin Wilbour.

Después de su muerte su hijo (Victor Wilbour) estableció la Fundación Charles Edwin Wilbour, a través de la cual en el año 1.932 d.C., donó la escultura al Museo de Brooklyn de la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).


Descripción

Tiene una altura de 12 cm, una anchura de 3,7 cm y una profundidad de 1,5 cm. Esta fabricada en arcilla.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta de terracota que representa la figura de una mujer esteatopigia.

Figurilla de una 
Mujer Esteatopigia

En la parte superior destaca la cabeza plana con forma de "martillo". Se aprecia como situada en la parte superior de la frente hay una línea horizontal formada por puntos que representan al cabello.  

En el rostro se observa que tanto los ojos como las cejas se encuentran representados mediante rendijas y la nariz es recta.

El cuello es alargado, los senos son pequeños, la cintura está representada delgada y los glúteos prominentes. 

Además se puede observar como en el cuerpo hay pequeñas perforaciones que podrían representar la vestimenta o tatuajes.

En cuanto al estado de conservación destacar que en general es muy bueno, tan sólo le faltan los pies, desde los tobillos hacia abajo.

Para finalizar subrayar que la Figurilla de una Mujer Esteatopigia difiere de las convenciones artísticas egipcias estándar, los investigadores piensan que esto es una indicación de que la figura podría haber sido importada de Nubia o también podría haber sido elaborada para gente con un bajo poder adquisitivo.

Actualmente se encuentra en el Museo de Brooklyn, en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

lunes, 26 de octubre de 2020

Oratorio de Gallarus

El Oratorio de Gallarus es un edificio datado aproximadamente entre los siglos VI d.C. y IX d.C. (período comprendido entre los años 501 d.C. y 900 d.C.), perteneciente al arte medieval, en concreto al arte paleocristiano.

Oratorio de Gallarus
Cabe resaltar que algunos investigadores consideran que su construcción pudo haber sido realizada en el siglo XII d.C. (período comprendido entre los años 1.101 d.C. y 1.200 d.C.).


Oratorio de Gallarus


Se construyó en los alrededores del pueblo de Ballydavid.

Localizado en la península de Dingle, situada en el condado de Kerry, en el punto más al oeste de Irlanda.

Cabe destacar que el primer relato que se tiene del Oratorio de Gallarus es la descripción realizada en el año 1.756 d.C. por Charles Smith. W. en "The Antient and Present State of County of Kerry (Dublin), página 191".

Años más tarde en el año 1.970 d.C. el arqueólogo e historiador Peter Harbinson asoció el Oratorio de Gallarus con la religión dandole la funcionalidad de una iglesia, una capilla funeraria o un refugio de peregrinos.

Oratorio de Gallarus
Aunque destacar que a principios del siglo XXI d.C. se convirtió en uno de los sitios turísticos más visitados de la península de Dingle (Irlanda).



Descripción


Se trata de un edifico, un oratorio, con planta rectangular, construido con grandes bloques de piedra. 

Cabe resaltar que el material utilizado para su elaboración es piedra arenisca marrón de los acantilados cercanos, ésta piedra se puede cortar fácilmente y tiene una gran resistencia por lo que es muy duradera.

La piedra ha sido cortada en cada lateral y en los extremos con la finalidad de que encajen perfectamente entre sí. Además se aprecia como los revestimientos exteriores son acabados lisos que siguen la inclinación de la pared.

Oratorio de Gallarus

Por lo tanto la mampostería es piedra cortada y ensamblada mediante el uso de una fina capa de mortero de cal, no visible en el revestimiento de las paredes.

El uso de un mortero de unión se confirma debido a los trazos blanquecinos compuestos por una delgada capa de mortero de cal utilizada para unir las piedras y rellenar los pequeños huecos de las caras internas del edificio. 

Oratorio de Gallarus
Externamente el edificio presenta una longitud de 6,86 metros y una anchura de 5,75 metros.

Aparte cabe destacar que la forma del oratorio ha sido comparada con la de un barco volcado debido a sus paredes laterales inclinadas.

El edifico utiliza una bóveda de voladizo (sistema de piedras contrapesadas, cada una de las piedras sobresale por encima de la fila inmediatamente inferior).

Las piedras han sido colocadas hacia dentro en un pequeño incremento a medida que se elevan las paredes. 

También se han colocado ligeramente inclinadas: más bajas en la parte exterior que en la parte interior, esto permite que el agua de lluvia se escurra, lo que mantiene el interior libre de agua y en buen estado.

El edifico tiene dos muros laterales y dos muros extremos, inclinados y convergentes en la parte superior. Cada uno de los muros de una sola pieza desempeña un doble papel: de muro portante y bóveda.

Oratorio de Gallarus

El interior del edificio tiene una longitud de 4,65 metros, una anchura de 3,10 y una altura de 4,25 metros. 

La única habitación está tenuemente iluminada por medio de una pequeña ventana de cabeza redonda situada en la pared este (frente a la puerta de entrada).

En el lado oeste se encuentra la entrada,  con una puerta que tiene una altura de 1,67 metros. Presenta un dintel plano y desde el interior se aprecia como sobre el dintel sobresalen del muro dos piedras perforadas, posiblemente utilizadas para la fijación de una puerta de madera.

Cabe subrayar que en la actualidad el Oratorio de Gallarus esta considerado la iglesia palocristiana mejor conservada edifica en Irlanda.

Para finalizar como curiosidad señalar que según una leyenda local, si una persona sale del oratorio por la ventana su alma se limpiará. Aunque esto es físicamente imposible puesto que la ventana mide aproximadamente 18 cm de largo y 12 cm de ancho.

domingo, 25 de octubre de 2020

Gran Dharani Sutra

El Gran Dharani Sutra es un texto datado aproximadamente entre los años 684 d.C. y 751 d.C., perteneciente al arte coreano.

Gran Dharani Sutra

Fue hallado en el año 1.966 d.C. durante las obras de reconstrucción de la pagoda de Seokgatap

Localizada en el templo Bulguksa, en la provincia de Gyeongju (Corea del Sur).


Descripción

Tiene un total de 12 hojas de papel con una altura de 8 cm y una longitud de 620 cm. Además cada línea contiene alrededor de 8 caracteres.

La primera hoja tiene un total de 56 filas y su tamaño es de 56,8 cm. La segunda hoja tiene 55 filas y un tamaño de 53,8 cm. La tercera hoja tiene 55 filas y un tamaño de 53,2 cm.

La cuarta hoja tiene 57 filas y un tamaño de 52,9 cm. La quinta hoja presenta un total de 56 filas y un tamaño de 54,5 cm. La sexta hoja tiene 62 filas y un tamaño de 55,1 cm.

La séptima hoja tiene 61 filas y un tamaño de 54,3 cm. La octava hoja tiene 59 filas y un tamaño de 55,6 cm. La novena hoja tiene 60 filas y un tamaño de 55 cm.

La décima hoja tiene 61 filas y un tamaño de 53,9 cm. La undécima hoja presenta una total de 61 filas y su tamaño es de 53,9 cm. La duodécima hoja tiene 38 filas y su tamaño es de 43,9 cm.

Gran Dharani Sutra 
(Detalle)


Se trata de un texto que es una copia del conocido Uṣṇīṣa Vijaya Dhāraṇī sūtra, una escritura del Budismo Mahāyāna, que está considerada el texto impreso más antiguo del mundo.

El texto contiene caracteres chinos de la Emperatriz Wu (también conocida como Wu Zetian) que tanto solo fueron utilizados cuando gobernaba la dinastía Tang de China (dinastía imperial que gobernó desde el año 618 d.C. hasta el año 907 d.C.).

Algunos investigadores piensan que el Uṣṇīṣa Vijaya Dhāraṇī sūtra pudo haber sido elaborado en la ciudad de Louyang (ciudad-prefactura de la provincia de Henan) China, que era la capital de la dinastía Tang.

Se conoce que el Gran Dharani Sutra fue traducido del sánscrito al chino.

Además cabe destacar que un examen microscópico reveló que las hojas del Gran Dharani Sutra han sido realizadas con hanji (también denominado papel coreano, es el papel tradicional coreano elaborado con la corteza interior de un árbol originario de Corea llamado la "morera del papel"). 

El contenido de la escritura del Gran Dharani Sutra comienza con Buda salvando a un brahmana (miembro de la casta sacerdotal) que se encontraba cerca de la muerte, mientras Buda se encontraba en el templo (精舍) de Kapilavastu (迦毘羅衛).

Después de escuchar la declaración de un médico diciendo que se moriría en siete días, el brahmana, aunque no creía en el budismo, acudió a Buda.

Gran Dharani Sutra 
(Detalle)

Buda le dijo que moriría, iría al infierno y seguiría sufriendo. El brahmana se arrepintió y suplicó que le rescata del sufrimiento del infierno.

Entonces el Buda dijo: 

"Si reparas una pagoda, haces una pequeña pagoda, le pones un mantra y la sirves, tu vida se extenderá y recibirás muchas bendiciones. Y dondequiera que reencarne, su cuerpo no tendrá una discapacidad, todos sus pecados desaparecen y siempre estarás protegido por Buda".

Después de hablar con Buda, el brahmana fue al lugar donde se encontraba una antigua pagoda y trató de repararla. Fue en ese momento cuando el Bodhisattva (persona embarcada en el camino del Buda de manera significativa) hizo éste Dharani para lavar los pecados del brahmana y extender su vida.

Para finalizar subrayar que el Gran Dharani Sutra está considerado el grabado en madera de un texto impreso más antiguo del mundo.

Aparte fue englobado, con el número 126, en la lista de Tesoros Nacional de Corea del Sur (un conjunto de tesoros tangibles, artefactos, sitios y edificios reconocidos por Corea del Sur debido a su valor artístico, cultural e histórico). 

Actualmente se encuentra en el Museo Nacional de Corea, en Corea del Sur (Seúl).

sábado, 24 de octubre de 2020

Cabeza de Xilonen

La Cabeza de Xilonen es una escultura datada aproximadamente entre los años 1.400 d.C. y 1.500 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte azteca o arte mexica.

Cabeza de Xilonen

El año del hallazgo es desconocido, pero se conoce que se encontró en la ciudad de México-Tenochtitlan, capital del Imperio mexica.

En la actualidad esta ciudad se corresponde con la Ciudad de México, en México.

En el año 1.986 d.C. pasó a formar parte de la colección de arte del Instituto de Arte de Chicago, un museo y escuela de arte localizado en la avenida Michigan, en la ciudad de Chicago (Estados Unidos de América).


Descripción

Tiene una altura de 32,4 cm, una anchura de 20,3 cm y una profundidad de 12,1 cm. Esta fabricado en basalto, mediante la técnica de tallado.

Se trata de un fragmento esculturórico que representa la cabeza de Xilonen (la joven diosa azteca del maíz tierno, patrona de la vegetación y diosa de la fertilidad).

Cabeza de Xilonen


Cabe resaltar que la palabra Xilonen ("la peluda") hace referencia a las barbas del maíz en vaina.

En el rostro destacan los pequeños ojos rasgados, la nariz chata, los labios entreabiertos y unas pequeñas líneas verticales sobre sus mejillas.

El el cuello lleva un collar de cuentas y en las orejas lleva orejeras compuestas por adornos redondos del que cuelgan numerosas cuentas.

Además en la parte superior de la cabeza lleva un tocado floral compuesto por una banda de flores situada en la frente del que salen grandes mazorcas de maíz y largas bolas que le caen por la espalda.

Para finalizar subrayar como curiosidad que la palabra "Xilonen" fue hispanizada en México como elote, cuyo significado es "mazorca tierna y fresca".

También es conocido que los aztecas celebraban en el mes de julio un festival agrícola en honor a la diosa Xilonen, se celebraba con la finalidad de celebrar los primeros frutos de la temporada de verano. 

Durante la ceremonia una mujer joven caracterizada como la diosa Xilonen realiza una danza con el fin de producir una cosecha abundante.

Actualmente se encuentra en el Instituto de Arte de Chicago, en Estados Unidos de América.

viernes, 23 de octubre de 2020

Puente Ōhashi en Atake bajo una Lluvia Repentina

El Puente Ōhashi en Atake bajo una Lluvia Repentina, también conocido como大橋安宅の湯立ち o Ōhashi atake no yūdachi, es una xilografía datada en el año 1.857 d.C., perteneciente al arte japonés.

Puente Ōhashi en Atake
bajo una Lluvia Repentina

Fue elaborado por el dibujante, grabador y pintor japonés Utagawa Hiroshige (歌川広重), también conocido por su seudónimo artístico Andō Tokutarō (安藤徳太郎).

Cabe resaltar que el Puente Ōhashi en Atake bajo una Lluvia Repentina está englobado dentro de las Cien Famosas Vistas de Edo (Meisho Edo Hyakkei 名所江戸百景), una serie de grabados xilográficos sobre temas populares destinados a la clase media urbana japonesa.


Descripción

Tiene una altura de 34 cm y un anchura de 22,5 cm. Esta fabricada mediante grabado en madera, tinta y color sobre papel.

Se trata de una xilografía (técnica de impresión con plancha de madera) que tiene representada una pequeña parte del puente de madera Ōhashi (王橋) a su paso por el río Sumida (隅田川), mientras está lloviendo.

En el puente se puede observar como está siendo cruzado por un total de seis personas (dos mujeres y cuatro hombres), todos protegiendose de la lluvia mediante sombreros, capas o paraguas.

Al fondo, en la orilla opuesta del río, se puede apreciar una parte de la ciudad de Edo (江戸) conocida como Atake (安宅). También se aprecia como al fondo sobre el río hay representado un barquero que navega con su balsa de troncos en dirección a los astilleros de Fukagawa (深川).

En cuanto a la composición resaltar que la lluvia se encuentra representada mediante una gran cantidad de delgadas líneas paralelas oscuras realizadas en dos direcciones. 

A la izquierda el original y a la derecha
Puente Bajo la Lluvia de Vicent Van Gogh


Además destaca la representación de las nubes oscuras de las que emana la lluvia, el agua alrededor del puente y la calzada del puente.

Con respecto a la policromía destacan el uso de una paleta cromática compuesta por los colores: azul Hiroshigue (también llamado azul japonés), marrón y negro.

La técnica utilizada en el grabado en madera se conoce como Bokashi (ぼかし), gracias a la cuál se logra una variación en la claridad y oscuridad de un solo color o varios colores mediante la aplicación a mano de una graduación de tinta a un bloque de impresión de madera humedecido.

También resaltar que tanto la lluvia, como la representación de las personas, así como la representación de la balsa de troncos situada en el centro de la imagen otorgan a la composición una sensación de movimiento.

Cabe subrayar que el Puente Ōhashi en Atake bajo una Lluvia Repentina se encuentra englobado dentro del estilo Ukiyo-e (浮世絵), un género de arte japonés consistente en grabados elaborados mediante la técnica de xilografía (grabado en madera) realizados en Japón entre los siglos XVII d.C y XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.900 d.C.).

Para finalizar enfatizar que el Puente Ōhashi en Atake bajo una Lluvia Repentina ha servido como modelo e inspiración para diversos artistas posteriores, destacando sobretodo la obra Puente Bajo la Lluvia pintada por el pintor holandés Vicent William van Gogh.  

Actualmente se encuentra en el Museo de Arte de Brooklyn, en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

jueves, 22 de octubre de 2020

Estatuilla de una Acróbata Femenina

La Estatuilla de una Acróbata Femenina es una escultura datada aproximadamente entre los años 1.938 a.C. y 1.630 a.C., perteneciente al arte egipcio.

Estatuilla de una Acróbata Femenina

En concreto fue elaborada durante las XII dinastía del Antiguo Egipto y la XIII dinastía del Antiguo Egipto (período comprendido entre los años 1.980 a.C. y 1.650 a.C.).

Cabe resaltar que ambas dinastías se encuentran englobadas durante el período del Imperio Medio de Egipto.

Fue hallada durante las excavaciones arqueológicas realizadas en el interior de la tumba "D303", localizada en la antigua necrópolis de la ciudad de Abidos, en Egipto.


Descripción

Tiene una altura de 10,2 cm, una anchura de 5,1 cm y una profundidad de 17,8 cm. Está fabricada en piedra caliza, mediante la técnica de tallado.

Estatuilla de una Acróbata Femenina


Se trata de una escultura que representa la figura de un mujer, una bailarina, desnuda realizando una danza funeraria conocida como "el Khetebt".

El cuerpo se encuentra doblado hacia atrás, boca arriba, con el pelo tocando la base.

Estatuilla de una Acróbata Femenina

Además se aprecia como el cuerpo está sostenido por los brazos que descansan sobre una base oblonga sin inscripciones.

Para finalizar subrayar que a la escultura le falta toda la cabeza desde la parte superior del cuello hasta la parte inferior del cabello. También presenta restos de pintura roja en la zona del cuerpo.

Estos restos de policromía están compuestos por unas líneas rojas que podrían representar una red de cuentas o pintura corporal. Aparte también se han hallado restos de pintura negra en la base del cabello lo que indica que originalmente se encontraba pintado de negro.

Actualmente se encuentra en el Museo de Brooklyn, en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

miércoles, 21 de octubre de 2020

Seokgatap

La Seokgatap, también conocida como Sakyamuni Yeoraesangjuseolbeop, es una pagoda datada aproximadamente en el año 751 d.C., perteneciente al arte coreano.

Seokgatap
Fue construida durante el reinado Posterior Silla (período comprendido entre los años 601 d.C. y 935 d.C.).

Aunque cabe resaltar que la pagoda fue reconstruida en el año 1.024 d.C. y el año 1.038 d.C. debido a un terremoto que ocurrió a principios del período Goryeo o Koryo (período comprendido entre los años 918 d.C. y 1.392 d.C.).

Seokgatap
Se edificó en el interior del templo Bulguksa, situado en la ciudad costera de Gyeongju, en el extremo sureste de la provincia de Gyeongsang del Norte (Corea del Sur).



Descripción


Tiene una altura de 10,6 metros. Esta fabricada en piedra mediante las técnicas de ensamblado y tallado.

Se trata de una pagoda de piedra con forma cuadrada, que descansa sobre una plataforma de dos pisos y se eleva en tres niveles o tres pisos.

Seokgatap
Presenta un diseño simple y la proporción de las alturas de sus tres pisos es 4:3:2, esto hace que la pagoda sea visualmente muy equilibrada.

Se puede apreciar como cada uno de los tres niveles tienen un borde ligeramente elevado.

Además la sencillez de las líneas se ve reforzada por la ausencia de grabados y esculturas en sus fachadas.

Seokgatap
El único adorno se encuentra en su base, dónde hay un total de ocho losas redondas de piedra decoradas con flores de loto que marcan los ocho puntos cardinales principales.

La pagoda ha sido construida mediante un ensamblaje de grandes piedras talladas, principalmente se encuentra construida en granito de Namsan (obtenido en la montaña cercana), parte de los cimientos y el remate situado en la parte superior están construidos en granito local.

En la parte superior, el remate, destaca por haber sido construido cien años después en el año 1.973 d.C. con lo que se trata de un agregado posterior, puesto que el remate original desapareció antes del siglo XVI d.C. (período comprendido entre los años 1.501 d.C. y 1.600 d.C.).

Cabe resaltar que la Seokgatap fue el 12 de diciembre del año 1.962 d.C. englobada dentro de la lista de Tesoros Nacional de Corea del Sur con el número 21.

Seokgatap
Aparte en septiembre del año 1.966 d.C. los monjes budistas que viven en el templo Bulguksa despertaron debido al sonido de una explosión realizada por unos ladrones que habían intentado volar la pagoda para poder robar los tesoros de su interior.

Durante los trabajos de restauración realizados en diciembre de año 1.966 d.C. se encontró un compartimento cuadro situado donde se había sentado la sarira de Buda en el lado frontal del núcleo del cuerpo de la pagoda, en el segundo nivel. 

Aquí fue dónde se hallaron diversas reliquias entre las que destaca el Gran Dharani Sutra (considerado el texto impreso más antiguo del mundo).

Para finalizar como curiosidad señalar que los investigadores piensan que la pagoda fue edificada por el constructor de Baekje llamado Asadal.

Según la leyenda, fue al sitio de construcción en Gyeongju dejando a su joven esposa en casa. La mujer amaba mucho a su esposo, lo siguió, pero la entrada al templo donde trabajaba Asadal se encontraba cerrada para ella, puesto que la obra de construcción aún no había sido acabada.

Seokgatap
Siguiendo el consejo de un anciano monje, la mujer comenzó a rezar con fervor tratando de ver la imagen de su esposo en la suave superficie del estanque de lotos. 

Pasó muchos días y noches allí, hasta que una mañana miró hacia el estanque y vio una pagoda. 

Entonces comenzó a llamar a su marido precipitándose al estanque dónde se ahogó. 

Sin embargo cabe destacar que la pagoda que divisó la mujer era otra pagoda situada al lado, conocida como Dabotap

Habiendo acabado la pagoda Seokgatap, Asadal se enteró de lo que había sucedido e incapaz de soportar el dolor, se precipitó al mismo estanque de lotos dónde murió.

Dado que la esposa de Asadal nunca tuvo la oportunidad de ver la creación de esposo, Seokgatap es a veces conocida como la "Pagoda sin Sombras".

También resaltar que la Pagoda Seokgatap (pagoda occidental) representa al Buda del presente, mientras que la Pagoda Dabotap (pagoda oriental) representa al Buda del pasado y juntas ilustran un pasaje del sutra conocido como "Lotus 5".

martes, 20 de octubre de 2020

Banda Lombarda

Una Banda Lombarda, también llamada Faja Lombarda o Lesena, es un ornamento arquitectónico formado por una pilastra de refuerzo con poco resalte en el muro, es decir, es una arcada ciega ornamental.

Banda Lombarda
(Iglesia de San Juan de Busa)

Además debido a su ligereza y simplicidad son un elemento decorativo más que estructural.

Banda Lombarda
(Capilla de Domange en Igé)


Cabe resaltar que originalmente se elaboraban en fábricas de piedra.

Aunque también se podían fabricaban en fábricas de ladrillos.


Esta compuesta por una secuencia de pilastras de poca proyección repetidas a intervalos regulares y situadas en la parte exterior de las paredes de ábsides, campanarios o fachadas.

Banda Lombarda
(Iglesia Alt-St.Martin, en Kaarst, Alemania)

También se puede observar como en la parte superior se conectan por medio de uno o varios frisos de arcadas ciegas de medio punto.

Banda Lombarda
(Monasterio de Sant Andreu de Sureda)

Banda Lombarda 
(Iglesia de San Caprasio)

Para finalizar subrayar que se trata de una característica del estilo arquitectónico lombardo.

Se conoce que desde el norte de Italia, el uso de la Banda Lombarda se extendió a Europa occidental y a Europa Central.

Especialmente se puede apreciar en la arquitectura románica, destacando sobretodo las Bandas Lombardas utilizadas en la arquitectura románica de Cataluña (España).

Cabe destacar que éste elemento arquitectónico también se puede observar en la arquitectura gótica pero tan solo en algunas edificaciones.

Aparte después de desaparecer por completo, la Banda Lombarda se volvió a utilizar en la arquitectura neorrománica y neogótica del historicismo (tendencia intelectual o método de conocimiento que considera toda la realidad como el resultado de un devenir histórico) en el siglo XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 1.900 d.C.). 

lunes, 19 de octubre de 2020

León Andante

El León Andante es un relieve datado aproximadamente entre los años 604 a.C. y 562 a.C., perteneciente al arte mesopotámico.

León Andante

Fue hallado entre los años 1.899 d.C. y 1.917 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas por el arqueólogo y arquitecto alemán Robert Johann Koldewey.

El relieve fue encontrado fragmentado en la entrada ceremonial del palacio (también conocida como sala del trono de la Ciudadela Sur) del rey del imperio neobabilónico Nabucodonosor II.

Edificado en la ciudad de Babilonia, situada en la Baja Mesopotamia y capital del Imperio Neobabilónico. 

En la actualidad sus ruinas se encuentran en la provincia iraquí de Babil, situada a 110 km al sur de la ciudad de Bagdad, en Irák.

Después de su descubrimiento los fragmentos de ladrillos fueron trasladados al Museo Estatal de Berlín (Alemania), dónde el relieve fue sometido a una restauración y reconstrucción.

En el año 1.937 d.C. el relieve fue adquirido por el Museo Real de Ontario (ROM), localizado en la ciudad de Toronto (Canada), dónde fue expuesto en la galería Wirth de Medio Oriente.

León Andante


Descripción

Tiene una altura de 1,22 m, una anchura de 1,83 m y una profundidad 0,80 m. Está fabricado en ladrillos esmaltados.

Se trata de un relieve mural elaborado con ladrillos policromos esmaltados y que tiene representado la figura de un león andante, rugiendo con las fauces abiertas.

Cabe resaltar que algunos de los ladrillos presentan una inscripción en escritura acadia cuneiforme. Su traducción aproximada es la siguiente:

"Nabucodonosor II, rey de Babilonia, 

primer hijo nacido de Nabopolasar, el rey de Babilonia"

Para finalizar subrayar que dentro de la cultura mesopotámica, en concreto durante el período del Imperio Caldeo o Imperio Neobabilónico, el león era considerado un símbolo real debido a su fuerza y a su capacidad de lucha que se asociaba con la figura del rey otorgándole un gran prestigio.

Además el león es el animal asociado a la diosa Ishtar (diosa babilonica del amor, de la fertilidad, de la belleza, de la vida y de la guerra).

Actualmente se encuentra en el Museo Real de Ontario (ROM), en la ciudad de Toronto (Canada).

domingo, 18 de octubre de 2020

Busto Relicario de Santa Margarita de Antioquía

El Busto Relicario de Santa Margarita de Antioquia es una escultura datada aproximadamente entre los años 1.465 d.C. y 1.470 d.C., perteneciente al arte medieval, en concreto al arte gótico.

Busto Relicario de Santa Margarita de Antioquía

Fue elaborado por el escultor holandés Nicolaus Gerhaert von Leyden.

Se conoce que perteneció a la colección de arte privada del coleccionista y filantrópico americano Kate Sturges Buckingham.

Hasta que en el año 1.943 d.C. el Busto Relicario de Santa Margarita de Antioquía fue donado al Instituto de Arte de Chicago (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 50,8 cm, una anchura de 45,5 cm y una profundidad de 29,6 cm.

Esta fabricado en madera de nogal con restos de policromía, mediante las técnicas de pintado y tallado.

Se trata de una escultura de un busto relicario que representa el busto vaciado de Santa Margarita de Antioquia y a la altura del pecho tiene una pequeña cavidad.

Busto Relicario de Santa
Margarita de Antioquía

El rostro es alargado, la nariz recta y los labios pequeños y finos. Además los ojos se encuentran representados cerrados y las cejas son finas.

El cabello se encuentra peinado con un recogido y sujeto en la frente por una corona.

Se aprecia como la parte superior del cuerpo se encuentra ligeramente inclinada hacia delante.

Está ataviada con una fina túnica con pliegues en las mangas y un pequeño velo sujeto a la corona por la parte detrás, también se observa como una pequeña parte del velo le cae sobre el hombro derecho.

Para finalizar subrayar que la mano izquierda se encuentra apoyada sobre un libro colocado delante del busto, mientas que la mano derecha reposa sobre una pequeña escultura de un animal, también situada en la parte delantera del busto. Aparte ambos, tanto el libro como el animal, están apoyados sobre los pliegues de la túnica que funciona como base para toda la escultura.

Actualmente se encuentra en el Instituto de Arte de Chicago, Estados Unidos de América.

sábado, 17 de octubre de 2020

Máscara del Dios de la Lluvia

La Máscara del Dios de la Lluvia es una escultura datada aproximadamente entre los siglos XIII d.C. y XIV d.C. (período comprendido entre los años 1.201 d.C. y 1.400 d.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte mixteca.

Máscara del Dios de la Lluvia

El lugar y el año del hallazgo es desconocido, lo único que se conoce es que pudo haber sido hallada en México.

Cabe destacar que es conocido que perteneció a la colección de arte Michael C. Rockefeller.

Hasta que en el año 1.979 d.C. fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de arte mixteca.

 

Descripción

Tiene una altura de 14 cm, una anchura de 15,2 cm y una profundidad de 7,6 cm. 

Esta fabricada en piedra serpentina de color verde claro, mediante la técnica de tallado.

Se trata de una escultura de piedra que representa la máscara del dios de la lluvia conocido como Tláloc (deidad mesoamericana del agua celeste).

Máscara del Dios de la Lluvia

En el rostro destacan los ojos anillados, los dientes prominentes y una boca con un bigote en el labio superior que se riza a cada lado.

Además se aprecia como tiene una barra nasal situada en el tabique nasal y orejeras redondas en las orejas.

En la parte superior, encima de la frente, hay representada una banda decorada con ornamentación geométrica.

Para finalizar subrayar que los investigadores no tienen claro como funcionaban este tipo de esculturas de máscaras.

Puesto que en la actualidad tan solo se han descubierto unas spocas esculturas de éste tipo en contextos arqueológicos y los uso dados en la vida cotidiana por los mixtecas son difíciles de distinguir.

Aunque cabe resaltar que algunos investigadores piensan que la Máscara del Dios de la Lluvia podría haber sido utilizada en procesiones o ceremonias rituales.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Losa de Nectanebo I

La Losa de Nectanebo I es una losa datada aproximadamente entre los años 378 a.C. y 370 a.C., perteneciente al arte egipcio . Losa de Necta...