Hakuryo

Hakuryo es una pintura datada en el año 1.981 d.C., perteneciente al arte contemporáneo, en concreto al arte abstracto.

Hakuryo

Fue pintado por la artista visual estadounidense Frances Barth.

En el año 1.981 d.C. fue vendida a través de la galería de arte "Susan Caldwell" de Nueva York (Estados Unidos de América).

Siendo comprado por el Dr. y la Sra. Robert E. Carroll.

Hasta que en el año 1.983 d.C. la obra Hakuryo fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), pasando a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de arte moderno y contemporáneo.

Descripción

Tiene una altura de 182,9 cm y una anchura de 355,6 cm.

Se trata de una obra acromática donde domina el equilibro de las formas en un gran lienzo, es más la obra invita al espectador a realizar una lectura tanto horizontal (un viaje a través del plano) como táctil (debido a los relieves acumulados en la tela).

Pero sobretodo destaca como en la pintura conviven en armonía vistas que simulan mapas aéreos con áreas de absoluta planicidad geométrica.

Aparte se puede apreciar como la obra se encuentra firmada, fechada e inscrita en el dorso: "F. Barth 1981 Hakuryo".

Con respecto a la composición destacar que el título Hakuryo en japonés (白竜) se traduce generalmente como "Dragón Blanco", introduciendo una dimensión metafórica y poética de la obra, dónde las formas abstractas evocan fuerzas de la naturaleza, mitologías o accidentes geográficos sin llegar a ser una representación literal o figurativa.

Además destacar que la pintura no sólo utiliza pintura al óleo, sino que también tiene una combinación de técnicas y texturas sobre lienzo.

La autora utiliza la pintura acrílica y pastel para aportar contrastes entre la solidez del color y la suavidad del trazo.

Se puede apreciar cómo se utiliza pasta de modelar, tela recubierta de yeso y papel maché para crear elementos volumétricos que rompen con la bidimensionalidad del cuadro, dotando a la superficie de una cualidad casi escultórica y topográfica.

Para finalizar subrayar que la obra Hakuryo representa un puente perfecto entre la tradición pictórica occidental del siglo XX d.C. y el lirismo conceptual de Oriente.

Sobretodo destaca por integrar el relieve, mito y geometría, el artista transforma el lienzo en un territorio topográfico cargado de memoria cultural.

Es más la obra plasma la denominada "abstracción radical y excéntrica" de la artista visual estadounidense Frances Barth.

Siendo un espléndido testimonio de cómo la abstracción estadounidense de los años 80 asimiló la textura, la escala del expresionismo abstracto y la precisión geométrica para crear obras cargadas de ambigüedad poética.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Flight of the Dolphin

Flight of the Dolphin es una obra datada en el año 2.010 d.C., perteneciente al arte abstracto, en concreto a la abstracción geométrica.

Flight of the Dolphin

Fue creada por la artista iraní Monir Shahroudy Farmanfarmaian.

Lo primero que se conoce es qué perteneció a la colección del artista.

Hasta que en el año 2.010 d.C. fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Donde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de arte moderno y contemporáneo.

Descripción

Tiene una altura de 140,3 cm, una anchura de 140,3 cm y un grosor de 6 cm. 

Está elaborado en mosaico de espejos, pintura sobre vidrio, adhesivo y yeso sobre madera.

Se trata de una obra de un caleidoscopio reflectante compuesto por cientos fragmentos de espejo, creando el efecto de ondas en movimiento sobre una superficie bidimensional.

Por lo tanto los cientos de fragmentos geométricos reflectantes simulan el movimiento fluido y las ondas cambiantes del agua o la luz sobre una superficie plana.

También se puede apreciar cómo en el reservo la obra se encuentra firmada y fechada en idioma farsi (también conocido como idioma persa): "MONIR - SHAHROUDY - FARMANFARMAIAN / TEHRAN - IRAN - 2010 / ".

Con respecto a la composición destacar que la obra refleja un orden matemático y místico, en donde la repetición de formas elementales sugieren la representación de un universo infinito. 

Sobretodo llama la atención como la autora combina la geometría y el arte tradicional islámico de Irán con conceptos modernos del minimalismo occidental.

Combinando la técnica persa de los mosaicos de espejos (ayeneh-kari) del siglo XVII d.C. con las formas de la abstracción geométrica occidental y el minimalismo.

Asimismo cabe destacar que Monir Shahroudy Farmanfarmaian fue una de las artistas pioneras de Irán. 

Además a lo largo de una carrera que abarcó más de cinco décadas, trabajó tanto en Irán como en Estados Unidos de América, combinando la pintura tradicional sobre vidrio (técnica de pintura al reverso), los mosaicos de espejos y los principios de la geometría islámica con conceptos modernos del minimalismo.

Para finalizar subrayar que los derechos y reproducciones de la obra Flight of the Dolphin son de © Legado de Monir Shahroudy Farmanfarmaian.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Maquette: Square Form with Cut

Maquette: Square Form with Cut, también conocida como Maqueta: Forma Cuadrada con Corte, es una escultura datada en el año 1.969 d.C., perteneciente al arte contemporáneo, en concreto al arte abstracto.

Maquette: Square Form with Cut

Maquette: Square Form with Cut

Fue esculpida por el escultor británico Henry Moore (también conocido como Henry Spencer Moore).

Lo primero que se conoce es qué perteneció a la colección del artista.

En el año 1.976 d.C. fue comprada por el ejecutivo de relaciones públicas, fotógrafo e historiador estadounidense David Finn, pasando a formar parte de la colección de arte de Laura y David Finn, ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.982 d.C. Maquette: Square Form with Cut fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), donde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de arte moderno y contemporáneo.

Maquette: Square Form with Cut

Maquette: Square Form with Cut

Descripción

Con la base presenta una altura de 18,2 cm, una anchura de 20,7 cm, un grosor de 13,3 cm y un peso de 5,5 kg. 

Está elaborada en bronce fundido.

Se trata de una pequeña escultura concebida como un modelo a pequeña escala (maqueta) que más tarde se usaría como ejemplo para versiones monumentales elaboradas en diversos materiales como: mármol, hormigón y fibra de vidrio.

Aparte la obra destaca por ser una exploración tardía y madera de las geometrías arquitectónicas se entrelazan con las formas orgánicas.

La escultura se organiza en torno a una gran perforación central y el vacío actúa como un elemento estructural activo que invita al espectador a mirar a través de la pieza, transformando el espacio circundante en parte de la obra.

Se puede apreciar cómo las esquinas y superficies están suavizadas con curvas biomórficas (líneas fluidas, asimétricas y redondeadas que imitan o evocan las formas de la naturaleza y de los organismos vivos).

Llama la atención como las curvas de la escultura transmiten movimiento, dinamismo y una conexión emocional profunda con el entorno, permitiendo que la luz juegue de forma dinámica sobre las superficies pulidas y oscuras del bronce.

Con respecto a la composición resaltar que la obra se encuentra diseñada para caber en la palma de la mano, puesto que fue concebida para ser manipulada y observada desde cualquier ángulo.

Sin embargo a pesar de su reducido tamaño presenta la fuerza visual y tectónica de una formación geológica o de un gran edificio.

Por lo tanto se puede considerar que Maquette: Square Form with Cut es un testimonio del método de trabajo del escultor Henry Moore, donde la monumentalidad no dependía del tamaño físico de la obra, sino de la audacia de su composición espacial y su maestría al modelar el vacío.

Además resaltar que ésta pieza sirvió como el plano tridimensional directo para el colosal proyecto urbano "Large Square Form with Cut (que tiene más de 5 metros de altura)".

Para finalizar subrayar que tanto los derechos como la reproducción de Maquette: Square Form with Cut son de © 2026 Artists Rights Society (ARS), New York.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Iberic

Iberic es una obra datada en el año 1.949 d.C., perteneciente al arte contemporáneo y dentro de éste pertenece al arte abstracto, en concreto está englobada dentro de la corriente de la abstracción geométrica y el minimalismo.

Iberic

Iberic

Fue creada por la artista visual, pintora y escultura cubana Carmen Herrera.

Lo primero que se conoce es que la obra formó parte de la colección de artista.

El 13 de junio del año 2.004 d.C. pasó a ser propiedad del artista visual y pintor puertorriqueño Tony Bechara.

Hasta que en el año 2.019 d.C. la obra Iberic fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), donde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de arte moderno y contemporáneo.

Descripción

Tiene un diámetro de 101, 6 cm, Está elaborado en acrílico sobre lienzo montado en cartón.

Se trata de una obra con formato de "tondo" (obra de forma circular), que presenta una composición lírica y dinámica construida a partir de formas geométricas irregulares y orgánicas entrelazadas, pintadas en tres colores distintos: rojo cálido, naranja y negro.

Sobretodo llama la atención como la utilización del color plano genera una vibración visual que dota a la superficie de una gran fuerza espacial y rítmica.

Aparte resalta como la composición se genera a partir de la intersección rítmica de líneas curvas y rectas, creando una tensión espacial que oscila constantemente entre el rigor geométrico y la fluidez orgánica.

La composición destaca por la simplicidad formal, la utilización de líneas precisas, planos cromáticos contrastantes y un profundo equilibrio espacial.

El fuerte contraste entre las secciones oscuras y vibrantes aportan una fran fuerza visual y una sensación de movimiento tridimensional interno.

Cabe resaltar que la obra Iberic tiene gran importancia histórica debido al hecho de que la artista visual, pintora y escultura cubana Carmen Herrera fue la primera artista en utilizar pintura acrílica en Europa.

Los análisis científicos realizados en el año 2.021 d.C. por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York revelaron que Iberic es la pieza de arte más antigua dentro de su colección de arte permanente que incorpora la pintura acrílica solvente como técnica pictórica sobre lienzo y cartón.

Asimismo destacar que la pieza refleja la influencia de las vanguardias europeas y de su compatriota, el pintor vanguardista cubano Wifredo Óscar de la Concepción Lam y Castilla (también conocido como Wifredo Lam), marcando la transición de la autora hacia la abstracción pura.

La obra se encuentra firmada e inscrita (al dorso): "IBERIC" / CARMEN HERRERA / 232 E. 15 St. / N.Y.C..

Para finalizar subrayar que los derechos y reproducción de la obra Iberic son de © Carmen Herrera; Courtesy Lisson Gallery.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Abstract Composition

Abstract Composition es una pintura datada entre los años 1.970 d.C. y 1.971 d.C., perteneciente al arte contemporáneo, en concreto al arte abstracto.

Abstract Composition

Fue pintada por el artista visual y pintor puertorriqueño Tony Bechara.

Se conoce que perteneció a la colección de arte del artista, siendo en el año 2.023 d.C. cuando la pintura fue comprada por la coleccionista de arte Clarice Oliveira Tavares.

En ese mismo año, 2.023 d.C., Abstract Composition fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), donde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del arte moderno y contemporáneo.

Descripción

Tiene una altura de 208,6 cm, una anchura de 166,4 cm y un grosor de 2,9 cm. 

Está pintado en acrílico sobre lienzo. 

Se trata de un pintura compuesta por una composición geométrica altamente sistematizada basada en una secuencia de cuadrados, por lo que no representa ningún objeto de la realidad tangible.

La pintura fue pintada utilizando una metodología rigurosa que consistió en trazar una cuadrícula sobre el lienzo con cinta de enmascarar y pintar minuciosamente cada cuadrado, uno tras otro, siguiendo una escala cromática preestablecida.

Posteriormente el artista cambió la cinta para pintar otro conjunto de cuadrados a medida que la composición iba adquiriendo su forma final, imprevista.

Cabe resaltar que ésta secuencia matemática repetitiva genera un patrón general cuyo efecto visual resulta impredecible.

Puesto que la asignación de los colores ha sido realizada mediante un proceso aleatorio que da como resultado final un patrón visual impredecible que desafía la percepción neurológica del espectador.

Asimismo destacar que de éste modo, el rigor y el azar se hallan intrínsecamente vinculados en el proceso creativo del artista visual y pintor puertorriqueño Tony Bechara.

También destacar que la obra se encuentra en el dorso firmada y fechada: "Bechara / 1970-71".

Con respecto a la composición resaltar que la naturaleza atmosférica y cambiante de la percepción, así como su relación con el color, constituyen el núcleo de la práctica artística de Tony Bechara.

Influido tanto por el puntillismo neoimpresionista francés (en el que se aplican pequeños puntos de color diferenciados siguiendo patrones para formar una imagen) como por las técnicas de los mosaicos bizantinos.

Para finalizar subrayar que los derechos y reproducción de la pintura Abstract Composition son de © Tony Bechara; Courtesy Lisson Gallery.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

La Llama Sagrada

La Llama Sagrada, también conocida como The Sacred Flame, es una escultura datada en el año 1.940 d.C., perteneciente al arte contemporáneo, en concreto al arte abstracto.

La Llama Sagrada

La Llama Sagrada

Fue esculpida por el escultor francés Jean Gabriel Chauvin.

El 15 de junio del año 1.970 d.C. la escultura fue vendida, dentro del lote nº 42 y como "L'Amazone", al Museo Galliera (actualmente "Palais Galliera"), Francia.

En el año 1.987 d.C. la escultura La Llama Sagrada fue comprada por la galería de arte "Galerie Vallois", situada en la ciudad de París (Francia).

En octubre del año 1.989 d.C. fue vendida a la galería de arte "Barry Friedman Ltd.", ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.991 d.C. la escultura La Llama Sagrada fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de arte moderno y contemporáneo.

La Llama Sagrada

También cabe destacar que la adquisición fue realizada gracias a donaciones anónimas.

La Llama Sagrada

Descripción

Tiene una altura de 59,1 cm, una anchura de 30,5 cm, un grosor de 17,1 cm y un peso de 6,5 kg.

Se trata de una escultura de madera que representa una silueta femenina esbelta y sinuosa que se eleva de manera vertical.

Llama la atención como la figura emula el movimiento orgánico, ascendente y dinámico de una llama o lengua de fuego.

Además se puede apreciar cómo en la base la escultura se encuentra firmada con la inscripción: "CHAUVIN".

En cuanto a la composición resaltar que la escultura ha sido tallada directamente en un bloque de madera y es una transición fluida entre la figuración estilizada y la abstracción pura.

Asimismo destacar que evoca una fuerte conexión con el arte primitivo, el cubismo y las líneas geométricas simplificadas.

Es más enfatizar que el autor elimina los detalles realistas para capturar únicamente la esencia espiritual y mística del cuerpo humano, conservando una sutil alusión a las formas de la figura humana.

Para finalizar subrayar que los derechos y reproducción de la escultura La Llama Sagrada son de © 2026 Artists Rights Society (ARS), New York.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Composición Suprematista

La Composición Suprematista, también conocida como Rectángulo Azul sobre Viga Roja, es una pintura datada en el año 1.916 d.C., perteneciente al arte contemporáneo, e concreto al arte abstracto.

Composición Suprematista

Fue pintada por el pintor ucraniano Kazimir Severínovich Malévich (también conocido como Kazimir Malévich).

Entre los años 1.919 d.C. y 1.920 d.C. la pintura fue exhibida en la ciudad de Moscú (Rusia).

En el año 1.927 d.C. el autor la expuso en la ciudad de Varsovia (Polonia) y posteriormente en junio del año 1.927 d.C. fue expuesta en la ciudad de Berlín (Alemania).

Más tarde la pintura fue comprada por el arquitecto alemán Hugo Häring.

En el año 1.958 d.C. los herederos de Hugo Häring vendieron la pintura al Museo Stefelik de la ciudad de Ámsterdam (Países Bajos), por un precio de 120.000 florines y donde formó parte de su colección de arte por un período de 50 años.

Posteriormente pasó a formar parte de la colección de arte del Museo de Arte Moderno de Nueva York (Estados Unidos de América).

Además resaltar que a lo largo del siglo XX d.C. (período comprendido entre los años 1.901 d.C. y 2.000 d.C.), la pintura se exhibió repetidamente en diversas exposiciones, principalmente europeas.

Entre los años 2.002 d.C. y 2.004 d.C. los herederos del artista impugnaron el derecho del arquitecto alemán Hugo Häring (y, por consiguiente del museo) de disponer de ella, comenzando así una batalla legal de cuatro años.

En junio del año 2.004 d.C. la pintura fue vendida a través de la casa de subastas Bonhams de Londres (Gran Bretaña), siendo comprada por un coleccionista privado por un precio de 734.188 libras esterlinas (1.343.170 dólares).

En el año 2.008 d.C. los herederos del autor llegaron a un acuerdo en virtud del cual lograron obtener la Composición Suprematista.

Siendo el 3 de noviembre del año 2008 d.C. subastada por la casa de subastas Sotheby's de Nueva York (Estados Unidos de América).

Fue comprada por un precio de 60.002.500 dólares por la familia Nahmad (una de las dinastías de marchantes de arte más influyentes y ricas del mundo).

En el año 2.018 d.C. la pintura fue subastada por la casa de subastas Christie's alcanzando un precio de 85,8 millones de dólares, incluyendo las comisiones al marchante de arte británico Brett Paul Gorvy (también conocido como Brett Gorvy).

Cabe destacar que el precio pagado en el año 2.018 d.C. por la Composición Suprematista fue el más alto pagado por una obra de arte del pintor ucraniano Kazimir Malévich.

Descripción

Tiene una altura de 88,5 cm y una anchura de 71 cm. Está pintado al óleo sobre tela.

Se trata de una pintura que representa una brillante constelación de geometría y color en el espacio, que encarna lo que el artista considera la cúspide de la expresión artística.

Resaltando las formas geométricas simples yuxtapuestas en formas y colores, que han sido aplicados sistemáticamente al lienzo.

Sobretodo llama la atención un cuadrado azul sesgado y elementos rectangulares que se mueven en una dirección: hacia la esquina superior izquierda del lienzo y dónde tan solo una gruesa banda horizontal de color púrpura oscuro se interpone en su camino.

También resalta como éstas formas geométricas de colores brillantes parecen partículas en movimiento, impulsadas por un campo de blanco brillante como fotones. 

Para finalizar con respecto a la composición resaltar que los bloques geométricos de color flotantes sobre el fondo claro crean un ritmo visual dinámico y lleno de tensión cinética.

También destaca la utilización de una paleta cromática reducida compuesta por colores puros: blancos, rojos, negros y tonos primarios.

Actualmente se encuentra en posesión de un coleccionista privado.

The Rhine at Duisburg

The Rhine at Duisburg, también conocido como El Rin en Duisburgo, es una pintura datada en el año 1.937 d.C., perteneciente al arte contemporáneo, en concreto al arte abstracto.

The Rhine at Duisburg

Fue pintado por el pintor alemán nacido en Suiza Paul Klee.

La pintura permaneció en posesión del autor hasta su muerte ocurrida el 29 de junio del año 1.940 d.C., cuando pasó a ser propiedad de su viuda Lily Klee.

En el año 1.946 d.C. la pintura pasó a formar parte de la colección de la Sociedad Paul Klee, posteriormente denominada Fundación Paul Klee, ubicada en la ciudad de Berna (Suiza).

En el año 1.950 d.C. fue expuesta en la galería de arte especializada en arte contemporáneo "Buchholz Gallery", situada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.951 d.C. The Rhine at Duisburg fue comprada por el comerciante y editor de arte alemán-estadounidense Israel Ber Neumann (también conocido como J.B. Neumann).

El 30 de abril del año 1.969 d.C. fue subastado por la casa de subastas Sotheby's de Londres, vendida a Hildy y Ernst Beyeler y pasando a formar parte de la colección de arte de la "Galerie Beyeler", situada en la ciudad de Basilea (Suiza).

En el año 1.970 d.C. The Rhine at Duisburg fue comprado por el Dr. Modorati, pasando a formar parte de su colección de arte ubicada en la ciudad de Monza, localizada en la región de Lombardía (Italia).

El 5 de diciembre del año 1.979 d.C. la pintura fue subastada por la casa de subastas Sotheby's de Londres (Gran Bretaña), siendo comprado por el marchante de arte y coleccionista alemán Heinz Berggruen.

Hasta que en el año 1.984 d.C. la pintura The Rhine at Duisburg fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 19,1 cm y una anchura de 27,9 cm. Está elaborado en yeso, óleo y carboncillo sobre cartón.

Se trata de una pintura en la que el autor transforma con ingenio la ciudad industrial de Duisburgo, ubicada en el estado de Renania del Norte-Westfalia (Alemania), en un pictograma animado.

Un paisaje marino, con barcos, costa y olas ondulantes, se reduce a contornos que contrastan con tonos apagados de malva, verde, melocotón, rosa y beige.

Sobretodo llama la atención como el autor utiliza formas geométricas abiertas para las casas y los barcos en la mitad superior del cuadro, dónde un plano de color se funde con otro, mientras tanto el río Rin aparece representado como líneas onduladas.

Es más resaltar que algunos investigadores piensan que la pintura The Rhine at Duisburg podría evocar los felices años que vivió el pintor Paul Klee en la cercana ciudad de Düsseldorf (Alemania), de 1.931 d.C. a 1.933 d.C.

Además se puede apreciar como arriba a la izquierda se encuentra la firma del autor "Klee", mientras que el reverso se encuentra firmado, fechado e inscrito: "1937 R 5/ der Rhein bei Duisburg/ Klee".

Para finalizar subrayar que los derechos y reproducción de The Rhine at Duisburg son de © 2026 Artists Rights Society (ARS), New York Curatorial Department: Modern and Contemporary Art.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Abstract Trio

Abstract Trio, también conocido como Trío Abstracto, es una pintura datada en el año 1.923 d.C., perteneciente al arte contemporáneo, en concreto al arte abstracto.

Abstract Trio

Fue pintado por el pintor alemán, nacido en Suiza, Paul Klee. 

En el año 1.928 d.C. formaba parte de la colección de arte de la galería "Galerie Neue Kunst Fides", situada en la ciudad de Dresde (Alemania).

En el año 1.930 d.C. fue adquirido por la galería de arte "Galerie Alfred Flechtheim", localizada en la ciudad de Düsseldorf (Alemania).

En ese mismo año, 1.930 d.C., la pintura fue comprada por el marchante de arte, comerciante y editor de arte alemán Israel Ber Neumann (también conocido como J.B. Neumann).

También en el año 1.930 d.C. Abstract Trio fue comprado por Mr. y Mrs. Alfred H. Barr, Jr., pasando a formar parte de su colección de arte localizada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.980 d.C. fue adquirido por el coleccionista y marchante de arte Eugene Victor Thaw, pasando a formar parte de la galería de arte "E. V. Thaw & Co." ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En febrero del año 1.981 d.C. fue comprado por el comerciante de arte y coleccionista alemán Heinz Berggruen.

Hasta que en el año 1.984 d.C. Abstract Trio fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 47,9 cm y una anchura de 64,5 cm. Está pintado en acuarela y pintura negra mate transferida con acuarela opaca y tinta negra sobre papel montado sobre tabla.

Se trata de una pintura en acuarela que representa una imagen que el artista copió de un dibujo a lápiz más pequeño al que denominó "Teatro de Máscaras".

Por lo tanto, en el dibujo se buscan máscaras, aunque abstractas. Pero en la acuarela éstas mismas tres formas vivaces podrían representar también los patrones sonoros abstractos de tres voces o tres instrumentos.

Siendo un violinista consumado, la música jugó un papel fundamental en la vida de Paul Klee. Se conoce que sus compositores favoritos fueron el compositor y músico alemán Johann Sebastian Bach, el compositor y pianista austríaco Wolfgang Amadeus Mozart y el compositor alemán Ludeing van Beethoven.

Es más su pasión por la música se refleja en los títulos de algunas de su obras, además según su hijo de las 9.146 obras de arte que el pintor alemán Paul Klee registró en su catálogo de obras, más de 500 obras se refieren al teatro, las máscaras o la música.

También se puede apreciar como situado arriba a la derecha y en tinta negra se encuentra la firma del autor: "Klee".

En el centro de la tabla y en tinta negra la pintura se encuentra fechada e inscrita con la siguiente inscripción: "1923.88. Abstractes Terzett", mientras que en el tablero, abajo a la izquierda y en grafito se puede leer: "VII".

Con respecto a la composición resaltar que la pintura es el ejemplo perfecto de la transacción y exploración del autor hacia la abstracción, utilizando el color y la forma de manera independiente para crear algo más profundo y evocador.

Para finalizar subrayar que los derechos y reproducción de la obra Abstract Trio son del © 2026 Artists Rights Society (ARS), New York. Curatorial Department: Modern and Contemporary Art.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Estructura con Mil Piezas

La Estructura con Mil Piezas es una obra de arte datada aproximadamente entre los años 1.966 d.C. y 1.968 d.C., perteneciente al arte contemporáneo, en concreto al arte abstracto.

Estructura con Mil Piezas

Estructura con Mil Piezas

La obra fue elaborada por la pintora y escultura libanesa Saloua Raouda Choucair.

Perteneció a la colección de arte de la artista, ubicada en la ciudad de Beirut (Libano).

Hasta que en el año 2.017 d.C., año de su fallecimiento, su patrimonio fue vendido a través de la "CRG Gallery" de la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América) al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de arte moderno y contemporáneo.

Descripción

Tiene una altura de 147 cm, una anchura de 36 cm y una profundidad de 36 cm. Está elaborado en madera y metal.

Se trata de una obra de arte situada en la intersección de la escultura, la instalación, el diseño y la arquitectura, puesto que la pieza fusiona los principios de interdisciplinariedad y funcionalismo de la escuela Bauhaus con las preocupaciones arquitectónicas modernistas y la tradicional resistencia del arte islámico al objeto artístico autónomo.

También cabe destacar que la autora es recordada como una de las primeras artistas englobadas dentro del estilo de arte abstracto del mundo árabe.

Además los intereses de la pintora y escultura libanesa Saloua Raouda Choucair abarcaron desde el arte islámico hasta el arte y la arquitectura modernista, pasando por la ciencia, las matemáticas y la política panarabista.

Siendo la obra Estructura con Mil Piezas representativa de su interés por la escultura y la pintura modulares, así como de su visión de lo que el arte islámico o árabe moderno (la artista empleó ambos términos) debe lograr.

Para finalizar subrayar los derechos y reproducción de la Estructura con Mil Piezas es de © Saloua Raouda Choucair Foundation (también conocida como SRC Foundation).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Armour

Armour, también conocida como Armadura, es una pintura datada aproximadamente en el año 1.926 d.C., perteneciente al arte contemporáneo, en concreto al arte abstracto.

Armour

Armour

Fue pintada por la pintora noruega Ragnhild Keyser.

Desde el año 1.977 d.C. la pintura Armour pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Nacional de Arte, Arquitectura y Diseño de la ciudad de Oslo (Noruega).

Descripción

Tiene una altura de 110 cm, una anchura de 50,2 cm y un grosor de 2,4 cm. Está pintada al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa la figura de un hombre que lleva un escudo blanco con un punto, que se asemeja a una diana.

Destaca como la composición está dominada por una escala de grises apagada y un juego de formas claramente definidas.

Además se puede observar como las formas puras y planas se superponen para crear un espacio superficial y condensado en capas.

Situado en el centro el rojo intenso contra el blanco crea un contraste lúdico y dinámico con el sobrio juego de valores.

Sobretodo con respecto a la composición resaltar que la imagen parece inextricablemente ligada a la era de las máquinas, la industria y la tecnología.

Para finalizar subrayar que la pintura Armour fue expuesta en la exposición del año 1.927 d.C. denominada "Escándalo", donde se presentó el cubismo escandinavo y en donde la pintora noruega Ragnhild Keyser moderó su expresión hacia lo figurativo.

Es más resaltar que las obras de arte simplificadas creadas en la década de 1.920 d.C. son las que han convertido gradualmente a la autora en una parte natural de la narrativa del arte noruego del siglo XX d.C. (período comprendido entre los años 1.901 d.C. y 2.000 d.C.).

Actualmente se encuentra en el Museo Nacional de Arte, Arquitectura y Diseño de Oslo, Noruega.

Vertical and Diagonal Planes

Vertical and Diagonal Planes, también conocido como Planos Verticales y Diagonales, es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.913 d.C. y 1.914 d.C., perteneciente al arte contemporáneo, en concreto al arte abstracto.

Vertical and Diagonal Planes

Fue pintado por el pintor y artista gráfico František Kupka.

La pintura permaneció en la colección de arte del autor hasta su fallecimiento ocurrido en el año 1.957 d.C..

Después en el año 1.960 d.C. fue adquirida por la galería de arte privada "Galerie Karl Flinker", ubicada en la ciudad de París (Francia).

En el año 1.966 d.C. la pintura fue vendida al productor de cine, abogado, coleccionista de arte y filántropo estadounidense Joseph H. Hazen.

En el año 1.968 d.C. pasó a formar parte de la colección de arte de "Josep H. Hazen Foundation Inc.", localizada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.971 d.C. la pintura de Vertical and Diagonal Planes fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de arte moderno y contemporáneo.

Descripción

Tiene una altura de 61 cm y una anchura de 50,2 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura dónde aparecen representadas diversas formas geométricas rectilíneas en colores saturados que se entrelazan entre sí, para sugerir múltiples aplicaciones potenciales como: vidrieras, diseño textil o biombos.

También se puede apreciar como situada abajo a la derecha se encuentra la firma del autor:

"Kupka "

Con respecto a la composición destacar que la obra combina los intereses del autor por el arte popular checo, la luz, la visión y la filosofía.

Dando como resultado una pintura radical que se encuentra englobada entre las primeras obras puramente no figurativas producidas en Europa.

Para finalizar subrayar que los derechos y reproducción de la pintura Vertical and Diagonal Planes son de © 2025 Artists Rights Society (ARS), New York.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.