martes, 30 de junio de 2026

Kesa de Siete Franjas

La Kesa de Siete Franjas, también conocida como Shichijō Kesa de Siete Franjas o 七条袈裟 紅地幸菱模様唐織, es una túnica budista datada datada aproximadamente en el siglo XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.700 d.C.), perteneciente al arte japonés

Kesa de Siete Franjas

Lo primero que se conoce es perteneció al japonés Shōjiro Nomura, oriundo de la prefectura de Kyoto (京都府), en Japón (日本).

En el año 1.915 d.C. la túnica budista fue adquirida por el coleccionista y crítico educativo estadounidense Porter Edward Sargent.

Pasando a formar parte de su colección de arte ubicada en la ciudad de Boston, en el estado de Massachusetts (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.919 d.C. el Kesa de Siete Franjas fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), pasando a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de arte asiático.


Descripción

Tiene una altura de 111,76 cm y una anchura de 213,36 cm. Está elaborado en seda de tejido de sarga con decoración de trama suplementaria.

Se trata de un kesa (túnica budista) de siete franjas, con un fondo carmesí y un motivo de rombos auspiciosos, tejida al estilo Tang (hace referencia a las técnicas de indumentaria tradicionales de la dinastía Tang, que incluyen el uso de seda, motivos orgánicos entrelazados, damascos y bordados).

En concreto es un shichijō kesa (七条袈裟), es decir, un manto rectangular de retazos elaborado cosiendo tiras de tela en siete columnas verticales, que simbolizan los principios de humildad y pobreza de Buda.

En éste caso ha sido elaborado a partir de fragmentos de un "karaori", una prenda utilizada en el teatro clásico Noh como túnica exterior para representar papeles de mujeres, jóvenes o cortesanos nobles.

Algunos investigadores piensan que lo más probable es que el "karaori" original hubiera sido una ofrenda religiosa.

Para finalizar subrayar que se conoce que en la antigua India, a los monjes que habían renunciado al mundo no se les permitía poseer bienes privados que pudieran considerarse riqueza, por lo que la vestimenta no era una excepción.

Como recordatorio de la sencilla prenda remendada del Buda, cosían retazos de tela, desechados y sin valor alguno, para confeccionar un kesa que se llevaba en diagonal sobre el pecho y el hombro izquierdo.

En Japón, la entrega de ésta vestidura al discípulo simboliza la transmisión del "dharma" (la enseñanza) y era llevado colocado sobre el hombro izquierdo y debajo del brazo derecho (henta uken), sujetándose con un pequeño cordón.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

lunes, 29 de junio de 2026

Un Cangrejo de Espaldas

Un Cangrejo de Espaldas, también conocida como Een op zijn rug liggende krab, es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.887 d.C. y 1.889 d.C., perteneciente al postimpresionismo.

Un Cangrejo de Espaldas

Fue pintada por el pintor neerlandés Vincent Willem van Gogh (también conocido como Vincent van Gogh).

En el año 1.962 d.C. la pintura pasó a formar parte de la colección de arte "Fundación Vincent Van Gogh", siendo expuesta en el museo Stedelijk Museum, situado en la ciudad de Ámsterdam (Países Bajos).

Hasta que en el año 1.973 d.C. la pintura Un Cangrejo de Espaldas pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Van Gogh, localizado en la ciudad de Ámsterdam, en los Países Bajos.


Descripción

Tiene una altura de 38 cm y una anchura de 46,8 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura, una naturaleza muerta o bodegón, dónde aparece representado un cangrejo marrón común acostado boca arriba, es decir, acostado sobre su caparazón.

El crustáceo aparece representado sobre un fondo en tonos verdes y texturas marcadas conseguidas mediante pinceladas enérgicas, amplias, gruesas y dinámicas, que evoca las aguas del mar Mediterráneo.

El cangrejo ha sido pintado en tonos rojos y amarillos vibrantes, realzando el caparazón marrón rojizo y con las pinzas acabadas con las puntas negras, así como los detalles anatómicos del animal.

Con respecto a la composición destacar que la mayoría de los investigadores piensan que la revista sobre arte japonés "Le Japon Artistique" que incluía la obra ilustrada de "Un Cangrejo en la Orilla del Mar" del grabador japonés Katsushika Hokusai (también conocido como 北斎) podría haber inspirado el enfoque lineal y compositivo del autor en ésta pintura.

Sobretodo llaman la atención como las pinceladas cortas y discontinuas en el vientre y en el caparazón del cangrejo evocan las pinceladas usadas en la caligrafía japonesa.

Para finalizar subrayar que el pintor neerlandésVincent van Gogh pintó otra pintura complementaria en el mismo período conocida como Dos Cangrejos y en la actualidad en propiedad de un coleccionista privado.

Actualmente se encuentra en el Museo Van Gogh de Ámsterdam, Países Bajos.

domingo, 28 de junio de 2026

Calle 14

Calle 14 es una pintura datada en el año 1.937 d.C., perteneciente al expresionismo.

Calle 14

Fue pintada por el pintor ecuatoriano Camilo Alejandro Egas Silva (también conocido como Camilo Egas).

Se conoce que la pintura pasó en el año 1.956 d.C. a formar parte de la colección pública de Quito, siendo donada por el propio autor al Museo de la Casa de la Cultura Ecuatoriana.

También conocido como Casa de la Cultura Ecuatoriana Benjamín Carrión, localizado en la ciudad de Quito, en Ecuador.


Descripción

Tiene una altura de 101 cm y una anchura de 137 cm.

Se trata de una pintura que representa la atmósfera de desamparo, crisis económica y melancolía que afecto tras la el mayor colapso de la bolsa de valores ocurrida en octubre del año 1.929 d.C. (conocida como "Crack del 29") a la sociedad estadounidense y que causó la Gran Depresión (crisis económica mundial que duró una década).

La pintura retrata el andén subterráneo de la estación de la Calle 14 del Metro de la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En un primer plano llama la atención un hombre enjuto, desposeído y solitario que se resguarda del frío, el hombre calvo se encuentra junto a un cubo de basura metálico, con los brazos cruzados y delante de un poste con el número 14.

Mientras que al fondo hay representado otro hombre con abrigo y sombrero que lee un período a la tenue luz del metro.

También cabe destacar que la representación de éstos dos hombres refuerzan el concepto de la incomunicación, así como el espacio público donde aparecen representados acentúa la sensación de alienación y encierro.

En cuanto a la composición resaltar que la paleta cromática utilizada está compuesta por tonalidades ocres y grises oscurecidos con mezclas de tonalidades negras, dónde la deformación anatómica ligera sirve al autor para canalizar la sensación de angustia, la migración forzosa y la soledad urbana.

Para finalizar subrayar que la pintura Calle 14 refleja el ambiente desolado de los barrios pobres de la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América) durante la Gran Depresión.

Es conocido que el artista vivió y ejerció por más de tres décadas como profesor en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América), por lo que la pintura muestra su vivencia directa del entorno urbano marginal.

Además enfatizar que la pintura Calle 14 se encuentra considerada la obra culmen del pintor ecuatoriano Camilo Egas.

Actualmente se encuentra en el Museo de la Casa de la Cultura Ecuatoriana, Ecuador.

sábado, 27 de junio de 2026

Fragmento Superior de un Kudurru

El Fragmento Superior de un Kudurru es un fragmento datado aproximadamente entre los años 1.156 a.C. y 1.025 a.C., perteneciente al arte mesopotámico, en concreto al arte casita.

Fragmento Superior de un Kudurru
Fragmento Superior de un Kudurru

Lo primero que se conoce es que el fragmento se encontraba en propiedad del marchante de antigüedades Iraj Lak.

Formando parte de la galería y empresa de compraventa "Naxos Art Ltd.", con sede en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

Hasta que en el año 1.985 d.C. el Fragmento Superior de un Kudurru fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de arte antiguo de Asia Occidental.


Descripción

Tiene una altura de 16,5 cm, una anchura de 10 cm y un grosor de 18,4 cm. Está elaborado en piedra caliza, mediante las técnicas de incisión, tallado, grabado y pulido.

Se trata de un fragmento o pieza que se corresponde con la parte superior de un kudurru, ornamentado con con figuras y símbolos divinos.

Destaca como muestra parte del cuerpo de una serpiente enroscada en la parte superior y debajo de la serpiente se encuentra representado un mushhushshu (dragón compuesto asociado a la deidad principal de Babilonia, dios del cosmos y de la humanidad, Marduk y a su hijo el dios de la escritura, la sabiduría y la profecía Nabu).

El mushhushshu se sitúa frente a la fachada de un templo o un altar sobre el que se alza el símbolo de una azada, también asociado al dios creador del cosmos y de la humanidad Marduk.

También se puede observar cómo bajo éstos elementos hay una sección muy pequeña de la inscripción original.

Mientras que la otra cara de la piedra muestra símbolos astrales que representan al Sol (el dios del sol y la justicia Shamash) y a Venus (la diosa Ishtar (diosa del amor, la fertilidad y la guerra)), así como otra fachada de templo estilizada.

Ésta última presenta una corona con cuernos (símbolo utilizado para el dios del cielo y rey de los dioses Anu y el gran dios del viento, la atmósfera y las tormentas Enlil).

También es visible parte de la representación de una figura híbrida de cabra y pez, que se encuentra asociada al dios Ea (dios de la sabiduría, la magia, el agua dulce y la creación).

Para finalizar subrayar que se conoce que los kudurrus (también conocidos como "narus") son un grupo distintivo de monumentos de piedra, que surgieron durante el periodo de dominio casita en Babilonia y que se consideraron en su día como mojones o hitos colocados en los campos.

De hecho, es más probable que se originalmente se ubicaran en templos, dónde su contenido quedaba preservado y santificado.

Es más estos monumentos a menudo realizados en piedra caliza negra pulida, suelen presentar formas irregulares, semejantes a grandes cantos rodados.

Contienen inscripciones que describen concesiones de tierras, frecuentemente otorgadas por el rey a algún alto funcionario.

Además rodeando el texto a menudo aparecen representados símbolos divinos que actúan protegiendo y garantizando la donación.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

viernes, 26 de junio de 2026

La Llama Sagrada

La Llama Sagrada, también conocida como The Sacred Flame, es una escultura datada en el año 1.940 d.C., perteneciente al arte abstracto.

La Llama Sagrada
La Llama Sagrada

Fue esculpida por el escultor francés Jean Gabriel Chauvin.

El 15 de junio del año 1.970 d.C. la escultura fue vendida, dentro del lote nº 42 y como "L'Amazone", al Museo Galliera (actualmente "Palais Galliera"), Francia.

En el año 1.987 d.C. la escultura La Llama Sagrada fue comprada por la galería de arte "Galerie Vallois", situada en la ciudad de París (Francia).

En octubre del año 1.989 d.C. fue vendida a la galería de arte "Barry Friedman Ltd.", ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.991 d.C. la escultura La Llama Sagrada fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de arte moderno y contemporáneo.

La Llama Sagrada

También cabe destacar que la adquisición fue realizada gracias a donaciones anónimas.

La Llama Sagrada

Descripción

Tiene una altura de 59,1 cm, una anchura de 30,5 cm, un grosor de 17,1 cm y un peso de 6,5 kg.

Se trata de una escultura de madera que representa una silueta femenina esbelta y sinuosa que se eleva de manera vertical.

Llama la atención como la figura emula el movimiento orgánico, ascendente y dinámico de una llama o lengua de fuego.

Además se puede apreciar cómo en la base la escultura se encuentra firmada con la inscripción: "CHAUVIN".

En cuanto a la composición resaltar que la escultura ha sido tallada directamente en un bloque de madera y es una transición fluida entre la figuración estilizada y la abstracción pura.

Asimismo destacar que evoca una fuerte conexión con el arte primitivo, el cubismo y las líneas geométricas simplificadas.

Es más enfatizar que el autor elimina los detalles realistas para capturar únicamente la esencia espiritual y mística del cuerpo humano, conservando una sutil alusión a las formas de la figura humana.

Para finalizar subrayar que los derechos y reproducción de la escultura La Llama Sagrada son de © 2026 Artists Rights Society (ARS), New York.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

jueves, 25 de junio de 2026

Mono Araña con los Atributos del Dios del Viento

El Mono Araña con los Atributos del Dios del Viento es una escultura datada aproximadamente entre los años 1.325 d.C. y 1.521 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte mexica o arte azteca.

Mono Araña con los Atributos del Dios del Viento
Mono Araña con los
Atributos del Dios del Viento

En el año 1.937 d.C. fue adquirida por el marchante de arte y coleccionista húngaro Joseph Brummer.

Siendo expuesta en la galería de arte "Brummer Gallery", ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.948 d.C. la escultura fue comprada por el marchante de arte parsi - estadounidense Nasli Heeramaneck, pasando a formar parte de la colección de la galería de arte "Heeramaneck Gallery", localizada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.959 d.C. fue adquirida por el empresario Jay C. Left, pasando a formar parte de su colección situada en la ciudad de Uniontown, en el estado de Pensilvania (Estados Unidos de América).

Mono Araña con los
Atributos del Dios del Viento

En el año 1.974 d.C. fue comprada por British Rail Pension Fund (Fondo de Pensiones de Ferrocarriles Británicos).

En el año 1.987 d.C. la escultura fue subastada por la casa se subastas Sotheby's de Londres (Gran Bretaña), siendo comprada por la comerciante de arte Constance kamens.

En ese mismo año, 1.987 d.C., fue adquirida por los coleccionistas de arte Brian y Florence Mahony.

Formando parte de su colección de arte ubicada en la ciudad de Nueva York y el pueblo de Redding (en el estado de Connecticut) (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 2.017 d.C. el Mono Araña con los Atributos del Dios del Viento fue donado, con motivo del 150º aniversario del museo, al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Mono Araña con los Atributos del Dios del Viento
Mono Araña con los
Atributos del Dios del Viento


Descripción

Tiene una altura de 39,5 cm, una anchura de 24,1 cm y un grosor de 25,4 cm.

Se trata de una escultura de piedra que representa a un mono araña (Ateles Geofroyi) que lleva los atributos asociados con la deidad azteca del viento, Quetzalcoatl-Ehecatl.

El mono se encuentra sentado sobre sus cuartos traseros, con las piernas plegadas a los costados y los dedos alargados proyectándose hacia adelante.

Los brazos están alzados mientras el animal extiende las manos por encima de los hombros para sujetar su propia cola prensil (es decir, extremidad que permite al animal utilizar la cola como una "quinta extremidad").

Cabe destacar que los monos araña carecen de pelo alrededor de los ojos, rasgo que el artista azteca plasmó en la escultura.

La cabeza del mono está inclinada hacia atrás y su boca abierta deja ver unos dientes afilados. Además resaltar que en la naturaleza, ésta expresión es habitual en comportamientos agresivos y la boca abierta pudo hacerse asociado con la acción de Ehécatl de soplar el viento.

La figura luce brazaletes y tobilleras de cuentas, así como un collar elaborado con flecos de conchas marinas.

Se puede apreciar cómo bajo el collar cuelga la representación de un pectoral (probablemente una sección transversal de una caracola) conocido en náhuatl como "ehecacozcatl" ("joya del viento").

Unos grandes adornos auriculares, también asociados con el dios del viento, cuelgan sobre los hombros del mono.

Aparte el animal se asienta sobre una base cuadrangular de bordes lobulados, lo que posiblemente alude al cascabel de una serpiente.

En cuanto al estado de conservación resaltar que la punta del codo izquierdo se rompió en la antigüedad o durante el periodo colonial temprano.

Para finalizar subrayar que en toda Mesoamérica, el mono araña fue un tema artístico importante y apareció con frecuencia en escenas mitológicas.

Los artistas del período Posclásico (período comprendido aproximadamente entre los años 900 d.C. y 1.521 d.C.) representaron monos en piedra, cerámica y oro, caracterizándolos con vientres abultados, expresiones faciales vivaces y colas alargadas que a menudo sostenían con las manos.

También como curiosidad destacar que en idioma náhuatl, el mono recibe el nombre de "ozomatli" y constituye el undécimo signo de los días en el antiguo calendario azteca.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

miércoles, 24 de junio de 2026

Diadema de Senebtisi

La Diadema de Senebtisi es una diadema datada aproximadamente entre los años 1.859 a.C. y 1.770 a.C., perteneciente al arte egipcio.

Diadema de Senebtisi

En concreto se conoce que se encuentra datada a finales de la XII Dinastía del Antiguo Egipcio (período comprendido entre los años 1.991 a.C. y 1.802 a.C.).

Fue hallada en el año 1.906 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas por la Expedición Egipcia del Museo Metropolitano de Arte en la necrópolis de Lisht.

La tumba forma parte del complejo funerario del visir y funcionario egipcio Senusret.

Se encuentra ubicada en el fondo del pozo 763, dentro de una cámara situada al norte del mismo.

La necrópolis de Lisht está situada aproximadamente a unos 50 - 60 km al sur de la ciudad de El Cairo, en la región del Bajo Egipto, en la orilla occidental del río Nilo (Egipto).

En el año 1.907 d.C. la Diadema de Senebtisi fue adquirida por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), en el reparto de hallazgo, donde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de arte egipcio.


¿Quién fue Senebtisi?

Senebtisi fue una mujer, una dama, del antiguo Egipto que vivió a finales de la XII Dinastía de Egipto (período comprendido entre los años 1.991 a.C. y 1.802 a.C.).

Cabe enfatizar que se conoce muy poco sobre ella, entre los pocos datos que se tienen destacan su segundo nombre SatApis ("hija de Apis") y que ostentaba el título común de "señora de la casa".


Descripción

Tiene una altura de 3,4 cm y un diámetro de 56,5 cm.

Se trata de una delicada diadema formada por alambre de oro en bucles que se encontró sobre la cabeza de la momia de la dama Senebtisi.

Presenta una inusual decoración colgante situada sobre la frente que podría representar dos cobras en posición de ataque, orientas hacia los lados opuestos desde el centro.

Además cabe destacar que si éste es el diseño previsto por el artista (conocido por otras piezas de joyería), en la Diadema de Senebtisi aparece representado de manera bastante esquemática.

Para finalizar subrayar que las diademas eran un tipo de joya bien conocido en el Antiguo Egipto, especialmente entre los miembros de la élite social, si bien el estilo de la Diadema de Senebtisi no tiene paralelos conocidos.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

martes, 23 de junio de 2026

Sarcófago de Mármol con Guirnaldas

El Sarcófago de Mármol con Guirnaldas es un sarcófago datado aproximadamente entre los años 200 d.C. y 225 d.C., perteneciente al arte romano.

Sarcófago de Mármol con Guirnaldas

En concreto está datado en el período Severo o dinastía Severa (período del Imperio Romano comprendido entre los años 193 d.C. y 235 d.C.). 

Fue hallado en la antigua metrópolis de Tarso, cerca del puente sobre el río Cidno, ubicada en la provincia de Cilicia (Turquía).

Perteneció a la colección de arte del sirio greco-ortodoxo, que ejerció como vicecónsul estadounidense en Tarso (en el sur de la actual Turquía), J. Abdo Debbas.

Hasta que en el año 1.870 d.C. el Sarcófago de Mármol con Guirnaldas fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del arte griego y romano.

Como curiosidad destacar que ésta fue la primera donación aceptada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Sarcófago de Mármol con Guirnaldas



Descripción

Tiene una altura de 134,6 cm y una anchura de 223,5 cm. 

Está elaborado en mármol proconnesio, mediante las técnicas de incisión, tallado, grabado y pulido.

Se trata de un sarcófago compuesto por una tapa y un cuerpo ornamentados con guirnaldas de hojas de roble, sostenidas por dos erotes (seres mitológicos alados que representan los diferentes aspectos y manifestaciones del amor y el deseo) y cuatro Victorias (diosa y personificación de la victoria y el triunfo) que adornan el frente y los laterales.

También destaca como cabezas de Medusa (monstruo ctónico, con el cabello de serpientes y una mirada que petrificaba a quién la mirara) ocupan los espacios situados sobre las guirnaldas, salvo en el centro del frente, donde se encuentra la placa de inscripción vacía.

Además seis erotes (seres mitológicos alados que representan los diferentes aspectos y manifestaciones del amor y el deseo) cazan diversos animales salvajes a lo largo de la cara frontal de la tapa, mientras otros dos se sitúan en las esquinas.

Asimismo llama la atención como en el extremo izquierdo se encuentra representado el dios Cupido (dios del amor y el deseo) despertando a la diosa Psique (diosa del alma) con una flecha, mientras que en el extremo derecho ambos aparecen representados abrazándose.

Aparte se puede apreciar cómo la parte superior de la tapa está ornamentada con el ornamento arquitectónico de escamas.

Para finalizar subrayar que la parte posterior y la tapa del sarcófago se encuentran inacabadas y la placa destinada a la inscripción está en blanco, lo que podría indicar que originalmente no se vendió en la antigüedad, es decir, alguien pudo haber realizado el encargo sin llevarlo a termino.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

lunes, 22 de junio de 2026

Vasija Teotihuacán

La Vasija Teotihuacán es una vasija datada aproximadamente entre los años 350 d.C. y 550 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte teotihuacán.

Vasija Teotihuacán

Lo primero que se conoce es que la vasija fue encontrada durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en México.

Perteneció a la colección de arte de George Pepper, ubicada en la ciudad de México (México) y la ciudad de Filadelfía (Estados Unidos de América).

Después pasó a formar parte de la colección de arte de Arthur M. Bullowa, situada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América), hasta el año 1.993 d.C., año de su fallecimiento.

En el año siguiente, 1.994 d.C., la Vasija Teotihuacán fue legada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 18,7 cm y un diámetro de 15,2 cm. 

Se trata de una vasija de cerámica aparentemente sencilla, pero sí se mira con más detenimiento se puede apreciar que detrás hay una historia más compleja.

Presenta una forma elegante, el engobe naranja monocromático y las paredes delgadas, pero resistentes, la identifican como una pieza de cerámica Naranja Delgado.

Durante la etapa final del período Clásico Temprano (período comprendido entre los años 200 d.C. y 600 d.C.), la cerámica Naranjo Delgado gozó de gran popularidad en Teotihuacán y otras regiones de Mesoamérica.

Aparte destacar que éstas vasijas surgieron inicialmente en la ciudad de Teotihuacán, aproximadamente entre los años 150 d.C. y 250 d.C., convirtiéndose rápidamente en objetos muy cotizados.

Existen pruebas de que un gran incendio arrasó el centro de la ciudad hacia el año 550 d.C., a medida que la población y la influencia de la metrópolis decayeron, también lo hizo la popularidad de la cerámica Naranja Delgado.

Los análisis de composición ha demostrado que la Vasija Teotihuacán, a pesar de su fuerte vínculo con la ciudad de Teotihuacán, no se fabricó en la ciudad.

Esto puede ser debido a que en realidad, la cerámica Naranja Delgado era elaborada por alfareros de Tepexi de Rodrígues, en el sur de Puebla.

Ésta zona, situada junto a un afluente del río Carnero, producía una arcilla fina que permitió crear las paredes del cuerpo delgadas y resistentes.

Las élites de Teotihuacán ejercían un férreo control político y económico sobre la producción y distribución de éstas piezas.

También controlaban la distribución de otros bienes de lujo, como la obsidiana verde proveniente de la sierra volcánica de Pachuca.

Teotihuacán era un importante centro comercial que atraía a comunidades mayas, zapotecas y de otros grupos, los cuales establecían sus propias enclaves étnicos dentro de la ciudad.

Creando una amplia red comercial que facilitó la circulación de las vasijas Naranja Delgado por toda Mesoamérica.

Asimismo resaltar que algunos investigadores creen que a menudo las vasijas se fabricaban con formas apilables para facilitar su transporte en intercambios de larga distancia.

Para finalizar subrayar que las vasijas Naranja Delgado se utilizaban tanto para fines domésticos como rituales.

Algunas que se han hallado presentan señales de desgaste por abrasión en su interior, lo que sugiere que se empleaban de forma práctica para servir alimentos o bebidas.

Aunque otras piezas están moldeadas con una iconografía compleja, lo que sugiere que éstas vasijas podrían haber tenido una función social más elaborada.

Además se conoce que los habitantes de Teotihuacán y de otras regiones de Mesoamérica optaban por se enterrados con vasijas de cerámica Naranja Fino.

Asimismo resaltar que la presencia de éstas vasijas en enterramientos de ciudades distantes, como Kaminaljuyú (Guatemala) y Copán (Honduras), evidencia la amplia red de intercambio de la cerámica Naranja Fino.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

domingo, 21 de junio de 2026

Panel de Terciopelo con Plantas en Flor

El Panel de Terciopelo con Plantas en Flor es un textil datado aproximadamente en la primera mitad del siglo XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.650 d.C.), perteneciente al arte persa, en concreto al arte safávida.

Panel de Terciopelo con Plantas en Flor
Panel de Terciopelo con Plantas en Flor

Por las características del textil se conoce que fue elaborado en un taller ubicado en Irán.

También es sabido que perteneció a la colección del coleccionista Hassan Khan Monif, ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.912 d.C. el Panel de Terciopelo con Plantas en Flor fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 114,3 cm y una anchura de 68,6 cm, mientras que el montaje tiene una altura de 132,1 cm, una anchura de 82,6 cm y un peso de 13,6 kg. 

Está tejido en seda, algodón, hilo envuelto en lámina metálica, terciopelo cortado y brocado.

Se trata de un textil de terciopelo con forma de panel rectangular que ha sido tejido con un patrón de vegetal compuesto por agrupaciones de flores que surgen de masas de olas en espiral.

También llama la atención cómo los bordes dentados de las hojas podrían reflejar las influencias del estilo saz (ornamento artístico vegetal caracterizado por hojas alargadas y dentadas que fue desarrollado en el Imperio Otomano durante el siglo XVI d.C. (período comprendido entre los años 1.501 d.C. y 1.600 d.C.)).

En cuanto a la composición destacar que los tejedores safávidas de ésta época eran especialmente hábiles a la hora de disimular las uniones entre las unidades de repetición del diseño, creando así la sensación de una composición continua.

Además cabe resaltar que durante el siglo XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.700 d.C.), los diseños de hileras de plantas con flores se pusieron de moda en los textiles de Irán, la India y Turquía.

Es más enfatizar que los terciopelos safávidas figuraban entre los tejidos más selectos del mercado internacional y gozaban de gran popularidad en Irán.

Para finalizar subrayar que el Panel de Terciopelo con Plantas en Flor fue expuesta desde el 9 de diciembre del año 2.003 d.C. al 14 de mazo del año 2.004 d.C. en la exposición "Persian Silks of the Safavid Period" ("Sedas Persas del Período Safávida"), ocurrida en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

sábado, 20 de junio de 2026

Gólgota

Gólgota es una pintura datada en el año 1.900 d.C., perteneciente al simbolismo.

Gólgota

Fue pintado por el pintor y grabador noruego Edvard Munch (también conocido como Munch).

El cuadro formó parte de la colección de arte del artista.

Hasta que tras su fallecimiento, ocurrido en enero del año 1.944 d.C., legó postumamente todas las obras de arte que aún conservaba en su poder, incluida Gólgota, a la ciudad de Oslo (Noruega).

En el año 1.963 d.C. la pintura pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Munch (también conocido como Munchmuseet) (año de su inauguración), localizado en la ciudad de Oslo (Noruega).



Descripción

Tiene una altura de 80 cm y una anchura de 120 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa el tema bíblico de la Crucifixión de Cristo sobre el monte Gólgota (también conocido como monte Calvario).

Además cabe enfatizar que el autor no representó una escena religiosa, sino que representó el tema como un símbolo universal del sufrimiento humano, el dolor, la soledad y reflejó sus propias tensiones y angustias internas.

Debajo de la cruz hay representada una densa multitud de rostros humanos, distorsionados, alargados y cadavéricos con tonalidades amarillas, rojas y verdes.

Sobretodo llama la atención como los rostros humanos representan apatía, el juicio social y la desconexión de los seres humanos por el entorno frente al dolor del individuo.

El cuerpo de Jesucristo clavado en la cruz está representado brillando con una luz etérea que contrasta con el fondo turbulento compuesto por de colores sombríos y pinceladas violentas.

En cuanto a la composición resaltar como el autor distorsiona deliberadamente las líneas y los rostros priorizando la carga emocional sobre la representación realista.

Asimismo destaca la utilización de una paleta cromática formada por colores intensos y pinceladas enérgicas que dan como resultado una atmósfera opresiva y la representación de un vacío existencial.

Para finalizar subrayar que numerosos investigadores consideran que el pintor y grabador noruego Munch reflejó sus propias facciones en el rostro de la figura crucificada.

De ésta manera el artista se estaría proyectando a sí mismo como un mártir, es decir, una persona incomprendida por la sociedad y consumida por sus demonios internos.

Actualmente se encuentra en el Museo Munch, Noruega.

viernes, 19 de junio de 2026

La Mujer del Abanico

La Mujer del Abanico, también conocida como La Femme à l'Éventail, es una pintura datada en el año 1.919 d.C., perteneciente al expresionismo.

La Mujer del Abanico

Fue pintada por el pintor , dibujante y escultor italiano Amedeo Clemente Modigliani (también conocido como Amedeo Modigliani).

La pintura fue comprada por 150 francos por el comerciante de vinos y coleccionista de arte moderno francés Jonas Netter.

En el año 1.926 d.C. la obra pasó a formar parte de las colecciones del Petit Palais, pertenecientes al Museo de Bellas Artes de la ciudad de París (Francia).

En el año 1.953 d.C. la pintura fue legada al Museo de Arte Moderno de la ciudad de París (Francia).

La pintura fue cedida para su exhibición desde el 1 de febrero al 30 de abril del año 2.006 d.C. en Ca'Pasaro, en la ciudad de Venecia (Italia).

Cabe destacar que la pintura La Mujer del Abanico es una de las cinco obras robadas del Museo de Arte Moderno de la ciudad de París (Francia), robo ocurrido en mayo del año 2.010 d.C. y en la actualidad aún no ha sido recuperada.


Descripción

Tiene una altura de 100 cm y una anchura de 65 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa el retrato de la modelo Lunia Czechowska con un vestido amarillo y sosteniendo un abanico, un tema predilecto de los artistas vinculados al cubismo durante el primer cuarto del siglo XX d.C. (período comprendido entre los años 1.901 d.C. y 1.925 d.C.).

Aparece representada sentada, en una vista frontal de tres cuartos. También se puede observar como detrás de ella se encuentra una cómoda y sobre ésta cuelga una imagen enmarcada no identificada de la cual solo es visible una esquina.

La pared del fondo de color rojo cereza ha sido ejecutada con pinceladas gruesas que contrasta con el vestido amarillo canario que lleva sobre una blusa blanca de manga corta.

Su mano izquierda descansa en el regazo, mientras que la mano derecha, con un anillo en el dedo meñique, sostiene un abanico a la altura del pecho, destaca cómo los pliegues del abanico parecen prolongar la línea de sus dedos.

Además su cuello y su rostro, ligeramente inclinados hacia la izquierda, están representados muy alargados y emergen de una base piramidal donde se puede apreciar la clavícula.

El cabello de color marrón oscuro contrasta con la piel pálida de la modelo y está peinado con raya, formando una especie de cono en la parte superior de la cabeza, lo que crea una simetría con la barbilla que reproduce ésta misma forma en el extremo opuesto del cráneo.

La nariz es ancha y larga, lo que contrasta con sus ojos sin pupilas y su boca, que parece hundida en el rostro.

Asimismo enfatizar que la silueta de la modelo ha sido perfilada por una tenue sombra y la pintura está firmada en la parte inferior derecha.

Para finalizar subrayar que la pintura es una de las últimas obras que creó el pintor, dibujante y escultor italiano Amedeo Modigliani, pintada apenas unos meses antes de su muerte y uno de los catorce retratos que pintó de su amiga y modelo Lunia Czechowska.

Asimismo destacar que la pintura La Mujer del Abanico aparece en la película de 1.999 d.C. "La Trampa", en España ("La emboscada, en Hispanoamérica").

En la película de 2.012 d.C. "Skyfall", dirigida por el director de cine británico Sam Mendes, el cuadro se muestra a un posible comprador en la ciudad de Shanghái (China) justo antes de que éste reciba un disparo a plena vista de James Bond.

También vuelve a aparecer en la película de 2.015 d.C. "Spectre" (película que sigue a "Skyfall" en la saga de Bond) colgada en la pared de la estancia donde Madeleine Swann permanece prisionera en la base de Blofeld, en el norte de África.

Aparte aparece en la novela del escritor estadounidense Daniel Silva de 2.014 d.C. "The Heist" ("El Atraco"), dentro de un puerto franco repleto de obras de arte robadas.

Actualmente se encuentra en paradero desconocido.

jueves, 18 de junio de 2026

Amuleto de Ágata

El Amuleto de Ágata es un amuleto datado aproximadamente a mediados del siglo XVIII d.C. (período comprendido entre los años 1.740 d.C. y 1.760 d.C.), perteneciente al arte persa, en concreto al arte kayar o arte qajar.

Amuleto de Ágata
Amuleto de Ágata

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte de Syed Yousouf Raza, localizada en la ciudad de Lucknow (India).

Por herencia el Amuleto de Ágata pasó a ser propiedad de su hijo mayor Syed Huzur Nawab, estando en su colección hasta su fallecimiento.

En el año 2.012 d.C., por herencia, el amuleto pasó a formar parte de la colección de arte de Asad S. Reza, ubicada en la ciudad de Richmond, situada en el estado de Virginia (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 2.013 d.C. el Amuleto de Ágata fue vendido al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.



Descripción


Tiene una altura de 7 cm y una anchura de 10,2 cm. Está elaborado en ágata con incrustaciones negras.

Se trata de un amuleto de ágata en forma de colgante ovalado con muescas que presenta en el centro una selección de los Asma' al-Husna (es decir, "los nombres más bellos" , en el Islam es el término usado para referirse a los 99 nombres y atributos de Alá).

Destaca cómo la selección se encuentra rodeada por la sura Ya Sin (sura 36) completa del Corán, conocida frecuentemente como el "Corazón del Corán", aparte es uno de los capítulos más venerados del islam por su profunda condensación de las enseñanzas islámicas básicas.

Además resaltar que ésta sura tiene connotaciones talismánicas, como la protección de su dueño contra la calamidad y la concesión de fuerza y valor.

También cabe destacar que se conoce que durante la dinastía Kayar o dinastía Qajar (período comprendido entre los años 1.785 d.C. y 1.925 d.C.) la joyería talismánica alcanzó gran popularidad.

Es más resaltar que éstas piezas combinaban el misticismo islámico con el arte lapidario y en Irán, el ágata se ha considerado una piedra con propiedades mágicas y curativas.

Para finalizar subrayar el Amuleto de Ágata fue expuesto desde el 29 de agosto del año 2.016 d.C. al 13 de febrero del año 2.017 d.C. en la exposición "Power and Piety: Islamic Talismans on the Battlefield" ("Poder y piedad: talismanes islámicos en el campo de batalla"), ocurrida en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

miércoles, 17 de junio de 2026

Vasija con Deidades Sedentarias

La Vasija con Deidades Sedentarias es una vasija datada aproximadamente entre los siglos VI d.C. y VII d.C. (período comprendido entre los años 501 d.C. y 700 d.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte maya

Vasija con Deidades Sedentarias
Vasija con Deidades Sedentarias

Lo primero que se conoce es que fue hallada durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en Guatemala.

También es sabido que perteneció a la colección de arte del marchante y coleccionista de arte Everett Rassiga.

En el año 1.966 d.C. la vasija fue adquirida por la coleccionista de arte Gertrud A. Mellon

Entre los años 1.966 d.C. y 1.977 d.C. la vasija fue donada al Museo de Arte Primitivo de Nueva York (Estados Unidos de América), un antiguo museo dedicado a las culturas indígenas de América, África, Asia, Europa y Oceanía.

Hasta que en el año 1.978 d.C. la Vasija con Deidades Sedentarias pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).


Vasija con Deidades Sedentarias


Descripción

Tiene una altura de 22,2 cm y un diámetro de 19,1 cm. 

Está elaborada en cerámica.

Se trata de una gran vasija cilíndrica policromada con forma de barril que presenta una ornamentación compuesta por tres imágenes de una deidad sentada en tronos alrededor de su cuerpo exterior.

El borde de la vasija presenta una banda decorada con pseudogifos pintados con trazos ligeros, siendo las imágenes las que simulan ser escritura sin ser legibles.

Además destacar que la escena representada con las deidades, cubiertas de joyas y elaboradas insignias, podría corresponder a un antiguo mito maya de los siglos V d.C. y VI d.C. (período comprendido entre los años 401 d.C. y 600 d.C.).

Vasija con Deidades Sedentarias

La deidad representada en ambas escenas se sienta con las piernas cruzadas y levanta el brazo derecho mientras cruza el izquierdo sobre el torso.

Se puede apreciar como el cuerpo de la deidad está pintado de rojo y decorado con motivos en forma de píldora, identificados como marcas de brillo en el arte maya.

Aunque si bien los pies de la deidad, pintados en un tono grisáceo, parecen humanos, las manos que gesticulan tienen la forma de garras de jaguar.

El taparrabos también es de piel de jaguar, al igual que el cojín del trono. 

Aparte destacar que las orejas de jaguar, junto con el ojo cuadrado de pupila en espiral, el adorno que lo enmarca y la boca curvada hacia abajo con un diente prominente identifican a ésta deidad como el Dios Jaguar del Inframundo (deidad asociada con el sol nocturno).

Pero sobretodo llama la atención como el horror vacui (expresión latina utilizada en historia del arte para describir la tendencia a rellenar cada milímetro de una superficie con detalles y diseños, sin dejar espacios libres) del artista es evidente en esta escena, puesto que cada superficie del cuerpo de los dioses está cubierta de plumas y joyas.

Así como alas enteras, animadas con la cabeza sin mandíbulas de una criatura reptiliana, se extienden desde sus codos y se abren en el espacio intermedio.

En cuanto a la composición resaltar que el estilo de pintura utilizado en la vasija está asociada al gobernante de Naranjo, Aj Wosal chan K'inich, quién gobernó desde el año 546 d.C. hasta alrededor del año 615 d.C. la ciudad de Naranjo (Guatemala).

Asimismo es sabido que la gran ciudad de Naranjo fue un importante centro para pintores de vasijas de cerámica durante muchos siglos.

Para finalizar enfatizar que por el estado de conservación se puede afirmar que los dueños de la Vasija con Deidades Sedentarias la apreciaban tanto que, cuando se fracturaba en la antigüedad, perforaban agujeros a ambos lados de la grieta para repararla con una fibra.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

martes, 16 de junio de 2026

Niña Entrando en el Baño

Niña Entrando en el Baño es una pintura datada en el verano del año 1.915 d.C., perteneciente al postimpresionismo.

Niña Entrando en el Baño

Fue pintada por el pintor español Joaquín Sorolla y Bastida (también conocido como Joaquín Sorolla).

La pintura perteneció a la colección de arte del comerciante Justo Bou.

Después la obra fue comprada por la coleccionista de arte y bibliófila María Bauza.

Hasta que en el 3 de junio del año 2.009 d.C. la pintura Niña Entrando en el Baño fue subastada por la casa de subastas Sotheby's de Londres (Gran Bretaña).

Siendo comprada por un precio 1,9 millones de euros por un coleccionista privado afincado en Estados Unidos de América.


Descripción

Tiene una altura de 86 cm y una anchura de 106 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que presenta a una niña (probablemente la hija menor del artista, Elena), con el cabello atado en una coleta baja, en el momento de entrar al agua en una playa de la ciudad de Valencia (España).

La niña está representada descalza, ataviada con un vestido de mangas cortas, blanco, amplio y hasta la altura de las rodillas. 

También se puede apreciar cómo al fondo cerca de la orilla hay representadas dos barcas y en la orilla, en un segundo plano, hay representados unos niños jugando.

Con respecto a la composición resaltar que el artista utiliza un encuadre cerrado, suprimiendo la línea del horizonte para centrarse en la acción y el juego de luces, por lo que la arena de la playa, los reflejos del sol y el movimiento de las olas se convierten en protagonistas de la escena.

Además la obra ha sido pintada mediante pinceladas sueltas, dinámicas y rápida. Empleando una paleta cromática en tonos malvas, violetas, blancos y azules, es más el autor logra con el uso de éstos tonos de color que tanto la ropa como el cuerpo de la niña parecen translúcidos bajo el sol.

Para finalizar subrayar que la pintura Niña Entrando en el Baño está considera un gran ejemplo de la habilidad del pintor español Joaquín Sorolla y Bastida para capturar "el instante", ya que se conoce que fue pintada al aire libre (plein air) durante un momento de descanso para el artista.

Quién en esa época se encontraba inmerso en el monumental encargo "Visión de España" para la "Hispanic Society of America" de Nueva York (Estados Unidos de América).

Aparte enfatizar que el pintor logra capturar la luz mediterránea, así como el movimiento espontáneo del agua del mar y los niños.

Actualmente se encuentra en posesión de un coleccionista privado.

lunes, 15 de junio de 2026

Dos Cangrejos

Dos Cangrejos, también conocido como Twee Krabben, es una pintura datada en el año 1.889 d.C., perteneciente al postimpresionismo.

Dos Cangrejos
Dos Cangrejos

Fue pintado por el pintor neerlandés Vincent Willem van Gogh (también conocido como Vincent van Gogh).

Es sabido que la pintura fue pintada durante la estancia del artista en la ciudad de Arlés, ubicada en la región de la Provenza, en el sur de Francia.

También cabe resaltar que no se conoce que pasó con la obra, lo único conocido es que la pintura Dos Cangrejos pertenece a la colección de arte de un coleccionista privado.


Descripción

Tiene una altura de 47 cm y una anchura de 61 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa un bodegón de dos cangrejos sobre un fondo verde agua texturizado.

El fondo se compone de pinceladas amplias y audaces, marcadas rítmicamente por tonos verdes azulados que evocan las aguas del mar Mediterráneo y las exuberantes algas.

Los cangrejos representados son cangrejos marrones comunes que se pueden encontrar fácilmente en la región de la Provenza (Francia).

Uno de los cangrejos está representado boca arriba, es decir, el crustáceo está posado sobre su caparazón, de espaldas, mientras que el otro cangrejo aparece representado de frente.

Llama la atención como el autor utilizó colores rojos y amarillos vibrantes, realzando el caparazón marrón rojizo y las pinzas con puntas negras.

Las pinceladas cortas y rápidas, junto con el uso abundante de una paleta brillante, crean una superficie irregular y texturizadas.

Los dos crustáceos son casi idénticos, pero se puede apreciar como el apéndice abdominal agrandado identifica al cangrejo de la izquierda como una hembra.

Aunque algunos investigadores consideran que es posible que el autor pintara el mismo cangrejo dos veces y simplemente lo volteó para poder mostrar un ángulo diferente.

Con respecto a la composición resaltar que el autor demuestra su comprensión de los bocetos de animales en la tradición occidental, así como su admiración por los grabados japoneses en madera. 

Aparte resaltar que las pinceladas cortas y discontinuas en el vientre y el caparazón de los cangrejos evocan la caligrafía japonesa.

Es más enfatizar que a través de ésta pintura el artista unió las tradiciones orientales y occidentales del dibujo de animales, combinando la detallada descripción del animal propia de Durero con las superficies planas características de los grabados japoneses.

También resaltar que el magistral uso del color rojo y verde, dan la sensación de que ambos colores se intensifican al ser colocados juntos.

Para finalizar subrayar que la pintura Dos Cangrejos podría haber estado inspirada en la obra "Un cangrejo en la orilla del mar" del grabador japonés Katsushika Hokusai (también conocida como 北斎), que salió en la revista sobre arte japonés, especialista en japonismo, "Le Japon artistique".

Actualmente se encuentra en préstamo en la National Gallery de Londres, Gran Bretaña.

domingo, 14 de junio de 2026

La Joven de Amajac

La Joven de Amajac, también conocida como Joven Gobernante de Amajac, es un monolito datado aproximadamente entre los años 1.450 d.C. y 1.521 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte huasteca.

La Joven de Amajac
La Joven de Amajac

Cabe destacar que se encuentra datada durante el período posclásico mesoamericano (la última etapa de la América precolombina, datada aproximadamente entre los años 900 d.C. y 1.521 d.C.).

Fue hallada el 1 de enero del año 2.021 d.C. de manera fortuita por los agricultores César Cabrera Cruz y Alejandro Céspedes mientras realizaban labores agrícolas.

Dentro de un campo de cultivo de naranjos, ubicado en la ribera del Río Tuxpan, situado en la población de Hidalgo Amajac.

Localizado en el municipio de Álamo Temapache, en el estado de Veracruz (también conocido como Estado Libre y Soberano de Veracruz de Ignacio de la Llave), en México.

El 13 de diciembre del año 2.025 d.C. La Joven de Amajac pasó a formar parte de la colección de arte del Recinto Cultural de Hidalgo Amajac (también conocido como Museo Comunitario de las Jóvenes Gobernantes de Amajac), en México.

La Joven de Amajac
La Joven de Amajac

Descripción

Tiene una altura de 210 cm, una anchura de 49 cm y una profundidad de 29 cm. Está tallado en piedra caliza.

Se trata de una escultura monolítica que representa la figura de una mujer joven, perteneciente a la clase alta o gobernante del pueblo Téenek (también conocido como pueblo huasteco), en posición de pie y con ambas manos apoyadas sobre el vientre.

En el rostro pequeño destacan los ojos almendrados con la cuencas vacías y finamente delineados, la nariz de un tamaño mediano recto y la boca abierta con la comisuras ligeramente caídas.

Además resaltar que los investigadores creen que originalmente tanto en las cavidades de los ojos, como en la cavidad de la boca podrían haber contenido incrustaciones de concha y obsidiana.

También lleva un tocado alto compuesto por un gorro sobre la cabeza ornamentado en el frente con cinco círculos concéntricos a manera de chalchihuis y en ambos extremos lleva dos aros más grande de donde salen dos listones que le cuelgan por debajo de los hombros con dos bandas horizontales.

De la parte superior del gorro, situado a cada lado, un trapecio se sostiene adornado con un gran círculo, siendo de éste círculo de dónde sale un mechón dividido en cinco partes, posiblemente plumas, que le cae a lo largo del tocado hasta la altura de la boca y están atado por dos bandas horizontales de distinta anchura.

Ambos brazos están pegados a los costados, con los antebrazos doblados hacia el centro del cuerpo y con ambas manos extendidas sobre el abdomen. 

Se encuentra ataviada con una camisa de mangas largas ceñida al cuerpo, una falda larga hasta la altura de los tobillos que permite ver sus pies descalzos y un collar con un dije conocido como oyohualli tallado en forma de lágrima a partir de madreperla o concha de ostra.

Aparte se puede apreciar como en la parte delantera de la falda lleva un ceñidor o faja vertical angosta decorada con tres nudos y cuatro listones.

En cuanto a la composición resaltar que se han hallado restos de pintura roja a la altura de la banda de círculos y restos de chapopote (sustancia negra, espesa y pegajosa) en la zona de las orejas y el tocado.

Para finalizar subrayar que La Joven de Amajac es la primera escultura monolítica hallada en la cuenca del río Tuxpan que confirma la existencia de mujeres con alto rango político que podían acceder al gobierno en la región antes de la conquista española.

Actualmente se encuentra en el Recinto Cultural de la localidad Hidalgo Amajac, México.

sábado, 13 de junio de 2026

Sistro con el Nombre del Faraón Amasis

El Sistro con el Nombre del Faraón Amasis es un sistro datado aproximadamente entre los años 570 a.C. y 526 a.C., perteneciente al arte egipcio.

Sistro con el Nombre del Faraón Amasis
Sistro con el Nombre del Faraón Amasis

En concreto está englobado dentro del período saíta (período comprendido entre los años 664 a.C. y 525 a.C.).

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte del marchante de arte y coleccionista francés Maurice Sharia Nahman (también conocido como Maurice Nahman).

Hasta que en el año 1.907 d.C. el Sistro con el Nombre del Faraón Amasis fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), donde pasó a formar parte de su colección dentro del departamento de arte egipcio.

Sistro con el Nombre
del Faraón Amasis
Sistro con el Nombre
del Faraón Amasis


Sistro con el Nombre
del Faraón Amasis


Descripción

Tiene una altura de 30,1 cm, una anchura de 8,2 cm y una profundidad de 3,2 cm. 

Está elaborado en loza.

Se trata de un antiguo instrumento musical de percusión y objeto sagrado egipcio, un sistro naos, que se distingue por su parte superior en forma de naos (el santuario interior de un templo) entre dos volutas.

Ésta parte superior originalmente sostenía tres barras transversales, como se evidencia por los tres orificios en los laterales de la pieza.

Aparte probablemente se insertaban pequeñas placas sonoras en éstas barras, en la actualidad perdidas, para producir el sonido de traqueteo.

Cabe destacar que los sistro eran instrumentos de culto estrechamente relacionados con la diosa Hathor (diosa del amor, la belleza, la música, la danza, la alegría y la maternidad) y cómo se puede apreciar en éste caso presenta su emblema, una cabeza de mujer con orejas de vaca.

Además se puede apreciar como en el mango de la pieza tiene dos inscripciones en escritura jeroglífica, cada una con dos de los nombres del faraón Amasis (también conocido como Jenemibra Ahmose, Ahmose II o Amosis II).

Con respecto a la composición resaltar que los investigadores consideran que el Sistro con el Nombre del Faraón Amasis podría haber estado destinado como ofrenda a una deidad, más que como un instrumento de uso frecuente, puesto que el material con el que fue elaborado, loza, es demasiado frágil para un uso habitual.

Para finalizar subrayar que se conoce que en el Antiguo Egipto los sistros eran instrumentos musicales de culto que, al agitarse, producían un sonido de traqueteo que se creía relajante y apaciguador.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

viernes, 12 de junio de 2026

Remate de Bronce de un Kerykeion

El Remate de Bronce de un Kerykeion es un bastón de heraldo datado aproximadamente entre los siglos VI a.C. y V a.C. (período comprendido entre los años 600 a.C. y 401 a.C.), perteneciente al arte griego.

Remate de Bronce de un Keykeion
Remate de Bronce de un Kerykeion

En concreto está datado en la época arcaica griega (período de la historia griega comprendido entre los años 800 a.C. y 490 a.C.)

En el año 1.969 d.C. fue comprado por el coleccionista de antigüedades Norbert Schimmel, ubicado en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.989 d.C. el Remate de Bronce de Kerykeion fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de arte griego y romano.


Descripción

Tiene una altura de 18,7 cm.

Se trata de un bastón de heraldo conocido como kerykeion de bronce fundido que representa un par de serpientes entrelazadas dispuestas directamente sobre un capitel de columna dórica (compuesta por un fuste estriado y un capitel sin adornos).

Asimismo llama la atención cómo las cabezas de los reptiles se encuentran articuladas con un nivel de detalle sumamente fino y están colocadas coronando el bastón.

Para finalizar subrayar que el kerykeion es el atributo del dios Hermes (dios mensajero de los dioses, protector de los viajeros, comerciantes y ladrones) y simboliza la paz, el equilibrio y la mediación.

Es más resaltar que en la sociedad griega, así como en el mundo antiguo, los heraldos humanos llevaban bastones con el kerykeion colocado en la parte superior para identificarse formalmente.

También se conoce que el objeto les otorgaba inmunidad diplomática y un libre pasaje seguro entre estados o ejércitos rivales.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Vasija con Asa de Estribo y Figura de Maní

La Vasija con Asa de Estribo y Figura de Maní es una botella datada aproximadamente entre los años 500 d.C. y 800 d.C., perteneciente al art...