Maqueta de Casa con Pareja Amorosa

La Maqueta de Casa con Pareja Amorosa es una maqueta datada aproximadamente entre los siglos XII d.C. y XIII d.C. (período comprendido entre los años 1.101 d.C. y 1.200 d.C.), perteneciente al arte islámico, en concreto al arte ayubí.

Maqueta de Casa con Pareja Amorosa

Maqueta de Casa con Pareja Amorosa

Cabe destacar que los investigadores piensan que la maqueta puedo haber sido fabricada en Iran.

Lo primero que se conoce es que estaba en posesión del coleccionista estadounidense William Milne Grinnell.

Hasta que en el año 1.920 d.C. la Maqueta de Casa con Pareja Amorosa fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Maqueta de Casa con Pareja Amorosa

Maqueta de Casa con Pareja Amorosa

Maqueta de Casa con Pareja Amorosa

Descripción

Tiene una altura de 4,1 cm, una anchura de 16,2 cm, un diámetro de 11,1 cm y un peso de 530,2 g. 

Está fabricada en cerámica vidriada.

Se trata de una maqueta que representa una casa dónde destaca la placa en el techo y las proyecciones en las esquinas.

Resalta como la imaginería erótica de la placa de la azotea, en la que aparecen representados una mujer y un hombre con turbante yaciendo juntos bajo un cobertor rayado.

Cabe destacar que los investigadores piensan que ésta representación hace que la maqueta se encuentre asociada con el matrimonio y a la hipótesis de que se pudo haber utilizada como un regalo de boda.

Es más algunos estudios recientes creen que la escena representada en la azotea puede ser una escena de un matrimonio ritual ambientado en un contexto doméstico.

Aparte se puede observar como situado en la parte superior, a lo largo del borde de la placa y enmarcando la escena, hay la siguiente inscripción grabada en cursiva en idioma árabe.

"] العز الدائم )؟( ]. . . . . . . . . . . . . . [ الغالب ]. . . . . . . ."

Cuya traducción aproximada es la siguiente:

"Gloria eterna .... (Al-Ghalab)"

Para finalizar subrayar que la Maqueta de Casa con Pareja Amorosa junto con la Maqueta de una Casa con Escena Festiva pertenecen al grupo de objetos más grande de modelos de casas que permiten entrever las prácticas y entornos vernáculos iraníes, pero cuya función o significado original aún no se ha determinado.

Además algunos investigadores consideran que son representaciones de celebraciones, como matrimonios o festividades relacionadas con el final del ayuno religioso que eran celebraciones en la que dichos objetos podrían haber sido intercambiados como obsequios.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Grabados Modernos: 8, mayo de 1.935

Grabados Modernos: 8, mayo de 1.935, también conocido como 現代版畫 o Xiàndài bǎnhuà, es un libro datado en el año 1.935 d.C., perteneciente al arte chino.

Grabados Modernos: 8, mayo de 1.935

Fue realizado por el artista y grabador chino Lai Shaoqi (賴少麒).

En la provincia de Guangdong (también conocida como Cantón o 广东).

Situada en el centro-sur de la República Popular de China (中华人民共和国, conocida comúnmente como China 中国).

Se conoce que se encontraba en posesión de "Han Tan Shang Books, Ltd.", ubicada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

Hasta que en el año 1.993 d.C. Grabados Modernos: 8, mayo de 1.935 fue comprado por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Grabados Modernos: 8, mayo de 1.935

Descripción

El libro cerrado tiene una altura de 22,6 cm y una anchura de 19,4 cm.

Mientras que el libro abierto tiene una altura de 22,6 cm, una anchura de 36 cm y un grosor de 8 cm. 

Está fabricado en tinta al óleo sobre papel, mediante la técnica de xilografía.

Se trata de un libro impreso que contiene un total de dieciocho xilografías originales, sobretodo resalta como el libro ha sido impreso a máquina y a mano.

Cabe resaltar que Modern Prints Society, formada en el año 1.934 d.C. en la provincia de Guangzhou, fue la más productiva y duradera entre los grupos de xilografía que surgieron entre los años 1.930 d.C. y 1.939 d.C. en China.

El primer número de Modern Prints apareció en diciembre del año 1.934 d.C. y en total publicaron 18 números durante un año y medio.

Grabados Modernos: 8, mayo de 1.935

Aparte a excepción del primer número, de cada uno se realizaron 50 copias hechas a mano.

En primavera del año 1.935 d.C. Modern Prints dedicó dos números a las "costumbre populares".

Con la idea de traer una forma de arte declaradamente democrático para influir en la vida de la gente común.

La obra del artista y grabador chino Lai Shaoqi (賴少麒) apareció en la portada de la edición de mayo.

También destacar que la imagen de la portada se titula "Fiel Master" (Tian Shiye).

Además la Modern Prints Society documenta los rápidos cambios y expansiones del grupo xilográfico en sus concepciones y estilos artísticos.

Para finalizar subrayar que fue prestado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América) para ser expuesto del 5 de mayo del año 2.012 d.C. al 29 de julio del año 2.012 d.C. en la exposición: "The Printed Image in China: From the 8th to the 21st Centuries", después de la exposición fue devuelto al prestamista.

Actualmente Grabados Modernos: 8, mayo de 1.935 se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Retrato de Isabel Gonzaga

El Retrato de Isabel Gonzaga es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.504 d.C. y 1.505 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Retrato de Isabel Gonzaga

Fue pintado por el arquitecto y pintor italiano Rafael Sanzio (también conocido como Rafael de Urbino, Raffaello Sanzio o Rafael).

Lo primero que se conoce es que la pintura se encontraba en las colecciones del duque de Urbino.

Fue traída en el año 1.625 d.C. a la ciudad de Florencia (Italia), con la dote de Vittoria della Rovere (quinta gran duquesa consorte de Toscana y esposa del quinto duque de Toscana Fernando II de Médici).

Por lo que en el año 1.625 d.C. el Retrato de Isabel Gonzaga pasó a formar parte de las colecciones de los Uffizi.

El 14 de agosto del año 1.773 d.C. se conoce que la pintura fue trasladada del Palacio Pitii (también denominado Palazzo Pitti) al Palacio Vecchio (también conocido como Palacio Viejo), ambos edificados en la ciudad de Florencia (Italia).

Hasta que en el año 1.890 d.C. el Retrato de Isabel Gonzaga pasó a formar parte de la colección de la Galería Uffizi, localizada en la ciudad de Florencia, situada en la región de la Toscana, en Italia.

¿Quién fue Isabel Gonzaga?

Isabel Gonzaga, también conocida como Elisabetta Gonzaga, fue una noble italiana perteneciente a la Casa Gonzaga (familia noble italiana que desde el año 1.326 d.C. hasta el año 1.708 d.C. gobernó la ciudad-estado y después ducado de Mantua).

Se casó el 11 de febrero del año 1.488 d.C. con el condottiero italiano y tercer duque de Urbino Guidobaldo de Montefeltro, pasando a ser duquesa consorte de Urbino.

Descripción

Tiene una altura de 52,5 cm y una anchura de 37,3 cm. Está pintado al óleo sobre tabla.

Se trata de un retrato en el que aparece representada, en una pose frontal, el busto de la Isabel Gonzaga. En el rostro ovalado destacan las cejas finas, los pequeños ojos almendrados, la nariz recta, los labios pequeños y carnosos y el mentón un poco pronunciado.

El cabello largo se encuentra semirecogido por detrás en una larga trenza que le cae por la espalda y le enmarca el rostro. Aparte lleva una ferronnière, es decir, una pequeña diadema que le rodea la frente y está ornamentada con una pequeña joya con forma de escorpión.

También lleva alrededor del cuello un largo collar compuesto por varias cadenas que están sueltas en los lados y anudadas en la cadena del centro.

Se encuentra ataviada con un vestido negro de mangas largas, con el escote cuadrado decorado con un borde claro con bordados dorados. Se observa como el vestido está decorado con adornos compuestos por un elegante patrón de mosaico de rayas horizontales y verticales alternadas.

Con respecto a la composición destaca el fondo compuesto por un paisaje de un valle en el que destaca un desfiladero rocoso situado en el lado derecho, aparte las tonalidades azules y amarillas del cielo junto con las tonalidades verdes del valle hacen que la figura de la duquesa sobresalga. 

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que la pintura fue pintada por Rafael Sanzio para Isabel Gonzaga que era su mecenas y se caracterizaba por ser una mujer de inquietudes literarias y artísticas.

Cabe resaltar que en el reverso de la tabla se puede leer la siguiente inscripción escrita en latín: "Isabella Mantovana, moglie del duca Guidobaldo", cuya traducción es la siguiente: "Isabella Mantovana, esposa del duque Guidobaldo". Además enfatizar que se conoce que la duquesa solía firmar en obras de su posesión como Isabella.

Actualmente se encuentra en la Gallería Uffizi, Italia.

Colgante Esférico Bizantino

El Colgante Esférico Bizantino es un colgante datado aproximadamente entre los años 900 d.C. y 950 d.C., perteneciente al arte medieval, en concreto al arte bizantino.

Colgante Esférico Bizantino

Colgante Esférico Bizantino

Colgante Esférico Bizantino

Los investigadores consideran que el Colgante Esférico Bizantino pudo haber sido fabricado en Bulgaria.

Puesto que se han encontrado obras similares en la ciudad de Preslav, la capital del imperio búlgaro a principios del siglo X d.C. (período comprendido entre los años 901 d.C. y 1.000 d.C.).

Se conoce que perteneció a la colección de arte del marchante de arte americano Robert Emmanuel Hecht, Jr.

Hasta que en el año 2.003 d.C. el Colgante Esférico Bizantino fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Colgante Esférico Bizantino

Colgante Esférico Bizantino

Descripción

Tiene una altura de 3,2 cm y una anchura de 2,9 cm. 

Está fabricado en oro y perlas.

Se trata de una esfera hueca, aunque la mayoría de los investigadores piensan que se trata de un colgante esférico.

Colgante Esférico Bizantino

Colgante Esférico Bizantino

Cabe resaltar que otros investigadores consideran que el Colgante Esférico Bizantino podría ser un botón.

Puesto que originalmente podría haber decorado el borde de un pañuelo oficial.

Como por ejemplo los que usaba el emperador bizantino.

O podría haber sido utilizado como un botón para mantener unidas las vestiduras exteriores de los miembros del clero ortodoxo.

Para finalizar con respecto a la composición destacar que el exterior de la esfera se encuentra bellamente trabajada. Se puede apreciar como en bandas alternas hay una ornamentación compuesta por flores realizadas mediante la técnica de decoración de esmalte alveolado (también denominado esmalte cloisonné).

Además se observa cómo los bordes de las bandas de decoración están decoradas con una filigrana granulada que se unen con la decoración en la parte inferior.

La decoración de la parte inferior está compuesta por círculos concéntricos con bandas de filigrana granulada e incrustaciones de perlas, aunque en la actualidad algunas de las perlas se han perdido.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Jarrón de Sargón II

El Jarrón de Sargón II, también conocido como Vaso de Sargón II, es un recipiente datado aproximadamente entre los años 721 a.C. y 705 a.C., perteneciente al arte mesopotámico, en concreto al arte asirio.

Jarrón de Sargón II

Jarrón de Sargón II (dibujo)

Fue hallado en el año 1.847 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas por el viajero, arqueólogo, dibujante, coleccionista, escritor, político y diplomático británico Austen Henry Layard.

En un palacio edificado en la antigua ciudad de Nimrud, ubicada junto al río Tigris, localizada aproximadamente a 30 km al sudeste de la ciudad de Mosul, en Irak.

Poco después de su descubrimiento el Jarrón de Sargón II fue adquirido por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Jarrón de Sargón II

¿ Quién fue Sargón II ?

Sargón II fue el rey de Asiria que gobernó aproximadamente entre los años 722 a.C. y 705 d.C..

Cabe resaltar qué Sargón II fue el fundador de la más importantes dinastía de gobernantes asirios.

Además se conoce que bajo su reinado el imperio alcanzó su más grandes triunfos militares.

Jarrón de Sargón II

Descripción

En las asas tiene un diámetro de 6,20 cm, el cuerpo tiene un diámetro de 5,70 cm y la base tiene un diámetro de 3,80 cm.

Las asas tienen una altura de 2 cm, el cuello presenta una altura de 1,60 cm y la altura total es de 8,80 cm.

Tiene un grosor máximo de 1,70 cm y un espesor mínimo de 0,70 cm. Está fabricado en vidrio.

Se trata de un jarrón de vidrio de color verde claro, originalmente cubierto con una gruesa capa de intemperie opaca cremosa similar al esmalte. Presenta un cuerpo ovoide en forma de pera, con un borde plano y un cuello cóncavo, corto y ancho.

Jarrón de Sargón II

Además se observa como el borde es pequeño, la base es convexa y el frasco tiene dos asas verticales.

Situado en un ángulo agudo entre el hombro y el cuerpo del jarrón hay incisa la figura de un león caminando y mirando hacia el lado izquierdo.

También hay incisa una inscripción cuneiforme tanto en el anverso como en el reverso.

Cabe resaltar que a menudo la figura del león está asociada con las inscripciones de Sargón II, posiblemente podría haber sido una marca oficial que indicaría que el jarrón podría proceder del Tesoro o Palacio de Sargón II.

A parte se aprecian marcas de rotación de perforación claramente visibles en el interior, tanto desde el interior del cuello como en la parte inferior que es ligeramente convexa en el centro.

También hay pequeñas burbujas esféricas en todas las partes del recipiente, habiendo una mayor concentración dentro de las manijas de las asas.

Para finalizar subrayar que se conoce que el Jarrón de Sargón II se hizo moldeando un bloque sólido, perforando el centro y cortando grandes porciones del exterior para el pulido final.

Hay una gran meteorización en el interior del cuello, pero se detiene en la base del cuello, además un fino residuo de meteorización en el interior del jarrón implica que una cantidad limitada de humedad entró en el jarrón cuando estaba recostado o depositado de lado.

Los investigadores piensan que originalmente el jarrón estaba lleno de un material semisólido con un tapón orgánico cuando fue enterrado. A medida que el tapón se descomponía, el contenido se solidificaba  y se encogía ligeramente. 

Entonces el agua penetró por el cuello y una cantidad muy pequeña entró en el recipiente por un costado. Es de suponer que el contenido se desechó después de la excavaciones y la gruesa erosión del exterior debe haber sido eliminada manualmente para revelar el color del vidrio.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Cuadrante Astrolabio

El Cuadrante Astrolabio es un instrumento datado aproximadamente entre los años 1.889 d.C. y 1.890 d.C., perteneciente al arte otomano.

Cuadrante Astrolabio

Cuadrante Astrolabio

Se conoce que fue fabricado por el artista otomano Muhammad al-Sakasi al-Jarkasi, en su taller ubicado en la ciudad de Damasco (Siria).

También se conoce que el 13 de diciembre del año 1.996 d.C. fue subastado por la casa de subastas Christie's de Londres (Gran Bretaña), siendo adquirido por el coleccionista Philip Whyte.

En el año 1.997 d.C. el Cuadrante Astrolabio fue comprado por el Museo Británico de Londres (Gran Breña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Cuadrante Astrolabio

Descripción

El radio a lo largo del borde tiene una longitud de 13,40 cm, el radio a lo largo del borde recto tiene una longitud de 11 cm y tiene un grosor de 2 cm.

Está fabricado en barniz, madera y papel.

Se trata de un cuadrante astroblabio, es decir, un antiguo instrumento usado para medir ángulos en astronomía y navegación, que ha sido fabricado en madera frutal, revestido de papel y lacado.

Además cabe resaltar que el Cuadrante Astrolabio es un tipo de astrolabio que un funcionario o un comerciante podría haber utilizado en el Imperio Otomano entre los siglos XVIII d.C. y XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.701 d.C. y 1.900 d.C.).

Cuadrante Astrolabio

En el pequeño panel rectangular de un lado hay un calendario perpetuo calculado para el año lunar islámico.

Siendo su fecha más antigua 1.308 AH (correspondiente con el año 1.890 d.C.) y tiene la característica idiosincrásica curva de calcularse para ciclos de ocho años.

También de este lado hay un segundo calendario perpetuo calculado para el año solar turco.

Cabe destacar que los turcos fueron los únicos dentro del Islam en adoptar un año solar para todas sus transacciones financieras mientras seguían utilizando el calendario lunar para las festividades religiosas.

El nombre de éste año fiscal fue "maliye". Aunque los calendarios "maliye" también eran un poco extraños en el hecho de que marcaban los años bisiestos un año antes, por lo tanto según éstos calendarios el Cuadrante Astrolabio se fabrico en el año 1.307 AH (correspondiente con el año 1.889 d.C.), mientras que según el calendario islámico se hizo en el año 1.308 AH (correspondiente con el año 1.890 d.C.).

Cuadrante Astrolabio

Cuadrante Astrolabio

Se puede observar como en la brújula hay una tabla de correspondencia entre cuatro calendarios diferentes: el islámico, el año turco "maliye", el copto cristiano y un juliano francés.

Cada uno de los calendarios han sido traducidos en transcripciones al turco otomano 

Aparte se presenta mes por mes en relación con los nombres árabes de los meses.

Para finalizar subrayar que situado entre la brújula y la tabla de datos se puede apreciar la siguiente inscripción grabada en idioma árabe con el nombre del autor:

"رسمه الفقير محمّد الصكّاصي الجركسي"

Siendo su traducción aproximada la siguiente:

"Fue dibujado por Muhammad ad-Sakasi al-Jarkasi"

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Botella de Doble Cámara

La Botella de Doble Cámara es un recipiente datado aproximadamente entre los años 800 d.C. y 900 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte wari.

Botella de Doble Cámara

Botella de Doble Cámara

Lo primero que se conoce es que en el año 1.938 d.C. se encontraba en la colección de arte Bruno J. Wassermann-San Blas, ubicada en la ciudad de Buenos Aires (Argentina).

En el año 1.954 d.C. fue comprada por el empresario, inversor y filántropo judío-canadiense-estadounidense Nathan Cummings.

Hasta que en el año 1.964 d.C. la Botella de Doble Cámara fue adquirida por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Botella de Doble Cámara

Descripción

Tiene una altura de 14,3 cm y una longitud de 23,7 cm. Está fabricada en cerámica.

Se trata de un recipiente, una botella o una vasija de doble cámara conocida por los arqueólogos como "estilo Pachacamac".

Una de las cámaras tiene forma de botella con un solo pico, está conectada a través de un conducto y un puente a una figura modelada sentada en una plataforma escalonada y que lleva en la cabeza un sombrero de cuatro picos, un indicador del estatus de élite en la época wari.

Se puede observar como la boca de la figura, parcialmente rota en su lado superior izquierdo, fue mínimamente reconstruida para mostrar que originalmente fue modelada abierta, relacionándola con el sonido generado por el silbato dentro de la cabeza de cerámica.

Además como curiosidad resaltar que como parte de una traducción muy extendida en los Andes, la Botella de Doble Cámara cuando se llena parcialmente llena de agua y se balancea de lado a lado produce sonido.

Botella de Doble Cámara

Aparte se aprecia como los lados de la plataforma se encuentran decorados con diseños de bandas escalonadas. 

También hay pintadas en la parte superior de la plataforma, a cada lado de la figura humana, serpientes que evocan los bastones con cabezas que llevaban en cada mano los dignatarios wari.

Ambos bastones descansan a los pies de la figura, mientras ésta sostiene una concha de "spondylus" (bivalvo o pelicípodo caracterizado por su fuerte concha, espinas exteriores y su coloración va desde el blanco hasta el púrpura intenso), una de las sustancias rituales más importantes de los antiguos Andes.

La otra cámara está decorada por una serpiente ondulada y círculos blancos con puntos negros, mientras que el puente de cerámica está pintado con una banda de galones.

Con respecto a la composición destacar que se conoce que los elementos decorativos de la Botella de Doble Cámara fueron introducidos por los artistas wari cuando en el año 700 d.C. su imperio expansionista dominaba la costa central de Perú.

Para finalizar subrayar que el Imperio Wari se expandió, entre los años 600 d.C. y 1.000 d.C., desde las tierras altas de Ayacucho para dominar gran parte de lo que hoy es Perú.

En algunas regiones, la presencia de asentamientos wari o centros administrativos sugieren un control territorial o dominación económica.

Pero en otras regiones su influencia fue más visible en la transformación de las artes visuales, con artistas que incorporaron temas, diseños y colores de estilo imperial en sus obras.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Busto de Plata de Serapis

El Busto de Plata de Serapis es una escultura datada aproximadamente en el siglo II d.C. (período comprendido entre los años 101 d.C. y 200 d.C.), perteneciente al arte romano.

Busto de Plata de Serapis

Lo primero que se conoce es que la escultura fue adquirida en Egipto, hasta el año 1.925 d.C. pertenecía a la colección Joseph Durighiello, expuesta en la galería de arte "Georges Petit", ubicada en la ciudad de París (Francia).

El 20 de junio del año 1.925 d.C. el Busto de Plata de Serapis fue comprado por A. De Nanteuil, pasando a formar parte de su colección de arte.

El 13 de junio del año 1.966 d.C. la escultura fue vendida por la casa de subastas Sotheby's de Londres (Gran Bretaña), siendo comprada por el restaurador y coleccionista de arte Jan Mitchell.

Hasta que en el año 1.991 d.C. el Busto de Plata de Serapis fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Busto de Plata de Serapis

Descripción

Tiene una altura de 15,6 cm y una anchura de 9,5 cm. Está fabricado en oro y plata.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa el busto del dios Serapis (dios oficial de Egipto y Grecia y dios de la curación).

El dios está representado como un hombre maduro. Aparte en el rostro destacan los ojos almendrados, la nariz recta y los labios carnosos.

Además se aprecia como el cabello rizado le llega hasta la altura de los hombros y la barba es frondosa y rizada. También se observa como está ataviado con una túnica vaporosa con numerosos pliegues.

Con respecto a la composición destacar que los investigadores creen que originalmente el busto tenia en la parte superior de la cabeza un modius o modio (tocado cilíndrico o corona que era utilizado en el arte del Antiguo Egipto y en el mundo greco-romano), puesto que siempre era representado en la cabeza del dios.

Para finalizar subrayar que en el siglo II d.C. (período comprendido entre los años 101 d.C. y 200 d.C.) el dios Serapis se había convertido en una de las deidades más populares del Imperio Romano.

También es conocido que muchas representaciones del dios fueron bustos portátiles, adecuados para el culto privado. Sin embargo el único ejemplar conocido fabricado en plata y oro que ha llegado hasta la actualidad es el Busto de Plata de Serapis.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Venus Anadiómena

La Venus Andiómena, también conocida como Venere Anadiomene, es una pintura datada aproximadamente en el año 1.520 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Venus Andiómena

Fue pintada por el pintor italiano Tiziano Vecellio di Gregorio (también conocido como Tiziano).

Lo primero que se conoce es que la pintura se encontraba en posesión de la duquesa de Bremen y princesa de Verden Cristina de Suecia.

También es conocido que perteneció a la colección de arte del conde de Ellesmere.

Después perteneció al sexto duque de Sutherland, quien en el año 1.945 d.C. lo prestó junto con otras 26 pinturas a la Galería Nacional de Escocia.

Después de la muerte del duque ocurrida en el año 2.000 d.C. la pintura pasó a ser propiedad del séptimo duque de Sutherland, Francis Egerton.

Hasta que en el año 2.003 d.C. la Venus Anadiómena fue comprada por la Galería Nacional de Escocia, ubicada en la ciudad de Edimburgo, en Escocia (Gran Bretaña).

Como curiosidad resaltar que después de la venta al museo Francis Egeton dijo: "Para todos los efectos, nada ha cambiado, excepto que la pintura ahora pertenecerá a la nación".

Descripción

Tiene una altura de 73,6 cm y una anchura de 58,4 cm. Está pintada al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa la figura de la diosa Venus (diosa del amor, de la belleza y de la fertilidad) desnuda, saliendo del mar y retorciéndose el cabello, después de su nacimiento en plena madurez.

La diosa aparece representada con el cuerpo voluptuoso girado hacia el lado derecho, caminando hacia delante y con la espalda ligeramente encorvada.

La cabeza se encuentra girada hacia el lado izquierdo mirando de soslayo, mientras que en el rostro ovalado destacan los ojos almendrados, la nariz recta y los labios pequeños y carnosos.

Además se aprecia cómo el cabello castaño es largo y ondulado, resalta como con las manos se retuerce y desenreda el pelo que le cae por delante del cuerpo.

En el fondo de la composición destaca cómo la diosa se encuentra metida en el agua hasta la altura de las rodillas, aparte se observa como en la parte inferior derecha hay representada una pequeña concha de viera flotando sobre el mar.

En cuanto al cielo, éste aparece representado en un tono azul-violeta oscuro dónde resaltan algunas nubes oscuras y que contrasta con el azul del mar.

Cabe destacar que durante una restauración la pintura fue sometida a una radiografía que reveló que originalmente la cabeza de la diosa se encontraba representada en una posición diferente.

Para finalizar subrayar que la pintura hace referencia a la leyenda en la que el titán Saturno (personificación del Tiempo) destronó y mató a su padre el dios Caelus (dios de los cielos), Saturno le cortó los genitales y los arrojó al mar.  

Cuando los genitales cayeron al mar del contacto con el agua y el roce de la espuma nació la diosa Venus, simbolizando la fecundación del mar por el cielo. 

Sin embargo el momento representado en la pintura alude a la llegada de la diosa Venus sobre una concha a la playa de una de las islas siguientes islas: Chipre, Pafos o Citerea.

Según la leyenda la diosa fue transportada por el dios Céfiro (dios del viento oeste) hasta la tierra, siendo acogida por las diosas Horas (diosas de las estaciones) que la vistieron y condujeron a la morada de los dioses.  

Actualmente se encuentra en la Galería Nacional de Escocia, Gran Bretaña.

Tortera Teotihuacán

La Tortera Teotihuacán es una tortera datada aproximadamente entre los años 100 a.C. y 750 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte teotihuacán.

Tortera Teotihuacán

Tortera Teotihuacán

Se conoce que fue hallada durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en el yacimiento arqueológico de San Juan de Teotihuacán.

Localizado en el nordeste de la Ciudad de México, en México (también conocido como Estados Unidos Mexicanos).

También se conoce qué perteneció a la colección del militar naval Gerald N. Jeare, hasta que en el año 1.939 d.C. la Tortera Teotihuacán fue donada al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), donde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 1,40 cm y un diámetro de 4 cm. Está fabricada en cerámica.

Se trata de una tortera, también conocida como volante o fuyasola con forma circular que era colocada en el huso de tipo vertical para ser utilizada como contrapeso, además también era utilizada como un tope cuando la tortera se situaba en la parte inferior del huso de tipo vertical.

Aparte se puede observar como el anverso se encuentra totalmente ornamentado por un diseño de una cara, resalta como los contornos que dan forma a la cara han sido realizados cuando la arcilla se encontraba húmeda, para después una vez secada los contornos fueron policromados en un tono más oscuro que la cerámica.

Para finalizar subrayar que los investigadores consideran que debido a su decoración la Tortera Teotihuacán aparte de ser usada para hilar, podría también haber tenido algún uso ritual.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Figura Femenina de Mármol

La Figura Femenina de Mármol es una escultura datada aproximadamente entre los años 3.200 a.C. y 2.800 a.C., perteneciente al arte prehelénico, en concreto al arte cicládico.

Figura Femenina de Mármol

Fue elaborada durante el período Cicládico antiguo I (período comprendido entre los años 3.300 a.C. y 2.900 a.C.) y pertenece a la cultura Grotta-Pelos.

Se conoce que la Figura Femenina de Mármol perteneció a la colección del coleccionista de arte y escritor estadounidense Edward Perry Warren (también conocido como Ned Warren).

En el año 1.945 d.C. la escultura fue adquirida por el comerciante y coleccionista de arte alemán Jacob Hirsch.

En ese mismo año, 1.945 d.C., la Figura Femenina de Mármol fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Figura Femenina de Mármol

Descripción

Tiene una altura de 21,6 cm. 

Está fabricada en mármol, mediante las técnicas de incisión, pulido y tallado.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la figura de una mujer desnuda con rasgos naturalistas, se encuentra englobada dentro de las esculturas conocidas como tipo "Plastiras".

En la cabeza con forma ovalada destacan las orejas grandes. En el rostro resaltan los ojos redondos, la nariz y la boca los tres realizados muy marcados y de forma esquemática, además se puede apreciar como en la parte superior de la cabeza lleva un tocado inciso.

Figura Femenina de Mármol

El cuello está representado largo y ancho. Aparte ambos pechos sobresalen hacia delante.

También resaltar como aunque los manos se encuentran situadas sobre el estómago, los brazos no están representados cruzados.

Las caderas son anchas y las piernas se encuentran representadas ligeramente separadas resaltando las rótulas.

Con respecto a la composición destacar tanto los dedos de los pies como el pubis, el ombligo, los dedos de las manos y dos líneas marcadas en el cuello han sido realizadas mediante finas incisiones.

Para finalizar subrayar que los pares de agujeros situados en el cuello y en la pierna derecha son reparaciones antiguas a las que le falta la "pinza" o unión que posiblemente haya sido fabricada en metal u otro material.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Sueño de China

El Sueño de China, también conocido como Dream of China, es una escultura datada en el año 2.008 d.C., perteneciente al arte chino.

Sueño de China

Sueño de China

Fue elaborada por el escultor, artista de performance y artista chino Wang Jin (王晋).

Se conoce que perteneció a la colección del artista, hasta que en el año 2.012 d.C. el Sueño de China fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), donde pasó a formar parte de su colección de arte.

Pero cabe destacar que los derechos y reproducción son de © Wang Jin (王晋).

Sueño de China (detalle)

Descripción

Tiene una altura de 164 cm, una anchura de 218 cm y un diámetro de 30 cm. 

Está fabricado en cloruro de polivinilo, hilo de pescar de nailon, una cadena de hierro y un gancho.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que reproduce mediante la utilización de materiales industriales de PVC e hilo de pescar de nailon una túnica de dragón (también conocida con el nombre de gunlongpao, 袞龍袍 o 袞龙袍) tradicional al estilo de la corte de la dinastía Qing (清朝).

Cabe resaltar que durante la dinastía Qing la túnica de dragón era la vestimenta cotidiana del emperador, sus consortes, la emperatriz y el príncipe heredero.

Sueño de China (detalle)

Se observa como la túnica translucida se encuentra decorada con bordados en tonos verdes de olas, nubes y dragones.

También en la parte inferior, en el borde inferior de la túnica, está bordado el nombre del autor (Wang Jin) y el año en el que fue elaborada (2008).

Además está suspendida rígidamente por una cadena de hierro, con las mangas extendidas como si estuviera sostenida por miembros invisibles, aparte se aprecia como la túnica parece inquietantemente etérea.

Para finalizar subrayar que el artista con esta obra desmantela el prestigio y el poder imperial, normalmente asociados con la túnica del dragón y la trasforma en algo pintoresco y esquivo.

Como indica el título "Sueño de China" el artista imbuye las imágenes icónicas con nuevos significados y críticas en respuesta al consumismo y la industrialización que se ha extendido por China desde principios de la década de 1.990 d.C. (período comprendido entre los años 1.990 d.C. y 1.999 d.C.).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Relicario de San Rossore

El Relicario de San Rossore, también conocido como Busto de San Lussorio, es una escultura datada aproximadamente entre los años 1.424 d.C. y 1.427 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Relicario de San Rossore

Fue esculpida por el artista, escultor y pintor italiano Donato di Niccolò di Betto Bardi (también conocido como Donatello).

Cabe destacar que aunque el diseño fue definido y supervisado por Donatello.

La escultura fue fundida en cinco partes por Jacopo degli Stroza para después ensamblarlas en frío.

Se conoce que originalmente se encontraba en la Iglesia de Todos los Santos (Chiesa di Ognissanti).

Ubicada en la ciudad de Florencia, situada en la región de la Toscana, en Italia.

En el año 1.591 d.C. el Relicario de San Rossore pasó a formar parte de la colección de la iglesia "Santo Stefano dei Cavaliere".

Ubicada en la "piazza dei Cavalieri", situada en la ciudad de Pisa, en la región de la Toscana (Italia).

Hasta que en el año 1.949 d.C. la escultura pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Nazionale di San Matteo, localizado en la ciudad de Pisa, situada en la región de la Toscana, en Italia.

Relicario de San Rossore

Relicario de San Rossore

Relicario de San Rossore

Relicario de San Rossore

Descripción

Tiene una altura de 56 cm y una anchura de 60,5 cm. Está elaborada en bronce dorado.

Se trata de una escultura, un busto-relicario que representa al soldado romano convertido al cristianismo San Lussorio (también conocido como San Rossore).

La cabeza se encuentra representada ligeramente inclinada hacia delante. Además en el rostro destacan las arrugas de la frente, los ojos almendrados con las cuencas vacías, la nariz recta y los labios finos.

También se puede observar como el cabello es corto y ondulado y tanto el bigote como la perilla se encuentran representadas mediante incisiones cortas. 

Cabe resaltar que la mirada se encuentra dirigida hacia abajo por lo que se deduce que originalmente el Relicario de San Rossore se encontraba situado en una posición alta para que pudiera ser contemplado desde abajo. 

Relicario de San Rossore

Así mismo resaltar que los investigadores consideran que al encontrarse la escultura en una posición alta la escultura estaba más protegida de los robos.

Se encuentra ataviado con un armadura de cuello alto, con charretera (divisa militar que asegura el hombro y los flecos cuelgan sobre la parte superior del brazo) y sobre la armadura lleva puesta una túnica romana con pliegues sujeta mediante una fíbula redonda. 

Es conocido que originalmente la escultura se encontraba apoyada sobre una base con forma octogonal con molduras y decorada en el frente mediante lucernarios de cristal.

Para finalizar subrayar que el Relicario de San Rossore fue encargado por los monjes del convento de Ognissanti con la finalidad de honrar al santo  San Lussorio (también conocido como San Rossore), mediante la conservación de su cráneo.

Aparte destacar que el cráneo provenía de la decapitación del santo durante su martirio en la isla de Cerdeña (Italia), siendo la decapitación ocurrida durante el reinado del emperador romano Diocleciano (también conocido como Cayo Aurelio Valerio Diocleciano Augusto).

Además se puede apreciar el cráneo colocado en el interior de la escultura tan sólo a través de una pequeña ventana situada en la base del Relicario de San Rossore. 

Actualmente se encuentra en el Museo Nazionale di San Matteo, Italia.

Rinoceronte Dorado de Mapungubwe

El Rinoceronte Dorado de Mapungubwe es un artefacto datado aproximadamente entre los años 1.075 d.C. y 1.220 d.C., perteneciente al arte africano.

Rinoceronte Dorado de Mapungubwe

Fue elaborado por el Reino de Mapungbwe, un estado medieval en Sudáfrica ubicado en la confluencia de los ríos Shashe y Limpopo, situados al sur de Zimbabue.

Fue hallado en el año 1.932 d.C. durante unas excavaciones arqueológicas realizadas por el arqueólogo Jerry van Graan.

En el interior de una tumba real ubicada en la colina de Mapungubwe.

En el año 1.933 d.C. el Rinoceronte Dorado de Mapungubwe, junto con otros objetos como las figuras de un búfalo, un gato y fragmentos de pan de oro, fueron comprados por la Universidad de Pretoria (Sudáfrica), pasando a formar parte de la "Colección Mapungubwe".

Desde junio del año 2.000 d.C. el Rinoceronte Dorado de Mapungubwe fue expuesto en el Museo de la Universidad de Pretoria (Sudáfrica). 

Descripción

Se trata de un artefacto medieval con forma de un rinoceronte pequeño fabricado en madera y cubierto con finas láminas de oro. Cabe destacar que el artefacto es descrito como "lo suficientemente pequeño como para caber en la palma de una mano".

Los investigadores piensan que originalmente el artefacto podría haber formado parte de un cuenco mágico, es decir, un instrumento de un adivino utilizado en varias culturas africanas.

Aparte de las figuras situadas en el interior del cuenco, también se utilizaba agua y semillas que luego eran interpretadas por hechiceros. El Rinoceronte Dorado de Mapungbwe podría formar parte del cuenco, puesto que el rinoceronte estaba algo curvado y esa curvatura encajaría con el borde de un cuenco mágico.

Además resaltar que la excavación arqueológica realizada en Mapungubwe reveló la existencia de una élite gobernante que vivía separada en un asentamiento similar a una colina.

Siendo el primer ejemplo conocido de una sociedad basada en clases en el sur de África. Aparte destacar que éste artefacto también confirma a Mapungubwe como un rico centro comercial.

Es más se conoce que los comerciantes indios y semíticos (pueblos que se establecieron en Mesopotamia y el Próximo Oriente) ya conocían el oro del sur de África a principios del primer milenio y los comerciantes de los pueblos dravídicos (habitantes originarios del extremo meridional del subcontinente indio) comerciaban con el Reino de Mapungubwe.

Para finalizar subrayar que desde el 26 de octubre del año 2.016 d.C. hasta el 27 de febrero del año 2.017 d.C. el Rinoceronte Dorado de Mapungubwe fue exhibido en el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña) como parte de una exposición que celebraba el arte de Sudáfrica.

Actualmente se encuentra en el Museo de la Universidad de Pretoria, Sudáfrica.