Jarrón Fonthill

El Jarrón Fonthill, también conocido como Jarrón Gaignières-Fonthill, es un jarrón datado aproximadamente entre los años 1.300 d.C. y 1.400 d.C., perteneciente al arte chino.

Jarrón Fonthill

Los investigadores piensan que el jarrón podría haber sido un regalo de una embajada china al rey de Hungría, Croacia y Polonia, Luis I de Hungría (también conocido como Luis de Anjou o "el Húngaro").

Recibido en el año 1.338 d.C. cuando se dirigía a visitar al Papa Benedicto XII.

Después el jarrón fue montado con un mango y una base de plata, transformándolo en una jarra y transferido como regalo en el año 1.381 d.C. al rey de Nápoles y Hungría, Carlos III de Nápoles (también conocido como Carlos II de Hungría, Carlos de Durazzo o Carlos el Corto).

Se conocen varios propietarios posteriores como el príncipe francés de la rama de Valois y duque de Berry, Juan de Francia (también llamado Juan I de Berry) y el príncipe de Francia, Luis de Francia (también conocido como el Gran Delfín).

A finales del siglo XVII d.C. el Jarrón Fonthill se encontraba en posesión del obispo francés François Lefebvre de Caumartin (también conocido como Juan François Paul Lefèvre de Caumartin).

El jarrón estuvo más tarde en posesión del novelista, critico de arte, escritor de crónicas de viaje y político inglés William Thomas Beckford.

Jarrón Fonthill

En el año 1.822 d.C. el jarrón fue vendido al millonario y comerciante escocés de pólvora John Farquhar.

Las monturas añadidas de plata se quitaron en el siglo XIX d.C. y el jarrón reapareció en el año 1.882 d.C. en una venta de los herederos de Beckford en el Palacio de Halmilto (Escocia).

Siendo en el año 1.882 d.C. el Jarrón Fonthill comprado por 28 libras esterlinas y 7 chelines por el Museo Nacional de Irlanda, dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Se trata de un jarrón de porcelana china Quingbai (青白) de color blanco azulado monocromático compuesto por un pequeño pie, un cuerpo ovalado, un cuello fino y el labio evertido.

Jarrón Fonthill

La decoración en relieve está compuesta en el cuerpo por grandes medallones con ornamentación compuesta por patrones vegetales.

También se puede observar como el cuello está ornamentado por finas líneas horizontales en relieve y por diversos patrones geométricos.

Cabe destacar que se conoce que el jarrón es una de las primeras piezas de porcelana de Jingdezhen (景德镇陶瓷), elaboradas en la ciudad-prefectura de Jingdezhen (景德镇市) , situada en la provincia de Jiangxi (江西省), en China (中国).

Para finalizar subrayar que el Jarrón Fonthill es famoso por ser el primer jarrón de porcelana china documentado que llegó a Europa.

Además resaltar que la porcelana china Quingbai (青白) era un testimonio de intercambios comerciales entre China y Europa durante la época medieval.

Actualmente se encuentra en el Museo Nacional de Irlanda, en la ciudad de Dublín.

Estela de Shamshi-Adad V

La Estela de Shamshi-Adad V es una estela datada aproximadamente entre los años 815 a.C. y 811 a.C., perteneciente al arte mesopotámico, en concreto al arte asirio.

Estela de Shamshi-Adad V

Fue hallada en el año 1.855 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas por el asiriólogo iraquí naturalizado británico Hormuzd Rassam.

Cerca del templo de Nabu en la ciudad de Nimrud, localizada al lado del río Tigris, aproximadamente 30 km al sudeste de la ciudad de Mosul, en Irak.

En el año 1.856 d.C. la Estela de Shamshi-Adad V fue adquirida por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Estela de Shamshi-Adad V

Descripción

Tiene una altura de 195,24 cm, una anchura de 92,54 cm y una profundidad de 71,96 cm. 

Está fabricada en piedra caliza, mediante las técnicas de incisión y tallado.

Se trata de una estela de piedra rectangular que presenta la parte superior redondeada, además en una de sus superficies tiene representada una escena en relieve.

Aparece representado el rey de Asiria Shamshi-Adad V en posición de pie, girado hacia el lado derecho, con la mano derecha extendida hacia arriba chasqueando los dedos, mientras que con la mano izquierda sostiene una maza, símbolo de la autoridad real. 

Se encuentra ataviado con una túnica larga ceñida a la cintura con un cinturón, también lleva en la cabeza un sombrero cónico y tiene una barba poblada de estilo arcaico.

Estela de Shamshi-Adad V

El rey se encuentra adorando a cinco deidades representadas simbólicamente por cinco emblemas en la esquina superior derecha.

Los cinco emblemas son:

(1) La corona del dios Anu (dios del cielo, señor de las constelaciones y rey de los dioses), con tres cuernos. 

(2) El disco alado representado al dios Shamash (dios del sol y dios de la justicia). 

(3) El disco y la media luna representado al dios Sin (dios de la Luna). 

(4) Una línea bifurcada representado al dios Haddad (dios del trueno y dios de la lluvia). 

(5) La estrella de ocho puntas de la diosa Ishtar (diosa del amor, de la belleza, de la vida y de la fertilidad).

Además destacar que el colgante con forma de cruz que lleva el rey alrededor del cuello es utilizado como un amuleto y es un símbolo del dios sol.

Para finalizar subrayar que en los lados de la estela hay grabada una inscripción en escritura cuneiforme en la que están registradas las campañas militares del rey Shamshi-Adad V.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Corona Cilíndrica Lambayeque

La Corona Cilíndrica Lambayeque es una corona datada aproximadamente entre los años 900 d.C. y 1.100 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte lambayeque o arte sicán.

Corona Cilíndrica Lambayeque

Se conoce que fue encontrada dentro del recinto arqueológico de Sicán, en el interior del Santuario Histórico Bosque de Pómac.

Localizado aproximadamente a 40 kilómetros al noroeste de la ciudad de Chiclayo, en la costa norte de Perú.

Se encontraba en propiedad de "John Wise Ltd.", situada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.962 d.C. la Corona Cilíndrica Lambayeque fue comprada por la filántropa y coleccionista de arte estadounidense Alice K. Bache.

Hasta que en el año 1.977 d.C. la corona fue legada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Corona Cilíndrica Lambayeque

Descripción

Tiene una altura de 21 cm y un diámetro de 18,4 cm. Está fabricada en oro.

Se trata de una corona con forma cilíndrica que se estrecha suavemente en el medio. 

Está fabricada en una lámina de metal con una aleación de 44 % de oro, 32 % de plata y 24 % de cobre, que fue trabajada desde atrás mediante repujado.

Además la parte exterior se encuentra ornamentada por un patrón de diamante escalado similar a un textil, realzado con el punteado o el patrón de cabeza de alfiler en el fondo y a lo largo de los bordes que han sido logrados mediante un punzón en el anverso de la hoja. 

Corona Cilíndrica Lambayeque

Se puede observar como una banda vertical de motivos ondulados están flanqueados por bordes lisos que interrumpe el patrón de diamantes a ambos lados de la corona.

Los bordes superior e inferior contiene una banda decorada por criaturas con una cola rizada, una cabeza con cresta, fauces abiertas y ojos circules y saltones representados en relieve.

También situado a lo largo del borde superior hay pares de perforaciones de forma irregular, quizás utilizadas para sujetar plumas u otros elementos ahora perdidos.

Cabe destacar como los extremos de la lámina están unidos por una lazada de metal, imitando a las lazadas de las telas.

Para finalizar subrayar que los patrones de diamante escalonado aparte de ser particularmente popular dentro del arte lambayeque o arte sicán, también se dieron en la escultura arquitectónica del imperio Chimú y en la cerámica del arte inca.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Casco de Tombac

El Casco de Tombac es un casco datado aproximadamente en el siglo XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.700 d.C.), perteneciente al arte otomano.

Casco de Tombac

Lo primero que se conoce es que se encontraba en propiedad del coleccionista y fotógrafo estadounidense Theron Johnson Damon, quién compró el casco en la ciudad de Estambul (Turquía).

En el año 1.925 d.C. fue comprado por el historiador de arte, experto en armas medievales y zoólogo estadounidense Bashford Dean.

Después en el año 1.928 d.C. el casco fue adquirido por el empresario y financiero estadounidense Clarence Hungerford Mackay.

En el año 1.938 d.C. fue comprado por el coleccionista y marchante de arte austriaco Leopold Blumka.

Hasta que en el año 1.974 d.C. el Casco de Tombac fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América) por la coleccionista de arte alemana Ruth Blumka, en memoria de su esposo Leopold Blumka.

Casco de Tombac

Descripción

Tiene una altura de 27,5 cm y una anchura de 23 cm. 

Está fabricado en tombac (aleación de cobre y zinc), mediante las técnicas de repujado, grabado, punteado y dorado.

Se trata de un casco también conocido como casco turbante, con forma bulbosa que ha sido fabricado a partir de una única placa o lámina de tombac que se va estrechando hacia la parte superior.

La superficie exterior se encuentra ornamentada mediante un repujado en bajorrelieve con forma de lóbulos verticales.

Casco de Tombac

Además presenta decoración compuesta por un patrón arabesco de hojas, es decir, el patrón está compuesto por figuras geométricas vegetales y otros patrones que imitan las formas de las hojas.

También se puede observar como situado en la parte inferior del casco hay una especie de sello que podría ser la firma de trabajador metalúrgico otomano que fabricó el casco.

Mientras que en la parte superior se aprecia como el casco se encuentra acabado por una pequeña protuberancia puntiaguda.

Para finalizar subrayar que originalmente el Casco de Tombac formaba parte de una armadura tombac utilizada para desfiles, esto es debido a que eran muy fácil de confeccionar, ligero y sobretodo vistoso.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

León Alado de Vulci

El León Alado de Vulci es una escultura datada aproximadamente entre los años 550 a.C. y 540 a.C., perteneciente al arte etrusco. 

León Alado de Vulci

Cabe resaltar que el año del hallazgo es desconocido, pero se conoce que fue descubierta durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en la necrópolis de Vulci.

Localizada en la provincia de Viterbo, situada en la región del Lacio, en Italia.

León Alado de Vulci

En el año 1.975 d.C. el León Alado de Vulci fue adquirido por el Museo del Louvre de París (Francia), dónde pasó a formar parte de su colección de arte, dentro del departamento de antigüedades griegas, etruscas y romanas.

León Alado de Vulci

Descripción

Tiene una altura de 109 cm, una anchura de 74 cm, una profundidad de 28 cm y un peso de 163 kg. 

Está fabricada en nefro (lava de roca volcánica, toba gris o traquita con bandas o fonolita leucita con una estructura suave pero compacta), mediante las técnicas de incisión y tallado.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la figura de un león alado.

León Alado de Vulci

El león aparece representado con la cabeza erguida, con una pose intermedia entre estar de pie y sentado, es decir, las patas delanteras se encuentran representadas totalmente erguidas mientras que las traseras están apoyadas en la base. 

León Alado de Vulci

La base está formada por un pedestal rectangular tallado en el mismo material que el resto de la escultura.

Las fauces están representadas abiertas, como si el león hubiera sido representado rugiendo con la lengua colgante.

Se observa como los ojos se encuentran delineados y las fauces están muy marcadas.

Las alas están abiertas, estiradas hacia arriba y se aprecia como en su superficie hay un patrón lineal representado al plumaje.

Con respecto al estado de conservación la escultura se encuentra incompleta, faltan partes de la oreja izquierda, la mandíbula y el cuarto trasero, además hay pequeños huecos por todo el cuerpo y la base y la superficie se encuentra erosionada.

Para finalizar subrayar que la escultura se encuentra inspirada en los modelos de la antigua Grecia y del antiguo Oriente. Aparte los investigadores piensan que la escultura originalmente se encontraba en la entrada de una tumba haciendo la función de guardián.

Actualmente se encuentra en el Museo del Louvre de París, Francia.

Broche de Dowgate Hill

El Broche de Dowgate Hill es un broche datado aproximadamente entre los siglos X d.C. y XI d.C. (período comprendido entre los años 901 d.C. y 1.100 d.C.), perteneciente al arte medieval.

Broche de Dowgate Hill

En concreto se encuentra englobado dentro del arte prerrománico y dentro de éste pertenece al arte otoniano.

Se conoce que fue encontrado en la calle de Thames (Thames Street), cerca del barrio Dowgate Hill.

Broche de Dowgate Hill

Localizado en el centro histórico y financiero de la ciudad de Londres, al sur del río Támesis, en Gran Bretaña.

Después perteneció a la colección de arte del arqueológo y anticuario inglés Charles Roach Smith.

Hasta que en el año 1.856 d.C. el Broche de Dowgate Hill fue comprado por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Broche de Dowgate Hill

Descripción

Tiene un diámetro de 3,60 cm. 

Está fabricado en oro, esmalte y perla, mediante las técnicas de esmaltado, granulación y filigrana.

Se trata de un broche disco con forma circular que se encuentra ornamentado en el centro del anverso por un medallón central con un busto realizado en esmalte cloisonné.

Alrededor del medallón central hay una banda o borde exterior con una  ornamentación geométrica realizada con filigrana y granulado que además tiene un total de cuatro perlas incrustadas.

Para finalizar subrayar que en el reverso del Broche de Dowgate Hill se puede apreciar como hay un pequeño gancho originalmente destinado a servir de sujeción para el broche mediante el uso de un cordón o un pequeño alfiler.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Inscripción de la Esfinge Fenicia

La Inscripción de la Esfinge Fenicia, también conocida como Inscripción de Abdadoni, es una inscripción datada aproximadamente entre los años 400 a.C. y 222 a.C., perteneciente al arte fenicio.

Inscripción de la Esfinge Fenicia

Cabe destacar que el año del descubrimiento es desconocido.

Pero se conoce que fue encontrada durante las excavaciones arqueológicas realizadas en el yacimiento arqueológico de Umm Al Amad.

Localizado cerca de la ciudad de Naqoura, en el sur del Líbano.

Descripción

Se trata de una inscripción escrita en el zócalo con forma rectangular de una estatua de una esfinge acostada de la que tan solo se conservan las patas delanteras y la parte delantera del zócalo.

La inscripción escrita en alfabeto fenicio dice que la estatua se encontraba dedicada a Milk'ashtart El-Hammon.

Cabe destacar que es conocido que durante el hallazgo el cuerpo de la esfinge fue encontrado tirado junto a ella, pero sin embargo no se puedo hallar la cabeza.

Inscripción de la Esfinge Fenicia

Además fue encontrada a la derecha de una entrada a uno de los edificios del lado este, al borde de la calle.

Los investigadores piensan que éste edificio podría ser la entrada al Templo de Milk'ashtart.

Aparte de que originalmente la entrada podría haber estado flanqueada por dos de esas esculturas de las que tan solo se conserva la Inscripción de la Esfinge Fenicia.

Para finalizar subrayar que el descubrimiento fue publicado por primera vez en el año 1.962 d.C. por el arqueólogo francés Maurice Dunand y el arquológo Raymond Duru, aunque los investigadores creen que probablemente la inscripción se descubrió anteriormente.

Actualmente se encuentra en el Museo Nacional de Beirut, Líbano.

Porciones de una Coraza

Las Porciones de una Coraza es parte de una armadura datada aproximadamente entre los siglos XVI d.C. y XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.501 d.C. y 1.800 d.C.), perteneciente al arte otomano.

Porciones de una Coraza

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte del coleccionista, escritor, ingeniero minero y metalúrgico estadounidense George Cameron Stone.

Hasta que en el año 1.935 d.C. las Porciones de una Coraza fueron legadas al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

La coraza tiene una altura de 36 cm y una anchura de 46 cm. 

El diámetro mínimo del disco central es de 27,61 cm, mientras que el diámetro máximo del disco central es de 28,24 cm.

La defensa del hombro tiene una altura de 10,5 cm y una anchura de 50,5 cm.

Están fabricadas en acero, aleación de cobre, hierro y textil.

Porciones de una coraza

Se trata de partes de una armadura compuesta por una coraza y un protector de defensa del hombro.

El protector de defensa del hombro está compuesto por tres placas unidas con cota de maya y decoradas con diferentes patrones de flores.

La parte delantera de la armadura está formada por un peto con forma circular ornamentado en el centro por una pequeña protuberancia decorada con un patrón vegetal y rodeada por varias bandas ornamentadas por diversos patrones: geométricos y lineales que están acabados en la parte del borde exterior por letras cúficas.

Porciones de una coraza

Alrededor hay un total de cinco placas, de diferentes tamaños, unidas al peto mediante restos de una cota de malla.

Además se observa como las placas se encuentran ornamentadas mediante letras grabadas en altorelieve con varios versos diferentes del Corán alabando a Alá.

Para finalizar subrayar que las armaduras con petos circulares fueron utilizadas por la caballería pesada otomana a lo largo del siglo XVI d.C. (período comprendido entre los años 1.501 d.C. y 1.600 d.C.).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Vestido Tarkhan

El Vestido Tarkhan es un vestido datado aproximadamente entre los años 3.482 a.C. y 3.102 a.C., perteneciente al arte egipcio.

Vestido Tarkhan

Fue hallado en el año 1.913 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas por el egiptólogo británico William Matthew Flinders Petrie.

En el interior de la "mastaba 2050", ubicada en la necrópolis Tarkan, localizada a 50 km al sur de la ciudad de El Cairo, en la orilla oeste del río Nilo (Egipto).

Cabe resaltar que durante la excavación se encontraron una cantidad de tela de lino debajo de la arena junto con otros artefactos. 

En lugar de desechar la ropa se preservó todo con la esperanza de que algún día ayudaría a arrojar luz sobre la vida cotidiana de los antiguos egipcios.

El montón de trapos sucios que William Matthew Flinders Petrie recuperó estuvo guardado y olvidado durante sesenta y cinco años en el interior del Museo Petrie de Arqueología Egipcia.

Fue redescubierto en el año 1.977 d.C. cuando los conservadores del Museo Petrie de Arqueología Egipcia que estaban clasificando y limpiando "trapos funerarios" se tropezaron con la prenda.

Resalta como la conservadora textil Sheila Landi mientras retiraba con cuidado el barro endurecido del vestido, se emocionó al ver arrugas en las mangas a la altura del codo y debajo de los brazos, lo que indicaba que el vestido se había usado en vida. 

Vestido Tarkhan

Además llama la atención que la prenda también se encontró al revés como si se la sacaran por la cabeza.

Después de llevar a cabo una datación por radiocarbono y un estudio, el Vestido Tarkhan fue expuesto en el Museo Petrie de Arqueología Egipcia, situado en la ciudad de Londres, en Gran Bretaña.

Descripción

Se trata de un vestido de lino elaborado a partir de tres piezas de lino resistente tejido a mano con una raya gris pálido que complementa las mangas y el corpiño cuidadosamente plisados.

Vestido Tarkhan

En total está formado por un tejido de lino blanco de 22 a 23 urdimbres y 13 a 14 tramas por centímetro que creen la raya gris pálido.

El cuerpo principal del vestido es recto con una anchura de 76 cm, también se aprecia como el cuello presenta un escote en uve o pico.

Falta la parte inferior del vestido, por lo que es difícil decir cuál era el largo original del vestido o si era para un hombre o una mujer.

Vestido Tarkhan (detalle)

Pero sus dimensiones indican que le quedaba a un joven adolescente o a una mujer delgada.

Cabe subrayar que el Vestido Tarkhan es el ejemplo más antiguo del mundo de una prenda tejida que se conserva en la actualidad.

Aparte llama la atención como es una pieza entallada de manga larga, escote en pico y pliegues estrechos que sorprende por su modernidad.

Para finalizar como curiosidad resaltar para todos aquellos interesados en la sastrería, que en la página web del Museo Petrie de Arqueología Egipcia se proporcionan instrucciones de corte y costura sobre cómo hacer su propio Vestido Tarkhan.

Actualmente se encuentra en el Museo Petrie de Arqueología Egipcia, Gran Bretaña.

Tablilla de Maldición de Pela

La Tablilla de Maldición de Pela es una tablilla datada aproximadamente entre los siglos IV a.C. y III a.C. (período comprendido entre los años 400 a.C. y 201 a.C.), perteneciente al arte griego.

Tablilla de Maldición de Pela

Fue hallada en el año 1.986 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas en el interior de una tumba localizada en la necrópolis oriental de la antigua ciudad de Pela.

Localizada en la llanura central de la región de Macedonia, situada al oeste del río Axio y entre el río Lidias, en Grecia.

Poco después de su descubrimiento la Tablilla de Maldición de Pela pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Arqueológico de Pela (Grecia).

Descripción

Se trata de una tablilla compuesta por una plancha de plomo con una inscripción inscrita que contiene una maldición o hechizo mágico, conocido en griego antiguo como Katadesmos (κατάδεσμος), que tenía la finalidad de pedir a uno o más dioses que dañasen a otro persona.

Tablilla de Maldición de Pela

Los investigadores han reconocido el idioma como griego del noroeste o griego dórico.

Aparte por la forma de la escritura y el vocabulario se presupone que la autora era una mujer perteneciente a un bajo estatus social.

La inscripción grabada en escritura mayúscula griega es la siguiente:

" [ΘΕΤΙ]ΜΑΣ ΚΑΙ ΔΙΟΝΥΣΟΦΩΝΤΟΣ ΤΟ ΤΕΛΟΣ ΚΑΙ ΤΟΝ ΓΑΜΟΝ ΚΑΤΑΓΡΑΦΩ ΚΑΙ ΤΑΝ ΑΛΛΑΝ ΠΑΣΑΝ ΓΥ,

[ΝΑΙΚ]ΩΝ ΚΑΙ ΧΗΡΑΝ ΚΑΙ ΠΑΡΘΕΝΩΝ ΜΑΛΙΣΤΑ ΔΕ ΘΕΤΙΜΑΣ ΚΑΙ ΠΑΡΚΑΤΤΙΘΕΜΑΙ ΜΑΚΡΩΝΙ ΚΑΙ

[ΤΟΙΣ] ΔΑΙΜΟΣΙ ΚΑΙ ΟΠΟΚΑ ΕΓΩ ΤΑΥΤΑ ΔΙΕΛΕΞΑΙΜΙ ΚΑΙ ΑΝΑΓΝΟΙΗΝ ΠΑΛLΙΝ ΑΝΟΡΟΞΑΣΑ

[ΤΟΚΑ] ΓΑΜΑΙ ΔΙΟΝΥΣΟΦΩΝΤΑ ΠΡΟΤΕΡΟΝ ΔΕ ΜΗ ΜΗ ΓΑΡ ΛΑΒΟΙ ΑΛΛΑΝ ΓΥΝΑΙΚΑ ΑΛΛ Η ΕΜΕ

[ΕΜΕ Δ]Ε ΣΥΝΚΑΤΑΓΗΡΑΣΑΙ ΔΙΟΝΥΣΟΦΩΝΤΙ ΚΑΙ ΜΗΔΕΜΙΑΝ ΑΛΛΑΝ ΙΚΕΤΙΣ ΥΜΩΝ ΓΙΝΟ

[ΜΑΙ ΦΙΛ]ΑΝ ΟΙΚΤΙΡΕΤΕ ΔΑΙΜΟΝΕΣ ΦΙΛ[Ο]Ι ΔΑΓΙΝΑΓΑΡΙΜΕ ΦΙΛΩΝ ΠΑΝΤΩΝ ΚΑΙ ΕΡΗΜΑ ΑΛΛΑ

[....]Α ΦΥΛΑΣΣΕΤΕ ΕΜΙΝ Ο[Π]ΩΣ ΜΗ ΓΙΝΕΤΑΙ ΤΑ[Υ]ΤΑ ΚΑΙ ΚΑΚΑ ΚΑΚΩΣ ΘΕΤΙΜΑ ΑΠΟΛΗΤΑΙ

[....]ΑΛ[-].ΥΝΜ .. ΕΣΠΛΗΝ ΕΜΟΣ ΕΜΕ ΔΕ [Ε]Υ[Δ]ΑΙΜΟΝΑ ΚΑΙ ΜΑΚΑΡΙΑΝ ΓΕΝΕΣΤΑΙ

[-]ΤΟ[.].[-].[..]..Ε.Ε.Ω[?]Α.[.]Ε..ΜΕΓΕ [-] "

Tablilla de Maldición de Pela (detalle)

Una traducción aproximada sería la siguiente:

" Maldigo la ceremonia y el matrimonio de (Thetima) y Dionisofon,

viudas y vírgenes, más especialmente Thetima y confío a Macron y, 

a los demonios solo cuando yo desentierre y vuelva a leer esto desenrollado,

entonces casarse con Dionisofonte y no antes. No tomar otra esposa que no sea yo,

Envejeceré junto con Dionisofon y nadie más. Tu solicitud está hecha,

(sí tu novia) a lástima, amigos demoníacos Dagina de sus amigos abandonados, pero,

(...) guárdame, para que no se hagan estas cosas y de mala manera se pierda la mala Thetima,

estoy feliz y bendecida de ser,

(...) "

Gracias a la inscripción se conoce que la persona que la escribió se llamaba Dagina, cuyo amante Dionisofon aparentemente estaba a punto de casarse con Thetima. Por lo que ella invoca a Makron y a los demonios para hacer que Dionisofon se case con ella en lugar de Thetima.

Dagina también quiere que él nunca se case con otra mujer, a menos que ella misma recupere y desenrolle el pergamino. Además ella desea envejecer al lado de Dionisofon.

Para finalizar subrayar que aunque la Tablilla de Maldición de Pela fue escrita por una persona perteneciente a un bajo estatus social, eso no quiere decir que en la antigua Grecia las tablillas de maldición (katademos κατάδεσμος) no eran utilizadas por las personas de un alto estatus social.

Puesto que es sabido que todas las clases sociales podían emplear las tablillas para: el amor, la venganza y para atar a sus oponentes en competencias atléticas.

Las tablillas solían colocarse bajo tierra, enterrándolas en tumbas, arrojándolas a manantiales o pozos, aparte también se solían esconder en santuarios subterráneos o incrustándolas en las paredes de los templos.

Actualmente se encuentra en el Museo Arqueológico de Pela, Grecia.

Mandala del Ciervo del Santuario Kasuga

La Mandala del Ciervo del Santuario Kasuga, también conocida como Mandala del Ciervo Kasuga o 春日鹿曼荼羅, es una pintura datada aproximadamente en el siglo XIV d.C. (período comprendido entre los años 1.301 d.C. y 1.400 d.C.), perteneciente al arte japonés.

Mandala del Ciervo del Santuario Kasuga

Se conoce que fue pintada durante el período Nanbokuchō (南北朝時代), en la ciudad de Nara (奈良市), localizada en la prefectura de Nara (奈良県), en Japón (日本).

La pintura fue expuesta en la galería de arte "London Gallery Ltd.", situada en el distrito de Minato (港区), en la ciudad de Tokyo (東京都).

En el año 1.999 d.C. la Mandala del Ciervo del Santuario Kasuga fue comprada por la coleccionista de arte estadounidense Mary Griggs Burke.

Ese mismo año la pintura fue transferida a la fundación "Mary y Jackson Burke Foundation", localizada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 2.015 d.C. la pintura fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura total de 170 cm y una anchura total de 58,2 cm. La imagen tiene una altura de 86,2 cm y una anchura de 35,2 cm. Está pintada en un pergamino colgante policromado sobre seda.

Se trata de una pintura que representa a la montura de la deidad Takemikazuchi (武甕雷 o 武甕槌), dios del trueno y dios de la espada, un ciervo cabalgando sobre una nube.

Mandala del
Ciervo del Santuario Kasuga

En el lomo del ciervo hay representad una colorida silla de montar que sostiene un árbol sakaki (árbol de hoja perenne, también llamado árbol que siempre florece) entrelazado con enredaderas de glicina (también conocida como wisteria).

Se puede observar como en la copa del árbol hay representado un espejo dorado con forma circular.

Dentro del espejo se encuentran representadas las imágenes de las cinco deidades budistas asociadas con los kami (神), es decir, las entidades (deidades) que son adoradas en el sintoísmo, del Santuario Kasuga (春日大社), edificado en la ciudad de Nara (奈良市).

Para finalizar como curiosidad subrayar que durante el período Nanbokuchō (南北朝時代) las tendencias hacia la síntesis del budismo y el sintoísmo llevaron a la creencia en los kami (神) sintoístas como manifestaciones de las deidades budistas.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Folleto con Escenas de la Pasión

El Folleto con Escenas de la Pasión es un pequeño libro datado aproximadamente entre los años 1.300 d.C. y 1.320 d.C., perteneciente al arte medieval, en concreto al arte gótico.

Folleto con Escenas de la Pasión

Folleto con Escenas de la Pasión

Se conoce que perteneció a la colección de arte de Albert Freund, localizada en la ciudad de Viena, en Austria. 

Después fue expuesto en la galería de arte "Blumka Gallery" en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de America).

Posteriormente perteneció a la colección de arte del matrimonio de negocios y filántropos Jack y Belle Linsky.

En el año 1.982 d.C. el matrimonio donó gran parte de su colección de arte al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), entre las piezas se encontraba incluido el Folleto con Escenas de la Pasión que a partir de ese momento pasó a formar parte de la colección del museo.

Folleto con
Escenas de la Pasión

Descripción

Abierto tiene una altura total de 7,2 cm, una anchura total de 8,1 cm y un grosor total de 1,2 cm. 

Mientras que cerrado tiene una altura total de 7,2 cm, una anchura total de 4 cm y un grosor total de 2,2 cm. 

Está fabricado en marfil de elefante, policromía y dorado.

Se trata de un folleto, diminuto cuadernillo o pequeño libro que tiene la particularidad de que tanto las cubiertas exteriores, que representan escenas de la Pasión de Cristo (escenas de la vida de Cristo), como las cubiertas interiores, que contienen representaciones de la Virgen María, se encuentran talladas.

Cabe resaltar que las imágenes pintadas en el frente de las tapas son añadidos posteriores, ya que transforman los temas de las tallas.

Folleto con Escenas de la Pasión

Folleto con Escenas de la Pasión

Con respecto a la composición destacar que excepto las dos hojas pintadas, todas las demás páginas presentan los bordes elevados.

Además es posible que se haya aplicado cera a las superficies, lo que permitió que las oraciones de intercesión o las letanías de los santos se inscribieran en las tabletas con un lápiz óptico.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que el carácter religioso del Folleto con Escenas de la Pasión sugiere que originalmente tenía la función de servir como accesorio para la devoción privada.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Escudo para un Torneo

El Escudo para un Torneo es un escudo datado aproximadamente en el año 1.450 d.C., perteneciente al arte medieval, en concreto al arte gótico.

Escudo para un Torneo

En el año 1.923 d.C. se encontraba en posesión del marchante de arte alemán Julius Wilhelm Böhler.

El 19 de enero del año 1.925 d.C. el Escudo para un Torneo fue comprado por la filántropa estadounidense Florence Meyer Blumenthal.

Quién en el mismo año, 1.925 d.C., lo regaló al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 55,8 cm y una anchura de 40,64 cm. Está fabricado en madera, cuero, lino, pigmentos, plata y yeso.

Se trata de un escudo que presenta en su cara exterior un escudo de armas que puede pertenecer a la familia Gottsmann o a la familia Türriegel. Cabe destacar que ambas familias eran de la región de Franconia, situada al sur de Alemania.

En la parte derecha se observa como aparece representa una mujer joven en posición de pie sosteniendo una banderola y el escudo. 

Está ataviada con un vestido de manga larga verde ceñido a la cintura por un cinturón rojo, además en la parte superior de la cabeza lleva un turbante claro que le rodea el cuello y le cae por el lado izquierdo del cuerpo.

Se puede apreciar como en la banderola hay inscrita una inscripción que consiste en parte de un lema en alemán:

"Hab mych als ich bin ..." = "Tómame como soy ..."

Con respecto a la composición destacar que la decoración con sus colores brillantes sobre un fondo de lámina de plata se encuentra bien conservada debido a que estuvo oculta durante siglos bajo capas de pintura posteriores.

Para finalizar subrayar que en el reverso forrado en cuero del escudo hay huellas de una figura pintada que representa la figura de San Cristóbal (también conocido como Cristóbal de Licia), cuya imagen se pensaba que protegía contra la muerte súbita.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Busto Relicario de Santa Bárbara

El Busto Relicario de Santa Bárbara es una escultura datada aproximadamente en el año 1.465 d.C., perteneciente al arte medieval, en concreto al arte gótico.

Busto Relicario de Santa Bárbara

Fue esculpida por el escultor holandés Nikolaus Gerhaert, en su taller localizado en la ciudad de Estrasburgo, situada cerca del río Rin, en Francia.

Originalmente se encontraba en la Iglesia de la Abadía Benedictina de los Santos Pedro y Pablo, edificada en localidad de Wissembourg.

Situada en el departamento de Bajo Rin, en la región de Alsacia (Francia).

Se conoce que hasta el año 1.909 d.C. se encontraba en propiedad de Victor Gay, siendo en el año 1.910 d.C. la escultura vendida en la ciudad de París (Francia) a Cyros Picard.

En el año 1.913 d.C. fue comprada por el empresario, banquero y coleccionista de arte estadounidense John Pierpont Morgan.

Hasta que en el año 1.917 d.C. el Busto Relicario de Santa Bárbara fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Busto Relicario de Santa Bárbara

Busto Relicario de Santa Bárbara

Descripción

Tiene una altura de 50,5 cm, una anchura de 44,5 cm y una profundidad de 27,6 cm. 

Está fabricada en madera de nogal policromada y dorado.

Se trata de una escultura relicario que representa el busto de la mártir cristiana y reconocida como santa por la iglesia católica, Bárbara de Nicomedia (también conocida como Santa Bárbara).

Busto Relicario de Santa Bárbara

Está representada con la cabeza ligeramente ladeada hacia el lado izquierdo e inclinada hacia delante.

En el rostro ovalado destacan los ojos almendrados, la nariz recta, los labios carnosos y pequeños, el mentón pronunciado y los pómulos marcados.

El cabello largo, ondulado y rubio le cae por la espalda enmarcando el rostro, además se observa como en la parte superior de la cabeza lleva puesta una corona.

Con la mano derecha sostiene una torre roja con tres ventanas, mientras que con la mano izquierda hace un gesto de oración.

Busto Relicario de Santa Bárbara

Se encuentra ataviada con una túnica roja adornada en el cuello por un borde con un patrón geométrico.

También lleva un manto dorado con el forro azulado y con numerosos pliegues que le cae por los hombros y los brazos.

Aparte se observa como a la altura de la cavidad torácica hay un hueco redondeado utilizado originalmente para albergar las reliquias de Santa Bárbara.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que originalmente el Busto Relicario de Santa Bárbara se encontraba expuesto en un nicho del retablo del altar mayor de la Iglesia de la Abadía Benedictina de los Santos Pedro y Pablo de Wissembourg (Francia).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Broche con Intaglio de un Emperador

El Broche con Intaglio de un Emperador es un broche datado aproximadamente entre los años 950 d.C. y 1.000 d.C., perteneciente al arte medieval.

Broche con Intaglio de un Emperador

En concreto se encuentra englobado dentro del arte prerrománico y dentro de éste pertenece al arte otoniano.

Lo primero que se conoce es que en primavera del año 1.957 d.C. el broche fue vendido por Edouard Stisken en una venta de joyas antiguas. 

Realizada en el Hôtel Drouot, localizado en la ciudad de Paris (Francia), siendo comprado por Albert Salmona.

Después en el mismo año 1.957 d.C. fue adquirido por el médico y coleccionista de arte alemán Dr. Dietrich von Kobyletzki.

Hasta que en el año 1.988 d.C. el Broche con Intaglio de un Emperador fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Broche con Intaglio de un Emperador

Descripción

Tiene un diámetro de 11,9 cm x 1,9 cm. Está fabricado en oro, perlas y zafiro.

Se trata de un broche con un centro circular rodeado por pequeños círculos con perlas incrustadas. 

En el centro hay un zafiro grabado con la imagen de perfil de uno de los hijos del emperador romano Constantino I (también conocido como Flavio Valerio Constantino o Constantino el Grande), pero no se ha podido identificar si es la representación de su hijo mayor Flavio Claudio Constantino (también conocido como Constantino II), el mediano Flavio Julio Constancia Augusto (también denominado Constancio II) o el pequeño Flavio Julio Constante (también conocido como Constante).

Broche con Intaglio de un Emperador

Alrededor del zafiro hay un total de veinte pequeños círculos engastados con perlas, aunque en la actualidad tan solo se han conservado un total de siete perlas, el resto se encuentran perdidas.

Así mismo se aprecia como tanto los pequeños círculos como el circulo central se encuentran decorados con formas arquitectónicas en miniatura construidas mediante una fina filigrana y granulado de oro.

Para finalizar subrayar que el zafiro se encuentra datado aproximadamente entre los años 50 d.C. y 337 d.C., además la delicada arcada que sostiene el zafiro es típica del trabajo de los orfebres otonianos que fue creado para los emperadores otonianos quienes se consideraban herederos del imperio romano cristiano del emperador romano Constantino I (también conocido como Flavio Valerio Constantino o Constantino el Grande).

Por lo tanto los investigadores piensan que es probable que el Broche con Intaglio de un Emperador fue creada para un miembro de la familia imperial otoniana, quién al usarla afirmaba y resalzaba ese vínculo.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Berilo con Retrato de Julia Domna

El Berilo con Retrato de Julia Domna es una gema datada aproximadamente entre los años 200 d.C. y 210 d.C., perteneciente al arte romano.

Berilo con Retrato de Julia Domna

Lo primero que se conoce es que la gema fue comprada en el año 1.925 d.C. por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción 

Tiene una altura de 2,4 cm. Está fabricado en berilo mediante la técnica de intaglio.

Se trata de una gema ovalada fabricada en berilo que tiene en su superficie un retrato de la emperatriz consorte romana Julia Domna.

Quién fue la esposa del emperador del Imperio romano Lucio Septimio Severo y madre del emperador romano Lucio Septimio Basiano (también llamado Marco Aurelio Severo Antonino o Caracalla) y del emperador romano Publio Septimio Geta (también conocido como Geta).

Julia Domna aparece representada de perfil mirando hacia el lado derecho. En el rostro destacan las cejas pobladas, el ojo ovalado, la nariz recta, los labios carnosos y el mentón redondeado.

Se puede apreciar como en la parte superior de la cabeza lleva puesta una peluca con un elaborado peinado compuesto por el cabello trenzado que le cae a ambos lados enmarcando el rostro y está recogido en la parte posterior.

Además se observa como se encuentra ataviada con una túnica sujeta en el hombro izquierdo por una fíbula circular y sobre la túnica lleva un fino manto que le envuelve parte de la espalda.

Para finalizar subrayar que la emperatriz consorte nació en la ciudad de Homs (también conocida como Emesa) localizada en Siria e introdujo una clara influencia oriental en la élite gobernante romana. Aparte su retrato fue copiado y distribuido ampliamente como parte de la campaña de propaganda de su ambiciosa familia.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Mascarilla de Retrato (Mblo)

La Mascarilla de Retrato (Mblo) es una máscara datada aproximadamente entre los siglos XIX d.C. y XX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 2.000 d.C.), perteneciente al arte africano.

Mascarilla de Retrato (Mblo)

Fue elaborada por el grupo étnico Baoulé (también conocido como Baulé), que formaba parte del pueblo akan, localizado en la región oriental de Costa de Marfil.

Se conoce que la Mascarilla de Retrato (Mblo) formo parte de la colección de la Galería Julios Carlebach y fue expuesta en la ciudad de París (Francia) y en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América),

En el año 1.951 d.C. la máscara fue comprada por el político estadounidense y vicepresidente de los Estados Unidos Nelson Aldrich Rockefeller.

Entre los años 1.959 d.C. y 1.978 d.C. la Mascarilla de Retrato (Mblo) fue cedida al Museo de Arte Primitivo, localizado en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.979 d.C. la máscara fue legada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 37,1 cm, una anchura de 14,8 cm y un espesor de 12,7 cm. Está fabricada en madera, cáñamo y pigmento.

Se trata de una mascara de madera ceremonial que es utilizada durante el baile tradicional conocido como "mblo", en el que las máscaras eran la referencia a la persona honrada puesto que eran concebidas como su "doble" artístico o "homónimo".

Mascarilla de Retrato (Mblo)

En el rostro ovalado destacan las cejas marcadas, los ojos ovalados, la nariz recta y la boca redonda. También destaca como el cabello se encuentra peinado en finos mechones ondulados.

En la parte superior de la cabeza hay representada una escultura de madera con forma de pájaro con un pico alargado e inclinado hacia delante. 

Como curiosidad destacar que la Mascarilla de Retrato (Mblo) se encuentra englobada dentro de las máscaras consideradas como la forma más antiguas dentro del arte de la comidad Bauolé.

Para finalizar subrayar que en las comunidades Baoulé, las actuaciones de mblo cuentan con bailarines enmascarados que se hacen pasar por sujetos familiares que van desde animales hasta caricaturas humanas.

Aparte debido a su importancia tan solo los mejores bailarines son elegibles para usarlas en el baile tradicional e incluso en tales ocasiones se requiere que el sujeto retratado se encuentre presente para acompañarlo.

Además resaltar que los bailes mblo culminan en una actuación que rinde homenaje al miembro más admirado de la comunidad.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.