Retrato de Hombre con Turbante

El Retrato de Hombre con Turbante, también conocido como Retrato de un Hombre o Retrato de un Hombre con Turbante Rojo, es una pintura datada en el año 1.433 d.C., perteneciente al arte medieval, en concreto arte gótico.

Retrato de Hombre con Turbante

Fue pintada por el pintor flamenco Jan Van Eyck (también conocido como Johannes de Eyck).

La pintura fue comprada por el cortesano y coleccionista de arte inglés Thomas Howard (el 14 conde de Arundel).

Hasta que en el año 1.851 d.C. el Retrato de Hombre con Turbante fue adquirido por la Galería Nacional de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 25,5 cm y una anchura de 19 cm. Esta fabricada en pintura al óleo sobre tabla.

Se trata de una pintura que representa el retrato de un hombre ataviado con ropas oscuras.

En la cabeza lleva un chaperón rojo con los extremos anudados sobre la cabeza, recogidos como un turbante.

El hombre se encuentra representado en una posición de perfil tres cuartos, aparte se aprecia como la cabeza es un poco grande en relación con el torso.

En el rostro destaca la mirada penetrante mirando directamente al espectador, el blanco de los ojos ha sido pintado con una mezcla de pequeñas cantidades de rojo y azul, también destacan las venas pintadas en un color bermellón y el iris pintado de color ultramarino.

Retrato de Hombre con Turbante

Además la expresión facial cansada ha sido conseguida a través de la nariz recta y la boca ancha fuertemente apretada.

Se encuentra ataviado con una camisa blanca interior de la que tan sólo se aprecia un poco a la altura del cuello, sobre ella lleva un abrigo oscuro que mimetiza con el fondo oscuro.

Cabe destacar que el marco original aún se conserva y los lados verticales están compuestos por una sola pieza de madera con el panel central, además en el marco hay inscritas dos inscripciones.

Una inscripción se encuentra escrita en la parte inferior del marco, la inscripción y su traducción es la siguiente:

" JOHES DE EYCK ME FECIT ANO MCCCC.33.21.OCTOBRIS"

=

"Jan Van Eyck me hizo el 21 de octubre de 1.433"

La otra inscripción se encuentra en la parte superior del marco, la inscripción y su traducción es la siguiente:

"AIC ICH XAN" = "Como si pudiera"

Cabe resaltar que ésta inscripción aparece en otras obras de Jan Van Eyck e incluye un juego de palabras con su nombre. Aparte la letras se encuentran pintadas para que parezcan talladas.

Para finalizar subrayar que muchos investigadores creen que el Retrato de Hombre con Turbante podría ser un autorretrato de Jan Van Eyck, aunque no existe evidencia de esto.

Algunos historiadores sostienen que la pintura podría haber sido una forma de tarjeta de presentación para posibles clientes, donde Jan Van Eyck puede decir "mira lo que puedo hacer, qué tan realista puedo hacer mis pinturas".

Actualmente se encuentra en la Galería Nacional de Londres, Gran Bretaña.

Collar Sintra

El Collar Sintra es un collar datado aproximadamente entre los años 1.250 a.C. y 800 a.C., perteneciente al arte prehistórico.

Collar Sintra

Fue hallado en el año 1.878 d.C. de manera casual mientras unos trabajadores cavaban una zanja en una cantera de piedra cercana a la parroquia de Casal Amaro de Santa María.

Situada en el municipio de Sintra, cercana a la ciudad de Lisboa, en Portugal.

Después de su descubrimiento fue adquirido por la casa de subastas John Hall Junior & Co, ubicada en la ciudad de Londres, en Gran Bretaña.

Hasta que en el año 1.900 d.C. fue comprado por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte, dentro del departamento de Europa y prehistoria.

Descripción

El diámetro máximo inferior y mínimo inferior es de 134,58 mm, el diámetro máximo superior es de 124,21 mm y el diámetro mínimo superior es de 119,40 mm.

El diámetro de la "copa A" es de 19,11 mm, el diámetro de la "copa B" es de 18,84 mm, el diámetro de la "copa C" es de 20,32 mm y el diámetro de la "copa D" es de 19,36 mm.

Collar Sintra

El espesor del centro del cuerpo es de 11,92 mm, el espesor en el extremo del cuerpo es de 6,42 mm y el espesor de la placa de retención es de 3,06 mm.

El espesor de la "copa A" es de 1,39 mm, el espesor de la "copa B" es de 1,45 mm, el espesor de la "copa C" es de 1,42 mm y el espesor de la "copa D" es de 1,36 mm.

La anchura del centro del cuerpo es de 37 mm, la anchura del extremo del cuerpo es de 17,69 mm y la anchura de la placa de retención es de 21,31 mm.

La longitud de la placa de retención es de 77,27 mm y el peso total del collar es de 1254,80 gr. Esta fabricado en oro, mediante las técnicas de soldadura, perforación, incisión y fundición.

Collar Sintra

Se trata de un collar de oro formado por tres barras de oro circulares seccionadas y afiladas que se fusionan en los extremos formando un anillo de cuello penanular.

Sujetos a una placa rectangular acanalada con ganchos (placa de retención) que permiten abrir y cerrar el collar al sujetar los ganchos a las perforaciones situadas en los extremos de las barras.

También tiene cuatro "copas" de oro elaboradas por separado, cada una de ellas tiene una espiga interna y la moldura se encuentra remachada a cada lado del collar (dos en cada lado).

Las tres barras se encuentran finamente ornamentadas mediante la incisión de un complejo patrón geométrico. Esta decoración consiste en: una serie de triángulos, líneas paralelas, líneas en forma de rombo y situados en la parte central motivos en zig-zag.

Collar Sintra

También se aprecia como una banda de líneas onduladas y triángulos decora los terminales del collar en la proximidad de las copas.

El pestillo esta decorado con cinco costillas, tres de ellas presentan líneas oblicuas incisas.

Para finalizar subrayar que en la actualidad el Collar Sintra es el único collar hallado que presenta un diseño de barras cónicas y una placa de retención con ganchos.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Máscara de Anubis

La Máscara de Anubis es una mascara datada aproximadamente entre los siglos VI a.C. y IV a.C. (período comprendido entre los años 600 a.C. y 301 a.C.), perteneciente al arte egipcio.

Máscara de Anubis

Fue elaborada durante el período tardío de Egipto (también llamado Baja Época).

Cabe resaltar que el lugar y el momento del hallazgo es desconocido, lo que se sabe es que la máscara fue adquirida a finales del año 1.910 d.C. por el mercante, banquero y consul alemán Heinrich Wilhelm Pelizaeus.

En el año 1.911 d.C. fue donada al Museo de Hildesheim, situado la ciudad de Hildesheim, en el estado de Baja Sajonia (Alemania), dónde pasó a formar parte de su colección de arte del departamento de arte egipcio.

Descripción

Tiene una altura de 49 cm, una anchura de 27 cm, una profundidad de 40 cm y un peso de 8 kg. Esta fabricada en arcilla.

Se trata de una máscara elaborada en arcilla cocida y pintada que representa de forma estilizada la cabeza del dios Anubis (dios del "Duat" o Más Allá, dios de la momificación, dios encargado de embalsamar a los faraones y guiarlos a la necrópolis).

Máscara de Anubis

La parte superior de la máscara presenta una cabeza de chacal, cabe destacar que el hocico ha sido fabricado aparte y unido al resto mediante un pin perforado.

Éste pin se encuentra insertado en un orificio de la máscara y hace que el hocico se mantenga en su lugar mediante un trozo de madera que se empuja a través del orificio en el pasador.

Debajo del hocico hay dos rendijas, que permiten ver a la persona que utilice la máscara.

En ambos laterales inferiores hay dos recortes que permiten que la máscara sea encajada en la zona de los hombros, por lo que la máscara quedaría unida al torso.

Además la máscara presenta una decoración compuesta por una líneas pintadas situadas alrededor de la cabeza que representan a una peluca ritual.

En cuanto a la composición resalar que debido a las fragilidad de los materiales los investigadores piensan que la máscara podría haber servido como modelo o plantilla para la producción de máscaras comunes. Aparte se han hallado restos de policromía en tonos rojizos y negros.

Para finalizar subrayar que la Máscara de Anubis es la única máscara completa de este tipo que se conserva en la actualidad.

Actualmente se encuentra en el Museo de Hildesheim, Alemania.

Hombre León

El Hombre León es una escultura datada aproximadamente entre los años 41.000 a.C. y 35.000 a.C., perteneciente al arte prehistórico.

Hombre León

La escultura fue descubierta fragmentada el 25 de agosto del año 1.939 d.C, por el arqueólogo y geólogo alemán Otto Völzing.

En el interior de una de las tres cuevas de Hohlenstein-Stadel, localizadas en el estado de Baden-Wurtemberg, en el suroeste de Alemania.

En el descubrimiento también participó el anatomista, paleontólogo, historiador y profesor universitario alemán Robert Wetzel.

Con el estallido de la Segunda Guerra Mundial (conflicto militar global desarrollado entre los años 1.939 d.C. y 1.945 d.C.), los fragmentos de la escultura permanecieron en la cueva.

Hasta que fue redescubierta en diciembre del año 1.969 d.C. por el historiador alemán Joachim Hahn. 

Cabe resaltar que Joachim Hahn intentó juntar las más de 260 astillas de marfil encontradas, de las cuales tan solo pudo ensamblar alrededor de 200 astillas.

Así puedo determinar que el objeto encontrado era la figura de un híbrido (con restos humanos y con restos de grandes felinos, un león). Sin embargo no pudo determinar si la figura representaba a una persona masculina o femenina.

Hombre León

Entre los años 1.974 d.C. y 1.975 d.C. fueron hallados, en el interior de la cueva, otros pequeños fragmentos pertenecientes a la escultura. 

Así entre los años 1.987 d.C. y 1.988 d.C. fue la paleontóloga de Basilea Elisabeth Schmid quién realizó los trabajos de reconstrucción en el taller de restauración del Museo Estatal de Württemberg (Alemania).

El proceso de restauración duró aproximadamente unos seis meses, en él se adaptaron a las partes existentes, parte del pie izquierdo y parte del hocico.

Aún así no se pudo adaptar todos los fragmentos individuales correspondientes al brazo derecho, puesto que aún faltaban grandes fragmentos del hombro derecho.

La cueva volvió a ser excavada por el paleontólogo e historiador aleman Claus-Joachim Kind con el patrocinio de la Oficina Estatal de Preservación de Monumentos.

Gracias a ésta excavación se recuperaron fragmentos adicionales del cuello y la espalda, que inicialmente se adaptaron virtualmente y la figura se digitalizó mediante el proceso de topografía computarizada de rayos "X".

Por lo tanto el modelo digital de la figura fue descompuesto en partes y luego se volvió a montar virtualmente. 

Fue en el año 2.013 d.C., bajo la dirección de Nicole Ebinger-Rish, cuando alrededor de los 80 fragmentos recién encontrados, junto con los fragmentos que permanecían en el museo y la escultura fueron desmontadas nuevamente y vueltas a juntar dando como resultado la escultura que se conserva en la actualidad. 

Hombre León
(antes de la restauración de 2.013)

Descripción

Tiene una altura de 31,1 cm. Esta fabricada en marfil de mamut, mediante las técnicas de incisión y tallado.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa una figura con la cabeza de un león y el cuerpo de un humano.

Cabe resaltar que en la parte superior del brazo izquierdo se puede apreciar como presenta siete muescas o líneas horizontales y paralelas. 

Los investigadores piensan que podrían ser la representación de algún tipo de tatuaje o cicatrices decorativas.

Aparte en la oreja izquierda también se puede observar una docena de cortes finos que la atraviesan y la planta izquierda del pie también tiene decoración con líneas horizontales y paralelas.

Para finalizar subrayar que la escultura del Hombre León está considerada la obra de arte más antigua que representa a una criatura mítica, aunque algunos investigadores creen que podría representar la figura de un chamán que utilizó el pelaje de un león como parte de un ritual.

Actualmente se encuentra en el Museo Ulmer de la ciudad de Ulm, Alemania.

Delfines de Gla

Los Delfines de Gla, también conocidos como Friso de los Delfines de Gla, es una pintura mural datada aproximadamente entre los años 1.600 a.C. y 1.200 a.C., perteneciente al arte prehelénico, en concreto al arte micénico.

Delfines de Gla (reconstrucción)

Fue hallado durante las dos excavaciones arqueológicas realizadas por el arqueólogo griego Spyros Evstathios Iakovidis.

La primera excavación fue realizada entre los años 1.981 d.C. y 1.983 d.C., mientras que la segunda se realizó entre los años 1.991 d.C. y 1.992 d.C..

La pintura se encontró en el ala este del palacio, en un pozo localizado al lado de la habitación "N1". 

En el interior de la ciudadela fortificada de Gla, situada en la región de Beocia, en la periferia de Grecia Central.

Descripción

Se trata de los restos parciales de un friso, una pintura mural. Cabe resaltar que fue encontrado roto en numerosos fragmentos y gran parte de los fragmentos originales no han sido hallados.

Gracias a los trabajos de restauración realizados a partir del año 1.995 d.C. por el equipo de restauración del Museo Arqueológico de Tebas (Grecia) se ha podido determinar que el friso representaba a seis o siete delfines pintados sobre un fondo azul. 

Los investigadores creen que la altura de la pared donde se encontraba el friso original podría haber sido de 2,30 m a 2, 40 m, mientras que el friso habría tenido una altura de alrededor 1,60 m a 1,65 m. y los delfines podrían haber tenido una anchura de 37,5 cm a 40 cm y una longitud de 75 cm a 80 cm. 

Se piensa que el friso también habría estado compuesto por una cenefa formada por una franja en tonos rojizos y decorada con motivos geométricos.

Cabe resaltar que en la restauración llevada a cabo los delfines aparecen dispuestos de forma lineal, uno al lado del otro, pero en el friso orinal podrían haber sido representados de forma aleatoria sobre el fondo azul.  

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que el friso pudo haber sido enterrado antes del período heládico tardío (entre los años 1.350 a.C. y 1.190 a.C.), época que corresponde con la destrucción de la fortaleza de Gla debido a un incendio.

Actualmente se encuentra en el Museo Arqueológico de Tebas, Grecia.

Bronce Dorado Maitreya en la Meditación

El Bronce Dorado Maitreya en la Meditación es una escultura datada aproximadamente en el siglo VI d.C. (período comprendido entre los años 501 d.C. y 600 d.C.), perteneciente al arte coreano.

Bronce Dorado Maitreya 
en la Meditación

Fue fabricado durante el Silla uno de los tres reinos de Corea, algunos investigadores piensan que pudo ser elaborada durante el período conocido como Silla unificada.

Se conoce que en el año 1.912 d.C. la escultura fue adquirida por un japonés que la donó al Departamento de gobierno general de Japón dentro del departamento de Joseon.

Bronce Dorado Maitreya
en la Meditación

Hasta que en el año 1.916 d.C. la escultura fue donada al Museo Nacional de Corea del Sur, situado en la ciudad de Seúl, dónde pasó a formar parte de su colección de arte. 

Descripción

Tiene una altura de 83,2 cm. Esta fabricada en bronce dorado mediante la técnica de fundición y la superficie de la figura fue refinada con la técnica de dorado al fuego.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa a Maitreya sentado en meditación, en forma de un hombre joven con un cuerpo alto y delgado.

Cabe resaltar que el Maitreya es un nombre usado en la espiritualidad budista para referirse al próximo Buda histórico (según la literatura labrada budista el bodhisattva Maitreya nacerá en la tierra con el fin de lograr la completa iluminación de un Buda y enseñar el dharma).

Esta representado sentado en un taburete bajo o pedestal, se puede apreciar como la pierna derecha se encuentra cruzada sobre la pierna izquierda. 

Bronce Dorado Maitreya 
en la Meditación

El pie izquierdo descansa sobre una pequeña base, la base tiene forma de flor de loto.

El codo del brazo derecho descansa sobre la rodilla derecha, mientras que el brazo derecho esta levantado y la mano derecha alcanza la mejilla. 

Además se observa como la mano izquierda se encuentra apoyada sobre el pie derecho.

Un hombro se encuentra ligeramente más alto que el otro y la parte superior del cuerpo está ligeramente doblado hacia delante con la espalda curvada.

En el rostro destaca la cara ligeramente cuadrada, los ojos entrecerrados, la nariz recta y la boca con una sutil sonrisa, todo el conjunto hace que los rasgos faciales sean suaves.

Se encuentra ataviado con una vestimenta compleja compuesta por dos túnicas.

En la parte inferior del cuerpo hay una túnica decorada con rayas, hasta la altura de los tobillos y atada a la cintura por medio de una cinta anudada a la altura del vientre. 

 

Sobre ésta túnica hay una fina tela que se extiende desde ambos hombros (con los extremos extendidos) y el dobladillo de la tela baja por la parte delantera del cuerpo, cruza la rodilla y cae sobre los brazos nuevamente. Además se aprecia como se encuentra atada por medio de cintas en los laterales.

Bronce Dorado Maitreya 
en la Meditación

Por la parte trasera la tela cae hacia atrás y deja libre la parte superior de la espalda, antes de converger ( en forma de "U") en el medio de la espalda.

En la parte superior de la cabeza lleva una corona o tiara decorada con muchas puntas y los símbolos del sol, la luna y elementos florales.

También lleva una banda o cinta, anudada en la frente, que le cae por los hombros y le cubre las orejas.

Aparte lleva brazaletes en las muñecas y un collar en el cuello formado por una banda plana y estrecha con una hilera de piedras preciosas alineadas y del mismo tamaño.

En cuanto al estado de conservación, en general la escultura se encuentra muy bien conservada, tan sólo ha sido restaurada la parte superior (la corona).

Además enfatizar que durante un análisis de rayos "X"  realizado en el año 1.963 d.C. se determinó que la escultura no presentaba ningún rastro de defectos ni de ninguna reparación anterior.

Para finalizar subrayar que el 20 de diciembre del año 1.962 d.C. el Bronce Dorado Maitreya en la Meditación fue englobado dentro de la lista de Tesoros Nacional de Corea del Sur (conjunto numerado de los tesoros tangibles, artefactos, sitios y edificios que son reconocidos por Corea del Sur debido a su valor artístico, cultural e histórico) con el número setenta y ocho.

Actualmente se encuentra en el Museo Nacional de Corea, en Seúl.

Retablo con Cristo, San Juan Bautista y Santa Margarita

El Retablo con Cristo, San Juan Bautista y Santa Margarita es una escultura datada en el año 1.434 d.C., perteneciente al arte medieval, en concreto al arte gótico.

Retablo con Cristo, San Juan Bautista y Santa Margarita

Fue encargada por los Caballeros de Malta (una orden militar católica también conocida como Orden de Malta).

La elaboró el escultor italiano Andrea da Giona, en su taller de la ciudad de Savona, localizada en la región de Liguria, en la Italia noroccidental.

En el año 1.962 d.C. ingresó en la colección "The Cloisters" que forma parte de la colección de arte del Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene una altura de 182, 9 cm, una anchura de 203,2 cm, una profundidad de 12,7 cm y un peso de 732,1 kg. Esta fabricado en mármol de Carrara, mediante la técnica de tallado.

Se trata de una escultura en relieve que representa una escena divida en tres partes, siendo la parte central de un tamaño mayor. 

En el centro aparece representado Cristo en Majestad, sentado en un trono, con la mano derecha esta bendiciendo, mientras que con la mano izquierda sostiene las Sagradas Escrituras.

Esta rodeado por una mandorla decorada con la figura de ángeles celestiales tocando instrumentos musicales. 

Retablo de Cristo,
San Juan Bautista y Santa Margarita

También se puede apreciar como en cada una de las esquinas hay representados los símbolos de los cuatro evangelistas (un ángel, un león, un águila y un buey).

En la parte derecha de Cristo está representado San Juan Bautista, mientras que en la parte izquierda esta representada Santa Margarita. 

Los dos personajes se encuentran representados de pie bajo un portico.

Además sobre ambos personajes, en la parte superior y en una menor escala hay representado la escena del arcángel Gabriel dirigiéndose a la Virgen María con la noticia de que ella será la madre de Jesús.

En el borde inferior del panel central se encuentra inscripción escrita en latín, la inscripción y su traducción es la siguiente:

" HOC OPUS FECIT MAGISTER AND(R)EAS DA GIONA MCCCCXXXIIII "

=

" Este trabajo fue realizado por el maestro Andrea Da Giona en 1.434"

Para finalizar con respecto a la composición resaltar la utilización de ornamentos exuberantes y el contraste de texturas entre la rugosidad de los pliegues de las vestimentas y la suavidad de los rostros.

Los tres personajes principales (Cristo, San Juan Bautista y Santa Margarita) se encuentran separados entre sí por medio de columnas, aparte destacar la idealización de los rostros.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Relieve de Xenokrateia

El Relieve de Xenokrateia, también conocido como Relieve de Jenocratea, es un relieve votivo datado aproximadamente en el año 410 a.C., perteneciente al arte griego.

Relieve de Xenokrateia

Fue hallado en el año 1.908 d.C., cerca de los Muros Largos (también conocidos como murallas) de la ciudad de El Pireo.

Situada en la periferia del Ática a orillas del golfo de Egina, al sudoeste de Grecia.

En la antigüedad en esta localización estaban las murallas construidas desde la ciudad hasta el puerto, que unían la ciudad de Atenas con sus puertos de El Pireo y Falero.

Descripción

Está fabricado en mármol pentelico, mediante la técnica de tallado.

Se trata de un de un relieve votivo que conmemora la fundación de un santuario para el dios Cefiso (dios fluvial) por una mujer denominada Xenokrateia.

Cabe resaltar que en total hay representadas treces figuras en el relieve, pero la única identificación segura es el dios Apolo, sentado en un trípode, apoyando sus piernas en un ónfalo (un antiguo artefacto pétreo utilizado por el oráculo de Delfos) y cerca de un águila.

En cuanto al resto de las figuras algunos investigadores piensan que la situada a la derecha del dios Apolo puede ser su madre, Leto o su hermana Artemisa. Sin embargo otros investigadores identifican a la diosa Artemisa como la tercera figura de la izquierda, mientras que otros esa misma figura la identifican como el dios Hermes.

La opinión más aceptada es que las dos figuras representadas a una menor escala se identifican como Xenokrateia y su hijo Xeniades, puesto que normalmente se suelen representar a los humanos en un tamaño menor que a las deidades.

Además destacar que la figura que interactúa con Xenokrateia y su hijo generalmente se la ha identificado como Cefiso.

Algunos sugieren que las dos figuras situadas en el extremo derecho son Hécate y para casi todos los estudiosos la deidad con forma de toro situada en la parte inferior se la identifica como el dios del río Aqueloo.

Para finalizar subrayar que la opinión más extendida por los investigadores es que el Relieve de Xenokrateia representa a Xenokrateia y a su hijo e intentan emparejarlos con las deidades relevantes.

Aparte enfatizar que para descifrar la composición del relieve e identificar a las figuras representadas en él, los investigadores se basan en los otros dos hallazgos encontrados en el mismo lugar: un estela inscrita y el relieve de Kephisodotos (ambos fechados en el mismo año que el relieve en el año 410 a.C.).

Actualmente se encuentra en el Museo Arqueológico Nacional de Atenas, Grecia.

Thoracata de Córdoba

La Thoracata de Córdoba es una escultura datada aproximadamente en el siglo I d.C. (período comprendido entre los años 1 d.C. y 100 d.C.), perteneciente al arte romano.

Thoracata de Córdoba

Fue hallada en el año 1.892 d.C. por el español Cristobál Pesquero en el interior del solar número 5 de la calle Morería, situado en la ciudad de Córdoba.

En la provincia de Córdoba, localizada en la comunidad autónoma de Andalucía (España).

Aproximadamente a meditados del siglo XX d.C. pasó a formar parte de la colección de arte del cordobés Enrique Tienda, años después pasó a formar parte de la congregación de la Santa Cruz del convento de Santa cruz de Córdoba.

En el año 2.006 d.C. la Thoracata de Córdoba fue adquirida por un precio de 273.082 euros por la Junta de Andalucía.

Y desde el año 2.008 d.C. la escultura fue cedida al Museo Arqueológico de Córdoba dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Cabe destacar que la Thoracata de Córdoba fue declarada en el año 1.993 d.C. Bien de Interés Cultural (una figura jurídica de protección del patrimonio histórico español).

Descripción

Tiene una altura de 186 cm, una anchura de 90 cm y una profundidad de 80 cm. Esta fabricada en mármol blanco mediante la técnica de tallado.

Se trata de una escultura colosal militar romana, aunque cabe resaltar que en la actualidad tan solo se conserva el torso hasta las rodillas y no se han conservado ni la cabeza, ni los brazos, ni la parte inferior de las piernas.

Thoracata de Córdoba

El torso se encuentra cubierto por una coraza adornada con una escena de dos grifos afrentados, ambos grifos se encuentran representados de pie, con las alas extendidas, los cuellos largos y las cabezas con rasgos leoninos.

También se aprecia como las patas delanteras están levantadas tocando un nudo vegetal que funciona como eje de simetría.

El borde inferior de la coraza se encuentra decorado con ornamentación vegetal compuesta por una palmeta hacia abajo y un par de hojas de acanto vistas de plano.

Además sobre la coraza lleva un paludamentun (capa o manto utilizado por los comandantes militares) atado al hombro derecho por medio de una fibula (broche metálico).

Aparte se puede apreciar como el paludamentun cae por la parte delantera sobre la coraza llegando hasta el pecho izquierdo y cubriendo el hombro izquierdo.

Debajo de la coraza lleva una túnica compuesta por pliegues pequeños, ceñidos al cuerpo, que caen de forma semicircular en la parte delantera y caen de forma vertical a partir de los costados.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que la escultura podría haber sido una representación de Eneas en su huída de la ciudad de Troya o bien una representación de Rómulo (inspirado en la imagen de las representaciones del Foro de Augusto en Roma, Italia).

Actualmente se encuentra en el Museo Arqueológico de Córdoba, España.

Retrato de un Orfebre

El Retrato de un Orfebre, también conocido como Retrato de un Joyero, Retrato de Hombre con Gorro Azul, Hombre del Capirón Azul, Hombre del Turbante Azul o Hombre con Anillo, es una pintura datada aproximadamente en el año 1.430 d.C., perteneciente al arte medieval, en concreto al arte gótico.

Retrato de un Orfebre

Fue pintado por el pintor flamenco Jan Van Eyck (también conocido como Johannes de Eyck).

Perteneció a la colección de arte del barón Samuel Bon Brukenthal, hasta que en el año 1.817 d.C. pasó a formar parte de la colección del Museo Nacional Brukenthal, en la ciudad de Sibiu (Rumania).

Sin embargo en el año 1.948 d.C. el nuevo régimen comunista se apropió de la pintura depositándola en el Museo Nacional de Arte de Rumania, situado en la ciudad de Bucarest.

Hasta que en el año 2.007 d.C. el Retrato de un Orfebre fue devuelto al Museo Nacional de Brukenthal, pasando a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 22,5 cm y una anchura de 16,6 cm. Esta fabricado en pintura al óleo sobre tabla.

Se trata de una pintura que tiene representado el retrato de un hombre en un encuadre de tres cuartos. El rostro se encuentra iluminado por la luz que cae desde la izquierda. 

En el rostro destacan los ojos marrones, las cejas finas, la nariz recta, la expresión impasible pero con rastros de melancolía que se observa en la forma de la boca y la barba de uno o dos días.

Esta ataviado por un gabán (prenda gruesa de vestir de manga larga) marrón forrado de piel puesto sobre una camisa negra. También lleva un tocado compuesto por un chaperón azul con dos alas caídas que le cuelgan sobre los hombros y llegan hasta la altura del pecho.

Retrato de un Orfebre
(sello rumano de 1.966)

Se puede apreciar como los bordes de la tela del chaperón se encuentran rasgados y el color azul ha sido elaborado a través del uso del pigmento lapislázuli.

Con la mano derecha sostiene una sortija de oro (anillo), mientras que la mano izquierda se encuentra reposando. Cabe destacar que la función del anillo no esta clara, aunque algunos investigadores piensan que la pintura pudo haber sido un retrato de compromiso y que el anillo simbolice la propuesta de matrimonio destinada a la novia.

En cuanto a la composición destaca el uso de la luz, puesto que la técnica proporciona dos contrastes sorpresivos de luz y sombras atrayendo la atención del espectador hacia el rostro.

Además resaltar que el fondo de un color oscuro y plano hace destacar los detalles del rostro y las diferentes texturas, aparte de proporcionar a la obra de una ligera profundidad. 

Para finalizar como curiosidad subrayar que el sello rumano del año 1.966 d.C. se encuentra dedicado y lleva la imagen de la pintura el Retrato de un Orfebre.

Actualmente se encuentra en el Museo Nacional Brukenthal, en la ciudad de Sibiu (Rumania).

Pixis con Decoración en Espiral

El Pixis con Decoración en Espiral, también conocido como Pixis de la Cabaña, es un recipiente datado aproximadamente entre los años 2.700 a.C. y 2.300 a.C., perteneciente al arte prehelénico, en concreto al arte cicládico.

Pixis con Decoración en Espiral

Fue hallado en el año 1.885 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas por el arqueólogo alemán Georg Ferdinand Dummler.

En el interior de la "tumba A", situada en la necrópolis de la isla de Amorgos, localizada en la unidad periférica de Naxos.

En la periferia del mar Egeo Meridional, en el interior del archipiélago de las Cícladas (Grecia).

Después de su descubrimiento en el año 1.889 d.C. fue adquirido por el "Antikensammlung Berlin", en Alemania, dónde pasó a formar parte de su colección de antigüedades.

 

Descripción

Tiene una altura total de 10 cm, el recipiente cónico mide 6,5 cm y el diámetro máximo es de 13 cm. Esta fabricado en esteatita verdosa (también conocida como piedra o roca de jabón), mediante la técnica de tallado.

Se trata de un pixis (también conocido como píxide) un recipiente de cerámica que está compuesto por un recipiente cónico y una tapa cónica plana.

Pixis con Decoración en Espiral

También tiene dos pares de ojales gemelos verticales que conectan al recipiente y a la tapa en los lados opuestos.

El recipiente se encuentra decorado con dos filas de espirales de una solo línea entrelazadas y que a su vez se encuentran conectadas a sus respectivos vecinos mediante otras líneas.

La tapa se encuentra decorada con el mimo patrón. Comienza con una espiral central y termina en el borde de la tapa con una banda dentada.

En la base hay dos tiras en relieve que forman una cruz irregular cuyos extremos se funden en los cuatro pies en los que se apoya el recipiente.

Para finalizar subrayar que en general el estado de conservación es bueno, tan solo tiene algunos defectos insignificantes, como por ejemplo: debido a la falta de espacio se pueden encontrar irregularidades individuales situadas en la decoración en espiral de la tapa.

Actualmente se encuentra en el Antikensammlung Berlín, Alemania.

Paleta Min

La Paleta Min, también conocida como Paleta Amrah, es una paleta cosmética datada aproximada 3.250 a.C. y 3.100 a.C., perteneciente al arte egipcio.

Paleta Min

Se fabricó durante la cultura Naqada III (también denominada Nagada III o Semaniense), perteneciente al período predinástico de Egipto. 

Fue hallada en el año 1.901 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas en el interior de la tumba "B62", localizada en la ciudad de El-Amrah, situada aproximadamente 120 km al sur de Badari, en la ribera del río Nilo (Egipto).

Después de su descubrimiento fue adquirida por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de Egipto y Sudán.

Descripción

Tiene una anchura de 15,30 cm y una longitud de 29,20 cm. Esta fabricada en piedra, mediante las técnicas de incisión, tallado y perforación.

Se trata de una paleta cosmética plana con forma de lengua que tiene esculpido un bajorrelieve compuesto por dos símbolos jeroglíficos situados en la parte superior.

Paleta Min

En la parte superior tiene dos motivos ornamentales compuestos por cabezas de pájaros con caras opuestas situados en cada esquina superior.

Se puede apreciar como las cabezas son pequeñas, con un cuello delgado y de aproximadamente una décima parte de la altura de la paleta. Además se observa como la cabeza situada en la parte superior izquierda se encuentra dañada.

También situado en la parte superior central hay un pequeño orificio de suspensión.

Para finalizar subrayar que en la paleta se pueden apreciar el emblema Min compuesto por una ligadura tipográfica de dos jeroglíficos egipcios.

La forma horizontal posterior del jeroglífico Min consta de dos flechas con caras opuestas representadas de forma arcaica, mientras que centrado verticalmente esta el jeroglífico Min (éste jeroglífico es un cayado o bastón vertical).

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Jarrón de Hornos

El Jarrón de Hornos es un jarrón datado aproximadamente entre los años 1.351 d.C. y 1.375 d.C., perteneciente al arte medieval, en concreto al arte islámico.

Jarrón de Hornos

Se encuentra englobado dentro del arte hispanomusulmán, en concreto pertenece al arte nazarí.

Fue hallado en el último cuarto del siglo XIX d.C. por un vecino de la localidad de Hornos, localizada en la provincia de Jaén, en la comunidad autónoma de Andalucía (España), mientras se encontraba arando un campo.

Después de su descubrimiento fue trasladado a la Iglesia Parroquial de Nuestra Señora de la Asunción, dónde fue empotrado en el suelo haciendo de soporte a un cuenco usado como pila benditera (recipiente que contiene agua bendita).

Descripción

Tiene una altura de 134 cm y un diámetro de 65 cm. Esta fabricado en arcilla y vidrio, mediante las técnicas de cocción oxidante, vidriado, a torno y modelado.

Se trata de un jarrón con forma esbelta y contorno elegante. El cuerpo del jarrón presenta forma alargada ovoidal, además se puede apreciar como en la parte inferior, la base tiene forma cónica invertida sin vidriar y decorada con estrías.

El cuello tiene forma de tronco piramidal y esta divido en un octógono separado por medio de nervios o aristas. 

También tiene dos asas grandes planas, tipo aleta, situadas en la parte superior de la panza del cuerpo y que llegan hasta la mitad del cuello.

Esta decorado a base de vidriado azul y dorado, el cuerpo se encuentra decorado con bandas verticales en color azul separadas por otras bandas verticales doradas, además esta ornamentado con motivos geométricos y motivos atauriques o arabesco (figuras geométricas vegetales y patrones que imitan la forma de hojas, frutos, cintas y animales).

Además en el cuello hay una decoración epigráfica compuesta por una inscripción escrita en caracteres cúficos, una traducción aproximada es la siguiente:

" Toda fuente brota pareciendo la más perfecta corriente
y acrece benignidad abundante 
y excelentes dichas 
y afirma el recuerdo de la felicidad 
y de la pobreza que desvaneció mañana 
y tarde la fortuna del tiempo "

Cabe resaltar que los investigadores piensan que la inscripción podría formar parte de una composición de versos más larga.

Con respecto al estado de conservación éste es bueno, tan sólo le falta la parte superior de una de las asas.

Para finalizar subrayar que el Jarrón de Hornos se encuentra englobado dentro del grupo de Jarrones de la Alhambra (conjunto de piezas de cerámica nazarí fabricadas desde el siglo X d.C. hasta finales del siglo XV d.C.).

Actualmente se encuentra en el Museo Arqueológico Nacional de España, en Madrid.

Broche de Glenlyon

El Broche de Glenlyon es un broche datado aproximadamente en el siglo XVI d.C. (período comprendido entre los años 1.501 d.C. y 1.600 d.C.), perteneciente al arte celta.

Broche de Glenlyon

Cabe destacar que el año y lugar del hallazgo es desconocido, pero los investigadores piensan que pudo haber sido elaborado en Escocia (Gran Bretaña).

Hasta el año 1.696 d.C. perteneció a la colección de arte Campbell de Glenlyon propiedad de Robert Campbell (el quinto terrateniente de Glenlyon) un miembro menor de la nobleza escocesa.

El broche fue adquirido por la casa de subastas Christie's y vendido en el año 1.897 d.C. al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Broche de Glenlyon

Descripción

Tiene un diámetro de 220 mm y una profundidad de 54 mm.

Esta fabricado en cristales, amatista, perla y plata-dorada, mediante las técnicas de fundición, filigrana, engastado y grabado.

Se trata de un broche celta con forma circular formado por un anillo y una banda central, denominada pasador, que esta fijada y no puede moverse a lo largo del anillo. 

Así mismo se aprecia como en su interior aparte del pasador, hay dos alfileres situados paralelamente a la izquierda y derecha.

Broche de Glenlyon

El anverso se encuentra decorado mediante un engastado de cristales, amatistas y perlas entrelazadas con ornamentación geométrica.

Además se aprecia como los bordes están decorados con una fina banda en espiral. 

En el reverso hay escrito la siguiente inscripción que hace referencia a los tres Reyes Magos (Melchor, Gaspar y Baltasar):

" Caspar Melchior Balthazar consumatum "

También se puede observar como el reverso del pasador esta decorado con ornamentación vegetal.

Para finalizar subrayar que el broche podría haber sido utilizado tanto por hombres como por mujeres, en general los hombres utilizaban los broches a la altura de los hombros, mientras que las mujeres los usaban en la zona del pecho. 

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Diosa de Tarento

La Diosa de Tarento, también conocida como Diosa Entronizada de Tarento, es una escultura datada aproximadamente en el año 480 a.C., perteneciente al arte griego.

Diosa de Tarento

En concreto fue esculpida durante el inicio del período clásico del arte griego.

Fue hallada en el año 1.911 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas en el interior de una fosa de cuatro metros de profundidad localizada en la ciudad de Tarento, situada en la zona costera de Apulia, en el sur de Italia.

Aunque cabe resaltar que algunos investigadores piensan que la escultura pudo haber sido descubierta por un agricultor a principios de los años 1.900 d.C. cerca de un viñedo en el municipio de Locri, en la provincia de Reggio Calabria (Italia), desde dónde fue trasladada años más tarde a la ciudad de Tarento.

Se conoce que después de su hallazgo perteneció al comerciante de arte Jacob Hirsch, hasta que en el año 1.914 d.C. fue comprada por el arqueólogo alemán Theodor Wiegand.

Diosa de Tarento

Hasta que el año 2.011 d.C. ingresó en el Museo de Pérgamo de la ciudad de Berlín (Alemania), dónde pasó a formar parte de su colección de antigüedades.

Descripción

Tiene una altura de 151 cm, una anchura de 70 cm y una profundidad de 91 cm. Esta fabricada en mármol, mediante la técnica de tallado.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la figura de una mujer entronizada, es decir, ha sido representada sentada en un trono.

Algunos investigadores piensan que podría ser una representación de la diosa Perséfone (diosa del inframundo, de los encantamientos y la magia ) o de la diosa Hera (reina de los dioses, diosa matrona y diosa de los matrimonios).

Diosa de Tarento

En el rostro redondeado destacan los ojos almendrados, la nariz recta y los labios carnosos curvados en una ligera sonrisa conocida como sonrisa arcaica.

El cabello trenzado se encuentra recogido en un elaborado peinado, además lleva una diadema o tiara que tiene hendiduras y agujeros, por lo que se piensa que en su origen podría haber estado adornada por piedras preciosas.

Esta sentada, en una postura rígida, sobre un trono con respaldo adornado con cojines, también se observa como los pies descalzos descansan sobre un pequeño pedestal situado delante del trono y adornado en los laterales con motivos geométricos.

Se encuentra ataviada con un quitón largo (también conocido como jitón o chitón), una túnica consistente en una pieza de tela con forma rectangular que se coloca alrededor del cuerpo.

Diosa de Tarento

Sobre el quitón lleva una túnica decorada con pliegues oblicuos atada al hombro derecho y sobre los hombros un chal que le cae por la espalda y los brazos.

En cuanto a la composición destacar el contraste de texturas, entre la rugosidad del cabello y los pliegues de la túnica que contrastan con la suavidad de la piel.

Se han hallado restos de policromía en la parte trasera del trono lo que sugiere que en su origen la escultura debía de haber estado completamente policromada.

Tiene un aspecto solemne caracterizado por la postura rígida del cuerpo, aparte la expresión serena del rostro se encuentra englobada dentro del conocido estilo severo (también llamado estilo clásico temprano o estilo arcaico final).

Para finalizar subrayar que el estado de conservación no es bueno, parte del trono se encuentra perdido y los dos manos están mutiladas.

Actualmente se encuentra en el Museo de Pérgamo de Berlín, Alemania.

Flauta Vertical de Celadón

La Flauta Vertical de Celadón es una flauta datada aproximadamente en el siglo XIII d.C. (período comprendido entre los años 1.201 d.C. y 1.300 d.C.), perteneciente al arte coreano.

Flauta Vertical de Celadón

Fue elaborada durante el período conocido como Goryeo (también llamado Koryo), una dinastía de Corea que fue fundada en el año 918 d.C. y que reinó hasta el año 1.392 d.C. hasta que fueron derrocados por el fundador de la dinastía Joseon.

Se conoce que perteneció a la galería de arte "Nagel Auktionen", situada en la ciudad de Stuttgart (Alemania).

Hasta que en el año 2.008 d.C. la Flauta Vertical de Celadón fue adquirida por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de arte coreano.

Descripción

Tiene una longitud de 36,5 cm. Esta fabricada en gres (una pasta de cerámica compuesta por arcillas y materiales desgrasantes) con incrustaciones. 

Se trata de un instrumento de viento, una flauta de cerámica vertical, sin boquilla y con agujeros.

Cabe resaltar que toda la flauta de cerámica también tiene una cobertura de celadón (un esmalte translúcido verde o azul-gris).

Presenta una decoración a lo largo de su cuerpo compuesta por incrustaciones con forma de: grullas voladoras, nubes con forma de hongo y flores de crisantemo en miniatura.

También se aprecia como tanto el borde inferior y superior se encuentran decorados por bandas blancas con motivos geométricos.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que debido al material utilizado para fabricar la Flauta Vertical de Celadón, ésta probablemente pudo ser fabricada a medida y pensada principalmente como un objeto decorativo más que como un instrumento funcional.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Jarrón de la Cartuja de Jerez

El Jarrón de la Cartuja de Jerez es un jarrón datado aproximadamente en el siglo XIV d.C. (período comprendido entre los años 1.301 d.C. y 1.400 d.C.), perteneciente al arte medieval, en concreto al arte islámico.

Jarrón de la Cartuja de Jerez

Se encuentra englobado dentro del arte hispanomusulmán y dentro de éste pertenece al arte nazarí.

Fue hallado en febrero del año 1.927 d.C. en el transcurso de unas obras realizadas en el Monasterio de Santa María de la Defensión, localizado en la ciudad de Jerez de la Frontera.

Situada en la provincia de Cádiz, en la comunidad autónoma de Andalucía (España).

Cabe resaltar que el jarrón apareció como relleno en el trasdós de las bóvedas del monasterio.

En el año 1.930 d.C. el Jarrón de la Cartuja de Jerez fue donado, por historiador español Cristóbal Bermúdez Plata, al Museo Arqueológico Nacional de España, en Madrid, dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de antigüedades medievales.

Jarrón de la Cartuja de Jerez

Descripción

Tiene una altura de 126 cm y un diámetro de 63 cm. 

Esta fabricado en arcilla y vidrio dorado, mediante las técnicas de cocción oxidante, cocción reductora, reflejo dorado y vidriado.

Se trata de un jarrón con el cuerpo con forma alargada ovoidal, la base presenta forma cónica invertida sin vidriar y decorada con unas estrías horizontales.

La decoración es de color dorado pálido casi nielado en varias partes.

Desde abajo hacia arriba se puede apreciar como hay una banda compuesta por decoración de arquillos superpuestos en tres series encerrando una fruta.

Jarrón de la Cartuja de Jerez

Esta banda se encuentra separada de la zona superior por medio de dos cintas: una blanca y otra dorada.

La zona superior del cuerpo esta decorada con motivos arabescos o atauriques (figuras geométricas vegetales y patrones que imitan las formas de hojas, frutos, cintas y animales), la ornamentación se encuentra unida como guindas por un hilo y puntos dorados.

También hay una inscripción en escritura cúfica, aunque debido a que se encuentra muy deteriorada tan sólo se ha podido descifrar la palabra perdón.

Se puede apreciar como el cuello se encuentra formado por tres medias cañas unidas entre sí por dos fajas con adornos de lacería diferente sobre un fondo dorado.

Además la parte alta del cuello, la boca, tiene forma de pirámide truncada invertida, también tiene ocho caras separadas por medio de baquetones decorados con hojas estilizadas.

Las asas tienen forma de aleta y se encuentran situadas en la parte superior de la panza del cuerpo llegando hasta la mitad del cuello.

Para finalizar subrayar que el Jarrón de la Cartuja de Jerez se encuentra englobado dentro del grupo conocido como Jarrones de la Alhambra, un conjunto de piezas de cerámica nazarí fabricadas desde el siglo X d.C. hasta finales del siglo XV d.C..

Actualmente se encuentra en el Museo Arqueológico Nacional de España, en Madrid.

Sítula de la Pania

La Sítula de la Pania es un recipiente datado aproximadamente en el siglo VII a.C. (período comprendido entre los años 700 a.C. y 601 a.C.), perteneciente al arte etrusco.

Sítula de la Pania

Fue hallada durante las excavaciones arqueológicas realizadas en el interior de la Tumba de la Pania, localizada en la ciudad de Chiusi, situada en la provincia de Siena, en la región de La Toscana (Italia).

Descripción

Tiene una altura de 22 cm. Esta fabricada en marfil, mediante las técnicas de tallado e incisión.

Se trata de una sítula o pixis, es decir, un recipiente con forma cilindra que se encuentra hueco en su interior.

El exterior esta decorado por una serie de cuatro frisos horizontales separados entre sí por medio de unas bandas decoradas con cenefas con motivos vegetales (flores de loto y palmas entrelazadas). 

Además las bandas superior e inferior son de un tamaño mayor y se encuentran decoradas con flores de loto.

Se puede observar como en el friso superior (el primer friso) se encuentran representadas dos escenas referentes a la Odisea (poema épico griego): en una ésta representado el héroe griego Ulises escapando de la cueva del cíclope Polifermo y la otra escena representada es el encuentro de Ulises con Escila.

Sítula de la Pania (detalle)

También se observa como las dos escenas están separadas entre sí mediante la figura de una esfinge (ser mitológico con cabeza humana, cuerpo de león y alas de águila).

El segundo friso esta decorado con diferentes motivos que representan la partida a la guerra, se puede apreciar una fila de guerreros hoplitas (ciudadanos-soldados de las Ciudades-Estado de la Antigua Grecia).

Seguido por una fila de mujeres representadas con el pelo trenzado y las manos sobre sus pechos llorando. Después hay un guerrero sin escudo realizando una danza funeraria y cierra la procesión un jinete (guerrero a caballo).

El tercer friso esta compuesto por diferentes representaciones de bestias y monstruos en procesión, mientras que el friso inferior (cuarto friso) esta compuesto con representaciones de animales fantásticos o imaginarios.

En cuanto al estado de conservación resaltar que aunque la sítula ha sido sometida a varios procesos de reconstrucción algunos fragmentos de los frisos no han sido hallados y algunas zonas se encuentra muy deterioradas.

Para finalizar subrayar que la Sítula de la Pania está considerada uno de los mejores ejemplares de trabajo en marfil realizados dentro del arte etrusco.

Actualmente se encuentra en el Museo Arqueológico Nacional de Florencia, Italia.

Sarcófago de Hornedjitef

El Sarcófago de Hornedjitef es un sarcófago datado aproximadamente en el año 240 a.C., perteneciente al arte egipcio.

Sarcófago de Hornedjitef

El año del hallazgo es desconocido, pero se sabe que se encontró durante las excavaciones arqueológicas realizadas en la necrópolis de Asasif, situada en la orilla occidental del río Nilo.

Localizado a su paso por la ciudad de Tebas, cercana del complejo funerario de Decir el Bahari y al sur de la necrópolis de Dra Abu el-Naga (Egipto).

En el año 1.835 d.C. el Sarcófago de Hornedjitef fue comprado, en la casa de subastas Sotheby's, por el  Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de Egipto y Sudan.

¿ Quién fue Hornedjitef ?

Hornedjitef fue el hijo de Nekhthorheb, además desempeño muchos papeles sacerdotales durante el reinado del faraón Ptolomeo III Evergetes (también conocido como "el Benefactor").

También se conoce que fue un sacerdote del Templo de Amón, situado en la ciudad de Karnak, en el complejo religioso más importante del Antiguo Egipto.

Sarcófago de Hornedjitef

Descripción

Tiene una longitud de 194, 50 cm y una anchura de 60 cm. Esta fabricado en madera, yeso y oro, mediante las técnicas de tallado y pintado.

Se trata de un sarcófago de madera decorado que en su interior albergaba la momia de Hornedjitef.

La tapa del sarcófago se encuentra totalmente decorada, en la parte superior hay representada una cara policromada y dorada, con una peluca dónde dos mechones enmarcan el rostro y en la barbilla lleva una barba postiza.

Los labios carnosos están curvados en una pequeña sonrisa, tanto los ojos como las cejas s encuentran enmarcados por finas líneas negras y a ambos lados, en las mejillas, tiene unas líneas verticales gruesas que van desde la barbilla hasta los ojos.

También lleva un collar usej compuesto por dos cierres planos y semicirculares que forman una media luna de gran tamaño. Además se encuentra formado por una red de múltiples perlas decoradas y el borde exterior se encuentra guarnecido por colgantes.

Cabe resaltar que en el Antiguo Egipto el collar usej era utilizado como un talismán de protección relacionado con la diosa Hathor (diosa celeste, de la maternidad y diosa solar).

Sarcófago de Hornedjitef
(detalle)

Lleva un escarabajo alado situado a la altura del pecho y el cuerpo se encuentra decorado con una inscripción vertical en escritura jeroglífica.

El cuerpo del sarcófago por el exterior no presenta ningún tipo de decoración, sin embargo el interior se encuentra totalmente decorado. 

Se puede apreciar como en el centro hay pintada una figura humana rodeada por deidades y escrituras jeroglíficas, aparte también destaca ornamentación compuesta por estrellas y círculos.

Para finalizar subrayar que el Sarcófago de Hornedjitef fue seleccionado para formar parte del proyecto "Una historia del mundo en cien objetos", realizado en común por la BBC Radio 4 y el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña).

Consistente en grabaciones de audio con una duración de quince minutos, en las que se habla de un objeto (arte antiguo, productos industriales, tecnología y armas) procedentes de las colecciones de arte del Museo Británico.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.