Espada de Boabdil

La Espada de Boabdil es una espada datada aproximadamente en el siglo XV d.C. (período comprendido entre los años 1.401 d.C. y 1.500 d.C.), perteneciente al arte islámico.

Espada de Boabdil

En concreto se encuentra englobada dentro del arte hispanomusulmán y dentro de éste pertenece al arte nazarí.

Espada de Boabdil
(detalle)

Perteneció al último sultán del reino nazarí de Granada Abū ‘Abd Allāh Muhammad ibn Abī il-Hasan ‘Alī (apodado al-Zugābī y también conocido como Muhammad XII o Boabdil).

Durante la batalla de Lucena (también conocida como batalla de Martín González), ocurrida el 21 de abril del año 1.483 d.C., dónde se enfrentaron fuerzas cristiana de la Corona de Castilla y musulmanes del Reino Nazarí de Granada.

El sultán Boabdil fue capturado, echo prisionero y llevado frente a los Reyes Católicos (la reina de la Corona de Castilla Isabel I de Castilla y el rey de la Corona de Aragón Fernando II de Aragón) al municipio de Porcuna donde fue encarcelado de nuevo. 

Es sabido que en agradecimiento por los servicios prestados la vestimenta, zapatos y armas de Boabdil, que formaban parte del botín de guerra, fueron regaladas como obsequios al alcalide los donceles y al conde de Cabra por lo Reyes Católicos.

Siendo la Espada de Boabdil regalada al noble y militar español Diego Fernández de Córdoba y Arellano (I marqués de Comares).

En el año 1.904 d.C. la espada fue donada por la aristócrata española Mencía del Collado y del Alcázar (Marquesa de Viana y Marquesa del Valle de la Paloma) al Museo del Ejército de España, ubicado en el Alcázar de Toledo, situado en la ciudad de Toledo, en la comunidad autónoma de Castilla-La Mancha (España).

Espada de Boabdil

Espada de Boabdil
(detalle)

Descripción

Tiene una longitud de 97 cm. La hoja está elaborada en acero y la empuñadura en marfil, oro y plata.

Se trata de una espada jineta recta, de una mano, que presenta la hoja con doble filo con canal hasta la mitad y acabada en curva.

También se puede apreciar como presenta un vaceo central poco profundo, en el que figuran, por ambas caras, una marca nanqueada por dos estrellas de cuatro puntas, tres círculos concéntricos conteniendo el intermedio quince crecientes y en el interior un pequeño triángulo central (posiblemente el punzón del armero).

El pomo circular con perilla presenta grabados en el anverso y reverso, mientras que el puño fusiforma está totalmente cincelado.

También destaca los arriaces con escudo trilobular, de forma redondeada con los brazos caídos paralelamente a la hoja dejando un mínimo espacio entre sí, bellamente decorados mediante las técnicas del damasquinado y nielado con oro y plata.

Aparte se puede apreciar como toda la empuñadura está adornada con diferentes inscripciones grabadas en árabe cúfico.

En la empuñadura se puede leer el lema de la casa nazarí: "A Alá solo Alá es el vencedor" y en el puño se pueden leer frases del Corán.

Con respecto a la composición resaltar que la Espada de Boabdil se distingue por su meticulosa elaboración y la alta calidad de su empuñadura.

Sobretodo llama la atención como la espada se encuentra ornamentada de manera ostentosa denotando la importancia de su portador.

Para finalizar subrayar que el tipo de espada "jineta" corresponde a un tipo de espada de fabricación genuinamente nazarí, introducida por los zenatas (grupo de pueblos bereberes durante el periodo medieval) en el Al-Ándalus (nombre dado a los territorios de la península ibérica bajo dominio musulmán durante la Edad Media).

Actualmente se encuentra en el Museo del Ejército de Toledo, España.

Columna de Palma de Sahura

La Columna de Palma de Sahura es una columna datada aproximadamente entre los años 2.458 a.C. y 2.446 a.C., perteneciente al arte egipcio.

Columna de Palma de Sahura

Columna de Palma de Sahura
(detalle)

Fue hallada en el año 1.907 d.C. durante las excavaciones realizadas por el el egiptólogo y arquitecto alemán Ludwing Borchardt.

En la Pirámide de Sahura, ubicada en el yacimiento arqueológico de Abusir, situado en la orilla occidental del río Nilo, en la región de Menfis (Egipto).

En el año 1.910 d.C. la Columna de Palma de Sahura fue adquirida por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de arte egipcio.

En el año 1.975 d.C. el extremo inferior roto y en muy mal estado de conservación de la Columna de Palma de Sahura fue serrado para que cupiera bajo el techo inferior de la "Galería 103 " del museo.

La parte retirada se registró como "10.175.137b" y se conserva en el sótano del museo, por lo que la columna restante tiene una altura de 6,16 metros desde la base hasta la parte superior del ábaco.

Por supuesto enfatizar, que la medida actual no guarda relación con el tamaño original de la columna.

Columna de Palma de Sahura

Descripción

Tenía una altura total de 6,654 m (actualmente tiene una altura de 6,16 m), un diámetro en la base de 86,36 cm y un diámetro sobre las bandas anulares de 80 cm.

El capitel (incluido el ábaco) tiene una altura de 1,68 m y el ábaco tiene una anchura de 87,2 cm.

Se trata de una columna monolítica elaborada en un solo bloque granito que presenta el capitel con nueve hojas de palma.

A su vez éstas hojas presentan una nervadura central y finas ondulaciones laterales.

El fuste de la columna se encuentra ornamentado en el frente con un panel de texto cuadrado que contiene inscripciones jeroglíficas con la titularidad real, entre las que destaca el símbolo del halcón de Horus y el símbolo del buitre de Mut.

Situada a la izquierda, sobre el buitre, la transcripción de la inscripción es la siguiente:

"nxb.t nb.t-tA-Sma.w"

Siendo su traducción aproximada la siguiente:

"Nekhbet, Señora del Alto Egipto"

En el interior el serekh (símbolo jeroglífico egipcio antiguo) compuesto por un marco rectangular que contiene el "nombre de Horus" está coronado por el halcón Horus (indicando la legitimidad divina y el poder administrativo del faraón), se puede leer el nombre del faraón:

" nb-xa.w sAH.w-raw " = " Nebkhu Sahura "

A su derecha la transcripción de la inscripción es la siguiente:

"nswt.bj.tj nb.tj nb-xa.w nTr.wj-nbw sAH.w-raw

Di(.w) anx Dd wAs snb Aw.t-jb nb D.t"

Siendo su traducción aproximada la siguiente:

"Faraón del Alto y Bajo Egipto, las Dos Damas Nebkhaku, Netjeruinebu Sahura

le doy vida, estabilidad, dominio, salud y alegría para siempre"

Con respecto a la composición destacar que el granito para la columna fue extraído de la cantera de Asuán y se transportó río abajo durante más de ochocientos kilómetros (500 millas) hasta el emplazamiento de la pirámide en el yacimiento arqueológico de Abusir.

Además resaltar que muchos de los elementos de la arquitectura faraónica en piedra son representaciones estilizadas de elementos de madera y junco que probablemente solo existían en estructuras muy antiguas.

La Columna de Palma de Sahura parece imitar un poste de madera con hojas de palmera datilera atadas en la parte superior con una cuerda.

Estando el extremo de la cuerda oculto bajos las ataduras y reapareciendo debajo formando un lazo.

Para finalizar subrayar que combinando el desarrollo de la IV Dinastía Tardía de Egipto con nuevos aspectos, el faraón Sahura mandó edificar su complejo piramidal en Abusir.

Siendo un diseño que sirvió de modelo para todos los faraones posteriores de las dinastías V, VI y XII de Egipto. Es más un aspecto novedoso fue el uso de abundantes de columnas con capiteles de plama, presentes en su templo del valle y en el patio de su templo piramidal, rodeado por 16 columnas, incluida la Columna de Palma de Sahure.

También existen evidencias que los faraones de la V Dinastía de Egipto Dyedkara Isesi y Unis mandaron utilizar columnas de palma en sus complejos piramidales.

Aparte en los templos de deidades de la época se erigían columnas de palma, algunas alcanzando la impresionante altura de 10 m.

Posteriormente las columnas de palma cayeron en desuso, pero recuperaron una popularidad moderada bajo el faraón de la XVIII Dinastía de Egipto Amenhotep III (también conocido como Neb-Maat-Ra Amen-Hotep o Amenofis III) y nuevamente durante el período kushita en la XXV Dinastía de Egipto.

También cabe resaltar que se piensa que la Columna de Palma de Sahura, junto con el resto de las 15 columnas, se derrumbaron en la época ptolemaica, después de que unos saqueadores de piedras extrajeran piedras de ellas.

Aunque también las investigaciones llevadas a cabo sugieren que posiblemente las columnas, junto con el complejo, pudieron haber sido derrumbadas por un terremoto.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Botella con Figura Sentada

La Botella con Figura Sentada es una botella datada aproximadamente entre los años 1 d.C. y 300 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte nazca o arte nasca.

Botella con Figura Sentada

Botella con Figura Sentada

Lo primero que se conoce es que la botella formó parte de la colección de arte de los coleccionistas de arte Raymond Wielgus y Laura Wielgus, ubicada en la ciudad de Chicago, situada en el estado de Illinois (Estados Unidos de América).

Entre los años 1.960 d.C. y 1.978 d.C. la botella fue prestada para su exposición al Museo de Arte Primitivo de Nueva York (Estados Unidos de América), un antiguo museo dedicado a las culturas indígenas de América, África, Asia, Europa y Oceanía.

Hasta que en el año 1.979 d.C. la Botella con Figura Sentada pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte permanente.

Botella con Figura Sentada

Botella con Figura Sentada

Descripción

Tiene una altura de 23,2 cm, una anchura de 13,3 cm y un diámetro de 13,3 cm. Está elaborado en cerámica y engobe.

Se trata de una botella figurativa policromada que tiene la forma de una figura humana sentada y compacta, que tan solo posee un solo pico y un asa.

La cabeza grande se encuentra asentada sobre los anchos hombros y las piernas de la figura están pegadas al cuerpo, con los brazos y las manos firmemente sujetos al pecho.

Llama la atención como los detalles como los dedos de las manos y los pies, las uñas y los rasgos faciales están representados geométricamente.

Asimismo se puede apreciar cómo los ojos y la boca están ligeramente elevados, mientras que la nariz y una protuberancia en la frente son prominentes.

También cabe destacar que éste misterioso bulto o protuberancia podría ser una referencia a los pescadores, quienes a menudo se representan con éste rasgo.

La figura lleva un tocado y un paño a rayas en la cadera. Además en su brazo izquierdo se aprecia un ave estilizada de pico largo, probablemente un ave marina y en el derecho un pez antropomorfizado, tal vez una orca o un tiburón.

En cuanto a la composición resaltar que la iconografía marina ocupó un lugar destacado en todo el arte nazca, reflejando la importancia económica de los recursos oceánicos.

Una fuente de riqueza constante, así como de peligro, el mar desempeñó un papel fundamental en los mitos de todos los pueblos costeros de los Andes.

Para finalizar subrayar que se conoce que los alfareros nazcas daban forma a los recipientes mediante el enrollado y el modelado.

Aparte resaltar que las vasijas figurativas, como la Botella con Figura Sentada, son raras y datan de una época temprana dentro de ls secuencia cerámica Nazca, que duró al menos 700 años.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Incrustación Mujer con Sello Cilíndrico

La Incrustación Mujer con Sello Cilíndrico es una placa datada aproximadamente entre los años 2.600 a.C. y 2.500 a.C., perteneciente al arte mesopotámico, en concreto al arte sumerio.

Incrustación Mujer con Sello Cilíndrico

Fue hallada entre los años 1.960 d.C. y 1.961 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas en nombre de la Expedición Conjunta en Nippur.

Compuesta por la Escuela de Bagdad de las Escuelas Americanas de Investigación y el Instituto Oriental de la Universidad de Chicago.

Cabe resaltar que fue descubierta en el Templo de la diosa Inanna, edificado en la antigua ciudad de Nippur está ubicada al noreste de Ad-Dīwānīyah, en el sureste de Irak.

En el año 1.962 d.C. la Incrustación Mujer con Sello Cilíndrico fue adquirida por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), como parte de su contribución financiera a las excavaciones.

Descripción

Tiene una altura de 6,3 cm, una anchura de 3,2 cm y un grosor de 0,5 cm.

Se trata de una placa tallada en un trozo de concha nacarada con forma de mujer, casi completa a excepción de las piernas y los pies.

Lleva un tocado de tela envuelta, debajo del cual se aprecia una hilera de rizos en su frente, además resalta su prominente nariz, ceja y ojo con la pupila perforada, que definen su rostro.

Sin embargo no se indica su boca y una hilera de perforaciones, quizás un collar, marca la transición entre la cabeza y el cuerpo.

Aparte se puede apreciar como dos líneas verticales incisas parecen representa una flauta, que sostiene en sus manos.

Asimismo se observa como otro conjunto de líneas incisas a la derecha podría ser el borde de una vestimenta, que se extiende sobre su muñeca izquierda.

Ésta muñeca lleva una pulsera con un colgante en forma de sello cilíndrico, representado como una figura cuadrada dividida por la mitad por un línea incisa que muestra la cuerda de la que cuelga.

Cabe enfatizar que es un raro ejemplo de una representación de un sello cilíndrico en uso.

Es más se piensa que originalmente la placa probablemente estaba fijada con betún (una sustancia similar utilizada como adhesivo) y trozos de concha y piedra para crear una composición de colores contrastantes, una técnica característica del final del Período Dinástico Temprano.

Para finalizar subrayar la ciudad de Nippur, la gran ciudad sagrada del sur de Mesopotamia, era el hogar principal de la deidad principal Enlil (dios del viento, el aire, la tierra y las tormentas) y albergaba templos dedicados a Enlil y a muchos otros dioses.

Es más las excavaciones en el Templo de la diosa Inanna (dios del amor, la fertilidad, la justicia y la guerra) han revelado que el santuario se construyó por primera vez durante el Período Dinástico Temprano I y se reconstruyó continuamente en el mismo emplazamiento hasta el período parto, unos tres mil años después.

En el templo se descubrieron cientos de objetos: estatuas, cuencos y placas de piedra, incrustaciones, elementos de mobiliario y otros fragmentos, hallados en tesoros o dispersos por todo el edificio.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Boden Sea, Uttwil

Boden Sea, Uttwil es una fotografía datada en el año 1.993 d.C., perteneciente al arte fotográfico.

Boden Sea, Uttwil

Fue tomada por el fotógrafo japonés Sugimoto Hiroshi (杉本博司 ).

Lo primero que se conoce es que estuvo en posesión del artista.

Después formó parte de la colección de arte de la galería "Sonnabend Gallery", ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.994 d.C. la fotografía Boden Sea, Uttwil fue adquirida por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de arte fotográfico.

Descripción

Tiene una altura de 42,3 cm y una anchura de 54,2 cm. Está elaborada mediante la técnica en impresión en gelatina de plata.

Se trata de una fotografía en blanco y negro que presenta una línea de horizonte minimalista que separa el cielo y la tierra.

Resalta como la fotografía captura la atmósfera serena del lago de Constance (Boden Sea) en la comuna Uttwil, localizada en el cantón de Turgovia, situada en el distrito de Arbon (Suiza), enfatizando el límite entre el mar y el cielo.

Sobretodo refleja el interés del autor en transmitir la sensación de "tiempo oceánico" y un sentimiento de "hogar ancestral" a través del minimalismo monocromático.

La fotografía capta un paisaje marino, dónde la particularidad de la luz y la atmósfera de la región, junto con la forma en que éstos efectos interactúan frente al horizonte

Es más resaltar que el horizonte es fundamental en la obra del fotógrafo japonés, su trabajo describe el contacto entre la superficie terrestre y el éter, y es también una metáfora de los límites de nuestra percepción mental y visual.

Vistas en conjunto, las fotografía se alinea a lo largo del horizonte, sugiriendo la continuidad de su brújula a la vez que revelan infinitas variaciones.

Aparte enfatizar que ésta aproximación visual al infinito es una expresión idónea de lo sublime para una época que ha olvidado que tal majestuosidad existe en un planeta cada vez mas pequeño y contaminado.

Asimismo resaltar que representa la intersección de la fotografía artística con la cultura popular, enfatizando la atemporalidad y el paisaje natural.

Para finalizar subrayar que los derechos y reproducción de la fotografía Boden Sea, Uttwil son de © Sugimoto Hiroshi.

También destacar que la fotografía se utilizó como imagen para la portada del disco "No Line on the Horizon" del año 2.009 d.C., el duodécimo álbum de estudio del grupo irlandés U2. 

En el año 2.010 d.C. se lanzó una litografía offset de edición limitada (100 ejemplares), con las firmas de los cuatro miembros de la banda U2 y la firma del fotógrafo japonés Sugimoto Hiroshi.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Cipreses con Dos Figuras

Cipreses con Dos Figuras, también conocida como Los Cipreses, es una pintura datada entre junio del año 1.889 d.C. y febrero del año 1.890 d.C., perteneciente al postimpresionismo.

Cipreses con Dos Figuras

Fue pintada por el pintor neerlandés Vincent Willem van Gogh (también conocido como Vincent van Gogh).

Cabe destacar que la pintura fue pintada en la comuna y población de Saint-Rémy-de-Provence.

Ubicada en el distrito de Arlés, situado en el departamento de Bocas del Ródano, en la región de Provenza-Alpes-Costa-Azul (Francia).

En concreto se conoce que el artista pintó dos lienzo, uno fue enviado a su hermano el marchante de arte neerlandés Theodorus van Gogh (también conocido como Theo van Gogh) y el otro lienzo lo guardó para sí mismo.

En el año 1.890 d.C. la pintura fue regalada al pintor, crítico de arte y escritor francés Gabriel-Albert Aurier (también conocido como Albert Aurier).

En el año 1.892 d.C. la pintura pasó a formar parte, por herencia, de la colección de arte de los herederos del Gabriel-Albert Aurier.

En el año 1.914 d.C. la pintura Cipreses con Dos Figuras fue cedida a la filántropa neerlandesa Helene Emma Laura Juliane Müller (también conocida como Helene Kröller-Müller).

Y desde el año 1.938 d.C. la pintura forma parte de la colección de arte del Museo Kröller-Müller (Países Bajos).

Descripción

Tiene una altura de 91,6 cm y una anchura de 72,4 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa un paisaje formado por un grupo de cipreses en la esquina de un campo de maíz, en un día de verano con el mistral (viento fuerte, frío y seco del noroeste), envueltos en un azul movido por las grandes corrientes de aire.

Llama la atención como los árboles están compuestos de trazos sinuosos, como llamas, y la vida se manifiesta en toda la vegetación circundante, como si el mistral azotara con furia.

En un primer plano, entre los árboles y el campo de maíz, se pueden apreciar la silueta de dos figuras femeninas, de pie, mirando hacia el lado derecho y ataviadas con vestidos de manga larga de color rosado y morado.

Con respecto a la composición resaltar que se sabe que el autor considera a los cipreses oscuros, con su silueta llameante, característicos de la Provenca, <<en cuanto a líneas y proporciones, tan bellos como un obelisco egipcio.

Y el verde excepcional, es la mancha negra en un paisaje soleado, pero es una de las notas negras más interesantes, y por lo que puedo imaginar una de las más difíciles de plasmar correctamente en el lienzo>>.

Para finalizar subrayar que en enero del año 1.890 d.C. el crítico de arte, poeta y pintor francés Gabriel-Albert Aurier (también conocido como Albert Aurier) publicó un artículo elogioso sobre la obra del pintor neerlandés Vincent van Gogh.

En el artículo elogió al pintor cómo un realista soñador que manipula la realidad a su antojo de una manera inigualable.

Cabe resaltar que el artista se sintió gratamente sorprendido, aunque consideró que el crítico Albert Aurier le estaba dando demasiado crédito, y como muestra de gratitud le envió la pintura Cipreses con Dos Figuras.

Actualmente se encuentra en el Museo Kröller-Müller, Países Bajos.

Botella con Boquilla y Puente

La Botella con Boquilla y Puente es una botella datada aproximadamente entre los años 400 d.C. y 600 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte nazca o arte nasca.

Botella con Boquilla y Puente

Botella con Boquilla y Puente

En el año 1.938 d.C. la botella formaba parte de la colección de arte "Bruno J. Wassermann- San Blas Collection", ubicada en la ciudad de Buenos Aire (Argentina).

En el año 1.954 d.C. la botella fue comprada por el empresario, inversor, coleccionista de arte y filántropo judío-canadiense-estadounidense Nathan Cummings.

Pasando a formar parte de la colección de arte del Sr. y la Sra. Nathan Cummings, situada en la ciudad de Chicago, localizada en el estado de Illinois (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.964 d.C. la Botella con Boquilla y Puente fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Botella con Boquilla y Puente

Descripción

Tiene una altura de 23,5 cm y una anchura de 18,1 cm.

Se trata de una botella de cerámica con boquilla y un puente que conecta con el pico, que ha sido modelada y pintada para representar una figura masculina ricamente vestida.

Destaca como el hombre sostiene un bastón en una mano y una cabeza cortada en la otra, lo que sugiere que se trata de un guerrero.

La figura lleva un tocado con bandas blancas que cruzan la frente, mientras que mechones de cabello largo descansan sobre sus hombros.

Llama la atención la sencillez del tocado contrasta con sus ricas vestimentas, con su camisa cubierta por diseños circulares, que tal vez indiquen ornamentos adheridos a la tela.

Además se puede apreciar como sobre la camisa lleva un manto que le cubre los hombros y le cae por la espalda.

También se observa como el motivo central del manto es una figura que parece flotar o volar (sus pies y brazos están alineados horizontalmente). 

Su rostro está cubierto por ornamentos en la boca y la cabeza con apéndices en forma de zarcillos, tan solo los ojos y la boca son distinguibles bajo ésta profunda ornamentación. 

Aparte debajo de la figura, un diseño de tablero de ajedrez y una serie de cabezas sin cuerpo completan la composición.

Para finalizar con respecto a la composición resaltar que en muchos sentidos, el estilo nasca, es una continuación del estilo paraca (anterior), pero los artistas nasca distinguieron su obra mediante el uso de engobes de colores, mezclas acuosas de arcilla y pigmentos aplicados antes de la cocción, fijando así permanentemente el color a la superficie cerámica.

Con ésto los artistas nasca lograban un delicado brillo puliendo la superficie con un pulidor de piedra o un instrumento similar antes de la cocción, mientras la cerámica aún estaba relativamente húmeda.

Es conocido que éstas finas cerámicas policromadas se utilizaban en ceremonias a las que asistían cientos de personas, quienes transportaban estas vasijas a sus hogares como objetos de prestigio y portadoras de conocimiento religioso.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Inscripción de Baalshamem

La Inscripción de Baalshamen es una inscripción datada aproximadamente entre los años 132 a.C. y 125 a.C., perteneciente al arte fenicio.

Inscripción de Baalshamem

Inscripción de Baalshamem

Fue hallada entre los años 1.860 d.C. y 1.861 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas durante la Misión Fenicia de Ernest Renan.

Llevadas a cabo por el escritor, filólogo, filósofo, arqueólogo e historiador francés Joseph Ernest Renan, en el yacimiento arqueológico de Umm Al Amad (también conocido como Umm el 'Amed, Umm al Auamid o Umm el-Awamid).

Inscripción de Baalshamem

Ubicado cerca de la ciudad de Naqoura, situado en el distrito de Tiro, en el sur de Líbano.

En concreto la Inscripción de Baalshamem fue hallada en la ladera norte de la colina, en los cimientos de una de las casas en ruinas que la cubren.

Poco después de su descubrimiento la inscripción fue adquirida por el Museo del Louvre de París (Francia), pasando a formar parte de su colección de arte con el número de identificación AO 4831.

Descripción

Tiene una altura de 29 cm y una anchura de 32 cm.

Inscripción de Baalshamem

Se trata de una inscripción grabada en una losa de alabastro, aunque cabe resaltar que la escritura no se encuentra grabada profundamente y no se considera de carácter monumental.

Además destacar que fue hallada casi intacta, excepto por el comienzo, que consta de ocho letras, de las cuales los investigadores pudieron reconstruir en parte a partir de los restos presentes y en parte a partir del contenido de la inscripción.

La inscripción escrita en caracteres fenicios se leen de derecha a izquierda y se la conoce como KAI 18 o CIS 17.

La inscripción en escritura fenicia, compuesta por ocho líneas u ocho fragmento, es la siguiente:

"𐤋𐤀𐤃𐤍 𐤋𐤁𐤏𐤋𐤔𐤌𐤌 𐤀𐤔 𐤍𐤃𐤓 𐤏𐤁𐤃𐤀𐤋𐤌

𐤁𐤍 𐤌𐤕𐤍 𐤁𐤍 𐤏𐤁𐤃𐤀𐤋𐤌 𐤁𐤍 𐤁𐤏𐤋𐤔𐤌𐤓

𐤁𐤐𐤋𐤍 𐤋𐤀𐤃𐤊 𐤀𐤉𐤕 𐤄𐤔𐤏𐤓 𐤆 𐤅𐤄𐤃𐤋𐤄𐤕

𐤀𐤔 𐤋𐤐𐤏𐤋𐤕 𐤁𐤕𐤊𐤋𐤕𐤉 𐤁𐤍𐤕𐤉 𐤁𐤔𐤕 𐤙𐤘

𐤘𐤘𐤘 𐤋𐤀𐤃𐤍 𐤌𐤋𐤊𐤌 𐤙𐤘𐤘𐤖𐤖𐤖 𐤔𐤕 𐤋𐤏𐤌

𐤑𐤓 𐤋𐤊𐤍𐤉 𐤋𐤉 𐤋𐤎𐤊𐤓 𐤅𐤔𐤌 𐤍𐤏𐤌

𐤕𐤇𐤕 𐤐𐤏𐤌 𐤀𐤃𐤍𐤉 𐤁𐤏𐤋𐤔𐤌𐤌

𐤋𐤏𐤋𐤌 𐤉𐤁𐤓𐤊𐤍"

Siendo su traducción aproximada la siguiente (*la traducción entre corchetes y paréntesis indican un espacio relleno o reconstruido por los investigadores) :

"[(Este monumento está dedicado) al Señor, a] Ba‘l-samêm! Quien juró (el monumento) fue Abd'ilim,

hijo de Mittun, hijo de Abd'ilim, hijo de Ba‘alsamor,

del distrito de Laodicaea. Esta puerta y las puertas

que hice para ella, las construí a mi propio costo en el año

el Señor de los Reyes, año 143 del pueblo de

para que fuera para mí un memorial y (un monumento a) mi buen nombre,

bajo los pies de (es decir, mostrando mi fidelidad a) mi Señor Ba‘al-samêm.

¡Que me bendiga para siempre!"

También resaltar que según la inscripción el título "Señor de Reyes" en la línea 5 (𐤘𐤘𐤘 𐤋𐤀𐤃𐤍 𐤌𐤋𐤊𐤌 𐤙𐤘𐤘𐤖𐤖𐤖 𐤔𐤕 𐤋𐤏𐤌) (’dn mlkm, ’adōn malkîm) fue utilizado por los Ptolomeos, quienes reinaron en Egipto desde el año 305 a.C. como faraones.

Esto sugiere que la inscripción data del año 125 a.C.,  una fecha ligeramente a 132 a.C., es más se deduce de la datación del "pueblo de Tiro", se calcula a partir del año 275 a.C., cuando la ciudad abandonó el concepto de monarquía y en su lugar se convirtió en república. 

Por lo tanto si el reinado del primer Ptolomeo se cuanta a partir de la Primera Batalla de Gaza en el año 312 a.C., entonces ambas fechas coinciden.

Para finalizar subrayar que la Inscripción de Baalshamem forma parte de un grupo de tres inscripciones, todas ellas halladas en las mismas excavaciones y en el mismo lugar, en la ladera norte de la colina del yacimiento arqueológico de Umm Al Amad.

Actualmente se encuentra en el Museo del Louvre de París, Francia.

Botella de Vidrio con Cuello de Cisne

La Botella de Vidrio con Cuello de Cisne es una botella datada aproximadamente en el siglo XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 1.900 d.C.), perteneciente al arte persa, en concreto al arte kayar.

Botella de Vidrio con Cuello de Cisne

Botella de Vidrio
con Cuello de Cisne

Botella de Vidrio
con Cuello de Cisne

Se conoce que formó parte de la colección de arte "Charles Mannheim Collection", ubicada en la ciudad de París (Francia) y propiedad del coleccionista y autor Charles Mannheim.

En el año 1.898 d.C. la botella fue comprada por el empresario, banquero y coleccionista de arte estadounidense John Pierpont Morgan.

Hasta que en el año 1.917 d.C. la Botella de Vidrio con Cuello de Cisne fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 38,1 cm y un diámetro máximo de 11 cm.

Se trata de una botella de vidrio azul con un cuerpo aproximadamente globular, la boca casi vertical y con el borde superior curvado hacia arriba en una larga extensión similar a una lengua que presenta un labio redondeado.

Inmediatamente debajo del labio hay una protuberancia hueca y debajo de ésta, el cuello consiste en un tubo estrecho, más ancho en la base que en la parte superior, que se curva en dos direcciones en la parte superior y luego desciende verticalmente.

La parte inferior del cuello tiene nervaduras en espiral formadas en un molde de inmersión, sobretodo destaca como presenta una mínima decoración superficial, resaltando un patrón soplado en molde de finas nervaduras retorcidas.

Además la base tiene un anillo de pie ensanchado, formado por plegado, un remate cónico y una gran marca de pontil anular.

Con respecto a la composición resaltar que la pre-forma se sopló en un molde de inmersión y luego se infló hasta obtener la forma y el tamaño deseado.

Aparte durante éste inflado, las nervaduras se eliminaron de la pared, pero permanecieron en la parte inferior del cuello.

En cuanto a la funcionalidad destacar que no está claro para qué se usaban las botellas con ésta forma, aunque a veces se las conoce como "ashkdans" y se cree que podrían haber servido para recoger las lágrimas de las esposas cuyos maridos estaban en la guerra.

Para finalizar subrayar que las botellas de cuello largo se encuentran entre los pocos tipos de recipientes de vidrio producidos en Irán después del siglo XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.101 d.C. y 1.200 d.C.), ya que la producción local fue reemplazada gradualmente por importaciones europeas.

Es más resaltar que las piezas de éste período, influenciadas por modelos venecianos, suelen tener una forma muy elegante, siendo la Botella de Vidrio con Cuello de Cisne un ejemplo excepcional.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Madona de Casa Tempi

Madonna de Casa Tempi es una pintura datada en el año 1.508 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Madona de Casa Tempi

Fue pintada por el arquitecto y pintor italiano Raffaello Sanzio (también conocido como Rafael de Urbino o Rafael).

Se conoce que la pintura fue adquirida por la familia Tempi, una familia noble florentina, históricamente conocida por su prestigio y su importante legado artístico en la ciudad de Florencia (Italia) y sus alrededores.

Perteneció a la colección de arte de la familia Tempi hasta que en el año 1.829 d.C. fue comprada por un precio de 16.000 escudos romanos por el rey de Baviera Luis I de Baviera (también conocido como Luis I o Luis Carlos Augusto).

En el año 1.836 d.C. la pintura pasó a formar parte de la colección arte del reciente fundado museo Alte Pinakothnek de Múnich (Alemania), considerado el gran museo de "pintura antigua" de la capital bávara.

Descripción

Tiene una altura de 75 cm y una anchura de 51 cm. Está pintada al óleo sobre tabla o panel ligeramente curvo de madera de álamo.

Se trata de una pintura que representa la figura del Niño Jesús y la Virgen María sobre un fondo paisajístico compuesto por un horizonte bajo y el cielo azul verdoso que resalta los tonos de piel de las figuras.

Se puede apreciar como la masa oscura y marrón en la parte inferior separa al grupo del paisaje de fondo, que aparece a ambos lados del manto de la Virgen.

Aparte se puede observar como colinas y torres, apenas esbozados, emergen tenuemente entre un cielo azul y una masa de agua azul.

La Virgen María se encuentra representada de medio cuerpo (enmarcada de cintura para arriba), alzando y sosteniendo al Niño Jesús en brazos, ambos sin aureola e inclinado ligeramente la cabeza hacia él, apoyando sus rostros mejilla con mejilla.

Llama la atención como la boca entreabierta de la Virgen acentúa una tierna sonrisa, mientras el Niño Jesús confiado se apoya en sus brazos para girar la cabeza y mirar al espectador.

Asimismo resalta como la Virgen tiene los párpados entrecerrados y su mirada está fija en su hijo, se encuentra ataviada con una túnica de mangas largas roja holgadas que deja entrever la manga de otra túnica interior dorada más ajustada al cuerpo.

Además lleva un manto azulado con pliegues que le cubre y envuelve el cuerpo y parte de la cabeza, donde también lleva un fino velo semitrasparente que permite apreciar su cabello largo y rubio.

Con respecto a la composición llama la atención como las dos figuras se encuentran impregnadas de una única sensación de movimiento, ligeramente en espiral, desde los amplios pliegues del manto en la parte inferior hasta el abrazo y los tiernos gestos de los rostros, tan íntimos y familiares.

También destaca el equilibrio entre el ideal de perfección artística y la naturalidad de las figuras, realizado mediante la utilización de una pincelada más libre y fluida, especialmente en el velo semitransparente de la Virgen María.

Es más el gesto de afecto íntimo entre madre e hijo de presionar mejilla contra mejilla es conocido en la tradición iconográfica como Eleúsa (Virgen de la Ternura).

La ternura e intimidad entre madre e hijo transforma la pintura, pasando de ser una representación de una escena íntima a una idealización del amor maternal.

Igualmente enfatizar que la pintura Madona de Casa Tempi está considerada una de las representaciones más bellas de la Virgen María de principios del siglo XVI d.C. (período comprendido ente los años 1.501 d.C. y 1.530 d.C.).

Para finalizar como curiosidad destacar que se conoce que el rey de Baviera Luis I de Baviera (también conocido como Luis I o Luis Carlos Augusto), necesitó un largo proceso de adquisición. 

Según se cuenta su deseo por la pintura se remonta al año 1.809 d.C. (unos 20 años antes de su adquisición), desde entonces numerosas cartas llegaron a Italia con la intención de adquirirla.

Las dificultades resultantes, e incluso a veces la desesperanza de los agentes del rey (en ese entonces príncipe), no hicieron sino intensificar su deseo por la pintura.

Escribió cartas personales al Gran Duque de Baden para que extendiera la pensión de su agente, el grabador Metzger, y así retenerlo en la ciudad de Florencia (Italia).

Incluso no dudó ni siquiera en ofrecer sobornos, y finalmente aumentó su oferta de 6.000 a 16.000 escudos romanos.

Hasta que la compra se completó el 9 de febrero del año 1.829 d.C. y el rey conservó la pintura en su colección de arte hasta el año 1.835 d.C., colocándola en la Capilla de Santa Cecilia de la residencia real.

Es más pese a que desde el año 1.836 d.C. pasó a formar parte de la colección de arte de la Alte Pinakothnek de Múnich (Alemania) siguió siendo propiedad privada de la realeza.

Actualmente se encuentra en la Alte Pinakothnek de Múnich, Alemania.

Carta en Papiro

La Carta en Papiro es un documento datado aproximadamente en el siglo III d.C. (período comprendido entre los años 201 d.C. y 300 d.C.), perteneciente al arte romano.

Carta en Papiro

Carta en Papiro

La carta fue escrita durante el período Imperio Romano Tardío (período que abarca aproximadamente desde el año 284 d.C. al 641 d.C.).

Caracterizado por una transformación política, religiosa y social que estuvieron marcadas por las reformas de Diocleciano, el ascenso del cristianismo bajo el reinado del emperador Constantino y la división del imperio (Oriente con la capital en Constantinopla y Occidente con la capital en Roma).

Lo primero que se conoce es que la carta fue adquirida en la ciudad de El Cairo (Egipto) por el coleccionista y comerciante de arte francés Maurice Nahman.

En el año 1.925 d.C. la Carta en Papiro fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección dentro del departamento de conservación de arte griego y romano.

Descripción

Tiene una altura de 10,2 cm y una anchura de 7,9 cm.

Se trata de un papiro que contiene una carta escrita en idioma griego por Heraclides a su hermano Petechois, esencialmente, es una lista de la compra de artículos.

En concreto Heraclides le pide a Petechois que le traiga: aves de corral, pan, altramuces (legumbre amarilla del género Lupinus), garbanzo, frijoles y fenogreco (especie de planta con flor perteneciente a la familia de las fabáceas) a distintos precios.

Con respecto a la composición destacar que aunque en el siglo III d.C. (período comprendido entre los años y) Egipto era provincia romana, el griego helenístico permaneció como la lengua administrativa superando al idioma latín en la burocracia cotidiana.

En cuanto al estado de conservación resaltar que debido al paso del tiempo el papiro se deteriorado y presenta los bordes descompuestos, frágiles y quebradizos, aunque aún se puede leer parte del texto griego.

Para finalizar subrayar que la Carta en Papiro es un documento que constituye una importante evidencia del nivel de alfabetización en el mundo romano y ofrece una perspectiva de la vida cotidiana de la gente común.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Two Pupils in Greek Dress

Two Pupils in Greek Dress, también conocida como Dos Alumnas con Túnicas Griegas, es una fotografía datada en el año 1.883 d.C., perteneciente al arte fotográfico.

Two Pupils in Greek Dress

Fue tomada por el pintor, escultor y fotógrafo estadounidense Thomas Cowperthwait Eakins (también conocido como Thomas Eakins).

Se conoce que primero fue propiedad del artista, después pasó a formar parte de la colección de arte del pintor y escultor estadounidense Charles Bregler.

Desde el año 1.943 d.C. la fotografía Two Pupils in Greek Dress forma parte de la colección de arte del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dentro del departamento de arte fotográfico.

Descripción

Tiene una altura de 36,8 cm y una anchura de 26,7 cm. Está impresa en platino.

Se trata de una fotografía, impresa en una gran hoja de papel recubierta de platino, que muestra una escena en la que dos alumnas jóvenes del artista posan de pie a la izquierda en el interior de una habitación.

Ambas modelos se encuentran ataviadas con túnicas vaporosas, de estilo griego, con numerosos pliegues, anudadas a la cintura mediante un cinturón, las túnicas le llegan hasta la altura del suelo, dejando entrever los dedos de sus pies descalzos.

También resalta como en ambos casos el cabello se encuentra peinado en un elegante recogido que le despeja el rostro.

Además destacar que la fotografía es un estudio de poses y gestualidad, siendo las posturas de las modelos un eco deliberado de las figuras del Relieve Escultórico Arcadia (esculpido por el artista en el año 1.883 d.C.), colocado sobre la mesa, al lado derecho de las modelos y bajo dos paletas del pintor que cuelgan de la pared.

Para finalizar subrayar que es conocido que para el pintor, escultor y fotógrafo estadounidense Thomas Eakins la fotografía era un recurso o medio para aumentar el naturalismo de sus pinturas.

Es más se sabe que utilizó a sus alumnos de la Academia de Bellas Artes de Pennsylvania (Estados Unidos de América) como modelos para sus estudios del cuerpo humano y reunió un extenso catálogo fotográfico.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Escultura de Kilisik

La Escultura de Kilisik, también conocida como Escultura de Adıyaman-Kilisik, es una escultura datada aproximadamente entre los años 7.500 a.C. y 7.000 a.C., perteneciente al arte prehistórico.

Escultura de Kilisik

Escultura de Kilisik

En concreto fue esculpida durante el período Neolítico Precerámico B (PPNB).

Fue hallada en el año 1.965 d.C. durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en el pueblo de Kilisik.

Perteneciente al pueblo de Çıraklık, localizado en el distrito de Kâhtam, situado en la provincia de Adıyaman, en Turquía.

Poco después de su descubrimiento la Escultura de Kilisik pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Arqueológico de Adıyaman (Turquía).

Escultura de Kilisik

Escultura de Kilisik

Escultura de Kilisik

Descripción

Tiene una altura de 80 cm.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa una figura andrógina monumental, con los brazos unidos en la parte frontal y algunos rasgos faciales son discernibles, entre ellos, una nariz larga y ancha.

La base actualmente se encuentra rota, pero algunos investigadores creen que originalmente la escultura podría haber alcanzado unos 3 metros de altura.

Llama la atención como los brazos se encuentran unidos por delante, con las manos y los dedos claramente tallados apoyados sobre un pene o sobre un relieve de una pequeña figura humana, posiblemente un niño.

Debajo de ésta figura infantil, hay un orificio que se cree que simboliza una vagina. Por lo que se ha sugerido que la escultura podría representar a una mujer dando a luz o a una diosa.

Para finalizar subrayar que si la escultura representa realmente a una mujer y un niño, se puede comprar con algunas esculturas totémicas halladas en los yacimiento arqueológicos de Nevali Çori y Göbekli Tepe’ (Turquía).

Sin embargo, también se ha sugerido que la Escultura de Kilisk puede poseer un simbolismo fálico y que un falo podría haber sido colocado en el orificio de la base.

Es más ésta escultura apoya la idea de que, debido a su semejanza, las estelas en forma de "T" son antropomórficas (con forma humana) y probablemente también tenga significados fálicos.

Asimismo resaltar que estas características son similares a las estatuas del dios Min (dios egipcio de la fertilidad, la procreación masculina y la regeneración), a pesar de los miles de años que las separan.

Actualmente se encuentra en el Museo Arqueológico de Adıyaman, Turquía.

Tocado en Miniatura con Búho

El Tocado en Miniatura con Búho es un tocado datado aproximadamente entre los años 500 d.C. y 800 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte moche.

Tocado en Miniatura con Búho

Fue hallado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en Loma Negra, ubicada en el distrito de La Arena, al oeste de la provincia de Piura, en Perú.

En el año 1.954 d.C. el Tocado en Miniatura con Búho pasó a formar parte de la colección de arte de la "André Emmerich Gallery".

Ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América) y propiedad del marchante de arte André Emmerich.

En el año 1.969 d.C. fue comprado por el político estadounidense y vicepresidente de los Estados Unidos de América Nelson Aldrich Rockefeller.

En el año 1.969 d.C. el tocado fue prestado para su exhibición al Museo de Arte Primitivo de Nueva York (Estados Unidos de América), un antiguo museo dedicado a las culturas indígenas de América, Asia, Oceanía, Europa y África.

Hasta que en el año 1.979 d.C. el Tocado en Miniatura con Búho fue legado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 11,7 cm, una anchura de 16,2 cm y un diámetro de 1,9 cm.

Se trata de un pequeño adorno, un tocado en miniatura, que fue creado a partir de dos piezas de lámina de oro martillado, cortadas con la forma de un búho con las alas extendidas y coronadas por una gran media luna.

Llama la atención como las garras prensiles del búho están representadas como si estuviera en pleno vuelo acercándose a su presa.

Además los detalles de las plumas de las alas se añadieron mediante la técnica del repujado, en la que la lámina de oro fue trabajada desde atrás.

Aparte resaltar que la cabeza del búho fue creada por separado y sujeta con un alfiler largo insertado en un orificio en el cuerpo de la figura.

También se puede observar como una hilera de colgantes circulares se sujetó en la parte superior de las alas con finos alambres de oro, añadiendo también colgantes adicionales al torso del ave.

Con respecto a la composición resaltar que los búhos aparecían frecuentemente representados en la metalurgia y la cerámica Moche.

Es más resaltar que como cazadores nocturnos, el búho era una de las aves más poderosas del bestiario Moche, los búhos son carnívoros y se alimentan de otros animales, lo que pudo haber tenido un significado simbólico. 

Para finalizar subrayar que el Tocado en Miniatura con Búho es una versión a escala reducida de un tipo de adorno utilizado por individuos de alto rango en la sociedad Moche de la costa norte de Perú durante el primer milenio de nuestra era (período comprendido entre los años 1 d.C. y 1.000 d.C.).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Siete Estanques y unas Gotas de Lluvia

Siete Estanques y unas Gotas de Lluvia, también conocido como Seven Ponds and a Few Raindrops, es una obra de arte escultórica datada en el año 2.017 d.C., perteneciente al arte indio.

Siete Estanques y unas Gotas de Lluvia

Siete Estanques y unas Gotas de Lluvia

Fue elaborada por la artista visual india Ranjani Shettar.

Formó parte de la colección de arte de la galería "Talwar Gallery", ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Después la obra Siete Estanques y unas Gotas de Lluvia fue vendida a "Tia Collection", una colección de arte privada con sede en la ciudad de Santa Fe, localizada en el estado de de Nuevo México (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 2.018 d.C. la obra fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), pasando a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de arte moderno y contemporáneo, aunque en la actualidad (año 2.026 d.C.) no se encuentra expuesta.

Siete Estanques y unas Gotas de Lluvia

Siete Estanques y unas Gotas de Lluvia

Descripción

Tiene una altura de 5,8 metros, una anchura de 5,76 metros y un grosor de 2,44 metros. Está elaborado en muselina, acero inoxidable, tamarindo y tintes naturales.

Se trata de una obra de arte escultórica a gran escala en la que la artista ha moldeado piezas de acero inoxidable reciclado para crear una serie de elementos sensuales, curvos y de formas amebianas (también conocidas como blobs orgánicos, representadas como figuras asimétricas, fluidas y cambiantes inspiradas en microorganismos), que cambian de forma y que han sido recubiertos con muselina teñida de tamarindo.

Cabe destacar que su técnica de teñir la tela con una pasta natural proviene de una tradición artesanal que observó en el pequeño pueblo de Kinnala (India).

También llama la atención como suspendida del techo la obra Siete Estanques y unas Gotas de Lluvia parece desafiar la gravedad, proyectando una serie de sombras que desde la distancia evocan la sensación de haber descubierto un oasis escondido y surrealista.

Sin embargo enfatizar que es la cualidad material y empática de la obra la que perturba la ilusión lírica de una tranquilidad y una perfección oníricas e inalteradas.

Cabe subrayar que la escultora india, afincada en el estado de Karnataka (India), Ranjani Shettar en sus instalaciones a gran escala combina materiales naturales e industriales como cera de abeja, madera, tintes orgánicos, pastas vegetales, laca, acero y tela.

Generalmente compuestas por numerosas formas abstractas, la artista crea entornos inmersivos inspirados en sus observaciones de los entornos naturales de la india rural.

Es más resaltar que cada componente de sus instalaciones está acabado individualmente por ella y presenta una textura deliberadamente tosca.

Para finalizar resaltar que los derechos y reproducción de la obra de arte Siete Estanques y unas Gotas de Lluvia son propiedad de © Ranjani Shettar.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Colgante con Cabeza de Deidad

El Colgante con Cabeza de Deidad es un colgante datado aproximadamente entre los siglos V d.C. y VI d.C. (período comprendido entre los años 401 d.C. y 600 d.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte maya.

Colgante con Cabeza de Deidad

Colgante con Cabeza de Deidad

Los investigadores consideran que el colgante pudo haber sido encontrado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en Guatemala o México.

Lo primero que se conoce es que el Colgante con Cabeza de Deidad perteneció a la colección de la coleccionista de arte Carol R. Meyer, ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.991 d.C. el colgante fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 7 cm, una anchura de 4,9 cm y un grosor de 2,1 cm.

Se trata de un pequeño colgante de jade que representa la cabeza de una deidad con una diadema y una espina de raya.

Destaca cómo la deidad presenta ojos saltones y prominentes con pupilas en espiral, además se puede apreciar cómo bajo la nariz bulbosa hay representada una boca con las comisuras hacia abajo.

También se observa cómo de las comisuras de la boca emergen dos volutas a cada lado y un diente de tiburón en el centro.

Aparte destaca como la diadema se encuentra representada envuelta al menos tres veces alrededor de la cabeza de la deidad, siendo el elemento central con forma triangular, con una línea el que recorre su centro y múltiples incisiones que se ensanchan hacia los bordes exteriores.

El reverso se puede apreciar cómo se encuentra totalmente liso, sin ornamentación, tan sólo hay dos pequeñas incisiones con forma redonda.

En cuanto a la composición resaltar que el pigmento rojo presente en la superficie del Colgante con Cabeza de Deidad y las incisiones indica que el colgante fue ofrecido en un contexto funerario.

Debido a que las tumbas mayas a menudo se recubrían con cinabrio (de color rojo bermellón, escarlata intenso o rojo ladrillo brillante) u óxidos de hierro (presentan colores en tonalidades rojas, amarillas, marrones/ pardas y negras) antes de ser selladas.

Para finalizar subrayar que si bien los atributos que el artista maya atribuyó a ésta deidad no necesariamente sugieren un dios conocido o específico, puesto que el diente de tiburón y las pupilas en espiral son comunes en las diversas representaciones de las deidades de la lluvia y el sol.

Aunque si bien el adorno de cabeza con espina de raya es inusual, es sabido que las espinas de raya eran comunes en escenas mitológicas y textos que involucraban rituales de derramamiento de sangre, ya que los gobernantes mayas usaban estas espinas para ofrecer abundantes ofrendas de sangre real.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

El Jardín de la Muerte

El Jardín de la Muerte, también conocida como Kuoleman Puutarha, es una pintura datada en el año 1.896 d.C., perteneciente al simbolismo.

El Jardín de la Muerte

Fue pintada por el pintor y artista gráfico finlandés Hugo Gerhard Simberg (también conocido como Hugo Simberg).

Desde el año 1.887 d.C. la pintura El Jardín de la Muerte pasó a formar parte de la colección de arte del Ateneum Art Museum, ubicado en la ciudad de Helsinki (Finlandía).

Qué forma parte de la colección de la Galería Nacional de Finlandia (Finnish National Gallery).

Descripción

Tiene una altura de 16 cm y una anchura de 17 cm. Está pintado en acuarela y gouache.

Se trata de una pintura que representa un jardín, interpretado como un jardín filosófico, donde acaban los muertos antes de ir al Paraíso y donde tres figuras de la muerte ejercen como cuidadoras.

Llama la atención como los tres esqueletos, ataviados con largas túnicas oscuras, se encuentran representados en distintas posiciones (de espaldas, de frente y de lado), como si fueran jardineros benevolentes mientras riegan y abrazan con delicadeza las plantas.

Algunos investigadores creen que el autor representó el alma de una persona en cada planta o en cada flor, por lo que las plantas y las flores en las macetas sugieren una representación de que las almas se encuentran en un estado de desarrollo frágil o infantil.

Por lo que el jardín sería una especie de purgatorio, lugar de espera o lugar de tránsito sereno y tranquilo donde las almas aguardarían a su destino final.

También como curiosidad resaltar que por lo general el pintor prefería dejar que los espectadores llegaran a sus propias conclusiones sobre sus pinturas, pero en éste caso escribió en una nota la descripción del jardín como:

"El lugar donde terminan los muertos antes de ir al Cielo"

Por lo que se puede afirmar que la pintura El Jardín de la Muerte es una interpretación reconfortante y única de la mortalidad, al retratar a la muerte como seres bondadosos dedicados a cuidar las almas, con dedicación, cariño y ternura. 

En cuanto a la composición resaltar que el estilo de la pintura mezcla lo macabro y lo onírico con lo ingenuo (naïf), siendo considerada una obra de arte clave dentro del movimiento artístico simbolismo nórdico.

Además destacar cómo las túnicas negras de los esqueletos contrastan con los colores amarillos y ocres del fondo, éste contraste de colores crea una atmósfera melancólica y pacífica.

Para finalizar subrayar que el pintor y artista gráfico finlandés Hugo Gerhard Simberg también pintó entre los años 1.905 d.C. y 1.906 d.C. en la Catedral de Tampere (Finlandia), a modo de fresco, una versión de mayor tamaño de la pintura El Jardín de la Muerte.

Es más resaltar que el tema representado era un tema predilecto del artista, quien también creó varias versiones utilizando diferentes técnicas.

Actualmente se encuentra en el Ateneum Art Museum de Helsinki, Finlandia.