Faja Chimú

La Faja Chimú es una faja datada aproximadamente entre los siglos X d.C. y XV d.C. (período comprendido entre los años 901 d.C. y 1.500 d.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte chimú.

Faja Chimú

Lo primero que se conoce es que la faja estaba en posesión de "H. A. Elsberg Inc.", ubicado en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.928 d.C. la Faja Chimú fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Faja Chimú
(detalle)

Tiene una altura de 7,62 cm y una anchura de 193,04 cm. Está tejida en pelo de camélido.

Se trata de una tira larga y delgada de tejido que se ha tejido utilizando fibras de camélido teñidas junto con hilos de algodón sin teñir.

El textil presenta figuras geométricas entrelazadas de colores alternos con caras simples y formas trapezoides que lo acompañan a lo largo de su longitud, creando una composición repetida sobre un fondo rojo oscuro.

Destacando los motivos entrelazados en forma de "S" escalonados que representan un flujo constante de fuerzas naturales y también representan las ideas del pueblo chimú sobre la vida acuática que habría sido vital para la existencia en la costa peruana.

Mientras que las formas triangulares que ocupan los espacios alrededor de los motivos acuáticos entrelazados, podrían representar las patas de un pelícano.

Además se puede observar como el ancho final del objeto tiene un pequeño borde geométrico justo antes de encontrarse con una franja amarilla alargada.

Aparte la longitud del objeto está enmarcada a ambos lados por una fina banda amarilla con pequeños manojos de flecos situados a intervalos regulares.

Con respecto a la composición destacar que los motivos mostrados en la Faja Chimú evocan las tradiciones anteriores de las costas norte y central del Perú, incluidas las culturas Paracas y Moche. Sin embargo los tejedores chimú construyeron sobre éstos cimientos, pero con más elaboraciones para producir su propio estilo distintivo.

También cabe destacar que los investigadores piensan que originalmente la Faja Chimú, finamente tejida, fue diseñada para un individuo perteneciente a la élite, pero no está claro cómo era utilizada como parte de un conjunto de prendas.

Se conoce que en la sociedad chimú las largas bandas textiles como ésta eran elementos básicos comunes de la vestimenta andina. Es más éstas bandas podrían haber servido para una variedad de propósitos.

Probablemente podría haber sido utilizado como un cinturón o faja que se habría envuelto alrededor de la una túnica grande y de gran tamaño, aunque los flecos presentes en los bordes terminales están asociados con los turbantes, que presentan bordes terminales bifurcados con borlas alargadas y segmentadas.

Sin embargo es posible que la Faja Chimú hubiera sido utilizada en ambos casos, es decir, podría haber estado destinada a ser un cinturón o faja para una túnica, pero también luego podría haber sido usada para asegurar un turbante.

No obstante se cree que el textil habría codificado las expresiones culturales del tejedor y los recuerdos del pueblo o persona que usó la banda durante su vida.

Para finalizar subrayar que la Faja Chimú al ser larga tira de tela tejida en forma de tapiz tiene una cara de trama con tiras más pequeñas adheridas a la tela.

Es más los textiles con cara de trama presentan hilos horizontales que están muy juntos, de modo que sólo los hilos horizontales son visibles en la cara de la tela.

Aparte se conoce que los artistas chimú preferían la fibra de camélido para los hilos teñidos debido a su capacidad superior para absorber y retener el color, pero también se utilizó algodón, que estaba disponible en muchos tonos naturales, para lograr una paleta más sutil.

Como curiosidad también destacar que la Faja Chimú se realizó utilizando un telar de cintura tradicional, un dispositivo de tejido utilizado en la región andina durante al menos 6.000 años, cuando se creó ésta banda.

Cabe destacar que éste tipo de sistema de telar utiliza palos de madera de varios anchos y largos con un extremo del telar atado a un poste y el otro atado a la espalda del tejedor, lo que permite una tensión constante para la manipulación de hilos y poder producir telas de alta calidad.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Adorno de Nariz Quimbaya

El Adorno de Nariz Quimbaya es un adorno datado aproximadamente entre los siglos X d.C. y XVI d.C. (período comprendido entre los años 901 d.C. y 1.600 d.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte quimbaya.

Adorno de Nariz Quimbaya

Lo primero que se conoce es que fue encontrado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en el valle del río Cauca.

Ubicado en la parte alta del río Cauca, situado entre las cordilleras Central y Occidental de los Andes de Colombina.

Perteneció a la colección de arte de John Wise, formando parte de su colección de arte "John Wise Ltd.", ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.957 d.C. el Adorno de Nariz Quimbaya fue comprado por el político estadounidense y vicepresidente de los Estados Unidos de América Nelson Aldrich Rockefeller.

Entre los años 1.957 d.C. y 1.978 d.C. el adorno fue cedido al Museo Primitivo de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), un antiguo museo dedicado a las culturas indígenas de África, América, Asia, Europa y Oceanía.

Hasta que en el año 1.979 d.C. fue legado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde paso a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 4,1 cm, una anchura de 10,5 cm y un grosor de 0,3 cm. Está fabricado en oro.

Se trata de un pequeño adorno de nariz realizado a partir de única lámina de oro que ha sido fundida en un molde, para después ser martilleada y pulida.

Resalta como el adorno está compuesto por formas geométricas simples y es simétrico, es decir, si se parte del centro tanto la parte derecha como la parte izquierda son idénticas.

Con respecto a la funcionalidad se piensa que originalmente podría haber sido utilizado por un individuo de la sociedad quimbaya como un adorno que hubiera podido ir insertado en las aletas de la nariz.

Para finalizar subrayar que el Adorno de Nariz Quimbaya está considerado un ejemplo de orfebrería proveniente del valle del río Cauca, dónde floreció la cultura clásica quimbaya antes del siglo X d.C. (período comprendido entre los años 901 d.C. y 1.000 d.C.).

Además destacar que el arte quimbaya es famoso por sus objetos de oro huecos, fundidos con destreza y elaborados a partir de modelos de cera.

Aparte resaltar que después del período clásico quimbaya aumentó el uso de láminas de oro y los ornamentos se volvieron más sencillos.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Taparrabo Chimú

El Taparrabo Chimú es un taparrabo datado aproximadamente entre los siglos XII d.C. y XV d.C. (período comprendido entre los años 1.101 d.C. y 1.500 d.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte chimú.

Taparrabo Chimú

Taparrabo Chimú

Lo primero que se conoce es que se encontraba en la colección del coleccionista Guillermo Salazar, ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.957 d.C. el taparrabo fue comprado por el político estadounidense y vicepresidente de los Estados Unidos de América, Nelson Aldrich Rockefeller.

Hasta que en el año 1.979 d.C. el Taparrabo Chimú fue legado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene una longitud de 370,8 cm y una anchura de 113,7 cm. 

Se trata de un taparrabo, procedente de la costa norte de Perú, que ha sido tejido con algodón y pelo de camélido (familia de mamíferos de origen norteamericano). 

La longitud extrema de éste tejido, que está incompleto ya que le falta el extremo distal (la banda de amarre) que pasaba a través de las piernas y se ataba alrededor del cuerpo, sugiere que la tela se cubrió de manera complicada con el extremo decorado, colgando en la parte delantera o trasera.

Además el taparrabo se encuentra tejido con un tejido bastante suelto que se rellenaba con bandas rojas horizontales y verticales. 

Aparte se puede observar como la ornamentación consiste en un panel que presenta tres filas de seis cuadrados, cada uno con una franja amarilla que rodea una gran borla roja en un patrón de cuadrícula calado adornado con borlas rojas y amarillas más pequeñas.

Para finalizar subrayar que es casi seguro que el Taparrabo Chimú formaba parte de un conjunto de prendas que habría incluido una camisa a juego y posiblemente un tocado.

Tales prendas habrían creado una imagen sorprendente cuando se las veía bajo el sol brillante, contrastando con los tonos tierra de los grandes edificios de adobe del reino Chimú y con las borlas brillando con el movimiento del usuario.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Accesorio Elamita

El Accesorio Elamita es un accesorio datado aproximadamente entre los siglos VII a.C. y VI a.C. (período comprendido entre los años 700 a.C. y 501 a.C.), perteneciente al arte elamita.

Accesorio Elamita

Accesorio Elamita

Se conoce que fue encontrado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en el sitio arqueológico de Tang-e Sarvak.

Localizado en la provincia de Juzestán, ubicada al suroeste de Irán.

También se conoce que en el año 1.957 d.C. fue entregado al militar británico Alliston Arthur Jeacock por un jefe de la tribu Bakhtiyari, del suroeste de Persia.

En el año 1.962 d.C. el Accesorio Elamita fue comprado por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Accesorio Elamita

Descripción

Tiene una altura de 11,80 cm, una anchura de 4,50 cm, una longitud de 12,50 cm y un peso de 630 g. Está fabricado en bronce.

Se trata de un accesorio de bronce en forma de figura femenina sentada, con el cabello trenzado, luciendo un collar, un par de pulseras y brazaletes. 

Está ataviada con una falda de volantes con ceñidor y lo que parece ser un fleco de borlas en la parte superior.

Además las manos al frente están apoyadas sobre las rodillas con las palmas hacia arriba en un gesto de súplica.

Aparte se observa como en el reverso del accesorio hay una cola de pez horizontalmente con dos orificios para remaches a través de éste y un tercero a través de la base de la falda.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que la figura de mujer representada podría ser la representación de una diosa. 

Puesto que también se han hallado otras figuras de diosa pez que tienen la forma de una mujer con una falda plisada y las manos extendidas como para indicar algo. 

Siendo la parte en forma de pez de la diosa la que formaría parte de un apoyabrazos decorativo de un trono.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Broche en Forma de Perro

El Broche en Forma de Perro es un broche datado aproximadamente en el siglo II d.C. (período comprendido entre los años 101 d.C. y 200 d.C.), perteneciente al arte romano.

Broche en Forma de Perro

Lo primero que se conoce es que el broche se encontraba en posesión del coleccionista de arte francés Julien Greau.

En el año 1.912 d.C. el Broche en Forma de Perro fue comprado por el empresario, banquero y coleccionista de arte estadounidense John Pierpont Morgan.

Hasta que en el año 1.917 d.C. fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 1,9 cm, una anchura de 4,3 cm y un grosor de 0,7 cm. Está fabricado en bronce.

Se trata de un pequeño broche con forma de perro estilizado, en el que destaca como el perro está representado de perfil con la pata delantera extendida, la cola levantada y la oreja levantada, aparte resalta como el ojo con forma redonda es de un tamaño mayor en proporción con el cuerpo.

También se puede observar como tanto el ojo como parte del cuerpo se encuentran ornamentados mediante la técnica de esmaltado champlevé, es decir, la forma del perro ha sido creada mediante celdas producidas durante el colado de la fundición del bronce, para después haber rellenado las celdas con esmalte vítreo.

Con respecto al estado de conservación destacar que en la actualidad la mayor parte del esmalte vítreo se ha perdido y el bronce presenta signos de corrosión, pero en la parte reversa tanto el alfiler como el pasador están intactos.

Para finalizar subrayar que es conocido que tanto los soldados romanos estacionados en las provincias como la población nativa utilizaban pequeños broches, a menudo con formas de animales domésticos.

Además destacar que aunque parecen broches con éstas formas en todo el mundo romano, la distribución de los hallazgos y los restos arqueológicos de los talleres sugieren que los principales centros de producción fueron Gran Bretaña y la Galia.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Fragmento Textil con Emblema Mameluco

El Fragmento Textil con Emblema Mameluco es un fragmento de textil datado aproximadamente entre los siglos XV d.C. y XVI d.C. (período comprendido entre los años 1.401 d.C. y 1.600 d.C.), perteneciente al arte islámico, en concreto al arte mameluco.

Fragmento Textil con Emblema Mameluco

Fragmento Textil con Emblema Mameluco

Lo primero que se conoce es que perteneció al coleccionista de arte Michel E Abemayor.

Hasta que en el año 1.972 d.C. el Fragmento Textil con Emblema Mameluco fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 28,1 cm, una anchura de 36,5 cm y un diámetro de 5,7 cm. Está bordado en lana y apliques.

Se trata de un fragmento de un emblema con una combinación particular de seis signos heráldicos que fueron utilizados durante el reinado del sultán Al-Ashraf Sayf al-Din Qa'it Bay (el décimo octavo sultán mameluco de la dinastía buryí) y sus emires.

El fragmento presenta un blasón compuesto colocado en un escudo circular y rodeado por un medallón lobulado ejecutado en color azul.

El escudo está divido en tres campos, designados por rojo, amarillo y azul oscuro. El campo superior lleva una buqqja (tela blanca en la que se envuelve la ropa), que era el símbolo del jamdar (maestro de las túnicas), mientras que en el campo inferior tiene una copa con tallo blanco que identifica al saqi (copero). 

También se puede apreciar como el campo central muestra una copa con tallo azul cargada con una caja de bolígrafo blanca, los símbolos combinados del saqi y dawadar (secretario).

Flanqueando la copa hay un par de elementos de color verde oscuro con puntas blancas, identificados como cuernos para beber o cuernos para pólvora, los cuales tienen significados oscuros.

Con respecto a la composición resaltar que algunas de las aplicaciones se han desintegrado y las telas originales sólo son visibles en áreas diminutas.

Para finalizar subrayar que los mamelucos desarrollaron un sistema de emblemas o blasones que indicaban el cargo de un emir particular en la corte, es decir, eran utilizados para indicar el papel de los cortesanos que servían bajo cada sultán.

Los blasones identificaban las filas de los emires y se utilizaban en estandartes, equipajes, tiendas de campaña y mantas, así como en las mantas de caballos y camellos.

Además destacar que los tejidos con símbolos heráldicos se encuentran entre los textiles mamelucos más característicos. Muchos están ejecutados con elegancia y representan toda la gama de blasones, incluidos leones, copas con tallo, buqqjas y espadas.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Figura Colgante Mixteca

La Figura Colgante Mixteca es un colgante datado aproximadamente entre los siglos XIII d.C. y XIV d.C. (período comprendido entre los años 1.201 d.C. y 1.400 d.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte mixteca.

Figura Colgante Mixteca

Figura Colgante Mixteca

Lo primero que se conoce que perteneció al marchante de arte polaco, nacionalizado estadounidense, John J. Klejman.

En el año 1.962 d.C. fue comprada por el político estadounidense y vicepresidente de los Estados Unidos de América Nelson Aldrich Rockefeller.

Entre los años 1.962 d.C. y 1.978 d.C. el colgante fue cedido al Museo de Arte Primitivo de Nueva York, un antiguo museo dedicado a las culturas indígenas de África, América, Asia, Europa y Oceanía.

Hasta que en el año 1.979 d.C. la Figura Colgante Mixteca fue legada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 6,4 cm, una anchura de 5,4 cm y un grosor de 3,2 cm. Está fabricado en piedra verde, mediante las técnicas de incisión, grabado y tallado.

Se trata de un pequeño colgante con forma globular que representa una figura masculina con un tocado de papel doblado tachonado con tres joyas redondas.

En el rostro tiene una elaborada máscara que presenta una mueca de dientes con colmillos expuestos y ojos grandes.

Aparte se aprecia como la nariz helíaca y retorcida se asemeja al cuerpo de una serpiente, con cada extremo desenredándose para formar un par de cejas arqueadas.

Con respecto a la composición destacar que dentro del arte mixteca el tono verde de la piedra simbolizaba el agua, las plumas, la fecundidad y en general todo lo considerado bello.

Para finalizar subrayar que al igual que el Colgante Mixteca la Figura Colgante Mixteca está hecha de piedra verde y perforada para poder colgarla.

Además resaltar que la Figura Colgante Mixteca se encuentra tallada en una escala diminuta, la forma del cuerpo de la figura se transmite con sólo unas breves incisiones, reduciéndola así a la menor cantidad de detalles necesarios para identificarla como una deidad del agua.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Caja con Patrón Chilong doble en Relieve

La Caja con Patrón Chilong doble en Relieve, también conocida como 浮雕雙螭龍紋盒, es una caja datada aproximadamente entre los siglos XVIII d.C. y XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.701 d.C. y 1.900 d.C.), perteneciente al arte chino.

Caja con Patrón Chilong doble en Relieve

Caja con Patrón Chilong doble en Relieve

Fue fabricada durante la dinastía Qing (清朝), la última dinastía imperial china que gobernó desde el año 1.644 d.C. hasta el año 1.912 d.C..

También se conoce que fue fabricado en la ciudad de Dehua (德化), ubicada en la ciudad prefectura de Quanzhou (泉州市), localizada en la provincia de Fujian (福建省), en China (中国). 

Sin embargo, se desconoce en que año la Caja con Patrón Chilong doble en Relieve pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dentro del departamento de arte asiático.

Descripción

Tiene una altura de 47 mm y un diámetro de 54 mm. Está fabricada en porcelana con esmalte transparente.

Se trata de una pequeña caja con forma redondeada compuesta por un cuerpo y una tapa, ambas fabricadas en porcelana de color blanco azucarado y un esmalte teñido de blanco crema.

La tapa se encuentra ornamentada en la parte superior por dos figuras en relieve. Se puede apreciar como las pequeñas figuras representan a dos chilong (螭龍).

Cabe destacar que el chilong (螭龍) es un animal mitológico chino que se dice que provoca la lluvia. Es un tipo de dragón que se parece a un lagarto, pero es grande, no tiene cuernos y tiene una cola delgada. Aparte destaca por que las escamas son de un color amarillo azulado.

Con respecto a la composición resaltar que tanto el anillo del pie, como el borde de la boca y el interior de la tapa no se encuentran esmaltados.

Para finalizar subrayar gracias al trabajo de los curadores del museo británico se puede determinar que la Caja con Patrón Chilong doble en Relieve fue fabricada durante el reinado del emperador Kangxi (康熙), quién gobernó China desde el 4 de mayo del año 1.654 d.C. hasta el 20 de diciembre del año 1.722 d.C..

Además se puede observar como debajo de la base del cuerpo hay un label (etiqueta) circular en la que se puede leer: " David Collection A Nº405 " y en el borde está grabado: "A 405".

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Jain Svetambara Tirthankara en Meditación

El Jain Svetambara Tirthankara en Meditación es una escultura datada aproximadamente en el siglo XI d.C. (período comprendido entre los años 1.001 d.C. y 1.100 d.C.), perteneciente al arte indio.

Jain Svetambara Tirthankara en Meditación

En concreto fue esculpida durante la dinastía Solanki (también conocida como dinastía Chaulukya), una dinastía que gobernó entre los años 940 d.C. y 1.244 d.C. partes del noroeste de la India.

Lo primero que se conoce es que perteneció a un coleccionista privado afincado en Singapur.

En el año 1.991 d.C. Jain Svetambara Tirthankara en Meditación fue adquirido por "Mesurier Co. Ltd.", ubicado en la ciudad de Bangkok, en Tailandia.

Hasta que en el año 1.992 d.C. la escultura fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 99 cm. Está fabricada en mármol, mediante las técnicas de tallado, incisión, grabado y pulido.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la figura de Jina-tirthankara, en una postura meditativa, sentado sobre un cojín de trono enjoyado y con el símbolo de un león a la altura del pecho.

También resaltar que algunos investigadores consideran que la escultura podría ser una representación de Mahavira (también conocido como Vardhamāna), el vigésimo cuarto tirthankara del jainismo y considerado el responsable de su reavivamiento.

Para finalizar subrayar que en el corazón de la observancia religiosa jainista diaria está la veneración de la imagen Sina, cuya base conceptual es el ideal panindio del asceta yóguico (doctrina del yoga).

Aparte cabe resaltar que ésta antigua práctica celebrada en los Vedas (los textos hindúes más antiguos) equipara la adquisición de sabiduría espiritual con la búsqueda de formas avanzadas de meditación y la retirada de las comodidades materiales.

Además en el jainismo, las veinticuatro almas liberadas a quienes se reconoce que han acallado éste estado elevado son adoradas como tirthankaras (es decir, seres que alcanzaron la trascendencia y liberación y por ello son considerados maestros que enseñaron el camino jainista).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Cuenco Votivo Hitita

El Cuenco Votivo Hitita es un cuenco datado aproximadamente en el siglo VIII a.C. (período comprendido entre los años 800 a.C. y 701 a.C.), perteneciente al arte hitita.

Cuenco Votivo Hitita

Cuenco Votivo Hitita

Lo primero que se conoce que en el año 1.880 d.C. fue encontrado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en el sur de Irak, probablemente en la antigua ciudad de Babilonia.

Después también es conocido que el Cuenco Votivo Hitita perteneció al marchante de arte británico William Doherty Cutter.

Hasta que en el año 1.888 d.C. fue comprado por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 22,50 cm y un diámetro de 32,50 cm. Está fabricado en basalto, mediante las técnicas de grabado, incisión y tallado.

Se trata de un pequeño cuenco votivo con una pequeña base que ha sido tallado en basalto negro. Además se puede apreciar como la parte exterior del cuerpo del cuenco se encuentra ornamentado con una inscripción grabada en jeroglífico luvita.

Cabe resaltar que los jeroglíficos luvita (también conocido como jeroglíficos de Anatolia) son una variante del idioma luvita que era usado grabado en sellos oficiales y reales e inscripciones monumentales.

También se puede observar como la inscripción está grabada en jeroglíficos: lineales, incisos y cursivos, además destacar que la inscripción hace referencia a que el cuenco era un objeto votivo al dios Teshub (dios del Cielo y de la Tormenta) por parte de un individuo desconocido.

Por lo tanto se puede afirmar que el Cuenco Votivo Hitita fue un cuenco que había sido usado en la antigüedad durante la realización de ceremonias y rituales.

Para finalizar subrayar que el cuenco es moldeado como un modelo disponible comercialmente (incluido en el "BM Facsimile Service, Catalogue of Replicas"). Aparte resaltar que el cuenco figura, dentro del arte hitita, como un objeto disponible en el catálogo de réplicas de las colecciones del Museo Británico.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Inmaculada

La Inmaculada es una talla datada aproximadamente entre los años 1.576 d.C. y 1.577 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Inmaculada

Fue tallada por el escultor franco-español Juan de Juni.

Lo primero que se conoce es que la talla fue encargada por la española, perteneciente a la hidalguía ourensana, Inés Pérez de Belmonte, por un precio de cincuenta ducados, para la capilla funeraria del Convento de San Francisco.

Ubicado junto al parque de San Lázaro, localizado en la ciudad de Orense, situada en la provincia de Orense, en la comunidad autónoma de Galicia (España).

En el año 1.835 d.C. a causa de la desamortización de Mendizábal la escultura pasó a ser propiedad de la Comisión de Monumentos de España.

Hasta que en el año 1.942 d.C. la Inmaculada fue adquirida por el Museo Arqueológico Provincial de Orense (España), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Inmaculada

Descripción

Tiene una altura de 127 cm, una anchura de 50 cm y un grosor de 37 cm. Está fabricada en madera policromada y dorada.

Se trata de una talla de madera que representa la figura de la Virgen María en posición de pie, bajo la adveración de la Inmaculada Concepción (dogma cristiano que sostiene que la Virgen estuvo libre del pecado original desde el primer momento de su concepción por los méritos de su hijo Jesucristo).

La cabeza se encuentra ligeramente ladeada hacia el lado derecho. En el rostro redondeado destacan los ojos almendrados entornados, nariz recta, la boca pequeña de labios finos, un pequeño rubor en las mejillas y el mentón redondeado.

Además el cabello largo y ondulado reposa sobre los hombros y se puede apreciar como la melena deja al descubierto la oreja izquierda.

El brazo izquierdo se encuentra representado flexionado y con la mano izquierda sujeta un libro abierto. Mientras que el brazo derecho se encuentra cortado a la altura del codo, pero los investigadores piensan que originalmente la mano derecha podría haber sostenido un ramo de azucenas (como símbolo de la virginidad de la Virgen).

Se encuentra ataviada con una túnica y un manto con numerosos pliegues arqueados y también lleva una toca anudada a la a altura de la clavícula, dónde se puede ver una pequeña joya circular.

Aparte destacar que los pliegues de la vestimenta se encuentran acentuados por la marcada torsión del cuerpo, con la cabeza inclinada hacia el lado derecho, la pierna derecha flexionada y la talla reposando sobre un pequeño escabel formado por una media luna y una serpiente.

Se puede observar como la parte posterior se encuentra escasamente trabajada lo que evidencia que la talla constituye una imagen de bulto redondo o exento de la Virgen María.

Con respecto a la composición destacar que la talla se encuentra embellecida por el dorado y unas carnaciones mate que dotan de gran naturalidad a toda la obra. Así mismo resaltar como la escultura se caracteriza por un movimiento helicoidal.

En cuanto al estado de conservación destacar que la escultura tiene importantes mutilaciones consistentes en: grietas, desconchados y partes que no han llegado hasta la actualidad.

Para finalizar subrayar que la Inmaculada de Juan de Juni se encuentra considerada una de las obras más importantes de la colección del Museo Arqueológico Provincial de Orense, además de ser considerada uno de los ejemplos que introdujeron el manierismo en Galicia (España).

Actualmente se encuentra en el Museo Arqueológico Provincial de Orense, España.

Retrato de Susanna Lunden

El Retrato de Susanna Lunden, también conocido como Le Chapeau de Paille, es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.622 d.C. y 1.625 d.C., perteneciente al arte barroco.

Retrato de Susanna Luden

Fue pintado por el pintor alemán Pedro Pablo Rubens (también conocido como Peter Paul Rubens, Pieter Paul, Pieter Pauwel o Petrus Paulus).

Se conoce que perteneció a la colección del estadista y político británico Sir Robert Peel (2nd Baronet).

Hasta que en el año 1.871 d.C. el Retrato de Susanna Lunden fue comprado por la Galería Nacional de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 79 cm y una anchura de 54,6 cm. 

Está pintado al óleo sobre madera de roble.

Se trata de una pintura que representa el retrato de Susanna Lunden (1.599 d.C. - 1.643 d.C.), hija del comerciante de Amberes Daniel Fourment, viejo amigo y cliente del pintor alemán Pedro Pablo Rubens.

Cabe resaltar que por el anillo que lleva en su mano derecha hace pensar que el retrato probablemente fue pintado poco después de su matrimonio con Arnold Lunden.

En el rostro destacan los grandes ojos oscuros, la nariz recta, los labios pequeños y carnosos, el rubor de sus mejillas y el mentón redondeado.

El cabello rubio se encuentra recogido en un peinado que deja despejado los hombros y el rostro, haciendo que se pueden observar los grandes y caros pendientes en forma de lágrima, símbolo de su estatus.

En la cabeza lleva puesto un sombrero de fieltro de color negro del tipo conocido como "castor", que estaba de moda tanto para hombres como para mujeres en la década de los años 1.620 d.C. en los Países Bajos, con un penacho de plumas de avestruz usado como un adorno decorativo.

Además el fieltro que le da fuerza y resistencia y permite la creación de su ala larga y amplia que se hizo con piel de castor del norte de Europa y Rusia. También se conoce que antes de que se desarrollara el comercio transatlántico con Canada, lo que llevaría a la importación a gran escala de pieles, éste era un bien escaso y generalmente solo lo usaban los ricos.

Cabe subrayar que la pintura es muy distintiva debido a la representación de los ojos oscuros y de gran tamaño de la modelo y la longitud exagerada del cuello, así como la representación del fondo con nubes ondulantes y la sencilla paleta de colores de: gris, rojo, negro y azul.

Aparte resaltan como los labios y el ligero rubor de sus mejillas se acentúan por las mangas de color rojo intenso del vestido de terciopelo.

Sus brazos están representados cruzados por delante del busto de una manera que parece ligeramente defensiva, pero que también enfatiza la estrechez de su cintura y la forma de su busto.

Es más se puede apreciar como la piel del pecho es luminosa debido a la iluminación proveniente de la luz del sol, mientras que el rostro está proyectado en la sombra que da el ala de su sombrero.

Con respecto a la composición resaltar la sensación de ambigüedad, tal vez debido a que sus ojos destacan sobre el azul del cielo y sus pupilas dilatadas destacan sobre el negro del sombrero de fieltro.

Aún así la modelo no está representada mirando directamente al espectador, si no que parece que simplemente ha mirado hacia otro lado o que se está armando de valor para dirigir su mirada hacia arriba.

Como era habitual en su práctica, Rubens amplió la pintura a medida que avanzaba la obra. Las juntas en los paneles en la actualidad se ven a través de la superficie de la pintura, lo que permite afirmar que agregó una tira de madera a la derecha y luego amplió la imagen en la base.

Estas adicciones le permitieron completar la parte inferior de las manos y brazos de la modelo y también crear un cielo más grande. Añadió las nubes oscuras y amenazantes a la izquierda para contrastar con el cielo más claro a la izquierda que es desde dónde la luz cae sobre el cuerpo y las manos de la modelo.

Se puede apreciar como ésta mayor extensión de nubes grises parecen casi fusionarse con los contornos del chal que cubre sus hombros y hacen eco de las plumas de avestruz de su sombrero y de los mechones de cabello rubio que salen de debajo del sombrero.

Para finalizar como curiosidad destacar que el sombrero hizo que el cuadro adquiriera el sobrenombre de "Le Chapeau de Paille" ("El Sombrero de Paja"), un título utilizado por primera vez en el siglo XVIII d.C. (período comprendido entre los años 1.701 d.C. y 1.800 d.C.).

Sin embargo los investigadores no conocen el motivo por el cual la pintura llegó a ser conocida por ese nombre. Claramente, el sombrero es un rasgo destacado y distintivo de la composición e igualmente es evidente que no está realizado de paja.

Una de las explicaciones más probables es que la palabra "paille" puede haber ser un error de la palabra "poil" ("fieltro" en francés), por lo tanto podría haber habido un error de transcripción en un inventario o catálogo de sala de ventas que enumeraba la pintura.

Actualmente se encuentra en la Galería Nacional de Londres, Gran Bretaña.

Ganesha Bailando

Ganesha Bailando es una escultura datada aproximadamente en el siglo X d.C. (período comprendido entre los años 901 d.C. y 1.000 d.C.), perteneciente al arte indio.

Ganesha Bailando

Lo primero que se conoce es que se encontraba en posesión de "Sung Chuk Chai Curios Shop", ubicada Hong Kong.

En el año 1.988 d.C. fue comprada por el empresario, filántropo y coleccionista de arte estadounidense Herbert Irving y por su esposa Florence Rapoport.

Hasta que en el año 2.007 d.C. Ganesha Bailando fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene una altura de 91,4 cm y una anchura de 50,8 cm. 

Está fabricada en arenisca roja, mediante las técnicas de incisión, tallado y grabado.

Se trata de una escultura que representa la figura del dios Ganesha (dios removedor de obstáculos, patronos de las artes, de las ciencias y señor de la abundancia) con diez brazos y en posición danzante.

También se puede apreciar como con sus manos sostiene su colmillo roto, armas, una olla con dulces y muchos otros atributos que actualmente están desprendidos y no han llegado hasta la actualidad.

Aparte se observa como hay representadas dos serpientes, una estirada sobre su cabeza y la otra cruzada sobre su pecho como un hilo sagrado, cabe resaltar que ambas son atributos que lo conectan con su padre, el dios Shiva (dios de la destrucción).

Con respecto a la composición destacar que como líder de los ganas (deidades de la naturaleza), el dios Ganesha adopta una pose que enfatiza su naturaleza juguetona y revoltosa, en contraste con la danza cósmica de creación y destrucción de su padre el dios Shiva (dios de la destrucción).

Además como eliminador de obstáculos, Ganesha despeja un camino para acceder a Shiva y al mismo tiempo otorga riqueza y prosperidad.

Para finalizar subrayar que a diferencias de las imágenes portátiles más pequeñas fundidas en metal, la escultura Ganesha Bailando es un gran ejemplo de piedra arenisca que habría sido colocado en un nicho del templo para eliminar los obstáculos que se interponían entre el adorador y lo divino.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Quemador de Incienso con Estampado Floral

El Quemador de Incienso con Estampado Floral, también conocido como 花卉纹香爐, es un quemador de incienso datado aproximadamente entre los años 1.644 d.C. y 1.700 d.C., perteneciente al arte chino.

Quemador de Incienso con Estampado Floral

Quemador de Incienso con Estampado Floral

En concreto fue fabricado durante la dinastía Qing (清朝), la última dinastía imperial china que gobernó desde el año 1.644 d.C. hasta el año 1.912 d.C..

Cabe resaltar que por las características del quemador de incienso se puede afirmar que proviene de la localidad de Dehua (德化), localizada en la provincia de Fujian (福建省), en China (中国).

En el año 1.974 d.C. el Quemador de Incienso con Estampado Floral fue comprado por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 130 mm y una anchura de 173 mm. Está fabricado en porcelana con decoración moldeada y esmalte transparente.

Se trata de un quemador de incienso de porcelana Dehua (德化窯) revestido, con un cuerpo con forma octogonal, una tapa octogonal y un soporte que funciona como base a juego. 

Además resalta como el quemador de incienso tiene un cuerpo blanco ornamentado por un total de ocho paneles. Teniendo cada panel un diseño moldeado por tres paneles horizontales decorados con un medallón de flores con un una flor dentro de un diamante y volutas de hojas y flores.

La tapa con forma octogonal se encuentra ornamentada con un diseño calado floral que ha sido moldeado en la cubierta. También tiene un total de nueve pequeñas borlas colocadas una en cada esquina del extremo del borde exterior y una bola colocada en el centro de la tapa.

Con respecto al soporte destacar que también se encuentra ornamentado por paneles horizontales con decoración vegetal.

Para finalizar subrayar que los objetos de cerámica de Dehua (德化窯), del período comprendido entre los años 1.600 d.C. y 1.911 d.C., se caracterizan por figuras y vasijas con un cuerpo granular de color blanco y un vidriado teñido de azul o blanco cremoso.

Aparte la blancura pura de éstas cerámicas se debe a la relativa ausencia de impurezas de hierro en el cuerpo, es más se conoce que la arcilla utilizada contiene sólo medio por ciento de óxido férrico.

Siendo las porcelanas blancas lisas de los hornos de Dehua (德化窯) conocidas en Occidente con el término de "Blanco Chino" (中國白), término utilizado por los conocedores franceses en el siglo XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 1.900 d.C.).

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Botella Cupisnique

La Botella Cupisnique es un recipiente datado aproximadamente entre los años 1.200 a.C. y 500 a.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte cupisnique.

Botella Cupisnique

Botella Cupisnique

Botella Cupisnique

Lo primero que se conoce es que el 15 de enero del año 1.952 d.C. la Botella Cupisnique subastada dentro del "lote 298" por la casa de subastas "Sotheby's Bond Street", ubicada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

Siendo comprada por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Además se conoce que en el "lote 298" se encontraba descrita como "Una botella de agua Cupisnique" y aparte estaba identificada erróneamente en el catálogo como perteneciente al arte chimú. 

Botella Cupisnique

Botella Cupisnique

Botella Cupisnique

Descripción

Tiene una altura de 23 cm, una anchura de 16 cm y una profundidad de 13 cm. 

Está fabricada en cerámica.

Se trata de una botella de cerámica de color marrón grisáceo y con pico de estribo, es decir, el pico se asemeja al reposapiés de una silla de montar ecuestre.

El mango con forma trapezoidal presenta un cuello que actualmente se encuentra roto, pero originalmente se piensa que el cuello podría haber sido largo y con forma acampanada.

También se observa como el cuerpo de la botella está compuesto por una cámara rectangular ornamentada con un animal en relieve, es más se aprecia como está representado un animal felino sentado en un trono.

Con respecto a la composición destacar que tanto el pelaje del animal, representado con círculos concéntricos, como los rasgos faciales del felino se encuentran realizados mediante finas incisiones.

Para finalizar como curiosidad destacar que en el "lote 298", que fue subastado por la casa de subastas "Sotheby's Bond Street", estaba compuesto por "otras seis botellas de cerámica procedentes de Perú", pero éstas seis botellas no fueron registradas y su ubicación se desconoce.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Estela de Teotihuacán

La Estela de Teotihuacán es una estela datada aproximadamente entre los años 350 d.C. y 450 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte teotihuacán.

Estela de Teotihuacán

Lo primero que se conoce es que formaba parte de la colección de arte del coleccionista de arte Fred Olsen, ubicada en el municipio de Guilford.

Situado en el condado de New Have, en el estado de Connecticut (Estados Unidos de América).

En el año 1.960 d.C. la Estela de Teotihuacán fue adquirida por el coleccionista David Bernstein.

Estando en su colección hasta que en el año 1.980 d.C. fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene una altura de 108 cm, una anchura de 46,7 cm y un grosor de 24,1 cm. Está fabricada en piedra volcánica, mediante las técnicas de incisión, grabado y tallado.

Se trata de una estela de piedra esculpida en piedra volcánica rojiza consistente en un medallón circular encima de un cuerpo de planta rectangular.

El disco principal se encuentra tallado en relieve, haciendo referencia a un estandarte emplumado perecedero, sobretodo destaca como está representado un círculo central rodeado por una lluvia de plumas.

Se observa como en el centro del campo circular hay representada una imagen abstracta, consistente en tres áreas circulares en línea horizontal flotando sobre un motivo en forma de "U", debajo del cual emergen otras formas redondas.

Para finalizar subrayar que el ícono con forma de bigote y las formas redondeadas están asociados con la deidad teotihuacana de la lluvia y las tormentas.

Es más éste diseño abstracto aparece en la cerámica, la pintura y las almenas (adornos para los tejados) de muchos de los complejos de apartamentos multifamiliares y palacios de la ciudad de Teotihuacán.

Cabe resaltar que el dios de la tormenta de Teotihuacán a menudo se asociaba visualmente con relámpagos, imágenes acuosas, fertilidad agrícola, montañas, colores específicos y el quincunce terrestre (formado por los puntos cardinales y un punto central).

Además destacar que el dios, como en otras sociedades mesoamericanas antiguas, tenía estrechas asociaciones con el gobierno y el poder  marcial.

Aparte los investigadores piensan que la Estela de Teotihuacán procedía de fuera del propio valle de Teotihuacán y podría representar la evidencia de la expansión imperial de los gobernantes de Teotihuacán hacia otras partes de México.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Poema de Wang Wei

El Poema de Wang Wei, también conocido como 明 董其昌 草書王維 送別詩 軸, es una obra datada aproximadamente entre los años 1.632 d.C. y 1.644 d.C., perteneciente al arte chino.

Poema de Wang Wei

En concreto fue realizada durante la dinastía Ming (明朝 ), la penúltima dinastía de China que gobernó entre los años 1.368 d.C. y 1.644 d.C..

Fue pintada por el pintor y caligrafiaba chino Dong Qichang (Dǒng Qíchāng) (董其昌).

Lo primero que se conoce es que en el año 1.971 d.C. pasó a formar parte de la colección de arte del coleccionista estadounidense John M. Crawford Jr..

Hasta que en el año 1.989 d.C. el Poema de Wang Wei fue adquirido por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 188,9 cm y una anchura de 74,3 cm. Está realizado en rollo colgante y tinta sobre papel.

Se trata de un pergamino que tiene escrito en escritura china un poema del poeta, pintor y músico chino Wang Wei (王維), quién vivió en la dinastía Tang (唐朝).

La inscripción y la firma del artista se encuentran escritas en letra cursiva y dispuestas en tres columnas, siendo la inscripción la siguiente:

" 山中相送罷，日暮掩荊扉。

春草年年綠，王孫歸不歸。

其昌 "

Una traducción aproximada es la siguiente:

"Nos vemos en la montaña, el crepúsculo cubre los árboles.

La hierba primaveral es verde todos los años.

Y los reyes y nietos nunca regresas.

Qichang"

También se puede apreciar como situados en la parte lateral inferior derecha se encuentran diversos sellos en color rojo. 

Los sellos son tanto de los artistas como de los coleccionistas que en algún momento estuvieron en posesión del Poema de Wang Wei.

Entre los sellos de los artistas se distinguen los siguientes:

"宗伯之章 (Zongbo zhi zhang)

董其昌印 (Dong Qichang yin)

玄賞齋 (Xuanshang Zhai)"

Mientras que entre los sellos de los coleccionistas destaca el siguiente:

"梁溪朱氏省齋珍藏書畫之印" 

Un sello de caligrafía y pintura de la colección de la casa provincial de Zhu en Liangxi"

Con respecto a la composición resaltar que las líneas fluidas de la escritura alternativamente húmedas y secas por el constante giro de la punta del pincel poseen una gran elegancia. 

Para finalizar subrayar que como lo hizo en su pintura, el artista se inspiró para su caligrafía en los maestros antiguos con el objetivo de capturar el espíritu más que la semejanza física de sus modelos, logrando así que su estilo de caligrafía siguiera siendo distintivamente suyo.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Taza de Agua y Rosa en un Plato de Plata

Taza de Agua y Rosa en un Plato de Plata, también conocida como una Taza de Agua y una Rosa, es una pintura datada aproximadamente en el año 1.630 d.C., perteneciente al arte barroco.

Taza de Agua y Rosa en un Plato de Plata

Fue pintada por el pintor español Francisco de Zurbarán (también conocido como Zurbarán).

Lo primero que se conoce es que formaba parte de la Colección Linares, ubicada en la ciudad de Madrid (España).

En el año 1.930 d.C. la pintura fue comprada por el marchante de arte británico Tomás Harris.

Después en el año 1.934 d.C. fue adquirida por el historiador de arte británico Kenneth McKenzie Clark (también conocido como Baron Clark de Saltwood).

Hasta que en el año 1.997 d.C. Taza de Agua y Rosa en un Plato de Plata fue comprada por la National Gallery de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Taza de Agua y Rosa en un Plato de Plata

Descripción

Tiene una altura de 21,2 cm y una anchura de 30,1 cm. Está pintada al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa una escena de naturaleza muerta. 

Sobre una mesa o repisa hay representada una taza de agua de cerámica con asas ligeramente curvadas en el centro de un plato de metal brillante (posiblemente fabricada de peltre o plata). También hay representada una rosa, con sus pétalos de color rosa pálido, en plena floración situada en el borde del plato.

Llama la atención como los objetos cotidianos parecen monumentales y adquieren una intensidad mística. Cabe resaltar que éstos objetos tienen un significado religioso obvio para los devotos espectadores españoles del siglo XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.700 d.C.).

La taza de agua llena era vista como un símbolo de la Virgen María, habiendo sido la elegida por Dios para dar a luz a Cristo y la rosa también se asocia a menudo con la Virgen María, mientras que su falta de espinas puede referirse a la Inmaculada Concepción (la creencia de que fue concebida sin pecado).

Con respecto a la composición destacar que se puede observar como la taza, el plato y la rosa están bañados de luz, creando un marcado contraste con la oscuridad de detrás. 

Además se aprecia como la absoluta simplicidad del espacio circundante no ofrece ninguna distracción y concentra toda la atención a apreciar la belleza de la luz que se refleja en el agua y rebota en las superficies pulidas.

Aparte se pueden observar diferentes texturas, entre las que destacan, los delicados pétalos de la rosa, la superficie de la taza de cerámica y los reflejos en el plato de metal.

Para finalizar subrayar que la pintura fomenta la meditación y la contemplación tranquila de la obra. También cabe resaltar que Taza de Agua y Rosa en un Plato de Plata es uno de los pocos bodegones pintados por Zurbarán que han llegado hasta la actualidad. Aunque el artista con frecuencia incluía elementos de bodegones en sus obras religiosas.

Es más la pintura es el primer bodegón español del siglo XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.700 d.C.) que entró a formar parte de la colección de arte de la National Gallery de Londres.

Actualmente se encuentra en la National Gallery de Londres, Gran Bretaña.

Círculo Caligráfico con la Inscripción "Ya 'Aziz"

El Círculo Caligráfico con la Inscripción "Ya 'Aziz" es un círculo decorativo datado aproximadamente entre los siglos XVI d.C. y XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.501 d.C. y 1.700 d.C.), perteneciente al arte indio.

Círculo Caligráfico con la Inscripción "Ya 'Aziz"

Círculo Caligráfico con la Inscripción "Ya 'Aziz"

Lo primero que se conoce es que fue fabricado en la ciudad de Hyderabad, localizada en el estado de Telangana, en el sur de la India.

Después formó parte de la colección del marchante de antigüedades indias "Vipasha, Ltd", cuya colección está ubicada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

Hasta que en el año 1.985 d.C. el Círculo Caligráfico con la Inscripción "Ya 'Aziz" fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Círculo Caligráfico con la Inscripción "Ya 'Aziz"

Descripción

Tiene una altura de 3 cm, un diámetro de 47 cm y un peso de 4,5 kg. 

Está fabricada en arenisca, mediante las técnicas de incisión, grabado y tallado.

Se trata de un círculo caligráfico de arenisca policromado, que originalmente podría haber formado parte de una mezquita o parte de una de las tumbas de Qytb Shahi (en la ciudad hindú de Hyderabad).

El anverso se encuentra ornamentado con la siguiente inscripción grabada en escritura thuluth, también conocida como escritura zuluz (una variedad de caligrafía árabe compuesta por líneas curvas y oblicuas):

یا عزیز

Cuya traducción es la siguiente:

"Ya ' Aziz" = "¡Oh! Poderoso"

Cabe destacar que la inscripción es uno de los noventa y nueve nombres de Ála en la tradición islámica.

Además se puede observar como cada frase se escribe primero verticalmente y luego en imagen especular para formar una unidad decorativa que se repite ocho veces alrededor del círculo.

Con respecto a la composición resaltar que se han hallado rastros de pigmentos rojos, lo que sugiere que originalmente podría haberse encontrado policromado.

Como curiosidad destacar que el Círculo Caligráfico con la Inscripción "Ya 'Aziz" se encuentra relacionado estilísticamente con varios ejemplos de círculos caligráficos tallados en basalto negro en las enjutas de la casa de huéspedes Shaikhpet Sarai (caravanserai), edificada en la ciudad de Hyderabad.

En el pasillo sur de la tumba bahmaní de Ahmad Shah Wali, en Ashtur, cerca de Bidar, también se encuentran círculos caligráficos similares en carmesí, marrón y dorado delineados en negro.

Círculo Caligráfico con la Inscripción "Ya 'Aziz"

Para finalizar subrayar que los círculos caligráficos no son exclusivos del arte indio.

Se pueden encontrar tanto en el exterior e interior de edificios en lugares como Egipto, Irán y Turquía.

Sin embargo las características compositivas de los ejemplos englobados dentro del arte indio los distinguen de los demás en su uso persistente de caligrafía en imagen especular.

Es más los investigadores piensan que aunque los orígenes de ésta forma caligráfica aún no están claros, el tipo estilístico probablemente entró en la India desde Irán y la Turquía otomana en el siglo XV d.C. (período comprendido entre los años 1.401 d.C. y 1.500 d.C.) con la afluencia a la región de talentosos calígrafos, pintores y artesanos iraníes otomanos.

Siendo el trabajo de estos artistas finalmente asimilado a la estética local, dando lugar a un extenso período de creatividad e intenso intercambio artístico que perduró hasta el siglo XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.700 d.C.).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Botella con Estribo y Zorro Guerrero

La Botella con Estribo y Zorro Guerrero es una botella datada aproximadamente entre los años 500 d.C. y 800 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte moche.

Botella con Estribo y Zorro Guerrero

Botella con Estribo y Zorro Guerrero

Lo primero que se conoce que en el año 1.875 d.C. perteneció a la colección de arte "Hon. Richard Gibbs Collection", ubicada en Perú.

En el año 1.879 d.C. fue comprada por el financiero, filántropo y coleccionista de arte estadounidense Henry Gurdon Marquand.

Hasta que en el año 1.882 d.C. la Botella con Estribo y Zorro Guerrero fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Botella con Estribo y Zorro Guerrero

Descripción

Tiene una altura de 29,8 cm, una anchura de 16,5 cm y un diámetro de 15,2 cm.

Se trata de una botella con pico de estribo, es decir, la forma del pico recuerda el estribo de la silla de montar de un caballo, y un cuerpo globular.

El cuerpo globulado se encuentra ornamentado con una escena con dos guerreros con el rostro cubierto con máscaras de zorros que sostienen en sus manos escudos redondos y garrotes de guerra.

Resalta como ambos guerreros están representados corriendo a través de un paisaje desértico montañoso indicado por una línea ondulada y plantas de cactus.

Botella con Estribo y Zorro Guerrero

Los guerreros se encuentran ataviados con faldas largas decoradas, adornos de cinturones trapezoidales y cascos cónicos.

Con respecto a la composición destacar que la fuerte sensación de movimiento hacia delante se transmite mediante los cuerpos inclinados y zancadas largas.

Para finalizar como curiosidad destacar que las botellas o vasijas con pico de estribo fueron una forma de recipiente muy popular en la costa norte de Perú durante aproximadamente un período de 3.000 años.

Aunque cabe resaltar que dentro del arte moche la importancia y simbolismo de ésta forma distintiva siguen siendo desconcertantes para los estudiosos. 

Sin embargo se ha sugerido que la forma de doble rama y el pico único puede haber impedido la evaporación de líquidos o que debido a su forma eran conveniente para transpórtalas de un lugar a otro.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.