La Fuensanta

La Fuensanta es una pintura datada en el año 1.929 d.C., perteneciente al simbolismo.

La Fuensanta

Fue pintada por el pintor español Julio Romero de Torres.

Lo primero que se conoce es que la pintura fue en el año 1.929 d.C. exhibida en la Exposición Iberoamericana, que tuvo lugar en la ciudad de Sevilla, localizada en la provincia de Sevilla, en la comunidad autónoma de Andalucía (España).

En el año 1.994 d.C. La Fuensanta fue comprada por un ciudadano argentino.

En el año 2.007 d.C. tras la exposición "Arte en el Dinero. Dinero en el Arte", donde se exhibió una fotografía en blanco y negro de la pintura, ocurrida en el Museo Casa de la Moneda de Argentina, en la ciudad de Buenos Aires (Argentina).

El coleccionista de arte argentino se puso en contacto con la directora española de Museos Municipales de Córdoba Mercedes Valverde para la autentificación de la pintura.

En el año 2.007 d.C., al comprobarse la autenticidad de la pintura, tasada entre 600.000 y 700.000 euros, el Ayuntamiento de Córdoba negoció su adquisición, aunque tuvo que renunciar debido al precio elevado propuesto por su propietario.

Al no poder llegar a un acuerdo la pintura La Fuensanta finalmente fue subastada el 14 de julio del año 2.007 d.C. por la casa de subastas "Sotheby's" de Londres (Gran Bretaña).

Cabe destacar que un representante del Ministerio de Cultura de España participó en la puja, pero finalmente la pintura fue vendida por un precio de 1.173.375 euros a un comprador anónimo.

Lo último que se conoce es que la pintura La Fuensanta se encuentra en posesión del empresario, ingeniero, dirigente deportivo y ex-político español Florentino Pérez Rodríguez.

Descripción

Tiene una altura de 100 cm y una anchura de 80 cm. Está pintado al óleo y temple sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa la figura de una mujer joven sentada, en tres cuarto hacia el lado derecho, con la cabeza girada mirando directamente al espectador.

Destaca como en la parte superior izquierda hay representada una pequeña fuente de la que mana agua, lo que sugiere que la mujer está representada descansando tras llenar el gran cántaro de plata, sobre el que apoya ambos brazos en una postura relajada.

Se encuentra ataviada con una sencilla vestimenta que contrasta con el fondo de color neutro, la vestimenta está compuesta por una camisa blanca, una falda roja y un chal marrón con un extremo sobre su regazo, mientras que el otro extremo le cae por el hombro derecho.

En el rostro ovalado destacan las cejas pobladas, los ojos almendrados, la nariz recta y los labios carnosos. El cabello largo oscuro se encuentra peinado en un elegante recogido que le deja al descubierto las orejas y los pendientes colgantes en tonos rojos.

Con respecto a la composición resalta la iluminación que se concentra en la parte central de la pintura, resaltando el rostro, los brazos y el torso de la mujer.

La Fuensanta
(billete 100 pesetas)

Asimismo resalta como la parte central del enorme cántaro también se encuentra iluminada, realzando su textura y detalle.

Aparte en el cielo oscuro y nublado, un pequeño haz de luz se abre a la misma altura del rostro de la mujer. 

Esto, junto con su mirada serena, centra la atención del espectador y contrasta con el brillo del cántaro.

También resaltar que la modelo para la pintura fue una de las modelos favoritas del autor, la modelo artística argentina María Teresa López González, quién desde los siete años vivía en la ciudad de Córdoba (España). 

Siendo por la casa de subastas Sotheby's de Londres (Gran Bretaña) la imagen de la modelo considerada como una representación por excelencia de la belleza andaluza e inspiradora del canon de belleza en la pintura española del período modernista.

Como curiosidad destacar que el nombre del cuadro La Fuensanta es un nombre propio femenino de origen español y significa "fuente santa" o "fuente sagrada, derivado del latín "fons sancta"

Para finalizar subrayar que la imagen de La Fuensanta se utilizó en los billetes de 100 pesetas que estuvieron en circulación en España desde el año 1.955 d.C. hasta el año 1.978 d.C., llegando el Banco de España a emitir 981.200.000 billetes.

Actualmente la pintura La Fuensanta forma parte de una colección privada.

La Parisina Japonesa

La Parisina Japonesa es una pintura datada en el año 1.872 d.C., perteneciente al realismo.

La Parisina Japonesa

Fue pintada por el pintor belga Alfred Stevens.

Lo primero que se conoce es que en el año 1.987 d.C. la pintura fue subastada por la casa de subastas Christie's de Londres (Gran Bretaña), comprada por un coleccionista privado.

Siendo en el año 1.989 d.C. cuando fue subastada por segunda vez por la misma casa de subastas y siendo adquirida por otro coleccionista privado.

Hasta que en el año 2.001 d.C. la pintura La Parisina Japonesa fue comprada por el Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Lieja (Bélgica), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 150 cm y una anchura de 105 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa la figura de una mujer joven de pie, de espaldas al espectador mirándose al espejo con un marco de madera y bordes dorados. 

Llama la atención la piel pálida, la mirada algo distraída de la mujer y el cabello pelirrojo que contrasta vívidamente con el fondo y que está recogido con un mono con horquillas imaginativas y coloridas. 

En el reflejo del espejo se puede apreciar el fondo del dormitorio que está compuesto por un biombo floral con fondo dorado y situado en el lado derecho hay un gran jarrón de celadón lleno de camelias altas japonesas trepadoras de color rosa claro.

Se encuentra ataviada con un kimono azul claro decorado con un patrón floral, un obi (cinturón) anudado en un lateral de la cintura, ornamentado con un patrón floral rojo y verde sobre un fondo verde salvia claro y una bata blanca que asoma en el escote.

También lleva un brazalete en el brazo derecho y con la mano derecha sostiene un abanico plano que parece estar elaborado con una tela translúcida, ligera y recortado de forma bastante radical en la parte inferior de la pintura.

Con respecto a la composición destacar que el reflejo permite al espectador hacerse una idea del espacio en el que se encuentra representada la mujer. 

La mujer se encuentra retratada de una manera muy íntima, no solo se la representa en el interior de una habitación privada, sino también está ataviada con su ropa privada.

La llamativa vestimenta garantiza que la joven destaque en el plano pictórico y como su presencia hace que cuente una historia.

Es más la pintura refleja el interés del autor por la moda femenina, siendo su opinión que la ropa reflejaba la personalidad de quien la vestía y demostraba el conocimiento de las últimas novedades sociales.

Por lo tanto la mujer representada se sumerge en el mundo de la moda no tanto por la comodidad, sino por el deseo de llenar su vida con algo que valora, haciendo que la moda hace que su vida sea menos vacía.

Al mismo tiempo el espejo en la pintura refuerza éste vacío existencial, siendo el reflejo del espejo el que da la perspectiva del interior de la habitación y el aspecto teatral de la vida parisina de la época.

También destaca el uso del japonismo reflejando la fascinación por la cultura japonesa en la pintura francesa del siglo XIX (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 1.900 d.C.), incluso si el espectador tiene poco conocimiento de Japón, casi todos los elementos de ésta pintura hacen una clara referencia a éste país.

Para finalizar subrayar que la pintura La Parisina Japonesa es una versión de la pintura La Túnica Japonesa, que se encuentra en la colección de arte del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), ambas pintadas por el pintor belga Alfred Stevens.

Actualmente se encuentra en el Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Lieja, Bélgica.

Louise Brongniart

Louise Brongniart es una escultura datada en el año 1.777 d.C., perteneciente al arte neoclásico.

Louise Brongniart

Louise Brongniart

Fue esculpida por el escultor francés Jean Antoine Houdon.

Lo primero que se conoce es que la escultura, por herencia, pasó a ser propiedad del coleccionista francés Baron Jérome Pichon.

En el año 1.897 d.C. la pintura fue subastada y comprada por el coleccionista de arte Joseph Bardac, pasando a formar parte de la colección de arte de la "Galerie Seligmann", ubicada en la ciudad de París (Francia).

La escultura fue vendida el 21 de febrero del año 1.911 d.C. al empresario estadounidense Peter Arrell Brown Widener.

En el año 1.915 d.C., por herencia, pasó a ser propiedad del propietario, criador y propietario de hipódromos de caballos purasangre estadounidense Joseph Early Widener.

Hasta que en el año 1.942 d.C. la escultura Louise Brongniart fue donada a la Galería Nacional de Arte, situada en la ciudad de Washington D.C. (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Louise Brongniart

Louise Brongniart

Louise Brongniart

Louise Brongniart

Descripción 

Tiene una altura de 37,7 cm, una anchura de 25,3 cm y un grosor de 19,5 cm.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exento de mármol que representa el busto de Louise Brongniart, cuando era una niña, la hija del arquitecto del Palacio de la Bolsa de París, el arquitecto francés Alexandre Théodore Brongniart.

Llama la atención como la niña aparece representada con la cabeza girada hacia el lado derecho, con los hombros desnudos y el largo cabello recogido en un moño con una cinta que le despeja el rostro.

Además en el pequeño rostro redondeado destacan las cejas apenas esbozadas, los ojos almendrados finamente delineados, la nariz recta, los labios carnosos ligeramente entreabiertos, los mofletes y el mentón redondeado.

Aunque sobretodo destaca como el iris se encuentra ahuecado y dentro hay un fragmento de material que crea un efecto de reflejo de luz natural en los ojos.

Para finalizar subrayar que la escultura Louise Brongniart está considerado uno de los retratos infantiles más reconocidos e importantes englobados dentro del arte neoclásico.

Es más el escultor francés Jean Antoine Houdon esculpió múltiples versiones de ésta escultura, que hoy se encuentran en varios de los museo más importantes del mundo.

Actualmente se encuentra en la Galería Nacional de Arte, Estados Unidos de América.

Mujer con una Flor

Mujer con una Flor, también conocida como Vahine no te Tiare, es una pintura datada en el año 1.891 d.C., perteneciente al postimpresionismo.

Mujer con una Flor

Fue pintada en la isla de Tahití por el pintor francés Eugène Henri Paul Gauguin (también conocido como Paul Gauguin).

Lo primero que se conoce es que la obra fue enviada a Europa por el autor.

En el año 1.917 d.C. la pintura fue adquirida por el empresario y coleccionista de arte danés Helge Jacobsen.

Pasando después a manos del empresario y coleccionista de arte danés Wilhelm Peter Henning.

Hasta que en el año 1.927 d.C. la pintura Mujer con una Flor fue donada a la Gliptoteca Ny Carlsberg, ubicada en la ciudad de Copenhague (Dinamarca), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Siendo conocida con el número 420 del catálogo de Wildenstein (un catálogo razonado con las obras de arte de referencia de determinados pintores franceses).

Descripción

Tiene una altura de 70,5 cm y una anchura de 46,5 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa a una mujer tahitiana de perfil tres cuartos mirando hacia el lado izquierdo, con los brazos cruzados sobre el regazo, sosteniendo una flor con la mano derecha y sobre un fondo de color rojo y amarillo ornamentado con unas flores estilizadas.

En el rostro destacan las cejas delineadas, los ojos almendrados, la nariz chata, los labios carnosos curvados en una enigmática sonrisa, los pómulos marcados y el mentón redondeado.

El cabello largo y oscuro está peinado en un recogido que le cae por la espalda y sobre el hombro derecho, que le deja el rostro descubierto y permite observar en su oreja derecha el pendiente colgante en forma de flor tradicional Tahití conocida como Tiaré Tahiti "gardenia tahitensis" (flor nacional de Tahití utilizada también para perfumar por su característico olor fragante a jazmín).

Se encuentra ataviada con un traje colonial de tonos azules, cuello y puños blancos, que había sido introducido en la isla de Tahití por los misioneros franceses.

Situado en la parte superior se encuentra escrito el nombre de la pintura (Vahine no te Tiare) y situado en la parte superior izquierda se puede leer la firma del autor (P. Gauguin).

En cuanto a la composición resaltar que los colores del fondo bicolor crea un efecto decorativo que aporta equilibrio, siendo el fondo amarillo el que sirve para enfatizar el bronceado del rostro de la mujer.

Cabe destacar que según el autor los rasgos de la mujer contribuyen a una armonía rafaeliana (un equilibrio perfecto, gracia y composición serena característicos de las obras del pintor español Rafael Sanzio) mediante la convergencia de curvas y sobretodo el gesto de la boca captura la alegría y el sufrimiento en una sola imagen.

Aparte la pintura se caracteriza por contornos negros marcados y por la utilización de colores planos y vibrantes que no presentan profundidad.

Como curiosidad destacar que Gauguin había viajado a Tahití con la esperanza de encontrar un paraíso virgen, cuando en realidad las influencias europeas habían impregnado la zona desde hacia mucho tiempo.

La pintura aúna éstas diferencias culturales, el refinamiento artístico occidental y la dignidad natural de los habitantes nativos.

Es más resulta paradójico, que una de sus primeras vecinas, su modelo para ésta pintura, se vistiera con ropa occidental para su retrato, mientras que el propio pintor lucía el traje tradicional tahitiano.

Para finalizar subrayar que el autor el pintor francés Paul Gauguin describe a su modelo en su libro Noa Noa, un diario que recoge sus impresiones y pensamientos durante su estancia en la isla de Tahití, dónde fue a residir buscando el paraíso perdido.

Además resaltar que según la biógrafa y novelista anglo-noruega Sue Prideaux, la Mujer con una Flor fue el primer retrato tahitiano del pintor francés Paul Gauguin.

Es más se conoce que es la primera pintura que el pintor envió a Europa, escribiéndole a su amigo el pintor francés George-Daniel de Monfreid afirmando que sin duda la pintura se vendería bien, puesto que era algo completamente nuevo.

Actualmente se encuentra en la Gliptoteca Ny Carlsberg, Dinamarca.

El Hombre del Guante

El Hombre del Guante, también conocido como Retrato de Hombre o Joven con Guante, es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.520 d.C. y 1.523 d.C., perteneciente al arte renacentista.

El Hombre del Guante

El Hombre del Guante

Fue pintado por el pintor italiano Tiziano Vecellio di Gregorio (también conocido como Tiziano o Ticiano).

Lo primero que se conoce es que la pintura procede de la colección de la Galería Gonzaga de Mantua (también conocida como Galería Celeste), propiedad de los duques de Mantua.

En el año 1.627 d.C. la pintura pasó a manos del rey de Inglaterra, Escocia e Irlanda Carlos I de Inglaterra, junto con las piezas más valiosas de la colección.

Tras la decapitación del rey en el año 1.649 d.C. la pintura fue subastada y adquirida por el banquero francés Everhard Jabach.

Posteriormente, en el año 1.671 d.C., pasó a formar parte de la colección de arte del Palacio de Versalles (Francia), propiedad del rey de Francia Luis XIV (también conocido como "el Grande" o "el Rey del Sol").

Desde el Palacio de Versalles, El Hombre del Guante pasó en el año 1.792 d.C. a formar parte de la colección de arte del Museo del Louvre de París (Francia).

El Hombre del Guante

Descripción

Tiene una altura de 100 cm y una anchura de 89 cm, mientras que con el marco tiene una altura de 126 cm y una anchura de 114 cm. 

Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa un hombre joven de medio cuerpo que emerge de un fondo oscuro, con el torso mirando al frente.

El cuerpo está girado tres cuartos hacia la derecha, de cara al espectador, mientras que su rostro, girado a la izquierda se encuentra alerta y concentrado, pero sin emoción alguna, con la mirada fija en un punto indefinido lejos del espectador.

El brazo izquierdo descansa, junto con el borde de su capa, sobre un bloque de mármol, lo que confiere al hombre una postura relajada. 

Se encuentra ataviado con un abrigo negro holgado, un color característico de los miembros de la aristocracia o la clase alta de las ciudades del norte de Italia durante el siglo XVI d.C. (período comprendido entre los años 1.501 d.C. y 1.600 d.C.).

El abrigo revela una camisa blanca con cuello plisado, que ilumina su rostro, y puños con volantes que acentúan el color de sus manos sobre el fondo oscuro.

El brazo izquierdo descansa junto al borde del abrigo sobre un bloque de mármol, lo que confiere a la figura un aire grácil y familiar.

Sobretodo llama la atención como la mano izquierda enguantada sostiene un guante de cuero, un accesorio de los caballeros más refinados de la época.

También se puede observar como la mano derecha reposa sobre su regazo, exhibiendo en el dedo índice un anillo de oro, símbolo de riqueza.

Asimismo lleva alrededor del cuello un collar colgante adornado con un zafiro y una perla, que señala la pertenencia del joven retratado a una clase social superior.

El cabello corto está cuidadosamente peinado y en el rostro destacan las cejas pobladas, los ojos almendrados, la nariz recta, los labios carnosos y el mentón redondeado.

Es más el rostro joven llama la atención por su escasa barba y el ligero bigote (típico de los adolescentes), que atestigua discretamente la juventud del joven retratado.

También se puede apreciar como la firma del autor: "Ticianvs f." aparece como un cartucho en forma de incisión tallado en el bloque de mármol.

Con respecto a la composición resaltar como el autor envolvió el cuerpo del joven en la oscuridad de la ropa, para después que todo el cuerpo y la propia roja estuviera envuelta en la oscuridad del fondo, de tal manera que toda la atención del espectador se centre en el rostro.

La expresión del retratado transmite su personalidad mediante la observación minuciosa y la representación del su mirada y las manos, en lugar de a través de atributos y detalles decorativos.

La mirada del hombre se dirige hacia la derecha, en la misma dirección que el dedo de su mano derecha, sin guante, un gesto que transmite la voluntad decidida del joven.

Aparte destacar que aunque la pintura sigue siendo emblemática del estilo temprano del autor, representa su transición hacia su estilo maduro.

Para finalizar subrayar que El Hombre del Guante es el personaje epónimo de la novela "L'Homme au gant" de la autora Héliane Bernard y el escritor e historiador francés Christian Alexandre Fauré, volumen 2 de la saga histórica "Les Dents Noires".

Que relata la aventura en el año 1.517 d.C., el protagonista de la novela, un joven impresor, sin dinero y sin nombre que deja la ciudad de Lyon para ir a la ciudad de Venecia, siendo él El Hombre del Guante, a quien por un fabuloso giro del destino retratará el gran pintor italiano Tiziano.

Además resaltar que El Hombre del Guante también es el tema de un personaje ficticio en la novela "Le Turquetto" del escritor suizo Metin Arditi.

El autor imagina que ésta pintura fue creada por un judío turco exiliado en la ciudad de Venecia (Italia), un prodigio apodado Turquetto y que Tiziano la salvó de ser quemada, añadiendo su propia firma a la "T" estampada por el verdadero artista.

Actualmente se encuentra en el Museo del Louvre de París, Francia.

Sudario de Osiris de Djedmutesankh

El Sudario de Osiris de Djedmutesankh es un sudario datado aproximadamente entre los años 1.040 a.C. y 945 a.C., perteneciente al arte egipcio.

Sudario de Osiris de Djedmutesankh

En concreto está datado en el Tercer Período Intermedio, durante la XXI Dinastía de Egipto (período comprendido entre los años 1.070 a.C. y 945 a.C.).

Fue hallado entre los años 1.923 d.C. y 1.924 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas en el interior de la Tumba MMA 60 (perteneciente a la cámara y entierro de Djedmutesankh (Ch5)).

Ubicada en el complejo funerario de Deir el-Bahri, situada en la ribera occidental del río Nilo, frente a la antigua ciudad de Tebas (en la actualidad en la ciudad de Luxor), en Egipto.

Poco después de su descubrimiento el Sudario de Osiris de Djedmutesankh fue adquirido, dentro de la división de hallazgos, por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del arte egipcio.

¿Quién fue Djedmutesankh?

Djedmutesankh fue una mujer, sacerdotisa y música egipcia que vivió en la antigua ciudad de Tebas (Egipto).

Descripción

Tiene una altura de 160 cm y una anchura de 72 cm. Está elaborada en lino y tinta roja.

Se trata de un sudario de lino (utilizado para envolver el cuerpo de una momia) que está ornamentado con la figura de cuerpo entero del dios Osiris (dios de la fertilidad, la agricultura, la resurrección y soberano del Inframundo).

Se conoce que tras completar el proceso de envolver la momia de la Sacerdotisa de Amón (dios del sol y el aire, "rey de los dioses" y protector de los faraones) Djedmutesankh, el sudario fue colocado sobre las vendas y atado detrás del cuerpo con cordones especialmente tejidos en la tela para este fin.

Una vez colocado, la momia se cosía a una sábana exterior lisa adornada con cintas. Además destacar que el sudario también servía para identificar al difunto con el dios Osiris, Soberano del Inframundo.

Para finalizar subrayar que se puede observar como en el sudario hay dos líneas de texto jeroglífico, situadas delante del dios, en las que se puede leer:

"Osiris, Señor de la Eternidad, el más destacado de los occidentales"

La línea inferior lleva los títulos y el nombre de la mujer fallecida, quien, como probable hija o esposa del Sumo Sacerdote de Amón, alcanzó el exaltado rango de "Primer Gran Jefe de la Compañía Musical de Amón".

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Cuarteta sobre el Resplandor de la Primavera

La Cuarteta sobre el Resplandor de la Primavera, también conocido como 南宋 楊皇后（楊妹子） 楷書薄薄殘妝七絕 團扇, es una cuarteta datado en el siglo XIII d.C. (período comprendido entre los años 1.201 d.C. y 1.300 d.C.), perteneciente al arte chino.

Cuarteta sobre el Resplandor de la Primavera

En concreto fue creado durante la Dinastía Song del Sur (período comprendido entre los años 1.127 d.C. y 1.279 d.C.

Caracterizado por el desarrollo cultural, económico y tecnológico en el sur de China.

Fue elaborado por la emperatriz consorte china Yang, también conocida como emperatriz Gongsheng (恭聖仁烈皇后) o Yang Meizi (楊妹子).

Se conoce que en el año 1.913 d.C. la cuarteta fue adquirido por el coleccionista estadounidense John M. Crawford Jr., pasando a formar parte de su colección ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.988 d.C. la Cuarteta sobre el Resplandor de la Primavera fue legada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de arte asiático.

Descripción

Tiene una altura de 23,2 cm y una anchura de 24,4 cm. Está elabora en tinta sobre seda.

Se trata de una cuarteta (estrofa de cuatro versos de arte menor con rima consonante) que ha sido escrita en una hoja de seda con forma casi redondeada, que originalmente habría estado montado en un abanico como si fuera una hoja de un álbum.

La inscripción escrita en cinco columnas, en escritura estándar china, junto con la firma del autor es la siguiente:

" 薄薄殘粧淡淡香，

眼前猶得玩春光。

公言一歲輕榮悴，

肯厭繁華惜醉鄉。

楊妹子 "

Cuya traducción aproximada es la siguiente:

" Mi maquillaje se ha desvanecido, pero perdura una tenue fragancia;

Aún así puedo disfrutar de la luz primaveral ante mis ojos.

Dices que la gloria de un año se desvanece rápidamente;

¿Te cansarías del esplendor y apreciarías la tierra del vino? 

Yang Meizi "

También se puede apreciar como en los laterales, casi en el borde, se encuentran en color rojo el sello del artista Yuanfeng (元鳳), así como los sellos de los diferentes coleccionistas: Pan Zhengwei (潘正煒), Jitong jianding zhencang (季彤鋻定珍藏), Pan Yanling (潘延齡), Yan Gai (嚴荄), Xiang Hanping (翰屏) y Gu Luofu (顧洛阜).

Para finalizar subrayar que se conoce que durante la dinastía Song del Sur, artistas y entendidos que deseaban expresar sus emociones ante las pinturas solían añadirles poemas.

Además destacar que los poemas de la emperatriz Yang (恭聖仁烈皇后) aparecen en varias pinturas de artistas cortesanos como Ma Yuan (activo aproximadamente entre los años 1.190 d.C. y 1.225 d.C.) y Ma Lin (activo aproximadamente entre los años 1.180 d.C. y 1.256 d.C.).

Es más se piensa que la Cuarteta sobre el Resplandor de la Primavera originalmente debió complementar una pintura de un abanico de flores, pero revela más sobre el estado de ánimo de la emperatriz que sobre la pintura perdida que acompañaba.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Cruz de Irton

La Cruz de Irton, también conocida como Irton Cross, es una cruz datada aproximadamente en el siglo IX d.C. (período comprendido entre los años 801 d.C. y 900 d.C.), perteneciente al arte anglosajón.

Cruz de Irton

Cruz de Irton

Se encuentra en el cementerio de la Iglesia de San Pablo, al sur de la parroquia de Irton con Santon, localizado en el área de Cumberland, en el condado de Cumbria (Gran Bretaña).

También cabe resaltar que el cementerio se encuentra abierto al público y la Cruz de Irton puede examinarse y visitarse en cualquier momento.

Cruz de Irton
(réplica)

Descripción

Se trata de una cruz monumental de piedra, con forma de cruz alta, decorada con complejas tallas y paneles entrelazados.

En la parte superior hay una cruz griega con los brazos decorados con líneas entrelazadas y nudos, y en el centro un medallón con cinco protuberancias.

Destaca como la cara oeste de la cruz está ornamentada con dos paneles entrelazados, entre los cuales hay un panel que antiguamente contenía tres líneas de runas, todo ello rodeado por una cenefa de nudos.

También resalta como la cara este se encuentra decorada con dos paneles con un patrón de clave diagonal y dos con damero, que en realidad son representaciones de pequeñas cruces hundidas.

Además se aprecia una fina voluta en los estrechos lados norte y sur, con hojas, tallo y fruto, que posiblemente indican la representación de una vid.

Con respecto a la composición destacar que la cruz presenta elementos englobados dentro del "estilo de Bewcastle" caracterizado por cruces altas de piedra ornamentadas con motivos complejos celtas, combinado con influencias clásicas, germánicas y cristianas en alto relieve.

Para finalizar subrayar que se puede ver una réplica de la Cruz de Irton en el Museo Victoria & Alberto de la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

Aparte resaltar que el molde de la cruz se realizó en el año 1.882 d.C. y se puede ver en la sala de moldes del museo.

Actualmente la Cruz de Irton se encuentra en su emplazamiento original en el cementerio de la Iglesia de San Pablo, Gran Bretaña.

León Singha

El León Singha es una escultura datada aproximadamente entre los siglos XI d.C. y XII d.C. (período comprendido entre los años 1.001 d.C. y 1.200 d.C.), perteneciente al arte tailandés.

León Singha

Lo primero que se conoce es que en el año 1.976 d.C. la escultura formaba parte de la colección de arte de la casa de subastas "Spink & Son Ltd.", situada en la ciudad de Zúrich (Alemania).

Hasta que en el año 1.979 d.C. el León Singha fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 109 cm.

Se trata de una escultura de piedra que representa la figura de un león, conocido con el nombre de Singha, en posición de pie y en una postura regia, imponente y majestuosa.

Sobretodo llama la atención la representación del pelaje, con la melena muy elaborada, estilizada y detallada que destaca sobre la superficie lisa del cuerpo robusto.

En la cabeza atrae la atención las pequeñas orejas puntiagudas, los ojos y las fauces abiertas que dotan a la escultura de una expresión feroz.

En cuanto al estado de conservación se puede observar como la parte inferior de la escultura se encuentra mutilada y no ha llegado hasta la actualidad.

Para finalizar subrayar que se conoce que dentro del arte tailandés las esculturas de leones guardianes (Singha) flanqueaban los accesos principales al santuario de la mayoría de los templos Khmer, palacios reales y espacios sagrados.

Es más resaltar que el Singha actúa como un protector vigilante contra los malos espíritus y representa cualidades de la realeza.

Siendo guardianes míticos del sudeste asiático, especialmente en Tailandia, que simbolizan fuerza, protección, sabiduría y coraje. 

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Muchacha con Flores

Muchacha con Flores es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.665 d.C. y 1.670 d.C., perteneciente al arte barroco.

Muchacha con Flores

Fue pintada por el pintor español Bartolomé Esteban Murillo (también conocido como Murillo).

En el siglo XVIII d.C. el artista británico Francis Bourgeois adquirió la pintura para el rey de Polonia Estanislao II Poniatowski (también conocido como Estanislao II de Polonia), quién deseaba establecer un museo de arte en la ciudad de Varsovia (Polonia).

Sin embargo, esto no se llevó a cabo, puesto que el rey abdicó al trono en el año 1.795 d.C., y en su lugar en el año 1.811 d.C. la Muchacha con Flores fue legada al museo de arte Dulwich Picture Gallery, situado en el área de Dulwich, dentro del condado del Gran Londres, en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

Descripción

Tiene una altura de 120,7 cm y una anchura de 98,3 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa a una mujer joven medio sonriente, sentada en el pedestal de un edificio a un lado, de frente al espectador con un paisaje como telón de fondo.

En el rostro llaman la atención las cejas finas, los ojos almendrados, la nariz recta, los labios carnosos, la esquiva media sonrisa y el mentón redondeado.

Está ataviada con un vestido con un cierto aire oriental en tonos blancos, amarillo pálido y marrón claro, con mangas anchas y amplias y falda larga. 

En la cabeza lleva un turbante blanco ornamentado con flores que le deja entrever el cabello oscuro y el pendiente colgante en su oreja derecha.

También lleva un largo chal marrón claro, decorado con patrones geométricos, colocado alrededor del hombro izquierdo, cayéndole por la parte delantera del busto hasta la altura de su regazo. 

Con ambas manos sostiene la parte inferior del chal donde reposan flores blancas y rosas, símbolo de pureza. Aparte se puede observar como también hay algunos pétalos de flores en el pedestal dónde se encuentra sentada.

Asimismo cabe enfatizar que la identidad de la joven ha sido objeto de un amplio debate desde el siglo XVIII d.C. (período comprendido entre los años 1.701 d.C. y 1.800 d.C.).

Se la ha descrito como la personificación de la primavera, una vendedora de flores, una gitana e incluso una cortesana.

Además destacar que la Muchacha con Flores también ha sido identificada como la hija única, Francisca María, del pintor español Bartolomé Esteban Murillo, quién ingresó en el año 1.671 d.C. y tomó el nombre de Sor Francisca María de Santa Rosa, en honor a Santa Rosa de Lima.

Si bien la figura representada era la hija de Murillo, las rosas podrían simbolizar su nuevo nombre, combinando así en una sola imagen la referencia religiosa y familiar del artista, junto con las alusiones a la esperanza y a los nuevos comienzos que acompañan a las representaciones de la primavera.

Con respecto a la composición resaltar que la iluminación cálida y difusa, junto con el manejo fluido e intuitivo de la pintura, con especial mención en las mangas abiertas del vestido de la niña, son característicos del estilo de enfoque suave del autor en la cúspide de su carrera.

Para finalizar subrayar que durante la realización de una radiografía de "rayos X" se reveló otra imagen bajo la primera capa de pintura: siendo la mitad inferior de una figura que coincide, en un ángulo de 90 años, con la pintura La Virgen María de La Inmaculada Concepción (conservada en la colección de arte del El Escorial, España).

Esto ha llevado a los investigadores a considerar que el pintor español Murillo reutilizó los lienzos, ya que los dibujos que se conservan muestran que produjo, a partir del año 1.664 d.C., varias versiones de ésta pintura.

Actualmente se encuentra en el Museo Dulwich Picture Gallery, Gran Bretaña.

Jarra de Almacenamiento Vietnamita

La Jarra de Almacenamiento Vietnamita es una jarra datada aproximadamente en el siglo XIII d.C. (período comprendido entre los años 1.201 d.C. y 1.300 d.C.), perteneciente al arte vietnamita.

Jarra de Almacenamiento Vietnamita

Jarra de Almacenamiento Vietnamita

Lo primero que se conoce que perteneció a la colección de arte de la galería de arte de Nakai (南海美術), ubicada en la ciudad de Tokyo, en Japón.

Hasta que en el año 2.011 d.C. la Jarra de Almacenamiento Vietnamita fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección dentro del departamento de arte asiático.

Jarra de Almacenamiento Vietnamita

Jarra de Almacenamiento Vietnamita

Descripción

Tiene una altura de 28,9 cm, un diámetro de 24,4 cm, un diámetro en el borde de 20,6 cm y un diámetro en la base de 21 cm.

Está realizado en gres esmaltado (de la región del río Hong).

Se trata de una jarra de almacenamiento vidriada de marfil ornamentada con un diseño de aves y follaje del bosque inciso en la arcilla y realizado con un baño de hierro bajo cubierta.

También presenta un collar tallado de pétalos de loto que sobresalen bajo el borde y cuatro asas residuales en el hombro.

Aparte se conoce que las jarras de este tipo fueron diseñadas para tener una tapa, pero éstas rara vez se conservan.

Es más una de éstas tapas que se conserva en los Museos Reales de Bruselas (Bélgica) lleva la inscripción en baño de hierro, en la superficie interior, "contenedor de vino", siendo el indicador más definitivo de la función de este tipo de jarras por lo demás enigmáticas.

Con respecto a la composición resaltar que los diseños elegidos para decorar la jarra (aves y animales salvajes del bosque) pueden hacer una posible alusión al vino de estilo rural que se servían en estas vasijas.

Es más la imaginería también puede interpretarse como un intento consciente por parte de los decoradores cerámicos vietnamitas de afirmar una identidad no china en estas piezas.

Para finalizar subrayar que la técnica de los diseños incisos, conservados en un baño de hierro marrón, fueron aprendidas de la cerámica china Cizhou (también conocida como cerámica de Tz'u-chou) de la dinastía Song (período de la historia de China comprendido entre los años 960 d.C. y 1.279 d.C.).

La Jarra de Almacenamiento Vietnamita es una interpretación particularmente sólida de éste tema, típico del recién independizado estado vietnamita bajo la dinastía Ly (primera dinastía de Vietnam ocurrida entre los años 1.009 d.C. y 1.225 d.C.) y su sucesora la dinastía Tran (que gobernó Vietnam desde el año 1.225 d.C. hasta el año 1.400 d.C.).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Daga con Empuñadura Zoomorfa

La Daga con Empuñadura Zoomorfa es una daga datada aproximadamente en el siglo XVI d.C. (período comprendido entre los años 1.501 d.C. y 1.600 d.C.), perteneciente al arte indio.

Daga con Empuñadura Zoomorfa

Daga con Empuñadura Zoomorfa

Se conoce que perteneció a la colección de arte del patólogo estadounidense Howard Taylor Ricketts.

En el año 1.974 d.C. la daga fue comprada por el profesor de la Universidad de Harvard, coleccionista y curador estadounidense Stuart Cary Welch.

El 6 de abril del año 2.011 d.C. la Daga con Empuñadura Zoomorfa fue vendida por la casa de subastas Sotheby's de Londres (Gran Bretaña), siendo comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene una altura de 39,7 cm. 

Se trata de una daga compuesta por una empuñadura zoomorfa realizada en cobre fundido, cincelado, dorado e incrustado con rubíes y una hoja de acero forjado.

En el centro de la empuñadura zoomorfa se encuentra representado la figura de un tigre atacando a un ciervo, un antiguo motivo de caza persa-islámico.

Frente a él, hay un ave, parecida a un loro, posado sobre una rama similar a una palmera y sujetando con su pico una serpiente, siendo éste motivo muy común en el arte del sur de la India y que está asociado con la enemistad entre Garuda (el mítico pájaro que montaba Vishnu) y los nagas (reyes serpiente).

Además se puede apreciar como un dragón, cuya cola rodea la empuñadura, ataca al tigre. Aparte más abajo en la empuñadura se encuentra una kirtimukha (máscara de monstruo) con volutas florales que salen de su boca.

También destaca como más abajo, en la empuñadura, se encuentra la cabeza de un yali, un animal mítico parecido a un león, con volutas florales que salen de su boca.

Con respecto a la composición resaltar que la iconografía es extremadamente hindú en algunos aspectos, especialmente el loto protector situado en la base de la empuñadura, donde se une a la hoja.

Por el contrario, el tigre con diminutas rayas, cabeza pequeña y pelaje rizado, presenta un estilo bastante naturalista, incluso posiblemente europeizado, en comparación con otras formas escultóricas de la época.

Asimismo se puede apreciar como el dragón alargado también posee un marcado aire extranjero, con escamas, gorguera y hocico largo.

Para finalizar subrayar que los retratos del quinto sultán de Bijapur 'Ali 'Adil Shah I (quién gobernó el Sultanato de Bijapur desde septiembre del año 1.558 d.C. hasta el 9 de abril del año 1.580 d.C.) lo muestran llevando dagas con empuñaduras zoomorfas que combinan símbolos de poder persas e indios.

Es más enfatizar que la Daga con Empuñadura Zoomorfa pertenece a una familia de armar relacionadas que se distinguen por empuñaduras compuestas por animales entrelazados provenientes de fuentes persas, indias y europeas.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Jarra de Pájaro

La Jarra de Pájaro es una jarra datada aproximadamente entre los siglos XII a.C. IX a.C. (período comprendido entre los años 1.200 a.C. y 801 a.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte olmeca.

Jarra de Pájaro

Jarra de Pájaro

Lo primero que se conoce es que en la década de 1.960 d.C. (período comprendido entre los años 1.960 d.C. y 1.969 d.C.) la jarra fue adquirida por los coleccionista de arte Albert J y Monique Grant.

Poco después de su adquisición la Jarra de Pájaro fue prestada hasta el año 2.014 d.C. en fideicomiso revocable (también conocido como fideicomiso en vida) al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Después del año 2.014 d.C. la jarra fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), pasando a formar parte de la colección de arte permanente del museo.

Jarra de Pájaro

Jarra de Pájaro

Descripción

Tiene una altura de 8,9 cm.

Se trata de una pequeña jarra o vasija de cerámica con forma de un ave, probablemente un ave marina, con su largo pico apoyado en el pecho.

Sus alas ornamentadas con diseños geométricos incisos se encuentran representadas plegadas a los lados del cuerpo.

Además se observa como en el pecho se encuentra un adorno trapezoidal similar a un babero, decorado con tramas cruzadas incisas.

Aparte el ave está antropomorfizada, con ojos redondos y fijos bajo ceras prominentes y orejas que sobresalen a los lados de la cabeza.

También se aprecia como en la parte frontal y los lados de la frente se encuentran incisos elementos decorativos con forma circular.

Con respecto a la composición resaltar que la superficie del recipiente se encuentra bruñida, excepto las zonas decoradas que presentan una textura rugosas.

Para finalizar subrayar que se conoce que dentro del de la cultura olmecas los recipientes antropomorfos eran piezas de cerámica distintivas caracterizadas por representaciones humanas o animales realistas o estilizadas.

Es más los recipientes a menudo eran utilizados en contextos rituales funerarios. Por lo que los investigadores piensan que originalmente la Jarra de Pájaro podría haber sido usada como ofrenda.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Tabla de Nergal

La Tabla de Nergal, también conocida como Relieve de Cerbero o Figura en Relieve de Hades, es un relieve datado aproximadamente entre los años I d.C. y II d.C. (período comprendido entre los años 1 d.C. y 200 d.C.) , perteneciente al arte persa, en concreto al arte parto.

Tabla de Nergal

Lo primero que se conoce es que el relieve fue hallado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en una habitación del Primer Templo, dónde originalmente habría estado incrustada en el muro.

El templo estaba edificado en la ciudad de Hatra, situada en la gobernación de Nínive, localizada al sur de la actual ciudad de Mosul, en Irak.

También se sabe que poco después de su descubrimiento La Tabla de Nergal pasó a formar parte de la colección de arte del Museo de Mosul (Irak).

Descripción

Se trata de un relieve en el que aparece representado de pie el dios Nergal (dios del inframundo, la muerte, la peste, la guerra y la destrucción). 

El dios está representado de frente, como un guerrero, sobretodo destacan los cuernos en la parte superior de la cabeza y su figura masculina imponente. 

Tiene el brazo derecho levantado, sujetando con la mano derecha una maza, mientras que la mano izquierda se encuentra representada apoyada en la empuñadura de su espada.

Situada a su derecha hay una vara en posición vertical ornamentada con herraduras, borlas y decoración geométrica, asimismo llama la atención como está ornamentada con figuras de leones (animal asociado al dios por su fuerza, poder y naturaleza feroz).

Además situado en la parte inferior izquierda, en un primer plano, está representado Cerbero (perro de tres cabezas y cola de serpiente que custodia las puertas del inframundo) de pie, mirando hacia el lado derecho y con las fauces abiertas.

También se puede observar como situado en el lado izquierdo, en un segundo plano, hay representada una figura femenina en posición sedente, sentada en un trono ornamentado con leones, que se piensa que puede ser una representación de la diosa Al-Lat (diosa madre de la tierra, la fertilidad y la luz).

Aparte se puede apreciar como entre las figuras hay representados en relieve un escorpión y una serpiente, y dibujadas la figuras de un escorpión, una serpiente y un león.

Con respecto a la composición destacar que se conoce que el dios sumerio-babilonio del inframundo Nergal se fusionó con su homólogo griego, Hades, por influencia helenística, y por lo tanto se le asocia con el guardián del inframundo Cerbero.

Para finalizar subrayar que en mayo del año 2.015 d.C. durante el saqueo del Museo de Mosul (Irak), militantes del Estado Islámico dañaron significativamente la Tabla de Nergal, que posteriormente fue restaurado digitalmente mediante fotogrametría y diversas fotografías como parte del Proyecto Mosul.

Cabe destacar que el Proyecto Mosul (también conocido como Rekrei) es un proyecto de preservación digital que utiliza la colaboración de diferentes fuentes, principalmente fotos e imágenes, para reconstruir y preservar el patrimonio cultura.

Atuendo para la Peregrinación a Yoshinoyama

El Atuendo para la Peregrinación a Yoshinoyama, también conocido como 吉野山巡礼お遍路着, es una chaqueta datada aproximadamente entre los siglos XIX d.C. y XX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 2.000 d.C.), perteneciente al arte japonés.

Atuendo para la Peregrinación a Yoshinoyama

Atuendo para la
Peregrinación a Yoshinoyama

En concreto fue elaborado entre finales del período Meiji (明治時代) (período de la historia japonesa comprendido entre los años 1.868 d.C. y 1.912 d.C.) y principios del período Taishō (大正時代) (período comprendido entre los años 1.912 d.C. y 1.926 d.C.).

Se conoce que estuvo en posesión de "Textile Arts Inc.", ubicado en la ciudad de Santa Fe, en el estado de Nuevo México (Estados Unidos de América).

En marzo del año 1.998 d.C. fue comprado por la autora y coleccionista de arte Julia Meech.

Hasta que en el año 2.018 d.C. el Atuendo para la Peregrinación a Yoshinoyama fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del arte asiático.

Descripción

Tiene una altura de 101,6 cm y una anchura de 123,5 cm. Está elaborado en dibujo a tinta y estampado sobre fibra de líber (material textil natural, fino y flexible, obtenido del floema o corteza interna del tallo de plantas dicotiledóneas).

Se trata de un atuendo, una chaqueta de peregrino de Yoshino (Ohenro-gi) con un texto dibujado del Sutra del Corazón y sellos estampados de peregrinación de Yoshino (zona montañosa ubicada en la prefectura de Nara, en Japón).

La mayoría de los aproximadamente 300 circuitos de peregrinación de Japón incluyen teinta y tres u ocho lugares sagrados (números auspiciosos en el budismo) y el peregrino suele visitarlos en un orden establecido.

Cabe destacar que éstos viajes suelen ser físicamente arduos y pueden requerir varias semanas para completarse.

Al llegar a un lugar sagrado, los peregrinos recitan un canto o sutra budista, y luego pueden recibir el sello de cinabrio del templo y una inscripción en un folleto o en su chaqueta para documentar la visita.

Además destacar que los sellos que recibió la persona que llevaba el Atuendo para la Peregrinación a Yoshinoyama dan testimonio de su viaje a los lugares alrededor del monte Yoshino y representan a varias deidades importantes para este lugar sagrado, incluidas Zaō Gongen (蔵王権現) (es la deidad principal y guardián del Shugendō) y Fudō Myōō (不動明王) (deidad guardiana fundamental en el budismo esotérico japonés).

Para finalizar subrayar que el Atuendo para la Peregrinación a Yoshinoyama fue expuesto del 16 de marzo del año 2.009 d.C. al 20 de junio del año 2.010 d.C. en la "New York. Asia Society.", en la exposición "Pilgrimage and Buddhist Art" ("Peregrinación y arte budista").

También fue expuesto desde el 8 de abril del año 2.023 d.C. al 14 de julio del año 2.024 d.C. en la exposición "Anxiety and Hope in Japanese Art" ("Ansiedad y esperanza en el arte japonés"), ocurrida en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

La Calle Mosnier con Banderas

La Calle Mosnier con Banderas es una pintura datada en el año 1.878 d.C., perteneciente al impresionismo.

La Calle Mosnier con Banderas

La Calle Mosnier con Banderas

Fue pintada por el pintor y grabado francés Édouard Manet.

Se piensa que en el año 1.879 d.C. la pintura pudo haber sido propiedad del bibliófilo, historiador del arte y grabador francés Melchior-Roger de Portalis o del coleccionista de arte francés Fernand Barroil.

En el año 1.894 d.C. la pintura fue comprada por barítono de ópera y coleccionista de arte francés Jean-Baptiste Faure.

Después en el año 1.898 d.C. fue adquirida por el empresario y coleccionista de arte francés Auguste Pellerin.

En el año 1.911 d.C. la pintura fue comprada por el magnate financiero, coleccionista de arte y mecenas de arte húngaro Marcell Nemes (también conocido como Marczell).

El 18 de junio del año 1.913 d.C. fue comprada por el coleccionista de arte, banquero y gran terrateniente judío húngaro Mór Lipót Herzog, pasando a formar parte de su colección de arte ubicada en la ciudad de Budapest (Hungría).

En el año 1.932 d.C. la pintura La Calle Mosnier con Banderas fue adquirida por el banquero judío alemán Jakob Goldschmidt.

El 15 de octubre del año 1.958 d.C. la pintura fue subastada, dentro del "lote 3", por la casa de subastas Sotheby's de Londres (Gran Bretaña), siendo comprada por el filántropo y criador de caballos purasangre de carreras estadounidense Paul Mellon.

Hasta que el 14 de noviembre del año 1.989 d.C. la pintura fue subastada, dentro del "lote 7", por la casa de subastas Christie's de Nueva York (Estados Unidos de América), siendo comprada por el Museo J. Paul Getty (Estados Unidos de América).

La Calle Mosnier con Banderas

Descripción

Tiene una altura de 65,4 cm y una anchura de 80 cm, mientras que con marco tiene una altura de 96,5 cm, una anchura de 112,4 cm y un grosor de 11,4 cm.

Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa una escena ocurrida en una calle parisina (actualmente la "Rue de Rome") engalanada para la Fiesta Nacional, una tarde festiva con una armonía patriótica de los rojos, blancos y azules de la bandera francesa que ondeaba en las ventanas de los nuevos edificios de la ciudad de París (Francia).

Sobretodo llama la atención los elegantes pasajeros en coches de caballos, como, en primer plano, a un obrero que transportaba una escalera.

Así mismo resalta la figura de un hombre de espaldas, amputado encorvado y apoyado en muletas, quizás un veterano de guerra o un mendigo, que pasa junto a los escombros cercados que quedaron de las obras de construcción de la estación Saint-Lazare. 

Se puede observar como situado en el ángulo inferior derecho la pintura se encuentra firmada y fechada: "Manet / 1878".

Con respecto a la composición destacar que se conoce que la pintura fue pintada desde una ventana del piso superior del estudio del artista, ubicado en la calle de Saint-Pétersbourg, localizada en la ciudad de París (Francia).

También enfatizar que la sensibilidad del pintor y grabador francés Édouard Manet ante los costos y sacrificios asociados a las guerras atenuó su visión optimista del orgullo nacional y la prosperidad recién adquirida por Francia.

Para finalizar subrayar que la calle urbana fue un tema recurrente en la pintura impresionista y modernista, muchos artistas buscaban mostrar no solo la transformación y el crecimiento de la era industrial, sino también su impacto en la sociedad.

Además resaltar que la pintura La Calle Mosnier con Banderas fue realizada para la Exposición Universal de París, ocurrida entre el 1 de mayo al 10 de noviembre del año 1.878 d.C., cuyo tema era Agricultura, Artes e Industria.

Aparte cabe destacar que para conmemorar la reciente clausura de la Exposición Universal, una celebración de lujo y prosperidad, el gobierno francés declaró el 30 de junio del año 1.878 d.C. día festivo nacional.

Ésta festividad, llamada Fiesta de la Paz, también conmemoraba la recuperación de Francia tras la desastrosa guerra franco-prusiana (ocurrida entre los años 1.870 d.C. y 1.871 d.C.), y la sangrienta y divisiva Comuna de París que le siguió. 

Siendo dos años después la festividad fue instituida por la ley Raspail al 14 de julio y desde el 14 de julio del año 1.880 d.C. es el día de la Fiesta Nacional de Francia.

Actualmente se encuentra en el Museo J. Paul Getty, Estados Unidos de América.

Iluminación en Forma de Jarrón

La Iluminación en Forma de Jarrón es una iluminación datada aproximadamente en el siglo XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.700 d.C.), perteneciente al arte indio.

Iluminación en Forma de Jarrón

Lo primero que se conoce es que fue pintado por un iluminador indio afincado en la ciudad de Bijapur, durante el Sultanato de Decán, en India.

También es conocido que formó parte de la colección de arte del Mercado de Arte de Londres (Gran Bretaña).

En el año 1.980 d.C. la Iluminación en Forma de Jarrón fue comprada por el pintor, coleccionista e impresor británico Gordon Howard Eliot Hodgkin.

En el año 2.017 d.C. la iluminación pasó a formar parte de la colección de arte "Collection Trust", ubicada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

Hasta que en el año 2.022 d.C. la Iluminación en Forma de Jarrón fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

El marco tiene una altura de 33,5 cm, una anchura de 24,7 cm y un grosor de 1,5 cm, mientras que solo la imagen tiene una altura de 25,5 cm y una anchura de 16,8 cm. 

Está elaborado en tinta, acuarela opaca y oro sobre papel.

Se trata de un una iluminación de un libro que representa la figura de un jarrón florido y ornamentado sobre un fondo liso que resalta el objeto y la decoración.

La forma del jarrón se encuentra principalmente delineada por hojas de saz de bordes dentados, un sello distintivo del arte otomano del siglo XVI y XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.501 d.C. y 1.700 d.C.).

Se piensa que el género otomano de dibujos a tinta de saz ejecutados con pluma de caña e incorporando los contornos de las hojas de saz en formas curvas y quebradas, debió ser conocido por éste iluminador indio, quién logró con éxito muchos de los mismos efectos.

La línea engrosada en algunos trazos se relaciona con la técnica caligráfica de los dibujos de saz, al igual que el tratamiento de las hojas, que se entrelazan en una tensión rígida.

También destaca como el jarrón tiene flores de estilo turcomano y otras de estilo más convencional, como lotos y peonías.

Aparte en la base del jarrón, una hilera de rocas con algunas plantas que creen sobre ellas rinde un guiño respetuoso al realismo, del que ésta composición fantasiosa se aleja por lo demás elementos decorativos.

También se puede apreciar como sobre el borde inferior está escrita la siguiente inscripción: "gul-i hazar gulha" (flor de mil flores) y en la parte inferior izquierda se puede leer: 32, 30, y una fecha ilegible.

Con respecto a la composición resaltar que la figura del jarrón se encuentra enriquecida con color y oro, siendo el efecto superficial del reflejo de la opulencia.

Para finalizar subrayar que la opinión más aceptada por los historiadores es que la Iluminación en Forma de Jarrón podría haber formado la apertura o el final de un álbum de pinturas y caligrafía de Bijapur (India).

Bijapur (también conocida como Vijayapura) es una ciudad histórica en el estado de Karnataka, en la India.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Mango para Espantamoscas (Tahiri)

El Mango para Espantamoscas (Tahiri) es un mango datado aproximadamente en el siglo XVIII d.C. (período comprendido entre los años 1.701 d.C. y 1.800 d.C.), perteneciente al arte oceánico, en concreto al arte maorí.

Mango para Espantamoscas (Tahiri)

Se conoce que perteneció a la colección de arte del rey de Tahití Pomare II.

En el año 1.818 d.C. fue regalado al reverendo y misionero británico Thomas Haweis.

Después estuvo en posesión de "Maggs Bros., Ltd." ubicada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

En el año 1.958 d.C. el Mango para Espantamoscas (Tahiri) fue comprado por "Brooks Art Originals, Ltd.", localizada en el pueblo de New Canaan, situado en el estado de Connecticut (Estados Unidos de América).

En el año 1.965 d.C. el mango fue adquirido por el Museo de Arte Primitivo de Nueva York (Estados Unidos de América), un antiguo museo dedicado a las culturas indígenas de América, Oceanía, África, Europa y Asia.

Formando parte de su colección, hasta que en el año 1.978 d.C. pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene una altura de 29,8 cm, una anchura de 4,4 cm y un grosor de 3,8 cm. Está elaborado en marfil y fibra de cáscara de coco.

Se trata de un mango para espantamoscas elaboradamente tallado y construido íntegramente con secciones cortadas de marfil de ballena, unidas en tres puntos con secciones finamente trenzadas de cordón de fibra de coco.

Aunque en la actualidad le faltan varias secciones trenzadas de fibra de cáscara de coco que se habrían unido a su extremo inferior para extenderse hacia abajo en una cola o "espada".

Se puede observar como en un extremo en equilibrio sobre un amplio collar hay representada una distintiva figura arqueada hacia atrás que insinúa un espacio hueco o dosel desde el cual se extiende el tallo central de marfil en una serie de secciones caladas.

Resalta como el tallado en cada sección es diverso, desde secciones angulares con mínima intervención hasta secciones más complejas que incorporan figuras muy estilizadas que sostienen cada esquina.

Se observa como aquellas figuras con brazos y piernas extendidos dan paso a una serie de incisiones simples que indican rasgos faciales en figuras muy abstractas.

Pero lo más llamativo es la punta, en gran parte sin tallar, que permanece lisa, mientras que la serie final de detalles tallados se integra con la superficie cremosa del marfil.

También cabe destacar que se suele asumir que los matamoscas se utilizaban para ahuyentar las moscas de la comida ofrecida a los jefes en ocasiones rituales, una idea errónea reforzada y luego perpetuada por los primeros observadores misioneros que residieron desde el año 1.797 d.C. en Tahití.

Sin duda, los matamoscas eran importantes atavíos rituales reservados solo para la élite cacique, pero este enfoque en su probable función práctica eclipsa importantes aspectos cosmológicos que fueron un componente igualmente crucial de su elaboración. 

En cuanto a la composición destacar que codiciados por su rareza los dientes de ballena (conocidos como marfiles) eran particularmente apreciados.

Puesto que se consideraban que las ballenas eran la "ata" (sombra) o la encarnación del dios Ta'aroa (dios creador original de quien todos los demás derivaban).

Por lo tanto, los huesos y dientes de ballena no eran meramente simbólicos u ornamentales, sino reliquias imbuidas de la esencia y la potencia de Ta'aroa.

Fuertes y duraderos, eran considerados su "iho" (esencia) permanentes, siendo los huesos uno considerados como los huesos de todos, y de esta manera el Mango para Espantamoscas (Tahiri) funcionaba metonímicamente para indicar todo el linaje de los jefes y todos sus predecesores.

Por consiguiente los mangos para espantamoscas minuciosamente ahuecados a lo largo del mango, com éste ejemplo, se concibieron como una expresión visual, altamente abstracta de principios genealógicos fundamentales.

Para finalizar subrayar que se conoce que el Mango para Espantamoscas (Tahiri) perteneció a la familia real tahitiana.

A finales del siglo XVIII d.C., probablemente perteneció al jefe Tu-nui-e-a-i-te-atua, quién unificó en el año 1.791 d.C. Tahití y las islas vecinas bajo su dominio, adoptando el nombre de Pomare I.

Es más también se conoce que éste mango se encontraba entre un grupo de objetos enviados en el año 1.818 d.C. por su hijo y sucesor, Pomare II, un cristiano recién convertido, al misionero Thomas Haweis.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.