Maru-Sankaku-Shikaku (○△□)

El Maru-Sankaku-Shikaku (○△□), también conocido como 「○△□」（まるさんかくしかく）, es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.819 d.C. y 1.828 d.C., perteneciente al arte japonés.

Maru-Sankaku-Shikaku (○△□)

Fue pintada por el monje budista zen y pintor japonés de la secta Rinzai (escuela Kogetsu), Sengai Gibon (仙厓 義梵) (せんがい ぎぼん).

La pintura formó parte de la colección de arte del coleccionista de arte japonés y empresario Idemitsu Sazō (出光佐三).

En el año 1.966 d.C. la pintura pasó a formar parte de la colección de arte del Museo de Arte Idemitsu (Japón).

Ha sido exhibida en exposiciones en Europa y América, y entre las obras del autor, es una pintura que fue muy popular entre los visitantes.

Como curiosidad destacar que en la "Exposición Itinerante de Sengai" (仙厓巡回展), que recorrió el mundo a partir del año 1.961 d.C., la pintura Maru-Sankaku-Shikaku (○△□) se utilizó en la portada del folleto de algunas exposiciones.

Maru-Sankaku-Shikaku (○△□)

Descripción

Tiene una altura de 28,4 cm y una anchura de 48,1 cm. 

Está pintado en tinta sobre papel.

Se trata de una pintura zen montada como un pergamino colgante, en que sobre una hoja de papel, solo se dibujan con tinta las formas "○" maru (círculo), "△" sankaku (triángulo) y "□" shikaku (cuadrado), de derecha a izquierda.

Destaca como el "□" (cuadrado) se encuentra pintado con el color más claro, mientras que la tinta del "○" (círculo) de derecha es la más oscura.

En el borde izquierdo del papel se encuentran los caracteres "扶桑最初禅窟" Fusou Saisho Zenkutsu, un título histórico e inscripción tradicional otorgada al templo Shoufuku-ji, edificado en Hakata, donde Sengai (仙厓) fue sacerdote principal y que es considerado como el primer Templo Zen de Japón.

Así mismo se puede apreciar cómo también se encuentra presente la firma del artista: "Sengai" (仙厓).

Aparte cabe enfatizar que si bien las pinturas de Sengai (仙厓) suelen incluir inscripciones, consideradas importantes para su interpretación, la pintura Maru-Sankaku-Shikaku (○△□) no las tiene.

Compuesta únicamente por formas geométricas simples, se dice por los investigadores que es "única y representativa de la obra de Sengai (仙厓)", sin otros ejemplos comparables.

Sin embargo, debido a la falta de inscripción, también es descrita como la más difícil y misteriosa de sus pinturas.

Cabe enfatizar Maru-Sankaku-Shikaku (○△□)  es una obra "única en su género" dentro de la pintura zen japonesa y a pesar de su naturaleza enigmática, se considera importante por "proporcionar una clave para explorar la esencia del pensamiento de Sengai (仙厓)".

Debido a su complejidad, a pesar de su simplicidad, también se la considerada "una pintura abstracta del período Edo (江戸時代) que resuena con el arte conceptual moderno".

Para finalizar subrayar que existen numerosas interpretaciones de la obra Maru-Sankaku-Shikaku (○△□), entre las más destacas son:

- Una representación del universo mismo, se afirmó que el círculo representa el infinito, el triángulo el origen de todas las formas y el cuadrado dos triángulos superpuestos, y que "este proceso dual continúa infinitamente, dando lugar a innumerables fenómenos".

- Los Tres Misterios: en sus cartas el autor Sengai (仙厓) se refería a sí mismo como un "triángulo" porque aún no había alcanzado la iluminación y describía su aspiración a lograr la plena comprensión de los Tres Misterios como un círculo

Siendo según ésta interpretación la pintura Maru-Sankaku-Shikaku (○△□) es un intento de representar "el mundo supremo y grandioso a través del círculo".

- Los Cinco o Seis Grandes Elementos: El Sutra Mahavairocana describe los cinco grandes elementos: tierra, agua, fuego, viento y espacio. 

Los cinco grandes elementos se representan gráficamente como una pagoda de cinco anillos, que combina un anillo cuadrado de tierra (□), un anillo redondo de agua (○), un anillo triangular de fuego (△), un anillo semicircular de viento y un anillo espacial en forma de joyas, con las tres filas inferiores que contienen △, ○ y □ .

- Tres escuelas del budismo: En el Japón de principios de la Edad Moderna existía la creencia de que las tres escuelas del budismo (Zen, Shingon y Tendai) eran equivalentes, y algunos investigadores creen que ésta pintura representa esa idea, aunque no está del todo claro qué figura corresponde a cuál.

- La Unidad de las Tres Religiones (Budismo, Taoísmo y Cunfucionismo), la idea de la unidad de que las tres religiones tienen un origen común se originó en China e influyó en el budismo Zen japonés. Por lo tanto, algunos investigadores interpretan ésta pintura como un reflejo de dicha idea.

Actualmente se conserva en el Museo de Arte de Idemitsu, Japón.

Kesa de Siete Franjas

La Kesa de Siete Franjas, también conocida como Shichijō Kesa de Siete Franjas o 七条袈裟　紅地幸菱模様唐織, es una túnica budista datada datada aproximadamente en el siglo XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.700 d.C.), perteneciente al arte japonés. 

Kesa de Siete Franjas

Lo primero que se conoce es perteneció al japonés Shōjiro Nomura, oriundo de la prefectura de Kyoto (京都府), en Japón (日本).

En el año 1.915 d.C. la túnica budista fue adquirida por el coleccionista y crítico educativo estadounidense Porter Edward Sargent.

Pasando a formar parte de su colección de arte ubicada en la ciudad de Boston, en el estado de Massachusetts (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.919 d.C. el Kesa de Siete Franjas fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), pasando a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de arte asiático.

Descripción

Tiene una altura de 111,76 cm y una anchura de 213,36 cm. Está elaborado en seda de tejido de sarga con decoración de trama suplementaria.

Se trata de un kesa (túnica budista) de siete franjas, con un fondo carmesí y un motivo de rombos auspiciosos, tejida al estilo Tang (hace referencia a las técnicas de indumentaria tradicionales de la dinastía Tang, que incluyen el uso de seda, motivos orgánicos entrelazados, damascos y bordados).

En concreto es un shichijō kesa (七条袈裟), es decir, un manto rectangular de retazos elaborado cosiendo tiras de tela en siete columnas verticales, que simbolizan los principios de humildad y pobreza de Buda.

En éste caso ha sido elaborado a partir de fragmentos de un "karaori", una prenda utilizada en el teatro clásico Noh como túnica exterior para representar papeles de mujeres, jóvenes o cortesanos nobles.

Algunos investigadores piensan que lo más probable es que el "karaori" original hubiera sido una ofrenda religiosa.

Para finalizar subrayar que se conoce que en la antigua India, a los monjes que habían renunciado al mundo no se les permitía poseer bienes privados que pudieran considerarse riqueza, por lo que la vestimenta no era una excepción.

Como recordatorio de la sencilla prenda remendada del Buda, cosían retazos de tela, desechados y sin valor alguno, para confeccionar un kesa que se llevaba en diagonal sobre el pecho y el hombro izquierdo.

En Japón, la entrega de ésta vestidura al discípulo simboliza la transmisión del "dharma" (la enseñanza) y era llevado colocado sobre el hombro izquierdo y debajo del brazo derecho (henta uken), sujetándose con un pequeño cordón.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Espada de Médico

La Espada de Médico, también conocida como Espada de Salón de Té o Chatou (茶刀), es una espada datada aproximadamente en el siglo XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 1.900 d.C.), perteneciente al arte japonés. 

Espada de Médico

Lo primero que se conoce es que formó parte de la colección de arte del Dr. Frederick Malling Pedersen, ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.947 d.C., por herencia, la espada pasó a ser propiedad de su ahijado, Henry Shiro Iijima.

En el año 1.994 d.C. la Espada de Médico también pasó por herencia a formar parte de la colección de arte de Etsuko O. y John H. Morris Jr.

Desde el año 1.994 d.C. la espada forma parte, de manera temporal, de la colección de arte del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), habiendo sido la espada prometida para una futura donación. 

Espada de Médico

Descripción

Tiene una longitud de 45,7 cm, una anchura de 4,5 cm y un peso de 204,1 g. 

Esta elaborada en madera, nácar y seda.

Se trata de una pequeña espada o daga ceremonial japonesa que ha sido tallada en bulto redondo a partir de una sola pieza de madera.

Lo más llamativo es la decoración compuesta por una enérgica formada por figuras de dragones y animales entrelazados.

Asimismo se puede apreciar como en la empuñadura se encuentra firmada con el nombre en japonés de Yoshiteru.

Para finalizar subrayar que se conoce que los samuráis llevaban éste tipo de espadas en las casas de té como sustitutos de las espadas de metal conocidas como wakizashi (脇差), que no estaban permitidas en el interior.

De forma que podían utilizar estas espadas para defensa personal y sobretodo para mantener la dignidad o el estatus de un samurái.

Es más destacar que los médicos también las lucían en público. Siendo los ejemplares ornamentados, como la Espada de Médico, muy apreciados por los coleccionistas en Europa y América.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Deidad Sintoísta Femenina

La Deidad Sintoísta Femenina, también conocida como 女神立像, es una escultura datada aproximadamente entre los siglos XI d.C. y XII d.C. (período comprendido entre los años 1.001 d.C. y 1.200 d.C.), perteneciente al arte japonés.

Deidad Sintoísta Femenina

Deidad Sintoísta Femenina

En concreto fue elaborada durante el período Heian (平安時代), período de la historia japonesa comprendido entre los años 794 d.C. y 1.185 d.C.

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte del coleccionista japonés Fujiki Shōichi, localizada en la ciudad de Osaka (Japón).

En el año 1.943 d.C. la escultura fue adquirida por el coleccionista y pintor japonés Umehara Ryūzaburō (梅原 龍三郎), formando parte de su colección de arte ubicada en las ciudad de Kyoto y Tokyo (Japón).

El 21 de mayo del año 1.964 d.C. la Deidad Sintoísta Femenina  fue vendida por el marchante de arte japonés Hirota Hiroshi.

Siendo comprada por el coleccionista de arte y empresario lituano Sam Josefowitz, pasando a formar parte de su colección de arte ubicada en la ciudad de Lausana (Suiza).

Hasta que en el año 2.023 d.C. la Deidad Sintoísta Femenina fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), donde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de arte asiático.

Deidad Sintoísta Femenina

Deidad Sintoísta Femenina

Descripción

Tiene una altura de 97,8 cm, una anchura de 24,8 cm y una profundidad de 12,7 cm.

Se trata de una escultura de madera de bulto redondo o exento que representa la figura de una deidad sintoísta (kami), la deidada aparece representada como una dama de la corte china, con una vestimenta formal de manga larga que recuerda a las túnicas que usan las deidades budistas femeninas en las imágenes del reino celestial.

La figura de la mujer es alta, estilizada y de una abstracción sorprendente que evoca la verticalidad del árbol original del que fue esculpida.

Además destaca como las manos se encuentran unidas bajo las mangas largas de la túnica y el cabello largo está peinado con raya al medio y un doble moño.

Con respecto a la composición resaltar que solo con la llegada del budismo a Japón en el siglo VI d.C. (período comprendido entre los años 501 d.C. y 600 d.C.), los escultores japoneses comenzaron a representar a los kami en forma humana, a menudo con la indumentaria secular de la corte de Kyoto o con vestimenta aristocrática china, como es el caso de la Deidad Sintoísta Femenina.

Asimismo resaltar que un análisis científico reveló que la escultura fue tallada a partir de un único bloque de madera de magnolia, la parte inferior de la escultura muestra que debió provenir de un cuarto de tronco de unos 45 cm de diámetro y un metro de altura.

Aparte mediante el estudio posterior de imágenes fotográficas de alta resolución de la base, se conoce que el magnolio del que se talló tenía más de 180 años cuando se cortó para crear la escultura.

Por lo tanto se puede imaginar lo majestuoso e imponente que debió ser éste árbol y suponer que era venerado por albergar la presencia de un kami.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensa que la Deidad Sintoísta Femenina forma parte de un conjunto de al menos veintiuna figuras de madera, de las cuales al menos cinco permanecen en Japón, mientras que las demás esculturas ingresaron a colecciones occidentales a medidos del siglo XX d.C. y al menos trece de ellas se encuentran en museos y colecciones privadas estadounidenses.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Cimera Desmontable (Maidate)

La Cimera Desmontable (Maidate) es una cimera desmontable datada aproximadamente entre los siglos XVIII d.C. y XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.701 d.C. y 1.900 d.C.), perteneciente al arte japonés.

Cimera Desmontable (Maidate)

Lo primero que se dice es que fue adquirido de Kishimoto en Japón por el ingeniero metalúrgico y coleccionista de arte estadounidense George Cameron Stone.

Pasando a formar parte de su colección de arte ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Después de su muerte ocurrida el 18 de noviembre del año 1.935 d.C. legó su colección de armas y armaduras, incluida la Cimera Desmontable (Maidate), al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene un diámetro de 20, 3 cm y un peso de 35 g. Está elaborado en madera, oro, laca y textil.

Se trata de una cimera, cresta o adorno frontal, también conocido como maidate, con forma de una banda circular que era utilizado en Japón para ornamentar los cascos samurais conocidos como kabuto.

Sobretodo se puede apreciar como se encuentra ornamentada con una inscripción en japonés, con decoración calada dentro del circulo, en la que se puede leer: Hachiman Daibosatsu (el Dios de la Guerra).

Cabe destacar que la cimera comparte un tema sagrado común: la invocación del dios de la guerra Hachiman a través de la exhibición de los caracteres que representan su nombre.

Se conoce que Hachiman, una de las deidades sintoístas (kami), fue uno de los primeros dioses indígenas asimilados al panteón budista en Japón, siendo a finales del siglo VIII cuando se le otorgó oficialmente el título budista de Daibosatsu (Gran Bodhisattva). 

Fue identificado como el espíritu deificado del legendario emperador Ōjin (270 d.C. - 310 d.C.) y como el patrón particular del clan Minamoto (源), fundadores del primer shogunato.

Además los investigadores creen que ambos factores pueden haber contribuido al desarrollo de su estatus como dios de la guerra.

Hachiman era considerado el protector del estado en tiempos de conflicto y era venerado como protector personal por samurais individuales de todos los rangos.

Se construyeron templos dedicados a Hachiman en todo Japón, donde se le venera tanto en ritos budistas como sintoístas.

Por lo tanto las delicadas letras que dividen el centro de la Cimera Desmontable (Maidate) dan el título honorífico al dios, Hachiman Daibosatsu (八幡大菩薩).

En cuanto a la funcionalidad destacar que la cimera era una pieza ornamental que mejoraba el simbolismo del casco y la máscara facial al que estuviera unida.

Es más el simbolismo que transmiten un casco y una máscara facial representativos podía realzarse mediante el uso de una cimera desmontable, generalmente montada en la parte frontal del casco justo por encima del ala.

Para finalizar subrayar que la Cimera Desmontable (Maidate) fue expuesta desde el 10 de diciembre del año 1.996 d.C. hasta diciembre del año 1.997 d.C. en la exposición "The Gods of War: Sacred Imagery and the Decoration of Arms and Armor" ("Los dioses de la guerra: imágenes sagradas y la decoración de armas y armaduras"), ocurrida en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Atuendo para la Peregrinación a Yoshinoyama

El Atuendo para la Peregrinación a Yoshinoyama, también conocido como 吉野山巡礼お遍路着, es una chaqueta datada aproximadamente entre los siglos XIX d.C. y XX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 2.000 d.C.), perteneciente al arte japonés.

Atuendo para la Peregrinación a Yoshinoyama

Atuendo para la
Peregrinación a Yoshinoyama

En concreto fue elaborado entre finales del período Meiji (明治時代) (período de la historia japonesa comprendido entre los años 1.868 d.C. y 1.912 d.C.) y principios del período Taishō (大正時代) (período comprendido entre los años 1.912 d.C. y 1.926 d.C.).

Se conoce que estuvo en posesión de "Textile Arts Inc.", ubicado en la ciudad de Santa Fe, en el estado de Nuevo México (Estados Unidos de América).

En marzo del año 1.998 d.C. fue comprado por la autora y coleccionista de arte Julia Meech.

Hasta que en el año 2.018 d.C. el Atuendo para la Peregrinación a Yoshinoyama fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del arte asiático.

Descripción

Tiene una altura de 101,6 cm y una anchura de 123,5 cm. Está elaborado en dibujo a tinta y estampado sobre fibra de líber (material textil natural, fino y flexible, obtenido del floema o corteza interna del tallo de plantas dicotiledóneas).

Se trata de un atuendo, una chaqueta de peregrino de Yoshino (Ohenro-gi) con un texto dibujado del Sutra del Corazón y sellos estampados de peregrinación de Yoshino (zona montañosa ubicada en la prefectura de Nara, en Japón).

La mayoría de los aproximadamente 300 circuitos de peregrinación de Japón incluyen teinta y tres u ocho lugares sagrados (números auspiciosos en el budismo) y el peregrino suele visitarlos en un orden establecido.

Cabe destacar que éstos viajes suelen ser físicamente arduos y pueden requerir varias semanas para completarse.

Al llegar a un lugar sagrado, los peregrinos recitan un canto o sutra budista, y luego pueden recibir el sello de cinabrio del templo y una inscripción en un folleto o en su chaqueta para documentar la visita.

Además destacar que los sellos que recibió la persona que llevaba el Atuendo para la Peregrinación a Yoshinoyama dan testimonio de su viaje a los lugares alrededor del monte Yoshino y representan a varias deidades importantes para este lugar sagrado, incluidas Zaō Gongen (蔵王権現) (es la deidad principal y guardián del Shugendō) y Fudō Myōō (不動明王) (deidad guardiana fundamental en el budismo esotérico japonés).

Para finalizar subrayar que el Atuendo para la Peregrinación a Yoshinoyama fue expuesto del 16 de marzo del año 2.009 d.C. al 20 de junio del año 2.010 d.C. en la "New York. Asia Society.", en la exposición "Pilgrimage and Buddhist Art" ("Peregrinación y arte budista").

También fue expuesto desde el 8 de abril del año 2.023 d.C. al 14 de julio del año 2.024 d.C. en la exposición "Anxiety and Hope in Japanese Art" ("Ansiedad y esperanza en el arte japonés"), ocurrida en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Hoja para una Katana

La Hoja para una Katana es una hoja para espada datada aproximadamente en el siglo XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.700 d.C.), perteneciente al arte japonés.

Hoja para una Katana

Hoja para una Katana

Lo primero que se conoce es que se encontraba en la colección de arte del coleccionista estadounidense Dr. Frederick Malling Pedersen.

En el año 1.947 d.C. por herencia la Hoja para una Katana pasó a ser propiedad de su ahijado, Henry Shiro Iijima.

En el año 1.994 d.C. por herencia pasó a formar parte de la colección de arte "Collection of Etsuko and John Morris" ("Colección de Etsuko y John Morris"), propiedad de los coleccionistas Etsuko O. y John H. Morris Jr., ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 2.007 d.C. la Hoja para una Katana fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de armas y armaduras.

Descripción

La hoja tiene una longitud total de 104,2 cm. La longitud del filo es de 80,8 cm y el diámetro de la curvatura es de 1,4 cm.

Se trata de una hoja curva de un solo filo para una katana (espada japonesa tradicional) larga y ancha que emula a las espadas largas fabricadas en Japón en el siglo XIV d.C. (período comprendido entre los años 1.301 d.C. y 1.400 d.C.).

Se puede observar como inscrito en la espiga de la hoja, conocida como nakago (中子) (es decir, la parte metálica alargada que se extiende desde la hoja hacia la parte interior del mango), se encuentra la siguiente inscripción en idioma japonés:

"肥前国伊予掾源宗次"

Cuya traducción aproximada es la siguiente:

"Provincia de Hizen, Iyonojō Munetsugu"

Por lo tanto gracias a la inscripción se conoce que la hoja fue elaborada por el espadero japonés Iyonojō Munetsugu, de la provincia de Hizen (en la actualidad ubicada en la prefectura de Saga, en Japón).

Para finalizar subrayar que la Hoja para una Katana fue expuesta desde el 25 de enero del año 2.018 d.C. al 6 de enero del año 2.019 d.C. en la exposición "Japanese Arms and Armor from the Collection of Etsuko and John Morris" ("Armas y armaduras japonesas de la colección de Etsuko y John Morris"), ocurrida en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Modelos de Origami (Origata tehon)

Los Modelos de Origami (Origata tehon), también conocido como 折形手本, son un conjunto de origamis datados en el año 1.697 d.C., perteneciente al arte japonés.

Modelos de Origami (Origata tehon)

Modelos de Origami (Origata tehon)

En concreto fueron realizados durante el período Edo (江戸時代) (período de la historia japonesa comprendido entre los años 1.615 d.C. y 1.868 d.C.).

Lo primero que se conoce es que formó parte de la colección de arte de "Jonathan A. Hill, Bookseller, Inc.", ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 2.013 d.C. los Modelos de Origami (Origata tehon) fueron vendidos al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasaron a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de arte asiático.

Modelos de Origami (Origata tehon)

Modelos de Origami (Origata tehon)

Descripción

El álbum presenta una altura total de 21,5 cm, una anchura de 14,5 cm y un grosor de 1,5 cm.

El envoltorio de papel tiene una altura de 43,8 cm y una anchura de 22,5 cm.

Están realizados en papel japonés y tinta.

Se trata de un álbum de recortes que incluyen varios ejemplos sueltos de artículos de caligrafía fechados en el tercer mes del año 1.607 d.C..

Según las inscripciones, éste conjunto de modelos sirvió como iniciación en el arte del origata para Kikuchi Fujiwara no Takehide por parte de un maestro de la escuela Ogasawara.

El álbum y los ejemplos son varias décadas anteriores a los manuales de envoltura impresos en madera y sirven como una evidencia física importante de la tradición del plegado de papel.

Además destacar que desde la antigüedad en Japón el papel decorativo para envolver formaba parte de los rituales formales de intercambio de regalos.

Siendo el conocimiento del arte del plegado de papel (origata) una habilidad esencial para aristócratas y guerreros de alto rango.

También es conocido que los orígenes del origata se remontan al período Heian (平安時代) (período de la historia de Japón comprendido entre los años 794 d.C. y 1.185 d.C.), cuando se desarrollaron diversos estilos de envoltorio, incluyendo el de poesía, dinero y abanicos.

Con el tiempo, se formaron varias escuelas de envoltorio de papel, entre ellas, la más destacada, la escuela Ogasawara.

Es más enfatizar que las técnicas se enseñaban exclusivamente por transmisión oral y para el período Edo (江戸時代) (período de la historia japonesa comprendido entre los años 1.615 d.C. y 1.868 d.C.) el origata se popularizó incluso entre la gente común.

Aparte resaltar que el origami (折形紙), el arte del plegado de papel tan popular hoy en día, evolucionó del origata.

Para finalizar subrayar que los Modelos de Origami (Origata tehon) fueron expuestos desde el 17 de agosto del año 2.013 d.C. al 12 de enero del año 2.014 d.C. en la exposición "Brush Writing in the Arts of Japan" ("Escritura con pincel en las artes de Japón"), ocurrida en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

"Lady Bloom"

"Lady Bloom" es un calzado datado en el año 2.013 d.C., perteneciente al arte japonés.

"Lady Bloom"

"Lady Bloom"

Ha sido realizado por el diseñador de zapatos Tatehana Noritaka (舘鼻 則孝).

En el año 2.014 d.C., el calzado "Lady Bloom" fue adquirido a través del Fondo de Dotación Alfred Z. Soloman-Janet A. Sloane por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección dentro del departamento del Instituto del Traje.

"Lady Bloom"

"Lady Bloom"

Descripción

Se trata un calzado artesanal fabricado en cuero y metal, ornamentado con patrones vegetales estilizados en tonos dorados que resaltan sobre un fondo rojo.

El calzado con formas que evocan a las getas (下駄) japonesas tradicionales, sandalias de madera con alzas planas y en particular las versiones altas y lacadas que usaban las oiran (花魁), es decir las cortesanas japonesas del alto rango durante el período Edo (江戸時代). 

Sobretodo llama la atención como el arco exagerado de los zapatos "sin tacón" también imita el perfil de un zapato occidental de tacón alto.

Además el calzado con alzas ha servido durante mucho tiempo como indicador de estatus e identidad en muchas culturales. 

Es más resaltar por ejemplo que las altas chopines (zapatos de plataforma alta) de la Italia Renacentista, representaban el estatus de la mujer como noble o cortesana.

Aparte al igual que sus precedentes históricos los zapatos "Lady Bloom" alteran necesariamente la forma de andar de quién los usa, desplazando precariamente el equilibrio hacia adelante.

Se puede apreciar como en la parte interior del tobillo hay estampado "Noritaka Tatehana/ Hecho en Japón 2013 d. C.".

También está estampado en la parte inferior del tobillo: "Noritaka Tatehana Atelier Tokio/ Noritaka Tatehana/ Sala 211 Palais Royal/ 5-4-6 Minami Aoyama/ Minato-Ku Tokio, 1070062 JPN".

Para finalizar subrayar que "Lady Bloom" fue expuesto desde el 18 de noviembre del año 2.016 d.C. al 5 de febrero del año 2.017 d.C. en la exposición "Masterworks: Unpacking Fashion" (Obras maestras: Desempacando la moda), ocurrida en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Shitennō (Jikokuten, Zochoten, Tamonten, Komokuten)

Shitennō (Jikokuten, Zochoten, Tamonten, Komokuten) es una obra datada en el año 2.006 d.C., perteneciente al arte japonés.

Shitennō (Jikokuten, Zochoten, Tamonten, Komokuten)

Shitennō
(Jikokuten, Zochoten, Tamonten, Komokuten)

Fue realizada por el artista japonés Yamaguchi Akira (山口晃).

En el año 2.006 d.C. la obra fue vendida a través de la Galería de Arte Mizuma, ubicada en la ciudad de Tokyo (Japón), a un coleccionista privado afincado en la ciudad de Tokyo (Japón).

El 29 de mayo del año 2.010 d.C. fue vendida, con el número 1034, por la casa de subastas Christie's de Hong Kong, siendo comprada por el empresario y coleccionista de arte chino Hallam Chow, pasando a formar parte de su colección de arte ubicada en la ciudad de Pekín (China).

Hasta que en el año 2.023 d.C. el Shitennō (Jikokuten, Zochoten, Tamonten, Komokuten) fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de arte moderno y contemporáneo.

Shitennō (Jikokuten, Zochoten, Tamonten, Komokuten)

Shitennō
(Jikokuten, Zochoten, Tamonten, Komokuten)

Descripción

Cada tabla tiene una altura de 193,7 cm y una anchura de 97,2 cm. Está realizada en óleo, acuarela y tinta sobre lienzo, montado sobre tabla de madera e instalado sobre bastidores de madera.

Se trata de un conjunto de pinturas instaladas sobre bastidores de madera que representan versiones contemporáneas de los Cuatro Reyes Celestiales del budismo.

Los Cuatro Reyes Divinos son las deidades protectoras que vigilan los cuatro puntos cardinales, por lo que cada figura corresponde al guardián de un punto cardinal y a una de las cuatro estaciones.

Sobretodo destacan las formas de tamaño natural, erguidas sobre demonios derrotados, haciendo referencia directa a las representaciones del siglo VIII d.C. (período comprendido entre los años 701 d.C. y 800 d.C.), que se encuentran en el templo Todaiji Kaidan (東大寺), edificado en la ciudad de Nara (奈良市), en Japón (日本).

Jikokuten (Este, primavera), Komokuten (Oeste, otoño) y Zochoten (Sur, verano) están dibujados con contornos meticulosos y patrones y colores detallados, mientras que Tamonten (Norte, invierno) se representa solo con contornos, a excepción del rostro y las manos.

Además todas las figuras se encuentran adornadas con los atributos propios de cada deidad. Es más destacar como el artista subvierte la identidad masculina tradicional de los guardianes al utilizar rostros de mujeres contemporáneas (reales e imaginarias) y reinterpreta su iconografía actualizando la armadura y los accesorios, los gestos y las posturas, así como los adornos y patrones típicamente asociados a lo femenino.

Con respecto a la composición destacar que si bien el estilo figurativo evoca las técnicas de pintura tradicional japonesa, la fusión de óleo, acuarela y sumi-e (técnica de dibujo monocromático) crean una sensación de etereidad y movimiento que rompe la barrera disciplinaria entre la pintura japonesa y la occidental.

También cabe resaltar que las pinturas instaladas sobre pedestales de madera permiten diversas configuraciones, aparte éstos guardianes hacen referencia a la función ceremonial de las estatuas budistas y subrayan la misión del artista de actualizar la tradición a través de matices personales.

Para finalizar subrayar que los derechos y reproducción de la obra Shitennō (Jikokuten, Zochoten, Tamonten, Komokuten) corresponde a © Yamaguchi Akira (山口晃), cortesía de la Galería de Arte Mizuma.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Mujer Joven Montando una Carpa

Mujer Joven Montando una Carpa, también conocida como 鈴木春信 画　仙人図, es una xilografía datada aproximadamente entre los años 1.769 d.C. y 1.770 d.C., perteneciente al arte japonés.

Mujer Joven Montado una Carpa

En concreto está datada en el período Edo (江戸時代) (período de la historia japonesa comprendido entre el 24 de marzo del año 1.603 d.C. y el 3 de mayo del año 1.868 d.C.).

La xilografía fue realizada por el pintor y grabador japonés Suzuki Haruno (鈴木春信) (también conocido como Hozomi Harunobu).

Se conoce que perteneció a la colección de arte de la coleccionista, sufragista y filántropa estadounidense Louisine Waldron Grande Havemeyer.

Ubicada en la ciudad de Nueva York, situada en el extremo sur del estado de Nueva York, en la costa este de los Estados Unidos de América.

Hasta que en el año 1.929 d.C. Mujer Joven Montando una Carpa fue legada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar de su colección de arte, dentro del departamento de arte asiático.

Mujer Joven Montado una Carpa

Descripción

Tiene una altura de 26,5 cm y una anchura de 20,2 cm. 

Está realizada mediante impresión en madera, tinta y color sobre papel.

Se trata de una xilografía en la que aparece representa la figura de una cortesana leyendo una carta a lomos de una voluminosa carpa negra con las escamas doradas que emerge entre las olas de agua. 

La cabeza de la mujer se encuentra inclinada hacia delante, con la mirada fija en la carta. Además en el rostro destacan las cejas finas, los ojos rasgados, la nariz recta y la boca pequeña.

El largo cabello negro se encuentra peinado con el estilo de peinado tradicional nihongami, es decir, está peinado hacia atrás y recogido en un nudo o rodete en la parte superior a la cabeza, con "alas" en los lados y sujeto con dos kazashi dorados (ornamentos para el cabello).

Además está ataviada con un juban de color blanco, sobre el que lleva un kimono rojo ornamentado en las mangas con un estampado y ceñido a la cintura por un obi ancho ricamente decorado y anudado en el frente.

También se puede apreciar como en el lateral derecho, situado encima del agua, se puede leer la firma del autor:

" 春信画 " = "Harunobu ga"

Para finalizar subrayar que la Mujer Joven Montando una Carpa es una mitate-e (見立絵), es decir es una imagen paródica del inmortal chino Qin Gao (琴高), experto en el koto y el arte de la inmortalidad, quién sorprendió al aparecer del agua sobre una carpa para capturar a un dragón de río. 

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Deidades Sintoístas Masculina y Femenina

Las Deidades Sintoístas Masculina y Femenina, también conocidas como 男神坐像・女神坐像, son un par de esculturas datadas aproximadamente en el siglo X d.C. (período comprendido entre los años 901 d.C. y 1.000 d.C.), perteneciente al arte japonés.

Deidades Sintoístas Masculina y Femenina

Deidades Sintoístas Masculina y Femenina

Deidades Sintoístas Masculina y Femenina

En concreto fueron esculpidas durante el período Heian (平安時代) (período comprendido entre los años 794 d.C. y 1.185 d.C.).

Lo primero que se conoce es que pertenecieron a la colección de arte de la coleccionista de arte estadounidense Mary Griggs Burke.

Cabe destacar que durante aproximadamente cincuenta años la coleccionista de arte Mary Griggs Burke adquirió la mayor colección privada de arte japonés fuera de Japón.

Ambas esculturas formaron parte de su colección hasta que en el año 2.015 d.C. las Deidades Sintoístas Masculina y Femenina fueron donadas al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasaron a formar parte de su colección de arte.

Deidades Sintoístas Masculina y Femenina

Deidades Sintoístas Masculina y Femenina

Deidades Sintoístas Masculina y Femenina

Deidades Sintoístas Masculinas y Femeninas

Deidades Sintoístas Masculina y Femenina

Descripción

Tiene una altura de 52,4 cm. 

Están esculpidas en madera de ciprés japonés con rastros de policromía, mediante la técnica ichiboku zukuri.

Se tratan de un par de esculturas de bulto redondo o exenta que representan a una pareja (hombre y mujer) de deidades sintoístas con forma humana, ataviadas con trajes cortesanos del período Heian (平安時代) y sentados como Buda, con las piernas dobladas.

El dios lleva un tocado alto y sostiene un cetro, mientras que la diosa, con el cabello recogido en un moño alto, apoya la mano derecha sobre la rodilla derecha y aunque su mano izquierda se ha perdido, se piensa que originalmente podría haber sostenido un objeto.

También destacan los rostros cuadrados, los hombros anchos, los cuerpos robustos y corpulentos en forma de bloque y los pliegues profundos de las túnicas profundamente tallados que dan como resultado una representación estilizada de la escultura budista.

Llama la atención como el cuerpo macizo y cuadrado de la diosa se encuentra cubierto por una túnica con pliegues sencillos pero profundos, dispuestos sobre el antebrazo de forma que recuerda a honpa (que significa en japonés "olas ondulantes" y se refiere a un estilo distintivo de pliegues de tela en la escultura budista y sintoísta del período Heian (平安時代)).

Con respecto a la composición resaltar que éstas pequeñas pero dignas deidades, con la apariencia de nobles de la corte, son ejemplos tempranos de la antropomorfización de los dioses sintoístas.

La representación visual sintoístas de los kami (espíritus) se inspiró en la imaginería de las familias aristocráticas japonesas que recibieron reconocimiento oficial de la corte en el siglo IX d.C. (período comprendido entre los años 801 d.C. y 900 d.C.) como recompensa por sus contribuciones políticas y culturales.

Aparte de que las esculturas fueron talladas en madera de ciprés japonés, probablemente de árboles antiguos venerados como moradas de los kami (espíritus).

En cuanto al estado de conservación resaltar que se pueden apreciar profundas grietas en el rostro y en el cuerpo de la diosa, lo que da la falsa impresión de que se encuentra esculpida en varias piezas de madera.

Además ambas esculturas han sufrido daños por insectos y el pigmento que originalmente cubría los cuerpos y las túnicas se ha desprendido.

Para finalizar subrayar que las Deidades Sintoístas Masculina y Femenina originalmente formaban parte de un grupo mayor de cinco esculturas (dos masculinas y tres femeninas).

Que, según se dice, fueron extraídas del santuario sintoístas de Usa Hachimangū (宇佐八幡宮), ubicado en el norte de la isla de Kyūshū (九州), en Japón (日本).

Otra pareja, masculina y femenina, se encuentra actualmente en la colección del Museo de Arte de Cleveland (Estados Unidos de América).

Mientras que una tercera escultura femenina se encuentra en el Museo Yamato Bunkakan de la ciudad de Nara (奈良市), en Japón (日本).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Kosode con Flores y Tela de Seda Roja

El Kosode con Flores y Tela de Seda Roja, también conocido como Kosode con Medallones Florales o 紅綸子地酢漿草の丸紋模様小袖, es un kosode (小袖) datado aproximadamente entre los años 1.670 d.C. y 1.679 d.C., perteneciente al arte japonés.

Kosode con Flores y Tela de Seda Roja

Kosode con Flores y Tela de Seda Roja

Lo primero que se conoce es que el kosode perteneció a la colección de la familia Tabata ("Tabata Family Collection"), ubicada en la ciudad de Kyoto (京都市), en Japón (日本).

En el año 2.018 d.C. fue comprado por la galería de arte "Koji Yanagi Oriental Fine Arts", situada en la ciudad de Kyoto (京都市), localizada en la prefectura de Kyoto (京都府), en Japón (日本).

Hasta que en el año 2.023 d.C. el Kosode con Flores y Tela de Seda Roja fue vendido al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Kosode con Flores y Tela de Seda Roja

Descripción

Tiene una altura de 157,5 cm y una anchura de 138,4 cm. Está realizado en seda satinada con teñido anudado, bordado de seda e hilo dorado.

Se trata de un kosode (小袖), es decir, un tipo de prenda de vestir japonesa con magas cortas y que es el precursor directo del kimono (着物) moderno, además resaltar que el nombre en japonés significa literalmente "mangas pequeñas".

El diseño del kosode (小袖) consiste en una disposición asimétrica de grandes redondeles florales de los cuales solo uno se muestra completo.

Cada redondel consiste en una gran katabami (emblema familiar (kamon - 家紋)), símbolo de abundancia y riqueza, con una hoja similar al trébol.

Se puede apreciar como cada hoja se encuentra representada con un refinado teñido anudado conocido como kanoko shibori (京鹿の子絞).

Aparte el motivo central está rodeado por un anillo negro, relleno de pequeñas hojas de acedera que han sido realizadas con bordados de seda de diversos colores y con hilos dorados.

Llama la atención como uno de los redondeles que resalta el hombro izquierdo, otro la parte baja de la espalda y el tercero está representado en la solapa delantera izquierda.

Un redondel muy parcial en la abertura de la manga derecha es una forma sofisticada de acentuar los movimientos de la mano derecha.

Aunque hay que enfatizar que si bien la composición de la túnica parece simple, está muy bien diseñada y se ajusta a los movimientos de quien la lleva.

También destacar que el Kosode con Flores y Tela de Seda Roja fue ajustado y remendado varias veces a lo largo de sus 350 años de historia y uno de los cambios más importantes fue el acortamiento de sus largas y ondulantes mangas furisode (振袖), características de las túnicas wakashu.

Para finalizar subrayar que alrededor de la década de 1.660 d.C. los diseños excéntricos y las tendencias de moda eran populares entre la juventud rebelde, durante ésta época aparecieron elaborados patrones para el kosode femenino (una túnica con pequeñas aberturas en las mangas, precursora del kimono moderno).

Cabe destacar que éstas prendas se conocieron como kanbun kosode (寛文小袖) tras su auge entre los años 1.661 d.C. y 1.673 d.C., caracterizándose por sus colores vibrantes y sus grandes patrones asimétricos concentrados en la espalda y generalmente dispuestos en una composición dinámica que fluye desde un hombro hasta el dobladillo.

Se conoce que los kosode (小袖) más atrevidos y llamativos eran usados por hombres adolescentes conocidos como wakashu (若衆) (palabra utilizada durante el período Edo (江戸時代) en Japón para referirse a hombres jóvenes que habían alcanzado la pubertad, pero aún no habían alcanzado la madurez sexual y eran elegibles para tener relaciones sexuales tanto con hombres como con mujeres).

Además resaltar que el kabun kosode (寛文小袖) presenta un punto de inflexión significativo en la moda japonesa: el desarrollo de diseños atrevidos y asimétricos concentrados en la espalda de la prenda, las amplias curvas y los nuevos patrones transformaron el mundo del kosode (小袖) y dieron paso a la decoración integral de la prenda y a composiciones unificadas y dinámicas.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

O-Daiko

El O-Daiko es un tambor datado en el año 1.873 d.C., perteneciente al arte japonés.

O-Daiko

O-Daiko

Fue elaborado por el artista japonés Hayashi Kodenji (林小伝治).

El tambor fue adquirido por la escritora estadounidense, coleccionista y comisaria de instrumentos musicales Mary Elizabeth Adams Brown.

Pasando a formar parte de su colección de arte "The Crosby Brown Collection of Musical Instruments", ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que su colección de arte fue adquirida en el año 1.889 d.C. por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene una altura total de 158 cm y un diámetro del tambor de 55,9 cm, la altura del tambor es de 48,3 cm, la altura del soporte es de 73,7 cm, la longitud del tambor es de 53 cm y el diámetro de los parches es de 43 cm.

Está elaborado en madera, metal, cloisonné, cuero, seda y relleno.

Se trata de un tipo de tambor gigante japonés, denominado o-daiko (literalmente "Gran Tambor") elaborado con un tronco ahuecado y dos parches clavados en el cuerpo.

Sobretodo destaca por su ornamentación excepcional, con su base y cuerpo de cloisonné, que fue fabricado por encargo del gobierno japonés para la "Exposición de Viena de 1.873 d.C." (se construyó la Rotunde de Viena, una estructura de cúpula más grande del mundo en ese momento, dónde se exhibieron obras de arte y artes decorativas de todo el mundo), la primera en la que Japón participó formalmente como nación.

También cabe destacar como las pieles de vaca del tambor, usadas para elaborar los parches se encuentran ornamentadas con la figura de dragones lacados, nunca se usaron.

Además los parches de pieles están fijados con aros de metal y cuerdas al cuerpo abarrilado del tambor, que ha sido elaborado con un tronco ahuecado y ornamentado en su superficie exterior por un patrón vegetal que destaca sobre un fondo verde esmeralda y dos argollas en los laterales.

Se puede apreciar como el tambor descansa sobre una base de madera totalmente ornamentada con diferentes diseños, entre los que destacan escenas referentes a la primavera japonesa: con la figura de hombres ataviados con kimonos sobre un puente y dirigiendo su atención a las carpas koi que hay en la superficie del río, mientras que en la parte superior hay un árbol florecido con flores rosas.

Aparte destacan otros paneles decorados con diferentes patrones de flores sobre un fondo azul, así como los paneles ornamentados con la figuras de carpas emergiendo de las olas y flores de lirios morados sobre un fondo blanco.

Para finalizar subrayar que el tambor simboliza la paz, como lo indica la figura de un gallo erguido colocado en la parte superior.

Asimismo enfatizar que una antigua leyenda japonesa cuenta que un tambor colocado en la puerta de un pueblo servía para dar la alarma durante un ataque.

Pero con el paso de los años, el tambor dejó de utilizarse, por lo que gallos y gallinas comenzaron a vivir en él, siendo ésta imagen la que se convirtió en un emblema de paz y bienestar.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Kesa de Nueve Paneles con Crisantemos y Flores Estilizadas

El Kesa de Nueve Paneles con Crisantemos y Flores Estilizadas, también conocido como 九条袈裟　菊唐花文様, es un kesa datado aproximadamente en el siglo XVIII d.C. (período comprendido entre los años 1.701 d.C. y 1.800 d.C.), perteneciente al arte japonés.

Kesa de Nueve Paneles con Crisantemos y Flores Estilizadas

En concreto fue elaborado durante el período Edo (江戸時代), período de la historia japonesa comprendido entre los años 1.603 d.C. y 1.868 d.C..

Lo primero que se conoce es que estaba en posesión de la galería de arte "Gail Martin Gallery", ubicada en la ciudad de Nuevo York (Estados Unidos de América).

En marzo del año 1.998 d.C. el Kesa de Nueve Paneles con Crisantemos y Flores Estilizadas fue comprado por el coleccionista John C. Weber, pasando a formar parte de la colección de arte "John C. Weber Collection", localizada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene una altura de 113,7 cm y una anchura de 182,2 cm. 

Se trata de un kesa (袈裟), es decir, es la vestimenta exterior con forma rectangular que tradicionalmente era utilizada por los monjes budistas.

Destacar que ha sido confeccionada con retazos de seda de sarga con una trama suplementaria de hilos de seda y oro. 

Se puede apreciar como la ornamentación está compuesta por un total de nueve paneles rectangulares decorados con crisantemos y flores estilizadas.

Además cabe resaltar que el kesa (袈裟) es un elemento importante en la cultura budista japonesa, tanto por su significado religioso como por su papel en la estética de la ropa y las artes.

La larga tradición japonesa de reutilizar y conservar fragmentos de tela de ropa usada, a menudo donadas por miembros de la comunidad, tiene sus raíces en el budismo y refleja la renuncia de Buda a la riqueza y al despilfarro.

Para finalizar subrayar que el Kesa de Nueve Paneles con Crisantemos y Flores Estilizadas fue prestado desde el 4 de junio del año 2.022 d.C. al 20 de febrero del año 2.023 d.C. al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América) para ser expuesto en la exposición "Kimono Style: The John C. Weber Collection" (Estilos de Kimonos: Colección John C. Weber).

Actualmente se encuentra en posesión de un coleccionista privado.

7 O’Clock NY

El 7 O’Clock NY es un objeto datado en el año 2.000 d.C., perteneciente al arte japonés.

7 O’Clock NY 

7 O’Clock NY 

7 O’Clock NY 

Fue elaborado por el profesor, escultor y artista japonés Nakagawa Mamoru (中川衛).

En el año 2.020 d.C. el 7 O’Clock NY fue donado por Hayashi Kaoru al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), en conmemoración del 150 aniversario del museo.

7 O’Clock NY

Descripción

Tiene una altura de 35,2 cm, una anchura de 15,6 cm y un diámetro de 8,9 cm. 

Está fabricado en aleación fundida de cobre, plata y estaño con incrustaciones de cobre, oro y plata.

Se trata de un objeto con forma oblonga, cuya forma está inspirada en los rascacielos y las luces de la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

El anverso representa el paisaje urbano a las 7 de la mañana (7 a.m.), mientras que el reverso muestra la misma vista pero a las 7 de la tarde (7 p.m.).

También llama la atención como la parte superior presenta un borde ondulado simétrico, mientras que la parte inferior de la base presenta en color dorado el sello del artista.

Aparte resaltar que el 7 O’Clock NY fue expuesto del 8 de marzo del año 2.021 d.C. al 24 de abril del año 2.022 d.C. en la exposición "Japan: A History of Style" (Japón: Una historia del estilo), ocurrida en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Con respecto a la composición destacar como el objeto ha sido creado utilizando numerosos tipos de metal y aleaciones para crear una superficie vibrante y dinámica mediante segmentos cortados e incrustados con precisión.

Para finalizar subrayar que todos los derechos de reprodución del 7 O’Clock NY son de © Nakagawa Mamoru.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Ema con Imagen de Peonía y León Chino

La Ema con Imagen de Peonía y León Chino, también conocida como 牡丹に唐獅子図絵馬　「奉掛絵馬慶 安二年三月廿五日」, es una ema datada en el año 1.167 d.C., perteneciente al arte japonés.

Ema con Imagen de Peonía y León Chino

En concreto fue fabricada durante el período Heian (平安時代), período de la historia japonesa comprendido entre los años 794 d.C. y 1.185 d.C..

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte asiático del coleccionista de arte y escritor estadounidense Harry Gloyd Cole Packard.

Hasta que en el año 1.975 d.C. la Ema con Imagen de Peonía y León Chino fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene una altura de 43 cm y una anchura de 55,3 cm. Está elaborado en tinta y color sobre madera.

Se trata de un ema (絵馬), es decir, una placa o tablilla de madera votiva con forma uniforme en cuanto a forma y tamaño, que presenta en su anverso una inscripción escrita en idioma japonés y una escena.

En el centro de la composición hay representada la imagen de un karajishi (唐獅子), es decir, un león de Tang (originario de China, un país extranjero), representado como una criatura semi-imaginaria, como una versión decorativa artística de un león en posición de pie con las fauces cerradas.

En el sintoísmo el león, también conocido como el rey de las bestias, es un símbolo de poder y autoridad, siendo venerado como una bestia sagrada con poderes espirituales, entre los que destaca la capacidad de exorcizar demonios.

Además en la parte superior se puede apreciar como hay una rama con varias flores de peonías naranjas, aparte entre las ramas también se puede leer la palabra negai (願意) (aspiraciones o deseos).

En el borde del lateral derecho está escrito: "安二年三月廿五日", cuya traducción es: "25 de marzo del año 1.167 d.C.", mientras que en el lateral izquierdo está escrito: "奉掛絵馬", cuya traducción es "placa votiva".

Cabe resaltar que una placa votiva (奉掛絵馬) es una imagen sobre una tabla de madera que está dedicada a un santuario o templo con oraciones y gratitud a los dioses (kamis) y Budas.

Asimismo en la parte inferior se encuentran escritos el nombre de las ocho personas que donaron la Ema con Imagen de Peonía y León Chino al santuario.

Para finalizar subrayar que que en la religión sintoísta los ema (絵馬) eran utilizados por las personas creyentes para escribir sus oraciones o deseos, para después colgarlos en los santuarios sintoístas conocidos como jinja (神社) con la finalidad de que los espíritus de los dioses, kami (神) puedan leerlos.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.