jueves, 30 de noviembre de 2023

Greca

La greca, también conocida como meandro o Μαίανδρος, es un ornamento arquitectónico utilizado para decorar y embellecer esculturas y arquitecturas.

greca
(Templo de Apolo en Didyma, Turquía)

greca
(Villa de los Misterios, en Pompeya, Italia)

Se trata de un borde decorativo elaborado a partir de una línea continua, en forma de un motivo repetido. 

En general el término designa a motivos con líneas rectas y ángulos rectos, pero también existen numerosas versiones con formas redondeadas conocidas como Volutas y Pergaminos de Vitruvio.

Cabe destacar que la greca es un elemento decorativo muy común en el arte clásico (Arte Prehelénico, Arte Griego, Arte Etrusco y Arte Romano). 

greca
(mosaico de un Tepidarium, en Herculano, Italia)

greca
(recipiente ornamentado con un meandro)

greca
(cerámica de figuras rojas)
greca
(cerámica perteneciente al estilo geométrico)

greca
(ding, perteneciente a la dinastía Shang)
Dentro de la arquitectura clásica destacan especialmente la decoración de los frísos arquitectónicos, así como la decoración de mosaicos y bandas pintadas en cerámicas.

Pero también la greca ha sido utilizada sobretodo en la arquitectura del arte bizantino y del arte neoclásico.

Aparte la greca es un ornamento arquitectónico utilizado en el arte chino.

Se puede apreciar en bandas y en numerosos bronces elaborados durante la dinastía Shang (dinastía que gobernó China aproximadamente desde el año 1.600 a.C. y 1.045 a.C.).

Así como en muchos edificios tradicionales, es más algunos investigadores creen que la greca pudo haber llegado a China durante la época de la dinastía Han (aproximadamente en el año 202 a.C.), a través del comercio con el reino grecobactriano (un estado helenístico fundado en la zona de Bractiana alrededor del año 250 a.C. por el gobernador Diodoto I).

Además cabe subrayar que también se han encontrados motivos de greca en diseños pertenecientes al arte precolombino, éstos motivos se conocen con el nombre de Xicalcoliuhqui y se encuentran datados siglos antes de cualquier contacto europeo.

greca
(Salón de la Luna, Palacio Garnier, Francia)

greca
(Mezquita Fenari Isa, en Estambul, Turquia)

Para finalizar subrayar que la greca y sus generalizaciones son utilizados cada vez con mayor frecuencia dentro del arte contemporáneo, destacando la utilización del motivo en los bordes de numerosos materiales impresos e incluso se puede encontrar como un decoración utilizada en prendas de vestir. 

miércoles, 29 de noviembre de 2023

Bocel

El bocel es un ornamento arquitectónico compuesto por una moldura convexa de sección semicircular o elíptica de superficie lisa que tiene más de 6 mm de diámetro.

bocel
(en el basamento de una
columna en la Abadía de Serranoba, Francia)
bocel
(Iglesia de la Natividad de Nuestra Señora, en Carrascosa del Campo, provincia de Cuenca, España)

bocel
(Iglesia Arciprestal de Santa María de San Mateo,
Castellón de la Plana, España)

bocel
(Catedral de Santa María de Tui,
Pontevedra, España)


bocel
(columnas del Teatro Romano de Mérida, España)

bocel
(Iglesia de San Román de Cirauqui, Navarra, España)

bocel
(Iglesia de Santiago del Burgo, Zamora, España)
Cabe resaltar que cuando la directriz del bocel es recta equivale a un semicilindro.

Mientras que cuando la directriz del bocel es circular equivale a un semitoro.

También se le denomina medio bocel o cuarto bocel a la moldura cuya sección es un cuarto de círculo.

Aunque normalmente el bocel es utilizado en arquitectura en el basamento de las columnas. 

También suele ser usado en arquivoltas, arquitrabes, bandas, ladroneras, cornisas, portadas de iglesias, vanos, etc..

Siendo acompañados a menudo por otros elementos arquitectónicos, casi siempre otras molduras intercalándose entre ellos.

Además resaltar que en la mayoría de los casos el bocel suele ser liso, pero también puede estar ornamentado, labrado con motivos de abilletado (adorno con la moldura denominada billetes).

También cabe destacar que el uso del bocel se da sobretodo en la arquitectura del arte griego, del arte romano, del arte románico y del arte gótico. 

Para finalizar subrayar que si la moldura tiene menos de 6 mm de diámetro se denomina baqueta, baquetilla o junquillo.

martes, 28 de noviembre de 2023

Parvati de Pie

Parvati de Pie es una escultura datada aproximadamente en el siglo X d.C. (período comprendido entre los años 901 d.C. y 1.000 d.C.), perteneciente al arte indio.

Parvati de Pie

En concreto es sabido que fue fabricado en el estado de Tamil Nadu, localizado en el sur de la India.

Durante la dinástia Chola (dinastía de origen tamil que gobernó desde el siglo IX d.C. hasta el siglo XIII d.C. la India meridional).

Lo primero que se conoce es que pertenecía a un comerciante desconocido del asentamiento colonial francés Puducherry (India).

En el año 1.935 d.C. fue comprado en la ciudad de París (Francia) por el coleccionista de arte Carneg Kevorkian.

En el año 1.956 d.C. fue adquirida por la coleccionista Cora Timken Burnett.

Hasta que en ese mismo año, 1.956 d.C., Parvati de Pie fue legada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 69,5 cm, una anchura de 26 cm y un diámetro de 17 cm. Está fabricado en aleación de cobre.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la figura de la diosa Parvati (también conocida como Uma), diosa hindú de la fertilidad, el amor, la devoción, la fuerza divina y el poder.

La diosa se encuentra representada de pie, con el brazo derecho doblado con la mano extendida hacia delante y el brazo izquierdo estirado al lado izquierdo del cuerpo.

En el rostro ovalado destacan los ojos almendrados finamente delineados, la nariz recta, los labios carnosos y el mentón redondeado. Aparte se aprecia como en la parte superior de la cabeza lleva un tocado totalmente ornamentado.

Se encuentra ataviada con un sari ornamentado con numerosos pliegues y joyas que se le pega al cuerpo y deja entrever su anatomía, además lleva numerosos brazaletes, collares y orejeras redondas decorando su cuerpo.

Con respecto a la composición destacar que el genio y la obvia habilidad del escultor produjeron una imagen eterna de la diosa, así como una figura femenina de incomparable belleza y gracia.

Es más su porte lírico y rítmico, junto con las líneas suaves pero firmes de su cuerpo sugieren el ideal de la mujer divina y eterna.

Para finalizar subrayar que Parvati de Pie está considerada una de las mejores esculturas que representan a la diosa Parvati que en la actualidad se encuentran fuera de la India.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

lunes, 27 de noviembre de 2023

Fíbula de Tangendorf

La Fíbula de Tangendorf, también conocida como Broche de Disco de Tangendorf, es una fíbula datada aproximadamente en el siglo III d.C. (período comprendido entre los años 201 d.C. y 300 d.C.), perteneciente al arte romano.

Fíbula de Tangendorf

Fue hallada de manera accidental en el año 1.930 d.C. cuando el agricultor Heninrich Wille removía parte de la tierra de su propiedad, un terreno conocido como "Im schwarzen Dorn".

Ubicado en la esquina noroeste de Tangendorf, que forma parte del municipio de Toppenstedt, localizado en el municipio de Salzhausen.

Situado en el Distrito de Harburgo, en el Brezal de Luneburgo al norte del estado federal de Baja Sajonia (Alemania).

Después de su descubrimiento pasó a ser propiedad del maestro alemán Heintich Versemann, quien lo considera un objeto moderno y de poco valor.

En el verano del año 1.938 d.C. fue el historiador y arqueólogo alemán Willi Wegenwitz, quién redescubrió la Fíbula de Tangendorf, que se encontraba entre los aparatos de gimnasia en la parte más baja del armario de la escuela de Tangendorf.

Poco después de su redescubrimiento, en el año 1.938 d.C., pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Arqueológico de Hamburgo (también conocido como Museo de Helms), ubicado en la ciudad de Hamburgo, en Alemania.

Fíbula de Tangendorf


Descripción

Tiene un diámetro de 58 mm.

Se trata de una fíbula con forma de disco que ha sido fabricada en múltiples capas y presenta su anverso ornamentado con la figura de un animal cuadrúpedo.

La parte frontal está compuesta por una lámina prensada de plata muy fina y dorada al fuego con un diámetro de 58 mm, también se encuentra remachada mediante tres pasadores de plata a dos placas: una placa de cobre de un diámetro de 58 cm y un espesor de 3 mm y a otra placa de plata más resistente.

El anverso se encuentra ornamentado con una decoración prensada consistente en la figura de un animal de cuatro patas mirando hacia el lado derecho y con la cabeza mirando hacia atrás.

De la representación del animal destacan las orejas, las fauces abiertas, la lengua larga y una decoración en forma de collar situada alrededor del cuello. 

Aparte las patas están situadas debajo del cuerpo de acuerdo con la forma redondeada de la superficie de la placa.

El fondo está ornamentado con impresiones distribuidas irregularmente imitando la granulación. Además la escena se encuentra rodeada por dos bandas acanaladas, que a su vez están rodeadas por una corona de adornos en forma de roseta y otra banda acanalada.

También se aprecia como las tres coronas en forma de roseta de los remaches están distribuidas por el torso del animal.

En la parte posterior de la placa de soporte de plata hay un dispositivo de aguja con un diámetro de 78 mm, con la chapa prensada en el lado del expositor, revestida con una masa de relleno verde blanquecina fabricada de estaño, plomo y trazas de cobre sobre la placa de cobre.

También resaltar que debajo de la placa de cobre fueron hallados pequeños restos de material orgánico identificado como restos de marfil.

Con respecto al estado de conservación señalar que el torso del animal muestra una grieta debido al relleno de estaño y algunas zonas del borde que sobresale de la placa de soporte trasera se han roto.

Para finalizar subrayar que la Fíbula de Tangendorf se encuentra considerada una obra de orfebrería de gran calidad y uno de los hallazgos más importantes dentro del arte romano en el distrito de Harburgo (Alemania).

Además como curiosidad destacar que desde el año 2.002 d.C. el municipio de Toppenstedt (Alemania) utiliza una representación estilizada de la Fíbula de Tangendorf en su escudo.

Actualmente se encuentra en el Museo Arqueológico de Hamburgo, Alemania.

domingo, 26 de noviembre de 2023

Cáliz de Pedro de Sassoferrato

El Cáliz de Pedro de Sassoferrato, también conocido como Cáliz de Peter de Sassoferrato, es un cáliz datado aproximadamente entre los años 1.341 d.C. y 1.342 d.C., perteneciente al arte medieval, en concreto al arte gótico.

Cáliz de Pedro Sassoferrato

Lo primero que se conoce es que el cáliz fue donado a la Iglesia de Sassoferrato.

Edificada en la localidad de Sassoferrato, localizada en la provincia de Ancona, en la región de las Marcas (Italia).

En el año 1.875 d.C. fue comprado por el marchante y coleccionista de arte alemán Friedrich Moritz Gontard.

En el año 1.923 d.C. el cáliz fue adquirido por el marchante y coleccionista de arte alemán Richard von Passavant-Gontard, pasando a formar parte de su colección ubicada en la ciudad de Frankfurt (Alemania).

En el año 1.939 d.C. se encontraba en posesión de "S. J. Phillips Ltd.", ubicada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

Hasta que en el año 1.988 d.C. el Cáliz de Pedro de Sassoferrato fue adquirido por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Cáliz de Pedro de Sassoferrato
(detalle)

Cáliz de Pedro de Sassoferrato
(detalle)


Descripción

Tiene una altura de 21,7 cm y una anchura de 14, 9 cm. Está fabricado en plata dorada y esmaltes translúcidos.

Se trata de un cáliz, es decir, el vaso o recipiente en el que el sacerdote católico consagra el vino en la eucaristía, compuesto por una copa cónica, un tallo esbelto con un nudo prismático y un pie lobulado.

Resalta como el cáliz se encuentra profusamente ornamentado con esmaltes policromados y exquisitamente dibujados que le dan un aspecto de opulencia.

Se puede apreciar como se encuentran representados: la Crucifixión, la Virgen María, San Juan el Evangelista, San Luis de Tolosa (también conocido como San Luis de Anjou, San Luis de Nápoles, San Luis de Brignoles o San Luis Obispo), Juan Bautista y San Antonio de Padua (también llamado San Antonio de Lisboa).

Además las enjutas y el cuello de arriba están ornamentados con figuras de serafines (según la teología cristiana son tipos de espíritus bienaventurados, siendo los ángeles más importantes y consejeros directos de Dios).

Aparte se observa como sobre el pomo también están representados: San Miguel, San Francisco de Asís, María Magdalena, Catalina de Alejandría e Isabel de Hungría (también conocida como Santa Isabel princesa de Hungría).

Para finalizar subrayar que en el Cáliz de Pedro de Sassoferrato se pueden leer dos inscripciones grabadas en idioma latín.

La inscripción grabada en el tallo, encima del pomo es la siguiente:

"+ FRA

T (R)IS P

ETRI PENIT

ENTI

ARII +

DOMI

NI PA

PE"

Mientras que la inscripción grabada en el vástago debajo del pomo es la siguiente:

"+ LOCI SAS

SIFERATI

NON VEN

DATBR

NEC DI

STRATVR"

La inscripción hace referencia al donante, el hermano de Pedro de la Penitenciaría a la ciudad de Sassoferrato en Umbría y advierte que el cáliz no debe venderse ni destruirse.

Es más es conocido que en diciembre del año 1.341 d.C. el hermano de Pedro fue nombrado miembro de la Sagrada Orden Penitenciaria por el papa Benedicto XII.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

sábado, 25 de noviembre de 2023

Máscara: Janus

La Máscara: Janus, también conocida como Tocado: Janus, es una máscara datada aproximadamente en el siglo XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 1.900 d.C.), perteneciente al arte africano.

Máscara: Janus

Fue fabricada por un artista perteneciente al reino Ijebu, ubicado en el suroeste de Nigeria.

Lo primero que se conoce es que se encontraba en una colección privada, en Europa. Después pasó a ser propiedad del coleccionista de arte francés Ropert Duperrier.

En el año 1.960 d.C. fue adquirida por el marchante y coleccionista especializado en arte africano Gaston T. de Havenon.

Hasta que en el año 1.976 d.C. la Máscara: Janus fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Máscara: Janus


Descripción

Tiene una altura de 61 cm, una anchura de 34,3 cm y un diámetro de 39,4 cm. Está fabricada en madera policromada.

Se trata de una máscara tallada en un único bloque de madera que representa al espíritu acuático de Ijebu, además se conoce que la máscara se utilizaba en actuaciones que forman parte del festival conocido como Agbo.

Resalta como las dos proyecciones en forma de cuernos son trenzas que recuerdan a los peinados usados por los sacerdotes, reinas y ancianos de Ijebu. Es más aparentemente la máscara podría haber sido utilizada por un artista, cuyo cuerpo estaba oculto por un traje colocado alrededor de la parte superior de la  máscara de madera, ocultándolo por completo.

El rostro está representado por un disco que tiene el borde exterior dentado, con la nariz con forma de triángulo, los ojos están representados con forma de hemisferio y los labios se encuentran representados por dos barras. 

Aunque cabe destacar que aunque los rasgos del rostro son geométricos el conjunto es un rostro humano de gran belleza. Aparte superpuesta al rostro de manera divertida se encuentra el rostro de nariz larga de un animal con cuerpos que reutiliza elementos del rostro más grande en un doble sentido.

Con respecto a la composición destacar que el escultor ha creado una obra expresiva construida íntegramente a partir de formas geométricas puras. Sobretodo resalta como el diseño destaca por ser geométrico y lineal.

Para finalizar subrayar que la Máscara: Janus está englobada dentro del grupo de máscaras que se refieren a las entidades espirituales que se percibe que habitan en las lagunas costeras.

Se conoce que los objetos realizados en la región de Ijebu han servido históricamente como fuentes de prosperidad comercial e intercambio cultural. Siendo la inspiración para ésta forma de arte Ijebu proveniente de las máscaras de los pueblos vecinos que fueron una poderosa influencia cultural.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

viernes, 24 de noviembre de 2023

Placa de Plata Dorada

La Placa de Plata Dorada es una placa datada aproximadamente en el siglo IV d.C. (período comprendido entre los años 301 d.C. y 400 d.C.), perteneciente al arte persa, en concreto al arte sasánida.

Placa de Plata Dorada

Lo primero que se conoce es en el año 1.908 d.C. la placa fue comprada por los hermanos Durlacher, una familia de comerciantes y coleccionista de arte británicos.

Siendo en ese mismo año, 1.908 d.C., cuando la Placa de Plata Dorada fue comprada por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 4,50 cm, un diámetro de 18 cm y un peso de 394,70 g. 

Está fabricada en plata dorada, mediante las técnicas de fundición, martillado, incisión, dorado y soldadura.

Se trata de una placa dorada con forma redonda, martillada, con borde ligeramente invertido y un anillo de pie circular bajo ligeramente acampanado. Además la parte interior se encuentra ornamentada con una escena de caza en relieve, que representa a un rey cazando a dos ciervos con los cuerpos cubiertos de puntos representando el pelaje.

El rey se encuentra representado de perfil, montado a horcajadas sobre un ciervo que salta, al que agarra y tira por las astas con la mano izquierda, mientras que con la mano derecha empuña una espada que hunde en la nuca del ciervo.

Se aprecia como del cuello del ciervo brota una columna de sangre y en la parte inferior hay representado un ciervo yaciendo agazapado, con la cabeza levantada y sangre manando del hocico.

El rey se encuentra ataviado con una túnica de manga larga con hombreras decoradas, pantalones holgados, zapatos con cintas y aretes colgantes. Además dos pares de cintas fluyen por detrás, un par se encuentra atado a la corona y el otro par está atado a su espalda.

En la cabeza lleva una corona almenada con cintas con un korymbos (un globo tachonado de joyas que contenía la parte superior del cabello del gobernante de la dinastía Sasánida de Irán) que descansa sobre la parte superior de la corona.

Los dedos de los pies del rey apuntan hacia abajo, en la forma típica de los jinetes sin estribos, donde el control de la montura se realizaba mediante la presión de las rodillas.

Placa de Plata Dorada

Aparte en su muslo derecho está suspendida una gran caja aljaba decorada con un patrón geométrico en forma de rombo debajo de un elaborado diseño foliado.

Cabe resaltar que toda la escena se encuentra enmarcada dentro de un medallón bordeado por círculos concéntricos, sobre los cuales se observa como el borde es liso. 

También hay una sola línea debajo del borde en el exterior y dos círculos concéntricos alrededor de una amplia marca de centrado situada en la parte inferior de la base.

Con respecto al estado de conservación destacar que en general se encuentra en buen estado, tan sólo presenta algunos rasguños profundos en el reverso, destacando el rasguño vertical profundo cerca del borde en el lado opuesto a la cabeza del rey.

En cuanto a la composición destacar que la placa en sí se formó martillando y la decoración fue creada mediante una combinación de soldadura y engarzado de una serie de detalles fundidos por separado para formar las áreas elevadas, para después grabar las áreas intermedias del diseño.

El dorado por puntos se utilizó para resaltar la corona, las hombreras, los puños, el cinturón, los pantalones, partes de la aljaba y las cabezas, colas, pezuñas y vientres de los ciervos.

Para finalizar subrayar que según algunos investigadores la Placa de Plata Dorada pudo haber sido encontrada en Anatolia.

Es más la placa está considerada como una de las primeras placas sasánidas que se han hallado, pero no se ha podido identificar la figura del rey representado. Sin embargo algunos investigadores creen que por la representación de la corona podría ser una representación del rey Shapur I (segundo rey del Imperio persa sasánida).

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña. 

jueves, 23 de noviembre de 2023

Vasija con Pico Zapoteca

La Vasija con Pico Zapoteca es una vasija datada aproximadamente entre los siglos III a.C. y I a.C. (período comprendido entre los años 300 a.C. y 1 a.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte zapoteco.

Vasija con Pico Zapoteca
Vasija con Pico Zapoteca

Lo primero que se conoce es que la vasija fue encontrada durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en el yacimiento arqueológico de Monte Albán.

Ubicado a 8 km de la ciudad de Oaxaca de Juárez, situada en el estado de Oaxaca, en México.

Perteneció a la colección de arte del marchante de arte Everett Rassiga, ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.961 d.C. fue comprada por el político estadounidense y vicepresidente de los Estados Unidos de América Nelson Aldrich Rockefeller.

Hasta que en el año 1.979 d.C. la Vasija con Pico Zapoteca fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

 

Descripción

Tiene una altura de 18,8 cm, una anchura de 14 cm y un diámetro de 21 cm. Está fabricado en cerámica gris.

Se trata de una pequeña vasija conocida como puente y pico, que tiene la peculiaridad de que el cuerpo se encuentra elaborado en el frente opuesto al pico con una figura en relieve.

Además se puede apreciar como la cabeza, los brazos y las piernas de la figura fueron trabajados en relieve en la superficie, por lo que el cuerpo de la vasija se convierte en el cuerpo de la figura.

Aparte resalta como la cabeza en alto relieve, con su rostro arrugado y los labios extendido se idéntica con el dios Huehuetéotl (que significa literalmente "dios viejo" y es una de las deidades más importantes de Mesoamérica, el dios Huehuetéotl estaba asociado al fuego, al hogar y a la sabiduría). 

Sin embargo cabe destacar que algunos investigadores consideran que la figura representada podría ser el dios Ehécatl (dios del viento).

Para finalizar subrayar que se conoce que durante finales del primer milenio a.C., la fina cerámica gris, como la Vasija con Pico Zapoteca, se encontraba asociada con los artesanos que habitaban la antigua ciudad de Monte Albán, edificada sobre la cima de una montaña en el centro de los Valles Centrales de Oaxaca, en México.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

miércoles, 22 de noviembre de 2023

Abadía de Lorsch

La Abadía de Lorsch, también conocida como Abadía Imperial de Lorsch o Abadía de Saint-Nazaire, es una abadía datada aproximadamente en el año 764 d.C, perteneciente al arte medieval.

Abadía de Lorsch (Torhalle)

En concreto pertenece al arte prerrománico y dentro de éste está englobada dentro del arte carolingio.

Fue edificada en las afueras del pequeño pueblo de Lorsch, en la llanura del Rin.

Situado en el distrito de Bergstrabe, en el estado federal de Hessen o Hessia (Alemania).

Abadía de Lorsh

Abadía de Lorsh

Descripción

Se trata de una antigua abadía imperial, es decir, un monasterio cristiano que está bajo las órdenes de un abad o abadesa.

Cabe destacar que en la actualidad los restos importantes visibles son la Torhalle (puerta de entrada), parte de la iglesia de la abadía, parte del muro que rodea la abadía, otros muros y partes de edificios que han sido adaptados al uso moderno.

También como curiosidad destacar que la crónica de la Abadía de Lorsh se encuentra inscrita en el Códice Lorscher escrito en la década de 1.170 d.C. (actualmente en el archivo estatal de Würzburg), considerado un documento fundamental para la historia alemana de la Alta Edad Media.

Otros de los documentos famosos es el Códice Áureo de Lorsch, que se encuentra en la biblioteca del monasterio.

Abadía de Lorsh
En el año 764 d.C. la abadía fue fundada por el conde franco Cancor y su madre la noble dama Williswinda.

La Abadía de Lorsch fue fundada como iglesia y monasterio en el interior de su propiedad la finca de Lorsch, confiando el gobierno al primo del conde franco Cancor, el obispo de Metz Chrodegang.

Chrodegang dedicó la abadía a San Pedro y se convirtió en su primer abad, aparte posteriormente a su fundación la abadía se enriqueció con nuevas donaciones realizadas por sus fundadores.

Se conoce que para hacer popular la abadía como santuario y lugar de peregrinación, Chrodegang obtuvo del papa de la Iglesia católica Paulo I (también conocido como Pablo I) el cuerpo de San Nazario, quién fue martirizado en la ciudad de Roma bajo el gobierno del emperador romano Diocleciano (también conocido como Cayo Aurelio Valerio Diocleciano Agusto o Diocles).

Abadía de Lorsch

Llegando el 11 de Julio del año 765 d.C. la reliquia, que fue depositada con gran solemnidad en la basílica del monasterio.

En el año 766 d.C. Chrodegang renunció a su cargo de abad en favor de sus otras funciones como arzobispo de Metz, enviando como sucesor a su hermano Gundeland de Lorsch y a catorce mojes benedictinos.

Cabe resaltar que en el año 766 d.C. surgió una disputa sobre los derechos de propiedad de la abadía entre Gundeland y el hijo del conde franco Cancor, por la cual la abadía fue trasladada a una duna ubicada a unos cientos metros de su ubicación original.

En el año 772 d.C. Gundeland se dirigió al emperador carolingio Carlomagno (también conocido como Carlos o Carlos I el Grande) quién falló a su favor. Por lo que Gundeland entregó la Abadía de Lorsh con todas sus propiedades al emperador convirtiéndola en una abadía real o abadía imperial.

Abadía de Lorsch

Se contaba que se obraron muchos milagros por intercesión de San Nazario en la Abadía de Lorsch lo que motivó a que un gran número de peregrinos de todas partes de Europa fueron a visitarla.

En el siglo IX d.C. (período comprendido 801 d.C. y 900 d.C.) la biblioteca y el scriptorium de Lorsch la convirtieron en uno de los centros culturales de Alemania.

En el año 876 d.C. la abadía se convirtió en el lugar de enterramiento del primer rey de Francia Oriental Luis el Germánico (también denominado Luis II de Alemania), también se enterraron en la Abadía de Lorsh al rey de los francos orientales Luis III (también llamado Luis el Joven) y el príncipe franco de la dinastía carolingia Hugo de Sajonia, hijo y nieto respectivamente, por lo que la capilla funeraria de la abadía fue utilizada como cementerio real.

Entre los años 895 d.C. y 956 d.C. a la abadía no se le permitió elegir su propios abades que eran nombrados por el rey. Fue el emperador del Sacro Imperio Romano Germánico Otón I (también conocido como Otón el Grande) quién devolvió éste derecho a la Abadía de Lorsch.

Sin embargo un enfrentamiento entre el emperador y el abad Udalrich por la edificación del castillo de Starkenburg, dio como resultado que el abad se enfrentara al rey con 1.200 jinetes armados en el municipio de Trebur (Alemania).

A lo largo del siglo XI d.C. (período comprendido entre los años 1.001 d.C. y 1.100 d.C.) la Abadía de Lorsch floreció. 

Abadía de Lorsch

Los papas y emperadores la favorecieron repetidamente con privilegios y propiedades, de modo que en poco tiempo se convirtió en una sede de influencia política e inmensamente rica.

Siendo también declarada "reichsabtei" (un principado soberano por derecho propio, sujeto directa y únicamente al emperador).

En el año 1.090 d.C. un incendió devastó parte de la abadía y a principios del siglo XII (período comprendido entre los años 1.101 d.C. y 1.200 d.C.) se llevaron a cabo los trabajos de reconstrucción. 

Además destacar que la Abadía de Lorsch al disfrutar de derechos territoriales soberanos se vio implicada en varios dispuestas locales y en varias guerras.

Después de que un total de 46 abades benedictinos gobernaran la abadía, el último de ellos fue depuesto en el año 1.226 d.C. por el papa Gregorio IX, quién designó en el año 1.232 d.C. al arzobispo de Mainz Siegfried III von Eppstein como abad, poniendo fin al período de independencia cultural y política de la Abadía de Lorsch.

Entre los años 1.232 d.C. y 1.248 d.C. la abadía fue utilizada por la orden monástica católica orden cisterciense (también conocida como orden del Císter o Santa orden del Císter).

Abadía de Lorsch

En el año 1.248 d.C. los canónigos de la Abadía de Allerheiligen se hicieron cargo del monasterio con la sanción del papa Celestino IV.

En el año 1.461 d.C. la abadía fue hipotecada al Condado Palatino del Rin (también denomino Palatinado), la denominación histórica del territorio del Conde Palatino.

Siendo en el año 1.556 d.C. cuando el Elector Otón Enrique del Palatinado implementó la Reforma Protestante en sus territorios y disolvió los monasterios.

Con la reforma se trasladaron partes de los manuscritos a la Biblioteca Palatina y justo antes de la disolución de Lorsh, ocurrida entre los años 1.557 d.C. y 1.563 d.C., los miembros restantes de la comunidad religiosa de la abadía fueron presionados y desalojados.

En el año 1.621 d.C., durante la Guerra de los Treinta Años, las tropas españolas saquearon la abadía y la mayoría de los edificios de Lorsch fueron derribados.

Después de que el arzobispado de Mainz recuperara su posesión en el año 1.623 d.C. la región volvió a la fe católica. Sin embargo la abadía permaneció en ruinas y sirvió como fuente de materiales de construcción para toda la región.

Para finalizar subrayar que en el año 1.991 d.C. las ruinas de la Abadía de Lorsh fueron declaradas por la Unesco Patrimonio de la Humanidad debido a su importancia arquitectónica e histórica.

Es más fue uno de los monasterios más importantes del Imperio carolingio. Incluso en su estado en ruinas, sus restos se encuentran entre los edificios de estilo carolingio más importantes de Alemania.

martes, 21 de noviembre de 2023

Pabellón del Vacío Claro

El Pabellón del Vacío Claro, también conocido como Torre del Vacío Claro, es una tablilla de tinta datada aproximadamente entre los siglo XIX d.C. y XX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 2.000 d.C.), perteneciente al arte chino.

Pabellón del Vacío Claro

Pabellón del Vacío Claro

Lo primero que se conoce es que fue alborada en el taller del artista chino Jian Guzhai.

En el año 1.930 d.C. la tablilla fue adquirida por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una anchura de 3,8 cm y una longitud de 8,3 cm.

Se trata de una tablilla de tinta que presenta forma del Pabellón del Vacío Claro (también conocido como 清虛閣), un pabellón edificado en los jardines imperiales del lago del Oeste (西湖).

Ubicados en el centro de la ciudad de Hangzhou (赣州), situada en la provincia de Zhejiang (浙江), en la República Popular China (中华人民共和国) (también conocida como China (中国)).

Además se puede apreciar como en uno de los lados de la tablilla se encuentra gradados con caracteres dorados el lugar representado ("Zhǎn xù lóu" = "展緒樓"), mientras que en el otro lado aparece representado en relieve la vista del sitio. 

Aparte con respecto a la utilización destacar que la tablilla de tinta es puramente decorativa y no se encontraba destinada a ningún otro uso.

Para finalizar subrayar que la Pabellón del Vacío Claro pertenece a un conjunto de setenta y cuatro tablillas de tinta que fueron encargadas por el Emperador Jiaqing (嘉庆帝), séptimo emperador manchú de la dinastía Qing (清朝), a la fábrica del Estudio, con la finalidad de apreciar las antigüedades de la familia Wang Jinsheng en la ciudad de Huizhou (惠州), situada en la provincia de Anhui (安徽), en China (中国).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

lunes, 20 de noviembre de 2023

Escena de Batalla Ayubí

La Escena de Batalla Ayubí, también conocida como Escena de una Matanza, es una pintura datada aproximadamente en el siglo XIII d.C. (período comprendido entre los años 1.201 d.C. y 1.300 d.C.), perteneciente al arte islámico, en concreto al arte ayubí.

Escena de Batalla Ayubí
Escena de Batalla Ayubí

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte del coleccionista y marchante de arte alemán Herbert Norman Bier.

Hasta que en el año 1.975 d.C. la Escena de Batalla Ayubí fue vendida al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 14 cm y una anchura de 18, 3 cm. Está pintada en acuarela opaca sobre papel.

Se trata de una pintura que representa una escena de una batalla en la que la figura central parece ser la única que no ha perdido un miembro. Se observa como a lo largo de la composición se encuentran representados cabezas, brazos y piernas cortados, un hombre que ha perdido la mano y en la parte inferior izquierda se pueden ver las patas y la cola de un caballo.

Cabe resaltar que el dibujo esbozado y la fina aguada utilizada para las figuras sugieren que la imagen fue producida en el Egipto del siglo XIII d.C. (período comprendido entre los años 1.201 d.C. y 1.300 d.C.).

Es más las espadas curvas se encuentran asociadas a los "sarracenos" (nombre con que la cristiandad medieval denominaba genéricamente a los árabes o a los musulmanes), como se encuentran en una ilustración europea que representa una batalla ocurrida en las cruzadas.

Para finalizar con respecto a la composición destacar que el artista responsable de este dibujo mediante la utilización de líneas seguras y sencillas capturó el caos frenéticos de la batalla. 

Siendo el contexto original de éste dibujo difícil de determinar. También los tocados y las espadas proporcionan pocas pistas sobre la fecha y no se dan detalles sobre el sitio dónde se lleva a cabo la escena. 

Es más en la escena representada no hay ninguna sugerencia de gloria o belleza en ésta guerra. Los hombres desnudos y los miembros cercenados espaciados por el papel reflejan que la carnicería podría haber ocurrido en cualquier lugar y la representación de un caballo caído en la parte inferior izquierda refleja conmovedoramente los tristes relatos del sufrimiento de los animales durante las guerras en Tierra Santa.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

domingo, 19 de noviembre de 2023

Figura Masculina de Mármol

La Figura Masculina de Mármol es una escultura datada aproximadamente entre los años 2.400 a.C. y 2.300 a.C., perteneciente al arte prehelénico en concreto al arte cicládico.

Figura Masculina de Mármol

Lo primero que se conoce es que en el año 1.934 d.C. fue adquirida por el marchante y coleccionista de arte griego Theodoros A. Zoumboulakis.

En el año 1.936 d.C. la escultura fue comprada por el marchante y coleccionista de arte húngaro Joseph Brummer, siendo expuesta en su galería de arte "Brummer Gallery", ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el verano del año 1.937 d.C. fue adquirida por el coleccionista, fiscal general y juez estadounidense Walter Joseph Cummings Jr.

Hasta que en el año 1.972 d.C. la Figura Masculina de Mármol fue legada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Figura Masculina de Mármol


Descripción

Tiene una altura de 35,9 cm. Está fabricado en mármol, mediante las técnicas de incisión, grabado, pulido y tallado.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa una figura masculina estilizada, desnuda, en posición de pie y con los brazos cruzados delante del cuerpo.

En el rostro con forma ovalada destacan los ojos y la nariz, ambos representados de forma estilizada, también se aprecia como el cuello es largo y el cabello está peinado en pequeños mechones hacia atrás.

En el torso los senos están ligeramente marcados y los brazos finos están representados cruzados, el brazo derecho debajo del brazo izquierdo. Sin embargo se puede apreciar como las manos no están representadas.

Además se puede observar como las piernas están representadas juntas, con los dedos de los pies representados mediante finas incisiones, al igual que el órgano reproductor masculino.

Con respecto al estado de conservación destacar que en general se encuentra en buen estado, tan solo la superficie del cuerpo presentan varias muescas y parte del brazo derecho está mutilado.

Para finalizar subrayar que la Figura Masculina de Mármol presenta varias características inusuales, puesto que la parte superior del cuerpo es la de una figura femenina, mientras que la parte inferior del cuerpo es la de una figura masculina.

Por lo que los investigadores consideran que es posible que el escultor hubiera comenzado a esculpir la figura de una mujer y que después modificara la escultura debido a un cambio en su encargo.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

sábado, 18 de noviembre de 2023

Diana

La Diana es una pintura datada en el año 1.637 d.C., perteneciente al arte barroco.

Diana

Fue pintada por el pintor francés Simon Vouet.

Lo primero que se conoce es que la pintura fue propiedad del pintor y grabador holandés Abraham de Hondt (también conocido como Abraham Hondius).

En el año 1.710 d.C. la pintura pasó a formar parte de la colección Real, siendo expuesta en el museo de Somerset House, ubicado en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).


Descripción

Tiene una altura de 117,4 cm, una anchura de 159,8 cm y un grosor de 8,2 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa a la diosa Diana (diosa de la caza, protectora de la naturaleza y diosa de la Luna), sentada sobre un terreno rocoso y accidentado.

En el rostro redondeado destaca los ojos almendrados ligeramente semicerrados, la nariz recta y los labios carnosos. El cabello castaño y largo está peinado en un recogido y en la parte superior de la cabeza tiene una diadema con una figura de media luna en el centro.

Se puede observar como levanta el brazo derecho con la mano derecha abierta en dirección a dos perros, situados en un segundo plano, aparte se aprecia como las correas de los perros están enrolladas alrededor de su brazo derecho.

Mientras que el brazo izquierdo está reposado sobre una roca con una flecha apoyada a lo largo del brazo izquierdo y con un carcaj lleno de flechas reposando en el suelo delante de la mano izquierda.

La diosa se encuentra ataviada con una túnica vaporosa con pliegues de color amarillo anudada al hombro izquierdo y que deja el seno derecho al descubierto. También lleva un manto grisáceo azulado anudado en la cintura y en los pies lleva puesta unas sandalias doradas.

Con respecto a la composición destacar el uso de la luz que resalta la figura de la diosa que sobresale sobre el fondo realizado en tonos más oscuros.

Además resalta como la postura de la diosa forma una media luna y refleja una luz fría y plateada como si imitara las propiedades de su atributo, la Luna.

Para finalizar subrayar que la pintura presenta la siguiente inscripción del artista:

"Simon Vouet / F. (fecit) Paris 1637"

Cabe resaltar que se conoce que la adición del lugar de ejecución fue inusual y esto puede indicar que la obra podría haber estado destinada para ser enviada al extranjero.

Es más en un grabado posterior a ésta composición revela que originalmente la pintura Diana tenía una forma ovalada y en la actualidad la pintura es un rectángulo más grande que se habría cortado de la forma original.

También puede ser que originalmente la pintura podría haber sido una especie de panel decorativo y por la forma ovalada se piensa que probablemente seria una obra para ser colocada en un techo.

Actualmente se encuentra en el museo de Somerset House, Gran Bretaña.

viernes, 17 de noviembre de 2023

Cabeza del Emperador Constans

La Cabeza del Emperador Constans es una escultura datada aproximadamente entre los años 40 d.C. y 337 d.C., perteneciente al arte medieval, en concreto al arte bizantino.

Cabeza del Emperador Constans

Cabeza del Emperador Constans

Lo primero que se conoce es que perteneció a un coleccionista privado, ubicado en la ciudad de Estambul (Turquía).

En el año 1.932 d.C. la escultura fue comprada el coleccionista de arte e historiador alemán Wilhelm Fabricius, Boon, por descendencia pasó a ser propiedad de su hijo Wilhelm Fabricius, Bonn.

Hasta que en el año 1.967 d.C. la Cabeza del Emperador Constans fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


¿Quién fue Constans?

Flavius Julius Constans, también conocido como Constans I o Constans, fue el tercer y más joven hijo del emperador Constantino I el Grande y Fausta (su segunda esposa).

Se conoce que fue un cristiano devoto, que inicialmente gobernó parte de la mitad occidental del Imperio romano y que ganó todo el oeste en el año 340 d.C.. También derrotó a los francos y fue el último emperador en visitar Gran Bretaña.

Cabeza del Emperador Constans

Cabeza del Emperador Constans

Cabeza del Emperador Constans


Descripción 

Tiene una altura de 27 cm, una anchura de 17,5 cm, un diámetro total de 18,8 cm y un diámetro en el cuello de 18,7 cm.

Está fabricado en mármol, mediante las técnicas de incisión, grabado y tallado.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la cabeza del emperador romano Constans coronado al estilo clásico.

En el rostro destacan los párpados marcados, los ojos almendrados con los iris perforados, la nariz recta, los labios carnosos y el mentón redondeado.

Además se aprecia como el cabello ligeramente ondulado, con mechones que enmarcan el rostro, se encuentra sujetado en la parte superior por medio de una banda, diadema o corona que presenta pequeños agujeros dispuestos horizontalmente, que originalmente podrían haber contenido piedras preciosas.

Para finalizar con respecto al estado de conservación resaltar que parte de la nariz y el labio están mutilados, se observa como las orejas también están parcialmente mutiladas y todo el rostro presenta pequeñas muescas y desperfectos.

Aparte destacar que algunos investigadores piensan que originalmente la Cabeza del Emperador Constans podría haber formado parte de una escultura mayor en la actualidad perdida.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

jueves, 16 de noviembre de 2023

Caja de Seis Caras

La Caja de Seis Caras es una caja datada aproximadamente en el siglo III d.C. (período comprendido entre los años 201 d.C. y 300 d.C.), perteneciente al arte romano.

Caja de Seis Caras
Caja de Seis Caras

Lo primero que se conoce es qué perteneció al anticuario y coleccionista de arte Joseph Altounian.

En el año 1.934 d.C. fue adquirida por el marchante de arte y coleccionista húngaro Joseph Brummer, siendo expuesta en su galería de arte "Brummer Gallery", ubicada en la ciudad de París (Francia).

Hasta que en el año 1.947 d.C. la Caja de Seis Caras fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Caja de Seis Caras



Descripción

Tiene una altura de 6,2 cm, una anchura de 5,7 cm y un diámetro de 5,3 cm. Está fabricada en bronce y esmalte millefiori.

Se trata de una pequeña caja con seis caras, hueca y con una ornamentación realizada con esmalte millefiori. 

Aparte en la parte superior tiene una pequeña tapa de seis caras con un agujero central que permite meter pequeños objetos en el interior de la caja sin necesidad de abrir la tapa.

Además se observa como la caja reposa sobre tres pequeñas bolas cilíndricas que funcionan como pie y están adheridas a su base.

Con respecto a la composición destacar que la decoración se ha realizado mediante varillas multicolores que han sido cortadas en secciones transversales, siendo después colocadas en una base de metal para ser calentadas lo suficiente para que se adhieran, dando como resultado un intrincado patrón de flores y tableros de ajedrez.

También cabe resaltar que se han encontrado cajas similares a la Caja de Seis Caras en diferentes excavaciones arqueológicas realizadas en: Alemania, Polonia y Ucrania.

Para finalizar subrayar que la Caja de Seis Caras fue prestada al Museo de Arte de Worcester para ser expuesta entre el 20 de febrero y el 21 de marzo del año 1.937 d.C. en la exposición: "The Dark Ages, Ioan exhibition of early Christian and Byzantine art".

También fue prestada al Museo de Bellas Artes de Boston para ser expuesta entre el 17 de diciembre del año 1.976 d.C. al 27 de febrero del año 1.977 d.C. en la exposición: "Romans and Barbarians".

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Aristóteles contemplando el Busto de Homero

Aristóteles contemplando el Busto de Homero es una pintura datada en el año 1.653 d.C., perteneciente al arte barroco . Aristóteles contemp...