Santa Bárbara

Santa Bárbara es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.522 d.C. y 1.523 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Santa Bárbara

Santa Bárbara

Fue pintado por el pintor y grabador italiano Girolamo Francesco Maria Mazzola (también conocido como Parmigianino o Il Parmigianino).

Lo primero que se conoce es que la pintura formó hasta el año 1.624 d.C. parte de la colección de arte del cardenal y obispo católico italiano Alejandro de Este (también conocido como Alessandro d'Este).

En el año 1.662 d.C. se encontraba en la colección de arte Muselli, localizada en la ciudad de Verona, situada en la región del Véneto, en Italia.

En el año 1.686 la pintura Santa Bárbara pasó a formar parte de la colección de arte de la Corona española, formando parte de la colección de arte situada en el Real Alcazar de Madrid (España).

En el año 1.741 d.C. la pintura fue trasladada al Palacio Real de la Granja de San Ildefonso, localizada en el municipio del Real Sitio de San Ildefonso, situado en la provincia de Segovia, en la comunidad autónoma de Castilla y León (España).

Hasta que en el año 1.854 d.C. la pintura Santa Bárbara fue trasladada a la colección de arte del Museo del Prado de Madrid, situado en la ciudad de Madrid, en la comunidad autónoma de Madrid (España).

Descripción

Tiene una altura 48 cm y una anchura de 39 cm. Está pintado al óleo sobre tabla.

Se trata de una pintura que representa un retrato de la santa y mártir paleocrisitiana fenicia Santa Bárbara (también conocida como Bárbara de Nicomedia o Gran Mártir Bárbara) de perfil, mirando hacia el lado derecho, sobre un fondo negro.

Sobretodo resalta como se encuentra representada sosteniendo entre sus manos una pequeña torre de piedra, apenas visible, considerada el atributo principal de su martirio (lugar donde fue encerrada por su padre).  

El cabello largo claro está peinado en un elaborado recogido compuesto por diferentes mechones trenzados, decorados con pequeñas perlas y adornado con una cofia decorativa.

Además llama la atención como el cabello le cae por el lado izquierdo del rostro, descansando sobre su busto y que le despeja el cuello dejando ver el elegante giro del cuello.

En el rostro destacan los ojos almendrados con la mirada fija en el horizonte, lo que le da una actitud distante, la nariz recta, los labios carnosos y el mentón pronunciado.

Se encuentra ataviada con un vestido compuesto por un corpiño ajustado, con mangas amplias, abullonadas ceñidas en los antebrazos y un escote con forma cuadrado, cubierto por una camiseta interior ligera (también conocida como camisola) que asoma por el cuello. 

Con respecto a la composición resaltar que la fisonomía de la mujer destaca por un sutil alargamiento en los dedos, una elegancia aristocrática y el peinado sumamente elaborado.

Aparte destaca como el perfil se encuentra recortado por el fondo oscuro, resaltando el contraste entre la piel pálida y los tonos en colores cálidos de su vestimenta.

Asimismo resaltar cómo aparece representada con lujosas prendas de la aristocracia y moda femenina del siglo XVI d.C. (período comprendido entre los años 1.501 d.C. y 1.600 d.C.).

Para finalizar subrayar que existen tres copias de la pintura Santa Bárbara, una se encuentra en la Galería Real de Pinturas  Mauritshuis (localizado en la ciudad de La Hacha, en los Países Bajos), otra se encuentra en la universidad privada de artes liberales Pomona College y la otra está en mansión británica Chatsworth House.

Actualmente se encuentra en el Museo del Prado de Madrid, España.

Querubín y Concha

Querubín y Concha es una escultura datada aproximadamente entre los años 1.470 d.C. y 1.479 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Querubín y Concha

Querubín y Concha

Los investigadores piensan que por sus características la escultura pudo haber sido esculpida por un escultor cercano al artista, pintor y escultor italiano Donato di Niccolò di Betto Bardi (también conocido como Donatello).

En algún taller ubicado en la ciudad de Florencia, situada en la región de la Toscana, en el centro de Italia.

Se cree que la escultura formó parte de la colección de los Museos Vaticanos (conjunto de galerías y estancias de gran valor artístico, propiedad de la Iglesia y abiertas al público en la Ciudad del Vaticano).

El 17 de septiembre del año 1.928 d.C. Querubín y Concha fue comprado por marchante y coleccionista de arte húngaro Joseph Brummer.

El 30 de noviembre del año 1.948 d.C. la escultura fue comprada por el inversor y coleccionista Alastair Bradley Martin.

Hasta que en el año 1.958 d.C. la escultura Querubín y Concha fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 39,4 cm, una anchura de 44,5 cm y un peso total de 14,0615 kg. (el peso de la concha es de 11,75 kg y el peso de la cabeza es de 1,75 kg).

Se trata de una escultura de bronce que representa la cabeza de un querubín coronado con una diadema salpicada de flores, destaca como la parte superior de dos alas arqueadas flanquea su cabeza, mientras que otro par se extiende suavemente bajo su barbilla.

Una gran concha en forma de viera se despliega bajo las alas simbolizando un estallido de luz, el diseño de la cocha de viera es una combinación de estrías y rombos invertidos.

Además destaca como con la cabeza inclinada y los ojos bien abiertos, el querubín mira hacia abajo, mostrando sus dientes en una amplia sonrisa.

Aparte resaltar que la expresión absorta del rostro tramite la alegría beatífica y envolvente de los seres que moran en el cielo, en la presencia de Dios siendo testigos de la gloria divina.

En cuanto a la composición resaltar que la concha es un símbolo del bautismo y la peregrinación que, en su sentido metafórico, alude al viaje del alma hacia Dios.

También resaltar que la cabeza fue fundida por separado, para después unirlas a las alas y al caparazón mediante un pasador (original) en la zona de la garganta y tornillos modernos colocados detrás de las orejas.

Asimismo las proyecciones de soporte en la parte posterior, el tamaño del objeto en su conjunto y la cabeza inclinada del querubín indican una finalidad arquitectónica.

Probablemente originalmente podría haber estado situado en lo alto de una columna o pilastra, formando parte del capitel de una tumba o altar.

Con respecto a la autoría de la obra enfatizar que si bien la representación del Querubín y la Concha evoca el estilo y el uso de motivos de las obras de Donatello, lo hace desde una perspectiva distante.

El modelado de las formas es complejo y los detalles (las plumas en las alas del querubín, los elementos cóncavos y estriados de la concha) están representados y trabajos con una precisión lineal agresiva.

Al ser el único ejemplo conocido de su tipo, el bronce sigue siendo en la actualidad una obra en busca de un contexto, arquitectónico o de otro tipo.

Sin embargo, existen buenas razones para datarlo el período posterior a la muerte del maestro, cuando su estilo experimental había impregnado los talleres de toda Italia.

Por lo tanto se puede llegar a la conclusión que sí en el contexto arquitectónico específico y la finalidad del Querubín y la Concha podrían permanecer desconocidos.

La fecha aproximada y las características formales de la obra parecen enmarcarse dentro del contexto de esculturas creadas por artistas menos conocidos que se inspiraron en el estilo de Donatello y lo transformaron al realizar sus encargos por toda Italia.

Para finalizar subrayar que en la tradición católica, los querubines de cuatro alas pertenecen al segundo orden de la jerarquía angelical y sirven a Dios en el cielo.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Madona de Casa Tempi

Madonna de Casa Tempi es una pintura datada en el año 1.508 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Madona de Casa Tempi

Fue pintada por el arquitecto y pintor italiano Raffaello Sanzio (también conocido como Rafael de Urbino o Rafael).

Se conoce que la pintura fue adquirida por la familia Tempi, una familia noble florentina, históricamente conocida por su prestigio y su importante legado artístico en la ciudad de Florencia (Italia) y sus alrededores.

Perteneció a la colección de arte de la familia Tempi hasta que en el año 1.829 d.C. fue comprada por un precio de 16.000 escudos romanos por el rey de Baviera Luis I de Baviera (también conocido como Luis I o Luis Carlos Augusto).

En el año 1.836 d.C. la pintura pasó a formar parte de la colección arte del reciente fundado museo Alte Pinakothnek de Múnich (Alemania), considerado el gran museo de "pintura antigua" de la capital bávara.

Descripción

Tiene una altura de 75 cm y una anchura de 51 cm. Está pintada al óleo sobre tabla o panel ligeramente curvo de madera de álamo.

Se trata de una pintura que representa la figura del Niño Jesús y la Virgen María sobre un fondo paisajístico compuesto por un horizonte bajo y el cielo azul verdoso que resalta los tonos de piel de las figuras.

Se puede apreciar como la masa oscura y marrón en la parte inferior separa al grupo del paisaje de fondo, que aparece a ambos lados del manto de la Virgen.

Aparte se puede observar como colinas y torres, apenas esbozados, emergen tenuemente entre un cielo azul y una masa de agua azul.

La Virgen María se encuentra representada de medio cuerpo (enmarcada de cintura para arriba), alzando y sosteniendo al Niño Jesús en brazos, ambos sin aureola e inclinado ligeramente la cabeza hacia él, apoyando sus rostros mejilla con mejilla.

Llama la atención como la boca entreabierta de la Virgen acentúa una tierna sonrisa, mientras el Niño Jesús confiado se apoya en sus brazos para girar la cabeza y mirar al espectador.

Asimismo resalta como la Virgen tiene los párpados entrecerrados y su mirada está fija en su hijo, se encuentra ataviada con una túnica de mangas largas roja holgadas que deja entrever la manga de otra túnica interior dorada más ajustada al cuerpo.

Además lleva un manto azulado con pliegues que le cubre y envuelve el cuerpo y parte de la cabeza, donde también lleva un fino velo semitrasparente que permite apreciar su cabello largo y rubio.

Con respecto a la composición llama la atención como las dos figuras se encuentran impregnadas de una única sensación de movimiento, ligeramente en espiral, desde los amplios pliegues del manto en la parte inferior hasta el abrazo y los tiernos gestos de los rostros, tan íntimos y familiares.

También destaca el equilibrio entre el ideal de perfección artística y la naturalidad de las figuras, realizado mediante la utilización de una pincelada más libre y fluida, especialmente en el velo semitransparente de la Virgen María.

Es más el gesto de afecto íntimo entre madre e hijo de presionar mejilla contra mejilla es conocido en la tradición iconográfica como Eleúsa (Virgen de la Ternura).

La ternura e intimidad entre madre e hijo transforma la pintura, pasando de ser una representación de una escena íntima a una idealización del amor maternal.

Igualmente enfatizar que la pintura Madona de Casa Tempi está considerada una de las representaciones más bellas de la Virgen María de principios del siglo XVI d.C. (período comprendido ente los años 1.501 d.C. y 1.530 d.C.).

Para finalizar como curiosidad destacar que se conoce que el rey de Baviera Luis I de Baviera (también conocido como Luis I o Luis Carlos Augusto), necesitó un largo proceso de adquisición. 

Según se cuenta su deseo por la pintura se remonta al año 1.809 d.C. (unos 20 años antes de su adquisición), desde entonces numerosas cartas llegaron a Italia con la intención de adquirirla.

Las dificultades resultantes, e incluso a veces la desesperanza de los agentes del rey (en ese entonces príncipe), no hicieron sino intensificar su deseo por la pintura.

Escribió cartas personales al Gran Duque de Baden para que extendiera la pensión de su agente, el grabador Metzger, y así retenerlo en la ciudad de Florencia (Italia).

Incluso no dudó ni siquiera en ofrecer sobornos, y finalmente aumentó su oferta de 6.000 a 16.000 escudos romanos.

Hasta que la compra se completó el 9 de febrero del año 1.829 d.C. y el rey conservó la pintura en su colección de arte hasta el año 1.835 d.C., colocándola en la Capilla de Santa Cecilia de la residencia real.

Es más pese a que desde el año 1.836 d.C. pasó a formar parte de la colección de arte de la Alte Pinakothnek de Múnich (Alemania) siguió siendo propiedad privada de la realeza.

Actualmente se encuentra en la Alte Pinakothnek de Múnich, Alemania.

La Dama del Armiño

La Dama del Armiño, también conocida como Dama con Estola de Piel, es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.580 d.C. y 1.588 d.C., perteneciente al arte renacentista.

La Dama del Armiño

La Dama del Armiño

Fue pintada por el pintor español Alonso Sánchez Coello.

Lo primero que se conoce es que la pintura perteneció a la colección de arte de Serafín García de la Huerta, ubicada en la ciudad de Madrid (España).

La pintura salió de España en la década de 1.830 d.C. (período comprendido entre los años 1.830 d.C. y 1.839 d.C.).

También es sabido que La Dama del Armiño formó parte de la colección de arte del rey Luis Felipe I (también conocido como Luis Felipe de Orleans o Luis Felipe I de Francia), siendo expuesta en la Galería Española del Museo del Louvre de París (Francia). 

En el año 1.853 d.C. la pintura fue comprada en la subasta de la Galería Española del Museo del Louvre (Francia) por el historiador de arte, político, coleccionista, bibliófilo e hispanista escocés Sir. William Stirling-Maxwell.

En el año 1.966 d.C. La Dama del Armiño fue legada por sus herederos, Anne Maxwell Macfonald y su familia, a la ciudad de Glasgow (Escocia) junto con Pollok House y su finca.

Pasando así en el año 1.967 d.C. a formar parte de la colección de arte de la Pollok House de Glasgow (Gran Bretaña).

Descripción 

Tiene una altura de 79,8 cm y una anchura de 65,7 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa la figura de una mujer joven con una tez ligeramente rosada, cabello y cejas oscuros sobre un fondo oscuro.

En el rostro suave destacan las cejas gruesas, los ojos almendrados negros, la nariz recta, los labios carnosos de color rosa y los pómulos rosados, así como el cabello oscuro peinado con tres filas de pequeños rizos y un pequeño lazo rojo en la parte superior.

La joven dirige la mirada fijamente al espectador y está ataviada con un vestido de mangas largas negras, del que tan solo se aprecia el manguito de la mano derecha y parte del escote, y una capa de piel que cubre el resto de su vestido.

Además se puede observar como tiene un fino velo transparente que le cubre la cabeza y deja vislumbrar vagamente el collar enjoyado que lleva debajo, alrededor del cuello. 

Con respecto a la composición resaltar como la capa se funde tras su forro de piel (de armiño o lince) con la oscuridad del fondo.

Aparte destacar que un estudio reveló que la técnica de las capas de pintura y el dibujo subyacente coinciden con los métodos utilizados por el pintor español Alonso Sánchez Coello.

Para finalizar subrayar que aunque se desconoce el nombre de la modelo, su porte noble y la vestimenta sobria pero elegante, a pesar de la informalidad de su pose, ha dado lugar a que algunos investigadores crean que la mujer habría podido ser un miembro de la familia real española.

Unos piensan que podría ser la infanta de España y duquesa de Saboya Catalina Micaela de Austria y otros sugieren que podría ser la infanta de España y duquesa de Béjar Juana de Mendoza.

Actualmente se encuentra en la Pollok House de Glasgow, Gran Bretaña.

Retrato de Elena Anguissola

El Retrato de Elena Anguissola, también conocida como La Hermana de la Artista con Hábito de Monja, es una pintura datada en el año 1.551 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Retrato de Elena Anguissola

Retrato de Elena Anguissola

Fue pintada por la pintora italiana Sofonisba Anguissola (también conocida como Sphonisba Angussola o Sophonisba Anguisciola).

Lo primero que se conoce es que la pintura formó parte de la colección de arte del John Pelham, VII conde de Yaborough.

Hasta que en el año 1.936 d.C. el Retrato de Elena Anguissola fue adquirido por el museo Southampton City Art Gallery, localizado en la ciudad de Southampton, situada en el sur de Gran Bretaña.

Retrato de Elena Anguissola

Descripción

Tiene una altura de 68,5 cm y una anchura de 53,3 cm. Está pintado al óleo sobre tela.

Se trata de una pintura que representa el retrato de la hermana de la artista Elena Anguissola, quién poco después de ser retratada entró en el convento dominico de Sant'Agostino en la ciudad de Mantua (Italia) bajo el nombre de la Sor Minerva (Hermana Minerva).

La novicia aparece ataviada con el hábito blanco de la monja, compuesto por una túnica blanca, escapulario blanco y velo blanco, que destaca sobre el fondo oscuro.

Se puede apreciar como con ambas manos sostiene un libro de oraciones abierto, con encuadernación de cuero rojo y ornamentado con ribetes dorados.

También llama la atención el rostro alargado, con las cejas finas, los ojos almendrados con la mirada intensa, la nariz recta, los labios carnosos apenas fruncidos y el mentón pronunciado.

En el reverso se puede leer una inscripción en latón con el nombre de la artista y la fecha de la creación de la pintura.

"SOPHONISBA ANGUSSOLA VIRGO M [...] TERI AGO.TI PINXIT MDLI"

Cabe destacar que posteriormente el autor e historiador de arte moderno y contemporáneo italiano Flavio Caroli completó la inscripción añadiendo: "MONASTERI SANCTI AGOSTINI".

Con respecto a la composición resaltar la profundidad psicológica de la mirada de Elena Anguissola, así como la expresión serena y devota en un entorno minimalista que enfatiza la calma angelical de la novicia retratada.

Aparte destacan las veladuras en el rostro, la cuerda en la cintura representado la castidad y la obediencia y la representación delicadas de ambas manos.

Para finalizar subrayar que el Retrato de Elena Anguissola está considerado el retrato más antiguo que se conserva de la pintora italiana Sofonisba Anguissola.

Actualmente se encuentra en la Southampton City Art Gallery, Gran Bretaña.

El Hombre del Guante

El Hombre del Guante, también conocido como Retrato de Hombre o Joven con Guante, es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.520 d.C. y 1.523 d.C., perteneciente al arte renacentista.

El Hombre del Guante

El Hombre del Guante

Fue pintado por el pintor italiano Tiziano Vecellio di Gregorio (también conocido como Tiziano o Ticiano).

Lo primero que se conoce es que la pintura procede de la colección de la Galería Gonzaga de Mantua (también conocida como Galería Celeste), propiedad de los duques de Mantua.

En el año 1.627 d.C. la pintura pasó a manos del rey de Inglaterra, Escocia e Irlanda Carlos I de Inglaterra, junto con las piezas más valiosas de la colección.

Tras la decapitación del rey en el año 1.649 d.C. la pintura fue subastada y adquirida por el banquero francés Everhard Jabach.

Posteriormente, en el año 1.671 d.C., pasó a formar parte de la colección de arte del Palacio de Versalles (Francia), propiedad del rey de Francia Luis XIV (también conocido como "el Grande" o "el Rey del Sol").

Desde el Palacio de Versalles, El Hombre del Guante pasó en el año 1.792 d.C. a formar parte de la colección de arte del Museo del Louvre de París (Francia).

El Hombre del Guante

Descripción

Tiene una altura de 100 cm y una anchura de 89 cm, mientras que con el marco tiene una altura de 126 cm y una anchura de 114 cm. 

Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa un hombre joven de medio cuerpo que emerge de un fondo oscuro, con el torso mirando al frente.

El cuerpo está girado tres cuartos hacia la derecha, de cara al espectador, mientras que su rostro, girado a la izquierda se encuentra alerta y concentrado, pero sin emoción alguna, con la mirada fija en un punto indefinido lejos del espectador.

El brazo izquierdo descansa, junto con el borde de su capa, sobre un bloque de mármol, lo que confiere al hombre una postura relajada. 

Se encuentra ataviado con un abrigo negro holgado, un color característico de los miembros de la aristocracia o la clase alta de las ciudades del norte de Italia durante el siglo XVI d.C. (período comprendido entre los años 1.501 d.C. y 1.600 d.C.).

El abrigo revela una camisa blanca con cuello plisado, que ilumina su rostro, y puños con volantes que acentúan el color de sus manos sobre el fondo oscuro.

El brazo izquierdo descansa junto al borde del abrigo sobre un bloque de mármol, lo que confiere a la figura un aire grácil y familiar.

Sobretodo llama la atención como la mano izquierda enguantada sostiene un guante de cuero, un accesorio de los caballeros más refinados de la época.

También se puede observar como la mano derecha reposa sobre su regazo, exhibiendo en el dedo índice un anillo de oro, símbolo de riqueza.

Asimismo lleva alrededor del cuello un collar colgante adornado con un zafiro y una perla, que señala la pertenencia del joven retratado a una clase social superior.

El cabello corto está cuidadosamente peinado y en el rostro destacan las cejas pobladas, los ojos almendrados, la nariz recta, los labios carnosos y el mentón redondeado.

Es más el rostro joven llama la atención por su escasa barba y el ligero bigote (típico de los adolescentes), que atestigua discretamente la juventud del joven retratado.

También se puede apreciar como la firma del autor: "Ticianvs f." aparece como un cartucho en forma de incisión tallado en el bloque de mármol.

Con respecto a la composición resaltar como el autor envolvió el cuerpo del joven en la oscuridad de la ropa, para después que todo el cuerpo y la propia roja estuviera envuelta en la oscuridad del fondo, de tal manera que toda la atención del espectador se centre en el rostro.

La expresión del retratado transmite su personalidad mediante la observación minuciosa y la representación del su mirada y las manos, en lugar de a través de atributos y detalles decorativos.

La mirada del hombre se dirige hacia la derecha, en la misma dirección que el dedo de su mano derecha, sin guante, un gesto que transmite la voluntad decidida del joven.

Aparte destacar que aunque la pintura sigue siendo emblemática del estilo temprano del autor, representa su transición hacia su estilo maduro.

Para finalizar subrayar que El Hombre del Guante es el personaje epónimo de la novela "L'Homme au gant" de la autora Héliane Bernard y el escritor e historiador francés Christian Alexandre Fauré, volumen 2 de la saga histórica "Les Dents Noires".

Que relata la aventura en el año 1.517 d.C., el protagonista de la novela, un joven impresor, sin dinero y sin nombre que deja la ciudad de Lyon para ir a la ciudad de Venecia, siendo él El Hombre del Guante, a quien por un fabuloso giro del destino retratará el gran pintor italiano Tiziano.

Además resaltar que El Hombre del Guante también es el tema de un personaje ficticio en la novela "Le Turquetto" del escritor suizo Metin Arditi.

El autor imagina que ésta pintura fue creada por un judío turco exiliado en la ciudad de Venecia (Italia), un prodigio apodado Turquetto y que Tiziano la salvó de ser quemada, añadiendo su propia firma a la "T" estampada por el verdadero artista.

Actualmente se encuentra en el Museo del Louvre de París, Francia.

Antifonario Benedictino

El Antifonario Benedictino, también conocido como Benedictine Antiphonary, es un antifonario datado aproximadamente entre los años 1.467 d.C. y 1.470 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Antifonario Benedictino

Antifonario Benedictino

Fue realizado en la región de Lombardía, situada en Italia noroccidental por el iluminador y pintor italiano Belbello da Pavía (también conocido como Luchino di Giovanni Belbello).

Antifonario Benedictino

El antifonario procede del monasterio benedictino de San Giorgio Maggiore, edificado en la ciudad de Venecia (Italia).

En el año 1.924 d.C. fue adquirido por el marchante de arte y coleccionista italiano Carlo Bruscoli, pasando a formar parte de su colección de arte ubicada en la ciudad de Florencia (Italia).

Posteriormente fue comprado por el banquero, propietario de caballos de carreras, coleccionista de arte y filántropo estadounidense Robert Owen Lehman.

Hasta que en el año 1.960 d.C. el Antifonario Benedictino fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de manuscritos e iluminaciones.

Antifonario Benedictino

Antifonario Benedictino

Antifonario Benedictino

Antifonario Benedictino

Antifonario Benedictino

Antifonario Benedictino

Descripción

Cada folio tiene una altura de 56,2 cm, una anchura de 41 cm y la altura del pentagrama es de 4,2 cm.

El antifonario cerrado tiene una altura total de 58,7 cm, una anchura de 42,5 cm y un grosor de 9,2 cm, mientras que el antifonario abierto presenta una altura total de 58,7 cm, una anchura de 81,9 cm y un grosor de 27,9 cm.

Está realizado en témpera, oro y tinta sobre pergamino, mientras que la encuadernación está realizada en cuero sobre tablas de madera con guarniciones y protuberancias de aleación de cobre.

Se trata de un antifonario, es decir, un libro litúrgico que contiene las antífonas (pasaje bíblico corto que se canta o se recita como un estribillo antes y después de un salmo o canto, durante la liturgia católica) que se cantan durante todo el año.

Cabe destacar que en el año 1.462 d.C. la exitosa carrera artística del iluminador y pintor italiano Belbello da Pavía pareció dar un giro desastroso, puesto que fue exiliado de la corte de Mantua por un crimen notorio.

Sin embargo, su traslado a la ciudad de Venecia (Italia) resultó ser una buena fortuna, tanto para el artista como para el abad del monasterio de San Giorgio Maggiore (Italia), quién le encargó la creación de un conjunto decorado de libros de coro.

Éste volumen de dicho conjunto contiene cantos para ser cantados en los servicios de oración diarios desde el Adviento, las cuatro semanas previas a la Navidad, hasta la Cuaresma, el tiempo de penitencia y ayuno previo a la Pascua.

Sobretodo llama la atención el sorprendente brillo del rosa y el verde ácido característico de la obra. Además resaltar que la atención prodigada a las letras decoradas evidencia la importancia del encargo.

Aunque lamentablemente, hoy en día sólo se conocen tres de los volúmenes encuadernados que sobreviven, y el Antifonario Benedictino, cuyas imágenes figurativas fueron recortadas en el siglo XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 1.900 d.C.), es el único que ha salido de la ciudad de Venecia (Italia).

Para finalizar subrayar que el Antifonario Benedictino fue expuesto desde el 30 de septiembre del año 2.003 d.C. al 1 de febrero del año 2.004 d.C. en la exposición "Treasures of a Lost Art: Italian Manuscript Painting of the Middle Ages and Renaissance" ("Tesoros de un arte perdido: Pintura manuscrita italiana de la Edad Media y el Renacimiento"), ocurrida en el  Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Un Oso Caminando

Un Oso Caminando, también conocido como Estudio de un Oso, es un dibujo datado aproximadamente entre los años 1.482 d.C. y 1.485 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Un Oso Caminando

Un Oso Caminando

Fue dibujado por el pintor, anatomista, arquitecto, paleontólogo, botánico, escritor, escultor, filósofo, ingeniero, inventor, músico, poeta y urbanista italiano Leonardo di ser Piero da Vinci (también conocido como Leonardo da Vinci). 

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte del pintor británico Thomas Lawrence, localizada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

Después en el año 1.830 d.C. el dibujo fue comprado por el marchante de arte y pintor Samuel Woodburn, pasando a formar parte de su colección de arte.

El 8 de junio del año 1.860 d.C. el dibujo Un Oso Caminando fue subastado por la casa de subastas "Christie, Manson & Woods", en la ciudad de Londres (Gran Bretaña), siendo adquirido por un coleccionista privado afincado en Gran Bretaña.

Posteriormente el dibujo fue adquirido por la galería de arte comercial más antigua del mundo "Colnaghi", ubicada en St. James's, en el centro de la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

En el año 1.936 d.C. el dibujo fue comprado por el banquero y coleccionista de dibujos de antiguos maestros alemán Ludwig Rosenthal (también conocido, posteriormente, como Lewis Valentine Randall).

En el año 1.942 d.C. Un Oso Caminando fue adquirido por la galería de arte "Schaeffer Galleries", situada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En febrero del año 1.945 d.C. el dibujo fue comprado por el banquero y coleccionista de arte estadounidense Robert Lehman, pasando a formar parte de su colección de arte "Colección Robert Lehman", ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.975 d.C. Un Oso Caminando fue adquirido por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 10,3 cm y una anchura de 13,3 cm. Está realizado en punta de plata sobre papel de color claro.

Se trata de un dibujo que representa la figura esbozada de un oso adulto de perfil, caminando hacia el lado derecho, con la pata delantera derecha levantada.

Destaca la presentación de la cabeza de gran tamaño, las orejas redondeadas, pequeñas y erectas, los ojos pequeños, el cuerpo pesado, robusto y una cola corta, apenas esbozada.

Aparte delante del oso hay dibujada una pata con los cinco dedos que acaban en uñas fuertes y recurvadas garras.

Además destacar que algunos investigadores consideran que probablemente el estudio natural, junto con la comprensión anatómica del animal, podría haberse visto facilitada por las disecciones de osos realizadas por el autor. 

Es más la lámina se relaciona con un grupo de estudios de osos que Leonardo da Vinci probablemente realizó para su tratado de anatomía, sobre el cual escribió:

"Hablaré de las manos de cada animal para mostrar cómo varían, 

como en el oso,

que tiene las ligaduras de los dedos unidas por encima del empeine"

Con respecto a la composición destacar que los tenues contornos de una mujer sentada son visibles debajo del dibujo del oso, lo que indica que el artista reutilizó la lámina.

Para finalizar subrayar que los abundante dibujos y cuadernos de Leonardo da Vinci dan testimonio de su aguda e incansable observación de todos los aspectos del mundo natural.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Retrato de Mujer como Virgen Sabia

El Retrato de Mujer como Virgen Sabia, también conocida como Retrato de una Mujer como la Virgen Prudente, es un retrato datado aproximadamente en el año 1.510 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Retrato de Mujer como Virgen Sabia

Fue pintado por el pintor italiano Sebastiano Luciani (también conocido como Sebastiano del Piombo).

Lo primero que se conoce es que en el año 1.650 d.C. se encontrada en la colección de arte del marchante de arte y coleccionista de arte flamenco (personas de la región de Flandes) Jean and Jacques van Veerle, ubicada en la ciudad de Amberes (Bélgica).

En el año 1.870 d.C. la pintura fue adquirida por el coleccionista de arte Edward White, pasando a formar parte de su colección de arte ubicada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

El 5 de abril del año 1.872 d.C. fue subastada por la casa de subastas Christie's de Londres (Gran Bretaña).

Siendo comprado por por el marchante de arte y coleccionista británico Sir Francis Cook (primer baronet y primer vizconte Monserrate).

En el año 1.901 d.C. el Retrato de Mujer como Virgen Sabia, por herencia, pasó a formar parte de la colección del empresario textil y político del Partido Conservador británico Sir Frederick Lucas Cook (segundo baronet).

En el año 1.920 d.C., por herencia, pasó a formar parte de la colección del mecenas e historiador de arte británico Sir Herbert Frederick Cook (tercer baronet).

En el año 1.939 d.C. el retrato por herencia pasó a ser propiedad por el artista británico y coleccionista de arte Sir Francis Ferdinand Maurice Cook (cuarto baronet).

El 18 de febrero del año 1.947 d.C. la pintura fue vendida a la Fundación Samuel H. Kress de la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América), pasando a formar parte de la colección de arte "Samuel H. Krees Collection".

Hasta que en el año 1.952 d.C. el Retrato de Mujer como Virgen Sabia fue donado a la National Gallery de Washington (Galería Nacional de Arte de Washington), en Estados Unidos de América, dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 54,7 cm y una anchura de 47,5 cm, mientras que se enmarcado tiene una altura de 77,5 cm, una anchura de 69.4 cm y un grosor de 7,3 cm.

Está pintado al óleo sobre tabla, transferido de un papel.

Se trata del retrato del busto de una mujer joven, representada de medio cuerpo, con el torso girado en tres cuartos hacia el lado izquierdo, con la cabeza ligeramente girada hacia el lado izquierdo y sobre un fondo oscuro que resalta su anatomía.

Llama la atención como la joven muestra en primer plano su brazo derecho, desnudo desde el codo, con el que sostiene una lámpara apagada.

También cabe resaltar que la lámpara apagada probablemente hace alusión a la parábola evangélica de las vírgenes prudentes e insensatas y posiblemente sea un pretexto utilizado por el artista para dotar a la pintura de un trasfondo religioso.

En el rostro destacan las cejas finas, los ojos almendrados con la mirada firme que delata cierta timidez, la nariz recta, los labios carnosos y el mentón redondeado. 

Además destaca como el cabello castaño claro está recogido en un elaborado peinado trenzado que le cae por el hombro izquierdo.

Se encuentra ataviada con un vestido de satén azul con un escote cuadrado (escote de corte recto y horizontal que forma ángulos rectos en los hombros), con las mangas abullonada fruncida sobre la camisa de algodón retorcida sobre la manga.

Con respecto a la composición resaltar que la fisonomía de la figura se muestra meticulosa, al igual que el estudio de la luz sobre la manga de satén azul fruncida, todo ello realzado por el fondo oscuro y uniforme.

Para finalizar subrayar que abajo a la derecha, situada debajo de la mano, se puede observar la firma del autor: V. (C) OLONNA.

Actualmente se encuentra en la Galería Nacional de Arte de Washington, Estados Unidos de América.

Sansón y Dalila

Sansón y Dalila es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.495 d.C. y 1.500 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Sansón y Dalila

Sansón y Dalila

Fue pintada por el pintor y grabador italiano Andrea Mategna.

Lo primero que se conoce es que la pintura se encontraba en posesión del coleccionista de arte italiano Bartolomeo Buonfiglioli.

En el año 1.728 d.C. la pintura fue comprada en la ciudad de Bolonia (Italia) por el coleccionista de arte y procurador italiano Zaccaria Segredo.

En el año 1.761 d.C. Sansón y Dalila fue adquirida en la ciudad de Venecia (Italia) por el cónsul y coleccionista de arte británico Joseph Smith (también conocido como Cónsul Smith).

En el año 1.728 d.C. la pintura fue comprada por coleccionista y diplomático escocés John Udny e importada a Gran Bretaña.

Posteriormente formó parte de la colección de la biblioteca del Duque de Marlborough, ubicada en el Palacio de Blenheim, situada en Woodstoch, en el condado de Oxfordshire (Gran Bretaña).

Hasta que el 15 de junio del año 1.883 d.C. la pintura fue subastada y comprada por la National Gallery de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 47 cm y una anchura de 36,8 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa el episodio bíblico de Sansón y Dalila, narrado en el libro del Antiguo Testamento, Libro de los Jueces 16:18-21.

Sansón el héroe israelita del Antiguo Testamento se encuentra sumido en un sueño, con las extremidades flácidas y la boca abierta, mientras que Dalila, su amante, se ocupa de cortarle el cabello rizado, que se acumula en mechones en el suelo junto a él.

Atraída por un soborno de los filisteos, vecinos y enemigos de Sansón, Dalila accedió a colaborar en la captura de Sansón y cortó la fuente de su legendaria fuerza, su cabello, mientras dormía.

Además se puede apreciar como su traición queda subrayada por la inscripción en latín tallada en el árbol, en la que se puede leer: "La mujer es tres veces peor que el mismísimo diablo".

La escena se desarrolla sobre un fondo vibrante compuesto por remolinos de pintura gris y naranja que recuerdan a una lámina de mármol pulido jaspeado o a un camafeo (un relieve tallado en una concha o piedra semipreciosa).

En cualquier caso los colores y las formas sugieren las llamas del infierno. Sin embargo en contraste, la escena en sí misma parece serena e idílica.

Tanto Sansón como Dalila se encuentran ataviados con antiguos ropajes romanos que se deslizan libremente por sus cuerpos, insinuando placer y descanso.

También destaca el agua corriente que sale de la fuente y desemboca en un pequeño arroyo. Aparte se pueden observar un grupo de lirios junto al cuerpo de Sansón y detrás de él un limonero da frutos.

Aunque el árbol no tiene hojas propias y una de sus ramas ha sido corta, hay una parra cargada de uvas maduras que lo rodea.

Para finalizar con respecto a la composición resaltar que el autor enfatizó la atemporalidad de su mensaje moral pintado la pintura para que se pareciera a los antiguos relieves de piedra o bronce.

Sobretodo destaca como también hay color y dramatismo, manteniendo la ilusión de que todo el objeto se encuentra hecho de piedra,

Actualmente se encuentra en la National Gallery de Londres, Gran Bretaña.

Piedad Rondanini

La Piedad Rondanini es una escultura datada aproximadamente entre los años 1.552 d.C. y 1.564 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Piedad Rondanini

En concreto resaltar que la primera versión fue esculpida entre los años 1.552 d.C. y 1.553 d.C. y reelaborada entre los años 1.555 d.C. y 1.564 d.C..

Piedad Rondanini

Fue esculpida por el arquitecto, escultor, pintor y poeta italiano Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni (también conocido como Miguel Ángel).

En el año 1.652 d.C. la escultura se encontraba en un taller romano, dónde fue vista por el italiano Gian Domenico Ottonelli y por el pintor y arquitecto italiano Pietro da Cartona.

En el año 1.744 d.C. fue comprada por lo marqueses Rondanini, de ahí procede su nombre actual, siendo expuesta en un nicho de la biblioteca del Palacio Rondanini, situado en la calle Vía del Corsoo, en el centro histórico de la ciudad de Roma (Italia).

En el año 1.904 d.C. el Palacio Rondanini fue comprado por el conde del Castel Palazzo Roberto Vimercati-Sanseverino y la Piedad Rondanini permaneció en el edificio colocándose sobre una base hecha a partir de un altar funerario romano de la época trajana.

Piedad Rondanini

En el año 1.945 d.C. la escultura pasó, por herencia, a ser propiedad de los herederos del conde quienes la trasladaron a una villa romana de su propiedad, dónde podía visitarse.

En el año 1.952 d.C. por iniciativa de la historiadora de arte italiana Fernanda Wittgens la Piedad Rondanini fue comprada por el Ayuntamiento de Milán, que la incorporó a las Colecciones Cívicas del Castello Sforzesco (Italia).

El 2 de mayo del año 2.015 d.C. la Piedad Rondanini fue trasladada al nuevo Museo del Castillo Sforzesco, ubicado en el antiguo hospital español del patio de armas del Castillo Sforzesco, localizado en el municipio de Milán, en la región de Lombardía (Italia).

Piedad Rondanini

Descripción

Tiene una altura de 195 cm. Está fabricada en mármol, mediante las técnicas de incisión y tallado.

Se trata de una escultura que representa la escena de la Piedad, es decir, a la Virgen María sosteniendo a su hijo Cristo muerto tras la crucifixión.

La primera versión podría incluir únicamente a la figura de la Virgen María sosteniendo a su hijo por detrás, sosteniéndolo bajo sus axilas.

Durante la segunda versión el artista reelaboró la escultura a partir del cuerpo de la Virgen María, por lo que se creó una nueva figura de Cristo (de la figura anterior sólo se conservó las piernas dobladas), mientras que a partir del hombo izquierdo y el pecho del antiguo cuerpo de Cristo se creó u nuevo cuerpo para representar a la Virgen María.

Cabe enfatizar que la nueva composición vertical demostró la capacidad inventiva del artista. Toda la escultura alterna secciones completadas, que hacen referencia al primer borrador y secciones inacabadas vinculadas a la revisión de la segunda versión, inconclusa.

Piedad Rondanini

Las secciones completadas incluyen el brazo derecho de Cristo, separado del resto de su cuerpo y roto justo por encima del codo, las piernas del Redentor y rastros de una orientación diferente del rostro de la Virgen.

Sin embargo las partes relacionadas con la nueva versión son el nuevo rostro y cuerpo de la Virgen María y el torso extremadamente delgado y la cabeza de Cristo.

Llama la atención como las cabezas apenas se encuentran esbozadas, con los ojos, la boca y la nariz que delinean las caras inacabadas.

Con respecto a la composición resaltar que toda la atención se centra en la relación entre la madre y su hijo fallecido. 

El torso del Cristo está representado ligeramente inclinado hacia adelante, presionándose contra el cuerpo de la Virgen María formando casi un todo conmovedor con una gran tensión emocional.

Es más se puede apreciar como ambos parecen fundidos en un abrazo, con la Virgen incapaz de sujetar el cuerpo de su hijo, con las piernas flexionadas y representada como una figura etérea y sin vida.

Además si la escultura se observa desde una vista lateral ésta parece inclinada hacia delante, siendo ésta curvatura la que da una sensación de impulso ascendente.

También destacar que en el año 2.004 d.C. la escultura fue sometida a una meticulosa intervención de conservación destinada a eliminar las diversas sustancias (pinturas, estuco, mortero) que habían teñido la piedra y la pátina amarillenta que cubría tanto el pedestal como la obra.

Para finalizar subrayar que la Piedad Rondanini está considerada la última obra del arquitecto, escultor, pintor y poeta italiano Miguel Ángel.

Se conoce que el artista trabajó en ésta obra hasta pocos días antes de su muerte, como lo demuestran dos cartas del pintor y escultor italiano Daniele da Volterra (también conocido como Daniele Ricciarelli) al arquitecto y pintor italiano Giorgio Vasari y del italiano Leonardo Buonarroti, respectivamente.

De hecho, la obra se encontró en el taller del artista después de su muerte y se inventarió de la siguiente manera:

"Una estatua comenzada de un Cristo con otra figura encima, unidas, toscamente talladas e incabadas"

Aparte resaltar que la Piedad Rondanini tiene referencias literarias aparece en la novela "La sonrisa etrusca" escrita por el escritor, humanista, economista y político español José Luis Sampedro Sáez y también aparece en las páginas 116 - 118 de la novela "Perdendosi" escrita por el filósofo, profesor y escritor español Miguel Catalán González.

Actualmente se conserva en el Museo del Castillo Sforzesco de Milán, Italia.

Escudo de Girolamo da Treviso

El Escudo de Girolamo da Treviso es un escudo datado aproximadamente en el año 1.535 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Escudo de Girolamo da Treviso

Escudo de Girolamo da Treviso

Fue fabricado por el pintor italiano Girolamo da Treviso (también conocido como Girolamo di Tommaso da Treviso il Gióvane o Girolamo Trévigi).

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte del coleccionista y financiero estadounidense Clarence Hungerford Mackay.

En el año 1.938 d.C., año de su muerte, sus bienes fueron vendidos a través de la galería internacional de arte y antigüedades "Jacques Seligmann & Co.".

El 14 de enero del año 1.941 d.C. el escudo fue comprado por el autor y coleccionista Stephen V. Grancsay, pasando a formar parte de su colección de arte ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.942 d.C. el Escudo de Girolamo da Treviso fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene un diámetro de 62,53 cm y una profundidad aproximada de 12 cm. Está fabricado en madera, lino, yeso, pan de oro y policromía.

Se trata de un pequeño escudo con forma circular que ha sido pintado tanto en el interior como en el exterior con escenas de la historia romana y la mitología clásica.

Las escenas fueron pintadas en grisalla (tonos grises) sobre una base de pan de oro, siendo muchos de los detalles realizados mediante la técnica de esgrafiado (técnica de raspar una superficie para revelar un color diferente debajo, en este caso, oro).

Por lo tanto el oro así expuesto se encuentra impreso con marcas en forma de coma para realzar su capacidad de reflejar la luz.

De las escenas representadas destacan las escenas de batalla pintadas en el interior del escudo, que quizás ilustran episodios de la vida del general y político romano Publio Cornelio Escipión Africano (también conocido como Escipión el Africano).

Con respecto a la composición destacar que las representaciones muestran una profunda observación del artista de la indumentaria y la armadura clásicas, ambas conocidas a través de la escultura y las monedas antiguas.

Para finalizar subrayar que el pintor italiano Girolamo da Treviso fue uno de los pocos artistas del siglo XVI d.C. (período comprendido entre los años 1.501 d.C. y 1.600 d.C.) que empleó la exigente técnica del esgrafiado, que había pasado de moda a finales del siglo XV d.C. (período comprendido entre los años 1.401 d.C. y 1.500 d.C.).

Además destacar que el Escudo de Girolamo da Treviso forma parte de un pequeño grupo de escudos de gala renacentistas.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Sallet en Forma de Cabeza de León

El Sallet en Forma de Cabeza de León, también conocido como Celata en Forma de Cabeza de León, es un sallet datado aproximadamente entre los años 1.475 d.C. y 1.480 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Sallet en Forma de Cabeza de León

Sallet en Forma de Cabeza de León

En el año 1.816 d.C. el sallet formaba parte de la colección de arte del restaurador de cuadros y coleccionista británico Thomas Gwennap.

En el año 1.833 d.C. fue adquirido por el coleccionista de arte A. C. Lafontaine, pasando a formar parte de su colección de arte ubicada en Gran Bretaña.

En el año 1.914 d.C. el Sallet en Forma de Cabeza de León fue comprado por el marchante de arte alemán Julius Böhler.

En ese mismo año 1.914 d.C. fue vendido al museo Germanisches Nationalmuseum (Museo Nacional Germano o Museo Nacional Germánico), localizado en la ciudad de Núremberg (Alemania).

Entre los años 1.922 d.C. y 1.923 d.C. el sallet fue adquirido por un coleccionista privado afincado en Holanda.

Hasta que en el año 1.923 d.C. el Sallet en Forma de Cabeza de León fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Sallet en Forma de Cabeza de León

Sallet en Forma de Cabeza de León

Sallet en Forma de Cabeza de León

Descripción

Tiene una altura de 29,8 cm, una anchura de 21 cm, una profundidad de 31,8 cm y un peso de 3.574 g. 

Está elaborado en acero, cobre, oro, vidrio, pigmento y textil.

Se trata de un sallet (también conocido como celata, salade o schaller), es decir, un tipo de casco de combate popular a mediados del siglo XV d.C. en Europa que deja el rostro al descubierto y tiene forma de cabeza de león.

Cabe destacar que la cabeza de león es una carcasa exterior de cobre repujado y dorado que se ha colocado sobre un casco de acero liso subyacente.

Además resaltar que representa la cabeza del León de Nemea (un animal invulnerable que asolaba los campos devorando a las personas y al ganado), cuya piel fue usada como tocado y capa por el héroe mitológico Hércules (un semidiós hijo del dios Zeus y la mortal Alcmena).

Con respecto a la composición resaltar que dentro del arte renacentista el león ha sido representado como un símbolo de fuerza indomable, coraje y perseverancia.

Para finalizar subrayar que el Sallet en Forma de Cabeza de León está considerado el ejemplo más antiguo que se conserva de armadura renacentista de estilo antiguo.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Perla de Modena

La Perla de Modena, también conocida como Retrato Femenino, es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.518 d.C. y 1.520 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Perla de Modena

Perla de Modena

Fue pintado por el pintor y arquitecto italiano Raffaello Sanzio (también conocido como Rafael de Urbino o Rafael).

Se conoce que la pintura fue un encargo del Conde de Canossa, perteneciente a una antigua noble familia italiana descendiente de la duquesa y margravina (rango nobiliario) italiana Matilde de Canosa (también conocida como la Gran Condesa o Matilde de Toscana).

En el año 1.663 d.C. se encontraba en los sótanos del Palacio Ducal de Este, propiedad de la familia noble italiana, soberanos del Ducado de Ferrara y del Ducado de Módena, la Casa de Este.

En el año 1.894 d.C. la Perla de Modena fue trasladada a la Galería Estense, ubicada en la ciudad de Módena, localizada en la provincia de Módena, situada en la región Emilia-Romaña, en Italia.

Perla de Modena

Descripción

Tiene una altura de 35 cm y una anchura de 30 cm. 

Se trata de una pintura que representa el busto de la Virgen María sobre un fondo oscuro que destaca su figura.

Tiene la cabeza representada ligeramente ladeada hacia el lado derecho, con la mirada dirigida a su hombro derecho descubierto.

En el rostro redondeado destacan las cejas finas, los ojos almendrados entrecerrados, la nariz recta, los labios carnosos, el mentón redondeado y los pómulos marcados mediante un leve rosado.

También se puede observar como el cabello largo y castaño está peinado hacia atrás en un elaborado peinado, sujetado por una fina cinta y un velo semitransparente que le cubre la parte posterior de la cabeza.

Además está ataviada por una túnica en tonos morados-plateados con numerosos pliegues y escote en forma de barco que le deja los hombros al descubierto. Aparte lleva un manto en tonos verdes-dorados que le cubre.

Para finalizar subrayar que expertos italianos han identificado la pintura como un fragmento de una composición original de Rafael, una primera versión de la Sagrada Familia (también conocida como La Perla), que el artista habría pintado entre los años 1.518 d.C. y 1.520 d.C. (año de su muerte), lo que atestigua la actividad tardía del pintor en la ciudad de Roma (Italia).

Es más se piensa que tras la muerte prematura del maestro, que probablemente sólo puedo realizar el boceto, podría haber sido uno de sus discípulos quién completó la obra que, sin embargo, fue atribuida al pintor y arquitecto italiano Raffaello Sanzio (también conocido como Rafael de Urbino o Rafael).

Actualmente se encuentra en la Galeria Estense de Módena, Italia.

San Antonio de Padua

San Antonio de Padua es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.484 d.C. y 1.490 d.C., perteneciente al arte renacentista.

San Antonio de Padua

Fue pintada por el pintor cuatrocentista italiano Cosimo Tura (también conocido como Cosmè Tura o II Cosmè).

La pintura fue encargada por el duque de Ferrara, de Módena y Reggio, miembro de la Casa de Este, Hercules I de Este (también conocido como Ercole I d'Este y apodado "El Diamante" y "Viento del Norte").

Es conocido que la pintura había sido realizada para su sobrino el obispo católico italiano Niccolò Maria d'Este.

Además resaltar que originalmente la pintura fue colocada en la Iglesia de San Nicolò en Ferrara, ubicada en la ciudad de Ferrara, localizada en la región de Emilia-Romaña (Italia).

Después la pintura pasó por varias instituciones antes de ser adquirida por el estado italiano.

Siendo en el año 1.906 d.C. cuando San Antonio de Padua pasó a formar parte de la colección de arte de la Galería Estense de Módena, Italia.

Descripción

Tiene una altura de 178 cm y una anchura de 80 cm. Está pintado en óleo sobre tabla.

Se trata de una pintura que representa al sacerdote de la Orden Franciscana, predicador y teólogo portugués San Antonio de Padua (también conocido como San Antonio de Lisboa o Antonio de Padua).

Aparece representado muy alto, con el rostro demacrado y consternado. Además llama la atención como está representado en un esquema cromático reducido que le hace parecer una estatua grotesca.

Se encuentra ataviado con un sayal marrón atado a la cintura con el cíngulo (cordón con tres nudos que representan la Pobreza, la Castidad y la Obediencia), de la vestimenta resalta como los pliegues están realzados por el incisivo claroscuro como si fueran de piedra, mientras que las manos alargadas y blancas rompen el suave curso de la figura.

La escena se encuentra ambientada en una logia con suelo de damero en perspectiva y un arco, sostenido por dos pilares corintios con pulvinos, más allá del cual se abre un vasto paisaje marino con un horizonte rebajado que hace que el santo parezca aún más alto.

También se observa como en el mar hay una ensenada (accidente geográfico costero consistente una entrada de agua circular o redondeada con una boca estrecha) con barcas, suavemente iluminadas por la luz dorada del atardecer.

Para finalizar con respecto a la composición destacar que San Antonio de Padua muestra los desarrollos finales del arte del pintor italiano Cosimo Tura, marcados por un expresionismo profundo y original con destellos de invención visionaria.

Actualmente se encuentra en la Galería Estense de Módena, Italia.