Estandarte Otomano de Seda Roja

El Estandarte Otomano de Seda Roja es un estandarte datado aproximadamente en el siglo XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.700 d.C.), perteneciente al arte otomano.

Estandarte Otomano de Seda Roja

Lo primero que se conoce es que en el año 1.980 d.C. el estandarte fue comprado por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de Oriente Medio (también denominado Medio Oriente).

Descripción

Tiene una anchura de 204 cm y una longitud de 335 cm. Está tejido en seda.

Se trata de un estandarte de seda roja que ha sido ornamentado con bordados realizados con hilos de metal.

Está decorado con diferentes inscripciones en árabes de citas del Corán.

Además están bordados los nombres de los primeros califas musulmanes que dirigieron a los musulmanes después de la muerte del profeta Mahoma.

Cabe resaltar que el reinado de los primeros califas era conocido como Califato Rashidun (الخلفاء الراشدون), siendo el nombre de los califas los siguientes: Abu Bakr as-Siddiq (أبو بكر الصديق), Umar ibn al-Jattab (عمر بن الخطاب‎), Uthman ibn Affan (عثمان بن عفان) y 'Alī ibn Abī Ṭālib (عَلِيّ بْن أَبِي طَالِب).

También se aprecia como en el centro del estandarte se encuentra bordada la espada de dobla hoja con forma de tijera conocida como Zulfiqar (también denominada Zu al-Faqar, Zulfiqar, Dhu al-Faqar, Dhulfagar o Dhulfiqar).

Aparte se conoce que ésta espada era propiedad del califa 'Alī ibn Abī Ṭālib (عَلِيّ بْن أَبِي طَالِب) y solía ser representada en banderas y estandartes mulsumanes.

Para finalizar subrayar que es sabido que las tropas otomanas utilizaban estandartes durante las batallas con la finalidad de ser usados para identificar a los regimientos, así como servir como un llamamiento a Alá para que los protegiera de los enemigos y les diera la victoria.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Olifante de Clephane

El Olifante de Clephane es un olifante datado aproximadamente en el siglo XI d.C. (período comprendido entre los años 1.001 d.C. y 1.100 d.C.), perteneciente al arte medieval, en concreto al arte bizantino.

Olifante de Clephane

Olifante de Clephane

Olifante de Clephane

Olifante de Clephane

Se conoce que fue encontrado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en la ciudad de Salerno, localizada en la provincia de Salerno, situada en la región de Campania, en Italia.

También es conocido que perteneció a la colección del sexto marqués de Northampton y soldado británico William Bingham Compton (también conocido como Earl Compton).

Hasta que en el año 1.979 d.C. el Olifante de Clephane fue adquirido por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Olifante de Clephane

Descripción

Tiene una anchura de 115 mm y una longitud de 575 mm. 

Está fabricado en marfil de elefante, mediante las técnicas de incisión y tallado. 

Se trata de un olifante, es decir, un instrumento de viento que se encuentra ornamentado mediante bandas talladas con decoración en relieve que recorren la parte exterior del colmillo de elefante ahuecado.

Además se puede apreciar como de la campana a la boquilla se encuentran bandas lisas enmarcando bandas con follajes (dónde destacan la representación de hojas de acanto), bandas con rodelas contiguas y bandas con cuentas.

Aparte hay representado un friso con animales y bestias míticas, también en la banda empotrada (posiblemente utilizada originalmente para la montura de metal) hay un total de cuatro registros: cuatro cuadrigas, una escena de caza, hombres luchando y animales.

Con respecto a la utilización se piensa que el Olifante de Clephane era utilizado por los caballeros medievales para hacer sonar la alarma desde las almenas del castillo de Carslogie, una de las sedes de la familia Clephane, ubicado cerca de la localidad de Cupar, situada en el concejo de Fife, en Escocia.

Para finalizar con respecto al estado de conservación destacar que se puede apreciar como hay cuatro divisiones longitudinales, falta un gran fragmento del borde y otro fragmento del interior de la curva.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Aguamanil Visigodo

El Aguamanil Visigodo es un recipiente datado aproximadamente entre los siglos VII d.C. y VIII d.C. (período comprendido entre los años 601 d.C. y 800 d.C.), perteneciente al arte medieval.

Aguamanil Visigodo

En concreto se encuentra englobado dentro del arte prerrománico y dentro de éste pertenece al arte visigodo.

Se conoce que fue encontrado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en la ciudad de León, localizada en la provincia de León, situada en la comunidad autónoma de Castilla y León, en España.

Perteneció a la colección del coleccionista de arte español Braulio de Heras.

Hasta que en el año 1.900 d.C. el Aguamanil Visigodo fue comprado por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña).

Aguamanil Visigodo

Descripción

Tiene una altura de 16,30 cm. Está fabricado en aleación de bronce.

Se trata de una jarra que presenta un cuerpo globular, torneado y un alto cuello cilíndrico modelado, aunque la parte superior se encuentra perdida y el borde ha sido toscamente tallado.

El cuerpo presenta una decoración geométrica perforada e incisa en un cordón bajo y sobre una banda de caracteres incisos que están separados mediante líneas verticales.

También tiene un reposapiés de pedestal ensanchado. Además se pueden apreciar una total de tres agujeros grandes y un agujero más pequeño situado en un lateral.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que el Aguamanil Visigodo probablemente estaba destinado a un uso litúrgico, aunque también pudo haber sido utilizado en bautizos.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Cáliz de Santo Domingo de Silos

El Cáliz de Santo Domingo de Silos es un cáliz datado aproximadamente en el siglo XI d.C. (período comprendido entre los años 1.001 d.C. y 1.100 d.C.), perteneciente al arte medieval, en concreto al arte románico.

Cáliz de Santo Domingo de Silos

Se conoce que el cáliz fue mandado fabricar por orden del abad español de la orden de los benedictinos Domingo de Silos.

También es sabido que fue elaborado en el taller de la abadía benedictina Monasterio de Santo Domingo de Silos.

Localizado en el municipio de Santo Domingo de Silos, ubicado en la provincia de Burgos, en la comunidad autónoma de Castilla y León, en España.

Cabe resaltar que el Cáliz de Santo Domingo de Silos fue una de las piezas de orfebrería que se salvaron de la desamortizan eclesiástica ocurrida entre los años 1.835 d.C. y 1.880 d.C. en España.

Por lo que el cáliz permaneció en propiedad del Monasterio de Silos y posteriormente fue expuesto en el Museo de Monasterio de Silos, localizado en el municipio de Santo Domingo de Silos, en España. 

Cáliz de Santo Domingo de Silos

Descripción

Tiene una altura de 30 cm, un diámetro en la boca de 19 cm y tiene una capacidad de 2,5 litros. Está fabricado en plata dorada.

Se trata de un cáliz compuesto por dos medias esferas simétricas (una de las semiesfera se corresponde con la copa y la otra semiesfera se corresponde con la base), que están unidas por medio de una caña a la que corta un nudo con forma esférica.

Tanto la copa como la base se encuentran ornamentadas por columnas y arcos de herradura que forman una arquería (elemento arquitectónico compuesto por una sucesión o serie de arcos) dispuestos en un solo orden.

Cáliz de Santo Domingo de Silos

Además se puede observar como también hay decoración compuesta por cenefas y bandas que han sido elaboradas mediante filigrana a base de cordones y con diseños de: espirales, nudos de salomón y dobles eses. 

Así mismo en el nudo con forma esférica se pude apreciar la misma decoración de filigrana dispuesta en bandas horizontales.

También resaltar que en la base hay grabada la siguiente inscripción escrita en latín:

"IN NOMINE DOMINI 

OB HONOREM SCI SABASTIANI 

DOMINICO ABBAS FECIT"

Cuya traducción aproximada es la siguiente:

"En el nombre del Señor, en honor a Sebastián, el abad Domingo me mandó hacer"

Cabe destacar que originalmente el Cáliz de Santo Domingo de Silos fue utilizado como un cáliz ministerial (cáliz utilizado por el sacerdote católico cuando consagra el vino en la eucaristía) durante la liturgia cristiana.

Para finalizar subrayar que durante algún tiempo el arqueólogo, historiador de arte e historiador español Manuel Gómez-Moreno Martínez consideró que el cáliz podría pertenecer al arte mozárabe.

Sin embargo cuando se realizaron los estudios y verificaciones pertinentes se determinó que el Cáliz de Santo Domingo de Silos se encuentra englobado dentro del arte románico leonés.

Actualmente se encuentra en el Museo de Monasterio de Silos, España.

Botella con Motivo de Colmillo

La Botella con Motivo de Colmillo es un recipiente datado aproximadamente entre los años 800 a.C. y 550 a.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte cupisnique.

Botella con Motivo de Colmillo

Cabe destacar que los investigadores piensan que pudo haber sido hallado en la costa norte de los Andes centrales de Perú.

Pero lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte de Judith Stern-Riklis. 

Hasta que en el año 1.983 d.C. la Botella con Motivo de Colmillo fue regalada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene una altura de 17,8 cm. Está fabricada en cerámica.

Se trata de una botella, un recipiente, con cuerpo elipsoidal que ha sido realizada en el tono natural de la propia arcilla cocida y ornamentada con zonas suaves y texturizadas.

El cuerpo se encuentra ornamentado con un patrón texturizado en forma de lágrima que ha sido creado con la punta de una herramienta redondeada que ha sido empujada contra la arcilla blanda.

Además se puede apreciar como en el cuerpo hay una representación de una boca con colmillos. Cabe resaltar que ésta representación es una referencia abreviada a la compleja iconografía de la tradición religiosa Cupisnique-Chavin que floreció entre los años 1.200 a.C. y 500 a.C. en las comunidades de la costa norte peruana.

Con respecto a la composición destacar que tanto el borde de la botella como la boca con colmillos subrayan el vínculo conceptual entre dos orificios, la boca del recipiente y la boca de un felino.

Para finalizar subrayar que se conoce que los artistas de Cupisnique a menudo combinaban rasgos de felinos, aves rapaces y reptiles en una única figura, aunque también reducían las figuras a sus rasgos más destacados.

Es más los colmillos era un símbolo de la depredación y también eran recordatorios de un orden natural que se encuentra determinado por quién se come a quién.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Los Amantes

Los Amantes, también conocido como Dos Amantes, es una pintura datada en el año 1.630 d.C. (correspondiente al 1.039 año de la Hégira), perteneciente al arte persa.

Los Amantes

Fue pintada por el calígrafo, miniaturista y pintor persa Reza Abbasi (también conocido como Aqa Reza Reza-e 'Abbasi o Riza-yi'Abbasi).

Lo primero que se conoce es que en el año 1.910 d.C. se encontraba en la colección del orientalista, arqueólogo e historiador de arte alemán Friedrich Paul Theodor Sarre.

Después de su muerte, ocurrida en el año 1.945 d.C., Los Amantes pasó a ser propiedad de su esposa Maria Sarre.

Hasta que en el año 1.950 d.C. la pintura fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Los Amantes

Descripción

La pintura tiene una altura de 17,5 cm y una anchura de 11,1 cm, mientras que la página tiene una altura de 19,1 cm y una anchura de 12,5 cm. 

Está pintado en acuarela opaca, tinta y oro sobre papel.

Se trata de una pintura que representa una pareja entrelazada que refleja una actitud relajada hacia la sensualidad.

La mujer ataviada con ropa en tonos marrones, morado y dorados está sentada encima del hombre, con las piernas entrelazadas y los brazos extendidos hacia arriba rodeando el rostro del hombre.

Mientras que el hombre ataviado con una vestimenta en tonos verdes, azules y marrón está abrazando el cuerpo de la mujer, con la mano derecha le toca el rostro, mientras que con la mano izquierda abre la vestimenta de la mujer y mete la mano tocando la piel de su estomago.

Además se puede apreciar como el fondo marrón claro está ornamentado con detalles dorados compuestos por patrones vegetales y diversos objetos como: platos y un recipiente globular de cristal con un líquido en su interior.

Aparte la pintura tiene un borde exterior de color azul cielo que está ornamentado con un patrón vegetal elaborado en oro que destaca sobre el fondo.

Con respecto a la composición destacar como las figuras están inextricablemente unidas con los volúmenes fusionados confinados dentro de un solo contorno.

Para finalizar subrayar que en el lado derecho de la composición se puede observar como hay una inscripción escrita en idioma persa.

La inscripción es la siguiente:

"در روز 3 شنبه هشتم شهر شوال/ با إقبال سنهٔ 1039 به إتمام رسید. رقم کمینه رضاء عباسى/ ه"

Cuya traducción aproximada es la siguiente:

"Completado el martes, ocho de Shawwal, 

del afortunado año de 1.039 d.H. (21 de mayo del año 1.630 d.C.). 

Pintado por el humilde Riza-yi'Abbasi."

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Copa Gorm

La Copa Gorm, también conocida como Copa de Jelling, es una copa datada aproximadamente entre los años 958 d.C. y 959 d.C., perteneciente al arte medieval, en concreto al arte vikingo.

Copa Gorm

Fue hallado durante las excavaciones arqueológicas realizadas en el interior del túmulo del rey de Dinamarca Gorm el Viejo (también conocido como Gorm den Gamle).

Situado en la aldea de Jelling, localizada en la municipalidad de Vejle, en la península de Jutlandia (Dinamarca).

Se conoce que poco después de su descubrimiento pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Nacional de Dinamarca, localizado en la ciudad de Copenhague (Dinamarca).

Copa Gorm

Descripción

Está fabricada en plata.

Se trata de una pequeña copa de plata compuesta por una boca ancha con un borde elevado, un pie corto y una base ancha.

Cabe destacar que se puede observar como el interior de la copa es dorada, mientras que la superficie exterior del cuerpo está decorado mediante un patrón grabado compuesto de serpientes estilizas retorcidas y animales fantásticos.

Para finalizar subrayar que algunos investigadores piensan que la Copa Gorm era un recipiente para beber la bebida alcohólica conocida como "beor", mientras que otros investigadores piensan que podría interpretarse como un cáliz cristiano.

Puesto que se cree que la cámara funeraria dónde fue hallada la Copa Gorm fue cerrada entre los años 958 d.C. y 959 d.C. y según el cronista histórico sajón Viduquindo de Corvey Dinamarca fue cristianizada oficialmente no más de siete años antes de que la tumba fuera sellada.

Actualmente se encuentra en el Museo Nacional de Dinamarca, Dinamarca.

Palancana China

La Palancana China, también conocida como 清乾隆 碧玉雲龍洗, es una palancana datada aproximadamente en el año 1.774 d.C., perteneciente al arte chino.

Palancana China

Fue fabricada durante la dinastía Qing (清乾), la última dinastía imperial china que comprende entre los años 1.644 d.C. y 1.912 d.C..

Se conoce que perteneció a la colección de arte del hombre de negocios y filántropo estadounidense Heber Reginald Bishop.

Hasta que la Palancana China fue en el año 1.902 d.C. donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Palancana China

Palancana China

Descripción

Tiene una altura de 19,3 cm, una anchura de 76,1 cm y un diámetro de 43 cm. Está fabricada en nefrita (variedad dura y de grano fino de la actinolita y el menos valioso de los dos tipos de jade).

Se trata de una gran palancana con forma rectangular, con los bordes redondeados y que presenta una ornamentación tallada en toda la superficie exterior del cuerpo.

Palancana China

El diseño está compuesto por un total de cinco dragones con sus cuerpos sinuosos tallados en altorelieve persiguiendo dos perlas llameantes dentro y fuera de nubes arremolinadas. 

Además en la base interior se puede apreciar un poema escrito por el emperador Qianlong (乾隆), el sexto emperador de la dinastía Qing (清乾).

Cabe resaltar que el poema fecha la Palancana China en el año 1.774 d.C. y señala a la ciudad-oasis de Jotán (también conocida como Khotan o Hetian), en el noroeste de China, como la fuente del material utilizado para fabricar ésta palancana.

La inscripción escrita en caracteres tradicionales chinos es la siguiente:

"臣質和闐貢，良材作甕堪。

雲容垂碧落，龍德出深潭。

從類奇文覩，應聲精蹟探。

僧繇畫超絕，韓愈說包含。

那有堯年露，非無園客蠶。

遐球如近賦，屢獲以爲慚。

乾隆甲午新春御題。（鈐印：　所寳惟賢，乾隆御筆）"

Para finalizar subrayar que la forma general y la decoración de la Palancana China sugieren que se pudo haber inspirado en el colosal recipiente de vino de jade que fue encargado en el año 1.265 d.C. por Khubilai Khan (quinto y último Gran Kan del Imperio mongol y el primer emperador de la dinastía Yuan (大元)).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Recipiente decorado con Hojas de Peonía y Crisantemo

El Recipiente decorado con Hojas de Peonía y Crisantemo, también conocido como 백자 투각 연꽃 무늬 필통 조선 o 白磁透刻蓮花文筆筒 朝鮮, es un recipiente datado aproximadamente en el siglo XV d.C. (período comprendido entre los años 1.401 d.C. y 1.500 d.C.), perteneciente al arte coreano.

Recipiente decorado con Hojas de Peonía y Crisantemo

Lo primero que se conoce es que fue subastado el 22 de marzo del año 2.002 d.C. por la casa de subastas Christie's de Nueva York (Estados Unidos de América).

Siendo comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 7,3 cm y un diámetro de 10,2 cm. 

Está fabricado en gres (pasta cerámica).

Se trata de un recipiente elaborado en cerámica de Buncheong con un tono de color verde azulado y ornamentado con un diseño esgrafiado y estampado.

Destaca como tanto el borde exterior como el borde interior del recipiente se encuentra ornamentado por una banda decorada con un patrón de hojas de peonía con solo un par de flores.

También se puede apreciar como situado en el borde superior hay también una banda decorada con un patrón vegetal.

Recipiente decorado con
 Hojas de Peonía y Crisantemo

El interior del recipiente se encuentra decorado por cinco bandas ornamentadas con crisantemos.

Cabe resaltar como la banda superior es más grande y las bandas se van haciendo más pequeñas hasta llegar a la banda inferior.

Además se puede observar como situado en el centro hay un medallón central con un crisantemo y las bandas se encuentra dispuestas concéntricamente alrededor del medallón central.

Con respecto a la composición destacar que la voluta audaz y ondulante de las hojas de peonía contrasta con el motivo de crisantemo fuertemente estampado en el interior.

Para finalizar subrayar que la cerámica de Buncheong se caracteriza por el uso de arcilla oscura que contiene hierro cubierta con engobe blanco y un esmalte transparente.

Aparte destacar que su origen se remonta al siglo XV d.C. (período comprendido entre los años 1.401 d.C. y 1.500 d.C.), concretamente a principios de la dinastía Joseon (조선) reino dinástico coreano que duro aproximadamente cinco siglos.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Noli Me Tangere

Noli Me Tangere es una pintura datada aproximadamente en el año 1.512 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Noli Me Tangere

Fue pintada por el pintor italiano Tiziano Vecellio di Gregorio (también conocido como Tiziano).

En el año 1.648 d.C. la pintura se encontraba en la colección Muselli de Verona, ubicada en la ciudad de Verona, en la región de Véneto (Italia).

Después en el año 1.727 d.C. pasó a pertenecer a la colección del príncipe francés de la rama Borbón de la Dinastía de los Capetos y duque de Orleans, Gastón de Francia (también conocido como Gastón de Orleans).

Hasta que en el año 1.856 d.C. Noli Me Tangere fue legada a la National Gallery de Londres (Galería Nacional de Londres), Gran Bretaña.

Descripción

Tiene una altura de 109 cm y una anchura de 91 cm. Está pintado al óleo sobre tela.

Se trata de una pintura que representa el tema bíblico de la resurrección de Jesús mencionada en el Nuevo Testamento, en el Evangelio de Juan (20:14-18).

Aparece representado el momento en el que la discípula de Jesús, María Magdalena se encuentra la tumba de Jesús vacía por lo que pregunta a la persona que en principio pensó que era un jardinero de hierbas por el cuerpo de Cristo. 

En concreto se representa el momento en que Jesús se da a conocer. Se puede observar como Jesús aparece representado en el lado derecho, en posición de pie, sosteniendo una azada con su mano izquierda y ataviado con una túnica corta anudada a la cintura y un manto blanco anudado al cuello.

María Magdalena aparece representa arrodillada a la izquierda de Cristo, mirándole, con la mano derecha intenta tocarle, mientras que con la mano izquierda se apoya en el suelo. Además se aprecia como está ataviada con una túnica blanca y un manto rojo.

El fondo es un paisaje bucólico dónde destaca como en el lado izquierdo de la composición aparecen representadas varias casas en una colina.

Con respecto a la composición destacar que el gran árbol situado a la izquierda de la composición prolonga visualmente la figura de Cristo dotándola de mayor monumentalidad.

Además el intenso cromatismo, inspirado en los principios del tonalismo, crea grandes campos de color que dan vigor expresivo a las figuras.

La pintura también destaca por la suave inserción de las figuras en el paisaje y por los efectos materiales de los tejidos que han sido realizados mediante una pincelada ágil y rápida.

También resaltar que durante una restauración y mediante la utilización de los rayos "X" se descubrió una posición diferente de Cristo en el dibujo de abajo.

Para finalizar subrayar que el título de la pintura "Noli Me Tangere" significa "no me toques" y son las palabras que Jesús pronunció a María Magdalena cuando, después de su resurrección, se apareció a sus afligidos seguidores en el huerto de Gersamaní (Jerusalén).

Actualmente se encuentra en la National Gallery de Londres, Gran Bretaña.

Ojo de Shinjuku

El Ojo de Shinjuku, también conocido como Shinjuku no Me o しんじゅくのめ (新宿の目), es una escultura datada en el año 1.969 d.C., perteneciente al arte japonés.

Ojo de Shinjuku

Fue esculpida por la escultura y pintora japonesa Miyashita Yoshiko (宮下芳子).

Se encuentra en el sótano del edificio Subaru (スバルビル).

Cercano a la salida oeste (西) de la estación de tren de Shinjuku (新宿駅).

Localizado en el barrio de Shinjuku (新宿区), el centro comercial y administrativo de Tokio (東京都), en Japón (日本).

Ojo de Shinjuku

Ojo de Shinjuku

Descripción

Tiene una altura de 3,4 metros y una anchura de 10 metros.

Ojo de Shinjuku

Se trata de una escultura realizada en acrílico que representa un ojo dimensional iluminado.

El iris esta representado por un redondel acrílico blanco trasparente que deja ver las líneas concéntricas representadas en su interior.

La pupila se encuentra compuesta por líneas onduladas dispuestas radialmente alrededor del iris y que dan una sensación de movimiento.

También se puede observar como la esclerótica se compone por bandas dispuestas verticalmente y decorada mediante patrones circulares.

Cabe resaltar que desde la página web oficial de la escultura y pintora japonesa Miyashita Yoshiko (宮下芳子), se describe la obra de la siguiente manera:

" 時の流れ、思想の動き、現代のあらゆるものを見つめる“目”二十一世紀に伝える歴史の“目”…もしかすると 遠く宇宙を見っめる“目”かも知れない。このような多次元の“目”こそ新都心のかなめ「スバルビル」には最適、と思った」（原文ママ）と記している。"

Ojo de Shinjuku (detalle)

Cuya traducción aproximada es la siguiente:

" El fluir del tiempo, el movimiento de los pensamientos, los 'ojos' que miran todo en la era actual, el 'ojo' de la historia para transmitir al siglo XXI d.C. ... 

Puede ser un 'ojo' que mira hacia el universo distante. 

Por ello pensé que el ojo dimensional sería la mejor opción para ubicarlo en el sótano del edificio Subaru, que era clave en el centro de la ciudad."

Aparte se conoce que el 2 de junio del año 2.019 d.C. se notificó a la comisaría de Shinjuku que alguien había dañado el Ojo de Shinjuku, siendo los trabajos de reparación acabados el 9 de agosto del ese mismo año.

Como curiosidad destacar que después del Gran Terremoto del Este de Japón ocurrido el 11 de marzo del año 2.011 d.C. y el accidente de la planta de energía nuclear de Fukushima Daiichi (福島第一原子力発電所事故), las luces se apagaron para ahorrar energía hasta que en febrero del año 2.015 d.C. las luces fluorescentes fueron cambiadas por luces LED y se volvieron a encender.

Ojo Shinjuku

Para finalizar subrayar que el Ojo de Shinjuku se encuentra considerado como el "arte público" más llamativo de la ciudad de Tokyo (東京), en Japón (日本).

Además resaltar que la autora Miyashita Yoshiko (宮下芳子) comentó sobre su obra lo siguiente:

"発表当時はとにかくみんなに驚かれたものです。当時は10年早いと言われたものですが、いまようやく時代が追いついたような気がしています。日本はパブリック・アートを大事にしない国であり、これは大変恥ずかしいことだと思います。私の命あるかぎり、大事にしてほしいですね"

Ojo de Shinjuku

Cuya traducción aproximada es la siguiente:

"En el momento de presentar la obra todos estaban sorprendidos. Se dijo en ese momento que era 10 años demasiado pronto, pero ahora siento que los tiempos finalmente se han puesto al día.

Japón es un país que no se toma muy en serio el arte público y creo que es una gran pena. Quiero que mientras yo viva la obra sea cuidada"

Actualmente el Ojo de Shinjuku se encuentra en su emplazamiento original, en en el sótano del edificio Subaru (スバルビル), en la salida oeste (西) de la estación de tren de Shinjuku (新宿駅), en Tokyo (東京都).

Aunque desde el año 2.018 d.C. el edificio Subaru de Shinjuku comenzó a demolerse, siendo el futuro del Ojo de Shinjuku incierto.

Sin embargo el propietario del lugar "Odakyu Electric Railway" aseguró que la obra se conservaría como está y en octubre del año 2.020 d.C. se anunció el proyecto "五感の実験場 「メノウエプロジェクト」", un proyecto experimental de los cinco sentidos en el que se utilizaría parte del suelo situado sobre el Ojo de Shinjuku.

Rhyton en Forma de Pájaro

El Rhyton en Forma de Pájaro es un rhyton datado aproximadamente en el I milenio a.C. (período comprendido entre los años 1.000 a.C. y 1 a.C.), perteneciente al arte marlik.

Rhyton en Forma de Pájaro

Se conoce que perteneció al comerciante de arte iraní-estadounidense Khalil Rabenou.

Hasta que en el año 1.959 d.C. el Rhyton en Forma de Pájaro fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 19,1 cm, una anchura de 12,7 cm y un grosor de 23,5 cm.

Está fabricado en cerámica.

Se trata de un rhyton (también conocido como ritón), es decir, un recipiente utilizado en la antigüedad para beber o para verter un líquido.

Presenta forma de pájaro con el cuerpo ovalado, tiene un cuello con un borde acampanado que emerge de la parte superior y un pico tubular que se eleva desde un extremo y termina en forma de cabeza de pájaro.

Aparte se cree que originalmente los ojos, en la actualidad desaparecidos, presumiblemente podrían haber tenido incrustaciones de piedras preciosas. 

El cuerpo se sostiene sobre tres patas: dos situadas en la parte delantera, dónde estarían las patas de un pájaro y una pata situada en la parte trasera como apoyo.

Además se observa como el cuerpo está ornamentado con dos filas de líneas incisas, que sugieren alas, que van desde el cuello hasta la parte posterior. También se aprecian como hay marcas de sombreado incisas en el frente y el fondo del recipiente, que en general crean la impresión de un pájaro, tal vez una paloma.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que la funcionalidad del Rhyton en Forma de Pájaro no esta clara, puesto que en período posteriores se conoce que los rhytones eran utilizados como recipientes para beber.

Sin embargo durante el período marlik éste uso no está atestiguado, por lo que se cree que debido a la forma de pájaro el rhyton pudo haber sido utilizado durante una cena, celebración o ritual.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Cleopatra

Cleopatra es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.633 d.C. y 1.635 d.C., perteneciente al arte barroco.

Cleopatra

Fue pintada por la pintora italiana Artemisa Lomi Gentileschi (también conocida como Artemisa Gentileschi).

Lo primero que se conoce es que en el año 1.982 d.C. la pintura se encontraba en posesión de la galería "Matthiesen Gallery".

Situada en el distrito de St James's de la ciudad de Westminster, localizada en el centro de Londres, en Gran Bretaña.

Hasta que en el año 1.987 d.C. Cleopatra fue comprada por un coleccionista privado, afincado en la ciudad de Roma, localizada en la región del Lacio, en Italia.

Descripción

Tiene una altura de 117 cm y una anchura de 175,5 cm. Está pintada al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa la figura de una mujer desnuda recostada sobre una cama, parcialmente cubierta por un manto de color azul índigo y con una pequeña canasta de flores colocada delante de su codo izquierdo.

Cabe resaltar que la extrema palidez de su piel, la laxitud de los brazos, los labios amoratados y la pequeña serpiente que se aleja sobre la sábana significan que la pintura representa los momentos finales de la vida de Cleopatra (la última reina-faraón de Egipto, también conocida como Cleopatra VII Thea Filopátor).

También se puede observar como la cabeza se encuentra representada echada hacia atrás sobre las almohadas, haciendo que su corona caiga del cabello dorado y ondulado.

Resalta como la mitad del rostro de la reina-faraón se encuentra representado iluminado, mientras que la otra mitad está a oscuras. Aparte en el rostro destacan los ojos entreabiertos y la boca abierta enseñando los dientes.

Además se aprecian como dos mujeres afligidas, posiblemente criadas o esclavas, entran en la habitación desde detrás de una cortina descubriendo el cadáver, la mujer situada al fondo está representada llorando.

Con respecto a la composición destacar como el cuerpo de Cleopatra se encuentra bañado con una luz, mientras que el fondo está en penumbra, también destacar el uso del claroscuro en la representación del rostro. 

Para finalizar en relación con la autora subrayar que los investigadores piensan que aunque Cleopatra era un tema relativamente común para sus contemporáneos, era raro retratar éste momento de la historia, la muerte de la reina-faraón.

Actualmente se encuentra en posesión de un coleccionista privado afincado en la ciudad de Roma, Italia.

Kuduo Akan

El Kuduo Akan es un recipiente datado aproximadamente entre los siglos XVIII d.C. y XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.701 d.C. y 1.900 d.C.), perteneciente al arte africano.

Kuduo Akan

Se conoce que fue fabricado por el pueblo akan, cuyos habitantes se encuentran en el sur de Ghana, en el este de Costa de Marfil, Liberia y en partes de Togo.

En el año 1.868 d.C. el Kuduo Akan fue comprado por el militar británico y ex gobernador de Gambia Cecil Hamilton Armitage.

En el año 1.933 d.C. pasó a formar parte de la colección de arte de Maurice S. Cooking, afincado en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

Siendo en el año 1.969 d.C. cuando fue comprado por el político estadounidense y vicepresidente de los Estados Unidos de América Nelson Aldrich Rockefeller.

Hasta que en el año 1.979 d.C. el Kuduo Akan fue legado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción 

Tiene una altura de 27,3 cm, una anchura de 19,7 cm y un diámetro de 19,9 cm. Está fabricado en latón.

Se trata de un kuduo, es decir, un recipiente con forma de vasija que presenta una base ensanchada decorada con una banda compuesta por un patrón de líneas verticales.

También tiene un cuerpo ornamentado con patrones incisos compuestos por formas geométricas y rosetones con decoración vegetal. Aparte se observa como a cada lado del cuerpo hay dos pequeñas argollas utilizadas como asas.

En la parte superior de la tapa se aprecia como hay fundida una figura que representa el torso, sin brazos, y la cabeza estilizada de un hombre, también hay representados a cada lado de la figura dos aves estilizadas de pico alargado. 

Además hay un mecanismo de pestillo que refleja el valor de los materiales que han sido guardados dentro y que alude a la función simbólica de mantener seguro la "kra" (alma) de su dueño.

Cabe resaltar que se piensa que el Kuduo Akan podría haber sido propiedad de un rey o de un cortesano del reino de Akan. Siendo llenado de polvo de oro y pepitas de oro, al igual que otros artículos de valor e importancia personal para el dueño.

Así mismo se piensa que era utilizado como receptáculo para el "kra" (alma) del dueño, es más el Kuduo Akan era utilizado en las ceremonias diseñadas para honrar y proteger al dueño, siendo en el momento de su muerte cuando el Kuduo Akan era llenado con oro y otras ofrendas que se incluían en el conjunto de los artículos dejados en el lugar del entierro.

Con respecto a la composición destacar que tanto la forma como la iconografía reflejan la amplia gama de tradiciones estéticas de las que se ha inspirado el artista akan para crear el Kuduo Akan.

También es conocido que los bienes de Europa y el norte de África que eran intercambiados por oro, textiles y esclavos podrían haber inspirado partes del diseño.

Para finalizar subrayar que los investigadores consideran que por las características y el estilo, el mismo artista akan habría creado dos recipientes parecidos siendo éstos el Kuduo Akan y el Kuduo.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Vaso de Precipitados Tiahuanaco

El Vaso de Precipitados Tiahuanaco es un recipiente datado entre los siglos VII d.C. y XIX d.C. (período comprendido entre los años 601 d.C. y 1.900 d.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte tiahuanaco o arte tiwanaku.

Vaso de Precipitados Tiahuanaco

Los investigadores piensan que pudo haber sido encontrado en la región del desierto costero de Peru.

Donde las condiciones de conservación de materiales orgánicos como la madera son mejores debido a la falta de humedad en el suelo en el que fue enterrado.

Se conoce que el Vaso de Precipitados Tiahuanaco se encontraba en posesión de Alan Lapiner, estando expuesto en "Arts of the Four Quarters, Ltd.", ubicado en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.968 d.C. fue adquirido por el político estadounidense y vicepresidente de los Estados Unidos de América Nelson Aldrich Rockefeller.

Hasta que en el año 1.978 d.C. el recipiente fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Vaso de Precipitados Tiahuanaco

Descripción

Tiene una altura de 11,4 cm, una anchura de 8,3 cm y un diámetro de 5,7 cm. 

Está fabricado en madera, mediante las técnicas de incisión y tallado.

Se trata de un recipiente, un vaso de precipitados, con forma cilíndrica y los lados ensanchados conocido con el nombre de "keros".

Vaso de Precipitados Tiahuanaco

Toda la superficie exterior del vaso se encuentra ornamentada con imaginería religiosa y patrones con motivos geométricos.

Se puede apreciar como en la circunferencia hay representadas figuras aladas antropomórficas en relieve bajo pero nítido.

Las cuatro figuras llevan en su mano derecha bastones que son símbolos de estatus y autoridad en el antiguo Perú.

Vaso de Precipitados Tiahuanaco

Dos de las figuras tienen rostros felinos mirando hacia arriba.

Mientras que las otras dos figuras tienen cabezas rapaces mirando hacia adelante.

Las alas de las cuatro figuras están rematadas con cabezas de animales de perfil, una convención muy utilizada en el arte de tiahuanaco.

El recipiente era utilizado para el consumo de chicha (cerveza de maíz) durante las ceremonias y reuniones cotidianas.

Aparte se conoce que jugaban un papel importante en el mantenimiento de las relaciones sociales y políticas.

Con respecto a la composición destacar que el estilo de tallado abstracto, la distorsión de las figuras y la densa ornamentación son características del arte tiahuanaco.

Para finalizar subrayar que los "keros" era una forma de vasija popular cuando las ciudades de Wari y Tiahuanaco dominaban los Andes centrales y meridionales.

Además destacar que los "keros" se encontraban fabricados en madera, arcilla cocida, oro y plata, siendo el material el que reflejaba el estatus social del propietario.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Maza de Enannatum I

La Maza de Ennanatum I es una cabeza maza datada en el siglo XXV a.C. (período comprendido entre los años 2.500 a.C. y 2.401 a.C.), perteneciente al arte mesopotámico, en concreto al arte sumerio.

Maza de Ennanatum I

Maza de Ennanatum I

Se conoce que fue encontrada durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en la antigua ciudad de Girsu (también conocida como Ngirsu).

Localizada en la provincia de Dhi Qar, en la actual Tel Telloh, en Irak.

Perteneció a la colección de arte del militar naval británico Capt H. V. Cowley, hasta que en el año 1.897 d.C. fue adquirida por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

¿Quién fue Ennanatum I?

Ennanatum I fue un rey de la ciudad sumeria de Lagash. Lo poco que se conoce de su reinado es que la antigua ciudad de Umma afirmó su independencia bajo el mando de su ensi (título nobiliario) Ur-Lumma.

Después de varias batallas Ur-Lumma fue derrotado y remplazado por otra persona, pero los investigadores piensan que fue durante una de esas batallas cuando podría haber fallecido el rey Ennanatum I siendo la victoria fue llevada a cabo por su hijo y sucesor.

Maza de Ennanatum I
(detalle)

Descripción

Tiene una altura de 11,70 cm, un diámetro de 11 cm y la perforación tiene un diámetro de 2,20 cm. 

Está fabricada en piedra caliza, mediante las técnicas de perforación, incisión, pulido y tallado.

Se trata de una cabeza de maza de piedra caliza blanca que ha sido tallada en bajorrelieve con los fondos pulidos y detalles incisos.

El cuerpo de la maza se encuentra ornamentado con la imagen de la divinidad menor de Imdugud, 

También aparece representado el símbolo del dios Ningirsu, un águila con cabeza de león agarrando las colas de dos leones, aparte se puede apreciar tres figuras humanas, siendo la figura más grande probablemente la representación del gobernante o rey de Lagash Enannatum I.

Para finalizar subrayar que alrededor de la parte superior de la maza tiene incisa una inscripción en escritura cuneiforme, cuya traducción aproximada es la siguiente:

"Para Ningirsu de E-ninnu,

el trabajador de Enannatum I,

gobernante de Lagash, Barakisumun,

Barakisumun, el "sukkal",

dedicó esto a la vida de Enannatum I, 

su maestro"

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Mujer en Ropa de Verano

La Mujer en Ropa de Verano, también conocida como 橋口五葉画夏衣の女, es una xilografía datada en el año 1.920 d.C., perteneciente al arte japonés.

Mujer en Ropa de Verano

Fue elaborada por el artista y pintor japonés Higashiguchi Goyo (橋口五葉).

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de "The Howard Mansfield Collection", ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.936 d.C. la Mujer en Ropa de Verano fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 45,1 cm y una anchura de 29,2 cm. Está fabricado en xilografía, tinta y color sobre papel.

Se trata de una xilografía en la que aparece representada una mujer sentada frente a un tocador y un espejo con una toalla de color azul colgada del lateral derecho del tocador.

Cabe resaltar que la mujer representada es la amante del artista la japonesa Nakatani Tsuru (中谷つる), quién fue su modelo en numerosas obras.

La mujer sostiene con fuerza su kimono de verano trasparente y mira al espectador en una pose que rinde homenaje a las obras del pintor de estampas japonés Kitagawa Utamaro (喜多川歌麿).

En el rostro destacan las cejas finas, los ojos rasgados, la nariz recta, los labios carnosos y el mentón redondeado. Además el cabello largo y negro se encuentra recogido en un elaborado peinado conocido como shimada mage (島田髷). 

También se puede apreciar como se encuentra sentada encima de un zabutón (座布団), es decir, un cojín japonés, de color rojo y ornamentado con patrones florales.

Además detallar que está representada en la forma tradicional de doblar las piernas sobre el suelo y sentarse sobre las rodillas recargando los glúteos sobre los talones, conocida con el nombre de seiza (正座).

Con respecto a la composición destacar como los finos patrones de flores y diamantes en el kimono y la representación de su cabello y el cuerpo visible a través de la tela delgada, demuestran las habilidades técnicas del autor.

Para finalizar subrayar que situada a la izquierda de la composición se encuentra escrita la siguiente inscripción en idioma japonés:

"大正九年六月　五葉 画"

Cuya traducción es la siguiente: "Pintado por Goyo en junio del noveno año de la era Taisho". Aparte se puede observar como debajo de la inscripción se encuentra el sello, en color rojo, del autor dónde se puede leer: Higashiguchi Goyo (橋口五葉).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Cuenco con un Jinete

El Cuenco con un Jinete, también conocido como Tazón con un Jinete o Loza Dorada con un Jinete, es un recipiente datado aproximadamente entre los años 1.300 d.C. y 1.400 d.C., perteneciente al arte islámico.

Cuenco con un Jinete

En concreto se encuentra englobado dentro del arte hispanomusulmán y dentro de éste pertenece al arte nazarí.

Los investigadores piensan que pudo haber sido fabricado en la ciudad de Málaga (España).

En el año 1.903 d.C. se encontraba en posesión del banquero francés Sigismond Bardac.

En el año 1.909 d.C. el Cuenco con un Jinete fue comprado por el marchante de arte y coleccionista islámico Dikran Kelekian.

En el año 1.927 d.C. fue adquirido por el banquero alemán George Blumenthal y su esposa la filántropa estadounidense Florence Meyer Blumenthal.

Hasta que en el año 1.941 d.C. fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Cuenco con un Jinete

Descripción 

Tiene una altura de 9,2 cm, un diámetro de 44 cm y la profundidad del cuenco es de 7,6 cm.

Está fabricado en loza dorada.

Se trata de un recipiente, un tazón o un cuenco, utilizado que presenta la superficie exterior del cuerpo y la parte interior totalmente ornamentado.

La parte exterior del cuerpo se encuentra decorada mediante un patrón compuesto por líneas gruesas dispuestas verticalmente alrededor de todo el cuenco, mientras que el borde interior del cuerpo está ornamentado con un patrón geométrico.

Cuenco con un Jinete

Mientras que en la parte interior se puede observar como está representado dentro de un medallón central la figura de un jinete armado con una lanza.

A la derecha del jinete enfrentándose a él se encuentra representado un animal mitológico o quizás es una representación de una serpiente estilizada.

También se puede apreciar como situado al lado izquierdo, detrás del jinete hay representada la figura de un hombre en posición de pie.

Aparte se puede observar como todas las figuras se encuentran rodeadas por diferentes patrones geométricos y vegetales.

Para finalizar subrayar que el Cuenco con un Jinete se encuentra englobado dentro de los recipientes realizados en uno de los primeros centros de producción de loza dorada ubicados en la ciudad de Málaga, durante el reino islámico de Granada.

La loza dorada se caracterizaba por sus densos patrones de oro brillante, a menudo acentuados con azul. También destacaba por la elección de la decoración que en ocasiones tiene motivos islámicos, pero también podía inspirarse en la imaginería occidental.

Además cabe resaltar que un escritor medieval describiendo el extraordinario alcance de la cerámica malagueña afirmo que "todos los países claman por ella".

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Venus del Espejo

La Venus del Espejo es una pintura datada aproximadamente en el año 1.555 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Venus del Espejo

Fue pintada por el pintor italiano Tiziano Vecellio di Gregorio (también conocido como Tiziano).

Se conoce que la pintura se encontró hasta el año 1.576 d.C. en la casa del pintor italiano Tiziano, ubicada en la ciudad de Venecia (Italia).

En el año 1.581 d.C. la Venus del Espejo fue vendida, junto con todo el contenido de la casa del pintor, por su hijo y heredero Pompio Vecellio.

Siendo comprada por el coleccionista y aristócrata italiano Christoforo Barbarigo.

En el año 1.850 d.C. fue el cónsul y general ruso en la ciudad de Venecia (Italia) A. Kvostov, quien compro la pintura junto con un gran número de obras maestras a la familia Barbarigo.

Por un precio de 525.000 francos para el zar del Imperio Ruso y rey de Polonia Nicolás I de Rusia, por lo que la Venus del Espejo pasó a formar parte de la colección de la Museo del Hermitage de San Petersburgo (Rusia).

En el año 1.931 d.C. con el fin de obtener divisas para el primero de los planes quinquenales de la economía de la Unión Soviética fueron el político, revolucionario y dictador soviético Iósif Vissariónovich Dzhugashvili (también conocido como Iósif Stalin) y el gobierno soviético quienes vendieron en secreto la pintura, junto con otras obras maestras, a un sindicato de comerciantes de arte.

Éstos comerciantes de arte vendieron la Venus del Espejo al coleccionista de arte, banquero y político estadounidense Andrew William Mellon.

En el año 1.937 d.C. la pintura fue donada al Gobierno de los Estados Unidos de América y en el año 1.941 d.C. la Venus del Espejo pasó a formar parte de la colección de arte de la Galería Nacional de Arte de Washington D.C. (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene una altura de 124 cm y una anchura de 104 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa la diosa Venus (diosa del amor, de la belleza y la fertilidad) con dos putti (figuras de niños desnudos con alas en la espalda que representa al dios Cupido (dios del amor)) en el interior de una habitación.

La diosa se encuentra representada en posición sedente, con la espalda ligeramente inclinada hacia delante y la cabeza girada hacia el lado izquierdo.

Además se encuentra con el torso al descubierto, se aprecia como con la mano derecha sostiene un manto de terciopelo rojo, decorado con un borde ornamentado con un patrón geométrico y un forro de piel marrón oscura, que le cubre la parte inferior del cuerpo, mientras que la mano izquierda reposa sobre su pecho desnudo.

En el rostro redondeado destacan los ojos almendrados, la nariz recta, los labios carnosos, los pómulos rosados y el mentón redondeado.

Se puede apreciar como el cabello largo y rubio se encuentra recogido en un elaborado peinado y entrelazado con una diadema y perlas. Aparte lleva anillos, pulseras y pendientes de perla con forma de lágrima.

Los dos putti se encuentran representados en el lateral izquierdo de la composición, uno de ellos está representado de pie, de espaldas al espectador y sosteniendo un espejo rectangular negro en el cuál la diosa mira su reflejo. 

Mientras que el otro putti está representado detrás del escudo sosteniendo en alto con su mano derecha una corona de myrtus (también conocido como mirto, arrayán o murta) con la que intenta coronar a la diosa.

Para finalizar subrayar que gracias a los trabajos de restauración y mediante el uso de "rayos X" se ha descubierto que originalmente el pintor pintó otro retrato en el mismo lienzo que no fue acabado y lo único que se ha conservado es el manto rojo que envuelve la parte inferior del cuerpo de la diosa.

También resaltar que el tema de la Venus del Espejo ha sido representado por numerosos artistas incluyendo al pintor francés Simon Vouet, al pintor alemán Pedro Pablo Rubens (también conocido como Peter Paul Rubens, Pieter Paul, Pieter Pauwel o Petrus Paulus) y al pintor español Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (también conocido como Diego Velázquez) entre otros.

Incluso la pintura sirvió de inspiración para la protagonista "Severin von Kusiemski" de la novela erotica del año 1.870 d.C. "La Venus de las Pieles" del escritor austriaco Leopold von Sacher-Masoch.

Actualmente se encuentra en la Galería Nacional de Arte de Washington D. C., Estados Unidos de América.

Modelo de Escultor con Relieve de Cabeza de Akhenaton

El Modelo de Escultor con Relieve de Cabeza de Akhenaton, también conocido como Pieza de Prueba con Relieve de Cabeza de Akhenaton, es un modelo de escultor datado aproximadamente entre los años 1.353 a.C. y 1.336 a.C., perteneciente al arte egipcio.

Modelo de Escultor con Relieve de Cabeza de Akhenaton

Fue hallado entre los años 1.891 d.C. y 1.892 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas por el egiptólogo británico William Matthew Flinders Petrie.

En la región de Amarna, situada en la ribera oriental del río Nilo, en Egipto.

Se conoce que fue vendido en junio del año 1.921 d.C. en la casa de subastas "Amherst Sale" de Londres (Gran Bretaña).

Siendo comprado por Kalebjian y vendido a un coleccionista privado francés.

En el año 1.939 d.C. el modelo de escultor fue comprado por el marchante y coleccionista de arte húngaro Joseph Brummer.

En el año 1.947 d.C. pasó a formar parte de la "Colección Gallatin" propiedad de Albert Gallatin. 

Hasta que en octubre de ese mismo año, 1.947 d.C., el modelo de escultor fue adquirido por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

¿Quién fue Akhenaton?

Akhenaton, también conocido como Akenatón, Neferjeperura Amenhotep, Ajenatón, Amenhotep IV o Amenofis IV, fue el décimo faraón de la XVIII Dinastía de Egipto.

Su reinado es conocido como "Período Amarna", aparte se conoce que fundó una nueva capital de Egipto conocida con el nombre de Ajetatón (actualmente ésta región recibe el nombre de Amarna).

También llevó a cabo importantes reformas políticas, artísticas e impulsó una reforma religiosa en la que el dios Atón (deidad solar) era la única deidad de culto, es decir, impulsó una religión con una base monoteísta conocida como atonismo. 

Modelo de Escultor con Relieve
de Cabeza de Akhenaton

Descripción

Tiene una altura de 35 cm, una anchura de 23,4 cm y un grosor de 4,9 cm. Está fabricado en piedra caliza, mediante las técnicas de incisión y tallado.

Se trata de un "modelo de escultor", es decir, una losa de piedra caliza  aproximadamente con forma rectangular que tiene en una de sus caras una efigie incisa del faraón Akhenaton.

El faraón aparece representado de perfil con el ojo rasgado, los labios gruesos, el mentón o barbilla alargado, la oreja grande y el cuello alargado.

Además cabe resaltar que la imagen del faraón parece estar inacabada, puesto que carece de surcos y líneas característicos y tampoco tiene representado el uraeus real (representación de la diosa Uadyet con forma de una cobra erguida).

Para finalizar subrayar que es sabido que los "modelos de escultor de Amarna" eran un modelo de maestro para que sus asistentes lo sigan mientras decoran una pared con relieve o, alternativamente, una pieza de estudio de un aprendiz.

Sin embargo, al menos en algunos casos, tales piezas pueden haber sido destinadas o servidas secundariamente como donaciones a templos y santuarios.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.