martes, 31 de mayo de 2022

Fuente Magna

La Fuente Magna, también conocida como Vaso Fuente, es un recipiente datado entre los años 400 a.C. y 900 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte tiahuanaco o arte tiwanaku.

Fuente Magna

Fue hallado en el año 1.950 d.C. de manera accidental por un campesino llamado Maximiliano.

Quién no le dio importancia y debido a su tamaño lo utilizó para alimentar a los cerdos. 

Se encontró en las cercanías de Puma Punku que forma parte del complejo monumental de la antigua ciudad de Tiwanaku (también conocida como Tiahuanaco).

Situada cerca del poblado de Tiwanaku, localizado en el departamento de La Paz, en Bolivia.

Fue en el año 1.960 d.C. cuando el artista y arqueólogo boliviano Max Portugal Zamora quién estudio el recipiente por invitación de la familia Majon (quién se encontraba en posesión de la Fuente Magna).

Aunque no se conocen publicaciones en la década del año 1.960 d.C. de éste estudio. Cabe destacar que la Fuente Magna pasó a ser propiedad del municipio de la ciudad de La Paz, en Bolivia. 

Fuente Magna

Sin embargo, allí se consideró una falsificación y durante unos cuarenta años se mantuvo en almacenes sin exhibirse en ninguna parte.

Hasta que en el año 2.000 d.C. la Fuente Magna pasó a formar parte de la colección de arte del Museo de Metales Precioso Precolombinos, localizado en la ciudad de La Paz (Bolivia).


Descripción

Fuente Magna

Tiene un diámetro de 1 metro. Está fabricada en piedra.

Se trata de una gran vasija de cerámica con forma de una palangana o tina con dos asa situadas en los laterales, además presenta toda su superficie ornamentada.

Tanto la superficie exterior e interior está decorada por dibujos con motivos de figuras zoomórficas, figuras antropomorfas y espirales rectangulares.

Sobretodo destaca como el exterior de la vasija se encuentra ornamentado con un bajorrelieve compuesto por la representación de un pez y una serpiente.

Además se puede apreciar como hay inscritos dos textos diferentes, uno de ellos se encuentra escrito en idioma "quellca" (antiguo idioma de los Pukara, precursores de la civilización de Tiahuanaco) y otro texto escrito en escritura cuneiforme o en caracteres proto-sumerios.

Fuente Magna

Con respecto a la funcionalidad destacar que los investigadores piensan que la Fuente Magna originalmente podría haber sido utilizada como un recipiente para hacer libaciones y otros ritos de purificación.

Para finalizar subrayar que para algunos investigadores debido a las inscripciones encontradas en la Fuente Magna la consideran popularmente como "la Piedra Rosetta americana".

Puesto que la Fuente Magna está considerada como una prueba de la existencia de las travesías transoceánicas que pudieron ocurrir en el tercer milenio a.C., dónde los sumerios podrían haber alcanzado los Andes entrando en contacto con la civilización Pukara.

Actualmente se encuentra en el Museo de Metales Preciosos Precolombino, Bolivia.

lunes, 30 de mayo de 2022

Remate de Viga y Campanilla de Viento

El Remate de Viga y Campanilla de Viento, también conocido como 금동 용머리 모양 처마 끝 장식과 작은 종 고려, es una escultura datada aproximadamente en el siglo X d.C. (período comprendido entre los años 901 d.C. y 1.000 d.C.), perteneciente al arte coreano.

Remate de Viga y Campanilla de Viento

En concreto fue fabricada en la dinastía de Goryeo (período comprendido entre los años 918 d.C. y 1.392 d.C.).

Se conoce que perteneció a la colección de la galería de arte "London Gallery Ltd", localizada en el distrito de Minato, en la ciudad de Tokio (Japón).

Hasta que en el año 1.999 d.C. el Remate de Viga y Campanilla de Viento fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Remate de Viga y Campanilla de Viento

Descripción

El remate tiene una altura de 29,8 cm, una anchura de 22,9 cm y un grosor de 39,4 cm. La campanilla tiene una altura de 38,7 cm y una anchura de 18,4 cm. 

Está fabricada en bronce dorado.

Remate de Viga y Campanilla de Viento

Se trata de un remate en forma de cabeza de dragón que originalmente podría haber estado colocado en la viga de una esquina de un salón real o en la esquina de un edificio de un templo budista.

El dragón presenta los ojos saltones, las fosas nasales dilatadas y las escamas elaboradas que trasmiten la fiereza e insensibilidad de la criatura.

La campana que funcionaba como carillón de viento originalmente tuvo un badajo de placa de metal en el interior que habría estado suspendida por un gancho del lazo colocado en la boca del dragón.

Se puede observar como la parte exterior de la campana se encuentra ornamentada mediante bandas decoradas con diferentes patrones geométricos.

Para finalizar subrayar que los paneles decorativos situados en las mitades inferiores de ambas caras de la campana presentan una evástica (un símbolo antiguo asociado con Buda) dentro de una flor de loto.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

domingo, 29 de mayo de 2022

Estatuilla de Terracota de una Bailarina

La Estatuilla de Terracota de una Bailarina es una escultura datada aproximadamente en el siglo III a.C. (período comprendido entre los años 300 a.C. y 201 a.C.), perteneciente al arte griego.

Estatuilla de Terracota de una Bailarina

Cabe destacar que los investigadores desconocen dónde fue hallada la escultura, pero algunos sostienen que pudo haber sido fabricada en algún taller de la antigua colonia de griega de Taras (también conocida como Tarantos).

Localizada en la Magna Grecia que es como se conoce en la antigüedad a los territorios ocupados por los colonos griegos en el sur de la península itálica y en Sicilia.

Actualmente ésta localización se corresponde con la ciudad de Tarento, localizada en la región de Apulia, situada a orillas del mar Jónico, en el sur de Italia.

En el año 1.912 d.C. la Estatuilla de Terracota de una Bailarina fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Estatuilla de
Terracota de una Bailarina



Descripción 

Tiene una altura de 24,1 cm, una anchura de 10,2 cm y una profundidad de 8,3 cm. Está fabricada en terracota policromada.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la figura de una bailarina.

Estatuilla de
Terracota de una Bailarina

Está representada de pie con el brazo izquierdo levantado y el brazo derecho sosteniendo su túnica. 

Además se aprecia como la pierna izquierda está ligeramente retrasada, mientras la pierna derecha se encuentra adelantada como si estuviera bailando.

En el rostro ovalado destacan los ojos almendrados y la nariz recta. Aparte el cabello largo y rizado se encuentra peinado en un recogido en un moño alto.

Se encuentra ataviada con una túnica larga con pliegues y anudada en el hombro izquierdo que deja al descubierto el pecho derecho.

Cabe destacar que el pecho desnudo de la figura sugiere que la figura puede ser la representación de una ménade, es decir, una mujer joven estrechamente relacionada con el dios Dionisio (dios del vino, de la fertilidad y dios patrón de la agricultura y el teatro).

Para finalizar subrayar que aunque la escultura se encuentra rota en algunas partes, los pigmentos bien conservados de la escultura indican el color brillante original de la obra.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

sábado, 28 de mayo de 2022

Retrato de Bartolomeo Bonghi

El Retrato de Bartolomeo Bonghi es una pintura datada aproximadamente en el año 1.553 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Retrato de Bartolomeo Bonghi

Fue pintado por el pintor italiano Giovanni Battista Moroni (también conocido como Giambattista Battista).

En el año 1.833 d.C. la pintura fue adquirida por el coleccionista inglés William Jones.

Siendo el 8 de mayo del año 1.852 d.C. vendida por la casa de subastas Christie's de Londres (Gran Bretaña).

Al político, escritor, editor y propietario de un teatro inglés Henry Du Pré Labouchère.

En el año 1.869 d.C. la pintura fue adquirida por el crítico de arte y escritor británico Robert Langton Douglas.

Hasta que en el año 1.913 d.C. el Retrato de Bartolomeo Bonghi fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 101,6 cm y una anchura de 81,9 cm. Está pintada en óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa el retrato del jurista italiano del siglo XVI d.C. (período comprendido entre los años 1.501 d.C. y 1.600 d.C.), Bartolomeo Bonghi.

Aparece representado en el interior de una habitación con paredes blancas y grises, en posición tres cuartos hacia el lado derecho y sentado en una silla dantesca (antigua silla curul, con patas en "X" y respaldo bajo). 

Retrato de Bartolomeo Bonghi

Aunque se puede observa como la cara está ligeramente girada hacia la izquierda haciendo que la mirada se fije en el espectador. 

En el rostro destacan los ojos almendrados, la nariz recta, los labios finos y la barba rojiza y espesa. Aparte la mirada es seria y formal que junto con el porte retratan a un hombre de riqueza y estatus.

Está ataviado con una túnica interior de color roja con los bordes blancos sobre la que lleva una toga oscura de profesor que está adornada con una piel puesta sobre los hombros. 

Además en la cabeza lleva un sombrero de tres picos (con forma de tricornio) de terciopelo negro. 

También se puede apreciar como en su regazo sostiene un libro sobre derecho civil romano que su autor dedicó en el año 1.553 d.C. a Bartolomeo Bonghi.

En la portada del libro se puede leer la siguiente inscripción escrita en latín:

"PLAV I.sup.I. I.ff.si q(ui)s lus dic(enti). non obtempe (raverit)"

Para finalizar subrayar que a la derecha del fondo de la composición hay representada una ventana por donde se puede ver una antigua torre del ayuntamiento y los edificios que la rodean.

Gracias a ésta representación se conoce que la ciudad donde fue realizado el retrato es la de Bérgamo, localizada en la provincia de Bérgamo, situada en la región de Lombardía, en el norte de Italia.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

viernes, 27 de mayo de 2022

Tapa Carolingia

La Tapa Carolingia es una tapa datada aproximadamente entre los años 830 d.C. y 850 d.C., perteneciente al arte medieval.

Tapa Carolingia

En concreto se encuentra englobada dentro del arte prerrománico y dentro de éste pertenece al arte carolingio.


Tapa Carolingia

Tapa Carolingia

Lo primero que se conoce es que la Tapa Carolingia se encontraba en la Galería de Arte "A.Imbert", localizada en la ciudad de Roma, en Italia.

En el año 1.910 d.C. fue comprada por el empresario, banquero y coleccionista de arte estadounidense John Pierpont Morgan.

Siendo en el año 1.917 d.C. cuando la tapa fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Tapa Carolingia


Descripción

Tiene una altura de 6,5 cm y un diámetro de 11,4 cm. Está fabricada en plata, dorado y niello.

Se trata de una tapa ligeramente abombada con un borde de pedrería y un asa vertical.

El asa presenta forma de trébol de cuatro hojas nielado que tiene en el centro un rosetón.

La parte exterior de la tapa se encuentra ornamentada con escenas de caza rodeadas por una enredadera de acanto enrollada.

Además resaltar que la Tapa Carolingia aunque se encuentra restaurada, aunque en la actualidad le faltan varias partes que no han podido recuperase. 

Aparte también destacar que es un raro ejemplo sobreviviente del trabajo de los orfebres seculares del período carolingio.

Para finalizar subrayar que la ornamentación que se encuentra en la Tapa Carolingia guarda cierta similitud con el Cuenco y Tapa Carolingio que se encuentra en el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña).

Actualmente la Tapa Carolingia se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

jueves, 26 de mayo de 2022

Bodegón con Uvas y un Pájaro

El Bodegón con Uvas y un Pájaro es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.500 d.C. y 1.510 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Bodegón con Uvas y un Pájaro

Fue pintado por el pintor italiano Antonio Leonelli (también conocido como Antonio Leonelli da Crevalcore).

Lo primero que se conoce es que el 7 de diciembre del año 1.994 d.C. la pintura fue vendida por la casa de subastas Sotheby´s de Londres (Gran Bretaña).

Siendo comprado por el poeta y comerciante de arte estadounidense Stanley Moss.

Después fue vendido el 26 de enero del año 2.012 d.C. por la casa de subastas Sotheby's de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 2.016 d.C. el Bodegón con Uvas y un Pájaro fue regalado prometido de Stanley David Moss al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 39,7 cm y una anchura de 39,7 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura en la que se representa un bodegón (también conocido como naturaleza muerta). La composición está compuesta por el fondo representado por una estantería de madera que tiene en el lado izquierdo un palo en posición vertical del que pende un racimo de uvas moradas. 

En lado derecho se encuentra representado un plato hondo y de color blanco lleno de varios racimos de uvas y dos pequeños racimos de uvas maduras situados en la parte superior. 

Además se observa como en encima de las uvas hay representado un pequeño pájaro con las alas extendidas y el cuerpo ligeramente inclinado hacia abajo, hacia las uvas.

También se aprecia como el pájaro tiene un plumaje de color blanco grisáceo alternadas con franjas de plumaje negro y gris.

Con respecto a la composición destacar que la obra es una inspiración clásica de un cuadro del pintor griego del siglo V a.C. (período comprendido entre los años 500 a.C. y 401 a.C.) Zeuxis (también conocido como Zeuxipo), quién pintó un cuadro de uvas representado con tanto éxito que los pájaros volaron hacia él.

Para finalizar subrayar que el Bodegón con Uvas y un Pájaro es una de las primeras pinturas que representan naturaleza muerta independiente que se conserva en la actualidad dentro de la pintura europea.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

miércoles, 25 de mayo de 2022

Colgante con Cabeza de Cristal

El Colgante con Cabeza de Cristal es un colgante datado aproximadamente en el siglo V a.C. (período comprendido entre los años 500 a.C. y 401 a.C.), perteneciente al arte fenicio.

Colgante con Cabeza de Cristal

Lo primero que se conoce es que hasta el año 1.881 d.C. el colgante se encontraba en la colección de arte del especialista en numismática, monedas, medallas y sellos francés Jules Charvet.

En el año 1.881 d.C. el Colgante con Cabeza de Cristal fue comprada por el financiero, filántropo y coleccionista de arte estadounidense Henry Gurdon Marquand.

Siendo el colgante regalado en ese mismo año (1.881 d.C.) al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 3,6 cm, una anchura de 2,8 cm y un grosor de 1,9 cm. Está fabricado en vidrio.

Se trata de un colgante cilíndrico que representa una cabeza humana con un gran orificio para varilla en la parte inferior y ligeramente dentado en la parte superior.

Además en la parte posterior hay un borde redondeado arqueado, frente que se proyecta hacia abajo. Aparte el bucle de suspensión está aplicado en la parte superior de la cabeza.

En la representación de la cabeza destaca la parte superior de la frente con el cabello marrón peinado en grandes rizos, la mitad de la cara superior es de color verde turquesa, las cejas gruesas y amarillas, los ojos estratificados negros y amarillos, la boca amarilla y pares de puntos situados a los lados de la cabeza a modo de orejas.

En cuanto a la composición destacar el color del colgante que es azul cobalto semiopaco, con adiciones en amarillo opaco, marrón amarillo pálido translúcido y verde turquesa semiopaco. Resaltando sobretodo los ojos de un color incierto aunque parecen negros.

Para finalizar con respecto al estado de conservación destacar que el Colgante con Cabeza de Cristal se encuentra roto, sin la parte inferior de la cara y la nariz. Además se puede observar embotamiento, leve erosión iridiscente y algo de incrustación.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

martes, 24 de mayo de 2022

Escultura de Chalchiuhtlicue

La Escultura de Chalchiuhtlicue es una escultura datada aproximadamente entre los siglos XV d.C. y XVI d.C. (período comprendido entre los años 1.401 d.C. y 1.600 d.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte azteca o arte mexica.

Escultura de Chalchiuhtlicue

Lo primero que se conoce es que hasta el año 1.893 d.C. la escultura pertenecía al "colección de arte Louis Petich", localizada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.900 d.C. la Escultura de Chalchiuhtlicue fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Escultura de Chalchiuhtlicue


Descripción

Tiene una altura de 29,5 cm, una anchura de 18,1 cm y un grosor de 14 cm. 

Está fabricada en basalto policromado, mediante la técnica de incisión y tallado.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la figura de la diosa Chalchiuhtlicue (diosa del agua, de los ríos, de los lagos, de los mares y de los manantiales, cuyo nombre significa "la de la falda de jade").

La diosa aparece representada arrodillada, con las manos apoyadas en sus rodillas. En el rostro ovalado destacan los ojos oblicuos, la nariz recta y la boca entreabierta.

Escultura de Chalchiuhtlicue

En la cabeza lleva un tocado compuesto por múltiples bandas gruesa enrolladas alrededor de la cabeza y bordeadas arriba y abajo por filas de bolas y dos grandes borlas unidas a los lados de la cabeza.

Además se observa como en la espalda las bandas están retorcidas y atadas en un nudo prominente, aparte los extremos con borlas caen sobre su cabello lacio.

Se encuentra ataviada con una túnica y una capa de hombros triangulares bordeada por un fleco con borlas.

Para finalizar subrayar que la diosa Chalchiuhtlicue simbolizaba la pureza y preciosidad del agua manantial, río y lago que era utilizado para regar los campos.

Además cabe destacar que como diosa de la fertilidad representa el ideal azteca de la juventud fértil y a menudo se encontraba estrechamente relacionada con la diosa Chicomecóatl (diosa azteca del maíz).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

lunes, 23 de mayo de 2022

Crátera de Terracota con Carro

La Crátera de Terracota con Carro es un recipiente datado aproximadamente entre los años 1.375 a.C. y 1.350 a.C., perteneciente al arte prehelénico, en concreto al arte micénico.

Crátera de Terracota con Carro
Crátera de Terracota con Carro

Aunque el año del hallazgo es desconocido, los investigadores piensan que pudo haber si hallado en el pueblo de Maroni, localizado en el distrito de Lárcana, en Chipre.

Después perteneció a la colección de arte de Cesnola, una colección de antigüedades de Chipre.

Hasta que en el año 1.876 d.C. la Crátera de Terracota con Carro fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Crátera de Terracota con Carro


Descripción

Tiene una altura de 36,7 cm y un diámetro de 27,2 cm. Está fabricado en terracota.

Se trata de una crátera, es decir, una vasija con boca ancha y pequeñas asas columnatas situadas entre los hombros y el borde superior. 

El cuerpo profundo y ovalado que se va estrechando a medida que se acerca al pie.

Crátera de Terracota con Carro

La parte inferior del cuerpo está ornamentado mediante diversas bandas horizontales negras.

Además la parte superior del cuerpo está decorado con una escena pictórica.

La escena representa un carro con grandes ruedas montado por dos figuras humanas ataviada con túnicas y tirado por un caballo, también al fondo se puede apreciar un patrón geométrico.

Aparte destacar que se observa como la misma escena aparece representada cuatro veces a lo ancho de la parte superior del cuerpo.

Con respecto a la composición destacar que el carro era un motivo importante dentro del arte micénico, puesto que éstas vasijas pictóricas micénicas han caracterizado a todo un subgrupo de cerámica.

Para finalizar subrayar que los investigadores creen que originalmente la Crátera de Terracota con Carro estaba relacionada con prácticas funerarias e incluso pudo haber sido utilizado como sarcófago.

Siendo el difunto uno de los ocupantes del carro, mientras que la otra figura podría ser la representación de una deidad o un participante en la celebración funeraria.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

domingo, 22 de mayo de 2022

Monolito Pokotia

El Monolito Pokotia, también conocido como Monolito de Pokotia Monumento Pokotia, es una escultura datada aproximadamente entre los años 400 a.C. y 900 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte tiahuanaco o arte tiwanaku.

Monolito Pokotia

Fue hallado en el año 1.960 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas en el yacimiento arqueológico de Pokotia.

Localizado a 2 km de la ciudad arqueológica de Tiahuanaco (también conocida como Tiwanaku), situada en el departamento de La Paz, al oeste de Bolivia.

Después de 24 años de su descubrimiento, en el año 1.984 d.C. el Monolito Pokotia pasó a formar parte de la colección de arte del Museo de Metales Preciosos Precolombinos, localizado en la ciudad de La Paz, en Bolivia.

Monolito Pokotia



Descripción

Tiene una altura de 170 cm. Está fabricado en piedra, mediante las técnicas de incisión y tallado.

Se trata de una escultura o monumento que representa la figura de un hombre de pie con los brazos a los costados y las manos abiertas pegadas a la cintura.

En la parte superior se puede apreciar como el rostro se encuentra totalmente desfigurado.

Se puede observar como en el cuerpo tiene finas líneas situadas en el pecho y en la zona de las costillas, también lleva brazaletes, un taparrabos y en la parte superior de la cabeza un círculo o tocado.

Además en el reverso del Monolito Pokotia se puede observar una inscripción escrita en sumerio lineal o proto-sumerio pictográfico, lo que supone una prueba de la presencia sumeria en la antigua Sudamérica.

Monolito Pokotia

También se han encontrado inscripciones situadas en las piernas de la figura y debajo de la mano izquierda de la figura.

Cabe destacar que la inscripción inscrita en el reverso hace referencia al papel que desempeñaba en la comunidad el oráculo de Putaki (también denominado el fuerte padre).

Puesto que el oráculo era considerado una fuente de verdades y buenos augurios. Además tenía la funcionalidad de mantener la rectitud, sabiduría y buena conducta entre los integrantes de la comunidad.

Aparte la inscripción señala como el oráculo de Putaki se hallaba en Bolivia y los lugares dónde los integrantes de la comunidad podían acudir para comunicarse con los dioses, conocer sus augurios y comunicarse con sus antepasados.

Para finalizar subrayar que entre los años 2.001 d.C. y 2.002 d.C. se llevó a cabo una investigación y estudio del Monolito Pokotia a cargo del arqueólogo boliviano Bernardo Biadós.

Y su equipo de investigadores compuesto por: Freddy Arce, Javier Escalante Moscoso, César Calisaya, Leocadio Ticlla, Alberto Vásquez, Álvaro Fernholz, Omar Sadud, Paulo Batuani y Rodrigo Velasco.

Gracias a la investigación se pudo descifrar las diversas inscripciones así como determinar el origen del monolito y relacionarlo con otras obras de arte encontradas en Bolivia que presentan inscripciones similares.

Actualmente se encuentra en el Museo de Metales Preciosos Precolombinos de la ciudad de La Paz, en Bolivia.

sábado, 21 de mayo de 2022

Medallón Otoniano

El Medallón Otoniano es un medallón datado aproximadamente entre los siglos X d.C. y XI d.C. (período comprendido entre los años 901 d.C. y 1.100 d.C.), perteneciente al arte medieval.

Medallón Otoniano

En concreto se encuentra englobado dentro del arte prerrománico y dentro de éste pertenece al arte otoniano.

Cabe destacar que del origen del medallón apenas se tiene conocimiento.

Los investigadores piensan que pudo haber sido fabricado en algún lugar de Italia.

Después perteneció a la colección de arte de la familia de Lannoy (una familia noble belga).

Hasta que en el año 1.896 d.C. el Medallón Otoniano fue comprado por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una longitud de 4,30 mm. Está fabricado en oro y esmalte, mediante la técnica de cloisonné (también conocida como esmalte alveolado).

Se trata de un medallón plano circular que presenta el anverso decorado con una representación del busto de Jesucristo policromado.

También se puede observar como lleva inscrita una inscripción en letras mayúsculas de color azul: a la derecha de la figura de Jesucristo está inscripto "IHS", mientras que a la izquierda se puede leer "XRS".

Medallón Otoniano
Aunque en la actualidad las letras situadas en los extremos "I" y "S" han perdido parte de su color.

Jesucristo aparece representado de frente, ataviado con una túnica oscura, el brazo derecho se encuentra cruzado sobre el pecho con la mano derecha haciendo una señal de bendición.

Mientras que con la mano izquierda sostiene un libro, cuya portada está decorada con un patrón geométrico.

Con respecto a la composición resaltar como al contorno y diferentes partes de la figura se le han añadido finos alambres de oro que sirven de separación entre los numerosos compartimentos de esmalte azulado, blanco y rojo que dan color a la obra y hacen que la figura de Jesucristo resalte sobre el fondo dorado.

Para finalizar subrayar que en la parte superior del reverso del medallón hay un pequeño agujero, algunos investigadores piensan que originalmente podría haber sido utilizado para colgar el medallón.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

viernes, 20 de mayo de 2022

Par de Cajas de Incienso en forma de Patos

El Par de Cajas de Incienso en forma de Patos, también conocido como 鴛鴦形蒔絵香合, son unos recipientes datados aproximadamente en el siglo XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 1.900 d.C.), perteneciente al arte japonés.

Par de Cajas de Incienso en forma de Patos
Par de Cajas de Incienso en Forma de Patos

En concreto fue fabricado durante la era o período Meiji (明治時代).

Un período comprendido entre los años 1.868 d.C. y 1.912 d.C. caracterizado por la modernización y occidentalización de Japón.

Se conoce que los recipientes pertenecieron a la colección de arte del coleccionista y empresario estadounidense Benjamin Altman

Hasta que en el año 1.913 d.C. el Par de Cajas de Incienso en Forma de Patos fue legado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Par de Cajas de Incienso en forma de Patos


Descripción


Tiene una altura total de 12,7 cm, una anchura total de 15,2 cm y una longitud de 12,7 cm.

Está fabricado en madera lacada con oro y plata, mediante la técnica de maki-e (蒔絵).

Se trata de un par de cajas de incienso conocidas con el nombre de kōgō (香合) utilizadas para contener varitas de incienso que eran utilizadas en las ceremonias budistas zen.

Par de Cajas de Incienso en forma de Patos

Par de Cajas de Incienso en forma de Patos

Los dos cajas tienen forma de pato mandarín (también conocido como aix galericulata) uno con el pico mirando hacia delante, mientras que el otro se encuentra mirado hacia atrás con el cuello girado hacia su cuerpo.

Par de Cajas de Incienso
 en forma de Patos
Cada uno lleva un copete sobre la frente compuesto por una franja de color plateado. 

Además se observa como uno de los patos tiene el vientre decorado con líneas onduladas plateadas.

También se aprecia como el plumaje está finamente representado y como uno de los patos aparece representado con el pico abierto, mientras que el otro está representado con el pico cerrado.

Los dos recipientes se colocaban en el interior de un soporte rectangular apoyado sobre cuatro patas con forma geométricas situadas en cada una de las esquinas del soporte.

Par de Cajas de Incienso
en forma de Patos
En el centro de los laterales hay anclada una fina asa de metal que va de un lado a otro y tiene la funcionalidad de hacer transportable tanto los recipientes como el soporte.

La superficie superior del soporte está ornamentada con un patrón compuesto por un motivo vegetal (plantas de estanque).

Con respecto a la composición destacar que tanto los patos como el soporte están fabricado en madera y cubiertos con laca dorada.

Par de Cajas de Incienso
en forma de Patos
También cabe enfatizar que en Asia oriental los patos mandarines se encuentran considerados animales portadores de buena fortuna, afecto conyugal y amor.

Aparte a menudo los patos mandarines eran representados en cerámicas, lacas y textiles como símbolos auspiciosos asociados con las bodas.

Para finalizar subrayar que éste tipo de recipientes o kōgō (香合) eran considerados objetos coleccionables muy populares en Europa durante las segunda mitad del siglo XIX d.C., siguiendo la moda del siglo XVIII d.C. (período comprendido entre los años 1.701 d.C. y 1.800 d.C.) de coleccionar pequeños objetos maki-e (蒔絵) como parte de la decoración interior aristocrática.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

jueves, 19 de mayo de 2022

Virgen de la Escalera

La Virgen de la Escalera, también conocida como Madonna de la Escalera, es una escultura datada aproximadamente en el año 1.491 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Virgen de la Escalera

Fue esculpida por el arquitecto, escultor y pintor italiano Michelangelo Buonarroti (también conocido como Miguel Ángel).

Lo primero que se conoce es que la escultura se encontraba en propiedad de Lionardo Buonarroti (nieto de Miguel Ángel).

Quién en el año 1.566 d.C. la donó al II duque de la República de Florencia y I Gran Duque de Toscana, Cosme I de Médici, pasando a formar parte de su colección de arte.

Hasta que en el año 1.616 d.C. fue el IV Gran Duque de Toscana, Cosme II de Médici quién devolvió la Virgen de la Escalera a la familia Buonarroti.

Por lo que la escultura fue depositada en el palacio de la familia Buonarroti.

Ubicado en la esquina de la Via Ghibellina y la Vía Buonarroti, en el centro de la ciudad de Florencia, situada en la región de la Toscana, en Italia. 

Aparte cabe destacar que en la actualidad el palacio alberga el museo Casa Buonarroti.


Descripción

Tiene una altura de 55,5 cm y una anchura de 40 cm. Está fabricada en mármol, mediante las técnicas de incisión y tallado.

Se trata de una escultura en bajorrelieve que representa a la Virgen María en posición sedente con el Niño Jesús en su regazo.

Virgen de la Escalera

La Virgen se encuentra sentada sobre un canto rodado cuadro, de perfil mirando hacia el lado derecho. Además se aprecia como ocupa toda la altura del relieve de un extremo al otro.

Se encuentra con el torso erguido y mirando a los lejos, en actitud profética, mientras levanta con su mano derecha un borde de su túnica para amamantar o proteger al Niño Jesús que está dormido en su regazo.

Destaca como el Niño Jesús tiene un brazo apoyado en su espalda y la mano derecha vuelta hacia afuera. 

También resalta como la Virgen tiene entrelazados los pies mostrando la planta derecha y rompiendo con la superficie lisa del relieve.

En la parte superior derecha, situados en las escaleras que da en nombre a la obra, aparecen representados dos ángeles recién esbozados en actitud de danza o de lucha, junto a otro ángel apoyado en la barandilla que tiende una tela a una cuarta figura situada en el lado izquierdo detrás de la Virgen María.

Para finalizar con respecto a la composición resaltar la pronunciada musculatura del Niño Jesús y la presión de la Virgen María, sobretodo con las grandes manos que hace que un gesto sencillo y cotidiano parezca vigoroso.

Además destaca el diferenciado de las superficies destacando la caída del drapeado de la túnica de la Virgen, aparte de los diferentes planos que se nivelan con variaciones milimétricas de espesor.

Actualmente se encuentra en la Casa Buonarroti de Florencia, Italia.

miércoles, 18 de mayo de 2022

Cruz Procesional de San Millán de la Cogolla

La Cruz Procesional de San Millán de la Cogolla es una cruz datada aproximadamente entre los años 984 d.C. y 1.001 d.C., perteneciente al arte medieval.

Cruz Procesional de San Millán de la Cogolla

En concreto al arte prerrománico y dentro de éste pertenece al arte mozárabe.

Se conoce que originalmente la cruz se encontraba en el monasterio de San Millán de Suso (también conocido como monasterio de Suso).

Localizado en el municipio de San Millán de la Cogolla, situado en la comarca de Nájera, en la comunidad autónoma de La Rioja (España).

En el año 1.808 d.C. la cruz desapareció a consecuencia del saqueo realizado por las tropas francesas durante la guerra de la Independencia Española.

El 16 de junio del año 1.904 d.C. el brazo superior y el brazo inferior de la Cruz Procesional de San Millán de la Cogolla fueron adquiridas por el Museo del Louvre de París (Francia), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Cruz Procesional de San Millán de la Cogolla

Mientras que uno de los brazos laterales de la cruz fue comprada en el año 1.943 d.C. por el Museo Arqueológico Nacional de Madrid (España).

Aunque cabe resaltar que aún en la actualidad uno de los brazos laterales de la cruz se encuentra desaparecido.

Cruz Procesional de
San Millán de la Cogolla


Descripción

Se trata de una cruz procesional realizada en marfil de elefante mediante la técnica de tallado. 

Un brazo lateral tiene una altura de 36,50 cm, una anchura máxima de 24 cm, una anchura mínima de 8 cm, un grosor de 1,70 cm y un peso de 791 gr.

Los brazos inferior y superior tienen una altura de 37,6 cm, una anchura máxima de 14 cm, una anchura mínima de 6 cm y un grosor de 1,8 cm.

Cruz Procesional de
San Millán de la Cogolla

Presenta forma de cruz patada (también conocida como cruz templaria o cruz pátea).

Es decir, una cruz en la que los brazos se estrechan al llegar al centro, mientras que se ensanchan en los extremos.

Aparte se puede observar como los tres brazos de la cruz se encuentran terminados con forma de una curva cóncava. 

La cruz se encuentra ornamentada a ambos lados por una gran banda decorativa compuesta por volutas entrelazadas con figuras de animales reales y animales fantásticos o mitológicos.

Cruz Procesional de
San Millán de la Cogolla

Además originalmente podría haber tenido incrustaciones de oro y cuentas de vidrio.

En los extremos de los brazos hay perforaciones que podrían haber tenido montajes de orfebrería.

También se aprecia como los huecos situados en el brazo inferior eran utilizados para fijar un asta.

Cabe destacar que los investigadores piensan que originalmente la cruz podría haber sido un encargo cristiano a talleres cordobeses en uno de los períodos de paz.

Aunque otros investigadores creen que tal vez podría haber sido un regalo al monasterio por parte de algún miembro de la realeza.

Para finalizar subrayar que la Cruz Procesional de San Millán de la Cogolla está considerada una de las obras más importantes dentro de la esculturas de marfil pertenecientes al arte mozárabe.

Actualmente dos brazos se encuentran en el Museo del Louvre de París (Francia) y un brazo se encuentra en el Museo Arqueológico Nacional de Madrid (España).

martes, 17 de mayo de 2022

Candelabro de Gloucester

El Candelabro de Gloucester es un candelabro datado aproximadamente entre los años 1.104 d.C. y 1.113 d.C., perteneciente al arte medieval, en concreto al arte románico.

Candelabro de Gloucester

Se conoce que originalmente fue una donación de un rico a la Iglesia de San Pedro de Gloucester, conocida actualmente como Catedral de Gloucester.

Edificada en la ciudad y distrito de Gloucester, situado en el condado de Gloucestershire, localizado en el suroeste de Gran Bretaña.

Después fue donado por Thomas Pociencis a la Catedral de Saint-Julien de Le Mans (Francia), por lo que el candelabro pasó a formar parte del tesoro de la catedral hasta el siglo XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 1.900 d.C.).

En el año 1.861 d.C. el Candelabro de Gloucester fue adquirido por el Museo de Victoria y Alberto (Museo Nacional de Arte y Diseño), situado en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

Candelabro de Gloucester


Descripción

Tiene una altura de 58 cm, una anchura de 20 cm y un grosor de 20 cm.

Está fabricado en diversos metales sobretodo en bronce dorado, mediante la técnica de fundición a la cera perdida.

Se trata de un candelabro que fue fundido en tres partes. La base, el vástago o tallo y la bandeja recogegotas que se modelaron por separado en cera. 

Aparte gran parte de los detalles de las figuras se habrían formado en cera, para terminarse una vez que se completara la fundición.

Cabe resaltar que durante el proceso de fabricación los bebederos de cera, conocidos con el nombre de elevadores y corredores, se unieron en los lugares estratégicos que crearon canales para permitir el flujo del metal al molde y el escape de gases durante la fundición.

Candelabro de Gloucester
(detalle)

Además destaca como las fijaciones originales permitían el paso de la luz a través de todo el candelabro, acentuando su decoración calada.

Se encuentra ornamentado con una colección de figuras de criaturas reales y criaturas fantásticas o mitológicas. 

Sobretodo destacan, en la parte superior, las figuras de los dragones alados que sostienen la bandeja de goteo.

También se observan como varios simios trepan por el tallo y los animales híbridos muerden, agarran y tiran para posicionarse entre el follaje y las flores situadas a lo largo de la base.

Entre los dragones y las bestias aparecen representados los símbolos de los cuatro evangelistas situados en el bulto ornamental en el medio del tallo.

Candelabro de Gloucester
(detalle)

El candelabro presenta un total de tres inscripciones escritas en latín que revelan la historia, el significado y la procedencia del candelabro.

La inscripción situada alrededor del tallo, junto con su traducción aproximada es la siguiente:

 "+ ABBATIS.PETRI.GREGIS

ET DEVOTIO.MITIS

+ ME DEDIT ECCLESIE

SCI PETRI GLOECESTRE"

"La devoción del abad Peter y su amable rebaño me dio a la Iglesia de San Pedro de Gloucester"

La inscripción situada alrededor de la parte exterior de la bandeja de goteo es la siguiente:

"+ LVCIS ON (US) VIRTVTIS OPVS DOCTRINA REFVLGENS

PREDICAT VT VICIO NON TENEBRETVR HOMO"

Siendo su traducción aproximada la siguiente:

"Carga de luz, obra de virtud, predicas de enseñanza brillantemente 

brillantes para que el hombre no sea oscurecido por el pecado"

Según los investigadores esto sugiere que el candelabro pudo haber simbolizado la luz que iluminaba la virtud de la enseñanza cristiana y evitaba la sombra del pecado. 

Candelabro de Gloucester
(detalle)

Es decir, que originalmente el Candelabro de Gloucester puede haber sido utilizado en el altar o para iluminar un santuario.

La inscripción alrededor del interior de la bandeja de goteo, junto con su traducción aproximada es la siguiente:

" HOC CENOMANNESIS RES ECCLESIE POCIENSIS

THOMAS DITAVIT CVM SOL ANNVM RENOVAVIT"

"Thomas Pociencis le dio esto a la Catedral de Le Mans cuando el sol renovó el año"

Con respecto a la composición destacar que la decoración se encuentra estrechamente relacionada con la iluminación de los manuscritos, que comúnmente representaba bestias reales y mitológicas luchando contra o creciendo como parte de la maleza salvaje.

Para finalizar subrayar que el Candelabro de Gloucester está considerado un ejemplo excepcional de técnica y artesanía dentro del estilo románico.

Puesto que la mayoría de las obras realizadas en metal se fundían y reutilizaban por lo que la supervivencia del candelabro es notable y significativa, ya que es uno de los pocos objetos del arte románico de origen inglés que ha llegado hasta la actualidad.

Actualmente se encuentra en el Museo Victoria y Alberto de Londres, Gran Bretaña.

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