Punta de Puntero

La Punta de Puntero es parte de un puntero datado aproximadamente entre los años 1.080 d.C. y 1.150 d.C., perteneciente al arte medieval, en concreto al arte bizantino.

Punta de Puntero

Punta de Puntero

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte del ingeniero, financiero y coleccionista de arte belga Adolphe Stoclet.

En el año 1.956 d.C. la Punta de Puntero fue adquirida por un coleccionista privado afincado en Suiza.

En el año 1.997 d.C. fue vendido por la tienda de antigüedades "Brimo de Laroussilhe", localizada en la ciudad de París, en Francia.

Siendo comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Decripción

Tiene una altura de 2,5 cm y una anchura de 1,3 cm. Está fabricado en oro y esmalte cloisonné.

Se trata de la punta de un puntero con forma hexagonal que presenta una decoración delicadamente labrada y finamente tallada, lo que hace que sea uno de los ejemplos más sobresalientes que se conocen de esmalte cloisonné elaborado durante la era bizantina.

Punta de Puntero

El exterior se encuentra completamente cubierto de elaborados diseños geométricos y de hojas, predominantemente trabajados en esmaltes blancos, rojos y azules translúcidos. 

Además se pueden observar como tiras de cloisons en forma de escalera han sido realizadas en esmalte verde translúcido y utilizadas para separar los distintos patrones decorativos en los lados y ocultar los ángulos de la forma hexagonal. 

También se puede apreciar como la parte superior es una cúpula plana y la base se encuentra rematada con lóbulos alternados y semicírculos.

Cabe destacar que se piensa que debido a su diminuto tamaño la Punta de Puntero fue originalmente el final de un largo puntero utilizado para ayudar a un orador durante la lectura pública de un manuscrito.

Con respecto a la composición resaltar que los patrones esmaltados son similares o otros diseños encontrados en la iluminaciones de manuscritos bizantinos.

Para finalizar subrayar que debido al refinamiento de la decoración y de la artesanía sugieren que la Punta de Puntero podría haber pertenecido a un grupo de obras asociadas con la capital imperial de Constantinopla y posiblemente podrían haber sido fabricadas para ser utilizadas en la corte real.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Una Mujer Barriendo sus Cartas de Amor

Una Mujer Barriendo sus Cartas de Amor es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.725 d.C. y 1.770 d.C., perteneciente al arte japonés.

Una Mujer Barriendo sus Cartas de Amor

En concreto fue pintada durante el período Edo (江戸時代), período comprendido entre el 24 de marzo del año 1.603 d.C. y el 3 de mayo del año 1.868 d.C., también conocido como período Tokugawa (徳川時代).

Se conoce que fue pintada por el grabador y pintor japonés Suzuki Harunobu (鈴木春信).

También se conoce que perteneció a la colección de arte de Henry L. Phillips, ubicada en el vecindario de Hyannis Port, localizado en el pueblo residencial de Barnstable, en el estado de Massachusetts (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.939 d.C. Una Mujer Barriendo sus Cartas de Amor fue legada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene una altura de 28,3 cm y una anchura de 21,6 cm. Está elaborada en xilografía, tinta y color sobre papel.

Se trata de una pintura, una estampa, que representa una escena con una mujer joven, en posición de pie y barriendo cartas. 

Se encuentra ataviada con un kimono (着物) en tonos rosados, rojos y violetas y ornamentado con motivos vegetales y patrones geométricos. Además lleva en la cintura un obi (帯) morado decorado con un patrón geométrico y sandalias de madera conocidas como geta (下駄).

Aparte en el rostro redondeado destacan los ojos rasgados, la nariz recta y la boca pequeña. El cabello largo y negro se encuentra peinado en un recogido conocido con el nombre de takashimada (高島田).

La mujer aparece representada inclinando la cabeza hacia el lado derecho, mirando hacia las canastas llenas de cartas de amor que son transportadas en el lomo de un buey.

Para finalizar subrayar que la imagen representada alude a la popular leyenda china de Kanzan (en chino denominado Hanshan 寒山) y su compañero Jittoku (en chino conocido como Shi De 拾得) de la dinastía Tang (唐朝), dinastía imperial China comprendida entre los años 618 d.C. y 907 d.C., siendo considerada como un punto culminante de la civilización china y una época dorada de la cultura cosmopolita.

Dónde Kazan (poeta chino) y su amigo Jittoku, moradores del templo de Guoquing (国清寺), solían ser representados juntos: el primero sosteniendo un sutra y el segundo sosteniendo una escoba.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Placa con Escenas de Emmaus

La Placa con Escenas de Emmaus es una placa datada aproximadamente entre los años 850 d.C. y 900 d.C., perteneciente al arte medieval.

Placa con Escenas de Emmaus

En concreto se encuentra englobada dentro del arte prerrománico y dentro de éste pertenece al arte carolingio.

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de Ernst Kofler-Truniger y de su esposa Marthe Kofler-Truniger.

En el año 1.970 d.C. la Placa con Escenas de Emmaus fue vendida en la ciudad de Lucerna, localizada en el cantón de Lucerna, en Suiza.

Siendo comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 11,5 cm, una anchura de 23,5 cm y un grosor de 0,6 cm. Está fabricada en marfil de elefante, mediante las técnicas de incisión, grabado y tallado.

Se trata de una placa con forma rectangular que presenta su anverso decorado con una escena tallada, se puede observar como hay una representación de la aparición de Cristo a dos de sus discípulos después de su Resurrección.

En el lateral derecho Cristo, que se distingue por su aureola, se encuentra representado con los discípulos en el camino a la ciudad de Emmaus, situada cerca de la ciudad de Jerusalén.

La escena representada en el lado izquierdo se describe en el Evangelio de Lucas (24:13-35), los apóstoles aunque no reconocen a Cristo, lo instan a que se quede con ellos en la ciudad de Emmaus.

Una vez dentro de la ciudad de Emmaus, los apóstoles finalmente reconocen a Cristo cuando sentados en la mesa parte el pan para la cena compartida.

También se puede observar como el borde de la placa se encuentra ornamentado con un patrón de pájaros y flores. Además destacar que los investigadores creen que originalmente el borde podría haber estado recubierto con láminas de oro.

Para finalizar subrayar que a juzgar por el formato horizontal y los huecos situados a lo largo del borde superior posiblemente utilizados para acomodar bisagras, representan indicaciones de que originalmente la Placa con Escenas de Emmaus pudo haber sido usada como un panel posterior de un pequeño cofre.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Retrato de Charlotte Duchesne

El Retrato de Charlotte Duchesne es un dibujo datado aproximadamente en el año 1.628 d.C., perteneciente al arte barroco.

Retrato de Charlotte Duchesne

Fue dibujado por el pintor francés clasicista de origen brabanzón Philippe de Champaigne.

Perteneció a la colección de arte del aristócrata francés y señor de Trois-Fourneaux Jean-Pierre-Marie de Ruolz.

Por herencia pasó a ser propiedad de su hijo el aristócrata francés y señor de Francheville y Chatelard Charles-Joseph de Ruolz-Montchal.

Después perteneció a la colección de arte del cónsul de Chipre en la ciudad de Lyon (Francia) Nicos Dhikéos.

El 20 de junio del año 1.992 d.C. el dibujo fue vendido por la casa de subastas Christie's de Monaco, siendo comprado por "Compagnie des Beaux-Arts Ltd."

Hasta que en el año 1.994 d.C. el Retrato de Charlotte Duchesne fue adquirido por el Museo Metropolitano de Arte de nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

¿ Quién fue Charlotte Duchesne ?

Charlotte Duchesne fue la hija del pintor Nicolas Duchesne y esposa del pintor francés clasicista de origen brabanzón Philippe de Champaigne.

Además es conocido que que fue Nicolas Duchesne quién contrató a Philippe de Champaigne para ayudar en la decoración del Palacio de Luxemburgo (palacio francés ubicado en el "VI" Distrito de la ciudad de París, en Francia) para María de Medici (princesa del Gran Ducado de Toscana y reina consorte de Francia).

Descripción

Se trata de un dibujo en el que aparece retratada el busto de Charlotte Duchesne. Cabe resaltar que el artista se centró en transcribir los rasgos y la expresión tan sólo con los trazos mínimos y esquemáticos del vestuario y joyería.

Para crear el efecto de naturalismo, el rostro fue modelado sutilmente en tiza negra con toques de blanco y rojo. Aparte en el rostro destaca el ligero fruncimiento del ceño y la mejilla redondeada que revela apenas un leve atisbo de sonrisa.

El cabello ondulado se encuentra representado peinado hacia atrás con algunos mechones ondulados sueltos que le enmarcan el rostro.

Para finalizar subrayar que los investigadores consideran que la inscripción situada en el lado superior izquierdo esta fechada posterior a la vida del artista.

La inscripción escrita con pluma y tinta en idioma francés es la siguiente:

"La Femme de M. Champagne

peintre excellent en portraits

au naturel"

Siendo su traducción la siguiente: "La esposa del Sr. Champagne, excelente pintor de retratos al natural"

También se puede apreciar como situada abajo en el lado izquierdo de la composición se encuentra la marca de que perteneció a la colección de arte del cónsul de Chipre en la ciudad de Lyon (Francia) Nicos Dhikéos.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América. 

Espada de Adad-Nirari I

La Espada de Adad-Nirari I es una espada datada aproximadamente entre los años 1.307 a.C. y 1.275 a.C., perteneciente al arte mesopotámico, en concreto al arte asirio.

Espada de Adad-Nirari I

En el año 1.874 d.C. la espada fue adquirida por el coleccionista y político británico Robert William Hanbury en la ciudad de Martin, localizada en el sudeste de Turquía.

En el año 1.875 d.C. la Espada de Edad-Nirari I fue prestada por el oficial del ejercitó británico Sir John Hanbury Williams a la galería asiria del Museo Británico de Londres (Gran Bretaña).

En el año 1.910 d.C. la espada fue comprada por el empresario, banquero y coleccionista de arte estadounidense John Pierpont Morgan.

Estando en su colección hasta que en el año 1.911 d.C. la Espada de Adad-Nirari I fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Espada de Adad-Nirari I
(detalle)

Descripción

Tiene una anchura de 7,2 cm, una longitud de 53,5 cm y un grosor de 1,2 cm. 

Está fabricada en bronce.

Se trata de una espada curva que perteneció al rey de Asiria Adad-Nirari I, cuyo reinado ocurrió aproximadamente entre los años 1.305 a.C. y 1.274 a.C. por un período de 31 años.

Es una espada o sable de hoja curva, en forma de hoz con el filo en su parte convexa, también cabe destacar que éste tipo de espadas se les conoce con el nombre de khopesh (antiguamente también se la denominaba kefresh) o espada hoz.

Espada de Adad-Nirari I
(detalle)

La espada presenta una inscripción grabada en escritura cuneiforme, siendo una traducción aproximada la siguiente:

"Palacio Adad-Nirari, 

rey del universo,

hijo de Arik-Den-Ili,

rey de Asiria,

hijo de Enlil-Nirari,

rey de Asiria"

La inscripción se encuentra en tres lugares de la espada: en ambos lados de la hoja y a lo largo de su borde (no cortante).

También se puede apreciar como en la hoja hay un grabado de un antílope recostado en una especie de plataforma.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que originalmente la Espada de Adad-Nirari I fue utilizada durante la realización de ceremonias y rituales como un emblema de poder real.

Puesto que con frecuencia dentro del arte asirio las espadas curvas estaban consideradas un símbolo de autoridad, siendo usadas tan sólo por los reyes y los dioses.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

El Molino de Wijk bij Duurstede

El Molino de Wijk bij Duurstede, también conocido como De Molen bij Wijk bij Duurstede, es una pintura datada aproximadamente en el año 1.670 d.C., perteneciente al arte barroco.

El Molino de Wijk bij Duurstede

Fue pintado por el pintor neerlandés Jacob van Ruisdael (también conocido como Jacob Izaacksz van Ruisdael).

Se conoce que perteneció al inglés John Smith, después pasó a ser posesión del comerciante de arte de la ciudad de Munich (Alemania) Noë.

En el año 1.833 d.C. El Molino de Wijk bij Duurstede fue comprado por un precio de 4.000 florines por el banquero y coleccionista de arte Adriaan van der Hoop.

En el año 1.854 d.C. la pintura fue legada a la ciudad de Ámsterdam (Holanda).

Y desde el año 1.885 d.C. El Molino de Wijk bij Duurstede se encuentra, como préstamo a largo plazo, en la colección de arte del Museo Rijksmuseum de Ámsterdam, en Holanda.

Descripción

Tiene una altura de 83 cm y una anchura de 101 cm. Está pintado en óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa un paisaje holandés, se puede apreciar como se encuentra representado el molino de Wijk bij Duurstede, situado al lado del terraplén del río Lex en la ciudad de Wijk bij Duurstede, localizada en la provincia de Utrecht (Holanda).

El molino se encuentra representado con un molino de maíz que fue demolido en el año 1.817 d.C.. Además en el horizonte se puede ver la torre achatada e inacabada de la basílica gótica Grote Kerk (también conocida como Grote de St.Janskerk).

Así como el castillo medieval Kasteel Duurstede, que es la residencia de verano de los obispos de Utrecht. Cabe resaltar que no se muestran ni la muralla ni la puerta de la ciudad que deberían estar representadas en el lado izquierdo de la composición, dónde se encuentran representadas tres mujeres en posición de pie.

El horizonte parece bajo dando como resultado que más de las tres cuartas partes de la pintura se encuentran ocupadas por un amenazante cielo nublado, resalta como el cielo está atravesado por algunos rayos de sol que iluminan dramáticamente el molino.

Cabe enfatizar que es la representación más antigua que existe de un molino de viento con las varillas en un cuarto del ancho de las aspas y visto desde el lado giratorio.

Las tres mujeres situadas en el lateral izquierdo y el pequeño velero ubicado en el lateral derecho también se encuentran acentuados por un haz de luz. Aparte hay bandas de luz y sombra que se alternan sobre el agua.

Con respecto a la composición destacar el horizonte bajo con un gran cielo nublado que ha sido pintado desde una vista relativamente baja con el molino de viento ligeramente situado hacia un lado.

Además resalta el uso de color y los fuertes contrastes entre la luz y la oscuridad. Sobretodo resalta la representación de las nubes pesadas, con formas firmes y muy realistas.

Cabe resaltar la sólida coherencia de las formas que equilibra la masa cilíndrica, vertical y dominante del molino que se eleva sobre la ciudad con el cielo nublado, el amplio campo y la extensión del río.

Las franjas que representan las aspas corresponden a la posición de las nubes, por lo que existe una mejor conexión entre la tierra y el cielo, que se ve reforzada por las manchas claras y oscuras en el agua y en el suelo que presentan similitudes con las formas de las capas de nubes.

Para finalizar subrayar que una serie de motivos en la pintura han dado lugar a interpretaciones sobre la fugacidad de la vida, siendo el tema central la grandeza de la naturaleza, poco antes de que estalle una tormenta y en relación con la insignificancia de las figuras femeninas.

También destacar que El Molino de Wijk bij Duurstede se encuentra considerada una de las obras más conocidas del pintor paisajista holandés Jacob van Ruisdael. 

Actualmente se encuentra en el Rijksmuseum de Ámsterdam, Holanda.

Atlatl Azteca

El Atlatl Azteca, también conocido como Lanzador de Lanzas, es una herramienta datada aproximadamente entre los años 1.400 d.C. y 1.521 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte azteca o arte mexica.

Atlatl Azteca

Se conoce que perteneció a la colección del antropólogo y bibliotecario alemán Gustav Friedrich Klemm.

Después perteneció al anticuario británico y ayudante del departamento de Antigüedades del Museo Británico de Londres (Gran Bretaña) Augustus Wollaston Franks.

Hasta que en el año 1.870 d.C. el Atlatl Azteca fue donado al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Atlatl Azteca

Descripción

Tiene una longitud de 30,60 cm, una anchura de 10,20 cm y una profundidad de 2,60 cm. Está fabricado en madera, concha y algodón.

Se trata de una herramienta de propulsión o arma de proyección fabricada en madera que permite la impulsión de lanzas.

Está compuesto por una empuñadura consistente en una corta vara de madera que se sujeta en un extremo por dos asas o mangos y el cuerpo, que se encuentra ornamentado en su longitud con una figura de un guerrero tallado.

Además cabe resaltar que los investigadores piensan que originalmente el Atlatl Azteca era reservado para la élite azteca que lo utilizaba en las ceremonias y rituales.

Aunque lo más probable es que estuviera destinado a exhibirse y puede haber sido parte de un conjunto de insignias ceremoniales que proclamaban el papel y el estado del "rey guerrero".

Atlatl Azteca

Durante la ceremonia o ritual el guerrero empujaría una lanza con una punta puntiaguda frente a él.

Aparte justo encima de la punta del atlatl se puede observar la cabeza y la lengua bifurcada de una serpiente de cascabel.

Cabe destacar que dentro del arte azteca la imagen de la serpiente de cascabel hace referencia a la capacidad del propietario para atacar a distancia y era comparada con el ataque mortal (mordida) de la serpiente de cascabel.

Con respecto a la composición resaltar que el Atlatl Azteca aún conserva rastros de papel de aluminio de oro matizado fino que ha sido aplicado tanto en la parte delantera como en la parte trasera del cuerpo.

Para finalizar subrayar que entre el arsenal de armas aztecas se encontraban espadas de obsidiana y una variedad de: garrotes, arcos, flechas y lanzas.

El Atlatl Azteca se encuentra considerado dentro del arsenal de armas como el más prestigioso y era utilizado para lanzar dardos letales.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

María Magdalena

María Magdalena, también conocida como Santa María Magdalena, es una pintura datada aproximadamente en el año 1.530 d.C., perteneciente al arte renacentista.

María Magdalena

Fue pintada por el pintor neerlandés Jan van Scorel.

Se conoce que perteneció a la colección de la iglesia de Janskerk, edificada en la ciudad de Haarlem (Holanda).

En el año 1.572 d.C. la María Magdalena fue expropiada después de la Beeldenstorm.

También conocida como Tormenta de las imágenes, Asalto a las imágenes o Furia Iconoclasta (ataques y destrucción de imágenes religiosas).

Siendo expropiada para el ayuntamiento de Haarlem, la sede del gobierno de la ciudad de Haarlem (Holanda).

Hasta que en el año 1.804 d.C. la María Magdalena volvió a ser expropiada y pasó a formar parte de la colección del Rijksmuseum (también conocido como Museo Nacional de Ámsterdam), localizado en la ciudad de Ámsterdam, en Holanda (también denominado Países Bajos).

Descripción

Tiene una altura de 67 cm y una anchura de 76,5 cm. Está pintada al óleo sobre madera.

Se trata de una pintura en la que aparece representada la discípula de Jesús de Nazaret, María Magdalena, sobre un fondo paisajístico, dónde destaca un cielo claro, un bosque y un árbol en primer plano.

María Magdalena se encuentra representada sentada sosteniendo un frasco de ungüento ricamente ornamentado, además en el rostro redondeado destacan los ojos almendrados, la nariz recta, los labios carnosos y el mentón redondeado. 

También destaca como dirige la mirada al espectador y tiene una expresión severa. El cabello castaño claro, largo y rizado se encuentra recogido en un elaborado peinado que le deja el lado izquierdo del cuello desnudo y dónde le caen varios mechones.

Se encuentra ataviada con un vestido de mangas largas, ceñido a la cintura por una banda roja, con un corpiño bordado con letras hebreas y un chal semitrasparente. 

En el borde superior del corpiño se puede apreciar la siguiente inscripción en hebrero, que se corresponde con el Salmo 91,15 :

"... " ... הו ואכבדהו אורך ימ"

Cuya traducción es la siguiente:

"Y lo honraré, todos mis días"

Se puede observar como alrededor de la parte inferior del cuerpo y reposando un lado de la tela sobre su hombro y brazo derecho hay una manto elaborado con tela de damasco y decorado con un patrón de motivos geométricos. 

Para finalizar subrayar que la palabra hebrea "ואכבדהו" tan sólo aparece una vez en la Biblia hebrea (también conocida como Biblia hebraica), se refiere de forma generalizada a los libros de la Biblia que han sido escritos originalmente en hebreo y arameo antiguos.

Actualmente se encuentra en el Rijksmuseum de Ámsterdam, Holanda.

Guardián de la Tumba

El Guardián de la Tumba, también conocida como 문인석 조선 o 文人石 朝鮮, es una escultura datada aproximadamente en el siglo XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 1.900 d.C.), perteneciente al arte coreano.

Guardián de la Tumba

En concreto fue esculpida durante la dinastía Joseon (조선) (reino dinástico coreano que duro desde el año 1.392 d.C. hasta el año 1.910 d.C.).

Se conoce que perteneció a la colección de arte de Nina Bunshaft y Gordon Bunshaft.

Hasta que en el año 1.995 d.C. el Guardián de la Tumba fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 205,7 cm, una anchura de 61 cm y un grosor de 48,3 cm. Está fabricada en granito, mediante las técnicas de incisión y tallado.

Se trata de una escultura que representa la figura de un funcionario civil (persona que ocupaba un tipo de oficina que le daba un estatus de yangban, normalmente era un tipo de nobleza semi-hereditaria que era efectiva por tres generaciones, además para poder ser funcionario se tenía que pasar tres tipos de exámenes de gwageo: literario, militar y misceláneo).

Está representado en posición de pie mientras sostiene una tableta de audiencia con forma rectangular levantada con ambas manos y sostenida debajo de su barbilla.

En el rostro redondeado destacan las cejas marcadas, los ojos rasgados, la nariz grande y los labios entreabiertos. Aparte se encuentra ataviado con la túnica reglamentaria para la corte denominada dallyeong (단령) y en la cabeza lleva el gorro oficial conocido por el nombre de samo.

Cabe resaltar que durante la dinastía Joseon (조선) tanto los funcionarios letrados como los funcionarios militares debían vestir con la indumentaria reglamentaria dallyeong (단령), siendo la distinción entre letrados y militares mediante el uso de hyungbae (una gran insignia bordada que se adherían en el pecho y en la espalda: una grulla para los letrados y un tigre para los militares).

Con respecto a la composición destacar que la pose del hombre, junto con los hombros ligeramente encorvados indica respeto y humildad.

Para finalizar subrayar que durante la dinastía Joseon (조선) la conmemoración de los ancestros a través de rituales adquirió un nuevo significado y se colocaron esculturas de piedra de figuras humanas y animales alrededor de túmulos con la finalidad de honrar y proteger las tumbas.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Medallón con Madre e Hijo

El Medallón con Madre e Hijo es un medallón datado aproximadamente en el siglo IV d.C. (período comprendido entre los años 301 d.C. y 400 d.C.), perteneciente al arte romano.

Medallón con Madre e Hijo

Medallón con Madre e Hijo

Se conoce que fue descubierto en el interior de la Villa de Adriano (también conocida como Villa Adriana).

Ubicada a las afueras de la ciudad de Tívoli, situada en la provincia de Roma, localizada en la región del Lacio, en Italia.

En el año 1.732 d.C. el medallón se encontraba en posesión del anticuario, arqueólogo, coleccionista y erudito italiano Francesco de' Ficoroni.

Después perteneció al clérigo británico Conyers Middleton, luego pasó a ser propiedad del político, escritor y arquitecto británico Horacio Walpole (también conocido como IV conde de Orford).

El 11 de mayo del año 1.842 d.C. el Medallón con Madre e Hijo fue comprado por el político y escritor de literatura inglés Charles Wentworth Dilke.

Posteriormente en el año 1.889 d.C. el medallón fue vendido en la ciudad de París (Francia) a Ambrosio Canessa.

En el año 1.911 d.C. fue comprado por el empresario, banquero y coleccionista de arte estadounidense John Pierpont Morgan.

Hasta que en el año 1.917 d.C. el Medallón con Madre e Hijo fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Medallón con Madre e Hijo

Descripción

Tiene un diámetro de 4,8 cm y un grosor de 0,5 cm. 

Está fabricado en pan de oro y vidrio.

Se trata de un medallón con forma circular de cristal dorado que tiene representados, en su anverso el busto de una madre y su hijo.

La mujer, una matrona (mujer que tenía la ciudadanía romana y se había casado con un hombre libre que también era un ciudadano romano), se encuentra ataviada con una túnica y un manto con numerosos pliegues que le envuelve el busto, aparte en el rostro destacan los ojos almendrados delineados, la nariz recta, los labios finos y el mentón pronunciado.

También destaca como el cabello largo y rizado se encuentra recogido en un elaborado peinado que le enmarca el rostro.

El niño aparece representado a la derecha de su madre con una expresión seria. Se aprecia como en el rostro destacan los ojos grandes, la nariz grande y los labios carnosos. Además se observa como está ataviado con una túnica clara y alrededor del cuello lleva un colgante con un gran medallón circular.

Cabe resaltar que durante el siglo IV d.C. (período comprendido entre los años 301 d.C. y 400 d.C.) éste tIpo de medallones se utilizaban como joyas en la ciudad de Alejandría (Egipto).

Para finalizar subrayar que el marco del Medallón con Madre e Hijo es un añadido posterior que fue fabricado en el siglo XVIII d.C. (período comprendido entre los años 1.701 d.C. y 1.800 d.C.).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Casco Azteca

El Casco Azteca, también conocido como Tocado Azteca, es un caco datado aproximadamente entre los años 1.400 d.C. y 1.521 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte azteca o arte mexica.

Casco Azteca

Casco Azteca

Se conoce que fue adquirido en México por el anticuario y escritor de obras inglés William Chaffers y por el anticuario y excavador de túmulos inglés Thomas Bateman.

Perteneció a la colección de arte del anticuario inglés Augustus Wollaston Franks.

Hasta que en el año 1.893 d.C. el Casco Azteca fue donado al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Casco Azteca

Descripción

Tiene una altura de 22,30 cm y anchura de 20,50 cm. 

Está fabricado en madera, malaquita, turquesa, perla, concha de ostra, hematita, resina de pino y copal.

Se trata de un casco con dos salientes, tallado en única pieza de madera de cedro (también conocida como cedrela odorata) y teniendo el interior ahuecado para poder ser utilizado.

Además la orientación del hueco ovalado sugiere que el casco fue utilizado con las dos proyecciones "en forma de pico" en la parte delantera y trasera.

Se observa como la superficie interior se encuentra recubierta con una pintura de color bastante opaco. Además cabe destacar que gracias a un examen microscópico se conoce que originalmente la pintura era de color azul turquesa brillante.

La mayor superficie exterior estaba decorada con teselas formando un mosaico, aunque actualmente gran parte de las teselas se han perdido dejando al descubierto grandes áreas de la mezcla de resinas de pino y copal utilizadas para fijar las teselas en su lugar.

Casco Azteca

Sin embargo resaltar que las caras exteriores de los dos salientes y también los lados de la ancha "muesca" en la parte superior del casco no tienen rastros de resina, por lo que parece que éstos nunca fueron decorados con mosaico.

Aparte los rastros de pintura roja sugieren que al menos partes de éstas áreas fueron pintadas, pero es posible que se hayan ocultado en gran medida si originalmente habría habido plumas adheridas.

Se puede apreciar como se han perdido grandes áreas de las telesas y como resultado partes del diseño del mosaico son difíciles de discernir.

Además en un lado del caso se pueden ver las cabezas de dos serpientes con garras que miran hacia afuera, estas serpientes posiblemente podrían representar a la serpiente de fuego conocida como Xiuhcóatl.

Sus características principales fueron destacadas en concha roja y malaquita verde oscuro. Aparte se utilizó una concha de nácar blanco para el gran colmillo de una de las serpientes, mientras que los dientes más pequeños dentro de las mandíbulas abiertas se indicaron mediante piezas triangulares afiladas de color turquesa pálido.

Casco Azteca

La distintiva concha de nácar de color amarillento, la concha de color rosa rojizo y la malaquita forman las "crestas" en las cabezas de las serpientes.

Cabe resaltar que no está claro si los cuerpos de la serpiente se extiende hacia el otro lado del casco, pero dos elementos cónicos pueden representar penachos con plumas de quetzal utilizados por la aristocracia azteca. 

También destaca como la concha de caracol blanca forma el marco circular de un fragmento pulido de malaquita nodular de color verde oscuro en éste lado del casco.

Con respecto a la composición destacar que la exposición de la superficie de madera desnuda permite que se vean claramente las marcas de la herramienta utilizada para dar forma a la madera.

Para finalizar subrayar que en la actualidad el Casco Azteca es el único casco de madera ornamentado con mosaico que se conserva, pero también es conocido que existen registros de cascos parecidos en los inventarios de artefactos que fueron enviados al rey Carlos I de España y V del Sacro Imperio Romano Germánico.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Pantalla de Carlomagno

La Pantalla de Carlomagno, también conocida como Escrain de Charlemagne, es una obra de orfebrería datada aproximadamente en el siglo IX d.C. (período comprendido entre los años 801 d.C. y 900 d.C.), perteneciente al arte medieval.

Pantalla de Carlomagno
(Acuarela de Étienne-Éloi Labarrre, 1.791 d.C.)

En concreto se encuentra englobada dentro del arte prerrománico y dentro de éste pertenece al arte carolingio.

Fue mandada elaborar por el rey de Francia y emperador carolingio Carlos II de Francia (también conocido como Carlos el Calvo).

Para ser donada a la antigua Iglesia de Saint-Denis, conocida en la actualidad como la Basílica de Saint-Denis, localizada en la comuna de Saint-Denis, en Francia.

Cabe resaltar que también es conocido que formó parte del Tesoro de Saint-Denis.

Hasta que fue incautada en el año 1.791 d.C. y fundida en el año 1.794 d.C. durante la Revolución Francesa (conflicto social y político ocurrido en Francia y que enfrentaba a partidarios y opositores del sistema del Antiguo Régimen).

Descripción

Tenia una altura de 1,10 metros y una achura de 82 centímetros.

Se trataba de una obra de orfebrería consistente en una estructura con forma de pórtico o arcada ornamentadas con incrustaciones de piedras preciosas y perlas.

En total tenía engarzadas más de setecientas perlas, dos aguamarinas, ocho rubíes, once amatistas, veintidós granates, ciento treinta y cinco esmeraldas y doscientos nueve zafiros.

Además se conoce que la estructura presenta tres niveles de arcos superpuestos, a su vez cada nivel se subdivide en dobles o triples arcos y dónde de cada uno de los arcos se encontraban suspendidos pendeloques (piedra preciosa facetada y con forma de lágrima) y coronas votivas.

Pantalla de Carlomagno

En la parte superior tenía un remate consistente en una gran aguamarina engastada en una montura de oro rodeada de zafiros y perlas.

La aguamarina fue tallada por el grabador griego Euodos en el siglo I d.C. (período comprendido entre los años 1 d.C. y 100 d.C.).

Se puede observar como se encuentra tallado el busto de perfil de Julia Flavia (la única hija del emperador romano Tito Flavio Vespasiano, también conocido como Tito).

La aguamarina se encuentra colocada en el centro, a su alrededor hay un total de nueve zafiros fijados mediante dos granulaciones, el zafiro situado en la parte superior está grabado en un lado con un delfín y en el otro lado presenta un monograma de la Virgen María.

También se aprecia como en seis de los nueve zafiros se encuentran coronados por perlas que tienen un clavo de oro y un engarce de pequeñas hojas caladas.

Cabe enfatizar que el remate superior es el único vestigio que se ha conservado de la Pantalla de Carlomagno y la aguamarina está considerada una de las más bellas gemas antiguas que ha llegado hasta la actualidad.

Para finalizar subrayar que en el año 1.794 d.C., poco antes de su desmantelamiento y fundición, la Pantalla de Carlomagno fue dibujada por el arquitecto francés Étienne-Éloi Labarre.

En la pintura realizada en acuarela se puede apreciar el contorno exacto, así como la estructura y los colores. Aparte en la actualidad la pintura se encuentra en la Biblioteca Nacional de Francia, en la ciudad de Paris (Francia).

Actualmente la única parte que se conserva se encuentra en el Cabinet des Médailles (también conocido como Département des Monnaies, Médailles et Antiques), un departamento ubicado en la Bibliothèque nationale de Francia, en la ciudad de París (Francia).

Retrato de Folco Portinari

El Retrato de Folco Portinari es una pintura datada aproximadamente en el año 1.490 d.C., perteneciente al arte medieval, en concreto al arte gótico. 

Retrato de Folco Portinari

Fue pintada por el pintor alemán Hans Memling.

Lo primero que se conoce es que la pintura fue comprada por el abad italiano Luigi Celotti.

Desde el año 1.863 d.C. el Retrato de Folco Portinari se encuentra en la Galería Uffizi, un palacio y museo de la ciudad de Florencia (Italia).

¿ Quién fue Folco Portinari ?

Folco Portinari fue un banquero italiano, se conoce que en el año 1.282 d.C. fue prior de la ciudad de Florencia (Italia) y que tuvo seis hijas.

Siendo la más famosa Beatrice Portinari, la mujer que ha sido identificada como el personaje amado por el poeta, filósofo y escritor italiano Dante Alighiere (también conocido como Durante di Alighiero degli Alighiere o Dante) y mencionada en sus obras.

Se conoce que donó gran parte de sus bienes para fundar en el año 1.288 d.C. el Hospital de Santa María Nuova en la ciudad de Florencia (Italia), motivo por el cual la calle de Florencia que pasa cerca del hospital lleva el nombre de Folco Portinari.

Vivió en el Palacio Portinari Salviati (actualmente sede de la Banca Toscana) y murió el 31 de diciembre del año 1.289 d.C. siendo enterrado junto con otros miembros de su familia en la iglesia de Santa Margherita dei Cerchi (Italia).

Descripción

Tiene una altura de 35 cm y una anchura de 25 cm. Está pintada al óleo sobre tabla.

Se trata de una pintura en la que aparece retratado el banquero italiano Folco Portinari en posición tres cuartos, girado hacia la izquierda, de medio cuerpo y sobre un fondo negro.

En el rostro destacan los ojos almendrados, la nariz recta, los labios finos siendo el labio inferior más carnoso que el superior y el mentón pronunciado. Además resalta como la expresión es intensa y se concentra hacia el lado izquierdo.

Las manos están representadas descansando, una encima de la otra, sobre un parapeto que coincide con el borde inferior del marco, también se aprecia como lleva en su mano derecha un anillo.

Se encuentra ataviado con una capa atada al cuello con un cordel, sobre una camisa blanca con un amplio cuello de piel de visón y un gorro negro, cabe resaltar que la vestimenta refleja el alto estatus social de la persona retratada.

Para finalizar con respecto a la composición subrayar que la posición de las manos es una estratagema para romper el espacio pictórico hacia el espectador y para "justificar " el corte por la mitad de la figura.

Actualmente se encuentra en la Galería Uffizi, en la ciudad de Florencia (Italia).

Seoksu

El Seoksu, también conocido como 석수, es una escultura datada aproximadamente entre los años 18 a.C. y 660 d.C., perteneciente al arte coreano.

Seoksu

Seoksu

Fue hallado el 7 de julio del año 1.971 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas en el interior de la Tumba del rey Muryeong (también conocido como Muryeong de Baekje o 무령왕, 무녕왕, 무영왕).

Cabe destacar que la tumba es la septima tumba descubierta entre las tumbas de Songsan-ri, ubicadas en la ciudad de Gongju (공주시), localizada la provincia de Chungcheong del Sur (충청남도), en el centro-este de Corea del Sur (대한민국). 

Seoksu

Poco después de su hallazgo el Seoksu pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Nacional de Gongju, en Corea del Sur.

Descripción

Tiene una altura de 30,8 cm, una anchura de 22 cm y una longitud de 48 cm. 

Está fabricado en hornblenda (mineral inosilicato englobado dentro del grupo de anfíboles) y toba.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la figura de de un animal mitológico, una bestia de piedra erigida mirando hacia afuera en el centro de la entrada al camino del pasillo central de la tumba del rey Muryeong con el objetivo de exorcizar a los malos espíritus.

Seoksu

Las fauces cuadradas se encuentran entreabiertas, la nariz es grande, pero no hay fosas nasales, también se aprecia como el puente nasal alto continúa hacia atrás.

Además tiene representados ojos y oídos a la izquierda y a la derecha de la escultura.

También hay cuatro patrones que sobresalen de la parte posterior, aparte tiene una cola y un ano.

Seoksu

En la cresta sobre la cabeza hay representados cuernos en forma de unas ramas de hierro que están insertadas en ranuras.

Se puede observar como en los lados izquierdo y derecho del cuerpo hay una decoración de una melena con forma de llamas que podrían representar alas. 

Cabe resaltar que en el momento del hallazgo la pata trasera derecha se encontraba dañada, pero gracias a los trabajos de restauración se la ha vuelto a colocar en su lugar.

Con respecto a la composición destacar que se han encontrado restos de pintura roja en las fauces, lo que sugiere que originalmente la escultura podría haber estado pintada con colores brillantes.

Para finalizar subrayar que el 9 de julio del año 1.974 d.C. el Seoksu pasó a formar parte con el número 162 del Tesoro Nacional de Corea del Sur (un conjunto de tesoros tangibles, artefactos, sitios y edificios reconocidos por su valor artístico, cultural e histórico)

Actualmente se encuentra en el Museo Nacional de Gongju, Corea del Sur.

Escudo Azteca

El Escudo Azteca, también conocido como Escudo Mexica, es un escudo datado aproximadamente entre los años 1.400 d.C. y 1.521 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte azteca o arte mexica.

Escudo Azteca

Se conoce que perteneció a la colección de arte del coleccionista William Adams.

Hasta que en el año 1.866 d.C. el Escudo Azteca fue adquirido por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene un diámetro de 31,60 cm y una profundidad de 1 cm. 

Está fabricado en turquesa, oro, metal, madera de pino, resina, caracola, concha de ostra y nácar.

Se trata de un escudo con forma circular que presenta un diseño de mosaico dónde aparecen representadas las principales divisiones del universo azteca.

El escudo se encuentra realizado en madera de pino, con adhesivo resinoso y mosaico de turquesa y tres tipos de concha: caracola, ostra y nácar.

Se puede apreciar como parte del diseño están trabajados en relieve de resina dorada. Aparte una banda de madera (actualmente sin decorar) bordea la circunferencia del escudo y está perforada por una serie de agujeros espaciados más o menos regularmente.

Escudo Azteca

Los investigadores piensan que originalmente los agujeros podrían haber sido utilizados para unir plumas al escudo.

Además se puede observar como hay numerosos orificios en el cuerpo del escudo que si son vistos desde la parte posterior parecen estar ubicados al azar.

Pero en realidad se encuentran colocados y formados con mucha precisión para coincidir con elementos particulares del diseño del mosaico.

El diseño de mosaico del Escudo Azteca representa las principales divisiones del universo azteca. La forma circular corresponde con la superficie de la tierra. En su centro hay un círculo de mosaico con cuatro rayos parcialmente delineados mediante caracola y ostra.

Además los cuatro rayos que emanan del disco dividen la tierra en cuatro cuartos y en cada cuarto se encuentra representado un portador del cielo con ojos, dientes y orejeras fabricadas de conchas de nácar, mientras que las manos están representadas por caracola y ostra.

El diseño refleja la asociación entre el dios Tonatiuh (dios del sol), el sol y la turquesa. Se conoce que el dios Tonatiuh era uno de los dioses del cielo más destacados, sobretodo en el culto de la guerra dónde se buscaba obtener cautivos y corazones para sacrificarlos al sol.

Dentro del arte azteca el sol a menudo se representaba como un guerrero con un disco solar con rayos y el significado del disco solar en el escudo de mosaico probablemente está relacionad con el simbolismo de la guerra en su uso ceremonial.

El escudo también incorpora la imagen de una gran serpiente que emerge de unas fauces dentadas y se enrosca hacia el cielo. La cola de la serpiente está emplumada en su espiral más baja y la cabeza tiene un gran colmillo de caracola blanca.

El ojo está fabricado de concha de nácar y la mandíbula está delineada con concha de color rojizo y concha de caracol. Aparte un lado del cuerpo de la serpiente está bordeado por pequeños tacos de resina de pino (la misma resina que fue utilizada para fijar las teselas a la madera de pino).

Escudo Azteca

El cuerpo de la serpiente serpentea sinuosamente hacia arriba a través del diseño. 

Además en la parte superior están las ramas en flor de un árbol, cuyo tronco (oculto por un cartucho cuadrado elevado) forma un "eje del mundo" vertical que conecta el inframundo y los reinos terrenal y celestial.

Cabe resaltar que la capacidad de las serpientes para moverse libremente entre el agua, la tierra y el dosel del bosque explicaría el papel simbólico en la mitología azteca como un intermediario entre las diferentes capas del cosmos.

También se observa como en la parte superior del árbol hay representada una máscara antropomórfica invertida con las manos levantadas, lo que implica que el árbol puede verse como una metáfora del rey, que deriva su autoridad en la tierra de fuentes divinas de poder y que él mismo habría llevado el escudo.

Para finalizar con respecto a la composición subrayar que una característica del diseño del escudo es el uso de relieves superficiales para definir las diversas características iconográficas.

El cuidadoso tallado de la madera subyacente estableció la forma general y las características tridimensionales más finas de los diseños (como la serpiente y los portadores del cielo) que se elevaron aproximadamente un milímetro para delinear mejor sus formas.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Estatuilla de Mujer

La Estatuilla de Mujer es una escultura datada aproximadamente entre los años 1.200 a.C. y 500 a.C., perteneciente al arte Marlik.

Estatuilla de Mujer

Lo primero que se conoce es que la escultura fue encontrada en la región del sur del Caspio, en el noroeste de Irán.

También es conocido que se encontraba en posesión de Nuri Farhadi y Habib Anavian, cuya colección se ubicaba en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.964 d.C. la Estatuilla de Mujer fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 31,5 cm, una anchura de 16 cm y un grosor de 6,7 cm. Está fabricada en cerámica.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la figura de una mujer desnuda y en posición de pie.

En la parte superior se aprecia como el cuello es largo y rugoso, mientras que en el pequeño rostro ovalado resaltan los ojos apenas esbozados mediante finas incisiones, la nariz recta y el mentón pronunciado.

También se aprecia como tiene varias incisiones horizontales en la frente y el cabello corto está representado mediante líneas verticales.

Los brazos se encuentran representados estirados en dirección lateral, la cintura es fina, las caderas pronunciadas y prominentes, aparte los dedos de los pies aparecen representados mediante incisiones talladas.

Con respecto a la composición llama la atención como en la terminación de los brazos (a cada lado) hay un pequeño agujero, también destaca las finas incisiones que tiene alrededor del cuello y que están unidas a una única incisión que va por delante del pecho y se bifurca a la altura de la cintura, éstas incisiones parecen ser la representación de collares o adornos. 

Para finalizar subrayar que la escultura es hueca y probablemente fue utilizada como un recipiente de culto o como una imagen sagrada.

Puesto que en la antigüedad éste tipo de esculturas estaban asociadas con ciertos aspectos de la vida que las hacía esenciales para el bienestar de la humanidad. 

Se conoce que tanto la fertilidad como la procreación y el crecimiento de cultivos y ganados se encontraban entre los conceptos básicos identificados con las divinidades femeninas.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Vasija con Forma de Cebú

La Vasija con Forma de Cebú es un recipiente datado aproximadamente entre los años 1.000 a.C. y 800 a.C., perteneciente al arte marlik.

Vasija con Forma de Cebú

Vasija con Forma de Cebú

Se conoce que fue encontrado en la ciudad de Amlash, localizada en el condado de Amlash, situado en la provincia de Gilan, en Irak.

También se conoce que en el año 1.962 d.C. la vasija se encontraba en posesión de la casa de subastar "W Weinberger & Co. Ltd".

Hasta que en ese mismo (1.962 d.C.) la Vasija con Forma de Cebú fue comprada por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Vasija con Forma de Cebú

Descripción

Tiene una altura de 17 cm, una anchura de 9 cm y una longitud de 20 cm. 

Está fabricada en cerámica gris bruñida.

Se trata de un pequeño recipiente, una vasija con forma zoomorfa, es decir, presenta la forma de un cebú (también conocido como bos taurus indicus).

Está representado con en posición de pie, destacan sobretodo la representación de la papada pronunciada, los cuernos y la giba (abultamiento o protuberancia situada en el lomo que está formada por acumulación de grasa).

Vasija con Forma de Cebú

Con respecto a la composición resaltar que el cuerpo fue elaborado a partir de una losa plana de arcilla modelada que ahora forma la parte inferior del vientre.

La parte posterior probablemente fue formada mediante la aplicación de otra losa de arcilla para producir una forma similar a un zapato.

Después se añadieron más losas para formar el cuello y la cabeza, siendo las líneas de union visibles en la actualidad al realizar una radiografía a la vasija.

Además la parte superior de la cabeza parece haber sido formada abriendo la parte delantera del cuello, también destacar que los cuernos, la cola, la papada y las patas se modelaron a partir de pequeñas piezas adicionales de arcilla.

Para finalizar subrayar que los investigadores consideran que originalmente la Vasija con Forma de Cebú podría haber sido una vasija ceremonial y que posteriormente fue colocada en el interior de una tumba formando parte de un ajuar funerario.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

El Domador de Tortugas

El Domador de Tortugas, también conocido como Entrenador de Tortugas, es una pintura datada aproximadamente en el año 1.906 d.C., perteneciente al arte otomano.

El Domador de Tortugas

Cabe destacar que en la decimoséptima edición del periódico publicado por la Sociedad Otomana de Pintores, el nombre de la pintura era "Tortugas y Hombre", pero más tarde la pintura fue ampliamente conocida como El Domador de Tortugas o Entrenador de Tortugas.

Fue pintada por el pintor otomano y fundador del Museo Arqueológico de Estambul Osman Hamdi Bey.

La pintura fue comprada, por un precio de 1 millón de dólares, por el empresario y magnate turco Erol Aksoy, siendo incluida en la colección del "Iktisat Bank". 

Permaneció en ésta colección hasta que los activos de Erol Aksoy se transfirieron temporalmente al estado después de que el "SDIF" confiscara sus deudas de "Iktisat Bank".

La pintura fue subastada en diciembre del año 2.004 d.C. con un valor aproximado de 1,95 billones de liras.

Siendo comprada por un precio de 5 millones de liras turcas (aproximadamente 3,5 millones de dólares) por el Museo Pera ubicado en la ciudad de Estambul (Turquía).

Además cabe resaltar que fue el precio más alto pagado por una obra arte en el campo de la pintura otomana. Es más en abril del año 2.009 d.C. la pintura tenía un valor aproximado de entre 10 y 15 millones de liras turcas (aproximadamente entre 6,2 y 9,3 millones de dólares).

Descripción

Tiene una altura de 221,5 cm y una anchura de 120,0 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa a un hombre mayor, un anciano, barbudo situado de espaldas al espectador, medio girado en una habitación sin amueblar y descuidada cubierta con azulejos azules.

Está ataviado con una túnica roja de mangas largas que tiene el dobladillo bordado y está ceñida a la cintura mediante un cinturón, también se observa como lleva en la cabeza lleva un turbante. 

Tiene las manos cruzadas en la espalda mientras sostiene un ney (también denominado nai, nye o nay, una flauta originaria de la música del Oriente Medio). También lleva un naqareh (un instrumento membranófono del Medio Oriente con una forma semiesférica y un parche de cuero) que cuelga de su espalda y una púa unida a un cordón que le cuelga de su cuello.

A los pies del hombre se aprecia como en el suelo hay representadas un total de cinco tortugas comiendo hojas. Aparte el yeso y los azulejos de las paredes de la habitación se corresponden con el piso superior de la mezquita Yeşil de Íznik (también conocida como mezquita Verde) que estaban arrancados en algunos lugares.

Con respecto a la composición destacar que la única fuente de luz de la pintura es la ventana baja situada frente al hombre.

Actualmente El Domador de Tortugas se encuentra en el Museo Pera, en la ciudad de Estambul (Turquía).

Para finalizar subrayar que en el año 1.907 d.C. el pintor otomano Osman Hamdi Bey pintó una segunda versión del cuadro.

El Domador de Tortugas

Se conoce que éste cuadro perteneció a una familia levantina de la ciudad de Estambul (Turquía).

Después fue comprada por el periodista turco Erol Simavi, en una subastas ocurrida entre los años 1.984 d.C. y 1.986 d.C. en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

Ésta versión tiene una altura de 136 cm y una anchura de 87 cm. Se encuentra pintada al óleo sobre lienzo.

Cabe resaltar que la composición general de la pintura es bastante similar a la versión pintada un año antes.

La pintura representa a un hombre mayor barbudo, situado de espaldas al espectador, medio girado y ataviado con una túnica roja de mangas largas, un cinturón y un turbante. 

Se observa como también lleva un ney, un naqareh y una pua.

Siendo la diferencia en que hay representadas en el suelo un total de seis tortugas, en vez de cinco.

Además se puede apreciar como en la pared izquierda del hombre se encuentra  representada una jarra junto a la ventana con una línea enmarcada.

Aparte cabe destacar que en ésta versión también se puede observar una nota manuscrita del artista que indica que la pintura estaba dedicada al soldado, astrónomo, escritor, educador y estadista turco Ahmed Muhtar Paşa (también conocido como Gazi Ahmed Muhtar Paşa).

Actualmente (hasta el 14 de mayo del año 2.022 d.C.) se encontraba en la colección de arte de Belma Simavi. 

Colgante en Forma de Animal

El Colgante en Forma de Animal es un colgante datado aproximadamente entre los años 1.400 d.C. y 1.521 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte azteca o arte mexica.

Colgante en Forma de Animal

Lo primero que se conoce es que perteneció al coleccionista de arte William Adams.

Después perteneció al coleccionista de arte privado y anticuario británico Augustus Wollaston Franks.

Hasta que en el año 1.868 d.C. el Colgante en Forma de Animal fue donado al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 10 cm y una anchura de 7,30 cm.

Está fabricado en: turquesa, perla, pirita, caracola, malaquita, resina de pino, berilo, esmeralda, espinela, circón, diente de tiburón, cera de abejas, granate, madera y metal.

Se trata de un colgante con forma de cabeza de animal fabricado en madera y revestido con mosaico de turquesa y malaquita fijado con adhesivo de resina de pino.

Colgante en Forma de Animal

Los ojos están fabricados en pirita y concha de caracola rayada blanca y amarilla. 

Además la boca abierta se encuentra incrustada con piedras preciosas (granate, berilo, esmeralda, espinela y circón) y está revestida con dientes de tiburón (aunque los investigadores piensan que los dientes de tiburón podrían ser una adicción posterior).

Dos áreas situadas en la parte superior de la cabeza presentan incrustaciones de perlas simulando las "cejas".

Pero probablemente también sean unas modificaciones posteriores, tal vez para ocultar el daño debido a la pérdida de orejas (situadas originalmente en el mismo lugar).

Con respecto a la composición resaltar que las perlas, las piedras preciosas y los dientes se mantienen en su lugar con cera de abejas. 

También se puede observar como hay un lazo colgante hecho de un anillo de concha blanca colocada en la parte superior de la cabeza.

Para finalizar subrayar que gracias a las radiografías, realizadas durante los trabajos de restauración, se ha podido constatar que hay un alambre oculto dentro de la mandíbula inferior.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.