Espejo del Santuario Suda Hachiman

El Espejo del Santuario Suda Hachiman, también conocido como Suda Hachiman Jinja Jinbutsu Gazō-kyō (隅田八幡神社人物画像鏡), es un espejo datado entre los siglos V d.C. y VI d.C. (período comprendido entre los años 401 d.C. y 600 d.C.), perteneciente al arte japonés.

Espejo del Santuario Suda Hachiman

Cabe resaltar que el espejo es propiedad del santuario sintoísta Sudahachiman (隅田八幡神社), ubicado en Suda (隅田), en la ciudad de Hashimoto (橋本市).

Localizado en la prefectura de Wakayama (和歌山県), en Japón (日本).

Aunque se encuentra en el Museo Nacional de Tokio (東京国立博物館), situado en la ciudad de Tokio (東京), en Japón (日本).

Descripción

Tiene un diámetro de 19,9 cm. Esta fabricado en bronce.

Se trata de un espejo con forma circular que presenta una de sus caras talladas.

El diseño de la parte posterior se encuentra centrado alrededor de una pequeña protuberancia situada en el centro.

Se observa como alrededor hay representadas un total de nueve personas, incluidas dos de las figuras legendarias de la Antigua China, es decir, están representados el Rey Padre del Este (東王父) y la Reina Madre del Oeste (西王母).

La mitad de las figuras están rodeadas por una banda ornamentada con un patrón que consta de un círculo y un cuadrado, aparte de un patrón de diente de sierra situado en la banda exterior.

También en la banda exterior hay una inscripción compuesta por un total de 48 caracteres chinos que están proyectados en sentido contrario a las agujas del reloj.

La inscripción es la siguiente:

"癸未年八月日十大王年男弟王在意柴沙加宮時斯麻

念長寿遣開中費直穢人今州利二人等取白上同二百旱作此竟"

Aunque algunos puntos de la inscripción no están claros una traducción aproximada seria la siguiente:

Espejo del Santuario Suda Hachiman

"Durante el octavo mes del año Yin Water Goat o Guiwei (la vigésima combinación de signos del zodiaco chino) (503), 

en el año del gran rey (Rey Muryeong de Baekje, también conocido como Sama), 

envía este mensaje a su hermano menor, 

mientras se encuentra en el palacio de Oshisaka, por el bien de la longevidad de su hermano... 

Envió a dos hombres: Gaejungbijik y Yein Geumjuri, para hacer este espejo con 200 han del hierro de cobre más fino."

Como curiosidad resaltar que en el año 1.951 d.C. (correspondiente al año 26 del período Showa 昭和26年) el Espejo del Santuario Suda Hachiman fue designado como tesoro nacional con base a la Ley de Protección de la Propiedad Cultural.

Para finalizar subrayar que el Espejo del Santuario Suda Hachiman está considerado un importante artefacto para la investigación tanto en el campo de la arqueología como en el estudio del idioma japonés antiguo.

Actualmente se encuentra en el Museo Nacional de Tokio, en Japón.

Anillo de Hatnefer

El Anillo de Hatnefer es un anillo datado aproximadamente entre los años 1.492 a.C. y 1.473 a.C., perteneciente al arte egipcio.

Anillo de Hatnefer

Anillo de Hatnefer

Fue hallado durante las excavaciones arqueológicas realizadas entre los años 1.935 d.C. y 1.936 d.C. en el interior de la tumba de Hatnefer y Ramose.

Localizada en la necrópolis de Sheij Abd el-Qurna, situada en la orilla oeste del río Nilo, cerca de la ciudad de Tebas (Egipto).

En el año 1.936 d.C. el Anillo de Hatnefer pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Anillo de Hatnefer

Descripción

Tiene una altura de 2,1 cm, una anchura de 2,9 cm, una longitud de 2,1 cm y el bisel tiene un espesor de 0,7 cm.

Está fabricado en oro y esteatita vidriada.

Se trata de un anillo sello compuesto por un aro flexible que puede doblarse tanto al lado derecho como al lado izquierdo y un bisel con forma ovalada.

Anillo de Hatnefer

En uno de los laterales del aro se encuentra un adorno compuesto por una banda en espiral de un total de 5 anillos horizontales.

Se puede apreciar como en el bisel se encuentra incrustada una piedra esteatita vidriada, con forma ovalada que está ornamentada mediante el grabado de un escorpión.

Para finalizar subrayar que el Anillo de Hatnefer fue encontrado en el dedo meñique de la mano izquierda de la momia de Hatnefer (esposa del funcionario Ramose y madre del arquitecto y funcionario Senenmut).

Además como curiosidad destacar que en el momento del hallazgo la momia de Hatnefer llevaba varias piezas de joyería, estas incluían: dos escarabajos y dos anillos.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Redecilla Calada Dorada con Medallón

La Redecilla Calada Dorada con Medallón es una redecilla datada aproximadamente entre los años 200 a.C. y 150 a.C., perteneciente al arte griego.

Redecilla Calada Dorada con Medallón

Aunque el año y lugar del hallazgo es desconocido, se conoce que perteneció a la colección de arte privada de Norbert Schimmel.

Hasta que en el año 1.987 d.C. la Redecilla Calada Dorada con Medallón fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 6 cm y una anchura de 9 cm. Está fabricada en oro.

Se trata de una redecilla circular formada por un conjunto de cuentas de carrete, finas filigranas y un medallón situado en la parte superior.

El medallón se encuentra decorado con un busto realizado mediante la técnica de martillado. Se puede apreciar como el busto representa a una ménade (seres femeninos divinos que están relacionados con el dios Dionisio).

Redecilla Calada Dorada con Medallón

Destaca como la ménade lleva en las orejas pendientes en espiral, en la cabeza lleva puesta una corona de hojas de vid y uvas.

También se observa como alrededor de los hombros y cubriéndole la parte superior del pecho tiene una piel de pantera.

Todos éstos elementos son símbolos que están relacionados con el dios Dionisio (dios del vino, de la fertilidad y de las festividades).

Además el busto se encuentra rodeado por unas bandas ornamentadas con motivos vegetales y motivos geométricos.

Para finalizar subrayar que la Redecilla Calada Dorada con Medallón está considerada como un magnífico ejemplo de la habilidad de los orfebres helenísticos dentro del arte griego.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América. 

Busto de Bindo Altoviti

El Busto de Bindo Altoviti es una escultura datada aproximadamente entre los años 1.546 d.C. y 1.550 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Busto de Bindo Altoviti

Fue esculpida por el escultor, orfebre y escritor italiano Benvenuto Cellini.

Se conoce que en el año 1.888 d.C. la escultura se encontraba en el palacio Altoviti, localizado en la ciudad de Roma, en Italia.

Después en el año 1.888 d.C. la escultura fue comprada en el mercado de antigüedades por la coleccionista de arte, filántropa y mecenas estadounidense Isabella Stewart Gardner.

Desde el año 1.903 d.C. el Busto de Bindo Altoviti pasó a formar parte de la colección del Museo Isabella Stewart Gardner, localizado en la ciudad de Boston, situada en el estado de Massachusetts (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene una altura de 105,5 cm, una anchura de 68,4 cm y un espesor de 40,5 cm. Está fabricado en bronce.

Se trata de una escultura que representa el busto del banquero y mecenas italiano Bindo Altoviti, como un hombre mayor, con el rostro envejecido.

Busto de Bindo Altoviti

Destaca como la mirada está ligeramente vuelta hacia el lado izquierdo, la boca entreabierta y la barba es espesa.

Aparte destacan la frente arrugada, las cejas pobladas y protuberantes y las bolsas bajo los párpados.

Se encuentra ataviado con una túnica, un manto que le cubre parte de una camisa. Además se observa como en la parte superior de la cabeza lleva una cofia bordada.

Con respecto a la composición resalta como cada tipo de vestimenta está revestida de forma diferente con el fin de reproducir de manera fielmente la consistencia material de las telas.

También resaltar como el modelado del rostro es considerado una obra maestra, debido a la representación de los detalles que están a medio camino entre el naturalismo y el artificio.

Para finalizar subrayar que en el pedestal de la escultura aparece representado el escudo de armas de la familia Altoviti compuesto por un perro rampante.

Actualmente se encuentra en el Museo Isabella Stewart Gardner de Boston, Estados Unidos de América.

Relieve de Mármol a Dos Caras

El Relieve de Mármol a Dos Caras es un relieve datado aproximadamente en el siglo I d.C. (período comprendido entre los años 1 d.C. y 100 d.C.), perteneciente al arte romano.

Relieve de Mármol a Dos Caras

Se conoce que desde el año 1.974 d.C. pertenecía a la colección de arte de un coleccionista privado localizado en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

El 28 de octubre del año 2.004 d.C. fue adquirido en subasta por el comerciante de antigüedades "Phoenix Ancient Art", con sede en Nueva York (Estados Unidos de América).

Después en el año 2.006 d.C. fue comprado por el petrolero y filántropo estadounidense Robert Alexander Belfer y su esposa Renée E. Belfer.

Hasta que en el año 2.012 d.C. el Relieve de Mármol a Dos Caras fue regalado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 25,1 cm, una anchura de 37,5 cm y un grosor de 5,7 cm. Está fabricado en mármol, mediante las técnicas de incisión y tallado.

Relieve de Mármol a Dos Caras

Se trata de un bloque de mármol que presenta por ambas caras una escena diferente talladas en relieve.

En una de sus caras aparecen representadas en altorrelieve las máscaras de una joven ménade (mujeres jóvenes adoradoras del dios Baco) y un sileno (preceptor y leal compañero del dios Baco, además del más viejo, sabio y borracho de sus seguidores) barbudo.

Además se puede observar como entre medias de ellos hay representado un cayado curvo de pastor, conocido en la antigüedad por el nombre de "pedum", y dos címbalos (instrumento musical).

En la otra cara aparece representado en bajorrelieve una escena en la que se representa un monstruo marino femenino conocido como Ceto cabalgando sobre las olas.

Con respecto a la composición resaltar que dentro del arte romano los objetos de culto dionisíacos y las máscaras teatrales a menudo se encontraban representadas en adornos de mármol.

Para finalizar subrayar que originalmente el Relieve de Mármol a Dos Caras se encontraba colocado en el peristilo (jardín familiar cuadrado o rectangular, con un estanque y rodeado por columnas en torno al cual estaban dispuestas las estancias) de una villa romana.

Actualmente en encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Relieve Ortostato: Escena de la Caza del León

El Relieve Ortostato: Escena de la Caza del León es un relieve datado aproximadamente entre los siglos X a.C. y IX a.C. (período comprendido entre los años 1.000 a.C. y 801 a.C.), perteneciente al arte hitita. 

Relieve Ortostato: Escena de la Caza del León

Fue hallado entre los años 1.911 d.C. y 1.913 d.C. durante las excavaciones arqueológicas.

Realizadas por el abogado, diplomático, historiador antiguo y arqueólogo alemán, el Barón Max von Oppenheim.

En el yacimiento arqueológico de Tell Halaf, localizado en el valle del río Jabur.

Situado en la provincia de Al Hasakah, en el noroeste de Siria.

En el año 1.943 d.C. el Relieve Ortostato: Escena de la Caza del León fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Relieve Ortostato: Escena de la Caza del León

Descripción

Tiene una altura de 56 cm, una anchura de 69 cm y un grosor de 21,5 cm. 

Está fabricado en basalto, mediante las técnicas de incisión y tallado.

Se trata de un relieve ortostato que presenta una escena de caza toscamente tallada.

En la escena aparece representado un carro ocupado por dos figuras masculinas en posición de pie, se puede observar como el carro está tirado por un caballo al galope y las riendas las lleva la figura masculina situada en el lado derecho.

Relieve Ortostato:
Escena de la Caza del León

También debajo del caballo está representado un león y en la parte superior entre la figura del caballo y las figuras humanas hay representada un águila.

Además se aprecia como en los laterales también hay un relieve compuesto por un ornamento arquitectónico acabado con un patrón vegetal.

Con respecto a la composición destacar que las figuras fueron talladas y grabadas con pocos detalles descriptivos en la superficie.

Sin embargo, la escena representada tiene influencia del arte asirio, sobretodo en el tipo de carro, en el aparejo del caballo y en la postura al galope del caballo.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que el Relieve Ortostato: Escena de la Caza del León originalmente podría haber estado decorando las paredes de algún templo o palacio neohitita.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Colgante con Insectos

El Colgante con Insectos es un colgante datado aproximadamente entre los años 300 a.C. y 700 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte quimbaya.

Colgante con Insectos

Cabe resaltar que los investigadores piensan que podría haber sido fabricado en el departamento del Valle del Cauca, en Colombia.

En el año 1.969 d.C. el Colgante con Insectos fue comprado por el restaurador y coleccionista de arte Jan Mitchell, pasando a formar parte de su colección de arte.

Hasta que en el año 1.991 d.C. el colgante fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene una altura de 6,7 cm, una anchura de 5,1 cm y una profundidad de 3,8 cm. 

Está fabricado en oro, mediante las técnicas de fundición a la cera perdida y martillado.

Se trata de un colgante que representa la figura de dos insectos en la etapa de sus vidas, entre larvas y adultos. Además presenta un total de cuatro ganchos y colgantes o placas que se conectan a los cuerpos de los insectos.

La cabeza de cada insecto muestra un par de ojos esféricos que sobresalen de la superficie. También hay una banda elevada de metal que divide la cabeza por la mitad, ésta banda es continúa sobre el borde superior y hacia el reverso.

La mayor parte del cuerpo de cada insecto muestra motivos lineales que sugieren que es una representación del exoesqueleto o un caparazón del que emerge el insecto.

Debajo de la cabeza hay dos depresiones lineales horizontales bien espaciadas entre sí y la sección media de cada capa incluye dos pares de líneas verticales cuyos extremos superiores se inclinan hacia adentro.

Continuando hacia abajo en el caparazón, hay seis líneas horizontales que están espaciadas uniformemente y se extienden hasta la punta inferior del colgante que al igual que las líneas superiores, todas estas líneas aparecen como depresiones en el metal.

En cada insecto hay un gancho que sobresale justo debajo de la cabeza y del cuarto inferior del cuerpo o caparazón. Se observa como cada gancho se extiende hacia afuera y termina en un círculo. El círculo está parcialmente abierto, dejando espacio para la fijación de un colgante en forma de media luna.

En el reverso del colgante la banda del frente se extiende por la mitad de cada cabeza antes de terminar en un lazo circular doble y cerrado. Los investigadores piensan que este lazo podría haber permitido a una persona suspender el objeto como un colgante o un adorno.

Aparte el resto del reverso muestra una cavidad, así el objeto es hueco y en la zona de la cavidad se puede ver el reverso de la decoración lineal que aparece en el anverso.

Para finalizar como curiosidad destacar que al utilizar el colgante, se aprecia como cuando sus bordes inferiores golpean los cuerpos de los insectos éstos producen sonidos ligeros, agudos y suaves, a pesar de que en general el rango de movimiento del colgante no es especialmente amplio.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Espejo de Bronce Dorado con las Tres Gracias

El Espejo de Bronce Dorado con las Tres Gracias es un espejo datado aproximadamente en el siglo II d.C. (período comprendido entre los años 101 d.C. y 200 d.C.), perteneciente al arte romano.

Espejo de Bronce Dorado con las Tres Gracias

Cabe destacar que tanto el año del hallazgo como el lugar es desconocido.

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección privada de la colaboradora de la colección de arte del Museo de Bellas Artes de Houston y filántropa estadounidense Sarah Campbell Blaffer.

Hasta que en el año 1.987 d.C. el Espejo de Bronce Dorado con las Tres Gracias fue obsequiado por la "Fundación Sarah Campbell Blaffer".

Al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene un diámetro de 12,1 cm. Está fabricado en bronce, oro y plata.

Se trata de un espejo con forma circular que tiene en una de sus caras una escena grabada con una representación de las Tres Gracias (diosas de la belleza, la creatividad humana, el encanto, la fertilidad y la naturaleza), también conocidas como Las Cárites.

Las diosas eran tres: Aglaya ("Belleza"), Eufrósine ("Júbilo") y Talia ("Abundancia"), además formaban parte del séquito de la diosa Afrodita (diosa del amor, la belleza y la sensualidad).

Las tres diosas aparecen representadas como mujeres jóvenes, en posición de pie, desnudas y con el cabello trenzado recogido en un moño. Se aprecia como las tres figuras de mujeres se encuentran unidas no solo por sus manos, sino también por un fino velo que se enrosca entre ellas.

Con respecto al fondo destaca como a ambos lados de las diosas hay representados dos grandes ánforas de diferentes asas.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que debido al buen estado de conservación el Espejo de Bronce Dorado con las Tres Gracias y el Espejo de Bronce con Restos de Dorado son dos importantes ejemplos de artículos de tocador que fueron utilizados por las mujeres pudientes dentro de la sociedad romana.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Cruz de Bernward

La Cruz de Bernward, también conocida como Gran Cruz de Bernward, es una cruz datada aproximadamente entre los años 1.130 d.C. y 1.140 d.C., perteneciente al arte medieval.

Cruz de Bernward

En concreto se encuentra englobado dentro del arte prerrománico y dentro de éste pertenece al arte otoniano.

Cruz de Bernward

Se conoce que originalmente se encontraba ubicada en el altar del extremo este de la nave de la iglesia de San Miguel, de la ciudad de Hildesheim.

También es conocido que después la cruz fue trasladada a la Iglesia de Magdalanenkirche, localizada en la ciudad de Hildesheim.

Hasta que durante el siglo XX d.C. (período comprendido entre los años 1.901 d.C. y 2.000 d.C.) la Cruz de Bernard pasó a formar parte del tesoro de la Catedral de Santa María de Hildesheim, localizada en la ciudad de Hildesheim, situada en el estado federado de Baja Sajonia, en Alemania.

Cruz de Bernward

Descripción

Tiene una altura de 48 cm. Está fabricada en plata dorada, oro y gemas.

Se trata de una cruz relicario con forma de cruz latina, es decir, está formada por dos segmentos de diferente medida que se intersecan en un ángulo recto, dónde el segmento menor es de una proporción de tres cuartos con respecto al segmento más largo.

En el centro de la intersección de los dos brazos hay un gran cristal de roca central que tiene en su interior una pequeña cruz latina de color rojo.

Cada uno de los extremos de la cruz presentan forma de grandes rectángulos que sobresalen del resto de los brazos, además se observa como en cada uno de los extremos también hay un gran cristal de roca.

Cruz de Bernward

Aparte toda la superficie de la cruz se encuentra engastada en oro y ricamente ornamentada mediante engastados de piedras preciosas, perlas y cristales.

Destacan sobretodo como en el medio de cada brazo más corto hay un pequeño cuadrado engastado con una gema preciosa ovalada, teniendo el brazo más largos dos cuadrados con gemas engastadas.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que fue el tercer emperador del Sacro Imperio Romano Germánico, Otón III, quién regaló varias reliquias al decimotercer obispo de la catedral de Hildesheim, Bernward (también conocido como Bernward de Hildesheim).

Siendo él quien mandó fabricar a partir de las reliquias la cruz relicario en el taller de la catedral. Sin embargo, se cree que la cruz relicario tan solo habría sido un predecesor o una forma temprana de la Cruz de Bernward que está fechada en años posteriores a la muerte del obispo.

Actualmente se encuentra en el Museo de la Catedral de Santa María de Hildesheim, Alemania.

Escultura de Deidad Alada

La Escultura de Deidad Alada es una escultura datada aproximadamente entre los siglos XIV a.C. y XIII a.C. (período comprendido entre los años 1.400 a.C. y 1.201 a.C.), perteneciente al arte hitita.

Escultura de Deidad Alada

Los investigadores piensan que pudo haber sido encontrada en el santuario al aire libre de Yazilikaya, localizado en la antigua ciudad de Hattusa.

Situado en el distrito de Çorum, en la provincia de Çorum al norte de Turquía.

En el año 1.990 d.C. la Escultura de Deidad Alada fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 4,1 cm, una anchura de 1,8 cm y una profundidad de 1,5 cm. Está fabricada en bronce y pan de oro. 

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la figura de un dios alado perteneciente al panteón hitita en posición de pie.

Los investigadores piensan que podría ser la representación del dios Pirinki/ar, una deidad alada asociada con la divinidad Ishtar.

La deidad lleva una gorra redonda cubierta parcialmente con pan de oro y se encuentra ataviada con una túnica corta anudada a la cintura que le llega hasta la altura de las rodillas. 

Tiene los brazos doblados delante del pecho, se aprecia como con su mano derecha sostiene una vara, parcialmente destruida, que originalmente podría haber terminado en la curva de una cimitarra o en un símbolo jeroglífico.

Además se aprecia como emergiendo de los hombros del dios hay alas en forma de hoz, pero actualmente el ala izquierda se encuentra rota.

La pierna derecha está representada atrasada, mientras que la pierna izquierda se encuentra ligeramente adelantada, también se observa como en los pies lleva unos zapatos con la punta vuelta hacia arriba.

Para finalizar subrayar que la escultura pertenece a un grupo de representaciones en miniatura de deidades hititas fabricadas en bronce, oro y plata que originalmente podrían haber tenido la funcionalidad de ser utilizadas como amuletos o como unas esculturas votivas que eran colocadas en santuarios y templos.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Panel con Patrón de Árbol

El Panel con Patrón de Árbol es un mueble datado aproximadamente en el siglo VIII a.C. (período comprendido entre los años 800 a.C. y 701 a.C.), perteneciente al arte mesopotámico, en concreto al arte asirio.

Panel con Patrón de Árbol

Fue hallado en el año 1.958 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas por el arqueólogo inglés Sir Max Edgar Lucien Mallowan.

El Panel con Patrón de Árbol fue encontrado en una sala de almacenamiento en "Fort Shalmanser".

Un edificio real utilizado para almacenar el botín y los tributos recolectados por los asirios durante las campañas militares.

Localizado en la ciudad de Nimrud, situada junto a la orilla del río Tigris, aproximadamente a 30 km al sudeste de la ciudad de Mosul, en Irak.

En el año 1.959 d.C. el Panel con Patrón de Árbol fue adquirido por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 35,2 cm, una anchura de 49,8 cm y una profundidad de 15,2 cm. Está fabricada en marfil y madera.

Se trata de un mueble que originalmente probablemente formaba parte de una cama o sofá, a juzgar por las largas tiras de incrustaciones de marfil asociadas con él que fueron halladas en el mismo lugar.

Presenta un marco de madera combinado con tiras lisas y planas de marfil con tres filas verticales ornamentadas con un patrón vegetal, cada una de las filas verticales está bordeada en ambos lados con filas de círculos con estrellas de marfil en el interior.

Además hay dos filas adicionales de estrellas en círculo que marcan los bordes y se observa como la parte superior está equipada con una moldura curva lisa en marfil.

Cabe resaltar que originalmente los investigadores piensan que la moldura podría haber estado alternada con otro material, quizás madera o metal, en la actualidad desaparecido y que ha sido restaurada en madera.

Para finalizar subrayar que el Panel con Patrón de Árbol es el único elemento mobiliario dentro del arte asirio que no se encuentra decorado con imaginería no figurativa.

Aparte los investigadores creen que formaba parte de una colección o series de marfiles recolectados por los reyes asirios como tributo de los estados vasallos o que podía haber formado parte de algún botín de los enemigos conquistados.

Actualmente  se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Par de Estribos (鎧)

El Par de Estribos (鎧) son unos estribos datados aproximadamente entre los siglos XVI d.C. y XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.501 d.C. y 1.700 d.C.), perteneciente al arte japonés.

Par de Estribos (鎧)

Aunque los investigadores piensan que pudieron haber sido elaborados entre los 1.600 d.C. y 1.623 d.C. durante el shogunato Tokugawa (徳川幕府).

Se conoce que pertenecieron a la colección de arte de Thomas y Lord Firman.

Hasta que en el año 2.008 d.C. fueron donados al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), en memoria de George y Ruth Kosaka.

Descripción

Cada par tiene una altura de 26,5 cm, una anchura de 12,5 cm y una longitud de 29,8 cm. Están fabricados en hierro, laca y nácar.

Se trata de un par de estribos japoneses, también conocidos como abumi (鎧), unos estribos utilizados por la clase samurái del Japón feudal y que eran un componente necesario junto con la silla de montar conocida con el nombre de kura (鞍).

Par de Estribos (鎧)

El exterior de los estribos se encuentran ornamentados mediante un patrón vegetal dorado sobre un fondo negro.

Además en el centro del frente de cada estribo hay un emblema heráldico conocido como mon (紋) o kamon (家紋) del Clan Tokugawa (徳川氏), compuesto por tres hojas de malváceas (三つ葉葵) colocadas dentro de en un círculo.

Cabe destacar que en el momento en que se fabricaron éstos estribos, los objetos lujosos que mostraban el mon (紋) o kamon (家紋) del Clan Tokugawa (徳川氏) de manera tan prominente habrían sido apropiados solo para Tokugawa Ieyasu (徳川家康) y su hijo Tokugawa Hidetada (徳川秀忠) (el primer y el segundo shogun, respectivamente) o uno de sus parientes más cercanos.

Para finalizar subrayar que los estribos japoneses decorados con nácar son raros y éste par de estribos están considerados uno de los mejores ejemplares que se conservan en la actualidad.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Sello Sasánida

El Sello Sasánida es un sello datado aproximadamente en el siglo VII d.C. (período comprendido entre los años 601 d.C. y 700 d.C.), perteneciente al arte persa, en concreto al arte sasánida.

Sello Sasánida

Fue hallado en el año 1.935 d.C. por los arqueólogos: J.M. Upton, W.Hauser y C.K. Wilkinson.

En nombre de la Expedición Persa del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Durante las excavaciones arqueológicas realizadas en Qasr-i Abu Nasr, localizado cerca de la ciudad de Shiraz, en el sur de Irán.

En el año 1.936 d.C. el Sello Sasánida fue cedido al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene un altura de 4,75, una anchura de 4,75 y un grosor de 1,8 cm. Está fabricado en arcilla.

Se trata de un sello que fue imprimido en su superficie con un total de cuatro pequeños sellos circulares de diferentes tamaños y diseños.

Sello Sasánida

Las imágenes de los sellos representan: un león caminando hacia el lado derecho, un monograma, una inscripción y un animal cuadrúpedo con cuernos.

Se conoce que el sello tenía la funcionalidad de desempeñar un papel en las prácticas administrativas durante el período sasánida. 

Para utilizarlo se presionaba un trozo de arcilla alrededor de un cordón para cerrar un documento o paquete y luego era sellado con el sello.

Para finalizar subrayar que el Sello Sasánida formaba parte de más de 500 sellos encontrados durante las excavaciones arqueológicas realizadas en la fortaleza sasánida ubicada en Qasr-i Abu Nasr.

Además los investigadores piensan que el sello se conserva en buen estado debido a que el edificio en dónde se encontraba se había quemado, cociendo la arcilla y conservando las impresiones del sello hasta que fue encontrado.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Urna Cineraria de Aule Petruni

La Urna Cineraria de Aule Petruni es una urna datada aproximadamente en el siglo II a.C. (período comprendido entre los años 200 a.C. y 101 a.C.), perteneciente al arte etrusco.

Urna Cineraria de Aule Petruni

Los investigadores piensan que la urna pudo haber sido hallada durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en el yacimiento arqueológico de Chiusi.

Localizado en el municipio de Chiusi, situado en la provincia de Siena, en la región de la Toscana (Italia).

En el año 1.896 d.C. la Urna Cineraria de Aule Petruni fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Descripción

Tiene una altura de 34,2 cm, una anchura de 35,4 cm y una longitud de 18,1 cm. 

Está fabricada en terracota policromada.

Se trata de una urna cineraria compuesta por un cuerpo rectangular y una tapa, que tenia la funcionalidad de albergar en su interior las cenizas de un difunto.

Urna Cineraria de Aule Petruni

La tapa con forma rectangular tiene representada en su parte superior la escultura de un hombre joven recostado sobre un cojín.

Aparece representado con los ojos cerrados y con el cuerpo envuelto en un manto.

Se puede apreciar como el cuerpo rectangular de la urna está ornamentado en una de sus caras por una escena en la que aparece representado un hombre que usa un arado como arma mientras lucha contra varios soldados.

Encima de la escena se encuentra inscrita la siguiente inscripción escrita en letras mayúsculas y rojas:

"AULE : PETRUNI : ATH : CUTNALISA"

Para finalizar subrayar que algunos investigadores sugieren que la escena podría representar al héroe griego Echetlos que acudió, durante la batalla de Maratón ocurrida en el año 490 a.C., en ayuda de los atenienses y mató a muchos persas blandiendo contra ellos su arado.

Sin embargo otros investigadores consideran que nunca se ha explicado que una leyenda griega fuera popular en Etruria, por lo que es posible que la escena representa una leyenda etrusca o un evento específico de significado desconocido.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

La Muerte y la Doncella

La Muerte y la Doncella es una pintura datada aproximadamente entre el año 1.517 d.C., perteneciente al arte renacentista.

La Muerte y la Doncella

Fue pintada por el ilustrador, grabador, diseñador de vidrieras y pintor alemán Hans Baldung (también conocido como Grien o Grün).

Se conoce que perteneció a la colección de arte privada del historiador de arte suizo Remigius Fäsch.

Hasta que en el año 1.823 d.C. La Muerte y la Doncella fue comprada por el Museo de Arte de Basilea, localizado en la ciudad de Basilea, en Suiza.

Descripción

Tiene una altura de 30,3 cm y una anchura de 14,7 cm. Está realizada mediante pintura al temple sobre panel de tilo.

Se trata de una pintura que representa la muerte prematura de una mujer joven.

La mujer aparece representada desnuda y voluptuosa en posición de pie, se aprecia como lleva un fino velo transparente que le cubre parte del cuerpo y deja ver su desnudez.

En el rostro redondeado destacan los ojos almendrados, la nariz recta, los labios carnosos y el mentón redondeado, además resalta como se encuentra representada llorando.

Las manos se encuentran juntas en posición de súplica y oración. Esto indica que la mujer es consciente de su destino y suplica por su vida.

La Muerte está representada detrás de la mujer en posición de pie, con la mano derecha señala una tumba abierta, mientras que con la mano izquierda sujeta con fuerza los largos cabellos de la mujer.

En la parte superior de la composición hay una inscripción escrita en letras mayusculas. La inscripción y su traducción aproximada es la siguiente:

"HIE MUST DU YN" = "Aquí debes ir"

Con respecto a la composición destacar como la figura de la mujer y la Muerte destacan sobre el fondo oscuro. Aparte la Muerte está representada con la piel de color amarillento o marrón pálido, mientras que la piel de la mujer es blanca semejante a la porcelana.

Para finalizar subrayar que la representación del vello púbico de la mujer está considerado como la primera representación de ésta parte del cuerpo femenino dentro del arte moderno europeo.

Actualmente se encuentra en el Museo de Arte de Basilea, Suiza.

Estatuilla de una Bailarina Velada y Enmascarada

La Estatuilla de una Bailarina Velada y Enmascarada es una escultura datada aproximadamente entre los siglos III a.C. y II a.C. (período comprendido entre los años 300 a.C. y 101 a.C.), perteneciente al arte griego.

Estatuilla de una Bailarina Velada y Enmascarada

Cabe resaltar que los investigadores piensan que pudo haber sido esculpida en la ciudad de Alejandría (Egipto). 

Se conoce que hasta el año 1.926 d.C. la escultura perteneció al coleccionista de arte francés Maurice Nahman.

Estatuilla de una Bailarina Velada y Enmascarada

En julio del año 1.926 d.C. fue comprada por el comerciante y coleccionista de arte húngaro Joseph Brummer.

En el año 1.948 d.C. la Estatuilla de una Bailarina Velada y Enmascarada fue comprada por el banquero y coleccionista de arte estadounidense Walter C. Baker.

Estatuilla de una Bailarina
Velada y Enmascarada

Hasta que en el año 1.971 d.C. fue legada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 20,5 cm, una anchura de 8,9 cm, una profundidad de 11,4 cm y un peso de . Está fabricada en bronce.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la figura de una mujer, una bailarina.

Estatuilla de una Bailarina
Velada y Enmascarada

El rostro de la mujer se encuentra cubierto por un fino velo trasparente.

Sobretodo es perceptible en su borde debajo de la línea del cabello y en los recortes de los ojos.

Se observa como el pie derecho está representado extendido y lleva puesta una zapatilla con cordones.

Estatuilla de una Bailarina
Velada y Enmascarada

Está ataviada con una túnica que cae en profundos pliegues y se arrastra pesadamente.

Además sobre la túnica lleva un manto liviano, tenso sobre su cabeza y cuerpo debido a la presión que ejerce sobre él el brazo derecho, la mano izquierda y la pierna derecha.

Con respecto a la composición destacar que el complejo movimiento de la bailarina se transmite exclusivamente a través de la interacción del cuerpo con las varias capas de ropa.

Aparte su sustancia es transmitida por la alternancia de los pliegues tubulares que se abren paso desde abajo y la suavidad de la franja que se encrespa libremente.

Para finalizar subrayar que la escultura ha sido identificada como la representación una bailarina, es decir, una de las artistas profesionales que combinaban danzas con mimo y que eran muy famosas en la antigua ciudad de Alejandría (Egipto).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Joven Desnuda al Espejo

La Joven Desnuda al Espejo, también conocido como Mujer en su Tocador, es una pintura datada aproximadamente en el año 1.515 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Joven Desnuda al Espejo

Fue pintada por el pintor italiano Giovanni Bellini (también conocido como Giambellino).

En el año 1.638 d.C. la pintura fue comprada por el noble y líder militar escocés James Hamilton (también conocido como I duque de Hamilton).

En el año 1.659 d.C. la Joven Desnuda al Espejo fue adquirida en la ciudad de Bruselas (Bélgica) por el militar, obispo y gobernante austríaco Leopoldo Guillermo de Austria (también llamado Leopoldo Guillermo de Habsburgo).

Hasta que en el año 1.891 d.C. la pintura pasó a formar parte de la colección de arte del Museo de Historia del Arte de la ciudad de Viena, en Austria.

Descripción 

Tiene una altura de 62 cm y una anchura de 79 cm. Está pintado al óleo sobre tabla de álamo.

Se trata de una pintura que representa la figura de una mujer joven desnuda sentada en un banco tapizado con una moqueta de color rojizo, dentro de una habitación con la pared de color verde oscuro.

Situada en la parte derecha hay una ventada desde la que se puede ver el paisaje compuesto por prados, un pueblo y una cadena montañosa. En el alféizar de la ventana hay un cuenco alto de cristal con una fruta.

La mujer sujeta un espejo con su mano derecha que le permite observar la parte posterior de su cabeza en un espejo de pared circular.

La cabeza se encuentra representada ligeramente inclinada hacia el lado izquierdo, además en el rostro destacan los ojos almendrados, la nariz recta, los labios finos y el mentón redondeado.

El cabello está atado en un chal de cuentas de brocado de seda azul verdosa, también se aprecia como en el espejo de la pared, el espectador puede ver ligeramente borroso el pasador de perlas que asegura el pañuelo a su cabello y parte de su brazo levantado.

Aunque se encuentra desnuda, lleva un fino chal de seda rojo que le cubre parte del pubis, la espalda y se encuentra enredado en el brazo derecho.

Sobre el banco, situado en el lado izquierdo, hay una hoja de papel que presenta una inscripción con la firma del autor y la fecha en la que fue pintada la pintura.

La inscripción es la siguiente:

"Johannes Bellinus Faciebat M.D.X.V."

Con respecto a la composición destaca las proporciones y las facciones ideales de la mujer que reflejan un clasicismo límpido. Aparte está considerada la encarnación más pura del ideal de desnudez de una mujer y el ideal de belleza en el arte renacentista del siglo XVI d.C. en la ciudad de Venecia (Italia).

También resalta como jugar con el espejo permitió al artista aumentar el encanto erótico y poético de la escena representada, puesto que brinda al espectador una vista ininterrumpida de una mujer desnuda, atrapada en su propio reflejo.

Para finalizar subrayar que en el año 1.989 d.C. se realizaron un examen de infrarrojos a la obra que permitió saber que el pintor había elaborado completamente su composición de antemano, mediante el dibujo subyacente como medio para registrar el diseño en el suelo de yeso.

El examen de la pintura revela el uso de una capa base de color con textura, los contornos exteriores de la figura que están definidos en el dibujo subyacente se mantuvieron al aplicar las capas de pintura.

Se conoce que se agregaron pliegues adicionales a los pliegues firmados de la capa durante la pintura y en lugar de sombras tramadas, el dibujo subyacente de la mujer contiene varios detalles cuidadosamente delineados, como la sombra del chal debajo del codo, la línea de la clavícula y la curva de su hombro, que fueron modelados primero con la pintura.

Es más la imagen de "rayos X" reveló que la pintura tiene una textura punteada hecha con un pincel en todas las áreas excepto en la figura de la mujer.

Actualmente se encuentra en el Museo de Historia del Arte de Viena, Austria.

Par de Pendientes Fenicios

El Par de Pendientes Fenicios son unos pendientes datados aproximadamente entre los siglos IV a.C. y III a.C. (período comprendido entre los años 400 a.C. y 201 a.C.), perteneciente al arte fenicio.

Par de Pendientes Fenicios

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte del banquero y filántropo estadounidense Stephen Max Kellen y su esposa Anna-Maria Kellen.

En el año 1.999 d.C. el Par de Pendientes Fenicios fue regalado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Cada uno tiene una altura de 3,5 cm y una anchura de 0,6 cm. Están fabricados en oro.

Se trata de un par de pendientes de oro ornamentados con cuatro caras en relieve.

En la parte superior, ensartado en el aro por medio de un pequeño anillo de suspensión hay un colgante hueco en forma de caja con una base ligeramente cóncava sin decoración.

Par de Pendientes Fenicios

Los cuatro lados rectangulares están grabados con cabezas alternas de un joven y un hombre barbudo, con todas las caras mirando hacia el lado izquierdo.

También se aprecia como los bordes verticales de la caja están decorados con tiras soldadas de alambre.

Así mismo la parte superior de la caja está decorada con una pirámide compuesta por gránulos grandes y pequeños.

Aparte adjuntas a las esquinas superiores de la caja hay dos tiras transversales que se cruzan y son de sección ligeramente triangular, se puede apreciar como sobre las cuales hay un pequeño anillo de suspensión decorado con una cabeza de una persona africana negra.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que este tipo de joyas eran utilizadas por las mujeres de clase alta fenicias y también eran utilizadas por los fenicios durante sus intercambios comerciales.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Panel de Pared con Alas y un Dispositivo Pahlavi

El Panel de Pared con Alas y un Dispositivo Pahlavi es un panel datado en el siglo VI d.C. (período comprendido entre los años 501 d.C. y 600 d.C.), perteneciente al arte persa, en concreto está englobado dentro del arte sasánida.

Panel de Pared con Alas y un Dispositivo Pahlavi

Fue hallado entre los años 1.928 d.C. y 1.929 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas en la antigua ciudad de Ctesifonte, situada a orillas del río Tigris.

Actualmente se corresponde con la ciudad de Salman Pak, en la división de Bagdad (Irak).

En el año 1.932 d.C. el Panel de Pared con Alas y un Dispositivo Pahlavi pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene una altura de 40 cm, una anchura de 41,5 cm y una profundidad de 5,3 cm. Está fabricado en estuco.

Se trata de un panel de pared de estuco fabricado con molde que originalmente decoraba el "iwan" (salón abovedado) de una gran casa en Umm ez-Za'tir, cercana de Taq-i Kisra, en la antigua ciudad de Ctesifonte.

Está ornamentado en el centro por un grupo de letras en escritura persa y una luna creciente sobre alas emplumadas simétricas, además el diseño se encuentra rodeado por un círculo de perlas.

Cabe resaltar que los investigadores piensan que el motivo decorativo probablemente tenía un significado protector.

Aparte está ornamentado por medias palmetas situadas en las esquinas que originalmente habrían formado un diseño completo al colocar este panel de estuco dentro de un arreglo con otros similares.

También destacar que los monogramas se convirtieron en motivos populares que fueron utilizados en los paneles de pared de estuco que estaban hechos con moldes y decoraban los palacios y las casas de la élite sasánida.

Para finalizar subrayar que un panel de estuco idéntico se encuentra en el Museo de Arte Islámico (Museum für Islamische Kunst), perteneciente a la institución de los Museos Estatales de Berlín, localizado en la ciudad de Berlín, en Alemania.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Retrato de Lucrezia Panciatichi

El Retrato de Lucrezia Panciatichi es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.541 d.C. y 1.545 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Retrato de Lucrezia Panciatichi

Fue pintada por el pintor italiano Agnolo di Cosimo (también conocido como Agnolo di Cosimo di Mariano, Agnolo Bronzino o Bronzino).

Se conoce que en el año 1.584 d.C. la pintura se encontraba en casa del aristócrata italiano Carlos Panciatichi.

Lo siguiente que se conoce es que el año 1.890 d.C. el Retrato de Lucrezia Panciatichi pasó a formar parte de la colección de arte de la Galería Uffizi.

Localizada en la ciudad de Florencia, situada en la región de la Toscana, en Italia.

Descripción

Tiene una altura de 101 cm y una anchura de 82,8 cm. Está pintada al óleo sobre tabla.

Se trata de una pintura que representa el retrato de la aristócrata italiana Lucrezia di Gismondo Pucci (esposa de Bartolomeo Panciatichi) sentada en una silla y sobre un fondo oscuro en el que se puede entrever una estancia con arcos propia de la arquitectura renacentista.

En el rostro destacan los ojos almendrados, la nariz recta, los labios carnosos y el mentón redondeado. También destacan la mirada melancólica y el cuello esbelto.

Además el cabello largo se encuentra recogido con un elaborado peinado y sujeto mediante una diadema ricamente ornamentada con joyas.

La mano derecha descansa sobre un libro abierto que apoya en sus piernas, mientras que la mano izquierda está apoyada sobre el reposabrazos de la silla. 

Está ataviada con un suntuoso vestido rojo adornado con encaje en la parte superior y un cinturón con pedrería en la cintura. Se observa como las mangas tienen un abollonado rizado en la parte superior, mientras que la parte inferior, de un color más oscuro, son adherentes y están sujetas mediante cordones.

Lleva un anillo en el dedo anular de la mano izquierda y alrededor del cuello lleva dos collares, uno de los cuales tiene la siguiente inscripción:

"Amour dure sans fin"

Cabe resaltar que las palabras están escritas una tras otra para que puedan leerse de un lado a otro, sin interrupciones y amplificando el sentido de continuidad del lema.

Para finalizar como curiosidad subrayar que el Retrato de Lucrezia Panciatichi es mencionado y descrito en la novela "The Wings of the Dove" (Las alas de la paloma) escrita en el año 1.902 d.C. por el escritor y crítico literario estadounidense, nacionalizado británico, Henry James.

Actualmente se encuentra en la Galería Uffizi, en la ciudad de Florencia, Italia.

Sítula del Obispo Gotofredo

La Sítula del Obispo Gotofredo, también conocida como Sítula del Vescovo Gotofredo, es una sítula datada aproximadamente en el siglo X d.C. (período comprendido entre los años 901 d.C. y 1.000 d.C.), perteneciente al arte medieval.

Sítula del Obispo Gotofredo

En concreto se encuentra englobado dentro del arte prerrománico y dentro de éste pertenece al arte otoniano.

Fue mandada fabricar por el arzobispo de Milán de origen lombardo, Gotofredo (también conocido como Goffredo o Gotifredo).

Con motivo de la coronación del rey de Alemania e Italia y emperador del Sacro Imperio Romano-Germánico, Otón II (también conocido como Otón II el Rojo).

Es conocido que la Sítula del Obispo Gotofredo permaneció en la Catedral de Milán formando parte de la colección de arte del Museo del Tesoro de la Catedral de Milán.

Localizado en la ciudad de Milán, en la provincia de Milán, situada en la región de Lombardía (Italia).

Sítula del Obispo Gotofredo

Descripción

Está fabricada en marfil, mediante las técnicas de incisión y tallado.

Se trata de una sítula, es decir, un recipiente en forma de vaso pequeño utilizado en la liturgia para llevar el agua bendita.

El cuerpo está decorado con escenas talladas, aparte se aprecia como en el borde superior hay una banda con una incripción.

Situada debajo hay otra banda decorada con un friso de acanto, mientras que en el borde inferior hay una banda ornamentada con un patrón griego.

Sítula del Obispo Gotofredo

Entre estas dos bandas y dentro de cuatro arcos se encuentran representadas las figuras de los cuatro evangelistas cada uno con su propio símbolo tetramorfo: 

Un ángel para San Mateo (también conocido como Mateo Leví, Leví de Alfeo o Mateo el Apóstol), un león para San Marcos, un buey para San Lucas y un águila para San Juan. 

Las figuras de los evangelistas convergen hacia un quinto arco en el que se encuentra representada la Virgen María en posición sedente con el Niño Jesús en su regazo.

Sítula del Obispo Gotofredo

Está flanqueada por dos ángeles que sostienen una sítula y un incensario respectivamente.

El asa está ornamentada por dos criaturas mitológicas una enfrente a la otra, aparte se observa como en el punto de unión del asa con el cuerpo de la sítula hay dos cabezas de leones (una en cada lateral).

Con respecto a la composición destacar que el volumen de las figuras son macizas y bien torneadas, aparte se observa como las figuras emergen del espacio de los arcos.

La composición es ordenada, los espacios se dividen por igual y están separados por columnas con capiteles, además entre los arcos hay una arquitectura que recuerda a las torres y representan las puertas de la Jerusalén Celestial.

Para finalizar subrayar que la representación de los evangelistas son muy similares entre sí en apariencia, gestos y los rostros con las barbas puntiagudas. Esta homogeneidad revela que el artista quería imitar la forma antigua retomando también los modelos del arte carolingio.

Actualmente se encuentra en el Museo del Tesoro de la Catedral de Milán, Italia.

Mapa Babilónico del Mundo

El Mapa Babilónico del Mundo, también conocido como Imago Mundi, es una tablilla datada aproximadamente en el siglo VI a.C. (período comprendido entre los años 600 a.C. y 501 a.C.), perteneciente al arte mesopotámico.

Mapa Babilónico del Mundo

Fue hallada en el año 1.881 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas por el astrólogo iraquí Hormuzd Rassam.

Mapa Babilónico del Mundo

En el yacimiento arqueológico de Sippar de Shamash, localizado en la orilla oriental del río Éufrates.

Situado al noroeste de Babilonia, en la actualidad ésta localización se encuentra en Irak.

En el año 1.882 d.C. el Mapa Babilónico de Mundo fue comprado por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 12,20 cm y una anchura de 8,20 cm. Está fabricada en arcilla.

Se trata de una tablilla que tiene representado en su anverso un mapa circular y una inscripción situada en la parte superior, también se observa como en el reverso también tiene inscrita una inscripción escrita en escritura cuneiforme.

Mapa Babilónico del Mundo

El mapa circular aparece representado como un disco rodeado por dos círculos exteriores o un anillo que ha sido identificado como "maratum" (río amargo).

La ciudad de Babilonia está marcada como un rectángulo situado en el extremo derecho del río Éufrates, aunque se conoce que la ciudad ocupó ambas orillas del río durante la mayor parte de su historia.

El río Éufrates fluye hacia el sur hasta una banda horizontal, cuyo extremo derecho está marcado como "pantano" y el extremo izquierdo está marcado como "salida".

Aparecen representado un "pantano" en la cabecera del Golfo y Shatt al-Arab o donde el río se encuentra con el "río amargo", también a la derecha del "pantano" hay una doble línea curva con una inscripción rota e ininteligible.

Se han utilizado pequeños círculos para indicar las ciudades o distritos, dos esos círculos se han podido identificar como "Asiria" y "Der".

Además se marcan otras tres áreas geográficas: "Bit-Yakin", el territorio de un grupo tribal arameo, está localizado alrededor del sur del río Éufrates, sobre su "salida".

Mapa Babilónico del Mundo

"Habban", la patria de un grupo tribal casita, está representada alrededor de "Kermanshah" en el oeste del actual Irán, cabe resaltar que en el mapa está ubicado de manera bastante incorrecta al oeste de Babilonia.

Mientras que "Urartu", un reino independiente alrededor de las fronteras modernas de Irán, Turquía y Rusia, se ubica relativamente correctamente al norte de Asiria.

Más allá del "río amargo" circular se colocan las ocho regiones periféricas conocidas como "nagu", cada uno de ellos están marcados y al lado de cada uno está inscrita la palabra "beru" (unidad babilonia de tiempo y medida legal).

Aparte en el reverso de la tablilla las ocho regiones se describen en ocho párrafos rotos y en gran parte ininteligibles, cada uno de los cuales comienza: "A la primera (segunda, etc.) región a la que vas (la distancia es) siete beru".

Esto, como las notas en el mapa, parece indicar la distancia entre las diferentes "regiones" alrededor del borde del mundo. 

Mapa Babilónico del Mundo

Sin embargo no está claro por qué el mapa da dos veces la distancia como seis "beru", mientras que en el texto hasta donde se conserva siempre da siete "beru".

Un párrafo final resume lo siguiente: "En las ocho regiones de las cuatro orillas (Kibrati) de la tierra ... nadie conoce su interior"

Cabe destacar que " las cuatro orillas " (correspondientes a los cuatro cuartos de la brújula) es una expresión mesopotámica regular para designar todo el mundo habitado. 

Con respecto al texto situado en el anverso de la tablilla, localizado encima del mapa, parece ser una descripción de los habitantes (divinos, humanos, animales o monstruosos) de las áreas más allá de la tierra, ya sean las ocho "regiones" o el "río amargo" o tal vez pueden ser una representación de las aguas del inframundo.

Para finalizar como curiosidad destacar que el agujero situado en el centro de la tablilla es conocido con el nombre "agujero de disparo" y se conoce que fue realizado deliberadamente por el escriba. 

Además también se pueden apreciar agujeros similares situados en el medio del texto que hay inscrito sobre el mapa y hay otros dos agujeros situados en el reverso de la tablilla.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.