martes, 28 de abril de 2020

Estatua de Horemheb en Posición de Escriba

La Estatua de Horemheb en Posición de Escriba, también conocido como Horemheb en Posición de Escriba, es una escultura datada aproximadamente entre los años 1.336 a.C. y 1.323 a.C., perteneciente al arte egipcio.

Estatua de Horemheb en Posición de Escriba
El lugar y momento del hallazgo son desconocidos, pero se conoce que formo parte de la colección del egiptólogo egipcio Roger Jean Khawan, la escultura fue puesta a la venta en la galería de antigüedades egipcias "Khawam Brothers".

Después fue adquirida por el industrial y filántropo estadounidense Valentine Everit Macy, por lo tanto la escultura permaneció en manos privadas.

Hasta que en el año 1.923 fue donada, por Valentine Everit Macy y su esposa Edith Wiseman Carpenter, al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York  (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.



¿ Quién fue Horemheb ?


Horemheb, también conocido como Dyeserjeperura Horemheb, fue el último faraón de la XVIII dinastía del Antiguo Egipto. Gobernó aproximadamente desde el año 1.323 a.C. hasta el año 1.295 a.C. por un período de 27 años.

Cabe resaltar que Horemheb era descendiente de una antigua familia aristocrática y no se conoce ningún parentesco con algún miembro de la familia real.

Durante el gobierno del faraón Tutankamón fue un escriba real y general del ejército, también desempeño esas funciones durante el gobierno del faraón Ay hasta que finalmente se casó con Mutnedymet (hija de Ay) coronándose como faraón.

Estatua de Horemheb
en Posición de Escriba

Se conoce que gobernó Egipto con mano de hierro y cierta dureza, borró toda huella de sus inmediatos antecesores (los protagonistas de la Cisma de Amarna: Ajenatón, Tutankamón y Semenejkara), también restableció la alianza de la oligarquía en el clero y el ejercito.



Descripción


Tiene una altura de 113 cm, una anchura de 71 cm y un grosor de 55,5 cm.

Esta fabricada en granodiorita (roca magmática plutónica semejante al granito), mediante la técnica de tallado.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la figura del faraón Horemheb en posición sedente. Cabe destacar que la escultura fue realizada antes de que el faraón Horemheb ascendiera al trono de Egipto.

Estatua de Horemheb
en Posición Escriba
Esta representado como un escriba, lo que indica que pertenecía a la élite de personas alfabetizadas, además en el Antiguo Egipto los escribas eran grandes funcionarios considerados como hombres de sabiduría y aprendizaje.

Horemheb se encuentra representado sentado erguido, con las piernas cruzadas y en actitud relajada.

En el rostro se aprecian los ojos almendrados que se encuentran finamente enmarcados mediante pequeñas incisiones, también resaltan los labios carnosos.

En la parte superior de la cabeza lleva una peluca que enmarca el rostro y le cae en dos mechones gruesos por la parte delantera hasta la altura del pecho.

Se encuentra ataviado en la parte inferior con un shenti con plisados y sobre él una túnica transparente y plisada que le cubre los hombros.

Sobre las rodillas se encuentra desenrollado un rollo de pergamino en el que hay escrito un himno al dios Thot (dios de la sabiduría, patrón de los escribas, de las artes y de las ciencias), además se observa como con la mano izquierda sostiene el rollo de pergamino.

Estatua de Horemheb
en Posición de Escriba

En la parte posterior superior izquierda de la espalda se puede apreciar como hay tallado el jeroglífico que representa al dios Amón (dios del sol y el aire).

Toda la escultura reposa sobre una base o pedestal rectangular fabricado en el mismo material que la escultura, aparte se puede observar como se encuentra decorado con inscripciones jeroglíficas.

En cuanto a la composición destaca el contraste entre la representación del rostro juvenil, con la representación de la incipiente barriga y los pliegues de la carne situados debajo de los senos (que indica más edad).

Además resaltan el contraste de texturas entre la suavidad de la piel y la rugosidad de los pliegues de la vestimenta.

Para finalizar subrayar que aunque en general el estado de conservación es bueno se puede apreciar como en la parte inferior de la base se encuentra deteriorada, también se aprecia como parte del rostro está mutilado así como la mano y parte del brazo derecho.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

domingo, 26 de abril de 2020

Tableta Oscan

La Tableta Oscan, también conocida como Tabula Osca, es una placa datada aproximadamente entre los años 300 a.C. y 100 a.C., perteneciente al arte romano.
Tableta Oscan
(Cara A)

Fue hallada en el año 1.848 a las orillas del río Sangro en "Fonte di Romito", entre las ciudades de Capracotta y Agnone, en el Este de la Italia central.

Perteneció a la colección de arte del comerciante italiano Alessandro Castellani, hasta que en el año 1.873 la vendió al Museo Británico de Londres, dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de antigüedades griegas y romanas.



Descripción


Tiene una altura de 27,94 cm, una longitud de 16,51 cm y un peso de 2332 gramos. Esta fabricada en bronce mediante la técnica de incisión.

Se trata de una pequeña placa o tableta rectangular de bronce que está unida en su parte superior a una cadena de hierro.

La placa se encuentra grabada en ambas partes por una inscripción escrita en líneas horizontales en idioma osco, éstas inscripciones son una serie de dedicaciones a diferentes deidades o dioses.

Cabe resaltar que el idioma osco era una lengua indoeuropea (englobada dentro del grupo de las lenguas itálicas) que era hablada durante parte de la Antigüedad en la parte centro-meridional de la península itálica.

Tableta Oscan
(Cara B)

La inscripción de la Cara A esta compuesta por un total de 25 líneas, dónde se describe el lugar sagrado dónde tienen lugar las ceremonias religiosas en honor a la diosa Ceres (diosa de la agricultura, las cosechas y la fecundidad).

Además explica como cada año se realizaban los Juegos Florales, dónde se realizaban ofrendas y sacrificios a cuatro dioses diferentes.

También se expone como cada dos años se realizaba una ceremonia especial dentro del altar del santuario.

La inscripción de la Cara A es la siguiente:

" statús . pús . set . húrtín . kerríiín . vezkeí . statíf . evklúí . statíf . kerrí . statíf . futreí . kerríiaí . statíf . anter . stataí . statíf . ammaí . kerríiaí . statíf . diumpaís . kerríiaís . statíf . liganakdíkei . entraí . statíf . anafríss . kerríiúís . statíf . maatúís . kerríiúís . statíf . diúveí verehasiúí . statíf . diúveí . regatureí . statíf . hereklúí . kerríiúí . statíf . patanaí . piístíaí . statíf . deívaí . genetaí . statíf . aasaí . purasiaí . saahtúm . tefúrúm . alttreí . pútereípíd . akeneí . saka(ra)híter . fiuusasiaís . az . húrtúm . sakarater . pernaí . kerríiaí . statíf . ammaí . kerríiaí . statíf . fluusaí . kerríiaí . statíf . evklúí . patereí . statíf "

Tableta Oscan
(Cara A)


La inscripción de la Cara B esta compuesta por un total de 23 líneas dónde aparecen enumeradas un total de diecisiete deidades o dioses que eran adorados por los samnitas locales.

Los samnitas eran una de las antiguas tribus itálicas que entre los siglos VII a.C. y III a.C. (período comprendido entre los años 700 a.C. y 201 a.C.) moraban en el Samnio (una región montañosa situada en la Italia central).

También la inscripción estipula que tan solo aquellas personas que pagaban las contribuciones ordinarias eran admitidos en el santuario.

La inscripción de la Cara B es la siguiente:

" aasas . ekask . eestínt . húrtúí . vezkeí . evklúí . fuutreí . anter . stataí . kerrí . ammaí . diumpaís . liganakdíkeí . entraí . kerríiaí . anafríss . maatúís . diúveí . verehasiú . diúveí . piíhiúí . regatureí . hereklúí . kerriiúí . patanaí . piístíaí . deívaí . genetaí . assaí . purasiaí . saahtúm . tefúrúm . alttreí . pútereípid . akeneí . húrz . dekmanniúís . staít. "

Para finalizar subrayar que la Tableta Oscan está considerada una de las inscripciones más importantes dentro del idioma osco (en la actualidad es un idioma desaparecido).

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

sábado, 25 de abril de 2020

Anunciación entre los Santos Ansano y Margarita

La Anunciación entre los Santos Ansano y Margarita, también conocida como Anunciación, es un tríptico datado en el año 1.333 d.C., perteneciente al arte medieval, en concreto al arte gótico.

Anunciación entre los Santos Ansano y Margarita
Fue elaborado por el pintor italiano Simone Martini con la colaboración del pintor italiano Lippo Memmi (cuñado y seguidor de Simone Martini).

El tríptico fue encargado para uno de los altares laterales, en concreto para el altar de San Ansano.

Situado dentro de la catedral de Siena, Localizada en la ciudad de Siena, en la región de la Toscana (Italia).

Permaneció en la catedral hasta el año 1.799 d.C. cuando por orden del archiduque austriaco y emperador del Sacro Imperio Romano Germánico, Leopoldo de Habsburgo-Lorena (también conocido como Leopoldo II del Sacro Imperio Romano Germánico).

La Anunciación entre los Santos Ansano y Margarita fue trasladada a la ciudad de Florencia (Italia), dónde fue expuesta en la Galería Uffizi, pasando a formar parte de su colección de arte.


Descripción 


Tiene una altura de 265 cm y una anchura de 265 cm. Esta fabricada en oro y pintura al temple sobre una tabla de madera.

Se trata de un tríptico divido en tres partes o secciones en la que esta representa la escena de la Anunciación enmarcada a los laterales por la figura de dos Santos.

Anunciación entre los Santos
 Ansano y Margarita

La que la parte central es más ancha que las partes laterales (la parte central presenta una altura de 184 cm y una anchura de 114 cm, mientras que las partes laterales tienen una altura de 105 cm y una anchura de 48 cm).

Además las escenas representadas se encuentran enmarcadas dentro de cinco arcos polilobulados, se puede observar como cada arco tiene una moldura circular con un medallón.

En el centro de la composición en el arco central realizado en un tamaño mayor hay un medallón vacío, sin ninguna representación. Sin embargo a ambos lados, en los cuatro arcos restaurantes dentro de cada medallón aparece representado el mediobusto de los siguientes profetas: Jeremias, Ezequiel, Isaias y Daniel.

La escena central se encuentra enmarcada en tres arcos y representa la Anunciación, es decir, el momento en el que el arcángel Gabriel irrumpió en la casa de la Virgen María para anunciarle su futura maternidad.

Cabe destacar que este episodio del Evangelio según San Lucas (capítulo I)  fue considerado en la Edad Media como el comienzo del cristianismo.
Anunciación entre los Santos
Ansano y Margarita (detalle)

A la derecha se encuentra representado el arcángel Gabriel, esta arrodillado con las alas doradas extendidas (destacan las fina textura de las plumas doradas).

Se encuentra ataviado con una túnica blanca, mientras que el manto dorado esta decorado con un motivo arabesco.

Con la mano derecha sostiene una rama de olivo (símbolo de la paz), mientras que con la mano izquierda indica como en la parte superior está representada la paloma del Espíritu Santo descendiendo del cielo en un círculo dorado de ocho ángeles.

Se puede observar como desde la boca del arcángel hasta la altura de la Virgen hay una inscripción en horizontal escrita en latín con letras doradas.

La inscripción y su traducción son las siguientes:

" AVE GRATIA PLENA DOMINVS TECVM " =  " Llena de gracia, el Señor está contigo "

A la izquierda se encuentra sentada en un trono la Virgen María, se aprecia como con su mano izquierda entrecierra la Biblia, mientras que con su mano derecha cierra su manto. Los hombros están representados encogidos en señal de castidad y reticencia.

Se encuentra ataviada con una túnica roja y un manto azulado con los bordes dorados. En el rostro destaca la boca pequeña y fruncida, los ojos almendrados entrecerrados y la nariz recta. El cabello se encuentra peinado hacia atrás y enmarcando el rostro.

Cabe resaltar que entre las dos figuras hay un jarrón dorado con lirios situado en un segundo plano (alegoría de la pureza) y el suelo es de mármol moteado (aunque en las partes laterales es inconsistente).

En el lateral derecho está representado San Asano (el patrón de la ciudad de Siena, también conocido como El Apóstol de Siena), se la podido identificar gracias a la bandera denominada "Bandera de la Resurrección", ésta bandera aparte de ser considerada como su atributo, también está considerado un símbolo de la victoria sobre la muerte.

En el lateral izquierdo se encuentra representada la figura de Santa Margarita (también conocida como Margarita de Antioquía), una santa cristiana, virgen y mártir, inscrita en el grupo de los Santos auxiliadores.

Anunciación entre los Santos
Ansano y Margarita

Cabe resaltar que las partes laterales se encuentran separadas de la parte central por medio de dos finas columnas con fuste estriado.

En cuanto a la composición destacar los fondos dorados (da una apariencia abstracta y es símbolo de la divinidad), el uso de trazos curvilíneos y sinuosos (sobretodo en el plumaje de las alas del arcángel y en la vestimenta de la Virgen).

Además los contornos de los personajes se encuentran definidos por una refinada línea negra.

También destacan que las figuras se encuentran representadas con un mismo patrón o modelo, esto es debido al uso de los mismos patrones generales y a ningún interés en la representación individual.

Así como en el uso de una paleta cromática formada por colores fuertes y contrastados, sin que apenas haya gradaciones cromáticas.

Para finalizar subrayar que la Anunciación entre los Santos Ansano y Margarita está considerada una obra maestra del pintor Simone Martini y una de las mayores obras de la escuela sienesa gótica.

Además enfatizar que fue Simone Martini el primero que pintó en la escenificación de la Anunciación al arcángel Gabriel arrodillado y esta novedad iconográfica tuvo una gran repercusión dentro de las representaciones del arte gótico.

Actualmente se encuentra en la Galería de los Uffizi, en la ciudad de Florencia (Italia).

martes, 21 de abril de 2020

Iglesia de San Martín de Tours

La Iglesia de San Martín de Tours, también conocida como Iglesia San Martín de Frómista, es una iglesia datada aproximadamente en el siglo XI d.C. (período comprendido entre los años 1.001 d.C. y 1.100 d.C.), perteneciente al arte medieval, en concreto al arte románico.

Iglesia de San Martín de Tours
Fue construida por orden de la reina consorte de Pamplona Muniadora de Castilla (también conocida como Mumadonna Sánchez, Mayor o Munia) esposa del rey de Pamplona Sancho Garcés III.

Se edificó en el municipio de Frómista, situado en la comarca de Tierra de Campos.

Localizada en la provincia de Palencia, en la comunidad autónoma de Castilla y León (España).

Cabe resaltar que en el año 1.894 d.C. fue declarada Monumento Nacional y en el año 2.015 d.C. la Unesco la incluyo en "Caminos de Santiago de Compostela: Camino francés y Caminos del Norte de España".

Destacar que la mayor parte del listado de bienes que han sido catalogados como Patrimonio de la Humanidad dentro de la denominación "Caminos de Santiago de Compostela", corresponden a los monumentos situados a lo largo de las varias rutas de peregrinación a Santiago de Compostela que atravesaban el Norte de España.


Iglesia de San Martín de Tours



Descripción


Se trata de una iglesia con planta basilical compuesta por tres naves de diferentes tamaños que están separadas entre sí por medio de pilares compuestos.

Aunque el espacio es bastante proporcionado (el tamaño de la nave central es casi tres veces el tamaño de la nave lateral), aparte el sistema de contrarresto consiste en que el peso de la nave central se traslada a las naves laterales y de éstas el peso pasa a los contrafuertes, al muro y a los pilares.

En la planta transepto no sobresaliente se aprecia como la nave central (nave principal) es más ancha que las dos naves laterales.

Iglesia de San Martín de Tours (Plano)
Así mismo se observa como las tres naves acaban en ábsides semicirculares escalonados y también que las tres naves tienen bóvedas de cañón.

Dentro de la composición de los ábsides destacan la geometrización y la compartimentación del espacio, tanto a nivel vertical mediante columnas adosadas como a nivel horizontal mediante líneas de imposta, ajedrezado y cornisa.

Se puede apreciar que tanto la bóveda de la nave central como las bóvedas laterales se encuentran reforzadas por arcos fajones y formeros asentados sobre pilares cruciformes y medias columnas adosadas.

Iglesia de San Martín de Tours
(interior)

Sobre el crucero hay un cimborrio octogonal que desde el interior muestra una cúpula sobre trompas, es decir, el paso de la estructura cuadrada a la estructura redonda de la cúpula se realiza a través de las trompas.

También se puede apreciar como en la fachada occidental hay dos torres circulares (torres cilíndricas) con bóvedas helicoidales.

La bóveda helicoidal es aquella que cubre una escalera de caracol ascendiendo con ella.

En cuanto a la iluminación, ésta es escasa, tan solo entra luz por el cimborrio y por los ventanales con arcos de medios punto situados en los ábsides y en las naves laterales.

Iglesia de San Martín de Tours
(interior)
Por lo tanto debido a la poca luz que llega al interior se puede afirmar que en toda la estructura predomina lo macizo sobre el vano.

Originalmente la iglesia contaba con tres entradas o tres accesos, aunque actualmente tan solo se usan dos accesos: el acceso por la fachada principal (ésta puerta se encuentra más ornamentada) y el acceso desde la puerta sur (entrada usada por el público para acceder a la iglesia).

Además destacar que en la actualidad la puerta situada en la fachada norte se encuentra tapiada.

Con respecto a la decoración se aprecia como en la fachada exterior bajo los aleros de las puertas y bajo los tejados hay aproximadamente más de 300 pequeños canecillos.

Los canecillos, es decir, la parte saliente que adorna la parte inferior de la cornisa, se encuentran decorados con figuras humanas y con figuras de animales fantásticos (gárgolas).

Iglesia de San Martín de Tours (Taqueado jaqués o Ajedrezado)

Aparte en los frisos, arquivoltas y en el exterior de los ábsides se puede apreciar la ornamentación conocida como taqueado jaqués (también llamado ajedrezado), consistente en una decoración a base de cuadrados, unos hundidos y otros salientes de forma alterna, dispuestos en tres líneas paralelas (similar a un tablero de ajedrez).

Iglesia de San Martín de Tours (Tipos de Capiteles)

La decoración interior se encuentra compuesta por capiteles labrados con un extenso surtido de imágenes sacras (imágenes religiosas) e imágenes profanas.
Iglesia de San Martín de Tours 

Cabe resaltar sobretodo la abundante iconografía que hace referencia a escenas del Antiguo y Nuevo Testamento, destacando los capiteles que representan a Adán y Eva.

Además destaca el capitel que narra la fábula de " La zorra y El cuervo ", aparte de los capiteles decorados con ornamentación vegetal y capiteles con decoración geométrica.

También llama la atención que situada en el exterior en la parte superior (en la punta) de la torre izquierda hay situada la figura de un pollo.

Cabe enfatizar que desde el inicio de su construcción en el año 1.066 d.C. la iglesia ha pasado por períodos de abandono, lo que conllevó a un continuo deterioro que desencadenó que en el siglo XIX d.C. la iglesia fuera declarada inadecuada para el culto.

Iglesia de San Martín de Tours

Sin embargo fueron gracias a las labores de restauración llevadas a cabo, desde el año 1.895 d.C. hasta el año de su reinaguración en 1.904 d.C.,  por el arquitecto español Manuel Aníbal Álvarez Amoroso.

Que la Iglesia de San Martín de Tours fue reabierta definitivamente al público, además en el año 2.010 d.C. también se llevaron labores de mantenimiento y restauración.

Como curiosidad señalar que en la actualidad en el interior de la iglesia se puede apreciar una maqueta de la iglesia del año 1.895 d.C., ésta maqueta muestra como se encontraba la iglesia justo antes de ser llevada a cabo la restauración.

Para finalizar subrayar que la Iglesia de San Martín de Tours está considerada uno de los ejemplos más antiguos de la arquitectura castellanoleonesa de línea jaquesa, además de ser uno de los principales prototipos de arquitectura dentro del arte románico europeo.

lunes, 20 de abril de 2020

Retrato de un Erudito

El Retrato de un Erudito, también conocido como Retrato de un Teólogo, es una pintura datada en el año 1.924 d.C., perteneciente al arte coreano.

Retrato de un Erudito

Fue pintada por el artista coreano Chae Yongsin, aunque es conocido por su seudónimo artístico Seokji.

En el año 1.957 d.C. la pintura fue comprada en Corea por el doctor alemán Peter Reimann.

En el año 2.012 d.C. la pintura fue adquirida por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento arte coreano.


Descripción

Tiene una altura de 121,9 cm y una anchura de 62,9 cm. Esta elaborado en pergamino, tinta y color sobre papel de seda.

Se trata de una pintura que representa a un hombre no identificado ataviado con una túnica blanca con ribetes negros y anudada debajo del pecho con un cinturón blanco. 

Aparte en la parte superior de la cabeza lleva un sombrero de dos niveles con tres picos que lo identifican como erudito.

Se puede apreciar como está sentado de rodillas con las manos juntadas sobre su regazo. También se observa como el fondo esta compuesto por una pantalla plegable pintada con un paisaje.

Situada en la parte derecha hay escrita una inscripción que indica el año de realización (en marzo del año 1.924 d.C.), así como el seudónimo del artista, Seokji que figura en el sello rojo.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que debido al grado de realismo, se cree que el Retrato de un Erudito pudo ser pintado a partir de una fotografía.

Además de que a menudo las obras de Chae Yongsin se encontraban realizadas a partir de un modelo fotográfico, especialmente debido a la edad que limitaba su movilidad.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

domingo, 19 de abril de 2020

Caballo en Bronce del Vicolo delle Palme

El Caballo en Bronce del Vicolo delle Palme es una escultura datada aproximadamente entre los siglos V a.C. y IV a.C. (período comprendido entre los años 500 a.C. y 301 a.C.), perteneciente al arte griego.

Caballo en Bronce del Vicolo delle Palme

Fue hallada en el año 1.849 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizas en el vicolo delle Palme.

En la actualidad esta localización se corresponde con "vicolo dell'Atleta", situado en el Trastévere el decimotercer barrio del centro histórico de la ciudad de Roma.

Ubicado en la ribera oeste del río Tíber, al sur de la Ciudad del Vaticano, en Italia.


Descripción

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta fabricada en bronce que representa la figura de un caballo.

Caballo en Bronce del
 Vicolo delle Palme


El caballo está representado en el momento previo a la salida al galope, sostenido por las riendas que tiraba el jinete.

Se aprecia como la pata delantera derecha se estira hacia adelante, mientras que la pata delantera izquierda se encuentra levantada.

En la cabeza se observa como las fosas nasales están dilatadas y las ojeras se encuentran en una posición asimétrica.

Las cuencas de los ojos se encuentran vacías, aunque se piensa que originalmente podrían haber sido rellenadas con pasta de vidrio.

Cabe destacar que en el lomo del caballo hay una abertura destinada a albergar la figura del jinete.

Los investigadores piensan que la figura original pudo haber sido reemplazada por otra a mediados del siglo I a.C. (período comprendido entre los años 100 a.C. y 1 a.C.).

Sin embargo en la actualidad de la figura del jinete tan solo se conserva un pie de bronce que fue encontrado junto con el caballo.

Para finalizar subrayar que en general el estado de conservación es bueno, aunque la escultura ha sido sometida a varias restauraciones, la restauración más reciente fue realizada en el año 2.007 d.C.. 

Actualmente se encuentra en los Museos Capitolinos en Roma (Italia).

sábado, 18 de abril de 2020

Retrato de Yun Dongseom

El Retrato de Yun Dongseom es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.790 d.C. y 1.805 d.C., perteneciente al arte coreano.

Retrato de Yun Dongseom
Fue elaborado durante la dinastía Joseon (reino dinástico coreano que duró desde julio del año 1.392 d.C. hasta octubre del año 1.897 d.C.).

Se conoce que perteneció a la colección de arte coreano Kang, hasta que en el año 2.014 d.C. fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


¿ Quién fue Yun Dongseom ?


Yun Dongseom fue un erudito, calígrafo y funcionario civil coreano que nació en el año 1.710 d.C. y murió en el año 1.795 d.C. a la edad de 85 años.



Descripción


La altura total es de 193 cm y la anchura total es de 78,7 cm, sólo la imagen tiene una altura de 133 cm y una anchura de 77,2 cm.

Está fabricado en un pergamino colgante mediante tinta y pigmentos sobre seda.

Se trata de una pintura de un retrato ancestral tradicional coreano que tiene representado en una vista de tres cuartos la figura de Yun Dongseom.

Retrato de Yun Dongseom

Yun Dongseom está representado en el centro, sentado en una silla (se puede observar como el respaldo de la silla esta cubierto con una piel de leopardo) y sobre un fondo blanco.

Se encuentra ataviado con un atuendo formal compuesto por un kimono azul oscuro decorado con motivos geométricos y sujeto a la cintura por un obi (cinturón) decorado con dos grullas.

También se aprecia como lleva un sombrero y en la parte inferior los zapatos se encuentran apoyados sobre un pequeño taburete rectangular.

En cuanto a la composición resalta el rostro pintado mediante líneas nítidas y fluidas, además de sombras útiles que capturan tanto las características físicas como la fuerte personalidad de Yun Dongseom. Todo ello dotan a la pintura de una mayor sensación de realismo y naturalismo.

Para finalizar subrayar que la funcionalidad de la pintura era ser la pieza central de un santuario familiar dedicado a honrar los linajes masculinos de la familia, de acuerdo con las restricciones de la filosofía neoconfuciana.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

viernes, 17 de abril de 2020

Frontal de Altar de Ix

El Frontal de Altar de Ix es una pintura datada aproximadamente en el siglo XII d.C. (período comprendido entre los años 1.101 d.C. y 1.200 d.C.), perteneciente al arte medieval, en concreto al arte románico.

Frontal de Altar de Ix
Se conoce que fue elaborado en el taller de La Seu de Urgel.

Procede de la iglesia de Sant Martí d'Hix, edificada en el municipio Bourg-Madame (también conocido como La Guingueta d'Ix o Les Guinguetes).

Situado en el departamento de los Pirineos Orientales, dentro del Distrito de Prades y en la región de Occitania (Francia).

Perteneció a la colección de Eduard Bosh i Barrau hasta que en el año 1.889 d.C.  fue adquirido por el Museo Nacional de Arte de Cataluña (España), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de arte medieval románico.



Descripción


Tiene una altura de 90,5 cm, una anchura de 155,4 y un grosor de 6,5 cm. Esta fabricado en pintura al temple y restos de hoja metálica corlada sobre tabla de madera de pino.

Frontal de Altar de Ix

Se trata de una pintura al temple que forma parte del frontal de un altar, esta divido en tres partes verticales y las dos partes laterales se subdividen en cuatro compartimentos individuales.

En la parte central se encuentra representado dentro de una mandorla compuesta por dos círculos secantes la figura de Cristo en Majestad (también conocido como "Maiestas Domini").

Cristo se encuentra sentado sobre el segmento inferior del primer círculo, ésta ataviado con una túnica roja y un manto azul, además se encuentra coronado con un nimbo (halo o aureola) crucífero.

El brazo derecho se encuentra levantado y la mano derecha está bendiciendo y sosteniendo una pequeña bola verde entre sus dedos. Mientras que el brazo izquierdo sostiene un libro cerrado apoyado en su rodilla izquierda.

Frontal de Altar de Ix
(panel lateral derecho)
También destacar que dentro de la mandorla superior aparecen inscritas las letras alfa y omega, además el fondo rojo del panel central se encuentra decorado con unas flores esquemáticas.


El panel lateral derecho se encuentra divido en cuatro compartimentos y en cada uno de ellos hay representadas dos figuras.

Se ha podido identificar en la parte superior izquierda la figura de San Martín junto a una figura de un discípulo. En el resto de los compartimentos hay representados la figura de seis apóstoles no identificados, pero se conoce que son los apóstoles debido a la aureola.

Cabe destacar que los compartimentos superior e inferior se encuentran separados mediante una banda negra con la siguiente inscripción en latín:

" SOL ET LUX SANTORUM "

Pero se puede observar como la parte derecha de la inscripción se encuentra muy dañada, por lo tanto la inscripción es parcialmente ilegible.


El panel lateral izquierdo también se encuentra divido en cuatro compartimentos donde también aparecen representadas en cada uno de ellos dos figuras.

Se ha podido identificar la figura de San Pedro, ubicada en el compartimento superior derecho, que lleva una gran llave en su mano.

También se ha identificado la figura situada en el compartimento superior izquierdo, ésta es San Martín de Tours que aparece representado ofreciendo la partición de su capa para entregársela a un pobre situado a su izquierda.

Frontal de Altar de Ix
(panel lateral izquierdo)

Así mismo también los compartimentos superior e inferior se encuentran divididos por una banda negra con la siguiente inscripción en latín.

" MANEO IN PRECLARA HONORUM "


Toda la escena se encuentra enmarcada en un marco decorado, se puede observar como las cuatro bandas del marco se encuentran decoradas con un tema decorativo diferente.

La banda superior se encuentra decorada por una línea de cuadrados unidos por los vértices, mientras que en la banda inferior hay un motivo decorativo de follaje (también conocido como "rinceaux").

En la banda izquierda se encuentra una decoración de ornamentación vegetal compuesta por círculos entrelazados con flores y frutos y en la banda derecha hay unos círculos de vegetación que en su interior tienen representados figuras de leones y águilas.

En cuanto a la composición destaca el uso de una policromía de colores vivos, destacando el uso de los tonos rojizos, amarillos, marrones, naranjas y verdes.

También resaltan el uso de la geometrización antinaturalista de las formas, la simetría bilateral, la perspectiva jerárquica y la ausencia de fondo.

Con respecto al estado de conservación señalar que el Frontal de Altar de Ix sufrió desperfectos debido a un incendio, pero gracias a los trabajos de restauración llevados a cabo en la actualidad el estado de conservación en general es bueno.

Para finalizar subrayar que el Frontal de Altar de Ix guarda un gran parecido con el Frontal de la Seo de Urgel, lo que sugiere que pudieron ser elaborados en el mismo taller.

Actualmente se encuentra en el Museo de Arte de Cataluña, España.

jueves, 16 de abril de 2020

Frontal de la Seo de Urgel

El Frontal de la Seo de Urgel, también conocido como Frontal de los Apóstoles, es una pintura datada aproximadamente en el siglo XII d.C. (período comprendido entre los años 1.101 d.C. y 1.200 d.C.), perteneciente al arte medieval, en concreto arte románico.

Frontal de la Ser de Urgel
Cabe destacar que los investigadores piensan que pudo ser elaborado en el taller de la Seo d'Urgell.

Procede de una iglesia perteneciente al obispado de la Seo de Urgel, aunque no se ha podido determinar el lugar exacto.

En el año 1.905 d.C. fue adquirido por el Museo Nacional de Arte de Cataluña (España), dónde paso a formar parte de su colección de arte dentro del departamento arte medieval románico.


Descripción


Tiene una altura de 102 cm y una anchura de 151 cm. Esta elaborado en pintura al temple y restos de hoja metálica sobre una tabla de madera de pino.

Se trata de una pintura al temple que forma parte del frontal de un altar, se encuentra divido en tres paneles decorados con escenas.

En el panel central hay una representación de Cristo Majestad (también conocido como "Maiestas Domini") dentro de una mandorla compuesta por dos círculos secantes.

Frontal de la Seo de Urgel

Cristo se encuentra representado sentado sobre el segmento de la intersección del círculo de la primera mandorla, aparece ataviado con una túnica roja y un manto azul.

Además el brazo derecho se encuentra extendido hacia arriba con la mano derecha bendiciendo, mientras que la mano izquierda sostiene un libro cerrado apoyado sobre la rodilla izquierda.

En cada uno de los paneles laterales (derecho e izquierdo) hay representados las figuras de los doce apóstoles (seis apóstoles en cada lateral). Se encuentran dispuestos en forma piramidal, es decir, uno en la parte superior, seguido de dos figuras situadas en el medio y tres figuras más en la parte inferior.

Cabe resaltar que en toda la composición no existe un fondo, el panel central se encuentra pintado de color rojo con una decoración de flores esquemáticas de color amarillo, mientras que los paneles laterales pintados de color amarillo presentan una decoración de flores esquemáticas de color rojo.

Aparte los tres paneles se encuentran enmarcados por un marco decorado con ornamentación vegetal, aunque se puede observar como la decoración de la parte inferior del marco se ha perdido y no ha llegado hasta la actualidad.

Con respecto a la composición resaltar la perspectiva jerárquica, la simetría bilateral, la inexistencia de un fondo, la geometrización antinaturalista de las formas y el uso de una policromía formada por colores vivos, entre los que destacan el uso de los colores amarillos, rojos y azules.

Para finalizar subrayar que el Frontal de la Seo de Urgel está considerado una de las obras maestras de pintura sobre tabla dentro de la colección del Museo Nacional de Arte de Cataluña.

Además de que muestra numerosas semejanzas con el Frontal de Altar de Ix, por lo que los investigadores piensan que podrían haber sido realizados en el mismo taller.

Actualmente se encuentra en el Museo Nacional de Arte de Cataluña, España.

miércoles, 15 de abril de 2020

Gran Recipiente de Cerámica Minoico

El Gran Recipiente de Cerámica Minoico es un pithos datado aproximadamente entre los años 1.450 a.C. y 1.375 a.C., perteneciente al arte prehelénico, en concreto al arte minoico.

Gran Recipiente de Cerámica Minoico
Fue hallado en el año 1.878 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas por el empresario, historiador de arte y arqueólogo griego Minos Kalokairinos.

El hallazgo se produjo en el tercer almacén del ala oeste del palacio de Minos, localizado en la ciudad de Cnosos (también conocida como Cnoso).

Situada a 5 km al sudeste de la actual ciudad de Heraclión, en la isla de Creta (Grecia).

En el año 1.884 d.C. fue donado por Minos Kalokairinos al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de antigüedades griegas y romanas.




Descripción


Tiene una altura de 114,3 cm y un diámetro de 69,85 cm. Esta fabricado en terracota, mediante las técnicas de moldeado e incisión.

Gran Recipiente de Cerámica Minoico

Se trata de un pithos (también conocido por el nombre de pitos) una vasija grande con forma ovoidal y panzuda que era utilizada normalmente para almacenaje.

Cabe resaltar que los investigadores piensan que podría haber sido utilizada para albergar cereales o aceite.

Presenta una boca ancha y tiene cuatro pequeñas asas geminadas y de sección circular.

En cuanto a la decoración resaltar que esta compuesta por un total de cuatro bandas de líneas onduladas realizadas mediante incisiones y que se asemejan a la apariencia de una cuerda. Además también tiene una decoración de líneas en relieve horizontales en medio con patrones diagonales.

Para finalizar subrayar el Gran Recipiente de Cerámica Minoico se encuentra englobado dentro del tipo de recipiente que fueron ampliamente utilizados durante el período minoico.

Sobretodo tuvieron una gran importancia durante el período minoico medio (período comprendido entre los años 2.100 a.C. y 1.580 a.C.) y el período minoico tardío (período comprendido entre los años 1.580 a.C. y 1.200 a.C.).

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

martes, 14 de abril de 2020

Tríptico Borradaile

El Tríptico Borradaile es un tríptico datado aproximadamente en el siglo X d.C. (período comprendido entre los años 901 d.C. y 1.000 d.C.), perteneciente al arte medieval, en concreto al arte bizantino.

Tríptico Borradaile
Se desconoce su procedencia, pero los investigadores piensan que pudo ser fabricado en la antigua ciudad de Constantinopla.

En la actualidad esta localización se corresponde con la ciudad de Estambul, Turquía.

Permaneció en manos privadas hasta que en el año 1.923 d.C. fue donado al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña) por el británico y coleccionista de arte Charles Borradaile.



Descripción


El panel central tiene una altura de 270 mm, una anchura de 157 mm y un grosor de 10 mm. Mientras que los paneles laterales presentan una altura de 278 mm y una anchura de 85 mm.

Tríptico Borradaile
Está fabricado en marfil, mediante la técnica de tallado.

Se trata de un tríptico, es decir, una obra de arte que está dividida en tres secciones o tres paneles todos ellos tallados con escenas en relieve y unidos entre sí mediante bisagras.

En el panel central se encuentra representada la escena de la Crucifixión, se puede observar como a la derecha de Jesucristo crucificado se encuentra la figura de la Virgen María, mientras que a la izquierda esta representado la figura de San Juan.

También en la parte superior de la composición a ambos lados de la cabeza de Jesucristo hay representados dos figuras de medio cuerpo, los arcángeles Miguel y Gabriel.

Aparte situada en la parte central hay una inscripción escrita en mayúsculas en caracteres griegos. La inscripción y su traducción es la siguiente:

" ΙΔΕ Ο ΥC CΟΥ ; ΙΔΟΥ Η ΜΡ CΟΥ " = " He aquí a tu hijo; He aquí a tu madre "

Cabe resaltar que la inscripción hace referencia a la cita bíblica de Juan 19.26-7.

El panel derecho se encuentra divido en tres registros, en la parte superior aparece representado a medio cuerpo la figura de San Juan, en el medio están representados la figura de San Eustacio y San Clemente de Ancira, mientras que en la parte inferior están representados San Esteban y San Ciro.

El panel izquierdo también se encuentra divido en tres registros, en la parte superior esta representado a medio cuerpo la figura de San Ciro, en el medio las figuras de San Jorge de Capadocia y San Teodoro Stratelates y en la parte inferior San Menas de Alejandría y San Procopio de Scitopoli.

Tríptico Borradaile
En el reverso se pueden apreciar como hay talladas dos cruces y un total de seis redondeles o mandorlas, en cada redondel hay representado un busto.

En la parte superior están representados los bustos de San Joaquín (padre de la Virgen María) y Santa Ana (madre de la Virgen María), en el centro los bustos de San Basilio de Cesarea y Santa Bárbara de Nicomedia y en la parte inferior los bustos de San Juan de Persia y Santa Tecla (también conocida como Tecla de Iconio).

Además hay una inscripción escrita en mayúsculas en caracteres griegos. La inscripción y su traducción es la siguiente:

" IC XC NIKA " = " Jesucristo victorioso"


Para finalizar subrayar que el Tríptico Borradaile junto con el Tríptico Wernher forman parte de los conocidos como "Grupos Romanos de marfil", que se encontraban estrechamente relacionados con la corte imperial.

Ademas los investigadores piensan que el Tríptico Borradaile pudo ser mandado fabricar por Ana Porfirogéneta, una princesa bizantina y consorte del gran príncipe de Kiev San Vladimiro Sviatoslávich el Grande (también conocido como Vladimiro I de Kiev).

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

lunes, 13 de abril de 2020

Escalinata de los Jeroglíficos

La Escalinata de los Jeroglíficos es una escalera datada aproximadamente entre los años 706 d.C. y 756 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte maya.

Escalinata de los Jeroglíficos
Se encuentra edificada en la cara oeste del Templo-pirámide 26 edificado dentro del complejo arqueológico de Copán.

En la actualidad éste lugar es conocido como yacimiento arqueológico de Copán.

Localizado en el departamento de Copán, a 1,5 kilómetros del pueblo Copán Ruinas (Honduras).

Fue descubierta en el año 1.890 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas por el diplomático, explorador y arqueólogo británico Alfred Percival Maudslay.

Cabe resaltar que las excavaciones continuaron hasta el año 1.900 d.C. siendo llevadas a cabo por miembros del Museo Peaboy de la Universidad de Harvard, John G. Owens y George Byron Gordon.



Descripción


Se trata de una escalinata vertical ascendente que tiene una altura de 21 metros, en total presenta 63 escalones de una anchura de 10 metros cada uno.

Escalinata de los Jeroglíficos
Además se encuentra fabricada por un total de 1.100 bloques monolíticos de piedra, también tiene un total de 6 estatuas que representan figuras humanas sentadas en tronos.

En total la escalinata tiene grabados aproximadamente 2.200 glifos mayas.

Cabe señalar que aunque se han realizado numerosos estudios los investigadores aún no han podido descifrar la totalidad del significados de los glifos.

De los 63 escalones, tan solo los 15 inferiores han llegado hasta la actualidad, mientras que los escalones superiores han sido restaurados, pero el texto no ha podido ser reconstruido.

Aunque se ha demostrado que el texto es una narración de la historia dinámica de la ciudad, haciendo especial referencia a hechos relevantes de los ancestros monárquicos, narran la historia de 16 gobernantes de Copán.

Escalinata de los Jeroglíficos
También los investigadores piensan que la diferente colocación de los glifos y su posición general en la escalera eran utilizados en la realización de rituales y ceremonias.

En cuanto al estado de conservación la Escalinata de los Jeroglíficos ha sido sometida a varias reconstrucciones.

Entre los años 1.930 d.C. y 1.946 d.C. se realizó la primera reconstrucción de la escalinata, los investigadores que estuvieron a cargo fueron: el arqueólogo y epígrafo estadounidense Sylvanus Griswold Morley y el arqueólogo Gustav Stromsvik.

Cabe destacar que la reconstrucción estuvo financiada por el Instituto Carnegie (también conocido como "Carnegie Institute of Washington"), una organización sin ánimo de lucro, filantrópica y creada por el industrial, empresario y filántropo estadounidense Andrew Carregie.

Escalinata de los Jeroglíficos

Además desde el año 1.985 d.C. la Escalinata de los Jeroglíficos se encuentra cubierta por una lona con la finalidad de detener la erosión causada por el viento y la lluvia.

Aparte desde el año 2.007 d.C. se esta utilizando cal para la recuperación y la conservación de la escalinata, éste plan fue puesto en marchar por el Gobierno Hondureño.

Para finalizar enfatizar que la Escalinata de los Jeroglíficos está considerada el monumento que tiene la inscripción de glifos mayas más importante y extensa de toda Mesoamérica (región que comprende la mitad meridional de México, Guatemala, El Salvador, Belice, el occidente de Honduras, Nicaragua y Costa Rica).

domingo, 12 de abril de 2020

Retrato del Gran Maestro Seosan

El Retrato del Gran Maestro Seosan, también conocido como Retrato del Gran Maestro Seon, es una pintura datada aproximadamente entre el siglos XVII d.C. y el siglo XVIII d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.800 d.C.), perteneciente al arte coreano.

Retrato del Gran Maestro Seosan
Fue elaborado por un artista desconocido durante la dinámica Joseon (reino dinástico coreano que duró desde julio del año 1.392 d.C. hasta octubre del año 1.897 d.C.).

Permaneció en manos privadas hasta que en el año 1.959 d.C. fue vendido al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


¿ Quién fue el Gran Maestro Seosan ?


El Gran Maestro Seosan, también conocido como Cheongheodang Hyujeong o Seosan Daesa, fue un monte eminente que vivió entre los años 1.520 d.C. y 1.604 d.C. y fue líder del budismo de Seon (Zen en japonés y Chan en Chino).

También fue reconocido, a finales del siglo XVI d.C., por ayudar a liderar un ejército de monjes budistas contra las fuerzas japonesas con el fin de recuperar la capital de Corea (la actual ciudad de Seúl).



Descripción


Tiene una altura de 152,1 cm y una anchura de 77,8 cm. Esta elaborado en rollo de pergamino, mediante tinta sobre seda.

Se trata de un retrato idealizado dónde aparece representado el Gran Maestro Seosan, está representado con una vista de tres cuartos y sentado en una silla de madera.

Retrato del Gran Maestro Seosan
Se encuentra representado en el centro, aparte se aprecia como la figura llena así toda la pintura y la pintura carece de fondo.

Esta ataviado con una túnica dorada y blanca, también lleva un manto azul, verde y rojo envolviendo la cintura y anudado sobre el hombro izquierdo.

Los zapatos se encuentran delante de la silla, apoyados sobre un pequeño taburete rectangular.

En cuanto a la composición destacan los rasgos faciales que dotan a la pintura de naturalismo y realismo.

Sobretodo en el rostro resaltan: la cara redonda, los ojos rasgados, las cejas pobladas y la barba cuidadosamente peinada.

También se puede observar como situada en la parte central inferior, dentro de un recuadro rectangular rojo, hay una inscripción en la que se leen los nombres de los donantes que comisionaron éste retrato y los nombres de los miembros del monasterio.

Para finalizar subrayar que los retratos idealizados de los monjes venerados, especialmente de los patriarcas o los fundadores de escuelas doctrinales, fueron consagrados en los templos budistas.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

sábado, 11 de abril de 2020

Tabletas de Epitafio (Myoji)

Las Tabletas de Epitafio (Myoji) son unas tabletas datadas aproximadamente en el año 1.736 d.C, pertenecientes al arte coreano.

Tabletas de Epitafio (Myoji)
Fueron elaboradas durante la dinastía Joseon (reino dinástico coreano que duró desde julio del año 1.392 d.C. hasta octubre del año 1.897 d.C.).

Permanecieron en manos privadas hasta que en el año 1.998 d.C., las tabletas, fueron entregadas como regalo por el coleccionista de arte Joseph P. Carroll y su esposa Roberta Carroll.

Tabletas de Epitafio (Myoji)

Al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), con motivo de la inauguración y apertura de la galería dedicada al arte coreano.

Por lo tanto desde el año 1.998 d.C. las Tabletas de Epitafio (Myoji) pasaron a formar parte de la colección de arte del museo, dentro del departamento de cerámica en el área de arte coreano.


Descripción


Cada tableta tiene una altura de 25,1 cm y una anchura de 7 cm. Están fabricadas en porcelana.

Tabletas de Epitafio (Myoji)

Se trata de un total de treinta y cuatro tabletas de epitafio con forma rectangular que conmemoran la vida de O Myeon-Hang.

O Myeon-Hang fue un erudito oficial y calígrafo que sirvió bajo varios reyes de la dinastía Joseon, hasta que finalmente alcanzó el rango de consejero de estado.

Las tabletas de porcelana presentan un diseño realizado en azul cobalto bajo vidriado, el diseño es un texto, por lo tanto las Tabletas de Epitafio (Myoji) representan un importante documento histórico.

En total el conjunto proporciona información sobre las prácticas mortuorias de la sociedad neoconfuciana de la Corea del siglo XVIII d.C. (período comprendido entre los años 1.701 d.C. y 1.800 d.C.), cuando los epitafios que narraban la vida y los logros de los fallecidos eran colocados dentro de las tumbas.

Aparte las tabletas también proporcionan información sobre la fabricación de la porcelana y el arte de caligrafía del arte coreano.

Para finalizar subrayar que el texto de las tabletas se encuentra escrito con caracteres chinos, puesto que éste era el idioma escrito elegido para la gran mayoría de los documentos oficiales, especialmente para los literatos, incluso después de la invención del alfabeto coreano (también conocido como alfabeto hangeul o hangul) inventado casi trescientos años antes.

Actualmente se encuentran en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

viernes, 10 de abril de 2020

Gallo y Gallina Dorados

Gallo y Gallina Dorados es una pintura datada aproximadamente en el siglo XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 1.900 d.C.), perteneciente al arte coreano.

Gallo y Gallinas Dorados
Cabe resaltar que debido a la falta de documentación tanto del artista como de la fecha de elaboración no se conoce con exactitud su fecha de creación.

Sin embargo se ha podido determinar que fue pintada durante la dinastía Joseon (reino dinástico coreano que duró desde julio del año 1.392 d.C. hasta octubre del año 1.897 d.C.).

Perteneció a la colección de arte de la Fundación Rogers, hasta que en el año 1.919 d.C. la pintura fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.



Descripción


Tiene una altura de 114,3 cm y una anchura de 45,7 cm.

Aunque cabe destacar que incluyendo los elementos decorativos presenta una altura de 200,7 cm y una anchura de 62,9 cm.

Se trata de una pintura realizada en un pergamino vertical, mediante tinta, pinturas y papel.

En el centro de la composición hay representado un gallo sobre un tronco de un árbol de paulownia y una gallina sentada sobre una roca con hongos.

Se puede observar como en la parte superior de la composición, entre las ramas altas del árbol, hay representado un sol y nubes.

Tanto el gallo como la gallina se encuentran representados con colores blancos, dorados y rojos, además todo el plumaje ha sido representado usando finas pinceladas que dotan a la composición una sensación de realismo y movimiento.

También se puede apreciar como toda la composición se encuentra enmarcada por la parte superior y por la parte inferior por una cenefa decorativa.

Para finalizar subrayar que la pintura del Gallo y Gallina Doradas esta considerada un símbolo de buena suerte, además de que dentro de la cultura coreana el gallo está considerado un animal moral que presenta excelentes cualidades.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

jueves, 9 de abril de 2020

Estatuilla de Padiiset

La Estatuilla de Padiiset, también conocida como Estatuilla de Pateese, es una escultura datada aproximadamente entre los años 1.780 a.C. y 1.700 a.C., perteneciente al arte egipcio.

Estatuilla de Padiiset
Fue hallada en el año 1.894 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas en el Delta del río Nilo.

Se conoce que en el año 1.928 d.C. fue adquirida por el filántropo y coleccionista de arte americano Henry Walters.

La escultura perteneció a su colección privada hasta que en el año 1.931 d.C. fue donada al Museo Walters de Arte, localizado en la ciudad de Baltimore, en el estado de Maryland (Estados Unidos de América).


Descripción


Tiene una altura de 30,5 cm, una anchura de 10,25 cm y un grosor de 11,5 cm. Esta fabricada en basalto negro, mediante las técnicas de incisión y tallado.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la figura de un hombre en posición de pie, los investigadores piensan que podría representar a un visir para conmemorar su gobierno.

En el rostro destaca los ojos almendrados enmarcados mediante finas incisiones, la nariz recta y los labios carnosos curvados en una ligera sonrisa.

En la parte superior de la cabeza se aprecia como lleva una peluca que le enmarca el rostro, sujeta en la frente por una banda ancha.

Se encuentra ataviado con un shenti, consistente en una especie de faldilla anudada a la cintura y ceñida mediante un cinturón de cuero.

Estatuilla de Padiiset

También se aprecia como lleva una especie de collar alrededor del cuello que le cae sobre el torso desnudo hasta la altura de la cintura.

Se puede observar como en la parte inferior del shenti hay una inscripción escrita un escritura jeroglífica

Esta inscripción hace referencia a "Padiiset" hijo de Apy, aparte de ser una dedicatoria a los dioses: Osiris, Horus e Isis.

En la parte trasera también tiene una inscripción en escritura jeroglífica escrita en dos columnas de jeroglíficos.

La inscripción es una referencia al comercio entre Canaán y el Antiguo Egipto durante el tercer período intermedio (período comprendido entre los años 1.070 a.C. y 650 a.C.). También menciona a la ciudad de Peleset (también conocida como Filistea).

Aunque cabe enfatizar que ésta inscripción no es la original, puesto que la original fue borrada y reemplazada.

Para finalizar subrayar que las inscripciones de la Estatuilla de Padiiset son la última referencia egipcia conocida a Canaán (región de Asia Occidental situada entre el mar Mediterráneo y el río Jordán), puesto que otras inscripciones conocidas que hacen referencia a Canaán fueron escritas aproximadamente 300 años antes.

Actualmente se encuentra en el Museo Walters de Arte, en Baltimore (Estados Unidos de América).

Losa de Nectanebo I

La Losa de Nectanebo I es una losa datada aproximadamente entre los años 378 a.C. y 370 a.C., perteneciente al arte egipcio . Losa de Necta...