Amuleto Merovingio

El Amuleto Merovingio es un amuleto datado aproximadamente en el siglo VII d.C. (período comprendido entre los años 601 d.C. y 700 d.C.), perteneciente al arte medieval.

Amuleto Merovingio

En concreto se encuentra englobado dentro del arte prerrománico y dentro de éste pertenece al arte merovingio.

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte del anticuario inglés y ayudante del departamento de antigüedades del Museo Británico, Augustus Wollaston Franks.

Hasta que en el año 1.897 d.C. el Amuleto Merovingio fue legado al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una longitud de 5,50 cm. 

Está fabricado en cristal de roca y plata.

Se trata de un amuleto compuesto por un cristal de roca esférico que ha sido unido a una montura de plata.

La montura está compuesta por un total de cuatro bandas delgadas que recubren el cristal, las cuatro bandas se encuentran unidas tanto en la parte inferior como superior del cristal de roca.

Amuleto Merovingio

Además se puede observar como en la parte superior hay una pequeña montura con forma cilíndrica que presenta una pequeña argolla en la parte superior.

Posiblemente la argolla era utilizada para engarzar el amuleto a una cadena de plata.

Cabe resaltar que los investigadores piensan que originalmente el Amuleto Merovingio podría haber sido sumergido en un líquido como un amuleto contra enfermedades durante alguna ceremonia ritual.

Para finalizar subrayar que también es conocido que dentro del período merovingio éste tipo de amuletos a menudo se solían complementar con una cuchara coladora y eran utilizados principalmente en entierros femeninos.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Cinco Haiku y una Copla China

Los Cinco Haiku y una Copla China, también conocido como Biombo de Poesía de Kawahigashi Hekigotō o 河東 碧梧桐書詩歌屏風, es un biombo datado en el año 1.929 d.C., perteneciente al arte japonés.

Cinco Haiku y una Copla China

Fue realizado por el poeta japonés Kawahigashi Hekigotō (河東 碧梧桐), durante el período Showa (昭和時代).

Se conoce que se encontraba en la galería de arte "Tessaidō Co., Ltd.", localizada en la ciudad de Kyoto (京都市), en Japón (日本).

En el año 2.013 d.C. fue comprado por los coleccionistas de arte estadounidenses Mary y Cheney Cowles.

Hasta que en el año 2.019 d.C. los Cinco Haiku y una Copla China fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura total de 154,7 cm y una anchura total de 140 cm.

Se trata de un biombo plegable de dos paneles que lleva una inscripción en escritura japonesa escrita con tinta sobre papel dorado.

El texto está compuesto por un total de seis poemas, cinco de los cuales son versos haiku (俳句) de estilo libre y un único verso chino que forma parte de un poema compuesto originalmente por el poeta chino Su Zhe (蘇轍).

Cabe resaltar que los caracteres deconstruidos se presentan escritos en columnas torcidas siendo un desafío a las normas caligráficas tradicionales de Asia oriental.

Se conoce que se utilizó un pincel que goteaba tinta con la finalidad de crear los ricos tonos de tinta y los trazos caligráficos que varían radicalmente en grosor.

Además fueron concebidos evitando deliberadamente la delicadeza caligráfica creando una impresión de diversión y un diseño casi abstracto.

Para finalizar subrayar que el estilo caligráfico del poeta japonés Kawahigashi Hekigotō (河東 碧梧桐) se encuentra influenciado por la caligrafía china de las seis dinastías, que se dice que fue introducida en Japón por el erudito y calígrafo chino Yang Shoujing (楊守敬 ) cuando visitó Japón en una misión diplomática.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Caja de Tabaco

La Caja de Tabaco, también conocida como 철제은입사담배합鐵製銀入絲煙草盒, es un recipiente datado aproximadamente en el siglo XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 1.900 d.C.), perteneciente al arte coreano.

Caja de Tabaco

Se conoce que fue fabricada en Corea del Sur al final de la dinastía Joseon, después perteneció a W.C. Salamé.

Hasta que en el año 1.905 d.C. la Caja de Tabaco fue adquirida por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte, dentro del departamento de arte asiático.

Descripción

Tiene una altura de 9 cm, una anchura de 8,70 cm y una longitud de 13,50 cm. Está fabricada en plata y hierro.

Se trata de un recipiente, es decir, es una caja de hierro con forma rectangular compuesta por un cuerpo y una tapa independientes, que era utilizada para guardar hojas de tabaco.

Toda la superficie exterior se encuentra ornamentada con diseños con incrustaciones de plata. Además se puede apreciar como en la parte superior de la tapa lleva el carácter "囍" (cuyo significado es "doble felicidad"), rodeado de diseños referentes a los "siete tesoros".

Se observa como hay representados patrones geométricos que adornan los bordes de la parte superior de la tapa, así como en sus cuatro lados.

El cuerpo de la caja fue realizado uniendo las placas de hierro. Aparte los bordes de cada uno de los lados del cuerpo de la caja están incrustados con patrones de grecas y con los diseños principales dispuestos en el centro de cada lado.

En el anverso se encuentra decorado con la figura de un ciervo bajo un pino, el reverso está ornamentado con la representación de una cierva bajo el sol y un pino, mientras que los dos laterales restantes están decorados con una tortuga sobre las olas bajo un acantilado rocoso y un par de grullas situadas entre bambú y pino.

Para finalizar subrayar que las paredes interiores de la caja están talladas con pequeños signos simbólicos, pero no hay patrones en el fondo de la caja.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

La Magdalena

La Magdalena, también conocida como María Maddalena, es un fresco datado aproximadamente entre los años 1.460 d.C. y 1.466 d.C., perteneciente al arte renacentista.

La Magdalena

Fue pintado por el pintor italiano Piero di Benedetto de'Franceschi (también conocido como Piero della Francesca). 

En el pasillo izquierdo cerca de la puerta que conduce a la sacristía de la Catedral de los Santos Pedro y Donato (también conocida como Catedral de Arezzo), edificada en el municipio de Arezzo.

Situado en la provincia de Arezzo, localizada en la región de la Toscana, en Italia.

La Magdalena

Descripción

Tiene una altura de 190 cm y una anchura de 105 cm. 

Está pintado al fresco.

Se trata de un fresco en el que aparece representada la figura de la discípula de Jesús de Nazaret, María Magdalena.

Está representada de pie entre una arcada ornamentada con motivos vegetales, además se observa un fondo de una balaustrada y un cielo azul.

En el rostro destacan la frente alta y noble, las cejas ligeramente levantadas, la mirada baja y los hoyuelos a los lados de la boca.

El cabello largo se encuentra peinado hacia atrás despejando el rostro, aparte los mechones del cabello le caen sobre los hombros y la espalda.

Se encuentra ataviada con un vestido verde de manga larga plisado y ceñido debajo del pecho por una banda o cinturón blanco. También lleva un manto rojo con un forro blanco anudado al cuello.

Con la mano derecha sujeta el manto rojo, mientras que con la mano izquierda sostiene un pequeño vaso o frasco de cristal utilizado para los ungüentos.

Cabe resaltar que el frasco hace referencia a los ungüentos utilizados para limpiar los pies de Jesucristo y cuya perspectiva se acentúa jugando con los efectos de la refracción de la luz.

Para finalizar con respecto a la composición destacar que el uso de la luz es clara y nítida lo que da a la policromía un tono delicado y armonioso.

El vestido verde representa el color simbólico de la fertilidad y el manto rojo simboliza el alto lugar en la jerarquía eclesiástica.

Actualmente se encuentra en la Catedral de los Santos Pedro y Donato, Italia.

Lápida Sepulcral Merovingia

La Lápida Sepulcral Merovingia es una lápida datada aproximadamente entre los siglos V d.C. y VI d.C. (período comprendido entre los años 401 d.C. y 600 d.C.), perteneciente al arte medieval.

Lápida Sepulcral Merovingia

En concreto se encuentra englobada dentro del arte prerrománico y dentro de éste pertenece al arte merovingio.

Se conoce que fue encontrada en la comuna de Saint-Acheul, situada en el distrito de Amiens, localizado en el departamento de Somme, en la región de Alta Francia (Francia).

Perteneció al coleccionista de arte francés Masse, después pasó a formar parte de la colección de arte del coleccionista de arte y empresario francés Charles Dufour.

Posteriormente la Lápida Sepulcral Merovingia fue comprada por el arqueólogo y geólogo inglés Sir John Evans.

Quién en el año 1.889 d.C. la donó al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 25,40 cm. Está fabricada en arcilla cocida, mediante las técnicas de horneado, incisión y tallado.

Se trata de una lápida sepulcral (también conocida como losa de sepultura) compuesta por un fragmento arquitectónico rectangular de teja de ladrillo reutilizado.

En el centro del anverso de la lápida se encuentra representado, en el interior de un círculo, el monograma crismón compuesto por las letras griegas "X" (ji) y "P" (rho). Además se aprecia como se encuentra acompañado de las letras del alfabeto griego α (alfa) y ω (omega).

Cabe destacar que las letras alfa y omega (la primera y la última letra del alfabeto griego) representan a Cristo como el principio y fin de todas las cosas.

También se puede observar como en la parte superior e inferior del anverso de la lápida se encuentra grabada la siguiente inscripción escrita en latín:

"VRSICINVS IACET CVM PACE"

Para finalizar con respecto al estado de conservación subrayar que aunque tanto la inscripción como  el monograma son visibles los bordes de la lápida se encuentran desgastados.

Aparte se puede apreciar como en la parte superior derecha de la lápida hay una grieta y pequeñas partes de la superficie del anverso de la lápida presentan pequeñas incisiones y desperfectos.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Placa con San Juan Evangelista

La Placa con San Juan Evangelista es una placa datada aproximadamente en el siglo IX d.C. (período comprendido entre los años 801 d.C. y 900 d.C.), perteneciente al arte medieval.

Placa con San Juan Evangelista

En concreto se encuentra englobada dentro del arte prerrománico y dentro de éste pertenece al arte carolingio.

Se conoce que fue fabricada en la ciudad de Aquisgrán (también conocida como Baños de Aquisgrán), localizada en el distrito de Colonia, en el estado de Renania del Norte-Westfalia (Alemania).

El 15 de diciembre del año 1.977 d.C. la Placa con San Juan Evangelista fue subastada por la casa de subasta Sotheby's de Londres (Gran Bretaña).

Siendo comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Placa con San Juan Evangelista

Descripción 

Tiene una altura de 18,3 cm, una anchura de 9,4 cm y un grosor de 0,7 cm. 

Está fabricada en marfil de elefante.

Se trata de una placa o panel rectangular que presenta el anverso grabado con una escena en la que aparece representado Juan el Evangelista, el autor del Evangelio según San Juan.

El evangelista se encuentra representado sentado en un trono colocado entre dos columnas clásicas con un arco y unas cortinas clásicas. Además está ataviado con una túnica amplia con numerosos pliegues.

Con la mano izquierda sostiene un libro abierto apoyado en sus rodillas, éste libro muestra el texto inicial de su evangelio.

Placa con San Juan Evangelista

Se puede leer:

"IN PR INCI PIO E RAT VER BVM"

También se puede apreciar como encima de la cabeza del evangelista se encuentra representado su símbolo (el águila). 

En el borde superior de la placa se encuentra la siguiente inscripción escrita en latín con letras toscas:

"MORE VOLANS AQVIL (A)E VERBVM PETIT ASTRA IOHAN(N)I(S)"

Cuya traducción aproximada es la siguiente:

"Volando a la manera de un águila, la palabra de Juan busca los cielos"

Placa con San Juan Evangelista

Para finalizar subrayar que algunos investigadores piensan que la Placa con San Juan Evangelista originalmente podría haber sido la portada de un libro.

Sin embargo otros investigadores argumentan que la Placa con San Juan Evangelista junto con tres placas más que representarían a los otros autores de los Evangelios, podrían haber formado originalmente las alas de un tríptico que flanqueaba el panel central dónde se encontraba una representación de la imagen de Cristo.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Jarra Hexagonal

La Jarra Hexagonal es un recipiente datado aproximadamente entre los siglos VI d.C. y VII d.C. (periodo comprendido entre los años 501 d.C. y 700 d.C.), perteneciente al arte medieval, en concreto al arte bizantino.

Jarra Hexagonal

Jarra Hexagonal

Los investigadores piensan que la Jarra Hexagonal pudo haber sido fabricada en la ciudad circasiana de Kfar Kama, localizada en la Baja Galilea del distrito norte de Israel.

Se conoce que perteneció a la colección de arte del diplomático, arqueólogo aficionado y soldado italiano-estadounidense Luigi Palma di Cesnola.

Hasta que en el año 1.899 d.C. la Jarra Hexagonal fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Jarra Hexagonal

Jarra Hexagonal

Descripción

Tiene una altura de 15,1 cm, una anchura de 8,6 cm y un grosor de 7,5 cm. 

Está fabricada en vidrio moldeado.

Se trata de una jarra, es decir, un recipiente con un cuerpo con forma hexagonal, con cuello y boca anchos y una asa.

El asa era utilizada para sostener y verter cómodamente con una mano el líquido del interior de la jarra y se encuentra situada opuesta a la boca de trébol de la jarra.

Jarra Hexagonal

Además cada una de las caras del cuerpo hexagonal se encuentra ornamentada por símbolos.

Se puede observar como hay representadas varios tipos de cruces y diversos patrones geométricos.

Cabe resaltar que los diseños en relieve del cuerpo hexagonal fueron realizados soplando vidrio fundido en un molde.

Con respecto a la finalidad se cree que la Jarra Hexagonal posiblemente fue elaborada como un símbolo para los peregrinos que visitaban los lugares sagrados de Jerusalén o para su uso en ritos funerarios.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que la cruz escalona representada en una de las caras del cuerpo puede representar la gran cruz erigida en el año 420 d.C. por el emperador Teodosio II (también conocido como "el Calígrafo") en Gólgota (también conocido como Calvario), el lugar dónde Cristo fue crucificado.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Frascos de Pigmentos Agrupados

Los Frascos de Pigmentos Agrupados es un recipiente datado aproximadamente entre los años 300 d.C. y 800 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte teotihuacán.

Frascos de Pigmentos Agrupados

En el año 1.960 d.C. el recipiente fue comprado por el fotógrafo Justin Kerr y la restauradora Barbara Kerr.

Hasta que en el año 2.018 d.C. fue donado por Dicey Taylor y Justin Kerr al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 7,6 cm, una anchura de 13,7 cm y un diámetro de 13,7 cm. 

Está fabricado en cerámica.

Se trata de un recipiente formado por un total de cinco vasijas globulares de cerámica, cuatro de ellas colocadas periféricamente para formar una huella cuadrada, estando la quinta vasija centrada y flotando ligeramente sobre sus contrapartes.

Frascos de Pigmentos Agrupados

Cabe destacar que juntas las vasijas forman un único recipiente de cinco lóbulos conocido como "quincunce".

Un símbolo de gran importancia cosmológica dentro de la sociedad teotihuacana.

Se puede apreciar como en el interior de las vasijas hay pequeñas cantidades de pigmento que cubren el fondo.

Además éstos pigmentos mantienen un brillo y una claridad excepcionales, lo que sugiere que el objeto fue utilizado solo una o dos veces.

Aunque algunos investigadores piensan que puede ser que originalmente fue muy utilizada y el pintor se aseguró cuidadosamente de que cada color de pigmento se asignara rutinariamente en su vasija asignada.

Se puede observar como las cuatro vasijas inferiores se han unido con pares de puntales sólidos que se extienden radialmente noventa grados desde los puntos medios del cuerpo de cada vasija.

Frascos de Pigmentos Agrupados

Mientras que la quinta vasija se uno a las vasijas inferiores con cuatro aplicaciones modestas de pasta de arcilla viscosa, en un punto que divide los ángulos de los puntales de conexión.

Las cortas paredes verticales sirven como labios que sobresalen de cada vasija en los que el artista parece haber refinado la punta de su pincel antes de pintar.

Además destacar que el mantenimiento deliberado de la separación entre los pigmentos figuraban entre los atributos más deseados de los pintores-escribas.

Para finalizar con respecto a la composición subrayar que la coloración rojo-anaranjado brillante del recipiente y la delgadez de la pared es una característica de la tradición cerámica de Teotihuacán que floreció en la segunda mitad del período clásico temprano (período comprendido entre los años 200 d.C. y 600 d.C.).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

La Virgen y el Niño

La Virgen y el Niño es una pintura datada entre los años 1.505 d.C. y 1.507 d.C., perteneciente al arte renacentista.

La Virgen y el Niño

Fue pintada por el pintor italiano Luca d'Egidio di Ventura de Signorelli (también conocido como Luca Signorelli o Luca da Signorelli).

Se conoce que la pintura fue en el año 1.507 d.C. regalada por el pintor a su hija posiblemente para celebrar el nacimiento de su hijo y nieto del artista.

En el año 1.857 d.C. por herencia pasó a pertenecer a Luigi Tommasi Cortona.

Después en el año 1.879 d.C. se encontraba en la colección de arte del Girolamo Tommasi Cortona.

En el año 1.823 d.C. la pintura pasó a pertenecer a la colección de Robert H. y Evelyn Beson, localizada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

En el año 1.927 d.C. La Virgen y el Niño fue vendida a la galería de arte de "Duveen" que tiene sedes en: la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América) y en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

En el año 1.928 d.C. fue comprado por un precio de $200,000 por el empresario, banquero, coleccionista de arte y filántropo alemán Jules Semon Bache.

Siendo en el año 1.949 d.C. cuando La Virgen y el Niño fue adquirida por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 51,4 cm y una anchura de 47,6 cm. Está pintada al óleo y oro sobre madera.

Se trata de una pintura en la que aparece representados la Virgen María en posición sedente con el Niño Jesús desnudo sentado en su regazo.

La Virgen está ataviada con un vestido rojo de mangas abollonadas y un borde blanco, sobre el que lleva un manto azulado que le rodea el cuerpo.

El cabello largo se encuentra recogido en un sencillo peinado que le despeja el rostro y el cuello. Además el rostro representado de perfil se encuentra inclinado ligeramente hacia abajo, destacan sobretodo el ojo semicerrado, la nariz recta, los labios pequeños y el mentón redondeado.

Cabe destacar que el fondo de cuadro está compuesto por decoraciones inspiradas en parte en motivos popularizados por el descubrimiento a finales del siglo XV d.C. de la Casa de Oro de Nerón (también conocida como Domus Aurea). 

Aparte representadas en las esquinas superiores de la composición se pueden ver como se encuentran representados dos medallones o monedas: el medallón de la izquierda representa la cabeza de perfil del emperador romano Tito Flavio Domiciano (también conocido como Domiciano), mientras que en el medallón de la derecha aparece representada la cabeza del político y militar romano Cayo Julio César (también conocido como Julio César).

Para finalizar subrayar que también se puede observar como en la esquina superior izquierda, alrededor del borde del medallón o moneda, se encuentra escrito parcialmente al revés la siguiente inscripción en latín:

"S·P·Q·R DOMICIANVS·II·IM· / S / C"

Cuya traducción aproximada es la siguiente:

"El Senado y el Pueblo de Roma. 

Domiciano, emperador en el segundo año de su reinado, por el decreto del Senado"

También en la esquina superior derecha, situada alrededor del borde del medallón o moneda se puede leer la siguiente inscripción en latín:

"S·P·Q·R·CHA·CHALI·IM AN·III·M·IIII / I C"

Su traducción aproximada es la siguiente:

"El Senado y el Pueblo de Roma.

Caracalla, emperador en el tercer año y cuarto mes de su reinado"

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Copa de Vidrio Merovingia

La Copa de Vidrio Merovingia es una copa datada aproximadamente en el siglo V d.C. (período comprendido entre los años 401 d.C. y 500 d.C.), perteneciente al arte medieval.

Copa de Vidrio Merovingia

En concreto se encuentra englobado dentro del arte prerrománico y dentro de éste pertenece al arte merovingio.

Se conoce que perteneció a la colección del coleccionista de arte francés Edouard Guilhou.

Después pasó a formar parte de la colección del coleccionista de arte e historiador francés Philippe Delamain.

Hasta que en el año 1.905 d.C. la Copa de Vidrio Merovingia fue adquirida por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña).

Descripción 

Tiene una altura de 10,40 cm. Está fabricada en vidrio.

Se trata de una copa de vidrio pálido traslúcido compuesta por cuatro partes: la base, el tallo, el cuenco y el borde.

Cabe destacar que el cuerpo es cilíndrico y acanalado oblicuamente con algunas zonas de cola blanca. El borde es ensanchado y la base redondeada con un pequeño tallo de varilla sobre el pie discoide (con forma redondeada).

Para finalizar subrayar que la Copa de Vidrio Merovingia es un recipiente utilizado para almacenar bebidas que originalmente podría haber sido utilizada por las clases más pudientes de la sociedad merovingia durante la celebración de banquetes.

Además resaltar que el tallo permite que el bebedor sostenga la copa sin afectar a la temperatura de la bebida que este consumiendo.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Peso de Bronce

El Peso de Bronce es un peso datado aproximadamente entre los años 475 a.C. y 425 a.C., perteneciente al arte etrusco.

Peso de Bronce

Cabe destacar que el año del hallazgo es desconocido, pero se conoce que fue encontrado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en la ciudad de Orvieto.

Localizado en la provincia de Terni, situada en la región de Umbría, en Italia.

También se conoce que el peso se encontraba en la colección de arte del político, diplomático italiano y I Príncipe de Canino y Musignano, Luciano Bonaparte.

Hasta que en el año 1.839 d.C. el Peso de Bronce fue adquirido por el Museo Británico (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Peso de Bronce

Descripción

Tiene una altura de 10,16 cm. Está fabricada en bronce.

Se trata de un pequeño peso de bronce con lazo para suspensión situado en la parte superior y que presenta la forma de una sirena. 

La sirena aparece representada de pie y apoyada sobre una pequeña base con forma de roca.  

Tiene un cuerpo de ave con las plumas finamente marcadas mediante incisiones y una cabeza de mujer. El cabello largo se encuentra recogido y atado con una diadema ornamentada con flores.

Además se observa como en el rostro destacan los ojos almendrados, la nariz recta, los labios carnosos y el mentón pronunciado.

Para finalizar subrayar que dentro de la mitología clásica las sirenas eran seres híbridos con rostro o torso de mujer y cuerpo de ave que tenían una melodiosa voz y habitaban en una isla rocosa del mar Mediterráneo frente a Sorrento, en el litoral de la Italia meridional. 

Aunque cabe resaltar que fue durante la Edad Media cuando las sirenas eran consideradas seres mitológicos marinos con apariencia de hermosas mujeres jóvenes con cola de pez, melodiosa voz y que habitaban en las profundidades marinas.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Samramansang 森羅萬象 Moon Jar

La Samramansang 森羅萬象 Moon Jar es una pintura datada aproximadamente entre los años 2.010 d.C. y 2.013 d.C., perteneciente al arte coreano.

Samramansang 森羅萬象 Moon Jar

Fue pintado por el pintor y artista coreano Kang Ik-Joong (también conocido como 강익중 o  姜益中).

Perteneció a la colección de arte de "Kang Collection Korean Art", una galería de arte ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 2.014 d.C. la pintura fue comprada por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

 

Descripción

Tiene una altura de 114,30 cm, una anchura de 114,30, un grosor de 6 cm y un peso de 40.80 kg. 

Está fabricada en madera policromada.

Se trata de una pintura con un fondo que consta de un total de 225 cuadrados cada uno de los cuales contiene la imagen de un Buda sentado.

Además se puede apreciar como los cuadrados están cubiertos en el centro con una imagen de un "moon jar", uno de los tipos coreanos más icónicos de vasijas de porcelana.

Aparte también toda la pintura está cubierta por una capa de flores blancas mezcladas con imágenes blancas de aviones de combate y helicópteros de ataque.

Para finalizar subrayar que la cerámica conocida como "moon jars" fue fabricada entre los siglos XVII d.C. y XVIII d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.800 d.C.) con la finalidad de ser utilizada para almacenar alimentos o exhibir flores.

También cabe enfatizar que durante la dinastía Joseon (período comprendido entre los años 1.392 d.C. y 1.897 d.C.) el blanco era un color popular que representaba los ideales confucianos de frugalidad y pureza.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Cuenco y Tapa Carolingio

El Cuenco y Tapa Carolingio es un recipiente datado aproximadamente en el siglo IX d.C. (período comprendido entre los años 801 d.C. y 900 d.C.), perteneciente al arte medieval.

Cuenco y Tapa Carolingio

En concreto se encuentra englobado dentro del arte prerrománico y dentro de éste pertenece al arte carolingio.

Cuenco y Tapa Carolingio

Lo primero que se conoce es que en el año 1.897 d.C. el Cuenco y Tapa Carolingio fue donado por el anticuario inglés Augustus Wollaston Franks.

Al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura total de 12,60 cm, un diámetro de 12 cm y un peso de 732,52 g.

Está fabricado en plata, oro y niello, mediante las técnicas de dorado, incrustación, nielado, martilleado e incisión.

Cuenco y Tapa Carolingio

Se trata de un recipiente compuesto por un cuenco y una tapa decorados con diseños en relieve.

El cuenco tiene forma rechoncha y sobresale cerca del fondo, se observa como en la parte superior del cuenco el labio está moldeado.

La superficie exterior se encuentra ornamentada por un patrón regular en el que cuatro paneles están separados a intervalos iguales por rollos de vid.

Dentro de cada panel hay un gran trébol de cuatro hojas que tiene en el medio una cruz con un rosetón en el centro y hojas entre los brazos.

Las ramas de vid brotan en espiral de las hojas de los cuadrifolios, además cada uno encierra un pájaro mirando hacia atrás y picoteando un racimo de uva.

Las enjutas se encuentran ocupadas por hojas de acanto, mientras que los tallos en su punto de contacto están unidos por bandas transversales en forma de collar que forman en el centro un patrón de rombos con lados curvados que encierran pequeños cuadrifolios.

Cuenco y Tapa Carolingio

Cabe resaltar que las figuras de los pájaros, los racimos de uvas y las hojas se encuentran nielados. Aparte el fondo ha sido raspado o limado.

La tapa es ligeramente abombada con un borde de pedrería y un asa vertical, se aprecia como en la parte superior de la tapa se encuentra un trébol de cuatro hojas nielado con un rosetón en el centro.

El adorno de la tapa es esencialmente el mismo que el del cuenco pero realizado en menor escala e igualmente se encuentra nielado, pero no tiene ninguna ornamentación compuesta por figuras de pájaros.

Tanto el fondo del cuenco como el interior del cuenco y la tapa son dorados.

Para finalizar subrayar que en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América) se encuentra la Tapa Carolingia con una forma y decoración similar a la tapa del Cuenco y Tapa Carolingio.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Espada Otoniana

La Espada Otoniana, también conocida como Espada Lincoln, es una espada datada aproximadamente en el siglo X d.C. (período comprendido entre los años 901 d.C. y 1.000 d.C.), perteneciente al arte medieval.

Espada Otoniana

En concreto se encuentra englobada dentro del arte prerrománico y dentro de éste pertenece al arte otoniano.

Lo primero que se conoce es que la espada fue hallada de manera accidental en el río Witham.

Frente a Monks Abbey, localizado en la ciudad de Lincoln, en el condado de Lincolnshire (Gran Bretaña).

En el año 1.848 d.C. la Espada Otoniana fue donada por I. Hayward al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Espada Otoniana

Descripción

Tiene una altura de 26,20 mm, una longitud de 915 mm, un grosor 7,50 mm, una anchura en la parte superior de la cuchilla de 60 mm, una anchura en la protección inferior de 118 mm y un peso de 1.214 g.

Está fabricada en hierro, plata, cobre.

Se trata de una espada de hierro de doble filo abatanada, con la guarda incrustada en aleación de plata y cobre y el pomo lobulado.

Además la hoja se encuentra completa y presenta un fuller (ranura longitudinal redondeada o biselada a lo largo de la hoja) en cada cara. 

También se observa como en la hoja hacia la empuñadura y dentro del batán hay una leyenda incrustada, mientras que en la otra cara, también dentro del batán, hay un doble rollo incrustado.

La guarda curvada hacia abajo de la espada está incrustada con una serie de rombos, se puede observar como cada rombo es de cobre y está rodeado por un borde de bronce martillado en un campo preparado con una trama cruzada.

Aparte el mismo patrón se encuentra en la protección del pomo, mientras que en el elemento central del pomo trilobulado aparece un rombo con incrustaciones similares, pero bastante alargado.

Espada Otoniana

Los elementos situados a cada lado del lóbulo central liso del pomo tienen dos surcos moldeados poco profundos.

Mientras que los surcos profundos de sección rectangular (entre el pomo y la protección del pomo y los tres lóbulos del pomo) originalmente podrían haber estados incrustados con una decoración de alambre retorcido.

El pomo se encuentra sujeto a la protección mediante dos remaches que han sido martillados justo debajo de la protección.

Además resaltar que la espiga o vástago (parte posterior del componente de la cuchilla) de la espada es plana y sencilla.

También cabe destacar que en la hoja de la espada se puede leer la siguiente inscripción: + LEUTLRIT.

Para finalizar subrayar que la empuñadura original no ha llegado hasta la actualidad, por lo tanto los investigadores piensan que la empuñadura es un añadido posterior.

Concretamente se considera que en realidad la espada fue fabricada por un herrero otoniano pero la empuñadura añadía a posterior fue fabricada por un artesano anglosajón.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Translated Vase_2018 TVG1

La Translated Vase_2018 TVG1 es una escultura datada aproximada en el año 2.018 d.C., perteneciente al arte coreano.

Translated Vase_2018 TVG1

Translated Vase_2018 TVG1

Fue creada por la artista, ceramista, vidriera, alfarera, escultora surcoreana Yeesookyung (이수경).

Se conoce que la escultura se encontraba en la galería de arte "MASSIMODECARLO", localizada en la ciudad de Londres, Gran Bretaña.

Hasta que en el año 2.020 d.C. la Translated Vase_2018 TVG1 fue comprada por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Translated Vase_2018 TVG1

Descripción

Tiene una altura de 48 cm, una anchura de 43 cm y una profundidad de 42 cm. 

Está fabricada en resina epoxi, pan de oro y gres, mediante las técnicas de vidriado y pegado.

Se trata de una escultura con forma de jarrón que ha sido fabricada a través de fragmentos de celadón unidos con resina epoxi y cubiertos con pan de oro de 24 quilates.

Translated Vase_2018 TVG1

Para finalizar subrayar que la escultura pertenece a la serie de obras "Translated Vase" de la artista Yeesookyung que ha creado esculturas combinando fragmentos de porcelana desechados y rotos.

Dando como resultado esculturas imperfectas y orgánicas en la serie en curso inspiradas en la tradición artesanal coreana de destruir las obras de cerámica que tienen fallas.

Para elaborar la Translated Vase_2018 TVG1 se ha utilizado resina epoxi y pan de oro de 24 quilates para pegar y cubrir las grietas del jarrón.

Además se usaron fragmentos de celadón adquiridos de Corea del Norte a través de la frontera con China.

Conectando así los eslabones perdidos entre los alfareros de Corea del Norte y los artistas de Corea del Sur, así como la historia desconectada de la nación dividida.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Anillo de Arquero Manchú

El Anillo de Arquero Manchú, también conocido como 清 扳指, es un anillo datado aproximadamente entre los siglos XVII d.C. y XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.900 d.C.), perteneciente al arte chino.

Anillo de Arquero Manchú

Anillo de Arquero Manchú

Se conoce que fue tallado por el artista y tallador de marfil chino Wen Zhao.

También se conoce que perteneció a la colección de arte del coleccionista, ingeniero minero, metalúrgico y autor de armas estadounidense George Cameron Stone.

Hasta que que a su muerte el 18 de noviembre del año 1.935 d.C. el Anillo de Arquero Manchú fue legado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Anillo de Arquero Manchú

Descripción

Tiene una altura de 2,9 cm, un diámetro de 3,3 cm y un peso de 25,5 g. 

Está fabricado en marfil.

Se trata de un anillo de arquero utilizado en el pulgar de la mano derecha que tiene la finalidad esencial de proteger el pulgar así como asegurar una liberación suave de la flecha al tirar con el arco.

Puesto que en el tiro de arco manchú la cuerda del arco se tira hacia atrás con el pulgar de la mano derecha y éste necesita protección.

El exterior del anillo se encuentra ornamentado mediante la escena de un paisaje tallado con dos figuras humanas en un primer plano y dos casas situadas en el medio.

Anillo de Arquero Manchú

También se encuentra decorado con una inscripción compuesta por diversos caracteres chinos tallados tanto en el exterior como en el interior del anillo.

Cabe resaltar que la inscripción consiste en una línea de poesía del pintor y calígrafo chino Su Shi (蘇軾).

"Las golondrinas chirriantes de la eminente familia Xie 

se reúnen en el magnífico salón"

Para finalizar subrayar que es conocido que todos los arqueros manchúes, incluso los aristócratas de más alto rango, preferían los anillos simples de hueso o asta para utilizarlos en la caza y la guerra.

Aunque en otras ocasiones llevaban anillos en el pulgar muy decorados y elaborados con materiales frágiles o preciosos (como el jade, el ámbar o el marfil).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Cápsula Visigoda

La Cápsula Visigoda es un recipiente datado aproximadamente entre los siglos VI d.C. y VII d.C. (período comprendido entre los años 501 d.C. y 700 d.C.), perteneciente al arte medieval.

Cápsula Visigoda

En concreto se encuentra englobado dentro del arte prerrománico y dentro de éste pertenece al arte visigodo.

Cápsula Visigoda

Se conoce que perteneció a la colección de arte del empresario, político y autor británico Robert Alistair McAlpine (también conocido como Lord Alistair McAlpine).

Hasta que en el año 1.900 d.C. la Cápsula Visigoda fue comprada por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Cápsula Visigoda

Descripción

Tiene una altura de 15 cm y un diámetro de 8,30 cm.

Está fabricada en aleación de cobre, mediante las técnicas de repujado, perforado y remachado.

Se trata de una cápsula con forma achatada compuesta por dos mitades originalmente articuladas.

Cápsula Visigoda

La superficie exterior de ambas mitades se encuentran totalmente ornamentadas.

Se puede apreciar como la ornamentación está compuesta por un patrón con motivos foliados y geométricos.

Aparte el borde es sombreado y la hebilla pequeña esta remachada a un lado con la bisagra rota en el otro lado.

También se observa como hay un anillo de alambre anudado deslizante con dos eslabones en forma de "S" de la cadena de suspensión.

Para finalizar subrayar que ambas mitades presentan parches de reparación de fibra de vidrio.

Además resaltar que los investigadores piensan que originalmente podría haber sido utilizado como un neceser de costura.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Vasija de Ave

La Vasija de Ave es una vasija datada aproximadamente en el siglo XII a.C. y IX a.C. (período comprendido entre los años 1.200 a.C. y 801 a.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte olmeca.

Vasija de Ave

Cabe resaltar que aunque el año del hallazgo es desconocido, se conoce que fue encontrada durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en la zona arqueológica de San Lorenzo.

Localizado en el sureste del estado de Veracruz (también conocido como Estado Libre y Soberano de Veracruz de Ignacio de la Llave), en México.

También se conoce que desde el año 1.973 d.C. perteneció a la colección de arte del coleccionista y químico suizo Marcel Ebnöether.

Hasta que en el año 1.986 d.C. la Vasija de Ave fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Vasija de Ave

Descripción

Tiene una altura de 16,5 cm, una anchura de 13,3 cm y un diámetro de 13,3 cm. Está fabricado en cerámica.

Se trata de una vasija de cerámica con la forma de ave rapaz, los investigadores piensan que podría ser la representación de un águila arpía.

La cámara de la vasija incluye una base cilíndrica, tal vez simbolizando un nido que se indica mediante diseños tallados e incisos compuestos por patrones lineales y áreas sombreadas.

El nido redondo está coronado por un pájaro sentado con las garras extendidas hacia los lados y las alas extendidas hacia ambos lados.

Vasija de Ave

Se aprecia como las largas plumas de la cola del ave se encuentran representadas derramadas por el costado del nido.

El pájaro está representado con el pico angosto y ganchudo, abierto exponiendo su lengua. Además la abertura del reciente es un agujero circular situado en la parte superior de la cabeza del ave.

Cabe resaltar que el ave parece completamente un pájaro, pero tiene orejas humanas que se extienden a ambos lados de la cabeza redondeada.

Las orejas tienen contornos y lóbulos estirados con depresiones que indican orejeras. 

Además enfatizar que los investigadores creen que la inclusión en la representación de los oídos parecidos a los humanos puede indicar la intención del artista de transmitir un momento de transformación de humano a animal.

Con respecto a la composición destacar que los diseños incisos indican las líneas de las plumas en las alas y la cola, también hay diseños incisos en la representación de los bordes del pico y en los ojos circulares.

Para finalizar subrayar que las águilas y otras aves rapaces eran poderosos símbolos en el arte olmeca, dónde marcaban el renio del cielo y la precisión de un cazador.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Espada (Falcata)

La Espada (Falcata) es una espada datada aproximadamente entre los siglos V a.C. y I a.C. (período comprendido entre los años 500 a.C. y 1 a.C.), perteneciente al arte íbero.

Espada (Falcata)

Perteneció a la colección del coleccionista de arte italiano Giovanni Pertinax Morosini, hasta que en el año 1.908 d.C. por descendencia pasó a la colección arte de su hija Giulia Pertinax Morosini.

Después en el año 1.932 d.C. la Espada (Falcata) fue legada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Espada (Falcata)

Descripción

Tiene una altura de 53,2 cm, la hoja presenta una altura de 43,2 cm, una anchura de 6,7 cm, un grosor de 2,1 cm y un peso de 473,4 g. 

Está fabricada en aleación de hierro.

Se trata de una espada conocida como falcata que presenta una hoja curva, simétrica y de doble filo que se inclina hacia la punta.

Además se aprecia como tiene el borde cóncavo cerca de la empuñadura, pero el borde convexo cerca de la punta.

También cabe resaltar que la empuñadura tiene forma de gancho. 

Sin embargo la empuñadura actual es fruto de una restauración puesto que se eliminó su pátina vieja y se agrego una empuñadura de madera moderna.

Para finalizar subrayar que la Espada (Falcata) se encuentra considerada uno de los mejores ejemplares de falcata que han llegado hasta la actualidad debido al excelente estado de conservación de su hoja que se encuentra estructuralmente intacta y sólo superficialmente corroída.

Aparte destacar que la falcata era un tipo de espada muy utilizada en la Península Ibérica y debido a la calidad del hierro utilizado en su creación, así como a su capacidad de corte y flexibilidad constituían una de las armas blancas más apreciadas en la antigüedad llegando a ser elogiadas por los cronistas romanos.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Orden Judicial

La Orden Judicial, también conocida como 마패 o 馬牌, es una autorización datada en abril del año 1.624 d.C., perteneciente al arte coreano.

Orden Judicial

Fue fabricado durante la dinastía Joseon (período comprendido entre los años 1.392 d.C. y 1.897 d.C.).

Se conoce que perteneció a la colección de arte y médico danés Dr. A. G. Poulsen-Hansen.

Hasta que en el año 1.992 d.C. la Orden Judicial fue donada al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección arte.

Descripción

Tiene una longitud de 11,90 cm, un grosor de 1,20 cm y un diámetro de 10,30 cm. 

Está fabricado en bronce.

Se trata de una orden judicial, es decir, es una orden de registro oficial para cinco caballos de silla fundida en bronce con forma circular o de medallón.

En el anverso situado dentro de un círculo aparecen representados en relieve la figura de cinco caballos de perfil situados uno encima de otro superpuestos entre sí.

En el reverso también dentro de un círculo hay una inscripción que dice: "El cuarto año de Cheonki", junto con el sello de Sangseowon, lo que demuestra que la orden judicial se elaboró en el año 1.624 d.C..

Orden Judicial

Para finalizar subrayar que durante la dinastía Joseon a los funcionarios del gobierno central, cuando viajaban por áreas regionales en servicio público, se les permitía usar caballos de silla mantenidos en estaciones de correos administradas por el gobierno.

El portador de la orden judicial, emitida por una agencia gubernamental denominada "Sangseowon" (Oficina de Sellos e Insignias), tenía derecho a utilizar el número de caballos tallados en la insignia.

Además generalmente el portador de la orden estaba acompañado por un empleado de la estación de correos que lo guiaba a la siguiente estación aproximadamente a 16 kilómetros de distancia.

Después el empleado regresaba a su estación de origen con el caballo a su cargo, mientras que el portador de la orden proseguía su viaje por otras estaciones hasta su destino final.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.