lunes, 26 de febrero de 2024

Folio de un Manuscrito del Corán

El Folio de un Manuscrito del Corán es un folio datado aproximadamente entre los siglos VIII d.C. y IX d.C. (período comprendido entre los años 701 d.C. y 900 d.C.), perteneciente al arte islámico, en concreto al arte omeya.

Folio de un Manuscrito del Corán

Cabe destacar que el origen del folio es desconocido, pero los investigadores piensan que el folio pudo haber sido escrito en Egipto o Iraq.

Lo que si se tiene certeza es que se encontraba en la colección de arte de la escritora, historiadora y coleccionista de arte Marilyn Jenkins-Madina.

Hasta que en el año 1.984 d.C. el Folio de un Manuscrito de Corán fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 21,6 cm y una anchura de 14,6 cm. 

Se trata del folio de un manuscrito del Corán escrito en escritura cúfica mediante la utilización de tinta negra y roja sobre un pergamino.

Destaca la caligrafía ancha y alargada que se extiende elegantemente a lo largo del pergamino con formato horizontal, mientras que el escriba omeya manipuló el ancho de las letras individuales con el fin de completar las líneas.

Además resaltar que la escritura cúfica más antigua carecía de puntos y signos que indicaran vocales y consonantes específicas, posiblemente porque las palabras en el folio funcionaban como una ayuda para la memoria de un texto que el lector ya se sabía de memoria.

Es más destacar que el alejamiento de ésta tradición oral se manifiesta en el Folio de un Manuscrito del Corán, que incluye puntos y marcas de colores para ayudar al lector a seguir el texto correctamente.

Para finalizar subrayar que si bien se conoce que los primeros Corán que se conservan fueron copiados en una escritura alta y estilizada conocida como "hijazi"  (también denominada "hejazi") sobre un soporte de pergamino vertical, tales preferencias se abandonaron durante el período omeya cuando los escribas desarrollaron el formato horizontal y la escritura cúfica que se puede apreciar en el Folio de un Manuscrito del Corán.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

domingo, 25 de febrero de 2024

Grotesco de Bronce

El Grotesco de Bronce es una escultura datada aproximadamente entre los siglos II a.C. y I d.C. (período comprendido entre los años 200 a.C. y 100 d.C.), perteneciente al arte griego.

Grotesco de Bronce

Grotesco de Bronce

Cabe resaltar que apenas se tiene conocimiento de la procedencia de la escultura, tan sólo se conoce que fue encontrada en el año 1.727 d.C..

Siendo lo siguiente conocido que en el año 1.912 d.C. el Grotesco de Bronce fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 10,2 cm, una anchura de 3,2 cm y un grosor de 2,2 cm. Está fabricado en bronce.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la figura de un grotesco en posición de pie. Destaca por su cabeza desproporcionadamente grande, en proporción con el cuerpo, con una nariz prominente y la boca entreabierta con los dientes caninos sobresaliendo.

Además se puede observar como el blanco de los ojos originalmente estaban incrustados en plata, mientras que el cabello y la barba alguna vez fueron representados con una incrustación de metal negro mate.

Aparte el área circular situada en la parte superior de la cabeza originalmente podría haber sido utilizada para un rizo de cabello adherido. También destacar que está ataviado con una prenda ajustada que revela su cuerpo deforme y utiliza en los pies grandes unas sandalias de tiras que permiten apreciar sus dedos.

Para finalizar subrayar que desde su descubrimiento en el año 1.727 d.C. la identidad de la figura del Grotesco de Bronce ha sido debatida.

La opinión académica predominante ha denominado a la figura mimo, sin embargo una sugerencia reciente es que la figura podría tratarse de una caricatura de un pedante alejandrino, es decir, de una persona que habría nacido en la antigüedad en la ciudad de Alejandría (Egipto).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

sábado, 24 de febrero de 2024

Casco del Tipo Montefortino

El Casco del Tipo Montefortino es un casco datado aproximadamente entre los siglos IV a.C. y III a.C. (período comprendido entre los años 400 a.C. y 201 a.C.), perteneciente al arte etrusca.

Casco del Tipo Montefortino

Casco del Tipo Montefortino

Lo primero que se conoce es que se encontraba en la colección de la galería de arte "Galerie Alfred Sambon", ubicada en la ciudad de París (Francia).

El 12 de diciembre del año 1.927 d.C. el casco fue comprado por el coleccionista de arte y fotógrafo francés Albert Lévy, después del año 1.930 d.C. pasó a ser propiedad de sus herederos.

El 8 de diciembre del año 2.008 d.C. el Casco del Tipo Montefotino fue vendido, por un precio de 8.000 francos suizos, en la subasta de arte ocurrida el "Hôtel des Ventes", localizado en la ciudad de Ginebra (Suiza).

Después el 29 de abril del año 2.010 d.C. el casco fue comprado por un precio de 18,750 libras esterlinas y pasó a formar parte de la galería de arte y antigüedades "Charles Ede Ltd.", situada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña). 

El 5 de julio del año 2.011 d.C. fue comprado por un precio de 37.000 libras esterlinas por el abogado, prehistoriador y filántropo estadounidense Malcom H. Wiener.

Hasta que en el año 2.015 d.C. el Casco del Tipo Montefortino fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Casco del Tipo Montefortino
(detalle)



Descripción

Tiene una altura de 17,8 cm, una anchura de 20 cm, un diámetro de 23,5 cm y un peso de 1.202 g. 

Está fabricado en bronce.

Se trata de un casco compuesto por un cuenco semiesférico de una sola pieza de bronce fundido, martillado, cincelado y grabado, que está rematado por un remate integral en forma de perilla y reborde en la parte trasera en una protección de nuca inclinada que se ensancha ligeramente hacia arriba.

Además el casco es robusto, mide un cuarto de pulgada de espesor en el borde, excepto en la parte trasera dónde se vuelve más delgado como resultado de haber sido martillado en un protector de nuca.

Aparte el remate en el ápice está decorado con una hilera de tres galones enmarcados por diseños semicirculares en la parte superior y por una banda estrecha en la parte inferior.

Se observa como cada uno de los galones está formado por dos segmentos grabados que se unen en la parte superior, mientras los diseños semicirculares que los rodean consisten en un estrecho arco hundido flanqueado por una línea grabada a cada lado.

Casco del Tipo Montefortino
(detalle)

También se aprecia como la estrecha banda debajo de los galones está delineada por dos líneas grabadas paralelas y grabadas con un sombreado.

El borde del casco está decorado con cinco bandas estrechas, todas separadas de las adyacentes por líneas grabadas, con la primera y tercera banda desde la parte superior hundidas.

La segunda banda está grabada con un patrón de espiga y la tercera banda ensanchándose sobre la nuca y encerrando un panel, relleno con un patrón de espiga grabado.

A cada lado del casco hay dos remaches de bronce con cabezas al ras, éstos conservan en su interior arandelas de bronce y fragmentos de bisagras de bronce para la fijación de las carrilleras, en la actualidad perdidas.

De manera similar, en el medio de la protección de la nuca hay un remache de bronce con una cabeza al ras que sostiene un lazo de bronce doble con bisagras en el interior, para sujetar las correas de la barbilla.

Para finalizar subrayar que el Casco del Tipo Montefortino probablemente se encuentra inspirado en prototipos celtas que fueron rápidamente adoptados por los etruscos y romanos. Es más éste casco destaca por su robustez, por su superficie intacta y por su ornamentación distintiva.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

viernes, 23 de febrero de 2024

Cabeza de Serpiente Emplumada

La Cabeza de Serpiente Emplumada es una escultura datada aproximadamente entre los siglos III d.C. y VIII d.C. (período comprendido entre los años 201 d.C. y 800 d.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte teotihuacán.

Cabeza de Serpiente Emplumada

Cabeza de Serpiente Emplumada

Lo primero que se conoce es que antes del año 1.893 d.C. la escultura formaba parte de la colección de arte "Louis Petich Collection", ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Entre los años 1.894 d.C. y 1.900 d.C. la Cabeza de Serpiente Emplumada fue cedida al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), hasta que en el año 1.900 d.C. finalmente la escultura fue adquirida por el museo pasando así a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una anchura de 52 cm, una longitud de 43 cm y un diámetro de 60 cm. Está esculpida en piedra volcánica dura.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la cabeza cuadrada y rugiente de una serpiente emplumada, con los ojos hundidos y rodeados de plumas, mientras que las fosas nasales están ensanchadas con una textura emplumada.

Las fauces fueron creadas tallando un espacio negativo entre los labios prominentes separados por una hendidura incisa. Además se puede observar como hay tres grandes colmillos a cada lado de las fauces, demarcados por agujeros profundos que conectan con la cavidad bucal principal.

Se puede apreciar como extendiéndose desde la ceja y curvándose formando un círculo detrás de la cabeza hay una línea de plumas. Destacar que la ceja emplumada es un motivo sobre serpientes que tiene una profunda antigüedad en el arte mesoamericano.

Con respecto a la composición destacar que la cabeza de la serpiente muestra rasgos convencionalizados consistentes con muchas de las formas zoomorfas y antropomorfas de la escultura y la pintura mural del arte teotihuacán.

Aparte en la superficie se pueden ver rastros de pigmento rojo en los colmillos frontales, lo que sugiere que alguna vez estuvieron pintados de colores brillantes.

Para finalizar subrayar que los constructores de la ciudad de Teotihuacán crearon balaustradas en forma de serpientes descendentes para que quienes entraran por una gran escalera fueran recibidos por las cabezas rugientes de reptiles monumentales y sobrenaturales.

También cabe resaltar que las serpientes emplumadas sobrenaturales ocupan un lugar destacado en el arte de teotihuacán y se asociaron con narrativas cosmológicas, gobernaciones y militarismo.

Es más resaltar que los arquitectos recrearon el paisaje sagrado de una pirámide como una montaña primordial con serpientes emplumadas que emergen de sus fachadas rocosas.

Cuando los gobernantes o líderes que subían o bajaban las escaleras flanqueandos por balaustradas de serpientes emplumadas se habrían centrado en éste paisaje de otro mundo para realizar representaciones rituales.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

jueves, 22 de febrero de 2024

Brazalete Indio

El Brazalete Indio es un brazalete datado aproximadamente entre los siglos XVII d.C. y XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.900 d.C.), perteneciente al arte indio.

Brazalete Indio

Brazalete Indio

Cabe destacar que del origen del brazalete sólo se conoce que fue fabricado en el Sur de la India, para ser propiedad de un miembro de la familia real india.

Lo siguiente que se conoce es que en el año 1.920 d.C. el Brazalete Indio fue donado por la coleccionista de arte británica Mrs H. Randolph Rose of Algiers al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 10,20 cm, una anchura de 6,80 cm y una profundidad de 6,90 cm. Está fabricado en oro, esmeralda y granate.

Se trata de un brazalete dorado, hueco con bisagras debajo y conectado por delante y por detrás. Además destacar que ha sido realizado mediante la técnica de repujado.

Está decorado en el centro con una máscara de kirttimukha (demonio con cuernos, boca abierta y grandes colmillos, cabe resaltar que la imagen es esencialmente un motivo ornamental en el arte indio) y figuras de yali (una criatura guardiana que protege a los seres humanos tanto física como espiritualmente, además de estar considerada una representación simbólica de la lucha del hombre con las fuerzas elementales de la naturaleza) situadas en los laterales.

Aparte se observa como ambos motivos mitológicos se encuentran rodeados de motivos vegetales y animales arremolinados. También se aprecia como el brazalete está engastado con esmeraldas y granates y se encuentra ricamente cincelado.

Para finalizar como curiosidad destacar que el Brazalete Indio fue obsequiado a la tía abuela de la donante por una princesa india hacia el año 1.820 d.C..

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

miércoles, 21 de febrero de 2024

Accesorio de Gorytus Dorado

El Accesorio de Gorytus Dorado es un accesorio datado aproximadamente entre los siglos V a.C. y IV a.C. (período comprendido entre los años 500 a.C. y 301 a.C.), perteneciente al arte escita.

Accesorio de Gorytus Dorado

Se conoce que fue hallado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en el yacimiento arqueológico de Takht-i Kuwad.

Localizado en el distrito de Kuliab, en Tajikistan (también conocida como República de Tajikistan).

También se sabe que perteneció a la colección de arte del arqueólogo, académico, militar, ingeniero y científico británico Maj-Gen Sir Alexander Cunnigham.

Después fue adquirido por el militar británico Francis Charles Burton.

Hasta que en el año 1.897 d.C. el Accesorio de Gorytus Dorado fue legado por el anticuario y militar británico Augustus Wollaston Franks al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 3,50 cm, una anchura de 2,50 cm, un grosor de 1 cm y un peso de 4 g. Está fabricado en oro.

Se trata de un accesorio de un gorytus compuesto por una placa recortada de oro con forma de cabeza de pájaro estilizado con un gran pico curvado y un cuello serpentino enrollado.

Además se puede apreciar como en la parte posterior de la placa hay un total de cinco pequeñas presillas para sujetarla o fijarla.

Con respecto a la funcionalidad destacar que posiblemente el Accesorio de Gorytus Dorado estaba adherido a una tela o cuero, y muy probablemente decoraba la parte superior de un gorytus o arco.

Para finalizar que los accesorios y placas para fijar a la ropa, los textiles y los arneses de los caballos son bien conocidas en contextos escitas, y las imágenes de cabezas de pájaro estilizadas con ojos redondos y saltones y picos ganchos son un rasgo característico del arte escita.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

martes, 20 de febrero de 2024

Vasija con Figura con Cabeza de Pájaro

La Vasija con Figura con Cabeza de Pájaro es una vasija datada aproximadamente entre los siglos III d.C. y VI d.C. (período comprendido entre los años 201 d.C. y 400 d.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte moche.

Vasija con Figura con Cabeza de Pájaro

Vasija con Figura con Cabeza de Pájaro

Lo primero que se conoce es que fue encontrada durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en el valle del río Moche, en la actual provincia de Trujillo, situada en el departamento de La Libertad, en Perú.

Poco después de su descubrimiento fue adquirida por el político estadounidense y vicepresidente de los Estados Unidos de América Nelson Aldrich Rockefeller.

Hasta que en el año 1.979 d.C. la Vasija con Figura con Cabeza de Pájaro fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 29,4 cm, una anchura de 21 cm y un diámetro de 26,4 cm. Está fabricada en cerámica, pigmento y barbotina.

Se trata de una vasija de cerámica que representa una figura sentada con cabeza de pájaro y cuerpo humano. Destaca como el artista moche esculpió una vasija con forma de cabeza de ave vestida con un atuendo de mujer moche consistente en una túnica larga y fajín.

Además la figura sostiene una jarra de cerámica decorada con un diseño sencillo en el cuello. Aparte se aprecia como el exterior de toda la botella está pintado con engobe color crema y ocre rojo y se pulió con una piedra lisa u otro instrumento antes de cocerla.

Con respecto a la composición destacar que es difícil identificar la especia de ave, aunque en general los artistas moche fueron a menudo bastantes precisos en su representación de animales específicos, éste ejemplo parece representar a un ave genérica.

Para finalizar subrayar que el significado de ésta representación antropomórfica no está claro, pero se conoce que los artistas moche a menudo mostraban animales en escenas de batalla, cazas y rituales.

Es más aves ataviadas de manera similar a la Vasija con Figura con Cabeza de Pájaro están ilustradas en varias cerámicas moche pintadas en un estilo conocido como línea fina, siendo en éstas escenas dónde las aves antropomorfas parecen ser asistentes rituales, intercambiables con asistentes femeninas.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

lunes, 19 de febrero de 2024

Brazalete Anular Vikingo

El Brazalete Anular Vikingo es un brazalete datado aproximadamente entre los siglos X d.C. y XI d.C. (período comprendido entre los años 901 d.C. y 1.100 d.C.), pertenece al arte medieval, en concreto al arte vikingo.

Brazalete Anular Vikingo
Brazalete Anular Vikingo

Fue hallado en el año 1.978 d.C. en la orilla del mar entre Goodrington y Brixham, en el suroeste de Gran Bretaña.

Se conoce que poco después de su hallazgo el Brazalete Anular Vikingo paso a pertenecer a la colección de arte de la coleccionista Mrs. K. Creasey.

El 10 de julio del año 1.979 d.C. el brazalete fue subastado por la casa de subastas Sotheby's de Londres, ubicada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña), siendo comprado, a través del comerciante de arte británico James Ede, por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Brazalete Anular Vikingo
(detalle)


Descripción

Tiene una altura de 11,50 mm, un diámetro de 92 mm y un peso de 114,90 g. 

Se trata de un brazalete anular de oro formado por tres varillas lisas retorcidas entre sí. 

Cada una de las varillas es más ancha en el centro y se estrechan hacia los extremos que se encuentran revestidos con láminas de oro, formando una perilla rectangular facetada.

El pomo presenta cuatro anillos-sellos, uno en cada esquina de un rombo en cada una de sus tres caras exteriores.

Con respecto al estado de conservación destacar que un trozo de alambre de oro fue retorcido a cada lado, pero solo sobrevive un lado. Además el anillo se encuentra ligeramente deformado.

También se puede apreciar como la superficie está desgastada y picada, aparte en la superficie hay rastros de un par de mellas.

Para finalizar subrayar que los análisis realizados por el Museo Británico de Londres al Brazalete Anular Vikingo han determinado que el brazalete es 99 por ciento de oro, con 1 por ciento de cobre y plata.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

domingo, 18 de febrero de 2024

Cubierta de Escudo Chimú

La Cubierta de Escudo Chimú es una cubierta datada aproximadamente entre los años 1.350 d.C. y 1.470 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte chimú.

Cubierta de Escudo Chimú

Lo primero que se conoce es que la cubierta fue hallada en la costa norte de Peru.

Después perteneció a la colección de arte de Alllan Caplan, ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.965 d.C. la Cubierta de Escudo Chimú fue comprada por el político estadounidense y vicepresidente de los Estados Unidos de América Nelson Aldrich Rockefeller.

Entre los años 1.965 d.C. y 1.969 d.C. fue cedida, para su exposición, al Museo Primitivo de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Un antiguo museo dedicado a las primeras artes de las culturas indígenas de África, América, Asia, Europa y Oceanía.

Hasta que en el año 1.978 d.C. la Cubierta de Escudo Chimú fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 31,8 cm, una anchura de 34,7 cm y un diámetro de 1,3 cm. Está fabricada en plata.

Se trata de una cubierta de escudo con forma circular que presenta el anverso totalmente ornamentado con cuatro bandas concéntricas que rodean un saliente central convexo. Hay un total de once discos que siguen uno de cuatro patrones iconógraficos distintos que presentan figuras con tocados de media luna, animales marinos y criaturas mitológicas.

El registro exterior se encuentra definido mediante una banda ondulada en forma de onda con lo que parece ser un motivo de borla o cordón en su interior. Además en los intersticios debajo de la banda ondulante se representa un ave costera, mientras que en los intersticios de arriba aparece una figura mitológica con pico y brazos levantados.

El segundo y mayor registro se compone de formas antropomorfas y zoomorfas alternadas. Las formas zoomorfas parecen ser una criatura mostrada de perfil y con un tocado en forma de media luna, que se cree que es un símbolo de rango o divinidad.

Se aprecia como una anguila o serpiente emerge de la boca de la criatura y una forma parecida a una serpiente, pero también es posible que la criatura simplemente esté representada mordiendo el cuerpo de una serpiente ondulante de dos cabezas.

La parte inferior del cuerpo de la criatura es tripartita con una sola pata central flanqueada simétricamente por cabezas zoomorfas de perfil adicionales con la boca abierta y los dientes al descubierto que se extienden hacia afuera y hacia abajo desde el cuerpo.

La figura antropomorfa lleva un tocado en forma de media luna y sostiene un bastón en cada mano, mientras que las duelas son probablemente formas vegetales con raíces parecidas a mazorcas de maíz.

Una forma de serpiente bicéfala, quizás una representación de un tipo de regalía ornamental, separa la cabeza del cuerpo.

La tercera banda presenta un patrón de trastes escalonados, se puede apreciar como las formas de los trastes están llenas de pequeños pájaros, monos y criaturas mitológicas.

La banda más interna consiste en un anillo de aves costeras que llevan tocados en forma de media luna y agarran pequeñas criaturas no identificadas, aunque se asemejan a lagartos.

Sobretodo llama la atención como la banda presenta una mayor variación de tamaño entre los motivos, como si el artista chimú que creó la Cubierta de Escudo Chimú hubiera tenido dificultades para espaciar los pájaros en la composición.

Con respecto a la composición destacar que originalmente el borde del disco estaba ligeramente doblado en dos lugares dándole a la cubierta una forma ligeramente ovalada. Aparte después de doblar así los bordes, se hicieron cinco pares de perforación más una única perforación situada cerca del borde del disco.

La decoración en relieve fue lograda trabajando la parte superior de la chapa desde la parte posterior, presionando el metal hasta convertirlo en un material flexible como la brea. 

También resaltar que los diseños se mejoraron aún más trabajando el disco desde el frente usando herramientas de calco para delinear las formas.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que la delgada Cubierta de Escudo Chimú plateada probablemente fue atada a un soporte o marco de bastón con el fin de crear un componente espectacular de la armadura ceremonial de un guerrero.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

sábado, 17 de febrero de 2024

Figura Sasánida de un Elefante

La Figura Sasánida de un Elefante es una figura datada aproximadamente entre los siglos VI d.C. y VII d.C. (período comprendido entre los años 501 d.C. y 700 d.C.), perteneciente al arte persa, en concreto al arte sasánida

Figura Sasánida de un Elefante

Figura Sasánida de un Elefante

Lo primero que se conoce es que en la década de 1.920 d.C. fue adquirido en la ciudad de Bagdad (Irak) por el arqueólogo e iranólogo alemán Ernst Emil Herzfeld.

En el año 1.944 d.C. la figura fue adquirida por el marchante y coleccionista de arte húngaro Joseph Brummer.

En el año 1.948 d.C. fue comprado por el jugador de tenis, inversor y coleccionista de arte estadounidense Alastair Bradley Martin.

Hasta que en ese mismo año, 1.948 d.C., la Figura Sasánida de un Elefante fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).


Descripción

Tiene una altura de 7,5 cm, una anchura de 3,9 cm y un grosor de 9,2 cm. Está fabricada en dolomita.

Se trata de una figura que representa a un elefante caminando, la pata trasera izquierda está ligeramente levantada y las otras tres patas se alternan hacia adelante y hacia atrás para crear la impresión de movimiento.

Aparte las cuatro patas se encuentran unidas a una base plana. También destaca como el cuerpo presenta forma de cápsula, mientras que la cabeza y las orejas están modeladas de forma realista.

Cabe resaltar que la representación de las orejas triangulares sugieren que se trata de un elefante asiático, más que un elefante africano.

El cuerpo presenta muchas arrugas incisas que se enroscan delante de la boca, se observa como le faltan los colmillos, pero presumiblemente podrían haber estado originalmente incrustados.

El elefante lleva un collar de cuentas y presenta una pequeña cavidad circular en la espalda, tal vez originalmente utilizada para sostener una figura realizada por separado, posiblemente un jinete.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que la figura podría ser una de las primeras piezas de ajedrez, puesto que el ajedrez se menciona por primera vez en un texto persa escrito durante el Imperio Sasánida.

El texto cuenta la historia de como el rey de la India envió el juego de ajedrez al rey de Persia, con el desafío de descubrir cómo se jugaba, siendo un hombre llamado Wuzurg-Mihr quién descubrió las reglas del juego e identificó explícitamente una de las piezas, ahora conocida como alfil, como un elefante.

Además se conoce que la mayoría de los primeros juegos de ajedrez tenían piezas abstractas que no se parecen a sus homónimos, pero ésta pieza podría ser una excepción. 

De hecho el tamaño de la Figura Sasánida de un Elefante sugiere que originalmente podría haber sido parte de un juego de ajedrez inusualmente grande.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

viernes, 16 de febrero de 2024

Bloque de una Cabra o Gacela

El Bloque de una Cabra o Gacela es un bloque datado aproximadamente entre los siglos XIII d.C. y XIV d.C. (período comprendido entre los años 1.201 d.C. y 1.400 d.C.), perteneciente al arte islámico, en concreto al arte ayubí.

Bloque de una Cabra o Gacela

Se conoce que fue realizado en la antigua ciudad de Fustat (también conocida como Fostat, Al Fustat, Misr Al-Fustat y Fustat-Misr). 

Ubicada en la actualidad en parte de la zona vieja de la ciudad de El Cairo, en Egipto.

Perteneció a la colección del coleccionista y marchante de arte islámico Dikran Garabed Kelekian.

El 21 de noviembre del año 2.015 d.C. fue vendido por la casa de remates "Le Chesnay Enchères", ubicada en la ciudad de Versalles (Francia).

Siendo comprado por la galería de arte "Sam Fogg", localizada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

Hasta que en el año 2.016 d.C. el Bloque de una Cabra o Gacela fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una 18,8 cm y una anchura de 18,8 cm. Está realizado en tinta y pigmento blanco sobre papel.

Se trata de un bloque de impresión que representa la figura de perfil de una cabra salvaje de Nubia o una gacela mirando hacia la izquierda sobre una página de papel marrón, grueso y quebradizo.

El animal tiene un gran ojo rodeado de blanco y franjas diagonales de color blanco que representan su pecho peludo.

Se aprecia como los cuernos se elevan desde su cabeza, ligeramente curvados, pero no son tan grandes ni redondeados como los de una cabra montesa adulta, por lo que se trata de la representación de una cria.

Además se puede observar otras marcas indicadas con color blanco que están situadas en el vientre, las patas, la cabeza y la grupa del animal.

Con respecto a la composición destacar que el tratamiento del ojo sugiere que se trata de una cabra salvaje de los Alpes, también conocida como capra nubiana, ya que esa especie tiene ojos marrones.

Cabe destacar que la tinta se ha filtrado por el lado izquierdo del papel, extendiéndose desde las patas traseras del animal, también en el lado derecho se ha filtrado justo a la altura del pecho, siendo visibles otras áreas de decoloración detrás de la cabeza y la cola.

Por otra parte los rastros de pigmento blanco alrededor del cuerpo del animal sugieren que originalmente el efecto de la silueta era más robusta que en la actualidad.

Para finalizar subrayar que a diferencias de muchos otros fragmentos elaborados en la antigua ciudad de Fustat el Bloque de una Cabra o Gacela se encuentra impreso, una técnica extremadamente rara dentro del arte ayubí y reservada casi exclusivamente a los amuletos. 

Si bien se conocen otras imágenes de animales pintadas o dibujadas que normalmente suelen estar asociadas con un texto.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

jueves, 15 de febrero de 2024

Botella (Florero) de Teotihuacán

La Botella (Florero) de Teotihuacán es una vasija datada aproximadamente entre los siglos I d.C. y V d.C. (período comprendido entre los años 1 d.C. y 500 d.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte teotihuacán.

Botella (Florero) de Teotihuacán

Se conoce que la vasija fue hallada durante unas excavaciones realizadas en el antiguo complejo arqueológico de Teotihuacán, localizado al nordeste de la Ciudad de México, en México.

También se conoce que después de su descubrimiento paso a ser propiedad del abogado y coleccionista de arte estadounidense Arthur M. Bullowa.

Hasta que en el año 1.979 d.C. la Botella (Florero) de Teotihuacán fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 12,1 cm, una anchura de 8,9 cm y un diámetro de 8,9 cm. 

Está fabricado en cerámica.

Se trata de una vasija de cerámica, denominada florero, que destaca por su pequeño cuerpo globular, por su elegante cuello largo y su borde muy acampanado.

Con respecto a la composición destacar que las líneas limpias de ésta vasija de cerámica son representativas de la estética refinada y abstracta que dominó el estilo artístico de Teotihuacán.

Aparte cabe destacar que la superficie lisa y brillante de ésta botella es el resultado de una técnica cerámica denomina bruñido. 

Además destacar que para pulir la Botella (Florero) de Teotihuacán se frotó con una piedra dura a lo largo de la superficie de arcilla sin cocer para alinear las pequeñas partículas que forman la "piel" del cuerpo de arcilla, cuando éstas partículas se alinean dan como resultado la superficie brillante de la vasija.

Para finalizar subrayar que se conoce que aunque el diseño de la Botella (Florero) de Teotihuacán puede haberse originado en otro lugar, los habitantes de la antigua ciudad de Teotihuacán produjeron floreros desde el siglo I d.C. (período comprendido entre los años 1 d.C. y 100 d.C.) hasta que la ciudad colapsó alrededor del año 750 d.C..

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

miércoles, 14 de febrero de 2024

Vasija con Cabeza de Pato

La Vasija con Cabeza de Pato es una vasija datada aproximadamente entre los siglos XII a.C. y IX a.C. (período comprendido entre los años 1.200 a.C. y 801 a.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte olmeca.

Vasija con Cabeza de Pato

Vasija con Cabeza de Pato

Lo primero que se conoce es que en la década de 1.960 d.C. (período comprendido entre los años 1.960 d.C. y 1.969 d.C.) fue adquirida por los coleccionistas de arte Albert J. Grant y Monique Grant

También se conoce que hasta el año 2.014 d.C. la Vasija con Cabeza de Pato formaba parte del fideicomiso revocable conjunto de Albert J. Grant y Monique Grant.

Hasta que en ese mismo año, 2.014 d.C., la vasija fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde paso a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 11,4, cm, una anchura de 7 cm y un diámetro de 6,4 cm. 

Se trata de una pequeña vasija negra que presenta la forma de un ave acuática que mira hacia arriba y la abertura del pico funciona como la apertura de la vasija.

La cabeza y el pico del pato se distinguen del cuello y la base circular con un engobe oscuro bruñido para crear una superficie brillante.

Los ojos del pájaro se encuentran mínimamente indicados con pequeños hemisferios elevados y el pico presenta una forma estilizada, con las partes superior e inferior delimitadas por amplias incisiones.

Con respecto a la composición destacar que se puede apreciar como la parte inferior contiene líneas incisas lineales y contorneadas, así como áreas de pigmento rojo.

Para finalizar subrayar que los patos y las aves representadas en el arte olmeca a menudo se asociaban con el viento, además se pensaba que servían con seres especiales que operaban en el aire, la tierra y el agua.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

martes, 13 de febrero de 2024

Hebilla de Cinturón Visigoda

La Hebilla de Cinturón Visigoda es una hebilla datada aproximadamente entre los años 550 d.C. y 600 d.C., perteneciente al arte medieval.

Hebilla de Cinturón Visigoda

En concreto se encuentra englobada dentro del arte prerrománico y dentro de éste pertenece al arte visigodo.

Hebilla de Cinturón Visigoda

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de "Robert Haber & Associates Ancient Art Inc." , ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.988 d.C. la Hebilla de Cinturón Visigoda fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde paso a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 13,6 cm, una anchura de 6 cm y un grosor de 2,9 cm. Está fabricada en aleación de cobre, granate, vidrio, latón, lapislázuli y huesos de sepia.

Se trata de una hebilla con forma rectangular que está ornamentada con un patrón de celdas, hay una única celda central rectangular rodeada por cuatro pequeños lóbulos redondos desde los cuales el resto del diseño cloisonné conduce hacia las esquinas.

La decoración se encuentra marcada por las incrustaciones de piedras de colores rojo, azul y verde, siendo la mayoría de las incrustaciones rojas translúcidas de la hebilla granates que han sido colocados sobre una lámina de oro estampada.

Se observa como el vidrio de color rojo intenso colocado en el centro está flanqueado por cuatro lóbulos de vidrio verde. A su vez éste motivo central se encuentra rodeado de granates cloisonné que a lo largo de los bordes se intercalan con vidrio verde y lapislázuli.

Las incrustaciones de las esquinas redondas y blancas presentan las cualidades del hueso de sepia, mientras que la placa de la hebilla, los cierres y el respaldo se encuentran fabricados en latón.

La placa se encontraba unida a la hebilla mediante una tira de metal doblada alrededor de la barra del bucle y sus extremos estaban soldados al frente de la placa.

Se piensa que la tira habría sido ranurada para permitir la entrada de la lengua. Aparte fundidos en la base de la lengua hay cuatro engastes para granates respaldados por papel de aluminio, del que tan sólo quedan dos.

Originalmente la placa se habría conectado al extremo de una correa (o cinturón) de cuero mediante cuatro pequeños alfileres, estando el lazo y la lengüeta unidas en el otro extremo. Es más la lengüeta habría perforado el cuero después de que la correa pasara alrededor del lazo y se anudara. 

Además los investigadores piensan que la Hebilla de Cinturón Visigoda podría haber sido utiliza en un cinturón que habría sujetado la túnica de una mujer, puesto que las hebillas de colores vivos con piezas de cristal y piedras incrustadas son características de la vestimenta utilizada por las mujeres visigodas, siendo un símbolo visible de rango y estatus social.

Con respecto a la composición destacar que aún quedan restos de dorado en la parte superior de los cloisonné, en los lados de la placa, la hebilla y la lengüeta.

Para finalizar subrayar que aunque la colección del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York incluye varios artículos de joyería pertenecientes al arte visigodo, la Hebilla de Cinturón Visigoda es el único ejemplo que por su buen estado de conservación es digno de exposición.

Además destacar que ésta pieza es excepcional por la rara utilización del lapislázuli, una piedra utilizada con mayor frecuencia en el arte bizantino.

El uso del lapislázuli en joyería, encontrado en ejemplos del arte romano y bizantino, puede ser un reflejo de la estrecha relación entre los reyes visigodos y los emperadores bizantinos.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

lunes, 12 de febrero de 2024

Cabeza de Leona

La Cabeza de Leona es una pieza datada aproximadamente entre los siglos VIII a.C. y VII a.C. (período comprendido entre los años 800 a.C. y 601 a.C.), perteneciente al arte mesopotámico, en concreto al arte asirio.

Cabeza de Leona
Cabeza de Leona

Fue hallada en el año 1.958 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas por el arqueólogo inglés Sir Max Edgar Lucien Mallowan.

En la antigua ciudad de Nimrud, localizada junto al río Tigris, ubicada a unos 30 km al sudeste de la ciudad de Mosul, en Irak.

En ese mismo año, 1.958 d.C., fue cedido en la división de hallazgos a la Escuela Británica de Arqueología en Irak.

Hasta que en el año 1.959 d.C. la Cabeza de Leona fue adquirida por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), debido a la aportación económica realizada por el museo a las excavaciones.


Descripción

Tiene una altura de 2,69 cm, una anchura de 3,2 cm y un grosor de 0,41 cm. Está fabricada en marfil.

Se trata de una pieza plana de marfil que representa la cabeza estilizada de una leona, vista desde arriba, con un disco central en la frente enmarcado por dos líneas verticales de curvas simétricas.

Tanto las orejas como la nariz son pequeñas y la atención se centran en los ojos grandes realzados por un par de cejas curvas.

Cabe resaltar que se piensa que originalmente los espacios tallados en los ojos, las cejas y el disco en la frente podrían haber tenido incrustaciones de vidrio policromado o piedras preciosas.

Para finalizar subrayar que la Cabeza de Leona fue encontrada en el interior de un almacén del Fuerte Shalmaneser, un edificio real de la antigua ciudad de Nimrud que era utilizado para almacenar el botín y los tributos recaudados por los asirios durante las campañas militares.

Además destacar que la pieza forma parte de uno de los veinte ejemplares casi idénticos encontrados en el mismo almacén, que seguramente fueron producidos en cantidades inusualmente grandes para un propósito desconocido.

Algunos investigadores piensan que es posible que la Cabeza de Leona tuviera la intención de evocar una conexión con la historia o el concepto comunicado por la poderosa figura representada en la placa plana, aunque no se puede descifrar su significado subyacente.

Sin embargo se conoce que las piezas de marfil talladas como ésta se utilizaron ampliamente en la producción de muebles o pequeños objetos preciosos como cajas pertenecientes a la élite de la sociedad asiria.

A menudo las piezas se incrustaban en un marco de madera y también se podían recubrir con láminas de oro o incrustaciones con la finalidad de crear un efecto deslumbrante de superficies relucientes y colores brillantes.

Es más enfatizar que la mayoría de las placas de marfil muestran imágenes y estilos relacionados con las artes del norte de Siria y las ciudades-estado fenicias.

Pero se sabe que también una gran parte de las piezas de marfil probablemente fueron recolectados por los reyes asirios como tributo de los estados vasallos y como botín de los enemigos conquistados, mientras que otra parte pudieron haber sido fabricadas en los talleres de la ciudad de Nimrud.

Lo que se conoce casi con certeza es que los colmillos de marfil que proporcionaron la materia prima para éstos objetos procedían de elefantes africanos, importados de tierras localizadas al sur de Egipto.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

domingo, 11 de febrero de 2024

Broche de Hierro Merovingio

El Broche de Hierro Merovingio es un broche datado aproximadamente en el siglo VII d.C. (período comprendido entre los años 601 d.C. y 700 d.C.), perteneciente al arte medieval.

Broche de Hierro Merovingio

En concreto pertenece al arte prerrománico y dentro de éste se encuentra englobado dentro del arte merovingio.

Broche de Hierro Merovingio

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección del marchante de arte alemán David Reiling.

En el año 1.902 d.C. el Broche de Hierro Merovingio fue comprado por el coleccionista de arte británico Max Rosenheim, para después en ese mismo año, 1.902 d.C. ser donado al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene un diámetro de 6,60 cm. Está fabricado en aleación de cobre, hierro y plata.

Se trata de un broche de hierro con forma de disco y una placa circular de bronce que funciona como base. Además presenta un total de tres zonas concéntricas de decoración compuesta por incrustaciones de plata. 

También se pueden apreciar como hay una disposición cruciforme formada por cinco remaches de aleación de cobre con cabeza abovedada, pero en la actualidad faltan dos cabezas abovedadas situadas en la parte inferior e izquierda del borde del broche.

Aparte está ornamentado con un patrón con forma de "panal" situado alrededor del remache central, se puede observar como hay decoración con formas de "T" en arcos y un patrón escalonado de puntos, mientras que el borde exterior tiene una decoración en forma de "L" entrelazadas y punteadas.

Para finalizar subrayar que se dice que el Broche de Hierro Merovingio fue descubierto en el valle del Mosela, una región ubicada en el noroeste de Francia, sureste de Alemania y este de Luxemburgo.

Sin embargo cabe resaltar que investigaciones recientes han demostrado que el proveedor de ésta información ha sido notoriamente poco fiable.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

sábado, 10 de febrero de 2024

Plato en Forma de Princesa

El Plato en Forma de Princesa, también conocida como Plato Policromado con Forma de Princesa o 色絵姫形小皿, es un plato datado aproximadamente entre los años 1.690 d.C. y 1.700 d.C., perteneciente al arte japonés.

Plato en Forma de Princesa
Plato en Forma de Princesa

En concreto fue elaborado durante el período Edo (江戸時代), período de la historia de Japón ocurrido desde el 24 de marzo del año 1.603 d.C. hasta el 3 de mayo del año 1.868 d.C..

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte de Edith Carpenter Macy.

Hasta que en el año 1.923 d.C. el Plato en Forma de Princesa fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Plato en Forma de Princesa

Descripción


Tiene una altura de 4,4 cm, una anchura de 20,3 cm y una longitud de 28,6 cm. 

Se trata de un plato de porcelana con forma de una dama de la corte del período Heian (平安時代).

En la parte interior del plato se puede observar como se encuentra ornamentado con la figura de una mujer con el cabello negro largo, sólo corto a los lados de la cara en forma de capas.

En el rostro destacan las cejas, los ojos rasgados, la nariz recta y el labio superior rojo. Aparte destaca como con la manga derecha del kimono se tapa ligeramente la parte inferior del rostro, ocultando parte de su boca, barbilla y cuello.

Se encuentra ataviada con un jūnihitoe (十二単衣) un kimono muy elegante utilizado solo por las damas de la corte en Japón y compuesto por diferentes capas de seda, algunas de ellas decoradas con patrones bordados con motivos geométricos y vegetales.

Mientras que la parte exterior del cuerpo del plato se encuentra ornamentada con un diseño compuesto por motivos vegetales de esmalte azul vidriado que resaltan sobre el fondo blanco de porcelana.

Cabe destacar que aunque el período Heian (平安時代) ocurrió varios siglos antes de que se hiciera el Plato en Forma de Princesa, ése período fue recordado como un punto culminante en la cultura japonesa.

Se conoce que era una época de vibrante vida cortesana, en la que las damas de la corte se involucraban en actividades literarias y la gente del período Edo (江戸時代), cuando se fabricó el Plato en Forma de Princesa, habría reconocido la apariencia de una mujer noble Heian por los pergaminos que representaban historias de esa época. 

Para finalizar subrayar que gracias a la inscripción situada en la base del plato se puede afirmar que el Plato en Forma de Princesa fue fabricado en los hornos de Arita, que se asocian principalmente con porcelana de exportación.

Sin embargo se conoce que el plato estaba destinado a un comprador japonés, puesto que durante la época en que se elaboró las exportaciones de porcelana se estaban desacelerando y en cambió se centraban en el mercado interno.

Además el tema histórico y la forma única del plato sugieren que pudo haber sido un encargo privado de un cliente japonés. 

Es más se conocen varios platos con diseños similares y los investigadores consideran que se podría tratar de un significado auspicioso y se presentaban como obsequio a los niños en las festividades.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

viernes, 9 de febrero de 2024

Colgante de Cuchara Ritual

El Colgante de Cuchara Ritual es un colgante datado aproximadamente entre los siglos X a.C. y IV a.C. (período comprendido entre los años 1.000 a.C. y 301 a.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte olmeca.

Colgante de Cuchara Ritual
Colgante de Cuchara Ritual

Lo primero que se conoce que perteneció a la colección de la coleccionista de arte Frances Pratt, ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.965 d.C. fue comprado por el político estadounidense y vicepresidente de los Estados Unidos de América Nelson Aldrich Rockefeller.

Entre los años 1.965 d.C. y 1.978 d.C. el colgante fue cedido, para su exposición, al Museo de Arte Primitivo de Nueva York (Estados Unidos de América), un antiguo museo dedicado a las artes de las culturas indígenas de África, América, Asia, Europa y Oceanía.

Hasta que en el año 1.979 d.C. el Colgante de Cuchara Ritual fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción


Tiene una altura de 16,8 cm, una anchura de 4,4 cm y un grosor de 0,6 cm. Está fabricado en jadeíta, mediante las técnicas de incisión, pulido y tallado.

Se trata de un pequeño colgante en forma de "T" que toma la forma de una ostra alada (también conocida como ostra perlera alada) representada en una piedra jadeíta translúcida de color azul verdoso.

Llama la atención como la parte central de la "T" asimétrica se encuentra marcada por una depresión, que señala el interior del bivalvo, lo que le valió a éste tipo de obras el sobrenombre formal de colgantes de "cuchara".

Con respecto a la composición destacar que el escultor olmeca representó hábilmente la bisagra en forma de cresta del bivalvo hacia la parte superior de la cuchara.

El jade azul verdoso representaba la fertilidad agrícola del maíz en el arte olmeca, por lo que el escultor creó una metáfora visual y material en capas de la generosidad y la abundancia marina.

Además el colgante transmitía éste poder simbólico al usuario y varias líneas de evidencias sugieren que estos valiosos objetos se transmitieron de generación en generación y se comercializaron ampliamente como artículos de lujo.

Para finalizar subrayar que las representaciones de individuos en la escultura olmeca presentan colgantes que se usan como pectorales y culturas posteriores del arte mesoamericano crearon colgantes similares en forma de "T".

Es más es conocido que la forma de "T" en la escritura jeroglífica maya se leía como " ik' " (cuya traducción sería "viento" o "aliento"). 

Aparte más allá del poder simbólico como elementos de privilegio social, se ha identificado que los colgantes tenían muchas otras funciones como por ejemplo: 
  • Receptáculos como bandejas para rapé, de los cuales los practicantes del ritual inhalarían sustancias alucinógenas.
  • Paletas de pinturas utilizadas por los escribas.
  • "Listones" de cuchara que funcionaban como instrumentos de tejido para textiles.
Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

jueves, 8 de febrero de 2024

Figura Femenina Arrodillada

La Figura Femenina Arrodillada es una escultura datada aproximadamente entre los siglos XIX d.C. y XX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 2.000 d.C.), perteneciente al arte africano.

Figura Femenina Arrodillada

Fue esculpida por el pueblo Bembe (Bábeme en plural), un grupo étnico ubicado en el este de la República  Democrática del Congo y la región occidental de Katavi en Tanzania.

Lo primero que se conoce es que formo parte de la colección de arte del comerciante y coleccionista estadounidense Julius Carlebach.

En el año 2.014 d.C. fue comprada por la coleccionista de arte Marian Papp.

Hasta que en el año 2.015 d.C. la Figura Femenina Arrodillada fue adquirida por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).


Descripción

Tiene una altura de 8,9 cm, una anchura de 4,1 cm y un grosor de 2,9 cm. Está fabricada en madera, mediante las técnicas de incisión, grabado y tallado.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que ha sido tallada en una única pieza de madera y que representa la figura de una mujer arrodillada con los brazos en alto y las manos apoyadas en la parte superior de la cabeza.

Figura Femenina Arrodillada

Se puede apreciar como su abdomen y la parte superior del pecho se encuentran realzados mediante cicatrices.

Aparte cabe resaltar que le falta la parte inferior de ambas piernas y parecen que han sido rotas o extirpadas intencionalmente hace mucho tiempo, posiblemente poco después de ser tallada.

Con respecto a la composición resaltar que originalmente la madera se encuentraba cubierta con una fina capa de pigmento o tinte negro, ahora tenue.

Aunque actualmente hay una capa brillante que recubre la superficie exterior de la escultura y que ha sido un añadido posterior.

También resaltar que las extensas cicatrices que adornan partes de su torso son características de la escultura de Bembe.

Para finalizar subrayar que las diminutas figuras Bembe de madera de la República del Congo son representaciones de antepasados, tanto masculinos como femeninos.

Es más destacar que se conoce que las figuras femeninas suelen ser representadas erguidas y con los brazos extendidos hacia adelante. 

Además la Figura Femenina Arrodillada está considerada un ejemplo inusual de éstas representaciones debido a sus rasgos suaves y el gesto distintivo de las manos colocadas en la parte superior de la cabeza.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

miércoles, 7 de febrero de 2024

Idiófono de Benin

El Idiófono de Benin es un instrumento musical datado aproximadamente entre los siglos XVI d.C. y XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.501 d.C. y 1.900 d.C.), perteneciente al arte africano.

Idiófono de Benin

Idiófono de Benin

Idiófono de Benin

Idiófono de Benin

Se conoce que el instrumento fue adquirido en el año 1.897 d.C. por los soldados ingleses durante la expedición británica al antiguo Reino de Benin (también conocido como Reino Edo), situado al sudoeste de la actual Nigeria, y llevado en ese mismo año, 1.897 d.C., a Gran Bretaña.

En el año 1.898 d.C. el Idiófono de Benin fue donado al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña) por el académico y coleccionista de arte británico James Edge-Partington.

Idiófono de Benin


Descripción

Tiene una altura de 31,50 cm, una anchura de 4,30 cm y un grosor de 3,90 cm. 

Está fabricado en marfil de elefante, mediante las técnicas de incisión, tallado y grabado.

Se trata de un idiófono, es decir, un instrumento musical fabricado en marfil de elefante con un mango tubular hueco y perforado alrededor de la base.

Está coronado por la figura de pie de la Reina Madre Iyoba de Benin (una importante figura femenina en el sistema de jefatura del Reino de Benin) con insignias de cuentas de coral y una distintiva corona cónica. Además la figura sostiene un gong doble en la mano izquierda que golpea con una maza sostenida en su mano derecha.

Con respecto al estado de conservación destacar que en general se encuentra en buen estado, pero se puede observar como la superficie frontal se encuentra desgastada, especialmente en la cara y el torso de la figura de Iyoba.

También se aprecia como la esquina delantera derecha del pedestal está desconchada y hay pequeñas divisiones no móviles en la superficie del marfil por todas partes.

Para finalizar subrayar que se conoce que los idófonos de mano conmemoran un acontecimiento importante en la historia del Reino de Benin, la victoria del Oba Esigie sobre el reino de Igala ocurrida a principios del siglo XVI d.C. (período comprendido entre los años 1.501 d.C. y 1.515 d.C.). 

Se dice que en el camino a la batalla, el Oba Esigie y su ejército se encontraron con el "pájaro de la profecía", que predijo el desastre para Benin, pero en lugar de someterse a éste destino el Oba Esigie ordenó matar al pájaro y derrotó a su enemigo.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

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Aristóteles contemplando el Busto de Homero es una pintura datada en el año 1.653 d.C., perteneciente al arte barroco . Aristóteles contemp...