La Negación de San Pedro

La Negación de San Pedro es una pintura datada en el año 1.610 d.C., perteneciente al arte barroco.

La Negación de San Pedro

La Negación de San Pedro

Fue pintada por el pintor italiano Michelangelo Merisi da Caravaggio (también conocido como Caravaggio).

Se conoce que en el año 1.612 d.C. la pintura se encontraba en posesión del pintor y grabador italiano Luca Ciamberlano.

Para saldar parte de una deuda el cuadro fue aceptado como pago, con una valoración de 240 escudos, por el pintor italiano Guido Reni, pasando a formar parte de su colección de arte ubicada en la ciudad de Roma (Italia).

Entre el año 1.624 d.C. y 1.632 d.C. se encontraba en el Palazzo Savelli, situado en la ciudad de Roma (Italia), propiedad del cardenal Paolo Savelli.

En el año 1.632 d.C. pasó por herencia a ser propiedad de su hermano Federico Savelli, quién a su vez se la dejó a su sobrino el líder militar italiano, comandante de las tropas papales y cardenal católico Fabrizio Savelli, quién lo trasladó al Palazzo di Montesavello, edificado en la ciudad de Roma (Italia).

Formó parte de la colección Savelli, hasta que en el año 1.650 d.C. la colección fue puesta a la venta al duque de Módena y el cuadro debió ser vendido poco después.

Un documento afirma que el 28 de septiembre del año 1.655 d.C. La Negación de San Pedro fue vendida por el arquitecto y escultor italiano Cosimo Fanzago.

Poco después de la Segunda Guerra Mundial (conflicto militar global comprendido entre el 1 de septiembre del año 1.939 d.C. y el 2 de septiembre del año 1.945 d.C.), en el año 1.952 d.C., la pintura fue comprada por el coleccionista y aristócrata italiano Vicenzo Imparato Caracciolo de Nápoles, en el mercado de arte napolitano como una obra anónima de un anticuario.

En el año 1.964 d.C. la pintura formaba parte de la colección de la coleccionista de arte y aristócrata italiana Elena Imparato Caracciolo, pasando a parte de su colección de arte ubicada primero en la ciudad de Nápoles (Italia) y después en las ciudades de Milán (Italia) y Lausana (Suiza).

En el año 1.970 d.C. La Negación de San Pedro fue comprado el marchante y coleccionista de arte Ian Dik, formado parte de su colección localizada en la ciudad de Lausana (Suiza).

En el año 1.976 d.C. la pintura fue vendida al coleccionista de arte y marchante alemán Herman Shickman, pasando a formar parte de la colección de arte de Lila & Herman Shickman.

Hasta que en el año 1.997 d.C. la pintura fue donada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 94 cm y una anchura de 125,4 cm. Está pintada al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa a una mujer, situada en el medio, que acusa al apóstol San Pedro de ser seguidor de Cristo en presencia de un soldado ataviado con coraza y casco.

Cabe destacar que la escena representada está narrada en los Evangelios y se refiere a la negación de la acusación por parte de San Pedro.

Es decir, hace referencia al episodio de que cuando Cristo fue arrestado, Pedro lo siguió hasta el patio "dónde estaba Ana". Allí fue acusado en tres enfrentamientos separados de ser un discípulo de Jesús. Dónde Pedro negó cada uno de ellos y así cumplió la profecía de Cristo de que antes de que el gallo cantara lo negaría tres veces.

Con respecto a la composición destacar que la mujer está pintada mitad en la luz y mitad en la sombra, colocando la luz como protagonista importante del cuadro.

Además al fondo se ve una chimenea toscamente pintada de dónde salen algunas chispas de fuego que brillan detrás de los personajes, en particular detrás del apóstol Pedro, que con ambas manos sobre el pecho jura que no es seguidor de Cristo.

También resaltar el uso de la técnica del clarooscuro, con el uso de contrastes fuertes entre los volúmenes (unos iluminados y otros ensombrecidos), creando efectos de relieve y modelado de las formas a través de la graduación de tonos lumínicos.

Para finalizar subrayar que antes del año 1.958 d.C. la pintura estaba catalogada como una obra de arte anónima, pero después de una restauración ocurrida entre los años 1.959 d.C. y 1.964 d.C., la pintura fue atribuida al pintor italiano Michelangelo Merisi da Caravaggio (también conocido como Caravaggio) por el historiador de arte italiano Roberto Longhi.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

La Cabeza de Medusa

La Cabeza de Medusa, también conocida como Escudo con la Cabeza de Medusa, es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.597 d.C. y 1.598 d.C., perteneciente al arte barroco.

La Cabeza de Medusa

Fue pintada por el pintor italiano Michelangelo Merisi da Caravaggio (también conocido como Caravaggio).

Lo primero que se conoce es que la pintura fue encargada por cardenal y diplomático italiano Francesco Maria Bourbon del Monte Santa Maria.

El 25 de julio del año 1.598 d.C. la pintura fue regalada al tercer Gran duque de Toscana Fernando I de Médici, pasando a formar parte de la colección de arte de los Médici.

Siendo colocada en la "Sala dell'Armeria", ubicada en el Museo Nacional de Bargello, en la ciudad de Florencia (Italia).

Hasta que en el año 1.908 d.C. La Cabeza de Medusa pasó a formar parte de la colección de Galería Uffizi, localizada la ciudad de Florencia, en Italia

Descripción

Tiene una altura de 60 cm y una anchura de 55 cm. Está pintada al óleo sobre lienzo, madera y pan de oro.

Se trata de una pintura con forma circular que representa el tema mitológico de Medusa (una de las tres gorgonas que tenía el poder de poder petrificar a quien posara su mirada en ella) en el momento en el que es decapitada por el héroe y semidiós griego Perseo.

La pintura está destinada a adornar un escudo de madera, por lo que la superficie de la pintura es convexa cuya circunferencia es 15 cm más baja que el centro de 5 cm.

Se puede observar como la pintura capta el momento en el que Medusa es decapitada, la sangre fluye por la parte inferior del cuello, el cabello se encuentra representado por serpientes agitadas, la boca abierta, los ojos en blanco y las cejas fruncidas.

Aparte se aprecia como las serpientes son representaciones de víboras comunes y al estar representadas erguidas evocan un efecto trampantojo, es decir, la superficie parece moverse mientras la sangre ya se encuentra coagulada.

Es más la cabeza no se encuentra representada verticalmente, sino que está orientada en un ángulo de unos quince grados a la derecha, siendo ésta orientación deseada por el posicionamiento inicial de las asas destinadas a agarrar el escudo y dan a la pintura un efecto relieve que da la ilusión de una superficie cóncava.

La banda situada en el borde exterior se encuentra ornamentada mediante una cenefa de follaje realizada mediante pan de oro, además originalmente el reverso del escudo se encontraba acolchado con terciopelo, raso de seda y cuero del que tan solo se conservan algunos fragmentos.

También cabe resaltar que debido al atentado ocurrido en "vía dei Georgofili"en el año 1.993 d.C., realizado por la mafia siciliana, situada cerca de la Galería Uffizi, en la ciudad de Florencia (Italia).

La Cabeza de Medusa sufrió pequeños daños estructurales que comprometieron su ya precario estado de conservación, por lo que se realizo una restauración que finalizó en el año 2.002 d.C..

En la restauración realizada por Stefano Scarpelli bajo la dirección de Caterina Caneva se pudo determinar que para su fabricación fue utilizado un torno con el que tradicionalmente se realizaban los escudos de armas del siglo XVI d.C. (período comprendido entre los años 1.501 d.C. y 1.600 d.C.).

Aparte como curiosidad destacar que la restauración costo 250.000 euros, de los cuales 185.000 euros fueron financiados por el mecenazgo de una empresa italiana de alquiler de coches y 65.000 euros por los visitantes de la Galería Uffizi de la ciudad de Florencia (Italia). 

Con respecto a la composición destacar que dentro del ámbito humanístico el tema de Medusa tenía un valor simbólico como alegoría de la prudencia y la sabiduría.

Además se conoce que ésta simbología era muy conocida y se encontraba presente en numerosos tratados de pintura de la época, de hecho en el "Dialogo dei colori" del escritor italiano Ludovico Dolce (también conocido como Lodovico Dolce), escrito en el año 1.565 d.C., se lee que la Medusa representa la prudencia adquirida a través de la sabiduría.

Es más resaltar que aunque la imagen de Medusa era muy utilizado en las justas y torneos la pintura de La Cabeza de Medusa no fue concebida para ser utilizada en torneos sino que fue elaborada como un objeto decorativo.

También de la composición destacar que la pintura es célebre por el tratamiento del tema y la fuerza de expresión de Medusa, así como la habilidad necesaria del autor para realizar el retrato en la superficie convexa del escudo.

Para finalizar subrayar que existen dos versiones de la obra realizadas por el pintor italiano Michelangelo Merisi da Caravaggio (también conocido como Caravaggio).

La primera obra fue realizada entre los años 1.596 d.C. y 1.598 d.C. conocida como Medusa Murtola  mientras que la segunda obra fue realizada entre los años 1.597 d.C. y 1.598 d.C. conocida como La Cabeza de Medusa, siendo una pintura inspirada en la primera obra.

Actualmente se encuentra en la Galería Uffizi de la ciudad de Florencia, Italia.

Medusa Murtola

La Medusa Murtola es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.596 d.C. y 1.598 d.C., perteneciente al arte barroco.

Medusa Murtola

Fue pintada por el pintor italiano Michelangelo Merisi da Caravaggio (también conocido como Caravaggio).

Cabe destacar que no se conoce para quién fue pintada, ni quien fue su primer dueño.

Lo primero que se sabe es que en el año 1.994 d.C. la Medusa Murtola apareció en el mercado romano (Italia).

Pero no fue autentificada hasta unos diez años después mediante un examen que corroboró la autenticidad de la pintura.

Además destacar que durante los exámenes y análisis radiográficos y reflectográficos se atestiguaron numerosos retoques y correcciones.

Descripción

Tiene un diámetro de 48 cm y un borde de 1,7 cm. Ha sido pintada al óleo sobre lienzo y madera de chopo.

Se trata de una pintura circular que representa el tema mitológico de Medusa (una de las tres gorgonas que puede convertir en piedra a quién pose su mirada en ella) y el héroe y semidiós griego Perseo, en el momento en que la gorgona muere decapitada a manos del héroe.

Medusa se encuentra representada decapitada con la sangre fluyendo por la parte inferior de cabeza, también se puede observar como debajo de los flujos de la sangre de Medusa se puede leer la firma del autor: "Michel A.F.", es decir, "Michelangelo fecit".

En el rostro destacan la boca abierta, los ojos en blanco y las cejas fruncidas, aparte el cabello está representado por serpientes (víboras comunes) erguidas que dan una sensación de movimiento mientras la sangre ya se ha coagulado.

El borde exterior se encuentra decorado mediante una banda que presenta una cenefa con un motivo vegetal (follaje), aparte destacar que la cenefa ha sido elaborada mediante pan de oro sobre un fondo oscuro.

Con respecto a la composición destacar que tanto el anverso como el reverso se encuentran revestidos con un lienzo cubierto con una preparación a base de tiza y calcita. Además el reverso originalmente se encontraba forrado en terciopelo rojo oscuro, del que tan sólo quedan visibles algunos fragmentos.

Como curiosidad destacar que el título de la obra Medusa Murtola se debe al poeta, teólogo y jurisconsulto italiano Gaspare Murtola, quién es autor de una obra publicada en el año 1.604 d.C. en la que describe a la Medusa que probablemente vio en la ciudad de Roma (Italia) en compañía de otras obras de Caravaggio.

Para finalizar subrayar que el pintor italiano Michelangelo Merisi da Caravaggio (también conocido como Caravaggio) pintó dos obras de Medusa.

La primera obra realizada entre los años 1.596 d.C. y 1.598 d.C. conocida como Medusa Murtola y la segunda pintada entre los años 1.597 d.C. y 1.598 d.C. conocida como La Cabeza de Medusa, siendo la segunda versión una inspiración de la primera obra.

Actualmente se encuentra en propiedad de un coleccionista privado.