El Domador de Tortugas

El Domador de Tortugas, también conocido como Entrenador de Tortugas, es una pintura datada aproximadamente en el año 1.906 d.C., perteneciente al arte otomano.

El Domador de Tortugas

Cabe destacar que en la decimoséptima edición del periódico publicado por la Sociedad Otomana de Pintores, el nombre de la pintura era "Tortugas y Hombre", pero más tarde la pintura fue ampliamente conocida como El Domador de Tortugas o Entrenador de Tortugas.

Fue pintada por el pintor otomano y fundador del Museo Arqueológico de Estambul Osman Hamdi Bey.

La pintura fue comprada, por un precio de 1 millón de dólares, por el empresario y magnate turco Erol Aksoy, siendo incluida en la colección del "Iktisat Bank". 

Permaneció en ésta colección hasta que los activos de Erol Aksoy se transfirieron temporalmente al estado después de que el "SDIF" confiscara sus deudas de "Iktisat Bank".

La pintura fue subastada en diciembre del año 2.004 d.C. con un valor aproximado de 1,95 billones de liras.

Siendo comprada por un precio de 5 millones de liras turcas (aproximadamente 3,5 millones de dólares) por el Museo Pera ubicado en la ciudad de Estambul (Turquía).

Además cabe resaltar que fue el precio más alto pagado por una obra arte en el campo de la pintura otomana. Es más en abril del año 2.009 d.C. la pintura tenía un valor aproximado de entre 10 y 15 millones de liras turcas (aproximadamente entre 6,2 y 9,3 millones de dólares).

Descripción

Tiene una altura de 221,5 cm y una anchura de 120,0 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa a un hombre mayor, un anciano, barbudo situado de espaldas al espectador, medio girado en una habitación sin amueblar y descuidada cubierta con azulejos azules.

Está ataviado con una túnica roja de mangas largas que tiene el dobladillo bordado y está ceñida a la cintura mediante un cinturón, también se observa como lleva en la cabeza lleva un turbante. 

Tiene las manos cruzadas en la espalda mientras sostiene un ney (también denominado nai, nye o nay, una flauta originaria de la música del Oriente Medio). También lleva un naqareh (un instrumento membranófono del Medio Oriente con una forma semiesférica y un parche de cuero) que cuelga de su espalda y una púa unida a un cordón que le cuelga de su cuello.

A los pies del hombre se aprecia como en el suelo hay representadas un total de cinco tortugas comiendo hojas. Aparte el yeso y los azulejos de las paredes de la habitación se corresponden con el piso superior de la mezquita Yeşil de Íznik (también conocida como mezquita Verde) que estaban arrancados en algunos lugares.

Con respecto a la composición destacar que la única fuente de luz de la pintura es la ventana baja situada frente al hombre.

Actualmente El Domador de Tortugas se encuentra en el Museo Pera, en la ciudad de Estambul (Turquía).

Para finalizar subrayar que en el año 1.907 d.C. el pintor otomano Osman Hamdi Bey pintó una segunda versión del cuadro.

El Domador de Tortugas

Se conoce que éste cuadro perteneció a una familia levantina de la ciudad de Estambul (Turquía).

Después fue comprada por el periodista turco Erol Simavi, en una subastas ocurrida entre los años 1.984 d.C. y 1.986 d.C. en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

Ésta versión tiene una altura de 136 cm y una anchura de 87 cm. Se encuentra pintada al óleo sobre lienzo.

Cabe resaltar que la composición general de la pintura es bastante similar a la versión pintada un año antes.

La pintura representa a un hombre mayor barbudo, situado de espaldas al espectador, medio girado y ataviado con una túnica roja de mangas largas, un cinturón y un turbante. 

Se observa como también lleva un ney, un naqareh y una pua.

Siendo la diferencia en que hay representadas en el suelo un total de seis tortugas, en vez de cinco.

Además se puede apreciar como en la pared izquierda del hombre se encuentra  representada una jarra junto a la ventana con una línea enmarcada.

Aparte cabe destacar que en ésta versión también se puede observar una nota manuscrita del artista que indica que la pintura estaba dedicada al soldado, astrónomo, escritor, educador y estadista turco Ahmed Muhtar Paşa (también conocido como Gazi Ahmed Muhtar Paşa).

Actualmente (hasta el 14 de mayo del año 2.022 d.C.) se encontraba en la colección de arte de Belma Simavi. 

Colgante en Forma de Animal

El Colgante en Forma de Animal es un colgante datado aproximadamente entre los años 1.400 d.C. y 1.521 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte azteca o arte mexica.

Colgante en Forma de Animal

Lo primero que se conoce es que perteneció al coleccionista de arte William Adams.

Después perteneció al coleccionista de arte privado y anticuario británico Augustus Wollaston Franks.

Hasta que en el año 1.868 d.C. el Colgante en Forma de Animal fue donado al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 10 cm y una anchura de 7,30 cm.

Está fabricado en: turquesa, perla, pirita, caracola, malaquita, resina de pino, berilo, esmeralda, espinela, circón, diente de tiburón, cera de abejas, granate, madera y metal.

Se trata de un colgante con forma de cabeza de animal fabricado en madera y revestido con mosaico de turquesa y malaquita fijado con adhesivo de resina de pino.

Colgante en Forma de Animal

Los ojos están fabricados en pirita y concha de caracola rayada blanca y amarilla. 

Además la boca abierta se encuentra incrustada con piedras preciosas (granate, berilo, esmeralda, espinela y circón) y está revestida con dientes de tiburón (aunque los investigadores piensan que los dientes de tiburón podrían ser una adicción posterior).

Dos áreas situadas en la parte superior de la cabeza presentan incrustaciones de perlas simulando las "cejas".

Pero probablemente también sean unas modificaciones posteriores, tal vez para ocultar el daño debido a la pérdida de orejas (situadas originalmente en el mismo lugar).

Con respecto a la composición resaltar que las perlas, las piedras preciosas y los dientes se mantienen en su lugar con cera de abejas. 

También se puede observar como hay un lazo colgante hecho de un anillo de concha blanca colocada en la parte superior de la cabeza.

Para finalizar subrayar que gracias a las radiografías, realizadas durante los trabajos de restauración, se ha podido constatar que hay un alambre oculto dentro de la mandíbula inferior.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Relieve de los Pretorianos

El Relieve de los Pretorianos es un relieve datado aproximadamente entre los años 51 d.C. y 52 d.C., perteneciente al arte romano.

Relieve de los Pretorianos

Fue hallado en el año 1.562 d.C. en la llanura de Campo de Marte, ubicada al noroeste del centro histórico de la ciudad de Roma, en Italia.

Después el relieve pasó a formar parte de la colección del eclesiástico (arzobispo de Lyon y cardenal) francés Joseph Fesch.

Hasta que en el año 1.824 d.C. el Relieve de los Pretorianos fue adquirido por el Museo Louvre-Lens, localizado en la ciudad de Lens, en el norte de Francia.

Descripción

Tiene una altura de 163 cm, una anchura de 134 cm y un grosor de 28 cm. 

Está fabricado en mármol, mediante las técnicas de incisión y tallado.

Se trata de un relieve en el que aparece representada una escena parcial de una procesión triunfal. Se puede apreciar la representación de las figuras de seis hombres, cinco soldados (tres de ellos realizados en altorrelieve) y un portaestandarte.

Aparte se puede observar como en la esquina inferior izquierda se encuentra el rastro de la pierna de una séptima persona que ha sido arrancada del relieve.

El bajorrelieve muestra de derecha a izquierda: un estandarte en forma de pilastra coronado con un capitel corintio y rematado por un águila con las alas plegadas que está apoyada en un rayo.

El estandarte está llevado por un hombre (un signifer) barbudo y ataviado con una piel de oso o león. A su lado izquierdo hay dos soldados que llevan lanzas y escudos.

En un primer plano hay representados tres soldados en altorrelieve ataviados con corazas, cascos con altas crestas y también con escudos ornamentados con patrones geométricos y vegetales.

Algunos investigadores creen que los soldados podrían pertenecer a la Guardia Pretoriana (cuerpo militar que servía de escolta y protección a los emperadores romanos), aunque no es seguro. Tanto la vestimenta como los complementos muestran que los soldados son oficiales de alto rango, sin permitir que se les asocie con una legión.

Además el emblema de las legiones romanas es un águila con las alas extendidas, mientras que el águila representada en el estandarte aparece con las alas plegadas.

Cabe resaltar que en el año 2.006 d.C. el Relieve de los Pretorianos fue restaurado por los restauradores N. Imbert y A. Méthivier. 

La parte inferior es parte de los trabajos de restauración, puesto que el relieve se encontraba roto por debajo de las rodillas de las figuras.

Pero son sobre todo las cabezas de los tres soldados situados en el frente los que se han añadido tomando como modelo las dos cabezas de los soldados situados detrás. 

Sin embargo en particular se ha trabajado la parte posterior de los cascos, algo imposible si originalmente hubieran sido esculpidos directamente en el mármol.

Para finalizar subrayar que se conoce que originalmente el Relieve de los Pretorianos formo parte del Arco de Claudio erigido en el año 51 d.C. para conmemorar la conquista de Britania (provincia romana que ocupaba el centro y sur de la actual Gran Bretaña) por parte del emperador Tiberio Claudio César Augusto Germánico.

Actualmente se encuentra en el Museo Louvre-Lens, Francia.

Pendiente Aqueménida

El Pendiente Aqueménida es un pendiente datado aproximadamente entre los siglos VI a.C. y IV a.C. (período comprendido entre los años 600 a.C. y 301 a.C.), perteneciente al arte persa, en concreto al arte aqueménida.

Pendiente Aqueménida

Lo primero que se conoce es que en el año 1.960 d.C. el pendiente formaba parte de la colección de arte del coleccionista de arte alemán Norbert Schimmel.

Hasta que en el año 1.989 d.C. el Pendiente Aqueménida fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de  0,3 cm, una anchura de 0,35 cm, un diámetro de 6 cm y un peso de 31,08 g. 

Está fabricado en oro, cinabrio e incrustaciones de turquesa, lapislázuli y cornalina.

Se trata de un pendiente con forma circular realizado mediante la técnica de cloisonné, es decir, el diseño ha sido perfilado en oro y rellenado mediante otros materiales (turquesa, lapislázuli y cornalina) que han sido teñidos con cinabrio.

En el centro del pendiente, en el interior de un circulo, hay representada una figura masculina con decoración incisa sobre un disco alado.

La figura masculina, representada de cintura para arriba, está ataviada con una túnica con magnas acampanadas, adornos circulares y un gorro alto, destaca como el cabello voluminoso sobresale del gorro.

También resalta como tiene una barba larga y levanta una mano, mientras que la otra mano está situada a la altura de la cintura agarrando un arco o bastón. 

El disco tiene una media luna en su interior y dos alas a cada lado que se curvan hacia adentro en la parte superior. Aparte una cola emplumada trapezoidal emerge de la parte inferior del disco y el círculo que lo encierra está decorado con triángulos.

Se puede apreciar como hay un total de siete círculos más pequeños con medias lunas en su interior y separados por rombos dorados que rodean al disco central. Seis de los círculos contienen medias figuras masculinas similares a la del centro del pendiente.

Todas las figuras masculinas se encuentran mirando hacia la figura central. También se puede observar como el círculo situado en la parte inferior contiene dos medias lunas más pequeñas, posiblemente con la intención de que representasen una flor abierta.

El borde exterior se compone de un patrón de triángulos, estando el borde también ornamentado mediante una fila de flores de loto.

La parte superior del arete tiene una abertura que originalmente podría haber contenido un pestillo por el cual el arete se habría unido a la oreja de la persona que lo utilizara.

Para finalizar subrayar que dentro del arte aqueménida la figura en el disco alado aparece a menudo representada y generalmente se la relaciona con el dios Ahura Mazda (dios del cielo, omnisciente y sacerdote celeste).

También destacar que los investigadores consideran que las figuras más pequeñas probablemente representan a reyes persas, siendo un símbolo de reconocimiento y respeto.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Venus de Cannicella

La Venus de Cannicella es una escultura datada aproximadamente entre los años 530 a.C. y 520 a.C., perteneciente al arte etrusco.

Venus de Cannicella

Venus de Cannicella

Venus de Cannicella

Venus de Cannicella

Fue hallada en el año 1.884 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas por el arqueólogo Riccardo Mancini.

En el interior de un santuario ubicado en la necrópolis de Cannicella, localizado en el municipio de Orvieto, situado en la provincia de Terni, en la región de Umbria (Italia).

Poco después de su descubrimiento la Venus de Cannicella pasó a formar parte del Museo Claudio Faina (también conocido como Museo Faina), situado en el municipio de Orvieto, en Italia.

Venus de Cannicella

Descripción 

Tiene una altura de 80 cm. Está esculpida en mármol de Paros, mediante la técnica de incisión y tallado.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la figura de una mujer joven desnuda en posición de pie.

Tanto el vello púbico como el pecho están visibles y lleva joyas que identifican a la escultura con la representación de una divinidad femenina.

Se aprecia como el cabello rizado le cae sobre sus hombros y por la espalda. Los rasgos del rostro apenas se encuentran esbozados, no obstante destacan los ojos almendrados, la nariz recta, los labios carnosos y el mentón cuadrado.

Venus de Cannicella

Además cabe destacar que parte del brazo derecho de la escultura fue hallado durante unas excavaciones realizadas en el año 1.990 d.C. y unido después durante los trabajos de restauración.

Aunque la mano derecha no se ha encontrado, por la posición del brazo derecho la mano podría haber estado originalmente apuntando hacia su estómago.

Mientras que el brazo izquierdo perdido probablemente podría originalmente haber estado descansando sobre su costado.

También se puede observar como la escultura tiene varios agujeros distribuidos por el cuerpo y que posiblemente podrían haber sido utilizados para adornar a la escultura con joyas fijadas en los agujeros.

Para finalizar subrayar que la Venus de Cannicella al ser encontrada en el santuario de Cannicella podría haber sido una escultura de culto.

Aunque la identidad de la escultura no está clara, algunos investigadores consideran que la escultura es una representación de la diosa Turan (diosa del amor, de la fertilidad y la vitalidad).

Mientas que otros investigadores creen que la Venus de Cannicella podría ser la representación de la diosa Horta (diosa de la agricultura).

Actualmente se encuentra en el Museo Claudio Faina, Italia.

El Recién Nacido

El Recién Nacido, también conocido como Le Nouveau-né, es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.645 d.C. y 1.648 d.C., perteneciente al arte barroco.

El Recién Nacido

Fue pintado por el pintor francés Georges de La Tour.

Se conoce que perteneció a la colección de arte del magistrado, historiador, naturalista, consejo en el Parlamento de Bretaña y coleccionista de arte francés Christophe-Paul de Robien.

Hasta que su colección, incluida El Recién Nacido, fue adquirida por el Museo de Bellas Artes de Rennes (Francia).

Descripción

Tiene una altura de 76 cm y una anchura de 91 cm. Está pintada al óleo sobre tela.

Se trata de una pintura en la que aparecen representadas dos mujeres y un recién nacido. A la izquierda se encuentra representada una mujer de frente, sentada y ataviada con un vestido rojo anudado a la cintura mediante un cinturón y una camiseta interior con el borde ornamentado con una banda con diseño geométrico.

La cabeza está representada ligeramente inclinada hacia delante y hacia abajo. En el rostro ovalado destacan los ojos semicerrados, la nariz recta y los labios finos.

Con ambas manos sostiene en su regazo a un bebe con los ojos cerrados, un recién nacido, envuelto en túnicas blancas que le cubren todo el cuerpo y la parte superior de la cabeza.

A su derecha aparece representada una mujer de perfil, ataviada con un vestido ceñido a la cintura y una cofia (gorro que cubre toda la cabeza hasta la nuca y que esconde el cabello) en la cabeza. 

En el rostro destacan el ojo almendrado, la nariz recta, los labios finos y entreabiertos, el mentón redondeado y un poco de papada. Además resalta como tiene la mano derecha extendida hacia delante con la palma abierta.

Con respecto a la composición destaca como hay una iluminación que ilumina con una luz blanca-rojiza a las figuras representadas, mientras que el resto del cuadro queda en la oscuridad. 

Además se ha utilizado una paleta monocroma: rojo y negro. También resaltar como la composición es equilibrada y rigurosa e incluso se puede observar como las figuras están representadas casi geométricamente.

Para finalizar subrayar que algunos investigadores consideran que la escena representada es la Natividad (también conocida como la Natividad de Cristo o el nacimiento de Jesús), estando representadas el Niño Jesús, la Virgen María y Santa Ana (madre de la Virgen María y abuela materna del Niño Jesús).

Actualmente se encuentra en el Museo de Bellas Artes de Rennes, Francia.

Colgante en Forma de Media Luna

El Colgante en Forma de Media Luna es un colgante datado aproximadamente en el siglo XI d.C. (período comprendido entre los años 1.001 d.C. y 1.100 d.C.), perteneciente al arte islámico, en concreto al arte fatimí.

Colgante en Forma de Media Luna

Se conoce que fue fabricado en la ciudad de El Cairo, en Egipto.

En el año 1.913 d.C. el colgante se encontraba en la colección de arte del abogado, arqueólogo aficionado y financiero estadounidense Theodore Monroe Davis. 

Hasta que en el año 1.915 d.C. el Colgante en Forma de Media Luna fue legado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 4,5 cm y una anchura de 3,5 cm. 

Está fabricado en oro, esmalte, cloisonné, turquesa y filigrana.

Se trata de un colgante en forma de media luna que ha sido fabricado mediante la técnica de construcción de cajas, es decir, la construcción por separado de varias partes del colgante para después ser unidas formando un interior hueco.

También se puede observar como el colgante presenta un diseño con bucles de hilo de aro, un diseño calado con un soporte de tira, elementos de relleno en forma de "S" y pares de alambres retorcidos.

Colgante en Forma de Media Luna

Además destacar que los pasadores de tiras de oro sirven como un componente de soporte, separando la filigrana de oro del espacio para la incrustación de esmalte.

La placa de cloisonné con forma de media luna se encuentra decorada con una representación de pájaros enfrentados.

Aparte situada en la parte inferior hay una incrustación de turquesa, aunque originalmente se piensa que el colgante podría haber tenido perlas u otras pequeñas piedras preciosas suspendidas de los pequeños bucles situados a lo largo del perímetro exterior.

Para finalizar subrayar que el Colgante en Forma de Media Luna es una de las pocas obras con esmalte perteneciente al arte fatimí que ha llegado hasta la actualidad.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Adoradora de Pie

La Adoradora de Pie es una escultura datada aproximadamente entre los años 2.600 a.C. y 2.500 a.C., perteneciente al arte mesopotámico, en concreto al arte sumerio.

Adoradora de Pie

Fue hallada entre los años 1.960 d.C. y 1.961 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas en nombre de la Expedición Conjunta a Nippur llevadas a cabo por la Escuela de Bagdad de las Escuelas Estadounidenses de Investigación Oriental y el Instituto Oriental de la Universidad de Chicago.

Adoradora de Pie

En la antigua ciudad sumeria de Nippur, localizada en ambas orillas del cauce del río Shatt-en Nil, entre los ríos Eufrates y Tigris.

Actualmente sus ruinas se encuentran en la subdivisión Nuffar in Afak, ubicada en la gobernación de Al-Qadisiya (también conocido como Cadisía), en Irak.

En el año 1.962 d.C. la Adoradora de Pie fue adquirida por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), como consecuencia de su aportación económica a las excavaciones arqueológicas.

Adoradora de Pie

Descripción

Tiene una altura de 25,2 cm, una anchura de 8,5 cm y un grosor de 5,2 cm. 

Está fabricada en piedra caliza, concha y lapislázuli, mediante las técnicas de incisión, incrustación y tallado.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la figura de una adoradora en posición de pie con las manos cruzadas delante del pecho.

El cabello ondulado se encuentra recogido mediante dos bandas lisas y los mechones rizados le caen a ambos lados del rostro.

Adorada de Pie

En el rostro redondeado destacan los ojos almendrados, la nariz parcialmente mutilada y los labios gruesos curvados en una ligera sonrisa.

Cabe destacar que los ojos almendrados se han realizados mediante incrustaciones de concha y lapislázuli, aunque en la actualidad tan sólo se conserva las incrustaciones del ojo izquierdo.

Está ataviada con una túnica que le deja el hombro derecho al descubierto, aparte la túnica le cae por el hombro izquierdo con una serie de pliegues indicados por líneas incisas que asemejan los pliegues de la tela.

Se puede apreciar como los pies se encuentran tallados en altorrelieve contra el respaldo, además los dedos de los pies y los tobillos están claramente indicados mediante incisiones.

También se puede observar como tiene una pequeña base rectangular elaborada en el mismo material que el resto de la escultura.

Para finalizar subrayar que los investigadores consideran que debido en general al buen estado de conservación la Adoradora de Pie era una escultura que fue enterrada dentro del mobiliario del templo de Inanna de Nippur, dónde fue encontrada.

Además en la antigüedad tales entierros deliberados sugieren que las ofrendas y el equipo del templo permanecían sagrados incluso cuando ya no se utilizaban.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

El Patizambo

El Patizambo, también conocido como El Lisiado o El Pie Varo, es una pintura datada en el año 1.642 d.C., perteneciente al arte barroco.

El Patizambo

Fue pintada por el dibujante, grabador y pintor español José de Ribera (también conocido como Jusepe de Ribera o "Lo Spagnoletto").

Se conoce que la pintura se encontraba en la colección de los marchantes de arte de origen flamenco Vandeneyden.

La pintura estuvo en posesión del coleccionista y marchante de arte flamenco Ferdinand van den Eynde.

Por herencia pasó a pertenecer a su hija Giovanna, esposa de Giuliano Colonna di Galatro.

Cabe resaltar que los Colonna tomaron el título de Príncipe de Stigliano y la pintura hasta el año 1.830 d.C. perteneció a la colección de la familia Stigliano.

En el año 1.839 d.C. El Patizambo fue subastado por la casa de subasta Christie's de Londres (Gran Bretaña). 

En el año 1.849 d.C. la pintura fue adquirida por el doctor en medicina, filántropo y coleccionista francés Louis La Caze.

Hasta que en el año 1.869 d.C. El Patizambo fue legado al Museo del Louvre de París (Francia), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 1,64 m y una anchura de 0,94 m. Con marco presenta una altura de 1,85 m, una anchura de 1,16 m y un grosor de 4 cm. Está pintada en óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa la figura de un mendigo joven con aspecto humilde en posición de pie y sobre un fondo paisajístico. Resalta como se encuentra sonriendo alegremente dejando ver su dentadura, en la que le faltan algunos dientes.

Está ataviado con ropas oscuras. También se puede observar como el pie se encuentra deforme o lisiado sin que pueda apoyar o sostenerse sobre el talón, por lo que lleva sobre su hombro izquierdo una muleta para ayudarse a andar.

El Patizambo

En el papel que sostiene con su mano izquierda se puede leer la siguiente inscripción escrita en latín:

"DA MIHI ELIMO

SINAM PROPTER

(AM: oculto por el pulgar) OREM DEI"

Cuya traducción aproximada es: Deme limosna, por amor de Dios. 

Cabe resaltar que el papel era una autorización necesaria en el reino de Nápoles para ser un mendigo o pordiosero y poder pedir limosna.

También se puede apreciar como situada en la parte inferior izquierda de la pintura aparece una inscripción con la firma del autor y el año en que la obra fue realizada.

" Juseppe de Ribera español F. 1.642 "

Con respecto a la composición destacar el contraste entre los colores apagados y oscuros (ocres, terrosos y marrones) con los que está representado el mendigo que contrastan con los colores del paisaje, sobretodo con el cielo azul claro y luminoso.

Es una pintura englobada dentro de los retratos costumbristas (tendencia o movimiento artístico que refleja los usos y costumbres de una sociedad en una región o país concreto).

Para finalizar subrayar que en un estudio realizado por el cirujano ortopédico del Hospital Robert-Debré de París, el Dr. Franck Fitoussi, estableció que el modelo no tenía pie zambo sino que padecía una discapacidad por hemiplejía derecha (muñeca y pie derechos torcidos) lo que le impedía hablar correctamente, de ahí la hoja de papel que sostiene en la mano. 

Actualmente se encuentra en el Museo del Louvre de París, Francia. 

Mujeres en la Ventana

Mujeres en la Ventana, también conocida como Dos Mujeres en la Ventana, es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.655 d.C. y 1.660 d.C., perteneciente al arte barroco.

Mujeres en la Ventana

Fue pintada por el pintor español Bartolomé Esteban Murillo.

Se conoce que perteneció a la colección del duque de Almodóvar del Rio Pedro Francisco Luján y Góngora.

En el año 1.823 d.C. la pintura fue comprada por el diplomático y político conservador inglés Sir William à Court (primer barón Heytesbury).

En el año 1.894 d.C. la pintura fue vendida a un marchante de arte y más tarde en ese mismo año (1.894 d.C.) la pintura fue comprada por el empresario y coleccionista de arte estadounidense Peter Arrell Browne Widener.

Permaneciendo en la colección de arte "Widener Collection" hasta que en el año 1.942 d.C. Mujeres en la Ventana fue adquirida por la Galería Nacional de Arte, localizada en el "National Mall" de la ciudad de Washington D.C. (Estados Unidos de América).

Descripción 

Tiene una altura de 125,1 cm y una anchura de 104,5 cm, pero enmarcado presenta una altura de 182,3 cm y una anchura de 160,3 cm. Está pintada al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa una escena en la que aparecen dos mujeres de piel pálida que miran al espectador desde el otro lado de una ventana rectangular.

En la parte izquierda situada en el tercio inferior de la composición hay representada una mujer joven que se inclina hacia delante sobre su brazo izquierdo, que descansa a lo largo del alféizar de la ventana, mientras que dobla el brazo derecho y apoya la barbilla en el puño derecho.

En el rostro destacan los ojos marrones oscuros, las cejas oscuras, la nariz recta y los labios carnosos y rosados que se curvan en una sonrisa. Además se aprecia como el cabello castaño brillante esta sujetado con un lazo rojo fresa en el lado derecho de la cabeza.

Se encuentra ataviada con un vestido blanco de gasa con un amplio escote ribeteado en gris oscuro y con otro lazo rojo en la parte delantera de su pecho, resalta como las mangas voluminosas llegan hasta la altura de los codos.

A la derecha de la composición se asoma por una persiana parcialmente abierta una mujer un poco mayor que se encuentra representada de pie junto a la otra mujer con el cuerpo de frente.

La cabeza se encuentra ligeramente inclinada, en el rostro destacan los ojos oscuros y las cejas de color marrón oscuro. También destaca como el cabello castaño oscuro se encuentra cubierto con un chal de color blanco.

El chal lo sostiene con la mano derecha para cubrir la mitad inferior del rostro, por lo que la boca está oculta, aunque por la representación de sus ojos y las arrugas del rostro se deduce que está sonriendo.

El brazo izquierdo se dobla a la altura del codo mientras agarra el postigo abierto de la ventana. Se observa como está ataviada con una camisa blanca hasta la altura de los codos y una falda de color rosado.

Para finalizar con respecto a la composición resaltar que el marco de la ventana corre paralelo a los lados y al fondo del lienzo. Aparte se aprecia como la habitación detrás de las mujeres se encuentra en penumbra.

Con respecto a la policromia destaca el uso de una gama de colores terrosos de la contraventana, los colores cálidos de la piel de las mujeres y sus vestimentas y el color rojo utilizado en los detalles de la vestimenta.

También resaltar que se trata de una pintura de género o costumbrista, es decir, es una pintura que representa a personas normales en situaciones cotidianas contemporáneas al autor de la pintura.

Actualmente se encuentra en la Galería Nacional de Arte, en la ciudad de Washington D.C. (Estados Unidos de América).

Brasero Ceremonial Azteca

El Brasero Ceremonial Azteca, también conocido como Vasija Trípode con Glifo, es un brasero datado aproximadamente entre los siglos XV d.C. y XVI d.C. (período comprendido entre los años 1.401 d.C. y 1.600 d.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte azteca o arte mexica.

Brasero Ceremonial Azteca

Se conoce que hasta el año 1.955 d.C. el brasero se encontraba en propiedad de la galería de arte "Stendahl Gallery", ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En ese mismo año (1.955 d.C.) el brasero fue comprado por el político estadounidense y vicepresidente de los Estados Unidos Nelson Aldrich Rockefeller.

Desde el año 1.956 d.C. hasta el año 1.978 d.C. el brasero fue expuesto en el Museo Primitivo de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.979 d.C. el Brasero Ceremonial Azteca fue legado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene una altura de 35,9 cm, una anchura de 40,6 cm y un diámetro de 40,6 cm. Está fabricado en cerámica.

Se trata de un brasero ceremonial con forma de reloj de arena que recuerda a los braseros ceremoniales de gran tamaño que se encontraban estrechamente relacionados con la arquitectura religiosa de la capital azteca, Tenochtitlán.

Brasero Ceremonial Azteca

Las paredes gruesas del cuerpo están sostenidas por tres pies huecos y bulbosos que contienen badajos (piezas que cuelgan en el interior de una campana y que al moverse y golpear las paredes hacen que suenen) que producen sonidos cuando se mueve el brasero.

Aparte el centro del cuerpo de la vasija se encuentra rodeado por una banda ancha decorada con volutas entrelazadas enmarcadas por círculos. 

Situado en el frente hay un cartucho que contiene el glifo de fecha "4 Caña", que posiblemente hace referencia al año 1.431 d.C., durante el cual se celebró la tercera ampliación del Templo Mayor de la ciudad de Tenochtitlán.

Con respecto a la composición destacar que tanto la banda como el cartucho fueron realizados en moldes, como demuestran las múltiples costuras, también destacar el color natural de la arcilla con que se cubre el resto de la vasija, un engobe bruñido de color marrón rojizo.

Para finalizar subrayar que en el Imperio Azteca los braseros ceremoniales eran colocados fuera de los templos o frente altares. 

Además en ellos se quemaban ofrendas de restos humanos y animales, así como incienso aromático y se tenía la creencia de que el humo que se elevaba llevaba las ofrendas a los dioses.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Piedra Rúnica de Ledberg

La Piedra Rúnica de Ledberg, también conocida como Ög 181, es una piedra rúnica datada aproximadamente en el siglo XI d.C. (período comprendido entre los años 1.001 d.C. y 1.100 d.C.), perteneciente al arte medieval, en concreto al arte vikingo.

Piedra Rúnica de Ledberg

Cabe resaltar que su ubicación original es desconocida, lo primero que se conoce es en el siglo XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.700 d.C.) la piedra rúnica estaba tapiada en el muro de la sacristía de la antigua iglesia románica de Ledberg.

En el año 1.847 d.C. cuando la iglesia de Ledberg fue demolida la Piedra Rúnica de Ledberg fue colocada en la pared del cementerio de Ledberg.

Piedra Rúnica de Ledberg

Hasta que en el año 1.852 d.C. la Piedra Rúnica de Ledberg fue reubicada en su ubicación original.

En la cima situada cerca del túmulo de Ledberg, al sur de la antigua iglesia de Ledberg.

Localizada en la ciudad de Linköping, ubicada en la provincia de Östergötland, en Suecia.

Piedra Rúnica de Ledberg

Descripción

Tiene una altura total de 2,9 metros, una anchura que varía desde los 55 a 95 cm y un grosor de 40 cm.

Se trata de los restos de una piedra rúnica que tiene sus caras ornamentadas con imágenes e inscripciones.

En un lateral aparece representado una imagen que podría ser la representación del guerrero conocido como Torgöt (combatiente sueco que lucho al lado del rey noruego Olav Haraldsson en la batalla de Stiklestad el 29 de julio del año 1.030 d.C.).

Además destacar que se encuentra considerada una de las mejores representaciones de un guerrero de Suecia continental de la era vikinga (período comprendido entre los años 800 d.C. y 1.050 d.C.).

Piedra Rúnica de Ledberg

En la parte superior hay representada un figura que viste el atuendo típico de un hombre con equipo de guerra completo: túnica, casco puntiagudo con protector de nariz, escudo y espada.

Abajo, arriba y abajo de un guerrero con un escudo hay representados dos bestias y en la parte inferior un barco a vela (conocido como Naglfar) con una fila de escudos en la barandilla.

Aparte grabado en el otro lado hay una representación del Ragnarök (la batalla del fin del mundo).

Mientras que en el otro lado aparece representado un hombre con casco que está siendo mordido en el talón y en la parte inferior hay un guerrero doblado con los brazos extendidos.

Cabe resaltar que algunos investigadores han interpretado la representación como el dios Odín (dios supremo, de la sabiduría y de la guerra) luchando contra el lobo Fenris (en la mitología nórdica es un gigantesco lobo monstruoso).

También se puede apreciar como el lateral oeste se encuentra en blanco, mientras que el lateral este muestra representada una cruz o el martillo del dios Thor (dios del trueno y de la guerra) conocido con el nombre de "Mjölnir".

Piedra Rúnica de Ledberg

Para finalizar subrayar que la inscripción se encuentra grabada con un alfabeto rúnico conocido como futhark joven (también denominado runas escandinavas).

Se puede observar como el texto se encuentra dañado en algunos lugares, comienza en el lado sur de la piedra (el lado A) y continúa en el lado norte (el lado B).

La transliteración de la inscripción rúnica es la siguiente:

"§A (b)isi · sati : st[(n)] : þisi : iftiʀ : þurkut : u----þi : faþur

§B : sin : uk : þu : kuna : baþi : þmk:iii:sss:ttt:iii:l[(l)]l "

Piedra Rúnica de Ledberg

Una traducción aproximada de la inscripción es la siguiente:

"Bise colocó esta piedra después de Torgöt, su padre

él y Gunna, ambos levantaron la piedra. Cardo, muérdago, baúl"

Como curiosidad destacar que en el año 1.921 d.C. en Dinamarca se encontró una piedra rúnica con la misma inscripción que en la Piedra Rúnica de Ledberg. Aparte también en Noruega se han hallado tres inscripciones de éste tipo talladas en madera.

Por lo tanto los investigadores creen que la inscripción podría ser una rima mágica de la época precristiana escrita en una forma sencilla de escritura rúnica. 

Resalta como si se leen la primera letra de cada grupo, obtienes las tres palabras: þistill, mistill y Kistill. Considerado un hechizo utilizado en gran parte de la región nórdica durante varios cientos de años como medio de protección.

Actualmente se encuentra en la cima cerca del túmulo de Ledberg, en la ciudad de Linköping (Suecia). 

Cuenco con Figuras Míticas

El Cuenco con Figuras Míticas es un recipiente datado aproximadamente entre los siglos VI d.C. y IX d.C. (período comprendido entre los años 501 d.C. y 900 d.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte wari.

Cuenco con Figuras Míticas

Los investigadores piensan que pudo haber sido encontrado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en la ciudad de Wari.

Ubicada a 20 km al noroeste de la actual ciudad de Ayacucho, localizada en provincia de Hamanga, en Perú.

Se conoce que perteneció a la colección de arte del aristócrata y coleccionista prusiano Baron Walram V. von Schoeler.

En el año 1.954 d.C. se encontraba en posesión de Gabriella Passamonti Baroness von Schoeler (esposa de Baron Walram V. von Schoeler).

En ese mismo año, 1.954 d.C., el Cuenco con Figuras Míticas fue comprado por el político estadounidense y vicepresidente de los Estados Unidos de América Nelson Aldrich Rockefeller.

Entre los años 1.956 d.C. y 1.978 d.C. el cuenco fue cedido para su exposición al Museo de Arte Primitivo, un antiguo museo de la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.979 d.C. el Cuenco con Figuras Míticas fue legado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Cuenco con Figuras Míticas

Descripción

Tiene una altura de 7,9 cm y un diámetro de 12,2 cm. Está fabricada en cerámica policromada.

Se trata de un recipiente, un pequeño cuenco, policromado de lados rectos que presenta la cara exterior del cuerpo totalmente ornamentada.

La superficie exterior del recipiente de lados rectos se divide en cuatro paneles, dos de los paneles están decorados con la cara cuadrada de un ser sobrenatural abstracto.

Está representado con un tocado de rayos que recuerda a la deidad principal de Tiwanaku (conocido con el nombre de Viracocha, dios creador y padre de todos los demás dioses), pero los colmillos y los ojos partidos blancos y negros son rasgos característicos del arte wari.

Cuenco con Figuras Míticas

Además se observa como los otros dos paneles muestran la cabeza de ave de perfil con un pico curvo prominente. 

Aparte las cabezas están enmarcadas por una forma de "U" de la que emanan cabezas de pájaros alternadas y plantas estilizadas (posiblemente maíz).

Con respecto a la composición destacar las pinturas engastadas vívidas de color rojo, púrpura, amarillo, gris y blanco, también resaltar el uso del color negro para los contornos gruesos.

Para finalizar subrayar que los pueblos Wari, centrados en la región de Ayacucho, dominaron los Andes centro-sur e interactuarón con pueblos contemporáneos en áreas remotas como la ciudad de Tiwanaku (actual Bolivia) y los pueblos de la región de Nazca en la costa sur de Perú.

Aunque la naturaleza de la relación de Wari con éstos y otros pueblos aún no está clara, pero su influencia en el arte wari es indiscutible.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Bambú Arrastrado por el Viento

El Bambú Arrastrado por el Viento, también conocido como 清 楊涵 風竹圖 軸, es una pintura datada en el año 1.686 d.C., perteneciente al arte chino.

Bambú Arrastrado por el Viento

Fue pintado por el artista y pintor chino Yang Han (楊涵).

Durante la dinastía Qing (清朝), período de la historia de China comprendido entre los años 1.644 d.C. y 1.912 d.C. que se corresponde con la última dinastía imperial china.

Se conoce que la pintura fue subastada el cuatro de noviembre del año 2.001 d.C. por "China Guardian Auctions", localizada en la ciudad de Beijing (北京), en la República Popular de China (中华人民共和国), también conocida como China (中国).

Siendo comprada por el médico, escritor y coleccionista de arte estadounidense Matthew J. Edlund.

Hasta que en el año 2.018 d.C. el Bambú Arrastrado por el Viento fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 323 cm y una anchura de 122,3 cm. Está pintado en tinta sobre papel.

Se trata de una pintura dónde aparece representado un paisaje a principios de la estación de invierno, se puede apreciar como se encuentra representados, detrás de una cascada y acantilado, los tallos de bambú que se sacuden con un viento violento.

A lo largo del borde superior izquierdo se puede observar una inscripción en escritura china, la inscripción hace referencia al año en el que se pintó la pintura (1.686 d.C.), la época principios de invierno y la firma del autor.

La inscripción es la siguiente:

"丙寅初冬為北門先生作

雲門楊涵"

Para finalizar subrayar que la pintura fue pintada a principios de la dinastía Qing, dónde las imágenes de bambú azotado por el viento a menudo estaban asociados con pintores "leales", es decir, aquellos que se negaron a servir a los gobernantes no chinos de la dinastía Qing recién establecida.

Cabe enfatizar que el bambú cuya flexibilidad le permitía doblarse sin romperse era utilizado en las obras de los pintores conocidos como "leales" que vieron un poderoso símbolo de resistencia silenciosa.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Cabeza del Dios de la Lluvia

La Cabeza del Dios de la Lluvia es una escultura datada aproximadamente entre los siglos X d.C. y XI d.C. (período comprendido entre los años 901 d.C. y 1.100 d.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte maya.

Cabeza del Dios de la Lluvia

Fue hallada en el año 1.926 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas por el antropólogo estadounidense George Clapp Vaillant.

En el interior de un pequeño templo orientado al sur conocido como "Casa de Cabecitas" o "Casa de las Cabezas Pequeñas" (Estructura 5C3) que está ubicado en el yacimiento arqueológico de Chichén Itzá.

Situado en el municipio de Tinum, localizado en el estado de Yucatán, en la península de Yucatán (México).

Después de su descubriendo pasó a formar parte de la colección de arte de la empresa "John Wise Ltd.", localizada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.957 d.C. la escultura fue comprada por el político estadounidense y vicepresidente de los Estados Unidos de América Nelson Aldrich Rockefeller.

Entre los años 1.957 d.C. y 1.963 d.C. la escultura fue cedida al Museo de Arte Primitivo, un antiguo museo ubicado en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.978 d.C. la Cabeza del Dios de la Lluvia fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tien una altura de 34,9 cm, una anchura de 30,2 cm y un grosor de 23,8 cm. Está fabricada en piedra, mediante las técnicas de incisión y tallado.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa una cabeza monumental, tallada en piedra caliza, de un ser sobrenatural. 

El sujeto se encuentra definido por rasgos esqueléticos, utiliza grandes orejeras y una diadema con cuentas. Aparte se observa como el cabello largo se sostiene hacia atrás y se encuentra indicado mediante profundas incisiones que descienden por el reverso de la cabeza.

También en el centro de la frente hay representada una protuberancia circular que posiblemente representa una joya redonda que cuelga de la diadema.

Los ojos prominentes están enmarcados por cejas pobladas y líneas debajo de los ojos que terminan en formas enrolladas. Además tiene una pupila incisa en forma de espiral con rastros de pigmento rojo.

Cabe resaltar que las espirales combinadas con los puntos elevados situados en las mejillas a ambos lados de la nariz son marcadores de piedad dentro del arte maya.

La mandíbula descarnada contiene una fila de dientes rectos y cuadrados y dos volutas emergen de cada lado de la boca. También se aprecia como en la actualidad la nariz se encuentra dañada.

Cabe resaltar que originalmente puede que la escultura de la cabeza (ahora separada) podría haber formado parte de una escultura arquitectónica en alto relieve como parte de una fachada o podría haber formado parte de un monumento independiente.

Para finalizar subrayar que los artistas mayas a menudo representaban entidades sobrenaturales con una mezcla de atributos o aspectos relacionados con diferentes deidades.

La mayoría de las características representadas (la mandíbula esquelética, las orejeras, los ojos del dios con pupilas en espiral y el cabello largo) asocian ésta imagen con la deidad de la lluvia, las tormentas y los rayos conocida con el nombre de Chahk.

Es más el que no se haya podido encontrar el cuerpo asociado con ésta escultura puede indicar que los habitantes de la ciudad de Chichén Itzá sacaron la cabeza de su ubicación original y la reverenciaron lo suficiente como para colocarla en el pequeño templo dónde fue descubierta.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Espada Ceremonial (Udamalore)

La Espada Ceremonial (Udamalore) es una espada datada aproximadamente entre los siglos XVII d.C. y XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.900 d.C.), perteneciente al arte africano.

Espada Ceremonial (Udamalore)

Se conoce que perteneció a la colección de arte del marchante de arte alemán y dueño de una galería de arte en la ciudad de Nueva York Klaus Gunther Perls.

Hasta que en el año 1.991 d.C. la Espada Ceremonial (Udamalore) fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Por el marchante de arte alemán Klaus Gunther Perls y su esposa la marchante de arte americana Amelia Perls (más conocida con el nombre de Dolly Perls).

Descripción

Tiene una anchura de 12,7 cm, un diámetro de 5,1 cm y una longitud de 48,9 cm. Está fabricada en marfil e incrustaciones de madera.

Se trata de un tipo de espada ceremonial conocida con el nombre de udamalore (cuyo significado literal es: "espada de los bien nacidos"), consta de un mango figurativo y una hoja curva calada.

La cabeza humana que constituye el pomo muestra un delicado peinado de cheurones (paréntesis angulados o con ángulos) repetidos, mientras que los ojos están realizados con incrustaciones de madera oscura.

La base sólida de la hoja se encuentra decorada con dos patrones de nudos, mientras que la sección calada representa a un jefe Owo ataviado con un traje ceremonial, se puede apreciar como lleva su propio udamalore colocado horizontalmente en la cadera izquierda.

Además se observa como el jefe sostiene con su mano derecha una espada curva, mientras que un pájaro está posado en su mano izquierda y picotea su coronilla.

Aparte cabe resaltar que la espada curva levantada es una espada tipo "uda", un tipo de espada utilizada en combate, mientras que el ave hace referencia al poder espiritual protector asociado con las personas mayores yorubas.

Por lo tanto en combinación éstos emblemas sugieren que el jefe se encuentra físicamente y espiritualmente equipado para enfrentar todos los desafíos que se le puedan presentar.

Con respecto a la composición resaltar como el espacio alrededor de la figura está perforado, aunque el contorno suavemente curvado de la espada se mantiene mediante delicadas bandas de marfil.

Para finalizar subrayar que se conoce que la Espada Ceremonial (Udamalore) fue llevada por un jefe de alto rango de Owo (un estado yoruba, en la actual Owo es una localidad del estado de Ondo, en Nigeria) que alcanzó el poder regional en el siglo XVIII d.C. (período comprendido entre los años 1.701 d.C. y 1.800 d.C.).

En concreto la espada se colocaba en la cadera indicando el poder y el estatus de su portador durante la realización de ceremonias y celebraciones públicas.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Figura Femenina Elamita

La Figura Femenina Elamita es una escultura datada aproximadamente entre los años 1.500 a.C. y 1.100 a.C., perteneciente al arte elamita.

Figura Femenina Elamita

Lo primero que se conoce es que en el año 1.950 d.C. la escultura fue adquirida por el marchante de arte griego y dueño de la galería de arte "Segredakis", localizada en la ciudad de París (Francia), Nicolas Koutoulakis.

En el año 1.951 d.C. la Figura Femenina Elamita fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 18,3 cm, una anchura de 6 cm y un grosor de 3,6 cm. Está fabricada en cerámica.

Se trata de una escultura realizada a molde que representada a una figura femenina desnuda en posición de pie. 

En el rostro destacan los ojos grandes y bordeados, la nariz recta y los labios carnosos, además en la cabeza lleva un tocado estampado.

También se observa como tiene bandas cruzadas en los hombros, las bandas cuelgan a través de un anillo deslizante entre sus senos y se encuentran incisas con un patrón de espiga. Aparte lleva un collar, tres pulseras en cada muñeca y tobilleras.

Cabe destacar como aparece representada sosteniendo sus senos con las manos y su triángulo púbico está representado agrandado y formado por hileras de rizos.

Con respecto a la composición resaltar que el cuerpo plano está representado de forma voluminosa y las piernas distendidas son una características de las representaciones femeninas desnudas dentro del arte elamita.

Para finalizar subrayar que los investigadores consideran que aunque las imágenes de mujeres desnudas a menudo se han interpretado como figuras de fertilidad, la Figura Femenina Elamita también podría interpretarse como una interpretación de imagen erótica, debido a su pose frontal, las partes del cuerpo exageradas, los gestos provocativos y el cuerpo ricamente adornado.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Vasija con Ave y Texto Jeroglífico

La Vasija con Ave y Texto Jeroglífico es una vasija datada aproximadamente entre los años 600 d.C. y 900 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte maya.

Vasija con Ave y Texto Jeroglífico

Se conoce que fue hallada durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en el yacimiento arqueológico de Chichén Itzá.

Localizado a 2,5 km de la localidad de Pisté, situado en el municipio de Tinum, en el estado de Yucatán, al sureste de México.

Desde el año 1.971 d.C. la vasija perteneció a la colección de arte de Justin Kerr y Barbara Kerr.

Hasta que en el año 2.017 d.C. la Vasija con Ave y Texto Jeroglífico fue regalada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Vasija con Ave y Texto Jeroglífico

Descripción

Tiene una altura de 11,7 cm y un diámetro de 14,6 cm. Está fabricada en cerámica.

Se trata de una pequeña vasija o taza semiesférica de cerámica de color marrón anaranjado que originalmente fue utilizada para beber.

El cuerpo exterior de la vasija está ornamentado con un cartucho que encierra un ave acuática tallada (quizás el ave representado es un cormorán (también denominado phalacrocorax) o una garza) agarrando un objeto.

Aparte también se puede observar como hay tallada una banda diagonal compuesta por un total de seis bloques de texto jeroglífico. 

Para finalizar con respecto a la composición subrayar que el engobe mineral marrón oscuro y el estilo de tallado son característicos de un estilo cerámico conocido como Chocholá.

Además es denominado así debido a un pequeño pueblo situado en el norte de la península de Yucatán, que es dónde se originó éste tipo estilístico de cerámica.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Copa con Friso de Gacelas

La Copa con Friso de Gacelas es una copa datada aproximadamente entre los años 1.000 a.C. y 500 a.C., perteneciente al arte marlik.

Copa con Friso de Gacelas

Cabe destacar que los investigadores consideran que la copa pudo haber sido encontrada en la región del Caspio, en el noroeste de Irán.

En el año 1.961 d.C. la copa se encontraba en propiedad de la galería de arte "K.Rabenou Ltd.", ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.962 d.C. la Copa con Friso de Gacelas fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene una altura de 6,5 cm. Está fabricada en oro.

Se trata de una copa decorada con un friso en su cara exterior del cuerpo, se puede apreciar como sobre la parte exterior del cuerpo hay representadas un total de cuatro gacelas, marchando en procesión hacia el lado derecho y enmarcadas horizontalmente (arriba y abajo) por bandas guilloche (bandas curvilíneas entretejidas en curvas suaves que forman círculos).

Resalta como los cuerpos de las gacelas están representados con la técnica de repujado y se encuentran detallados con líneas finamente grabadas que indican la musculatura y el pelaje.

Además las cabezas salientes, las orejas y los cuernos fueron realizadas por separado y fijados al cuerpo mediante una soldadura coloidal, un proceso que utiliza pegamento y sal de cobre.

Aparte los cascos y los ojos se encuentran ahuecados, puede ser que originalmente éstos huecos podrían haber contenido incrustaciones de piedras preciosas.

Para finalizar subrayar que la decoración compuesta por motivos de gacelas de la Copa con Friso de Gacelas se encuentra influenciada tanto por el arte escita como por el arte mesopotámico.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América. 

Cáliz Palmer

El Cáliz Palmer, también conocido como Copa Palmer, es un cáliz datado aproximadamente en el siglo XIV d.C. (período comprendido entre los años 1.301 d.C. y 1.400 d.C.), perteneciente al arte islámico, en concreto al arte ayubí.

Cáliz Palmer

Cáliz Palmer

Cáliz Palmer

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte de la familia Palmer-Morewood.

Localizada en el condado de Warwickshire, situado en la región de Midlands del Oeste, en Gran Bretaña.

También se conoce que en julio del año 1.893 d.C. el Cáliz Palmer fue vendido a la casa de subastas Christie's de Londres (Gran Bretaña) por un precio de 1732 libras esterlinas. 

Después el cáliz pasó a la colección del banquero, coleccionista de arte y político judío británico Barón Ferdinand de Rothschild (también conocido como Ferdinand James Anselm Freiherr von Rothschild).

Cáliz Palmer

Hasta que en el año 1.898 d.C. el Cáliz Palmer fue comprado por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura total de 26,30 cm, la base tiene un diámetro de 12 cm, el peso del vidrio es de 186,24 g y el peso de la montura es de 206,29 g.

Está fabricado en vidrio, esmalte, oro y plata.

Se trata de un cáliz de vidrio transparente esmaltado y dorado que se encuentra montado sobre un pie de plata dorada repujada con flores de lis.

Cáliz Palmer

El cuerpo del cáliz se encuentra ornamentado con la escena de un príncipe sentado entre dos asistentes que sostienen espadas.

También aparecen representados tres asistentes más, llevando uno de ellos un palo de polo.

Además en la parte superior del borde hay una banda con una inscripción en escritura cúfica y realizada en oro sobre un fondo azul.

Cabe destacar que la inscripción es un poema de alabanza al vino, una línea que se ha atribuido al poeta Kushajim.

Una traducción aproximada de la inscripción es la siguiente:

"¡Arrepentíos! 

¡Mientras el cáliz esté en la mano del joven imberbe,

y el sonido de la segunda y tercera (cuerdas del laúd) es fuerte"

Cáliz Palmer

Se observa como el cáliz tiene un borde de pie plano con vuelta hacia arriba, aparte se aprecia como en la unión con el cuerpo del cáliz hay una decoración con forma de hojas.

El tallo está repujado con parejas de pájaros rosados posados en ramas, además también hay un pomo de cristal acanalado.

En la base, realizada en relieve, se encuentra ornamentada con un patrón de flor de lis, cada flor está representada en un entramado en forma de rombo. 

Con respecto a la composición destacar que las figuras han sido modeladas en un grueso esmalte blanco y también resaltar que las figuras han sido finamente doradas con detalles en color rojo y azul.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que originalmente el Cáliz Palmer debido a su forma de cáliz podría haber sido utilizado como un relicario.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.