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martes, 24 de febrero de 2026

El Hombre del Guante

El Hombre del Guante, también conocido como Retrato de Hombre o Joven con Guante, es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.520 d.C. y 1.523 d.C., perteneciente al arte renacentista.

El Hombre del Guante
El Hombre del Guante

Fue pintado por el pintor italiano Tiziano Vecellio di Gregorio (también conocido como Tiziano o Ticiano).

Lo primero que se conoce es que la pintura procede de la colección de la Galería Gonzaga de Mantua (también conocida como Galería Celeste), propiedad de los duques de Mantua.

En el año 1.627 d.C. la pintura pasó a manos del rey de Inglaterra, Escocia e Irlanda Carlos I de Inglaterra, junto con las piezas más valiosas de la colección.

Tras la decapitación del rey en el año 1.649 d.C. la pintura fue subastada y adquirida por el banquero francés Everhard Jabach.

Posteriormente, en el año 1.671 d.C., pasó a formar parte de la colección de arte del Palacio de Versalles (Francia), propiedad del rey de Francia Luis XIV (también conocido como "el Grande" o "el Rey del Sol").

Desde el Palacio de Versalles, El Hombre del Guante pasó en el año 1.792 d.C. a formar parte de la colección de arte del Museo del Louvre de París (Francia).

El Hombre del Guante



Descripción

Tiene una altura de 100 cm y una anchura de 89 cm, mientras que con el marco tiene una altura de 126 cm y una anchura de 114 cm. 

Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa un hombre joven de medio cuerpo que emerge de un fondo oscuro, con el torso mirando al frente.

El cuerpo está girado tres cuartos hacia la derecha, de cara al espectador, mientras que su rostro, girado a la izquierda se encuentra alerta y concentrado, pero sin emoción alguna, con la mirada fija en un punto indefinido lejos del espectador.

El brazo izquierdo descansa, junto con el borde de su capa, sobre un bloque de mármol, lo que confiere al hombre una postura relajada. 

Se encuentra ataviado con un abrigo negro holgado, un color característico de los miembros de la aristocracia o la clase alta de las ciudades del norte de Italia durante el siglo XVI d.C. (período comprendido entre los años 1.501 d.C. y 1.600 d.C.).

El abrigo revela una camisa blanca con cuello plisado, que ilumina su rostro, y puños con volantes que acentúan el color de sus manos sobre el fondo oscuro.

El brazo izquierdo descansa junto al borde del abrigo sobre un bloque de mármol, lo que confiere a la figura un aire grácil y familiar.

Sobretodo llama la atención como la mano izquierda enguantada sostiene un guante de cuero, un accesorio de los caballeros más refinados de la época.

También se puede observar como la mano derecha reposa sobre su regazo, exhibiendo en el dedo índice un anillo de oro, símbolo de riqueza.

Asimismo lleva alrededor del cuello un collar colgante adornado con un zafiro y una perla, que señala la pertenencia del joven retratado a una clase social superior.

El cabello corto está cuidadosamente peinado y en el rostro destacan las cejas pobladas, los ojos almendrados, la nariz recta, los labios carnosos y el mentón redondeado.

Es más el rostro joven llama la atención por su escasa barba y el ligero bigote (típico de los adolescentes), que atestigua discretamente la juventud del joven retratado.

También se puede apreciar como la firma del autor: "Ticianvs f." aparece como un cartucho en forma de incisión tallado en el bloque de mármol.

Con respecto a la composición resaltar como el autor envolvió el cuerpo del joven en la oscuridad de la ropa, para después que todo el cuerpo y la propia roja estuviera envuelta en la oscuridad del fondo, de tal manera que toda la atención del espectador se centre en el rostro.

La expresión del retratado transmite su personalidad mediante la observación minuciosa y la representación del su mirada y las manos, en lugar de a través de atributos y detalles decorativos.

La mirada del hombre se dirige hacia la derecha, en la misma dirección que el dedo de su mano derecha, sin guante, un gesto que transmite la voluntad decidida del joven.

Aparte destacar que aunque la pintura sigue siendo emblemática del estilo temprano del autor, representa su transición hacia su estilo maduro.

Para finalizar subrayar que El Hombre del Guante es el personaje epónimo de la novela "L'Homme au gant" de la autora Héliane Bernard y el escritor e historiador francés Christian Alexandre Fauré, volumen 2 de la saga histórica "Les Dents Noires".

Que relata la aventura en el año 1.517 d.C., el protagonista de la novela, un joven impresor, sin dinero y sin nombre que deja la ciudad de Lyon para ir a la ciudad de Venecia, siendo él El Hombre del Guante, a quien por un fabuloso giro del destino retratará el gran pintor italiano Tiziano.

Además resaltar que El Hombre del Guante también es el tema de un personaje ficticio en la novela "Le Turquetto" del escritor suizo Metin Arditi.

El autor imagina que ésta pintura fue creada por un judío turco exiliado en la ciudad de Venecia (Italia), un prodigio apodado Turquetto y que Tiziano la salvó de ser quemada, añadiendo su propia firma a la "T" estampada por el verdadero artista.

Actualmente se encuentra en el Museo del Louvre de París, Francia.

viernes, 2 de febrero de 2024

Violante

La Violante es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.510 d.C. y 1.515 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Violante

Fue pintado por por el pintor español Tiziano Vecellio di Gregorio (también conocido como Tiziano).

Lo primero que se conoce es que se encontraba en la colección del marchante y coleccionista de arte italiano Bartolomeo della Nave.

En el año 1.636 d.C. la pintura fue comprada el aristócrata inglés y tercer duque de Kent, Jorge de Kent.

En el año 1.659 d.C. la Violante fue adquirida por el militar, obispo y gobernante austríaco Leopoldo Guillermo de Habsburgo.

Hasta que en el año 1.921 d.C. la pintura pasó a formar parte de la colección de arte del Museo de Historia del Arte de Viena, ubicado en la ciudad de Viena, en Austria.


Descripción

Tiene una altura de 64,5 cm y 51 cm. Está pintada al óleo sobre tabla.

Se trata de una pintura que representa la figura de una mujer joven en posición tres cuartos mirando hacia el lado izquierdo sobre un fondo oscuro, además se observa como el brazo izquierdo se encuentra apoyado en un hipotético parapeto.

En el rostro destacan los ojos almendrados, con la mirada hacia el lado derecho, la nariz recta, los labios carnosos, los pómulos marcados y el mentón pronunciado. El cabello rubio y largo se encuentra peinado en un semirecogido que le deja el rostro y los hombros al descubierto.

Se encuentra ataviada con una camiseta interior blanca, de manga larga, con un gran escote y un borde con una cenefa dorada, sobre la camiseta lleva un vestido de cintura alta azul ornamentado con bordados con detalles geométricos y mangas amplias sujetas al cuerpo del vestido de color marrón.

Con respecto a la composición destacar como la pincelada es parcialmente muy delicada, la tracería de los detalles, así como los colores intensamente luminosos gracias al uso de la madera como superficie del cuadro.

Además resaltar que la sensual belleza física (la piel que parece respirar, el cabello sedoso y brillante) se ve realzada por el espléndido vestido con su material rico en matices. 

Para finalizar subrayar que el título de la pintura hace referencia a que la mujer representada se ha identificado con Violante, quién era la hija del pintor italiano Jacopo Negretti (también conocido como Palma el Viejo).

Actualmente se encuentra en el Museo de Historia del Arte de Viena, Austria.

domingo, 18 de junio de 2023

Venus Anadiómena

La Venus Andiómena, también conocida como Venere Anadiomene, es una pintura datada aproximadamente en el año 1.520 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Venus Andiómena
Fue pintada por el pintor italiano Tiziano Vecellio di Gregorio (también conocido como Tiziano).

Lo primero que se conoce es que la pintura se encontraba en posesión de la duquesa de Bremen y princesa de Verden Cristina de Suecia.

También es conocido que perteneció a la colección de arte del conde de Ellesmere.

Después perteneció al sexto duque de Sutherland, quien en el año 1.945 d.C. lo prestó junto con otras 26 pinturas a la Galería Nacional de Escocia.

Después de la muerte del duque ocurrida en el año 2.000 d.C. la pintura pasó a ser propiedad del séptimo duque de Sutherland, Francis Egerton.

Hasta que en el año 2.003 d.C. la Venus Anadiómena fue comprada por la Galería Nacional de Escocia, ubicada en la ciudad de Edimburgo, en Escocia (Gran Bretaña).

Como curiosidad resaltar que después de la venta al museo Francis Egeton dijo: "Para todos los efectos, nada ha cambiado, excepto que la pintura ahora pertenecerá a la nación".


Descripción


Tiene una altura de 73,6 cm y una anchura de 58,4 cm. Está pintada al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa la figura de la diosa Venus (diosa del amor, de la belleza y de la fertilidad) desnuda, saliendo del mar y retorciéndose el cabello, después de su nacimiento en plena madurez.

La diosa aparece representada con el cuerpo voluptuoso girado hacia el lado derecho, caminando hacia delante y con la espalda ligeramente encorvada.

La cabeza se encuentra girada hacia el lado izquierdo mirando de soslayo, mientras que en el rostro ovalado destacan los ojos almendrados, la nariz recta y los labios pequeños y carnosos.

Además se aprecia cómo el cabello castaño es largo y ondulado, resalta como con las manos se retuerce y desenreda el pelo que le cae por delante del cuerpo.

En el fondo de la composición destaca cómo la diosa se encuentra metida en el agua hasta la altura de las rodillas, aparte se observa como en la parte inferior derecha hay representada una pequeña concha de viera flotando sobre el mar.

En cuanto al cielo, éste aparece representado en un tono azul-violeta oscuro dónde resaltan algunas nubes oscuras y que contrasta con el azul del mar.

Cabe destacar que durante una restauración la pintura fue sometida a una radiografía que reveló que originalmente la cabeza de la diosa se encontraba representada en una posición diferente.

Para finalizar subrayar que la pintura hace referencia a la leyenda en la que el titán Saturno (personificación del Tiempo) destronó y mató a su padre el dios Caelus (dios de los cielos), Saturno le cortó los genitales y los arrojó al mar.  

Cuando los genitales cayeron al mar del contacto con el agua y el roce de la espuma nació la diosa Venus, simbolizando la fecundación del mar por el cielo. 

Sin embargo el momento representado en la pintura alude a la llegada de la diosa Venus sobre una concha a la playa de una de las islas siguientes islas: Chipre, Pafos o Citerea.

Según la leyenda la diosa fue transportada por el dios Céfiro (dios del viento oeste) hasta la tierra, siendo acogida por las diosas Horas (diosas de las estaciones) que la vistieron y condujeron a la morada de los dioses.  

Actualmente se encuentra en la Galería Nacional de Escocia, Gran Bretaña.

domingo, 22 de enero de 2023

Noli Me Tangere

Noli Me Tangere es una pintura datada aproximadamente en el año 1.512 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Noli Me Tangere

Fue pintada por el pintor italiano Tiziano Vecellio di Gregorio (también conocido como Tiziano).

En el año 1.648 d.C. la pintura se encontraba en la colección Muselli de Verona, ubicada en la ciudad de Verona, en la región de Véneto (Italia).

Después en el año 1.727 d.C. pasó a pertenecer a la colección del príncipe francés de la rama Borbón de la Dinastía de los Capetos y duque de Orleans, Gastón de Francia (también conocido como Gastón de Orleans).

Hasta que en el año 1.856 d.C. Noli Me Tangere fue legada a la National Gallery de Londres (Galería Nacional de Londres), Gran Bretaña.


Descripción

Tiene una altura de 109 cm y una anchura de 91 cm. Está pintado al óleo sobre tela.

Se trata de una pintura que representa el tema bíblico de la resurrección de Jesús mencionada en el Nuevo Testamento, en el Evangelio de Juan (20:14-18).

Aparece representado el momento en el que la discípula de Jesús, María Magdalena se encuentra la tumba de Jesús vacía por lo que pregunta a la persona que en principio pensó que era un jardinero de hierbas por el cuerpo de Cristo. 

En concreto se representa el momento en que Jesús se da a conocer. Se puede observar como Jesús aparece representado en el lado derecho, en posición de pie, sosteniendo una azada con su mano izquierda y ataviado con una túnica corta anudada a la cintura y un manto blanco anudado al cuello.

María Magdalena aparece representa arrodillada a la izquierda de Cristo, mirándole, con la mano derecha intenta tocarle, mientras que con la mano izquierda se apoya en el suelo. Además se aprecia como está ataviada con una túnica blanca y un manto rojo.

El fondo es un paisaje bucólico dónde destaca como en el lado izquierdo de la composición aparecen representadas varias casas en una colina.

Con respecto a la composición destacar que el gran árbol situado a la izquierda de la composición prolonga visualmente la figura de Cristo dotándola de mayor monumentalidad.

Además el intenso cromatismo, inspirado en los principios del tonalismo, crea grandes campos de color que dan vigor expresivo a las figuras.

La pintura también destaca por la suave inserción de las figuras en el paisaje y por los efectos materiales de los tejidos que han sido realizados mediante una pincelada ágil y rápida.

También resaltar que durante una restauración y mediante la utilización de los rayos "X" se descubrió una posición diferente de Cristo en el dibujo de abajo.

Para finalizar subrayar que el título de la pintura "Noli Me Tangere" significa "no me toques" y son las palabras que Jesús pronunció a María Magdalena cuando, después de su resurrección, se apareció a sus afligidos seguidores en el huerto de Gersamaní (Jerusalén).

Actualmente se encuentra en la National Gallery de Londres, Gran Bretaña.

viernes, 13 de enero de 2023

Venus del Espejo

La Venus del Espejo es una pintura datada aproximadamente en el año 1.555 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Venus del Espejo

Fue pintada por el pintor italiano Tiziano Vecellio di Gregorio (también conocido como Tiziano).

Se conoce que la pintura se encontró hasta el año 1.576 d.C. en la casa del pintor italiano Tiziano, ubicada en la ciudad de Venecia (Italia).

En el año 1.581 d.C. la Venus del Espejo fue vendida, junto con todo el contenido de la casa del pintor, por su hijo y heredero Pompio Vecellio.

Siendo comprada por el coleccionista y aristócrata italiano Christoforo Barbarigo.

En el año 1.850 d.C. fue el cónsul y general ruso en la ciudad de Venecia (Italia) A. Kvostov, quien compro la pintura junto con un gran número de obras maestras a la familia Barbarigo.

Por un precio de 525.000 francos para el zar del Imperio Ruso y rey de Polonia Nicolás I de Rusia, por lo que la Venus del Espejo pasó a formar parte de la colección de la Museo del Hermitage de San Petersburgo (Rusia).

En el año 1.931 d.C. con el fin de obtener divisas para el primero de los planes quinquenales de la economía de la Unión Soviética fueron el político, revolucionario y dictador soviético Iósif Vissariónovich Dzhugashvili (también conocido como Iósif Stalin) y el gobierno soviético quienes vendieron en secreto la pintura, junto con otras obras maestras, a un sindicato de comerciantes de arte.

Éstos comerciantes de arte vendieron la Venus del Espejo al coleccionista de arte, banquero y político estadounidense Andrew William Mellon.

En el año 1.937 d.C. la pintura fue donada al Gobierno de los Estados Unidos de América y en el año 1.941 d.C. la Venus del Espejo pasó a formar parte de la colección de arte de la Galería Nacional de Arte de Washington D.C. (Estados Unidos de América).


Descripción

Tiene una altura de 124 cm y una anchura de 104 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa la diosa Venus (diosa del amor, de la belleza y la fertilidad) con dos putti (figuras de niños desnudos con alas en la espalda que representa al dios Cupido (dios del amor)) en el interior de una habitación.

La diosa se encuentra representada en posición sedente, con la espalda ligeramente inclinada hacia delante y la cabeza girada hacia el lado izquierdo.

Además se encuentra con el torso al descubierto, se aprecia como con la mano derecha sostiene un manto de terciopelo rojo, decorado con un borde ornamentado con un patrón geométrico y un forro de piel marrón oscura, que le cubre la parte inferior del cuerpo, mientras que la mano izquierda reposa sobre su pecho desnudo.

En el rostro redondeado destacan los ojos almendrados, la nariz recta, los labios carnosos, los pómulos rosados y el mentón redondeado.

Se puede apreciar como el cabello largo y rubio se encuentra recogido en un elaborado peinado y entrelazado con una diadema y perlas. Aparte lleva anillos, pulseras y pendientes de perla con forma de lágrima.

Los dos putti se encuentran representados en el lateral izquierdo de la composición, uno de ellos está representado de pie, de espaldas al espectador y sosteniendo un espejo rectangular negro en el cuál la diosa mira su reflejo. 

Mientras que el otro putti está representado detrás del escudo sosteniendo en alto con su mano derecha una corona de myrtus (también conocido como mirto, arrayán o murta) con la que intenta coronar a la diosa.

Para finalizar subrayar que gracias a los trabajos de restauración y mediante el uso de "rayos X" se ha descubierto que originalmente el pintor pintó otro retrato en el mismo lienzo que no fue acabado y lo único que se ha conservado es el manto rojo que envuelve la parte inferior del cuerpo de la diosa.

También resaltar que el tema de la Venus del Espejo ha sido representado por numerosos artistas incluyendo al pintor francés Simon Vouet, al pintor alemán Pedro Pablo Rubens (también conocido como Peter Paul Rubens, Pieter Paul, Pieter Pauwel o Petrus Paulus) y al pintor español Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (también conocido como Diego Velázquez) entre otros.

Incluso la pintura sirvió de inspiración para la protagonista "Severin von Kusiemski" de la novela erotica del año 1.870 d.C. "La Venus de las Pieles" del escritor austriaco Leopold von Sacher-Masoch.

Actualmente se encuentra en la Galería Nacional de Arte de Washington D. C., Estados Unidos de América.

miércoles, 27 de julio de 2022

Alegoría de la Prudencia

La Alegoría de la Prudencia es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.550 d.C. y 1.565 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Alegoría de la Prudencia

Fue pintada por el pintor italiano Tiziano Vecellio di Gregorio (también conocido como Tiziano).

Se conoce que se encontraba en la colección de arte del cuarto Conde de Aberdeen y político británico George Hamilton-Gordon.

Posteriormente perteneció al banquero, cónsul, coleccionista de arte y filántropo británico Alfred Charles Freiherr de Rothschild.

Después la pintura perteneció a la colección de arte del marchante de arte David Maurits Koetser y su esposa Betty Koetser.

Hasta que en el año 1.996 d.C. la Alegoría de la Prudencia fue adquirida por la National Gallery de Londres, Gran Bretaña.


Descripción

Tiene una altura de 75,5 cm y una anchura de 68,4 cm. Está pintada al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura en la que aparecen representadas tres cabezas masculinas en diferentes etapas de la vida que se encuentran emparejadas con tres cabezas de animales.

A la derecha se encuentra representadla la cabeza de un anciano barbudo llevando una gorra roja y emparejado con la cabeza de un lobo.

Situado en el medio hay representado un hombre de mediana edad con el cabello y la barba oscuros que está emparejado con la cabeza de un león.

Mientras que situada al lado izquierdo se encuentra representada la cabeza de un hombre joven emparejada con la cabeza de un perro.

Además sobre ellos hay inscrita una inscripción en latín, destaca como la inscripción se encuentra dividida con el fin de corresponder a las tres cabezas.

La inscripción es la siguiente:

"EX PRAETE

RITO

PRAESENS PRVDEN

TER AGIT 

NI FVTVRA

ACTIONE DE

 TVRPET"

Siendo la traducción aproximada de la inscripción la siguiente:

"Aprendiendo de ayer, hoy actúa con prudencia para que su acción no estropee el mañana"

Con respecto a la composición destacar que las imágenes de rayos "X" y la reflectografía infrarroja revelaron que la composición fue pintada sobre una figura diferente.

Alegoría de la Prudencia

Aparentemente una figura con un cuello ancho, vista desde atrás y mirando hacia la izquierda.

Además se realizaron alteraciones en la cabeza del anciano durante su ejecución. Se observa como la ejecución de las cabezas tienen un acabado y calidad diferente, siendo la cabeza central la más sutil y vibrante.

Aparte resaltar que la pintura se encuentra iluminada desde el lado derecho, lo que sugiere que originalmente la pintura pudo haber estado pintada para un lugar específico o incluso quizás estuviera destinada a ser vista desde lejos.

Para finalizar subrayar que el significado y el propósito de ésta pintura han sido objeto de numerosos debates.

Algunos investigadores sugieren que la pintura puede tener una naturaleza autobiográfica, puesto que representaría a Tiziano (izquierda), su hijo Orazio (centro) y su sobrino Marco Vecellio (derecha). Sin embargo aunque las tres cabezas coinciden bastante bien con las edades relativas de los tres miembros de la familia de Tiziano no se parecen especialmente a ellos.

Otros investigadores consideran que la pintura podría ser una representación de las tres edades del hombre: juventud, madurez y vejez. 

Es más consideran que los animales también tienen un significado simbólico: el perro representaría el aprendizaje ocurrido durante la juventud, el león significaría la fuerza y el poder de la madurez y el lobo representaría la soledad de la vejez.

Actualmente se encuentra en la National Gallery de Londres, Gran Bretaña.

miércoles, 6 de octubre de 2021

Flora

Flora es una pintura datada aproximadamente en el año 1.515 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Flora

Fue pintada por el pintor italiano Tiziano Vecellio di Gregorio (también conocido como Tiziano).

Se conoce que en el siglo XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.700 d.C.) la pintura perteneció al embajador de España en la ciudad de Ámsterdam (Holanda), Alfonso López.

Después pasó a formar parte de la colección de arte del militar, obispo y gobernante austríaco Leopoldo Guillermo de Austria.

Posteriormente perteneció a la colección de arte del Museo de Historia del Arte de la ciudad de Viena (Austria).

Hasta que en el año 1.793 d.C. Flora pasó a formar parte de la Galería Uffizi, localizada en la ciudad de Florencia, en Italia.


Descripción

Tiene una altura de 79 cm y una anchura de 63 cm. Está pintada en pintura al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa a la diosa Flora (diosa de la primavera, de las flores y de los jardines). La diosa se encuentra representada como una mujer joven de tez pálida sobre un fondo oscuro. Se observa como únicamente aparece representada con la mitad superior del cuerpo.

La cabeza se encuentra ligeramente inclinada hacia el lado derecho. En el rostro destacan los ojos almendrados, la nariz recta, los labios carnosos con el labio inferior más grande que el superior y el mentón redondeado.

El cabello castaño-rubio claro, largo y ondulado está semirecogido en la parte posterior de la cabeza con mechones cayendole sobre los hombros.

Se encuentra ataviada con una amplia camisa plisada con mangas largas que le deja casi al descubierto el pecho izquierdo, además con su mano izquierda sujeta la camisa y un manto de tonos rosados ornamentado con flores.

También se aprecia como el manto le cae por la espalda y está enrollado a la altura de su cintura. Aparte con la mano derecha sostiene diversas flores y hojas.

Con respecto a la composición destaca el uso de la policromía con una armonía de colores que exalta la belleza de la mujer, la figura femenina se encuentra representada sugiriendo un movimiento circular a través del movimiento de las manos y hombros, así como la posición de la cabeza ligeramente inclinada.

Además se piensa que la mujer aparece representada simbolizando el equilibrio perfecto de la esposa ideal, es decir, que tenía seriedad de cara al público pero también tenía pasión en la intimidad.

Sin embargo aunque para muchos investigadores la mujer representada es una esposa, otros consideran que podría ser una cortesana que vivió en la ciudad de Venecia (Italia) durante el siglo XVI d.C. (período comprendido entre los años 1.501 d.C. y 1.600 d.C.).

Para finalizar subrayar que los investigadores creen que la pintura fue pintada para una persona con un gran poder adquisitivo que vivió en la ciudad de Venecia (Italia), pero incluso en la actualidad el destinatario de la obra es desconocido.

Actualmente se encuentra en la Galería Uffizi de la ciudad de Florencia, en Italia.

viernes, 23 de julio de 2021

La Bella

La Bella es una pintura datada aproximadamente en el año 1.536 d.C., perteneciente al arte renacentista.

La Bella

En concreto se encuentra englobada dentro del estilo artístico y movimiento del manierismo considerado como el último período dentro del arte renacentista.

Fue pintado por el pintor italiano Tiziano Vecellio di Gregorio (también conocido como Tiziano).

Se conoce que hasta el año 1.624 d.C. la pintura perteneció a la colección de arte de la Gran Duquesa consorte de Toscana Victoria della Rovere

Después en ese mismo año (1.624 d.C.) pasó a formar parte de la colección de arte de la "Gallerie degli Uffizi".

Hasta que en el año 1.956 d.C. La Bella fue incluida en la colección de arte y expuesta en la "Sala di Venere" en la Galería Palatina, localizada en la ciudad de Florencia, situada en la región de la Toscana, en Italia


Descripción

Tiene una altura de 89 cm y una anchura de 75,5 cm. Esta pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de un retrato que representa a una dama desconocida en posición de pie tres cuartos mirando hacia la derecha.

Está ataviada con un vestido de terciopelo azul oscuro ornamentado con bordados dorados. Las mangas a la altura de los hombros son anchas y abollonadas, además las mangas a la altura de los brazos son de color amaranto y están decoradas con pequeñas borlas blancas.

También se puede apreciar la camisa interior blanca que sobresale en el extremo de las mangas y en el escote del cuello.

En el rostro ovalado destacan los ojos almendrados con la mirada dirigida al espectador, la nariz recta, los pómulos rosados y los labios carnosos.

El cabello se encuentra peinado en un recogido muy elaborado. Se observa como del cuello le cuelga una larga cadena de oro y en las orejas tiene pendientes de perlas.

La mano derecha sostiene el cordón dorado con borla que le cuelga del cinturón, mientras que la mano izquierda está representada cruzada sobre su regazo y apuntado con sus dedos hacia abajo.

Para finalizar con respecto a la composición destacar el fondo oscuro que resalta la figura femenina, así como el contraste de pinceladas rugosas y suaves que consiguen un efecto de refracción luminosa. 

Aparte se puede apreciar como las telas representadas en la vestimenta son caras y elegantes. Se puede observar como los rasgos característicos del rostro hacen que la mujer representada tenga una belleza ideal a la vez que una belleza realista.

Actualmente se encuentra en la Galería Palatina, en la ciudad de Florencia, Italia.

jueves, 13 de mayo de 2021

Venus de Urbino

La Venus de Urbino es una pintura datada aproximadamente en el año 1.538 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Venus de Urbino

En concreto se encuentra englobada dentro del período y estilo artístico del manierismo.

Se conoce que fue pintada por el pintor italiano Tiziano Vecellio di Gregorio (también conocido como Tiziano).

La pintura perteneció al condottiero (mercenario al servicio de las ciudades-estado italianas) italiano y duque de Urbino, Guiodobaldo II Della Rovere.

Cabe destacar que la pintura fue elaborada con motivo de la boda de Guidobaldo II Della Rovere con la noble italiana Giulia Varano.

El cuadro fue heredado por sus familiares hasta que perteneció a la última representante de la familia de los Della Rovere, la Gran Duquesa consorte de Toscana Victoria della Rovere.

En el año 1.637 d.C. Victoria della Rovere contrajo matrimonio con el quinto Gran Duque de Toscana Fernando II de Médici.

Por lo que la Venus de Urbino pasó a formar parte de la colección de arte de los Médici, también se conoce que en el año 1.654 d.C. la pintura se encontraba en la "Villa del Poggio Imperiale", localizada al sur de Florencia situada en la región de la Toscana, en Italia central.

Hasta que en el año 1.736 d.C. la Venus de Urbino pasó a formar parte de la colección de arte de la Galería de los Uffizi, localizada en la ciudad de Florencia, en Italia.

Venus de Urbino
(detalle)


Descripción

Tiene una altura de 119 cm y una anchura de 165 cm. Está pintada al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa a la diosa Venus (diosa del amor, de la sensualidad y de la belleza).

La diosa aparece representada en primer plano como una mujer joven completamente desnuda, se encuentra recostada sobre un diván tapizado en color rojo y cubierto por unas sábanas y almohadas blancas.

En el rostro destaca la mirada intrigante que se dirige directamente al espectador, también destacan la nariz recta, los labios carnosos y el mentón redondeado.

El cabello rizado y largo se encuentra recogido por medio de una trenza en la parte superior de la cabeza, mientras se observa como unos mechones rizados le caen por el hombro derecho. 

El brazo derecho se encuentra recostado entre las almohadas, con la mano derecha sostiene un ramillete de flores oscuras, mientras que el brazo izquierdo está estirado reposado sobre su cuerpo y con la mano izquierda tapa su sexo.

Aunque se la ha representado completamente desnuda, lleva un brazalete en la muñeca derecha, un anillo en la mano izquierda y unos pendientes en las orejas.

Venus de Urbino 
(detalle)

A la izquierda de la mujer, sobre las sábanas blancas, se encuentra representado un pequeño perro durmiendo.

En un segundo plano se observa una habitación, el suelo tiene baldosas con diseño geométrico, en la pared hay unos tapices colgados y una ventana con jambas, un alféizar, una columna y una planta de mirto (planta asociada con la diosa Venus).

Delante de la ventana hay representadas dos mujeres (dos criadas) vestidas, una de ellas está arrodillada buscando en un cajón y la otra se encuentra de pie situada a su lado.

Mirando a través de la ventana se observa como hay un paisaje con árboles y un cielo anaranjado.

En cuanto a la composición destacar el uso de la perspectiva y el efecto de profundidad que se aprecia sobretodo en el suelo de baldosas y en el paisaje que se observa por la ventana.

El uso de la policromia, en un primer plano predominan los colores cálidos (alternando el color rojo y blanco) que contrastan con los colores fríos utilizados en el segundo plano.

Así mismo se aprecia como el uso de la luz se complementa con el uso del color creando un claro contraste entre el primer plano y el segundo plano.

Cabe destacar que la pintura es una alegoría del matrimonio: la representación de la sensualidad y erotismo de la mujer simbolizan los deberes matrimoniales hacia el esposo, el perro simboliza la fidelidad conyugal y la mujer hurgando en el cajón está considerado un augurio de la maternidad.

Para finalizar subrayar que los cuadros de este tipo eran pintados con la finalidad de decorar habitaciones íntimas y tan solo estaban al alcance de las personas con un poder adquisitivo alto.

Además enfatizar que la Venus de Urbino fue una gran influencia y un referente para artistas posteriores como por ejemplo: 

- La Venus Dormida pintada por el pintor italiano Giorgio Barbarelli da Castelfranco (también conocido como Giorgione).

- La Venus del Espejo pintada por el pintor español Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (también llamado Diego Velázquez).

- La Maja Desnuda pintada por el pintor y grabador español Francisco Jose Goya y Lucientes

- La Olympia pintada por el pintor y grabador francés Édouard Manet.

Actualmente la Venus de Urbino se encuentra en la Galería de los Uffizi, en Florencia (Italia).

Columna de Palma de Sahura

La Columna de Palma de Sahura es una columna datada aproximadamente entre los años 2.458 a.C. y 2.446 a.C., perteneciente al arte egipcio ....