Estatua de Hermanos

La Estatua de Hermanos es una escultura datada aproximadamente en el año 1.994 d.C., perteneciente al arte coreano.

Estatua de Hermanos

Fue esculpida por el arquitecto coreano Choi Young-jeep.

Se encuentra ubicada a 160 metros a noroeste del ''War Memorial of Korea'', localizado en el distrito de Yongsan-gu, situado en la ciudad de Seúl, en Corea del Sur.

Descripción

Tiene una altura de 11 metros y una anchura de 18 metros. 

Se trata de una escultura compuesta por dos partes una exterior y otra parte interior. La parte exterior está compuesta por la figura de dos hombres un oficial surcoreano y su hermano menor que es un soldado norcoreano.

Estatua de Hermanos

La escultura representa el momento en que los dos hermanos se encuentran en el frente de batalla y se funden en un abrazo.

Cabe destacar que simboliza el amor fraternal, la reconciliación y el perdón.

La parte interior está compuesta por una cúpula en forma de tumba que ha sido edificada mediante el uso de diferentes piezas de granito recolectadas de diferentes área de Corea, simbolizando el sacrificio realizado por los soldados en la guerra.

Además la grieta en la cúpula es la representación de la división de Corea (Corea del Norte y Corea del Sur) y la esperanzada de una reunificación.

También en el interior se pueden apreciar objetos como un mosaico dispuesto en la pared que representa el espíritu de los coreanos para superar la tragedia nacional, aparte también hay una placa compuesta por un mapa de las 16 naciones aliadas que enviaron tropas a la guerra.

Estatua de Hermanos

Las naciones aliadas estaban formadas por los siguientes países:

Australia, Bélgica, Canadá, Colombia, Estados Unidos de América, Etiopía, Filipinas, Francia, Grecia, Nueva Zelanda, Países Bajos, Reino Unido, Tailandia, Taiwán, Turquía y Unión Sudafricana.

Cabe resaltar que en el tejado de la cúpula se encuentra una cadena de hierro que representa los lazos irrompibles de una Corea unificada.

Para finalizar subrayar que la intención del arquitecto coreano Choi Young-jeep era simbolizar el deseo de reunificación de Corea al mostrar a dos hermanos que se encuentran en batalla durante la Guerra de Corea: el hermano mayor de Corea del Sur y el hermano menor de Corea del Norte.

Además la Estatua de Hermanos no es sólo una escultura conmemorativa para los soldados, sino también es un museo informativo de recuerdos trágicos para la reconciliación futura en la Península de Corea.

Actualmente se encuentra en la ciudad de Seúl, Corea del Sur.

Cofre de Morgan

El Cofre de Morgan, también conocida como Cofre Morgan, es un cofre datado aproximadamente entre los siglos XI d.C. y XII d.C. (período comprendido entre los años 1.001 d.C. y 1.200 d.C.), perteneciente al arte islámico, en concreto al arte fatimí. 

Cofre de Morgan

Se conoce que fue fabricado en la Italia Meridional, es decir, en la parte sur de la península itálica que está compuesta por las regiones de: Abruzos, Apulia, Basilicata, Calabria, Campania y Molise.

En el año 1.880 d.C. el Cofre de Morgan fue comprado por el miembro del "Musée Royal d'Antiquites" de la ciudad de Bruselas (Bélgica), G.Vermeersch.

En el año 1.910 d.C. el cofre fue comprado en la ciudad de Roma por el empresario, banquero y coleccionista de arte estadounidense John Pierpont Morgan.

Siendo en el año 1.917 d.C. donado por John Pierpont Morgan, como parte de su herencia, al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Cofre de Morgan

Descripción

Tiene una altura total de 22,3 cm, una anchura total de 38,6 cm y una profundidad total de 22,5 cm.

La tapa tiene una altura de 7 cm, una anchura de 36,4 cm y una profundidad de 20,5 cm. 

Cofre de Morgan

El cuerpo tiene una altura de 13,5 cm, una anchura de 38,6 cm y una profundidad de 22,5 cm.

Está fabricado en marfil y hueso, mediante las técnicas de incisión y tallado.

Se trata de un cofre con forma rectangular compuesto por una tapa y un cuerpo, ambas partes tienen su superficie exterior ornamentada con diferentes motivos tallados. 

Fue fabricado uniendo un total de nueve paneles decorados, cuatro para el cuerpo y cinco para la tapa. 

Además la estructura se completó con cuatro tiras estrechas unidas al fondo de la caja.

Cofre de Morgan

Se puede observar como los paneles se encuentran inclinados y forman una pirámide truncada.

Cabe destacar que el cofre presenta un diseño inusual en sus esquinas, en cada una hay un par de figuras de hombres barbudos, con aspecto severo, parados en un pedestal y ataviados con túnicas y espadas.

Las figuras se tallaron primero como bloques individuales, para que después dos figuras en relieve se dispusieran en un ángulo de noventa grados de espaldas a la caja y sobresaliendo de su perímetro.

Debido a esto se puede apreciar como las unidades de las esquinas de los paneles del cuerpo son más cortos que los lados de la tapa, con lo que también hay dispuestas tiras estrechas que facilitan la transición entre ambas secciones.

Cofre de Morgan

El cofre da la impresión de ser excepcionalmente delicado y liviano debido al calado de la carrocería compuesta por:

Cuatro tiras estrechas conectadas verticalmente a los bordes inferiores de los paneles a través de clavijas cilíndricas espaciadas a intervalos regulares.

Se conoce que los sujetadores de metal, en la actualidad perdidos, modificaban significativamente la apariencia original.

Un solo broche y una placa de cierre rectangular se encontraban en el frente y dos grandes bisagras estaban situadas en la parte posterior.

Cofre de Morgan

Actualmente aún son visibles sus ubicaciones y los accesorios para un asa también son visibles en la parte superior de la tapa.

Originalmente había un total de diecisiete clavijas situadas a los lados más largos y ocho clavijas a lo largo de los lados más cortos, aunque la mayoría de las clavijas originales han sido reemplazadas.

Con respecto a la decoración figurativa situada en todos los paneles resaltar que no presenta una narrativa específica.

Los animales más grandes y las figuras humanas se encuentran representados rodeados por volutas vegetales, pequeños pájaros y hojas que llenan todos los espacios.

Además en toda la composición predomina la simétrica con parejas de animales enfrentados o un hombre armado con una lanza que está atacando a un felino de frente.

Cofre de Morgan

Sin embargo destacar que el panel frontal muestra un antílope y un animal cuadrúpedo con forma de grifo ambos representados hacia el lado derecho. 

También destaca la composición situada en uno de los laterales de la tapa, en la que aparece representada una mujer con velo sentada dentro de un howdah (palanquín) colocado sobre un camello arrodillado.

Para finalizar subrayar que los investigadores consideran que la calidad del tallado del Cofre de Morgan es excepcional, aparte de ser uno de los mejores ejemplos conservados de tallados islámicos fatimíes elaborados en la Italia Meridional.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Campana del Reino de Benín

La Campana del Reino de Benín es una campana datada aproximadamente en el siglo XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 1.900 d.C.), perteneciente al arte africano.

Campana del Reino de Benín

Se conoce que fue fabricada en el antiguo Reino de Benín (también conocido como Reino Edo), un antiguo Estado africano localizado al sudoeste de la actual Nigeria.

En el año 2.015 d.C. la Campana del Reino de Benín fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 37,9 cm, una anchura de 17 cm y una profundidad de 10,6 cm. Está fabricada en bronce.

Se trata de una campana de mano probablemente elaborada para un miembro menor del séquito real, puesto que se trata de una campana simple fabricada en bronce.

Cabe resaltar que la campana no tiene badajo (pieza que cuelga en el interior de una campana que al moverse y golpear sus paredes hace que suenen).

Campana del
Reino de Benín

Por lo que su timbre (tono) se produce al golpear su superficie exterior cuando se utilizaba en los rituales ceremoniales cortesanas anuales destinadas a repeler los espíritus malignos.

La ornamentación inusualmente elaborada de la campana y el mango incluyen pequeñas campanas crotales alienadas verticalmente a lo largo de los bordes.

También hay dos cabezas de leopardo (símbolo del poder real) que flanquea cada lado de la boca ovalada, aparte también en el borde hay una banda decorada con un patrón entrelazado.

Campana del
Reino de Benín

El frente se encuentra ornamentado por un caballo y un jinete en relieve, se puede apreciar como el jinete sostiene con su mano izquierda un bastón, mientras que con la mano derecha sostiene las riendas del caballo.

Además tanto el cuello, como la cabeza del caballo emergen de la superficie de la campana en tres dimensiones.

El dorso presenta en relieve un cocodrilo, símbolo del Oba (jefe) y su conexión con el dios Olokun (dios del mar), cabe destacar que éste es un tema que se repite al final del mango de la campana.

Con respecto al tratamiento de la superficie de la campana, se observa como las figuras se encuentran representadas sobre un fondo punteado con meandros en forma de vid, mientras que en la parte posterior hay representado un patrón floral (tulipán).

Para finalizar subrayar que éste tipo de campanas de mano elaboradas con representaciones ecuestres que simbolizan los logros masculinos son extremadamente raras, dado que apenas se conocen ejemplares.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Apoteosis de la Virgen

La Apoteosis de la Virgen es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.490 d.C. y 1.495 d.C., perteneciente al arte medieval, en concreto al arte gótico.

Apoteosis de la Virgen

Fue pintada por el pintor holandés Geertgen tot Sint Jans (también conocido como Gerrit Gerritsz o Gerardo de San Juan).

Se conoce que pertenece a la colección de arte del Museo Boijmans Van Beuningen.

Localizado en la ciudad de Róterdam, situada en la provincia de Holanda Meridional, al oeste de los Países Bajos.

Descripción

Tiene una altura de 27 cm y una anchura de 21 cm. Está pintada en tempera sobre tabla.

Se trata de una pintura que hace referencia al episodio en que la serpiente del pecado original es aplastada por una mujer como se predijo en Génesis 3:15, siendo la serpiente representada como un dragón y la mujer representada por la Virgen María siendo una sucesora de Eva. Pero sobretodo ésta pintura es una referencia al capítulo 12 del Apocalipsis de Juan. 

La Virgen María está representada en el centro ataviada con una camiseta interior de color negro y manga larga, encima lleva un vestido rojo ornamentado en el cuello mediante un borde dorado y una franja dorada que recorre en vertical la parte delantera del vestido.

Además lleva un manto rojo que le envuelve el cuerpo. En la parte superior de la cabeza lleva una corona con doce estrellas que descansa sobre una diadema de rosas blancas y rojas, siendo sostenida por dos serafines.

Se encuentra representada sentada sobre una luna creciente, aplastando a un pequeño dragón y sosteniendo en sus brazos al Niño Jesús que sujeta con sus manos dos campanillas (una en cada mano).

Apoteosis de la Virgen

Tanto la Virgen María como el Niño Jesús se encuentran rodeados por un resplandor dorado, también alrededor hay un total de tres círculos concéntricos de ángeles atenuados por la luminosidad del resplandor.

En el círculo interior hay representados querubines y serafines (ángeles con seis alas), dos de los cuales sostienen la corona de la Virgen María.

Los ángeles del segundo círculo llevan elementos de la Pasión: la lanza, la corona de espinas, la cruz, el martillo, los clavos, el látigo y un pilar o columna de la flagelación. 

Aparte se observa como tres de los ángeles, situados en la parte superior, llevan un cartel cada uno con la palabra "Sans de Sanctus", una referencia a la glorificación de la Virgen María.

Los ángeles representados en el anillo exterior tocan diferentes tipos de instrumentos musicales, destaca sobretodo uno de los ángeles representado en el lado derecho que toca campanas y tiene contacto visual con el Niño Jesús que también está tocando campanas.

Para finalizar subrayar que debido al pequeño tamaño de la pintura los investigadores piensan que la Apoteosis de la Virgen se encontraba destinada a ser colocada en una habitación de rezo perteneciente a algún particular.

Actualmente se encuentra en en el Museo Boijmans Van Beuningen, de la ciudad de Róterdam (Países Bajos).

Pequeña Máscara Quimbaya

La Pequeña Máscara Quimbaya es una máscara datada aproximadamente entre los años 500 d.C. y 600 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte quimbaya.

Pequeña Máscara Quimbaya

Cabe destacar que el año del hallazgo es desconocido.

Pero los investigadores creen que podría haber sido encontrada cerca del municipio de Calarcá.

Localizado en el departamento del Quindío (también conocido como El Quindío), ubicado en el centro-oeste de Colombia. 

En el año 1.910 d.C. la Pequeña Máscara Quimbaya fue comprada por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña).

Dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de África, Oceanía y América.

Descripción

Tiene una altura de 12 cm, una anchura de 12 cm y una profundidad de 4,50 cm. Está fabricada en tumbaga (aleación de oro y cobre), mediante la técnica de fundición a la cera perdida.

Pequeña Máscara Quimbaya

Se trata de una pequeña máscara con forma de rostro humano y con los ojos cerrados, también lleva un adorno en la nariz y muestra la boca abierta en la que se aprecian los dientes encalados.

Además se puede observar como en los laterales de la cabeza (en la frente y en las orejas) hay un total de tres pequeñas argollas.

Tres argollas en cada lado, de cada una de las argollas cuelga un colgante con forma rectangular.

Aunque en la actualidad tan solo se conservan cuatro colgantes, puesto que los dos colgantes de la oreja derecha se encuentran perdidos.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que debido a su pequeño tamaño originalmente la Pequeña Máscara Quimbaya podría haberse usado como parte de un objeto o haber sido ensamblada a una imagen o figura elaborada en otro material.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Santa Faz (El Greco)

La Santa Faz es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.586 d.C. y 1.595 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Santa Faz (El Greco)

Fue pintada por el pintor griego Doménikos Theotokópoulos (también conocido como El Greco).

Se conoce que originalmente se encontraba colocada en la sacristía de la iglesia parroquial de Móstoles, situada en el municipio de Móstoles.

Localizado en la comunidad autónoma de la Comunidad de Madrid (España). 

Hasta que en el año 1.944 d.C. la Santa Faz fue adquirida por el Museo de Prado de la ciudad de Madrid (España), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 71 cm y una anchura de 54 cm. Está pintada en óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa la reliquia de la Santa Faz, también conocida por el nombre de Velo de Verónica o Paño de Verónica.

Es decir, representa un acontecimiento ocurrido a Jesús en su subida al Calvario (también conocido como el Gólgota), un lugar que se encontraba próximo al exterior de las murallas de la ciudad de Jerusalén y dónde según los evangelios fue crucificado Jesús.

Santa Faz

Por lo tanto aparece representado como durante el Viacrucis (diferentes momentos vividos por Jesús desde su prendimiento hasta su crucifixión) una mujer conocida como "la Hemorroísa curada por Jesús", para después ser identificada como Verónica (también llamada Serafina).

Ofreció un paño blanco a Jesús para que se limpiara el sudor y la sangre, después de que el paño fuera usado la tela quedó milagrosamente impresa con el rostro de Cristo.

Con respecto a la composición destaca la representación del rostro alargado de Cristo, con el cabello largo y frondoso, los ojos almendrados, la nariz recta, los labios finos y restos de sangre a la altura de la frente.

También resalta como la tela está representada con diferentes pliegues que dotan de profundidad y textura al paño. Además en la parte superior se aprecia como la tela se encuentra arrugada en dos montones como si se el paño se estuviera agarrando con fuerza. 

Para finalizar subrayar que la imagen de la Santa Faz es una iconografía que se hizo conocida y muy utilizada en las representaciones de arte desde finales de la Edad Media.

Actualmente se encuentra en el Museo del Prado en Madrid (España). 

Sistro Inscrito con el Nombre del Faraón Teti

El Sistro Inscrito con el Nombre del Faraón Teti es un instrumento musical datado aproximadamente entre los años 2.323 a.C. y 2.291 a.C., perteneciente al arte egipcio.

Sistro Inscrito con el Nombre del Faraón Teti

Aunque el año del hallazgo es desconocido, se conoce que se encontró durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en la ciudad de Menfis.

La capital del Imperio Antiguo de Egipto, localizada al sur del delta del río Nilo, en Egipto.

En el año 1.920 d.C. fue comprado en la ciudad de El Cairo (Egipto) por el aristócrata, arqueólogo, fotógrafo, egiptólogo, antropólogo y político inglés George Edward Stanhope Molyneux Herbert (también conocido como V Conde de Carnarvon o Lord Carnarvon).

En el año 1.926 d.C. el Sistro Inscrito con el Nombre del Faraón Teti fue adquirido por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

¿Quién fue Teti?

Teti fue el primer faraón de la IV dinastía del Imperio Antiguo de Egipto, se conoce que gobernó aproximadamente entre los años 2.322 a.C. y 2.313 a.C., aunque la mayoría de los egiptógolos piensan que pudo reinar por un período de entre diez y doce años. 

Sistro Inscrito con el 
Nombre del Faraón Teti

Descripción

Tiene una altura de 26,5 cm, una anchura de 7 cm y un diámetro de 2,7 cm. Está fabricado en travertino (alabastro egipcio), pigmento y resina.

Se trata de un instrumento musical de percusión conocido con el nombre de sistro, es una especie de sonajero musical que era agitado en cadencia marcando el ritmo en las ceremonias religiosas.

Antiguamente se consideraba que su música relajante desalentaba la violencia de las deidades peligrosas, en especial de la diosa Sejmet o Sekhmet (diosa de la guerra, de la venganza, de la curación, protectora de los faraones y su guía en la guerra) y la diosa Hathor (diosa de la alegría, la maternidad, del amor, de la fertilidad y la vida).

El mango tallado se encuentra formado por un tallo de papiro coronado con una flor de umbela (tipo de inflorescencia indefinida abierta o racemosa) que sostiene una pequeña naos (santuario) con una cornisa de caveto coronada por la figura de un halcón.

Sistro Inscrito con el Nombre del Faraón Teti (detalle)

Se puede observar como el halcón aparece representado alzado con orgullo en la cima directamente detrás de la figura de una cobra erguida.

En la base de la naos (santuario) hay unos orificios para pequeñas varillas de cobre equipadas con discos tintineantes.

Aunque actualmente tanto las varillas, como una de las paredes que formaban la caja de resonancia no han llegado hasta la actualidad.

Tan sólo se conservan los rastros de cardenillo que atestiguan su antigua presencia.

Se puede apreciar como el mango y el naos (santuario) se encuentran ornamentados con una serie de inscripciones verticales incisas en escritura jeroglífica.

Cabe destacar que los investigadores piensan que la inscripción podría ser un acertijo vinculado a textos tardíos que consideran el instrumento musical como la encarnación de la diosa Hathor.

Sistro Inscrito con el
Nombre del Faraón Teti

En la parte posterior del naos (santuario) hay una inscripción escrita en tres columnas, siendo su traducción aproximada la siguiente: 

- "Faraón del Alto y Bajo Egipto, Hijo de Ra, Teti"

- "El que pacifica las dos tierras"

- "El propiciador, el unificador"

- "Dada la vida y el dominio para siempre"

Sistro Inscrito con el 
Nombre del Faraón Teti

Aparte la inscripción vertical del mango está compuesta por las siguientes inscripciones: 

"Faraón del Alto y Bajo Egipto, Hijo de Ra, Teti, Amado de Hathor, Amante de Dendera , dado vida para siembre".

También situada después del nombre de la diosa y su título hay una representación de la figura de la diosa sosteniendo una flor de loto con su mano.

Para finalizar subrayar que el sistro era un instrumento musical específico del Egipto faraónico, además el Sistro Inscrito con el Nombre del Faraón Teti es uno de los primeros ejemplos conocidos que han llegado hasta la actualidad.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América. 

Concha Sumeria Tallada

La Concha Sumeria Tallada es una placa datada aproximadamente entre los años 2.600 a.C. y 2.500 a.C., perteneciente al arte mesopotámico.

Concha Sumeria Tallada

Cabe destacar que tanto el año como el lugar del hallazgo es desconocido, pero los investigadores piensan que pudo haber sido encontrada en la antigua ciudad de Lagash.

Actualmente sus ruinas se conocen como Tell al-Hiba, situadas al noroeste de la unión del río Éufrates con el río Tigris, en Irak.

Lo primero que se conoce es que la placa se encontraba en la colección de arte de la "Galerie François Antonovich", localizada en la ciudad de París, en Francia.

Hasta que en el año 1.984 d.C. la Concha Sumeria Tallada fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 6 cm, una anchura de 5,3 cm y una profundidad de 3,1 cm. Está fabricada en concha, mediante las técnicas de incisión, grabado y tallado.

Se trata de una placa de concha tallada y grabada con la imagen de un toro con cabeza humana que está siendo atacado por un águila con cabeza de león sobre un fondo compuesto por vegetación.

Resalta como ambas criaturas se encuentran representadas con los cuerpos de perfil y las cabezas de frente mirando directamente al espectador.

Además el cuerpo del toro con cabeza humana es robusto y poderoso, se observa como su larga cola roza el suelo. En el rostro destacan los ojos grandes cuyas pupilas están enfatizadas mediante finas incisiones.

También llama la atención como el rostro está rodeado por una barba de largos mechones individuales, cada uno de los cuales termina en un rizo. Aparte una hilera de rizos cortos es visible en la frente, debajo de las grandes orejas y los cuernos bovinos.

El águila con cabeza de león le agarra la espalda con garras que se representan como manos humanas y le clava los dientes en el lomo del toro con cabeza humana.

Las plumas del águila se encuentran representadas mediante grandes áreas sombreadas y su cabeza de león se muestra completa y con orejas.

Cabe resaltar que se desconoce la funcionalidad original de ésta placa tallada, pero es probable que originalmente podría haber sido fijada en betún (una sustancia similar al alquitrán que es utilizada como adhesivo) a trozos de concha y piedras con la finalidad de crear una composición de un mosaico.

Para finalizar subrayar que tanto el toro con cabeza humana como el águila con cabeza de león aparecen con frecuencia en el arte mesopotámico del período dinástico temprano, dónde a menudo se muestran en combate con otros animales, ya sean reales, sobrenaturales o con figuras humanas.

Es más la figura del águila con cabeza de león se encontraba especialmente asociada con la ciudad-estado de Lagash y con su deidad principal Ningirsu (dios protector de Lagash, dios guerrero y eliminados de demonios). 

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Soporte de Recipientes con Figura de Cabra Montés

El Soporte de Recipientes con Figura de Cabra Montés es un soporte datado aproximadamente entre los años 2.600 a.C. y 2.500 a.C., perteneciente al arte mesopotámico.

Soporte de Recipientes con Figura de Cabra Montés

Cabe resaltar que el lugar y el año del hallazgo es desconocido.

Sin embargo los investigadores piensan que pudo haber sido encontrado en la antigua ciudad de Kish.

Situada a 15 km al este de la ciudad de Babilonia, localizada en la región central-sur de Mesopotamia.

También se conoce que perteneció a la colección de arte del marchante de arte neoyorquino Elias S. David.

Hasta que en el año 1.974 d.C. el Soporte de Recipientes con Figura de Cabra Montés fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Soporte de Recipientes
con Figura de Cabra Montés

Descripción

Tiene una altura de 40 cm, una anchura de 24,3 cm y una profundidad de 22,1 cm. 

Está fabricado en aleación de cobre, con incrustaciones de concha y lapislázuli.

Se trata de un soporte compuesto por cuatro aros sostenidos por la figura de una cabra montés en posición erguida. 

Los investigadores piensan que originalmente podría haber sido un soporte para lámparas o cuencos que podrían haber contenido ofrendas o incienso, habiendo utilizado durante rituales en algún templo.

Soporte de Recipientes con 
Figura de Cabra Montés

Es conocido que el soporte fue fabricado mediante un sofisticado método de trabajo en metal conocido como la técnica a la cera perdida.

Es decir, primero la figura del soporte fue esculpida en cera y rodeada con arcilla, al endurecerse la arcilla en un molde todo el soporte se horneó. 

Con el calor la cera se fundió dejando un espacio negativo que se corresponde con la imagen de la cera, luego se vertió metal fundido en la cavidad vacía dejada por la cera. 

Por lo tanto se consiguió una reproducción del modelo de cera original, seguidamente se realizaron las incrustaciones de concha y lapislázuli para representar los ojos de la figura de la cabra montés.

Para finalizar destacar que que se sabe que el soporte fue elaborado durante el período Dinástico Arcaico (también conocido como período protodinástico de Mesopotamia o período presargónico).

Además éste tipo de soportes eran utilizados en los rituales de los templos para ofrecer comida, bebida y probablemente incienso a los dioses.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Sarcófago de Wennefer

El Sarcófago de Wennefer es un sarcófago datado aproximadamente entre los años 380 a.C. y 332 a.C., perteneciente al arte persa.

Sarcófago de Wennefer

Los investigadores piensan que pudo haber sido encontrado durante las excavaciones arqueológicas realizadas para el gobierno egipcio.

Por el egiptólogo y arqueólogo francés Françoise Auguste Ferdinand Mariette.

En el interior de la Tumba de Wennefer, localizada en la ciudad de Menfis, situada al sur del delta del río Nilo (Egipto).

Para después ser en el año 1.910 d.C. la tumba redescubierta por el egiptólogo británico James Edward Quibell.

En el año 1.911 d.C. el Sarcófago de Wennefer fue comprado a las autoridades egipcias por el Museo Metropolitano de Arte del Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Sarcófago de Wennefer

Descripción

La caja presenta una altura de 113 cm, una anchura de 150 cm y una longitud de 258 cm.

Mientras que la tapa tiene una altura de 49 cm, una anchura de 151 cm y una longitud de 258 cm.

Está fabricado en granito o granodiorita (roca ígnea con una textura similar al granito), mediante las técnicas de incisión y tallado.

Sarcófago de Wennefer

Se trata de un sarcófago con forma trapezoidal compuesto por una caja y una tapa decoradas mediante inscripciones y grabados.

La parte superior de la tapa se encuentra ornamentado con el "Ba" (como es conocido la parte de una persona que vivía después de la muerte del cuerpo, también denominado "alma") de Wennefer.

Sarcófago de Wennefer

Se puede observar como está representado con un aspecto de su ser intangible en forma de ave con cabeza humana, que volaría desde la tumba para unirse con "Ka" (fuerza vital) en su vida futura.

Además hay diversas inscripciones con textos compuestos por hechizos del "Libro de los Muertos" que estaban destinados a garantizar la transformación exitosa de Wennefer en un espíritu.

En la parte inferior de la tapa hay una representación de la diosa Nut (diosa del cielo) con sus extremidades extendidas con la finalidad de proteger a la momia que una vez se encontraba dentro de la caja del sarcófago.

La parte exterior de la caja se encuentra decorada con textos e imágenes que ilustran el peligroso viaje nocturno realizado por el dios sol a través del inframundo.

Para finalizar subrayar que el Sarcófago de Wennefer se encuentra englobado dentro de los grandes sarcófagos trapezoides característicos del período tardío de Egipto y del segundo Imperio Persa.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Ataúd de Khnumnakht

El Ataúd de Khnumnakht es un ataúd datado aproximadamente entre los años 1.850 a.C. y 1.750 a.C., perteneciente al arte egipcio.

Ataúd de Khnumnakht

Fue hallado durante las excavaciones arqueológicas realizadas entre los años 1.910 d.C. y 1.915 d.C. por el arqueólogo y coleccionista de antigüedades Sayyid Khashaba.

En el pueblo de Mair (también conocido como Meir), situado en la gobernación de Asiut, localizado en la orilla occidental del río Nilo, en Egipto.

En el año 1.915 d.C. el Ataúd de Khnumnakht fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 68 cm, una anchura de 51,8 cm y una longitud de 207,5 cm. Está fabricado en madera policromada.

Se trata de un ataúd de madera con forma rectangular compuesto por una tapa y una caja con la parte exterior totalmente decorada mediante figuras e inscripciones en escritura jeroglífica.

Aparte en la parte inferior exterior de la base de la caja hay un total de ocho pequeños apoyos rectangulares que sirven para apoyar y levantar el ataúd del suelo.

Ataúd de Khnumnakht

Llama la atención como en el lado izquierdo de la caja del ataúd hay representada una fachada arquitectónica con una pequeña puerta en el centro de la parte inferior.

Cabe destacar que para los antiguos egipcios ésta puerta es el equivalente a la puerta falsa que permitía que el espíritu del difunto se moviera entre la tierra de los muertos y la tierra de los vivos. 

La puerta se encuentra pintada para parecerse a dos hojas de puerta de madera aseguradas con dos pernos, también se observa como sobre la puerta hay dos ojos que miran hacia la tierra de los vivos.

Ataúd de Khnumnakht

En uno de los paneles hay representada la figura de una diosa con los brazos extendidos hacia arriba y ataviada con una túnica blanca ceñida al cuerpo.

El resto de los laterales se encuentran inscritos con invocaciones y recitaciones de varias edades primordiales, en particular aquellas asociadas con la muerte y el renacimiento.

Como son el dios Osiris (el principal dios de los muertos, dios funerario y juez de las almas) y el dios Anubis (dios del embalsamiento, guardián de las tumbas y dios de vida).

Con respecto a la composición destaca que como tanto la escritura jeroglífica como las figuras representadas han sido dibujadas a mano por el autor, además de que cada jeroglífico ha sido pintado en la forma prescrita para el momento y el lugar en el que se fabricó el ataúd.

Para finalizar subrayar que el exterior brillantemente pintado del Ataúd de Khnumnakht, un individuo desconocido excepto por su nombre, muestra la multiplicidad de textos y paneles decorativos característicos de la decoración de ataúdes durante el Imperio Medio Tardío del Antiguo Egipto.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Venus de Itálica

La Venus de Itálica es una escultura datada aproximadamente entre los años 117 d.C. y 138 d.C., perteneciente al arte romano.

Venus de Itálica

Fue hallada en el año 1.940 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas por el arqueólogo e historiador de arte español Antonio García y Bellido.

En el Cerro de San Antonio del municipio de Santiponce, situado en la provincia de Sevilla, localizada en la comunidad autónoma de Andalucía, en España.

Se conoce que poco después de su descubrimiento pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Arqueológico de Sevilla, ubicado en plaza de América en la ciudad de Sevilla (España).

Descripción

Tiene una altura de 211 cm, una anchura de 70 cm y una profundidad de 56 cm. Está fabricado en mármol blanco, mediante las técnicas de alisado, incisión y tallado.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la figura de una mujer joven, desnuda en posición de pie y en actitud de cubrirse con un manto.

En la mano izquierda lleva una hoja de colacasia, extendida a lo largo de su brazo izquierdo, y a sus pies hay representado la figura de un delfín. Además se puede observar como sobre los hombros hay representados varios mechones de cabello.

Venus de Itálica

Está representada en posición frontal, con la pierna izquierda ligeramente adelantada, sobre la que se apoya el cuerpo y la pierna derecha ligeramente exonerada.

Aunque en la actualidad no conserva la cabeza, la fractura del cuello indica que originalmente la cabeza podría haber estado ligeramente inclinada hacia el lado izquierdo.

Con respecto a la composición destacar que tanto las proporciones como los rasgos anatómicos se encuentran muy bien definidos. 

Aparte el manto aparece representado con un amplio vuelo de pliegues profundos y rectos y en el interior de los pliegues se han hallado restos de policromía roja.

Para finalizar subrayar que el arqueólogo e historiador de arte español Antonio García y Bellido ha identificado a la figura representada con la diosa "Afrodita Anadyomene" (diosa del amor, de la belleza y la sensualidad) emergiendo del mar, debido a su imagen desnuda, el manto movido por el viento y el delfín, puesto que todos son elementos alusivos al episodio del nacimiento de la diosa de la espuma del mar. 

Actualmente se encuentra en el Museo Arqueológico de Sevilla, en la ciudad de Sevilla (España).

Santa Catalina de Alejandría (El Greco)

Santa Catalina de Alejandría es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.610 d.C. y 1.614 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Santa Catalina de Alejandría

Fue pintada por el pintor griego Doménikos Theotokópoulos (también conocido como El Greco).

Se conoce que hasta el año 1.936 d.C. la pintura se encontraba en la colección de arte del IV marqués de Alós, Luis Ignacio de Alós y Huelín.

La pintura se estaba en el Castillo de Balsareny, situado en el municipio de Balsareny, localizado en la provincia de Barcelona, en la comunidad autónoma de Cataluña (España).

Después la pintura pasó a formar parte de varias galerías de arte hasta que fue comprada por el coleccionista y filantrópico estadounidense William Appleton Coolidge.

Estando en su propiedad hasta que en el año 1.993 d.C. Santa Catalina de Alejandría fue legada al Museo de Bellas Artes de Boston, situado en la ciudad de Boston, en el estado de Massachusetts (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene una altura de 100, 5 cm y una anchura de 63,8 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa la figura de la mártir cristiana Catalina de Alejandría, en posición erguida con una corona en la cabeza que le da dignidad y solemnidad.

Además destacar como en el rostro ovalado resaltan las cejas pobladas, los ojos que miran al espectador, la nariz recta y la boca pequeña con los labios fruncidos.

Con la mano izquierda sostiene una palma, símbolo de santidad, que aparece colocada en una rueda dentada, símbolo de su martirio. Aparte se aprecia como con su mano derecha sostiene una espada que hace referencia al arma que fue utilizada para matarla.

Se encuentra ataviada con un vestido rojo, un fino velo blanco y un manto azul celeste doblado sobre el brazo izquierdo que presenta reflejos nacarados.

Para finalizar con respecto a la composición subrayar como la pintura se encuentra pintada con pinceladas gruesas características de la obra tardía del pintor griego El Greco.

También resalta el uso de la policromía, sobretodo se puede observar como la figura de Catalina de Alejandría resalta sobre un cielo con nubes y como toda ella parece emanar un halo de luz azulado.

Actualmente se encuentra en el Museo de Bellas Artes, de la ciudad de Boston (Estados Unidos de América).

Virgen con Niño (Guillem Seguer)

La Virgen con Niño es una escultura datada aproximadamente en el siglo XIV d.C. (período comprendido entre los años 1.301 d.C. y 1.400 d.C.), perteneciente al arte medieval, en concreto al arte gótico.

Virgen con Niño

Fue esculpida por el maestro de obras y escultor español Guillem Seguer (también conocido como Guillem Seguer de Montblanc).

Virgen con Niño

Cabe resaltar que se conoce que la escultura fue esculpida en su taller del municipio de Montblanc.

Localizado en la provincia de Tarragona, situada en la comunidad autónoma de Cataluña (España).

Entre los años 1.926 d.C. y 1.941 d.C. la escultura se encontraba en posesión del banquero, coleccionista de arte y filantrópico estadounidense George Blumenthal y de su esposa Florence Meyer Blumenthal.

Hasta que en el año 1.941 d.C. fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Virgen con Niño

Descripción

Tiene una altura de 132,7 cm, una anchura de 41,6 cm y una profundidad de 32,1 cm. Está fabricada en piedra caliza, mediante las técnicas de incisión, policromado y tallado.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta policromada que representa a la Virgen María con el Niño Jesús.

Virgen con Niño

La Virgen está representada de pie, se encuentra ataviada con un vestido ceñido a la cintura por un cinturón dorado, en la zona del cuello se aprecia como se encuentra decorada con un borde dorado y dos colgantes ornamentados con el mismo patrón de flores.

También lleva un velo sujetado a la cabeza mediante una corona y un manto con numerosos pliegues que le envuelve el cuerpo y le cubre hasta la parte inferior. 

Del manto sobresalen unos zapatos en forma de punta, además el manto se encuentra decorado por un borde dorado y a la altura de los hombros (derecho e izquierdo) lleva un broche, en cada lado, con forma de flor acabada en seis pequeñas flores de lis.

En el rostro redondeado destacan los ojos almendrados, las cejas marcadas, la nariz recta, los labios finos y pequeños, los pómulos marcados y el pequeño mentón redondeado.

Virgen con Niño (detalle)

Se observa como el cabello rizado y rubio está recogido en dos mechones que sobresalen por debajo del velo y le caen sobre el pecho enmarcando el rostro.

Con la mano derecha sostiene una pequeña escultura gris (en la actualidad parcialmente rota), mientras que con el brazo y la mano izquierda sostiene al Niño Jesús que se encuentra sentado en su antebrazo izquierdo.

El Niño Jesús se encuentra ataviado con una túnica que presenta el borde del cuello y el bordes de las mangas decoradas con unas bandas doradas.

El rostro es redondeado, destacando los ojos almendrados, la nariz recta y los labios ligeramente entreabiertos.

Virgen con Niño

Con las manos sostiene un libro abierto en el que se puede leer una inscripción escrita en latín.

En la página izquierda se puede apreciar la siguiente inscripción:

"verbo (m) caro"

Mientras que en la página derecha se puede leer:

"factum est et (h) abrita vit in"

Gracias a la traducción de las dos inscripciones ha sido posible relacionarla con la siguiente cita de Juan 1:14.

"El Verbo se hizo carne y habitó entre (nosotros)"

Para finalizar subrayar que en general el estado de conservación es bueno, tan solo se pueden observar algunos desperfectos en la parte trasera de la escultura y como se ha perdido parte de la policromía dorada.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

San Juan Bautista (Leonardo da Vinci)

San Juan Bautista es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.513 d.C. y 1.516 d.C., perteneciente al arte renacentista.

San Juan Bautista

Fue pintado por el anatomista, arquitecto, artista, botánico, científico, escritor, escultor, filósofo, ingeniero, inventor, músico, paleontólogo, pintor, poeta y urbanista italiano Leonardo da Vinci (también conocido como Leonardo di ser Piero da Vinci).

En el año 1.519 d.C. la pintura se encontraba en posesión del pintor italiano Gian Giacomo Caprotti da Oreno (también conocido como Salai o Salaino).

En el año 1.542 d.C. fue comprado en la ciudad de Fontainebleau (Francia) por el rey Francisco I de Francia (también conocido como el Padre y Restaurador de las Letras, el Rey Caballero y el Rey Guerrero).

Años después fue comprada por el segundo duque de La Roche-Guyon (también conocido como "duque de Liancourt"), militar y aristócrata francés Roger du Plessis-Liancourt.

Quién en el año 1.625 d.C. regaló la pintura, con motivo del nacimiento de su cuarto hijo, al rey Carlos I de Inglaterra y de Escocia.

En el año 1.649 d.C. la pintura fue comprada por el coleccionista y banquero de origen alemán y naturalizado francés Everhard Jabach.

En el año 1.661 d.C. pasó a formar parte de la colección de arte del diplomático, cardenal y político italiano Jules Raymond Mazarin (también conocido como Cardenal Mazarino).

En el año 1.662 d.C. volvió a formar parte de las colecciones reales francesas cuando fue comprada por el rey Luis XIV de Francia (también conocido como "El Rey del Sol" o Luis el Grande).

Hasta que en el año 1.799 d.C. pasó a formar parte de la colección de arte del Museo del Louvre de la ciudad de París (Francia).

Descripción

Tiene una altura de 69 cm y una anchura de 57 cm. Está pintado al óleo sobre tabla.

Se trata de una pintura que representa el torso y el rostro de San Juan Bautista (también conocido como "El Bautista" o San Juan) sobre un fondo oscuro. Además aparece representado como vivía, un ermitaño, ataviado con una sencilla piel de animal. 

En el rostro ovalado destaca los ojos almendrados que miran directamente al espectador, la nariz recta, la sonrisa enigmática y el mentón redondeado. También se aprecia como el cabello largo y rizado le cae a ambos lados del rostro.

Con su mano izquierda sostiene un crucifijo de caña delgada o un junco, mientras que su mano derecha se encuentra extendida hacia el cielo, interpretado como un gesto que refleja la importancia de la salvación a través del bautismo.

Con respecto a la composición destacar que el barniz oscureció y alteró mucho la imagen del cuadro, aparte es difícil apreciar el especial cuidado con el que el autor matizó el paso entre las zonas claras y las zonas oscuras.

También destaca el uso de la técnica del "sfumato", la capa de pintura es tan fina que cada capa desde el blanco de la preparación hasta el último de los esmaltes superpuestos de la pintura crean un efecto vaporoso que difumina los contornos.

Para finalizar subrayar que durante las restauraciones llevadas a cabo entre los años 2.015 d.C. y 2.016 d.C. y gracias a las radiografías que se hicieron a la pintura se determinó que el dibujo apenas se encuentra esbozado y los contornos están representados con efectos de luz y sombr.

Actualmente se encuentra en el Museo Louvre de París, Francia.

Estela Funeraria con Marco Arquitectónico

La Estela Funeraria con Marco Arquitectónico es una estela datada aproximadamente entre los siglos VI d.C. y VII d.C. (período comprendido entre los años 501 d.C. y 700 d.C.), perteneciente al arte medieval, en concreto al arte bizantino.

Estela Funeraria con Marco Arquitectónico

Cabe resaltar que el año del hallazgo es desconocido, pero los investigadores piensan que pudo haber sido encontrado en la ciudad de Armant.

Localizada en la ribera occidental del río Nilo, cerca de la ciudad de Luxor, al sur de Egipto.

Lo siguiente que se conoce es que en el año 1.936 d.C. la Estela Funeraria con Marco Arquitectónico fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 52,5 cm y una anchura de 37 cm. 

Está fabricada en piedra caliza, mediante las técnicas de tallado, incisión y pintado.

Se trata de una estela funeraria tallada en relieve que presenta una ornamentación arquitectónica, la parte superior de la estela está adornada por una serie de arcos con bandas ornamentadas con patrones geométricos.

Además en el centro hay un adorno circular similar a la parte interior de una cúpula, rodeado por una banda circular y un patrón con líneas onduladas.

En la parte inferior, en el centro, hay un rectángulo con una inscripción escrita en alfabeto copto (también conocido como egipcio copto).

Una traducción aproximada de la inscripción es la siguiente:

"A la memoria de la difunta Taeiam,

quién partió de esta vida el dieciocho de Choiak (diciembre)

del séptimo acta (calendario fiscal de la ciudad)

Ella duerme en Cristo"

A ambos lados de la inscripción hay representadas dos columnas estriadas con capiteles de palmetas, debajo hay un patrón geométrico compuesto por cuadrados concéntricos, debajo de los cuales hay representado un pez.

Para finalizar subrayar que en Egipto durante el período bizantino éste tipo de estelas eran monumentos permanentes en honor a los difuntos. Aunque normalmente se encontraban incrustadas en paredes o en el piso cercano de la tumba, algunas estelas podrían formar parte de estructuras más grandes.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Sítula de Vidrio con Asas Plateadas

La Sítula de Vidrio con Asas Plateadas es un recipiente datado aproximadamente entre los siglos IV a.C. y III a.C. (período comprendido entre los años 400 a.C. y 201 a.C.), perteneciente al arte griego.

Sítula de Vidrio con Asas Plateadas

Cabe resaltar que tanto el año como el lugar del hallazgo es desconocido, si embargo los investigadores piensan que pudo haber sido encontrado en Grecia.

Lo primero que se conoce es que en el año 2.000 d.C. pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados de Unidas de América).

La Sítula de Vidrio con Asas Plateadas fue una donación benéfica del fideicomiso de Bernard y Audrey Aronson, en memoria de Bernard Aronson.

Descripción

Tiene una altura de 26,7 cm, una anchura de 20,3 cm y una profundidad de 17,1 cm. Está fabricado en vidrio.

Se trata de una sítula de color verdoso translúcido que presenta el borde evertido, angular y con el borde exterior vertical grueso.

Originalmente la Sítula de Vidrio con Asas Plateadas era utilizada para enfriar y servir vino en banquetes. Además se encuentra fabricada en vidrio casi incoloro que fue fundido, tallado y luego policromado con bandas de decoración dorada y pintada alrededor del exterior.

Un lado está ligeramente convexo que se estrecha hacia abajo, con el fondo ligeramente abovedado. También se observa como tiene dos accesorios de manija, cada uno perforado por dos orificios horizontales que se proyectan hacia afuera y hacia arriba desde el borde en los lados opuestos de la sítula.

Hay dos manijas plateadas, cada una cortada de una hoja plana en una tira arqueada semicircular, que terminan en varillas redondas en forma de "U" con remates decorativos que se giran hacia arriba a través de los orificios en los accesorios de las manijas.

Sítula de Vidrio con Asas Plateadas

Los accesorios del mango se encuentran tallados en bloques rectilíneos redondeados con un remate central hacia arriba con una superficie exterior elevada que se asemeja a una palmeta estilizada.

En la parte exterior, la decoración pintada se extiende desde la parte inferior del borde hasta la parte inferior del recipiente. 

La ornamentación está compuesta por una banda continuada de dientes de perro en color violáceo y debajo hay una delgada línea de azul claro (egipcio).

En el cuerpo hay decoración conformada por bandas horizontales irregulares de pequeños objetos en formas de yemas en tonos de rojo y rosado, con detalles delineados en marrón oscuro.

En la parte inferior hay representados pequeños objetos similares dispuestos en forma de roseta. 

Aparte hay dos franjas verticales situadas por los lados debajo de los accesorios del mango, ambas franjas están llenas de bloques con pintura roja violácea, en la que se han grabado a mano alzada las líneas de delgados zarcillos ondulados.

Los rastros dorados son visibles en las rayas y en otras partes de los lados, mientras que los mangos plateados tienen la forma de un capullo estilizado al final de cada varilla.

Para finalizar subrayar que la sítula se encontraba rota y fue reparada a partir de numerosos fragmentos pequeños, con algunas pérdidas y áreas de relleno. 

También hay algunas burbujas, muchas grietas internas por tensión, áreas de erosión blanquecina iridiscente y los mangos de plata también se encontraban rotos y fueron reparados. 

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Piedra Rúnica de Vang

La Piedra Rúnica de Vang, también conocida como Vangsteinen, es una piedra rúnica datada aproximadamente en el siglo XI d.C. (período comprendido entre los años 1.001 d.C. y 1.100 d.C.), perteneciente al arte medieval, en concreto al arte vikingo.

Piedra Rúnica de Vang

Originalmente la piedra se encontraba situada en el exterior de la antigua iglesia de madera de Vang que fue demolida debido a que era demasiado pequeña y se encontraba desactualizada.

En el año 1.849 d.C. se construyó la iglesia de Vang como remplazo de la anterior, siendo la Piedra Rúnica de Vang colocada en los terrenos situados frente a su puerta de entrada.

La iglesia se encuentra edificada en el municipio de Vang, localizado en la provincia de Oppland, en la región de Østalndet o Austlandet (Noruega).

Descripción

Tiene una altura de 2,15 m, una anchura de 1,25 m y un grosor que varía de entre 8 a 13 cm. Está fabricada en pizarra.

Se trata de una piedra rúnica con forma irregular ornamentada en una de sus caras y también presenta una inscripción escrita en alfabeto rúnico.

La parte superior se encuentra decorada con una figura estilizada de un león, además tanto la parte central como la parte inferior están ornamentadas con imágenes de bandas, solapas de hojas que conforman la forma de una cruz, roseta y un árbol estilizado.

Piedra Rúnica de Vang

Piedra Rúnica de Vang

Se puede observar como a lo largo del canto del lado izquierdo se encuentra una inscripción en alfabeto rúnico.

En concreto está inscripto en futhark joven (también conocido como runas escandinavas).

La inscripción en caracteres latinos es la siguiente:

"kosa:sunir:ristu:s(t)in:þinsi:af(t)ir:kunar:bruþur:sun"

Cuya traducción aproximada es la siguiente:

"Los hijos de Gasi erigieron esta piedra en memoria de Gunnar, (su) sobrino"

Para finalizar subrayar que las imágenes representadas en la Piedra Rúnica de Vang se encuentran englobadas dentro del estilo Ringerike caracterizado por el uso de ornamentación zoomórfica vikinga.

Actualmente se encuentra situada delante de la Iglesia de Vang, en el municipio de Vang (Noruega).