viernes, 28 de octubre de 2022

Cabeza de Bronce Celta

La Cabeza de Bronce Celta es una máscara datada aproximadamente en el siglo VIII d.C. (período comprendido entre los años 701 d.C. y 800 d.C.), perteneciente al arte celta.

Cabeza de Bronce Celta
Se conoce que fue encontrada en la península de Furness, localizada en la parte central de la isla de Gran Bretaña.

Después es conocido que perteneció al coleccionista de arte privado Richard Hinde.

Hasta que en el año 1.870 d.C. la Cabeza de Bronce Celta fue donada al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 39 mm, una anchura de 35 mm y un peso de 126,30 g. 

Está fabricada en aleación de cobre, oro y plomo. 

Se trata de una máscara hueca de aleación de cobre que representa la cabeza de un hombre, se aprecia como la máscara se extiende justo detrás de las orejas y la mitad de la corona.

El cabello está representado por finos surcos que se extienden hasta una banda ornamentada con un fila en forma de flechas que terminan en una franja de rizos bien enrollados y separados en el centro.

Cabeza de Bronce Celta

Las orejas prominentes y toscas fueron realizadas independientes con un detalle de pelta y unidas posteriormente a la máscara.

La boca está representada hacia abajo y los ojos grandes aun conservan las incrustaciones originales.

Se puede observar como situado en la parte superior hay un hueco circular no dorado que es un rebaje de fijación figurativo.

También un sólido tapón de plomo llena la parte posterior de la cabeza de la máscara, aunque cabe enfatizar que en la actualidad el tapón está socavado y con forma de base en forma de cojín.

Con respecto al estado de conservación resaltar que gran parte del dorado original se ha desgastado y partes de la corona y la mejilla se encuentran dañadas.

Para finalizar subrayar que entre los siglos IX d.C. y X d.C. (período comprendido entre los años 801 d.C. y 1.000 d.C.) la Cabeza de Bronce Celta fue adaptada y modificada mediante un relleno de plomo para que sirviera como peso vikingo, puesto que originalmente formaba parte de una montura figurativa de un gran santuario, es decir, podría haber estado encajada en un nicho o marco con forma semicircular.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

jueves, 27 de octubre de 2022

Bailarina de la Dinastía Han Occidental

La Bailarina de la Dinastía Han Occidental, también llamada 西漢 彩繪陶舞俑, es una escultura datada aproximadamente en el siglo II a.C. (período comprendido entre los años 200 a.C. y 101 a.C.), perteneciente al arte chino.

Bailarina de la Dinastía Han Occidental

En concreto fue fabricada durante la Dinastía Han Occidental (西漢朝), período de la dinastía imperial china que abarcó desde el año 206 a.C. hasta el año 9 d.C..

Bailarina de la Dinastía Han Occidental

Se conoce que en el año 1.987 d.C. la escultura se encontraba en posesión de Charlotte C. y John C. Weber.

Hasta que en el año 1.992 d.C. la Bailarina de la Dinastía Han Occidental fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Bailarina de la Dinastía Han Occidental
Bailarina de la Dinastía Han Occidental

Bailarina de la Dinastía Han Occidental



Descripción

Tiene una altura de 53,3 cm, una anchura de 24,8 cm y un diámetro de 17,8 cm. 

Está realizada en loza pigmentada.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la figura de una bailarina bailando.

En el rostro redondeado destacan los ojos rasgados, la nariz recta, los labios finos y el mentón redondeado.

El cabello largo y negro se encuentra recogido en una coleta baja que le cae por la espalda.

Además enfatizar que la escultura representa el momento en que, con una manga larga del kimono echada hacia atrás y la otra manga colgando, la bailarina se agacha suavemente y flexiona las rodillas mientras levanta un talón para avanzar. 

Con respecto al estado de conservación resaltar que en general se encuentra en buen estado, pero la mayoría de la policromía original se ha perdido.

Para finalizar subrayar que la bailarina está representada realizando una danza descrita en la poesía de la dinastía Han.

Una traducción aproximada del poema al que hace referencia es la siguiente:

" Sus largas mangas, girando y retorciéndose, llena la sala;

Pies con medias de gasa ... dando pasos delicados,

Se mueve con paso lento y grácil.

Flota como si se detuviera en el aire;

Aturdido, uno piensa que está apunto de caer ..."

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

miércoles, 26 de octubre de 2022

Colgante Serpiente Emplumada

El Colgante Serpiente Emplumada es un colgante datado aproximadamente entre los siglos XIV d.C. y XVI d.C. (período comprendido entre los años 1.301 d.C. y 1.600 d.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte azteca o arte mexica.

Colgante Serpiente Emplumada

Se conoce que en el año 1.958 d.C. el colgante estaba en posesión del escritor Jay C. Leff.

Después en el año 1.977 d.C. pasó a ser propiedad de Peter G. Wray, con residencia en la ciudad de Scottsdale.

Situada en el condado de Maricopa, en el estado de Arizona (Estados Unidos de América).

En el año 1.982 d.C. pasó a formar parte de la colección de arte de los estadounidenses Howard y Saretta Barnet.

Entre los años 2.017 d.C. y 2.020 d.C. el colgante se encontraba en posesión de un coleccionista privado anónimo.

Hasta que en el año 2.020 d.C. el Colgante Serpiente Emplumada fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Colgante Serpiente Emplumada


Descripción

Tiene una altura de 4,4 cm. Está fabricado en concha.

Se trata de un colgante que conserva la forma de una sección transversal de una caracola. 

También se aprecia como presenta imágenes delicadamente incisas de una serpiente emplumada en un lado y en el otro lado su cola enrollada, similar a una serpiente de cascabel.

La cabeza de la serpiente, situada en el centro del adorno, se ve en una vista dorsal, con dos ojos perforados a cada lado del hocico emplumado de la criatura.

El cuerpo emplumado de la serpiente está enrollado alrededor del vacío central, también se observa como hay representadas dos manos humanas emergiendo de cada extremo junto con dos piernas en el centro.

Con respecto a la composición destacar que aunque el colgante es diminuto se encuentra exquisitamente tallado y contiene múltiples significados en capas, desde las asociaciones generales del mismo material del que fue tallado (concha: con sus conexiones con los guerreros, con el agua y la fertilidad) hasta la asociaciones específicas con deidades como Quetzalcóatl.

Para finalizar subrayar que éste tipo de colgante es conocido por el nombre de "ehecacozcatl" (joya del viento), un adorno asociado al dios Quetzalcóatl-Ehecatl (el creador y el dios del viento).

Además dentro de la sociedad azteca tales colgantes eran muy apreciados, siendo su uso reservado par las ceremonias privadas de la élite azteca.

Puesto que sólo la gente con un gran poder adquisito habría tenido el acceso a los recursos, desde la propia materia prima (de lejos y difícil de adquirir) hasta el acceso a los mejores artista, los individuos que tenían la habilidad necesaria para transformar el material en obras de gran belleza y delicadeza.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

martes, 25 de octubre de 2022

Jinete de Bronce Zhou Oriental

El Jinete de Bronce Zhou Oriental, también conocido como 東周 青銅馭手 o Figura de un Auriga, es una escultura datada aproximadamente entre los siglos IV a.C. y III a.C. (período comprendido entre los años 400 a.C. y 201 a.C.), perteneciente al arte chino.

Jinete de Bronce Zhou Oriental

En concreto fue elaborada durante la segunda mitad de la Dinastía Zhou (周朝) conocida por el nombre de Dinastía Zhou Oriental (东周 o 東周). 

Jinete de Bronce Zhou Oriental

Se conoce que perteneció a la colección de arte de la editora y filántropa estadounidense Enid A. Haupt.

Hasta que en el año 1.993 d.C. el Jinete de Bronce Zhou Oriental fue donado al Museo Metropolitano de Nueva York (Estados Unidos de América) en honor al historiador de arte y director museísticos estadounidense Guy Philippe Henri Lannes de Montebello.

Jinete de Bronce Zhou Oriental


Descripción

Tiene una altura de 19,4 cm. Está fabricado en bronce.

Se trata de una escultura que representa la figura de un auriga, es decir, representa la figura de un jinete en posición de pie con los brazos levantados hacia delante.

En el rostro redondeado destaca los ojos rasgados y pequeños, la nariz recta, los labios finos y el bigote representado mediante finas líneas verticales , aparte la cabeza se encuentra ligeramente inclinada hacia arriba.

Se encuentra ataviado con una túnica de manga larga ceñida a la cintura por medio de un banda o cinturón anudado en el frente y decorada con un patrón en espiral. 

También se observa como lleva en la cabeza un gorro o casco sujeto a la cabeza mediante el uso de una correa colocada debajo de la barbilla. Además resaltar que el atuendo representado refleja un traje diseñado para una cultura ecuestre.

Aparte cabe destacar que los investigadores piensan que debido a la postura y la posición de los brazos de la escultura se cree que originalmente podría haber sido parte de un conjunto escultórico mayor, pudiendo haber formado parte de un pie en la esquina de una vasija o un candelabro.

Para finalizar subrayar que el Jinete de Bronce Zhou Oriental se encuentra entre las primeras representaciones chinas de los pueblos nómadas residentes en la frontera norte.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

lunes, 24 de octubre de 2022

Pieza de Steeple Bumpstead

La Pieza de Steeple Bumpstead, también conocida como Escudo de Steeple BumpsteadRelicario de Steeple Bumpstead es una pieza datada aproximadamente en el siglo VIII d.C. (período comprendido entre los años 701 d.C. y 800 d.C.), perteneciente al arte celta.

Pieza de Steeple Bumpstead

Fue hallada cerca de la iglesia de Steeple Bumpstead, edificada en la localidad de Steeple Bumpstead.

Localizada en el condado de Essex, situado al sureste de la región Este de Gran Bretaña.

Se conoce que perteneció a la colección de arte del empresario, industrial y filántropo sudafricano Harry Frederick Oppenheimer.

Hasta que en el año 1.916 d.C. la Pieza de Steeple Bumpstead fue donada a través de "Art Fund" (organización benéfica británica independiente basada en membresía y que su objetivo es recaudar fondos para ayudar a la adquisición de obras de arte para la nación) al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Pieza de Steeple Bumpstead



Descripción

Tiene una altura de 36 mm y un diámetro de 128 mm. 

Está fabricada en aleación de cobre, oro y niel, mediante las técnicas de dorado, fundición, nielado, incisión y perforación.

Se trata de una pieza que originalmente formaría parte de un relicario o parte de un escudo, presenta una forma semiesférica de aleación de cobre dorado y fundido con una base con brida, la cuál en la actualidad la mitad se encuentra perdida.

El reborde tiene un borde exterior liso y originalmente presentaba ocho paneles fundidos, cada uno de los paneles se encuentra ornamentado con cuatro espirales de trompeta divididos mediante engastes de gemas ovales y circulares.

Pieza de Steeple Bumpstead

También se aprecia como el borde interior está compuesto por un escalón rectangular liso.

El patrón en sí está divido en tres zonas ornamentales concéntricas principales, las dos primeras ricamente ornamentadas en orden ascendente y con un entrelazado de animales, seguido de un adorno en espiral.

Además se observa como hay representadas cuatro bestias moldeadas en redondo que dividen estas bandas de adornos en cuatro segmentos y otros marcos grandes subdividen los paneles.

Cada una de las bestias apoya sus fauces contra un collar circular elevado de marcos rectangulares, algunos de los cuales están rellenos de niel y en el que quedan rastros de tres patrones incrustados.

Pieza de Steeple Bumpstead
(detalle)

Aunque cabe destacar que en la actualidad gran parte de la superficie del niel se encuentra dañada.

Se aprecia como también hay cuatro paneles lisos empotrados divididos por marcos circulares.

Éstos espacios dorados pero sin ninguna decoración pueden originalmente haber contenido filigranas u otros paneles de aluminio, puesto que se conservan algunas "puntadas" utilizadas para sujetar los aluminio en su lugar.

Aparte en la parte superior hay un collar alto acanalado alrededor de un vacío central (aproximadamente de un diámetro de 2,4 cm) que debe haber contenido originalmente una gema grande, como un cabujón de cristal o ámbar.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que originalmente la Pieza de Steeple Bumpstead debía haber sido una pieza muy brillante densamente dorada, dónde resaltaría el vidrio o el ámbar colocado en los veinticinco engastes (veinticuatros de un menor tamaño y uno de un tamaño mayor) ahora vacíos.

Actalmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

sábado, 22 de octubre de 2022

Casco con Figuras Divinas

El Casco con Figuras Divinas es un casco datado aproximadamente entre los años 1.500 a.C. y 1.100 a.C., perteneciente al arte elamita.

Casco con Figuras Divinas

Los investigadores piensan que pudo haber sido encontrado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en el suroeste de Irán.

En el año 1.962 d.C. el casco se encontraba en posesión de K. Rabenou Ltd., en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Siendo en el año 1.963 d.C. cuando el Casco con Figuras Divinas fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), donde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 16,5 cm, una anchura de 21,1 cm y un diámetro de 22,1 cm. Está fabricado en bronce, betún y láminas de plata y oro.

Se trata de un casco militar ornamentado en el frente con tres figuras divinas. En el centro hay representada una deidad masculina con barba, el cabello rizado, con una corona con múltiples cuernos y sosteniendo un jarrón que fluye en su pecho.

Se encuentra ataviado con una túnica entrecruzada a la altura del pecho y ornamentada en la parte inferior del cuerpo con un patrón de montaña o escamas, siendo el mismo patrón representado en el fondo.

Cabe resaltar que el dios representado podría ser Inshushinak (deidad elamita protectora de la ciudad de Susa) o Napirisha (deidad elamita de la región de Anshan). 

Está flanqueado por dos deidades femeninas con coronas de cuernos que levantan las manos en señal de súplica. Ambas se encuentran ataviadas con túnicas con volantes y llevan pulseras y collares. También se observa como sobre las tres figuras hay representada un ave rapaz con las plumas finamente delineadas.

Se puede apreciar como en la parte posterior del casco hay un tubo decorado que pudo haber sido utilizado para albergar un penacho de plumas real.

Con respecto a la composición destacar que todos los elementos decorativos fueron tallados en betún y recubiertos con láminas de plata y oro con decoraciones incisas, aparte resaltar que las técnicas empleadas, junto con el estilo y la representación de las figuras son características del arte elamita.

Para finalizar subrayar que originalmente el Casco con Figuras Divinas habría sido utilizado por un guerrero de alto rango, aunque posiblemente fue usado solamente en ocaciones especiales más que en una batalla real.

Además las representaciones de las deidades protectoras e importantes ciertamente podrían haber tenido un efecto apotropaico (fenómeno cultural que indica un mecanismo de defensa mágico o sobrenatural) para el dueño del casco.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

jueves, 20 de octubre de 2022

Broche Pitney

El Broche Pitney es un broche datado aproximadamente en el siglo XI d.C. (período comprendido entre los años 1.001 d.C. y 1.100 d.C.), perteneciente al arte vikingo.

Broche Pitney

Fue hallado en la década de 1.970 d.C. cerca del cementerio del pueblo y parroquia de Pitney, situado en el condado ceremonial de Somerset, en el suroeste de Gran Bretaña.

En el año 1.979 d.C. el Broche Pitney fue comprado por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 5 mm, un diámetro de 39 mm y un peso de 15 g. 

Está fabricado en aleación de bronce y oro.

Se trata de un broche circular que presenta en su superficie convexa un diseño calado de un animal enrollado combatiendo a una serpiente.

Llama la atención como el animal tiene en la cabeza un ojo lentoide (forma geométrica de un cuerpo tridimensional, es decir, un círculo observado desde una dirección y una lente convexa observada desde todas las direcciones ortogonales) pronunciado y una orejera en forma de "S" situada en la mandíbula superior.

Se aprecia una segunda oreja que está proyectada desde el cuello, también se observa como el animal muerde su propio cuerpo, además el cuerpo está formado por una banda lisa y una banda de cuentas que forman un lazo con forma de corazón.

Broche Pitney

El cuerpo está representado en espiral, estando la pata delantera en un ángulo pronunciado que termina en una garra con tres dedos.

Mientras que la pata trasera se divide en dos zarcillos siendo el más largo el que se entrelaza con el cuerpo para terminar en un trébol foliado.

Aparte vista desde arriba hay representada una cabeza de serpiente con dos ojos saltones que muerde el cuello del animal.

El cuerpo delgado de la serpiente, con un vástago de zarcillo, se entrelaza con el cuerpo del animal y acaba en dos zarcillos enrollados.

El reverso del broche también se encuentra dorado, aparte se observa los restos de la bisagra y la placa de captura del alfiler, que en la actualidad se encuentra perdido.

Para finalizar subrayar que el Broche Pitney está englobado dentro del estilo urnes, es decir, la última fase de los estilos de decoración vikinga zoomórfica caracterizada por figuras de animales representados de forma esbelta y estilizada que se entrelazan entre sí en diseños complejos.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

miércoles, 19 de octubre de 2022

Vasija de los Señores Danzantes

La Vasija de los Señores Danzantes es una vasija datada aproximadamente entre los años 700 d.C. y 850 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte maya.

Vasija de los Señores Danzantes
Vasija de los Señores Danzantes
Vasija de los Señores Danzantes

Fue fabricada por el artista maya y miembro del linaje real del reino de Naranjo Ah Maxam.

También cabe destacar que los investigadores creen que fue encontrada durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en el yacimiento arqueológico de El Naranjo (también conocido como Sa'al o Naranjo-Sa'al).

Situado dentro del parque nacional Yaxhá-Nakum-Naranjo, localizado en el departamento de Petén, en Guatemala.

Se conoce que perteneció a la colección de arte de la licenciada en licenciatura en Arte y educación en tasación de arte estadounidense Marianne Huber y su esposo el químico, bioquímico y profesor universitario alemán Robert Huber.

En el año 1.986 d.C. la Vasija de los Señores Danzantes fue comprada por el Instituto de Arte de Chicago, situado en la ciudad de Chicago, localizado en el estado de Illinois (Estados Unidos de América).

Vasija de los Señores Danzantes


Descripción

Tiene una altura de 24 cm y una anchura de 15,8 cm.

Se trata de una vasija de cerámica policromada que tiene la superficie de su cuerpo exterior una escena en la que aparece representado, en tres paneles casi idénticos, un gobernante maya ataviado como el dios Ah Mun (dios maya del maíz).

El gobernante maya lleva en la espalda un enorme adorno que contiene plumas brillantes, bestias heráldicas y emblemas relacionados con el gobernante.

Así como las mazorcas de maíz que se balancean de un lado al otro, representado como el dios del maíz baila al ritmo de la vida, aparte se encuentra acompañado por la figura de un enano.

Cabe resaltar que dentro de la sociedad maya los enanos eran vistos como seres especiales con poderosas conexiones espirituales con la tierra y el inframundo (hogar de los antepasados muertos).

Así mismo enfatizar que la vasija hace referencia a un rito de iniciación maya en el que los enanos ayudan al alma del difunto a entrar en el dominio de los muertos, de donde eventualmente renacería el linaje real, además al igual representa que el maíz brota de nuevo en el ciclo de renovación de la naturaleza.

También se puede observar como situado alrededor del borde superior hay una banda que contiene una inscripción escrita en escritura maya (sistema jeroglífico compuesto por fonogramas, ideogramas y pictogramas).

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que la Vasija de los Señores Danzantes pudo haber sido fabricada como una ofrenda funeraria para una mujer noble residente en la ciudad de Naranjo y que habría tenido conexiones dinásticas.

Actualmente se encuentra en el Instituto de Arte de Chicago, Estados Unidos de América.

viernes, 14 de octubre de 2022

Colgante de Dragón Anudado

El Colgante de Dragón Anudado, también conocido como 戰國 絞絲龍形玉佩, es un colgante datado aproximadamente en el siglo III a.C. (período comprendido entre los años 300 a.C. y 201 a.C.), perteneciente al arte chino.

Colgante de Dragón Anudado

En concreto fue fabricado a finales de la dinastía Zhou 周朝,(dinastía que gobernó china entre los años 1.046 a.C. y 256 a.C.).

Se conoce que en el año 1.954 d.C. el colgante pertenecía a la colección de arte "Ernest Erickson Foundation", localizada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Desde el año 1.954 d.C. hasta el año 1.985 d.C. el colgante fue prestado para su exposición al Museo de Brooklyn, situado en el barrio de Brooklyn, en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En ese mismo año, 1.985 d.C., el Colgante de Dragón Anudado fue donado por la "Fundación Ernest Erickson" al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 7,9 cm y una anchura de 5,2 cm. Está fabricado en nefrita (mineral duro y de grano fino de la actinolita), un tipo de jade.

Se trata de un colgante con la forma de un dragón, el cuerpo se encuentra representado sinuoso y acanalado con la finalidad de parecerse a una cuerda retorcida, estando anudada en la parte inferior.

También se observa que la cabeza del dragón está representada de perfil con las fauces abiertas, resaltan el ojo y las orejas. Además se puede apreciar como en el cuerpo hay una perforación circular utilizada originalmente para pasar un cordel o cuerda para colgarlo.

Para finalizar subrayar que el Colgante de Dragón Anudado ilustra el extraordinario talento y la habilidad de los talladores de jade chinos, en cuyas manos el jade intratable parece un material flexible y maleable.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

jueves, 13 de octubre de 2022

Figura Femenina de Terracota en Silla

La Figura Femenina de Terracota en Silla es una escultura datada aproximadamente en el siglo XIII a.C. (período comprendido entre los años 1.300 a.C. y 1.201 a.C.), perteneciente al arte prehelénico, en concreto al arte micénico.

Figura Femenina de Terracota en Silla

Se piensa que pudo haber sido encontrada durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en el pueblo de Alampra (también denominado Alambra), situado en el distrito de Nicosia, en Chipre.

Perteneció a la "Cesnola Collection" la colección más importante y completa del arte chipriota.

Hasta que en el año 1.876 d.C. la Figura Femenina de Terracota en Silla fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 8,9 cm. Está fabricada en terracota.

Se trata de una pequeña escultura que representa de forma esquemática la figura de una mujer apoyada en el respaldo de una silla con tres patas.

La silla se encuentra esculpida en un tamaño mayor que la figura, además el asiento con un respaldo bajo se apoya sobre tres patas. Aparte se puede observar como apoyada en el respaldo esta representada la figura femenina.

Los rasgos anatómicos de la mujer están representados de manera esquemática, llama la atención como presenta ambos brazos levantados y la parte inferior del cuerpo se pierde con la silla.

Con respecto a la composición cabe resaltar que aunque en la actualidad se ha perdido parte de la policromía original, aun se pueden apreciar la decoración consistente en un patrón geométrico compuesto por líneas de diferentes tamaños y grosores.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que originalmente la Figura Femenina de Terracota en Silla representaría el trono de alguna deidad, siendo depositada en lugares de culto o en un santuario. 

Sin embargo otros investigadores consideran que la escultura podría haber formado parte de un ajuar funerario.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

miércoles, 12 de octubre de 2022

Placa de una Cabra Encabritada

La Placa de una Cabra Encabritada es una placa datada aproximadamente en el siglo VIII a.C. (período comprendido entre los años 800 a.C. y 701 a.C.), perteneciente al arte mesopotámico, en concreto al arte asirio.

Placa de una Cabra Encabritada

Fue hallado en el año 1.961 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas en nombre de la Escuela Británica de Arqueología en Irak.

Al mando de las cuales estaba el arqueólogo ingles, especializado en la historia antigua de Medio Oriente Sir Max Edgar Lucien Mallowan.

La placa fue descubierta en un gran almacén en "Fort Shalmaneser", un edificio real de la antigua ciudad de Nimrud.

Cabe resaltar que los investigadores piensan que el almacén probablemente fue utilizado para almacenar el botín y los tributos recolectados por los asirios durante alguna campaña militar.

Después de su descubrimiento, en ese mismo año 1.961 d.C., la Placa de una Cabra Encabritada pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), como consecuencia de la aportación económica del museo a las excavaciones.


Descripción

Tiene una altura de 16 cm, una anchura de 7,49 cm y un grosor de 1,19 cm. Está fabricada en marfil, mediante la técnica de incisión y tallado.

Se trata de una placa fragmentaria y calada que tiene representada una cabra encabritada que equilibra sus patas delanteras sobre los zarcillos entrelazados de una planta estilizada y mordisquea las hojas situadas en la parte superior.

El gran ojo de la cabra tiene rastros de pasta azul que indica que originalmente podría haber habido una incrustación de un vidrio coloreado o una piedra semipreciosa.

También se enfatiza con incisiones la longitud de la frente, así mismo hay incisiones que enfatizan el hocico, las orejas, la barba, la crin y las costillas.

Además se aprecia como el fragmento de vegetación que emerge detrás de la parte inferior de la espalda de la cabra sugiere que la planta estilizada representada entre las patas de la cabra habría continuado hacia arriba y enmarcaba a la cabra en un paisaje vegetal.

Con respecto a la composición destacar que la representación del cuerpo grande y pesado de la cabra, junto con la pose enérgica son una característica del arte del norte de Siria.

Para finalizar subrayar que debajo del borde inferior hay una espiga rectangular que indica que originalmente la Placa de una Cabra Encabritada podría haber formado parte de un mueble o un pequeño objeto como una caja.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

martes, 11 de octubre de 2022

Vaso con Figura Lambayeque

El Vaso con Figura Lambayeque, también conocido como Vaso de Precipitado con Figura Lambayeque, es un recipiente datado aproximadamente entre los años 900 d.C. y 1.100 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte lambayeque o arte sicán.

Vaso con Figura Lambayeque

Los investigadores piensan que pudo haber sido encontrado en el departamento de Lambayeque, situado en la costa noroeste de Perú.

En el año 1.965 d.C. fue comprado por el marchante de arte alemán André Emmerich siendo el Vaso con Figura Lambayeque expuesto en la galería de arte "André Emmerich Gallery" de Nueva York (Estados Unidos de América).

Después en el año 1.969 d.C. fue adquirido por el coleccionista de arte estadounidense Jan Mitchell pasando a formar parte de la colección de arte "Jan Mitchell and Sons Collection".

Hasta que en el año 1.991 d.C. el Vaso con Figura Lambayeque fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).   

Vaso con Figura Lambayeque


Descripción

Tiene una altura de 26 cm y un diámetro de 20,3 cm. Está fabricado en oro.

Se trata de un vaso de precipitado con forma cilíndrica y un fondo plano, que presenta la superficie del cuerpo exterior ornamentada en relieve.

El cuerpo tiene representado en relieve la forma del torso y la cabeza de un individuo que utiliza una gorra que acaba en el borde abocinado del vaso.

Un lado del vaso presenta la cara y las manos en relieve, mientras que el otro lado se representa la parte posterior de la cabeza del individuo, dando la impresión de que el cuerpo es el recipiente.

Llama la atención como la representación de los ojos almendrados menos estilizados sugieren que el individuo retratado podría ser más una representación humana que una representación divina.

Vaso con Figura Lambayeque

Presenta orejeras con forma redondeada, un rasgo característico de las personas de altos estatus.

El cabello está representado en la parte posterior de la vasija en dos capas, estando la capa más larga decorada en la parte inferior con una fila de discos.

También hay bandas anchas con un patrón geométrico que cuelgan de la gorra sobre el cabello que se reúnen en un medallón central de dos círculos concéntricos rodeados por siete más pequeños.

Se puede observar como hay un caparazón entre las manos de la figura, posiblemente sería una representación de un spondylus (molusco que se encuentra en las cálidas aguas tropicales al norte de la Península de Santa Elena, en Ecuador).

Es conocido que la concha puntiaguda, a menudo denominada ostra espinosa, era apreciada por su color (que va del rojo al naranja y al púrpura) y era utilizada para crear adornos exquisitos. 

Aparte la concha se encontraba estrechamente asociada con las ideas de fertilidad y abundancias, e incluso dentro del arte lambayeque los recipientes que tenían representaciones de spondylus se consideraban que daban la capacidad al portador de conseguir bendiciones de abundancia para una comunidad más amplia.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que originalmente el Vaso con Figura Lambayeque habría contenido una cantidad significativa de líquido, siendo utilizado para el consumo de chicha (tipo de cerveza de maíz) durante ceremonias y rituales.

Para después de ser usado ser depositado en la tumba de un individuo de altos estatus dentro de la sociedad lambayeque, por lo tanto el Vaso con Figura Lambayeque pasó formar parte de un ajuar funerario.  

Además enfatizar que las vasijas de metales preciosos se encontraban destinadas a los niveles más altos de la sociedad lambayeque, tanto a hombres como a mujeres, y fueron componentes críticos en el mantenimiento del gobierno en la costa norte de Perú durante el período colonial temprano.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

lunes, 10 de octubre de 2022

Colgante Hitita

El Colgante Hitita es un colgante datado aproximadamente entre los años 1.400 a.C. y 1.200 a.C., perteneciente al arte hitita.

Colgante Hitita

Se conoce que fue hallado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en la antigua ciudad de Hattusa (también conocida como Hattusas), situada al lado del río Kizil-Irmak, en el centro de Anatolia. 

Ésta localización se corresponde actualmente con la aldea de Bogazköy (también llamada Boğazkale), ubicada en la provincia de Çorum, en Turquía.

Perteneció a la colección de arte de la comerciante de arte, coleccionista e historiadora de arte alemana Sra. Margaret Burg.

Hasta que en el año 1.956 d.C. el Colgante Hitita fue comprado por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Colgante Hitita



Descripción

Tiene una anchura de 13,10 cm. Está fabricado en oro.

Se trata de un pequeño colgante ornamentado con un total de cinco águilas. 

Las águilas aparecen representadas con las alas extendidas, además se observa como hay unos pequeños discos colgantes suspendidos de las garras y de la parte inferir de las plumas de las colas de las águilas.

Aunque cabe destacar que en la actualidad algunas águilas tienen dos discos, mientras que otras presentan solamente uno, por lo que originalmente se cree que cada águila podría haber tenido suspendidos un total de tres discos lo que haría que el colgante tuviera quince pequeños discos de oro.

Para finalizar subrayar que algunos investigadores consideran que debido a su tamaño el Colgante Hitita podría haber sido utilizado originalmente como un brazalete en vez de como un colgante.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

domingo, 9 de octubre de 2022

Medallón con Cabeza de Héroe

El Medallón con Cabeza de Héroe es un medallón datado aproximadamente entre los siglos XIV a.C. y XIII a.C. (período comprendido entre los años 1.400 a.C. y 1.201 a.C.), perteneciente al arte elamita.

Medallón con Cabeza de Héroe

Lo primero que se conoce es que fue hallado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en el yacimiento arqueológico de Hafttapeh.

Situado en la provincia de Juzestán, localizada en el sureste de Irán.

También cabe resaltar que antiguamente en ésta localización se encontraba la ciudad elamita de Kabnak.

Después es conocido que se encontraba en posesión de la galería de arte "Safani", situada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.964 d.C. el medallón fue comprado por el coleccionista privado y especialista en antigüedades Norbert Schimmel.

Siendo en el año 1.989 d.C. cuando el Medallón con Cabeza de Héroe fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene un diámetro de 9,2 cm. Está fabricado en betún y lamina de oro y plata.

Se trata de un medallón circular que está decorado en el centro con una cabeza incisa que representa a un hombre con el cabello largo peinado con una raya en medio de la frente y dos mechones que le caen por ambos lados enmarcando el rostro, se aprecia como cada mechón termina en tres rizos.

Alrededor hay colocada una banda exterior ornamentada con un total de siete carneros recostados que están separados de la figura por una banda de patrón de cuerda doble. Además el borde exterior se encuentra ornamentado con el mismo patrón de cuerda.

Con respecto a la composición resaltar que el estilo del rostro del héroe y la delineación de sus rasgos son características del arte elamita. También destacar que el medallón tallado en betún estaba originalmente cubierto con láminas de plata y oro.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que originalmente el Medallón con Cabeza de Héroe podrá haber estado adherido a otro objeto como un elemento decorativo.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

sábado, 8 de octubre de 2022

Medallón Bizantino

El Medallón Bizantino es un medallón datado aproximadamente entre los siglos VI d.C. y VII d.C. (período comprendido entre los años 501 d.C. y 700 d.C.), perteneciente al arte medieval, en concreto al arte bizantino.

Medallón Bizantino

Lo primero que se conoce es que el medallón se encontraba en posesión de la casa de subastas "Asia Art Consultants".

También es sabido que el 8 de julio del año 1.981 d.C. el Medallón Bizantino fue subastado por la casa de subastas "Sotheby's" de Londres (Gran Bretaña).

Siendo en el año 1.983 d.C. cuando pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Británico de Londres (Gran Bretaña).


Descripción

Tiene una altura de 67,90 mm, un diámetro de 57,80 mm, una profundidad de 6,50 mm y un peso de 22,17 g. 

Está fabricado en oro.

Se trata de un medallón circular compuesto por dos laminas gofradas en forma de discos, engastadas en ambos reversos y unidas entre sí por los bordes. Además el medallón se encuentra rodeado de alambre de oro estampado y un lazo de oro estriado unido por una única bisagra con forma de grillete.

El anverso del medallón se encuentra ornamentado con una escena grabada en relieve, se puede apreciar una representación de la Adoración de los Reyes Magos. 

Los tres Reyes Magos están representado acercándose por el lado derecho a la Virgen María que se encuentra en el lado izquierdo sentada en una silla y con el Niño Jesús en brazos.

Medallón Bizantino

También se observa como en la parte superior hay representado un ángel y una estrella.

El reverso del medallón está decorado con la escena de la Ascensión grabada en relieve.

Cristo se encuentra representado en la parte superior en el interior de una mandorla y rodeado por cuatro ángeles.

Aparte en la parte inferior están representados la Virgen María y los doce apóstoles.

Para finalizar subrayar que tanto en la parte inferior de anverso como en la parte inferior del reverso del Medallón Bizantino se encuentra grabada una inscripción escrita en griego.

La inscripción grabada en el anverso y su traducción aproximada es la siguiente:

"+ ΚΥΡΙΕ ΒΟΗΘΙ ΤΗ ΦΟΡΟΥCΗ ΑΜΗΝ " = Señor protege a la mujer que lleva esto, amén

Mientras que la inscripción del reverso, junto a su traducción aproximada es la siguiente:

'' ΙΡΗΝΗ ΤΕΝ ΗΜΕΝ ΑΦΙΟΜΕ ΥΜΙΝ '' = Que la paz este contigo

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

viernes, 7 de octubre de 2022

San Jorge salva a la Princesa

San Jorge salva a la Princesa, también conocido como San Jorge y el Dragón o San Jorge y la Princesa, es un relieve datado aproximadamente entre los años 1.416 d.C. y 1.417 d.C., perteneciente al arte renacentista.

San Jorge salva a la Princesa

Fue esculpido por el artista, escultor y pintor italiano Donato di Niccolò di Betto Bardi (también conocido como Donatello).

Originalmente se encontraba en la hornacina de San Jorge, justo en la base del tabernáculo, en la Iglesia de Orsanmichele. 

La iglesia fue edificada en el huerto del desaparecido monasterio de San Miguel, localizado en la ciudad de Florencia, situada en la región de la Toscana, en Italia.

Cabe destacar que el relieve fue fabricado para el gremio de fabricantes de armaduras, puesto que San Jorge fue un santo guerrero, elegido como patrón de los armeros y espadachines, es decir, los fabricantes de armas.

Durante el siglo XIX d.C. el relieve fue movido a un nicho, vacío desde el año 1.628 d.C.,  más protegido de la iglesia que está situado en el lado sur.

Hasta que en el año 1.891 d.C. San Jorge salva a la Princesa fue expuesto en el Museo Nacional del Bargello, localizado en la ciudad de Florencia, en Italia. 

Aunque resaltar que después del traslado del relieve al museo en el emplazamiento original fue colocada una copia fabricada en bronce.


Descripción 

Tiene una altura de 39 cm y una anchura de 129 cm. Está realizado en mármol de Carrara.

Se trata de un relieve que tiene representado una escena del soldado romano ejecutado en la antigua ciudad de Nicomedia y venerado como mártir San Jorge liberando a una princesa de un dragón (criatura mitológica).

En el centro de la composición está representado San Jorge a lomos de un caballo, ataviado con una armadura, un casco y una capa o manto, destaca como se encuentra empuñando una lanza que hunde en el pecho del dragón.

A su derecha aparece representada una cueva y delante de ella un dragón con las alas extendidas atacando a San Jorge, mientras que a la izquierda de San Jorge y delante de un pórtico se encuentra representada la princesa, ataviada con una túnica vaporosa, el cabello largo recogido y las manos en posición de oración.

Con respecto a la composición destacar que los personajes están reducidos únicamente a los protagonistas de la escena y representados de manera coherente en el espacio para hacer inmediatamente legible el nodo narrativo, también resaltado por las líneas convergentes realizadas mediante variaciones del claroscuro.

También cabe resaltar que al utilizar la técnica de stiacciato (también denominada schiacciato) se consigue que la mínima profundidad escultórica no impida la creación de un espacio ilusorio e idealmente ilimitado a través de variaciones de espesor de unos pocos milímetros, siendo más parecido a una pintura que a una escultura.

Aparte destacar que la construcción de la composición según el punto de fuga central, visible al unir las líneas horizontales del pórtico de la izquierda con la base de la cueva del dragón situada a la derecha, hace que se centre toda la atención del observador en la figura de San Jorge.

Para finalizar subrayar que San Jorge salva a la Princesa está considerado una de las representaciones más antiguas de la perspectiva central con un punto único de fuga y es el ejemplo más antiguo conocido del estilo "stiacciato".

Actualmente se encuentra en el Museo Nacional del Bargello de Florencia, Italia.

jueves, 6 de octubre de 2022

Ritón con Forma de Carnero

El Ritón con Forma de Carnero es un ritón datado aproximadamente en el siglo V a.C. (período comprendido entre los años 500 a.C. y 401 a.C.), perteneciente al arte persa.

Ritón con Forma de Carnero

En concreto fue realizado durante el Imperio aqueménida, el primer y más extenso de los imperios de los persas.

Lo primero que se conoce es en el año 1.968 d.C. se encontraba en la colección de arte del escritor y coleccionista de arte Norbert Schimmel.

En el año 1.983 d.C. el Ritón con Forma de Carnero fue cedido al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.989 d.C. finalmente el ritón fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, pasando a formar parte de su colección de arte permanente.


Descripción

Tiene altura total de 20,65 cm, una longitud total de 15,88 cm y el diámetro del anillo es de 12,40 cm. La altura del protomo de carnero es de 11,9 cm y la achura de los cuernos de carnero es de 7,3 cm. 

Está fabricado en plata.

Se trata de un ritón consistente en un vaso de precipitados en forma de cuerno y un elemento escultórico hueco, siendo en éste caso en forma de un carnero arrodillado.

El carnero se encuentra representado con cuernos curvos, orejas puntiagudas, cejas pobladas, el hocico estrecho y barba en la barbilla. Además se puede observar como también hay representado una fila de rizos en espiral en el pecho y la espalda indicando el pelo o posiblemente el vellón (conjunto de lana que se le quita a un carnero al esquilarlo).

Los cuartos traseros del animal aparecen representados en relieve en fila en el propio vaso de precipitado, con las patas traseras estiradas hacia los lados, mientras que las patas delanteras se encuentran representadas arrodilladas y pegadas al cuerpo.

Aparte se puede apreciar como una pluma está grabada en cada uno de los flancos del carnero, posiblemente representando alas.

El cuerpo del vaso está ornamentado con estrías horizontales y debajo del borde (vuelto hacia afuera) hay grabado un patrón repetitivo de lotos y palmetas separados de las estrías por un borde realizado mediante la técnica guilloché.

Con respecto a la funcionalidad los investigadores piensan que pudo haber sido utilizado por la clase alta  como símbolo de estatus en los banquetes reales, dónde el rey persa mostraba su riqueza y poder, por lo tanto en la antigüedad la habilidad de beber hábilmente de un ritón marcaba a uno como un miembro de la élite que estaba invitado a tales banquetes.

Para finalizar subrayar que en la actualidad las dos partes del ritón están unidas mediante un anillo, aunque los investigadores creen que originalmente ambas partes podrían no haber sido del mismo recipiente.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

miércoles, 5 de octubre de 2022

Una Mujer y Un Gato

Una Mujer y Un Gato es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.793 d.C. y 1.794 d.C., perteneciente al arte japonés.

Una Mujer y Un Gato

Fue pintada por el pintor de estampas japonés Kitagawa Utamaro (喜多川歌麿).

Se conoce que perteneció a la colección de la coleccionista de arte, feminista, mecenas y filántropa estadounidense Louisine Waldron Grande Havemeyer.

Hasta que en el año 1.929 d.C. Una Mujer y Un Gato fue legada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).


Descripción

Tiene una altura de 38,4 cm y una anchura de 25,9 cm. Está pintada en tinta y color sobre papel.

Se trata de una pintura, una estampa, en la que aparece representada una mujer joven sentada frente a una caja de costura lacada y doblando un trozo de tela teñida, para la cuál se han utilizado varios tonos de color para representar los grados de translucidez de la seda.

En el rostro alargado destacan las cejas pobladas, los ojos rasgados, la nariz recta, la boca pequeña y el mentón redondeado. El cabello largo y negro se encuentra recogido en un elaborado peinado conocido con el nombre de shimada mage (島田髷).

La mujer se encuentra ataviada con un kimono (着物) de color amarillo claro con un patrón de celosía simple y un obi (帯) rosa brocado. Llama la atención como el obi del kimono se encuentra ligeramente aflojado, eso y unido a la tela semitrasparente de seda hacen que se pueda apreciar parcialmente el cuerpo desnudo de la mujer.

Aparte se observa como la mujer tiene ligeramente inclinada la cabeza hacia abajo dirigiendo su mirada a un gato blanco que está tumbado boca arriba jugando con las telas. 

En el lateral izquierdo hay una caja lacada de costuras rectangular negra, abierta en la parte superior y con cajones de diferentes tamaños, sobre la parte superior izquierda de la caja hay puesto un cojín rosa dónde están clavadas algunas agujas utilizadas para coser.

También se puede apreciar como cerca del borde lateral izquierdo hay una inscripción escrita en vertical en idioma japonés, en la inscripción se puede leer: 歌麿 筆 junto con el sello de color negro del autor.

Con respecto a la composición destacar como los colores de las vestimentas se arremolinan en el suelo acentuados por los contornos. 

Para finalizar subrayar que la pintura es una parodia de un tema literario, el gato con cola corta que juega con la tela es una alusión a Nyosan no Miya (鈴木春信)", es decir, la tercera princesa y su gato, perteneciente a la novela de Genji Monogatari (源氏物語).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

martes, 4 de octubre de 2022

Pectoral de Mutnefret

El Pectoral de Mutnefret es un pectoral datado aproximadamente entre los años 1.295 a.C. y 1.070 a.C., perteneciente al arte egipcio.

Pectoral de Mutnefret
En concreto fue realizado durante la época ramésida, que es como se conoce al período histórico comprendido entre la XIX dinastía y XX dinastía del Antiguo Egipto. 

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte de antigüedades egipcias "Macgregor Collection".

En el año 1.922 d.C. el pectoral fue subastado por la casa de subastas Sotheby de Londres (Gran Bretaña).

Siendo adquirido por el mecenas de arte y aristócrata inglés George Edward Stanhope Molyneux Herbet (también conocido como V conde de Carnarvon o Lord Carnarvon).

En el año 1.926 d.C. el Pectoral de Mutnefret fue comprado por el empresario y filantrópico estadounidense Edward Stephen Harkness.

Siendo en ese mismo año, 1.926 d.C., cuando fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Pectoral de Mutnefret


Descripción

Tiene una altura de 13,7 cm, una anchura de 11,3 cm y un grosor de 1,5 cm. Está fabricado en loza.

Se trata de un pectoral con forma de pilón (también denominado pilono), es decir, con forma de pirámide truncada, con cornisa caveto (moldura cóncava con perfil de cuarto de círculo). 

Se pude observar como el anverso del pectoral está ornamentado con una escena grabada, aparece representado un bote que tiene en la parte superior de sus extremos (popa y proa) el ojo de Horus, además sobre el bote hay representados dos pilares Dyed.

Y en medio de los pilares hay representado un escarabajo que tiene grabado en su espalda una inscripción jeroglífica. La inscripción hace referencia a un hechizo del Libro de los Muertos referente al ka (alma) del difunto.

Pectoral de Mutnefret

Una traducción aproximada de la inscripción es la siguiente:

" Palabras dichas por Osiris

Señor de la Eternidad

Gran Dios

Gobernante del Este

que él de todo lo bueno y puro al ka

Mutnefret "

Cabe destacar que en el reverso, aunque se encuentre en mal estado de conservación, se puede apreciar como sobre el bote y situadas en los laterales hay representadas dos figuras humanas en posición de pie, con los brazos levantados y con las manos abiertas delante del pecho.

Para finalizar subrayar que originalmente el Pectoral de Mutnefret habría sido colocado sobre el pecho de Mutnefret (esposa del faraón Amenhotep II) y probablemente cosido a las envolturas de su momia, como sugieren los agujeros perforados situados en su parte superior e inferior.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

lunes, 3 de octubre de 2022

Botella con Forma de Felino

La Botella con Forma de Felino es un recipiente datado aproximadamente entre los años 600 d.C. y 900 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte wari.

Botella con Forma de Felino

Lo primero que se conoce es que la Botella con Forma de Felino fue hallada en el año 1.917 d.C. durante un saqueo a una tumba del distrito de El Ingenio.

Situado en la provincia de Nazca, localizada en el departamento de Ica, en el sur de Perú.

En el año 1.950 d.C. pertenecía a la colección de arte de Pablo Soldi y su descendientes ubicados en la ciudad de Lima, en Perú.

En el año 1.969 d.C. la Botella con Forma de Felino fue comprada por el coleccionista de arte alemán Anton Roeckl.

Después en el año 1.996 d.C. fue adquirida por el comerciante de arte David Bernstein propietario de la galería de arte "David Bernstein Fine Art".

Siendo en ese mismo año, 1.996 d.C., cuando fue adquirida por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Botella con Forma de Felino


Descripción

Tiene una altura de 20,3 cm, una anchura de 7 cm y un diámetro de 11,4 cm. Está fabricada en cerámica.

Se trata de un pequeño recipiente, una botella, que fusiona el cuerpo de un felino antropomorfo con el cuerpo de un recipiente en forma de frasco.

El felino está representado de pie con las patas contra el cuerpo, siendo ésta postura la que resta importancia a su animalidad, aparte la figura mira desafiante al espectador con los ojos abiertos y una postura amenazadora amplificada por las orejas erguidas, las fauces abiertas con los colmillos visibles y las cejas punteadas.

También resalta que las patas del felino se encuentran representadas parcialmente humanizadas con dedos acabados en garras blancas y rematadas con una muñequera de color grisáceo.

Con cada dedo-garra sostiene a una criatura fantástica comúnmente conocida como "animal jorobado", se observa como en ambos lados del cuerpo las criaturas están pintadas en rojo oscuro con un contorno amarillo y gris.

La decoración del cuerpo se encuentra complementada con patrones con diseños geométricos (círculos punteados y rombos con apéndices) y en el borde superior del cuello de la botella hay una banda con diseños de colores: naranja, rojo y gris.

Botella con Forma de Felino

Una cosa que llama la atención es que la Botella con Forma de Felino tiene que estar orientada lateralmente para que el espectador mire de frente al felino.

Con respecto a la composición destacar que los elementos redondos de bajorrelieve que han sido pintados en el cuerpo demuestran una técnica compleja de cerámica visual.

Además los tonos tierra y el equilibrio de los volúmenes representados ilustran brillantemente la habilidad de los artistas wari para fusionar el dominio del color y la escultura dentro del arte de la cerámica.

Así mismo el engobe naranja muy bruñido (arcilla mezclada con agua y con pigmentos) de la Botella con Forma de Felino proporciona un fondo suave y brillante que acentúa los círculos elevados de los laterales y las patas felinas de la cerámica.

También resaltan como los reflejos blancos se destacan en la superficie, en particular los ojos, los colmillos y las garras. En cuanto a los rasgos animales éstos están representados de forma naturalista.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que es posible que la botella nunca haya sido utilizada y tan solo hubiera estado destinada a ser depositada en un entierro.

Incluso algunos investigadores creen que originalmente pudo haber contenido un líquido para ser vertido en el suelo durante alguna ceremonia ritual.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América. 

domingo, 2 de octubre de 2022

Erudito sobre una Roca

El Erudito sobre una Roca, también conocido como 清 任頤 石上讀書 扇面, es una pintura datada aproximadamente en el año 1.880 d.C., perteneciente al arte chino.

Erudito sobre una Roca

Se conoce que la pintura fue pintada por el pintor chino Ren Yi (任頤), durante la dinastía Qing (秦朝).

También es sabido que perteneció a la colección de arte del marchante de arte estadounidense Robert Hatfield Ellsworth.

Hasta que en el año 1.986 d.C. el Erudito sobre una Roca fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), en memoria de "La Ferne Hatfield Ellsworth".


Descripción

La imagen tiene una altura de 19,1 cm y una anchura de 53,8 cm. Está pintado en tinta y pigmentos sobre papel.

Se trata de una pintura con forma de abanico plegable que presenta en su anverso una escena pintada, dónde aparece representado un erudito descansando sobre un gran roca de jardín extrañamente erosionada.

Destaca como el erudito, ataviado con una túnica y un manto, ha apoyado su bastón de madera en un recodo de la piedra mientras se encuentra concentrado leyendo un libro.

Con respecto a la composición destacar que al aislar la imagen contra un fondo en blanco se destacan los contornos festoneados de la roca y los pliegues estampados de la túnica del erudito que hacen que la composición transmita una sensación de profunda armonía.

Además enfatizar que los contornos realizados con una anchura uniforme y una perfección geométrica hacen que parezcan que han sido elaborados mediante la técnica de grabado, en vez de haber sido realizados mediante cepillados.

Para finalizar subrayar que situada cerca del borde lateral derecho se encuentra una inscripción vertical en una única columna escrita con caracteres semicursivos chinos.

La inscripción escrita es la siguiente:

"翰卿仁兄大人有道之教 弟仁頤寫"

También se observa como situado debajo de la inscripción está el sello en rojo con el nombre del artista: 任頤印. Pero aparte también se puede contemplar como debajo hay estampado un sello más grande de color rojo con la siguiente inscripción: 天涯情味仗酒囗清秋之花消英氣.

Y situado cerca del borde lateral inferior izquierdo dos sellos rojos que indican los nombres de los coleccionistas que alguna vez tuvieron en su posesión la pintura: 安思遠藏 y 松瀑廬藏.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Aguamanil de Abraham de Kütahya

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