Le Canigou

Le Canigou es una pintura datada en diciembre de año 1.921 d.C., perteneciente al arte moderno, en concreto está englobada dentro del cubismo.

Le Canigou

Fue pintada por el pintor español Juan Gris (también conocido como José Victoriano Carlos González-Pérez).

Se conoce que en el año 1.925 d.C. fue comprada por el coleccionista y marchante de arte alemán Gottlieb Friedrich Reber.

Pasando a formar parte de su colección de arte localizada en la ciudad de Lausana (Suiza).

Después fue comprada por al galería de arte "Buchholz Gallery" de la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que el 20 de octubre del año 1.947 d.C. la pintura Le Canigou fue adquirida por el Museo Albright-Knox (también conocido como Albright Art Gallery), ubicado en la ciudad de Búfalo, en el estado de Nueva York (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene una altura de 64,77 cm y una anchura de 100,33 cm, mientras que con soporte presenta una altura de 88,26 cm, una anchura de 123,51 cm y un grosor de 7,3 cm.

Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa la vista desde la ventana del hotel en el que estaba alojado el autor, en la pequeña localidad de Céret, en los Pirineos.

En un primer plano hay representada una mesa sobre la que se encuentran diversos objetos cotidianos, típicos de un bodegón: una cesta de frutas, una guitarra y un libro abierto.

Al fondo, una ventana abierta deja entrever formas geométricas blancas sobre un fondo azul que el espectador puede interpretar, gracias a la inscripción situada en la parte superior, como las montañas del macizo del Canigó (el macizo visible desde la localidad de Céret, al sur de Francia).

También se puede apreciar cómo situado en la parte superior derecha está la firma del autor y la fecha en que se realizó la pintura: "Juan Gris / 12-21".

Aparte en la parte superior central de la pintura se puede leer la siguiente inscripción: "LE CANIGOU".

En cuanto a la composición resaltar que la pintura combina diversas perspectivas. El ángulo de la mesa se funde con una de las cumbres montañosas y la montaña desborda el marco de la ventana, como si penetrara en la habitación.

Para finalizar subrayar que el Canigó es una de las cimas más altas de la cordillera de los Pirineos y se conoce que el pintor español Juan Gris pintó numerosos bodegones que incluían ventanas abiertas para integrar el espacio cercano y el lejano en una misma composición.

Para el autor las escenas de interior representaban la psique humana, mientras que las de exterior encarnaban los aspectos más corpóreos de la vida.

Por lo tanto la pintura Le Canigou simboliza la unidos de estos dos mundos (la escenas de interior y las escenas de exterior).

Actualmente se encuentra en el Museo Albright-Knox (también conocido como Albright Art Gallery), Estados Unidos de América.

La Botella de Anís

La Botella de Anís, también conocida como La Bouteille d'Anis, es una pintura datada en junio del año 1.914 d.C., perteneciente al cubismo.

La Botella de Anís

La Botella de Anís

Fue pintada por el pintor, ilustrador y litógrafo español José Victoriano González-Pérez (también conocido como Juan Gris).

En el año 2.000 d.C. la pintura La Botella de Anís pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Reina Sofia, localizado en la ciudad de Madrid (España).

Descripción

Tiene una altura de 41,8 cm y una anchura de 24 cm. 

Se trata de una pintura pintada al óleo, collage y grafito sobre lienzo que representa una botella de licor de anís de la marca española Anís del Mono (fundada en el año 1.870 d.C. en la ciudad de Badalona, ubicada en la provincia de Barcelona, situada en la comunidad de autónoma de Cataluña, en España).

Llama la atención como el autor fragmenta la representación de la botella, la copa y la mesa alternándolas con texturas reales (el papel del período y la etiqueta) con la imitación pictórica de el material de cristal de la botella y la madera de la mesa.

En el centro está representada la etiqueta de la botella de anís, con la inscripción "Visado Refinado" que podría hacer referencia a su condición de exiliado, por qué funciona como un doble sentido lingüístico expresando el temor y la obsesión del pintor por los documentos de regularización en Francia.

Es conocido que con el estallido de la Primera Guerra Mundial el pintor, ilustrador y litógrafo español Juan Gris había huido de España para evitar el servicio militar, siendo un exiliado en Francia.

En la etiqueta original de la botella se pueden leer los nombres de las ciudad de: Badalona, Madrid y Paris, siendo interpretado como un homenaje explícito a los tres fundadores del cubismo, el pintor Pablo Picasso (vinculado con Badalona), el propio Juan Gris (nacido en Madrid) y el pintor Georges Braque (asociado con la ciudad de París).

También se pude observar como situado junto al nombre de las ciudades están representadas las medallas de "premio", que aluden a los triunfos cosechados por los tres artistas. 

Se puede observar cómo el autor integra, detrás de la botella, recortes del período francés "Le Journal", que aparte de ser un recurso estético introduce la realidad exterior y el clima sociopolítico de la guerra en la obra.

Con respecto a la composición resaltar que está rigurosamente ordenada mediante la utilización de líneas verticales, horizontales y diagonales rítmicas.

Asimismo el uso de recortes de periódico y juegos tipográficos cuestiona qué es real y que es pintado, convirtiendo la pintura en un lenguaje de signos donde la silueta de la botella basta para evocar la realidad.

Para finalizar subrayar que la pintura La Botella de Anís está considerada una de las mejores obras dentro del cubismo sintético que pintó el pintor, ilustrador y litógrafo español Juan Gris.

Actualmente se encuentra en el Museo Reina Sofía de Madrid, España.

Botella, Vaso y Pipa (Violette de Parme)

La Botella, Vaso y Pipa (Violette de Parme), también conocida como Bouteille, Verre et Pipe (Violette de Parme), es una pintura datada en el año 1.914 d.C., perteneciente al cubismo, en concreto está englobada dentro del cubismo sintético.

Botella, Vaso y Pipa (Violette de Parme)

Fue pintada en la ciudad de Paris (Francia) por el pintor y escultor francés Georges Braque.

En el año 1.914 d.C. perteneció a la colección de arte del escritor, coleccionista y marchante de arte alemán Daniel-Henry  Kahnweiler.

Siendo expuesta en la galería de arte "Galerie Kahnweiler", localizada en la ciudad de París (Francia).

En el año 1.950 d.C. la pintura fue expuesta en la galería de arte "Galerie Louise Leiris", ubicada en la ciudad de París (Francia).

En el año 1.953 d.C. la pintura fue comprada por el escritor y editor de revistas británico Sir Edward George Warris Hulton y su esposa, la autora y socialité francesa Princess Nika Yourievitch (también conocida como Lady Nika Hulton).

El 18 de marzo del año 1.981 d.C. la pintura Botella, Vaso y Pipa (Violette de Parme) fue vendida a la galería de arte "Marlborough Fine Art Ltd", situada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

En el año 1.982 d.C. fue comprada por el político y empresario estadounidense Ronald Steven Lauder, pasando a formar parte de su colección de arte ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En febrero del año 1.989 d.C. la pintura pasó a ser propiedad de la empresaria estadounidense Josephine Esther Mentzer (también conocida como Estée Lauder).

En marzo del año 2.000 d.C. pasó a formar parte de la colección del multimillonario, filántropo y coleccionista de arte estadounidense Leonard Alan Lauder.

En 8 de abril del año 2.013 d.C. la pintura Botella, Vaso y Pipa (Violette de Parme) fue transferida al fidecomiso Cubista Leonard A. Lauder (The Leonard A. Lauder Cubist Trust), localizado en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 2.016 d.C. la pintura fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de arte moderno y contemporáneo.

Descripción

Tiene una altura de 48,1 cm y una anchura de 61,4 cm. 

Está elaborada en periódico recortado y pegado, papel pintado y papel tapiz, carboncillo, grafito y gouache sobre cartón.

Se trata de una pintura que funciona como un complejo rompecabezas de ilusiones tridimensionales y texturas en la que los objetos fragmentados están construídos y sintetizados usando materiales como periódico y papel pegado. 

El autor utilizó un papel pintado que simulaba roble encalado para representar la mesa y otro patrón para imitar los paneles típicos de los comedores.

Siendo éste último el que se superpone a los demás fragmentos pegados, aunque paradójicamente, representa la pared detrás de la mesa.

Por lo tanto para integrar la mesa a la composición el autor extendió su moldura hacia la izquierda y derecha con una réplica dibujada a mano.

La pipa de arcilla parece un recorte pegado, pero en realidad fue recortada del periódico sobre el que parece reposar, siendo dibujada usando el espacio en negativo y dandole volumen sombreando la cazoleta, la cual incluye el diminuto logotipo del estudio de cine Gaumont.

Aparte se puede observar cómo anunciada en negrita al pie del otro recorte de periódico está "Violette de Parme" (Violeta de Parma), un preciado y cotizado perfume de la época para mujeres creado por Roger et Gallet.

Además resaltar que algunos investigadores creen que el autor representó deliberadamente éste perfume enfrente de la pipa con la finalidad de evocar un "antídoto aromático floral" contra el olor penetrante del tabaco. 

La obra se encuentra firmada en la parte inferior a la izquierda en grafito, siendo la inscripción la siguiente: "G. Braque" (subrayado después de la "G").

Para finalizar subrayar que los derechos y reproducción de la pintura Botella, Vaso y Pipa (Violette de Parme) son de © 2026 Artists Rights Society (ARS), New York.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

El Molino de Aceite

El Molino de Aceite, también conocido como The Oil Mill, es una pintura datada en el verano del año 1.909 d.C., perteneciente al cubismo.

El Molino de Aceite

El Molino de Aceite

Fue pintado por el pintor español Pablo Ruiz Picasso (también conocida como Pablo Picasso). 

En primavera del año 1.910 d.C. la pintura fue expuesta en la galería de arte "Galerie Kahnweiler", localizada en la ciudad de París (Francia), propiedad del escritor y coleccionista de arte alemán Daniel-Henry Kahnweiler.

En el año 1.910 d.C. El Molino de Aceite fue vendido, por un precio de 500 francos, al industrial y coleccionista de arte francés Roger Dutilleul.

En el año 1.956 d.C. pasó a formar parte de la colección del mecenas y coleccionista de arte francés Jean Masurel.

En el año 1.991 d.C., a su muerte, la pintura pasó a forma parte de la colección de arte de sus herederos, ubicada en la ciudad de París (Francia).

En febrero del año 2.000 d.C. fue comprada por el multimillonario, filántropo y coleccionista de arte estadounidense Leonard Alan Lauder.

El 8 de abril del año 2.013 d.C. la pintura pasó a formar parte del fidecomiso "Leonard A. Lauder Cubist Trust" (colección de 81 obras maestras cubistas valoradas en más de mil millones de dólares).

Hasta que en el año 2.025 d.C. la pintura El Molino de Aceite fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), donde pasó a formar parte de la colección de arte permanente del museo. 

Descripción

Tiene una altura de 38,1 cm y una anchura de 45,7 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa un paisaje rural con un conjunto de edificios reducidos a sus componentes geométricos más esenciales, resaltando como las casas, el terreno y la vegetación están representados como facetas y cubos interconectados.

El paisaje se compone de un molino de aceite de oliva en un primer plano, junto con un conjunto de edificios, un río con un velero apenas visible en el plano medio y montañas en el fondo.

El paisaje representado se corresponde con la localidad histórica de Horta de Ebro (en la actualidad Horta de Sant Joan), localizada en la provincia de Tarragona, ubicada en la comunidad autónoma de Cataluña (España).

Escrito en el dorso (a la izquierda, en el travesaño superior, con lápiz negro) se puede leer: Picasso - molino (parcialmente ilegible).

A lo largo del travesaño derecho, en lápiz azul, se lee: LV. Dutilleul y horizontalmente en la esquina inferior derecha del travesaño, en marcador rojo, se lee: c (subrayado).

En cuanto a la composición resaltar la paleta cromática por el uso de tonos tierra, ocres, verdes, oliva, grises y marrones que resaltan la forma sobre el color.

Además enfatizar que la pintura se considera un referente en el desarrollo del cubismo analítico, caracterizado por la representación de espacios fragmentados, reduciendo la arquitectura a formas volumétricas básicas.

También como curiosidad destacar que la pintura El Molino de Aceite está considerada una obra importante dentro de la historia de arte moderna debido al impacto internacional que tuvo poco después de su creación.

Fue una de las primeras pinturas cubistas reproducidas en la prensa italiana, en concreto, apareció en diciembre del año 1.911 d.C. en la portada del periódico florentino "La Voce" (una de las revistas cultuales, políticas y literarias más influyente de Italia en el siglo XX d.C. (período comprendido entre los años 1.901 d.C. y 2.000 d.C.)).

Para finalizar subrayar que los derechos y reproducción de la pintura El Molino de Aceite son de © 2026 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

La Boloñesa

La Boloñesa, también conocida como La Boulonnaise, es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.922 d.C. y 1.923 d.C., perteneciente al cubismo.

La Boloñesa

La Boloñesa

Fue pintada por la pintora española María Gutiérrez-Cueto Blanchard (también conocida como María Blanchard).

Lo primero que se conoce es que la pintura formó parte de la colección de arte de un coleccionista privado.

El 3 de diciembre del año 1.986 d.C. fue subastada por la casa de subastas Sotheby's de Londres (Gran Bretaña), dentro del lote número 311.

En el año 1.988 d.C. La Boloñesa fue comprada por la sociedad francesa de subastas "Ader Picard Tajan", situada en la ciudad de París (Francia). 

En el año 1.989 d.C. fue adquirido por el museo privado Musée Petit Palais, localizado en la ciudad de Ginebra, en Suiza.

En el año 2.000 d.C. la pintura fue vendida a través de la galería de arte Galería Guillermo de Osma, siendo comprada por un coleccionista particular, pasando a formar parte de su colección de arte ubicada en la ciudad de Oviedo, en la comunidad autónoma de Asturias (España).

En el año 2.021 d.C. la pintura La Boloñesa fue adquirida por el Museo Nacional del Prado, ubicado en la ciudad de Madrid (España).

Cabe resaltar que la compra pudo realizarse gracias al legado de la benefactora y mecenas de la Fundación Amigos Museo del Prado Carmen Sánchez García.

Además destacar que su ingreso en la pinacoteca del museo fue significativo y está considerada una de las piezas estrella que representa la vanguardia española en el Museo del Prado.

Descripción

Tiene una altura de 65 cm y una anchura de 100 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa a una mujer joven, con el cuerpo ligeramente girado hacia el lado derecho y con los brazos en jarras. 

Cabe resaltar que la mujer representada es oriunda de la ciudad pesquera de Boulogne-sur-Mer, situada en al región de Boulonnais, localizada en la prefectura de Arras, en la región de Alta Francia (Francia).

Es conocido que las mujeres de ésta localidad, conocidas como "boloñesas", se dedicaban tradicionalmente a la descarga de pescado y la recogida de marisco.

La mujer se encuentra ataviada con el traje de fiesta regional, con un vestido de seda negra y el delantal ocre, pero sobretodo llama la atención su cofia blanca circular de encaje almidonado y encañonado.

También resalta el manto o chal en tonos rojos, rosas y blancos, con flecos y decorado con flores y patrones geométricos, colocado alrededor del cuello, cayéndole por los hombros y el busto. 

En el rostro alargado destacan las cejas finas, los ojos almendrados, la nariz recta, los labios carnosos de un tono pálido, el mentón pronunciado y las orejas, de las que cuelgan grandes pendientes colgantes.

En el anverso, situado en el ángulo inferior derecho, se puede leer la firma de la autora: "M. BLANCHARD".

Con respecto a la composición destacan las líneas rectas y la fragmentación, a la vez que la autora aborda la cultura popular francesa representada con sombras marcadas.

Aparte destaca el uso de la policromía con la utilización de tonos de color contrastados, que resaltan sobre el fondo de un color azul haciendo resaltar la silueta de la mujer realizada en un tono más claro.

Para finalizar subrayar que La Boloñesa está considerada un ejemplo del cubismo personal de la autora y su interés por temas etnográficos, consolidando su lugar entre las grandes figuras del cubismo parisino.

Además algunos investigadores creen que la mujer representa proyecta una apariencia física sólida que transmite una energía poderosa, lo que contrastaría con la propia fragilidad de la autora, que padecía cifoscoliosis (deformidad compleja de la columna vertebral que combina dos tipos de curvaturas anormales).

Actualmente se encuentra en el Museo del Prado de Madrid, España.

Retrato de la Madre del Artista

El Retrato de la Madre del Artista, también conocida como Cabeza de Mujer, es una pintura datada en el año 1.912 d.C., perteneciente al cubismo.

Retrato de la Madre del Artista

Fue pintado por el pintor, ilustrador y litógrafo español José Victoriano González-Pérez (también conocido como Juan Gris).

Lo primero que se conoce es que la pintura fue expuesta en la galería de arte "Galerie Kahnweiler", situada en la ciudad de París (Francia), propiedad del escritor, coleccionista y marchante de arte alemán Daniel-Henry Kahnweiler.

El 4 de julio del año 1.922 d.C. fue comprado por un precio de 65 francos por el escultor y coleccionista de arte lituano Chaïm Jacob Lipchitz (también conocido como Jacques Lipchitz).

En el año 1.923 d.C. la pintura fue comprada por el historiador y crítico de arte polaco Waldemar George.

En el año 1.937 d.C. la pintura Retrato de la Madre del Artista fue vendida al comerciante de arte y coleccionista de arte alemán Justin K. Thannhauser.

En junio del año 1.938 d.C. la pintura fue adquirida por el historiador, crítico y coleccionista de arte británico Douglas Cooper, pasando a formar parte de su colección ubicada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

En el año 1.984 d.C. fue legado al diseñador de interiores estadounidense y filántropo William Augustine MacCarty-Cooper.

En noviembre del año 1.986 d.C. la pintura fue vendida al multimillonario, filántropo y coleccionista de arte estadounidense Leonard Alan Lauder.

El 8 de abril del año 2.013 d.C. la pintura fue transferida a la colección de arte "The Leonard A. Lauder Cubist Trust", ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 2.025 d.C. el Retrato de la Madre del Artista fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de la colección de arte permanente del museo, dentro del departamento de arte moderno y contemporáneo.

Descripción

Tiene una altura de 53,8 cm y una anchura de 46,4 cm, mientras que con el marco tiene una altura de 71,8 cm, una anchura de 88,3 cm y un grosor de 4,4 cm.

Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura donde el artista descompone la figura humana femenina, altamente estilizada, en una red de planos geométricos y fragmentos.

Donde las facciones de su madre emergen de una composición cuadriculada, si bien los rasgos faciales distorsionados son legibles en la mitad superior de esta composición cuadriculada, la mita inferior es más difícil de interpretar, lo que dificulta la identificación de la mujer con pendientes de perlas.

Sobretodo enfatizar cómo el autor ha creado una experiencia visual desafiante al espectador de la pintura, como si fuera "como un rompecabezas".

También se puede observar como situado arriba a la izquierda, con pintura negra, se encuentra la firma del autor: "Juan Gris".

Con respecto a la composición resaltar que la pintura destaca la transición del pintor de la ilustración a la pintura y su enfoque en el estructuralismo técnico e intelectual en el arte.

Además llama la atención la utilización de la paleta cromática con el uso de tonos tierras y grises, así como la precisión matemática característica del estilo del artista, habitualmente denominado "cubismo cristalino".

Para finalizar subrayar que fue el escritor, marchante y coleccionista de arte alemán Daniel-Henry Kahnweiler, amigo del pintor, ilustrador y litógrafo español Juan Gris, quién se refirió por primera vez a ésta pintura como Retrato de la Madre del Artista, puesto que sabia que la pintura fue "pintada de memoria, pues tras abandonar la ciudad de Madrid (España), el arista nunca volvió a verla".

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

La Terraza del Café

La Terraza del Café, también conocido como The Café Terrace, es una pintura datada en el año 1.915 d.C., perteneciente al cubismo.

La Terraza del Café

La Terraza del Café

Fue pintada por el pintor mexicano Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Esstanislao de Rivera y Barrientos (también conocido como Diego Rivera).

En el año 1.916 d.C. la pintura pasó a formar parte de la galería de arte "Modern Gallery", propiedad del artista, escritor, galerista y mecenas mexicano Marius de Zayas Enriques y Calmet y ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

El 19 de julio del año 1.916 d.C. fue vendida, por un precio de 117 dólares, al fotógrafo estadounidense (de origen judío-alemán) Alfred Stieglitz.

Entre los años 1.944 d.C. y 1.946 d.C. la pintura estuvo en préstamo prolongado al Museo de Arte de Filadelfia (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.949 d.C. la pintura La Terraza del Café fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Descripción 

Tiene una altura de 60,6 cm y una anchura de 49,5 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que retrata la vida bohemia de la ciudad de París (Francia) durante la Primera Guerra Mundial (conflicto bélico mundial entre dos coaliciones: los Aliados y las Potencias Centrales).

En concreto la pintura representa una escena de café en la ciudad de Paris, incluyendo la representación de una elegante botella de líquido verde, presumiblemente absenta, y la brillante cuchara de metal, necesarias para preparar la potente bebida.

Ambos objetos se combinan con una tira de mantel de camuflaje, una clara referencia  a la Primera Guerra Mundial.

Además el autor incluyó en la pintura referencias a su tierra natal, como la caja de puros con una etiqueta parcial que dice "BENITO JUA" debajo de un paisaje mexicano en miniatura.

Cabe destacar que ésta etiqueta hace referencia al presidente de México desde el año 1.858 d.C. hasta su muerte en el año 1.872 d.C. Benito Juárez.

También se puede observar como la pintura se encuentra firmada abajo a la izquierda: D. M. R, mientras que en el verso está firmado, fechado e inscrito: No. 4 LA TERRASSE / DU CAFÉ / Rivera. 15.

Con respecto a la composición destacar como la pintura representa las vanguardias europeas junto con las raíces mexicanas del autor, dando como resultado una composición intrincada y una paleta policromática dinámica.

Aparte resaltan la utilización de pequeños puntos de color, una técnica conocida como puntillismo, para amplificar los contrastes de texturas y patrón.

Para finalizar subrayar que los derechos y reproducción de la pintura La Terraza del Café pertenecen a © 2026 Artists Rights Society (ARS), New York.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Naturaleza Muerta con Metrónomo

La Naturaleza Muerta con Metrónomo, también conocida como Naturaleza Muerta con Mandola y Metrónomo, es una pintura en el año 1.909 d.C., perteneciente al cubismo.

Naturaleza Muerta con Metrónomo

Naturaleza Muerta con Metrónomo

Fue pintado por el pintor y escultor francés Georges Braque.

En el año 1.914 d.C. la pintura se encontraba en posesión del escritor, coleccionista y marchante de arte alemán Daniel-Henry Kahnweiler, formando parte de la colección de la galería de arte "Galerie Kahnweiler", ubicada en la ciudad de París (Francia).

El 13 de junio del año 1.921 d.C. fue vendida por un precio de 1.600 francos al coleccionista de arte y escultor estadounidense Oscar Miestchaninoff.

El 20 octubre del año 1.926 d.C. fue subastada en la ciudad de París (Francia), siendo comprada por un precio de 13.000 francos por el marchante de arte y galerista belga Louis Manteau.

La pintura Naturaleza Muerta con Metrónomo fue trasladada a la ciudad de Bruselas (Bélgica), dónde poco después pasó a ser propiedad del artista y escritor belga Édouard León Théodore Mesens.

En el año 1.936 d.C. la pintura fue adquirida por el historiador, crítico y coleccionista de arte británico Douglas Cooper (también conocido como Douglas Lord).

En el año 1.984 d.C. fue legada al diseñador de interiores estadounidense y filántropo William Mc Carty-Cooper. 

En noviembre del año 1.986 d.C. fue comprado por multimillonario, filántropo y coleccionista de arte estadounidense Leonard Alan Lauder.

Hasta que en el año 2.025 d.C. la Naturaleza Muerta con Metrónomo fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Naturaleza Muerta con Metrónomo

Descripción

Tiene una altura de 81 cm y una anchura de 54,1 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que utiliza la fragmentación geométrica y múltiples puntos de vista para representar una mandola de gran tamaño (instrumento de cuerda pulsada en forma de pera con trastes y cuatro pares de cuerdas que se toca con un plectro) y un metrónomo (aparato usado para indicar el tempo o pulso de las composiciones musicales).

Con respecto a la composición destacar como es un ejemplo importante del cubismo analítico, caracterizado por la descomposición de las formas en figuras geométricas y el uso de una paleta simplificada.

Sobretodo enfatizar que la forma del metrónomo es un elemento clave para transmitir profundidad y perspectiva, mientras que la mandola es un instrumento musical que habría sido un objeto familiar para un público moderno.

Éstos dos puntos ayudan a que las nuevas innovaciones pictóricas del cubismo fueran más accesibles para el público.

Aparte resaltar que la pintura se encuentra firmada, aunque en la actualidad la firma se encuentra oculto por el reentelado (técnica de restauración de pinturas sobre lienzo que consiste en adherir una tela nueva al reverso del lienzo original para reforzarlo cuando se encuentra muy degradado o cuando ha perdido su función de soporte).

También subrayar que el lienzo de la Naturaleza Muerta con Metrónomo, es uno de los cinco lienzos de bodegones dedicados a la música que el pintor y escultor francés George Braque realizó entre finales del año 1.909 d.C. y principios del año 1.910 d.C. y que amplia radicalmente los experimentos cubistas del artista.

Para finalizar enfatizar que los derechos y reproducción de la pintura Naturaleza Muerta con Metrónomo es de © 2025 Artists Rights Society (ARS), Nueva York.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Nature Morte Cubiste

La Nature Morte Cubiste, también conocida como Naturaleza Muerta Cubista, es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.917 d.C. y 1.919 d.C., perteneciente al cubismo.

Nature Morte Cubiste

Nature Morte Cubiste

Fue pintada por la pintora española María Guitiérrez-Cueto Blanchard (también conocida como María Blanchard).

En el año 2.016 d.C. la pintura Nature Morte Cubiste pasó a formar parte de la colección del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, ubicado en la ciudad de Madrid (España), cómo depósito comodato de la colección de arte "Colección Telefónica".

Cabe destacar que un depósito comodato es un contrato dónde se encuentra un bien que no puede ser reemplazado por otro para que se use gratuitamente por un tiempo determinado.

Descripción 

Tiene una altura de 54 cm y una anchura de 32 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa un bodegón, también conocido como naturaleza muerta, donde tanto la sartén, la copa y la mesa están representados como objetos cotidianos con forma esquemáticas y con trazos muy finos que limitan superficies de colores planos.

Con respecto a la composición destacar una paleta luminosa de tonos grises y pasteles de: rojos, naranjas, verdes y marrones.

Además resaltar que en toda la pintura destaca la visión de la autora de un bodegón como una arquitectura plana pintada en el carácter constructivo de la obra y el diálogo de los elementos geométricos.

Para finalizar subrayar que la pintura se encuentra considerada un bodegón cubista en el que es difícil determinar si ha sido pintado por un hombre o una mujer.

Puesto que en la obra no se emplean lo considerado "temáticas femeninas": no hay niños, ni solicitud maternal, ni melancolía y por supuesto no se aprecia la "desdicha personal" de la autora.

Sin embargo algunos investigadores consideran que la policromia utilizada se corresponde con una paleta femenina, en contraposición con los colores neutros y sobrios de otras obras creadas por otros pintores cubistas. 

Actualmente se encuentra en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, España.

The Sacré-Coeur

The Sacré-Coeur es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.909 d.C. y 1.910 d.C., perteneciente al cubismo.

The Sacré-Coeur 

Fue pintado por el pintor y escultor español Pablo Ruiz Picasso (también conocido como Pablo Picasso).

La pintura perteneció a la colección de arte del artista y también es sabido que seguía en su posesión cuando fue expuesta en la exposición ocurrida en el año 1.966 d.C. en el Grand Palais de la ciudad de París (Francia).

En el año 1.985 d.C. la pintura The Sacré-Coeur pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Nacional Picasso (también conocido como Museo Picasso) de la ciudad de París (Francia).

Descripción

Tiene una altura de 92,5 cm y una anchura de 65 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa la basílica menor, templo expiatorio y santuario de adoración eucarística Basílica del Sagrado Corazón de Montmartre (Basilique du Sacré-Coeur de Montmartre).

En la representación destaca como unas líneas esquemáticas identifican la cúpula, mientras que sus dos estructuras laterales permanecen menos diferenciadas.

El tratamiento de los elementos centrales, con sus planos facetados que parecen inclinarse hacia el espectador lleva el sello del cubismo.

Con respecto a la composición destacar que aunque la pintura parece incompleta los estudiosos han aceptado a la pintura The Sacré-Coeur como una obra de arte terminada.

Es más resaltar que la construcción de la monumental Basílica del Sagrado Corazón (Sacré Coeur) de la ciudad de París (Francia), en la cima de Montmatre (una colina de 130 metros de altura), se prolongó desde el año 1.875 d.C. (cuando se colocó la primera piedra) hasta el año 1.914 d.C..

Durante parte de ese tiempo el pintor y escultor español Pablo Picasso vivió en las cercanías y habría visto el reluciente edificio blanco con regularidad.

Cuando se pintó la pintura Pablo Picasso, junto con otros artistas, acababa de inventar el cubismo, una forma de representar el mundo que mostraba todas las caras de un objetos a la vez, descomponiéndolo en formas geométricas.

Ésta combinación de triángulos, rectángulos y semicírculos permite ver todas las caras del edificio al mismo tiempo.

Para finalizar subrayar que los derechos de reproducción de la pintura son de: © 2025 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York. Image © RMN-Grand Palais / Art Resource, NY, photograph: René-Gabriel Ojéda.

Actualmente se encuentra en el Museo Nacional Picasso de París, Francia.

Cabeza de Mujer

La Cabeza de Mujer es una pintura datada en el año 1.927 d.C., perteneciente al cubismo.

Cabeza de Mujer

Fue pintado por el pintor y escultor español Pablo Ruiz Picasso (también conocido como Pablo Picasso).

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte del marchante de arte y galerista francés Pierre Loeb, formando parte de la colección de la "Galerie Pierre", ubicada en la ciudad de París (Francia).

En el año 1.938 d.C la pintura fue vendida al pintor y teórico austro-mexicano Wolgang Paalen, formando parte de su colección de arte localizada en la ciudad de México (México).

En la década de 1.940 d.C. (período comprendido entre los años 1.940 d.C. y 1.949 d.C.) fue comprado por el productor de películas y coleccionista de arte ruso Jacques Gelman y su esposa la coleccionista de arte checa Natasha Zahalka (también conocida como Natasha Gelman).

Hasta que en el año 1.998 d.C. Cabeza de Mujer fue legado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte, a partir del año 1.999 d.C., de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 55,6 cm y 33,7 cm. Está pintado en óleo y carboncillo sobre lienzo.

Se trata de una pintura con una sola línea negra continua que representa una imagen que recuerda a un bumerán deforme y con detalles añadidos que evocan a una feroz mujer vista de perfil.

Destacan los dos ojos de formas extrañas, unas diminutas fosas nasales, tres cabellos y cuatro uñas representadas como dientes.

Aparte resaltar que Cabeza de Mujer pertenece a una serie de dieciséis pinturas de mujeres representadas igualmente aterradoras.

También cabe destacar que el contexto de la pintura era la irreverencia fomentada por los amigos surrealistas del pintor y escultor español Pablo Picasso, pero el tema es su matrimonio deteriorado con la bailarina rusa Olga Jojlova (también conocida como Olga Stepánovna Jojlova), quién desesperada por la pérdida de interés de Picasso se había vuelto emocionalmente inestable.

Para entonces Pablo Picasso ya había conocido a su siguiente amante la modelo francesa Marie-Thérèse Walter, aunque Olga Kokhloba no lo sabría hasta el año 1.935 d.C..

Asimismo resaltar que en la parte superior izquierda se puede leer la firma del autor: "Picasso".

Para finalizar subrayar que los derechos y reproducción de Cabeza de Mujer son: © 2025 Patrimonio de Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), Nueva York.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

El Árbol Gris

El Árbol Gris es una pintura datada en el año 1.911 d.C., perteneciente al cubismo.

El Árbol Gris

El Árbol Gris

Fue pintado por el pintor neerlandés Piet Mondrian (también conocido como Pieter Cornelis Mondriaan).

El cuadro fue comprado directamente al artista por el agente inmobiliario y coleccionista de arte holandés Salomon B. Slijper.

Desde el año 1.954 d.C. la pintura fue prestada para su exposición al Museo Municipal de La Haya (Holanda).

Hasta que finalmente en el año 1.971 d.C. El Árbol Gris fue legado al Museo Municipal de La Haya (Holanda), dónde pasó formar parte de su colección permanente de arte.

 

Descripción

Tiene una altura de 79,7 cm y una anchura de 109,1 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura en blanco y negro que representa un paisaje, compuesto por un árbol con una forma sutilmente ovalada, explícito y que enmarca el cuadro.

Con respecto a la composición resaltar que los contrastes de luz y oscuridad caracterizan la estructura. Se han utilizado muchos tonos diferentes de gris, desde el blanco oscuro hasta el negro claro, en una paleta muy reducida.

Además resaltar que aunque a primera vista la imagen parece simétrica, no lo es. El centro de gravedad no está en la proporción áurea, sino exactamente en el centro de la imagen, el centro de la vertical y la horizontal.

Aparte la imagen muestra diferentes formas redondas, cónicas y cuadradas. El tronco del árbol no pesa más que las ramas, así mismo al observar más de cerca, se ven claramente diferencias entre la izquierda y la derecha, entre arriba y abajo.

También destacan como el número de ramas es diferente en las dos mitades de la imagen y apuntan en direcciones diferentes.

La representación es bidimensional, se omite la profundidad del paisaje. Se aprecia como el primer plano y el fondo parecen entrelazados.

De la misma manera se puede observar como la iluminación es oscura y la composición oscila entre figura y forma.

Para finalizar subrayar que El Árbol Gris está considerada unas de las primeras obras de arte englobadas dentro del cubismo que fue elaborada por el pintor neerlandés Piet Mondrian (también conocido como Pieter Cornelis Mondriaan).

Es más se puede afirmar que la pintura se encuentra situada entre la transición de la representación figurativa a la forma abstracta pura.

Actualmente se encuentra en el Museo Municipal de La Haya, Holanda.

Mujer Sentada

La Mujer Sentada es una escultura datada en el año 1.902 d.C., perteneciente al cubismo.

Mujer Sentada

Mujer Sentada

Fue esculpida por el pintor y escultor español Pablo Ruiz Picasso (también conocido como Pablo Picasso), en el taller de la casa familiar de veraneo del escultor español Emili Fontbona Ventosa.

Ubicado en el número 6 de la calle Pàdua, localizado en el barrio barcelonés de Sant Gervasi en la ciudad de Barcelona, situada en la provincia de Barcelona, en la comunidad autónoma de Cataluña (España).

En el año 1.962 d.C. el poeta español Jaume Sabartés Gual (también conocido como Jaime Sabartés Gual) donó la escultura al Museo Picasso de Barcelona (España), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Mujer Sentada

Descripción

Tiene una altura 14 cm y una anchura de 8,2 cm. Está esculpida en bronce.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la figura de una mujer sentada y abatida, ataviada con ropas largas.

Sobretodo destaca como tanto los brazos como las manos se encuentran apenas insinuados de manera esquemática

También resalta como la cabeza se encuentra ligeramente girada hacia el lado derecho y los rasgos faciales están representados simplificados.

Con respecto a la composición destacar como el modelado de la mujer se basa en una concepción cerrada y monolítica que concentra múltiples enfoques.

Aparte la escultura se basa en un nuevo proceso creativo del artista reflejado en la drástica reducción cromática y conceptual de la obra.

Para finalizar subrayar que la Mujer Sentada es la primera escultura esculpida por el pintor y escultor español Pablo Ruiz Picasso.

Es más se conoce que se primero se modeló en arcilla la figura de la mujer, para posteriormente realizar una tirada de trece ejemplares en bronce, estando el original en terracota conservado en el Museo Picasso de París (Francia).

Actualmente se encuentra en el Museo Picasso de Barcelona, España.

Corrida de Toros y Pez

Corrida de Toros y Pez, también conocido como Escena de Corrida con Pescado, es un plato datado en el año 1.957 d.C., perteneciente al cubismo.

Corrida de Toros y Pez

Corrida de Toros y Pez

Fue elaborado por el escultor y pintor español Pablo Ruiz Picasso (también conocido como Pablo Picasso) en su villa-taller ubicada en la bahía de la ciudad de Cannes (Francia).

Perteneció a la colección de arte de Jacqueline Picasso (también conocida como Jacqueline Roque, musa y segunda esposa del artista español Pablo Picasso).

Hasta que en el año 1.982 d.C. Corrida de Toros y Pez fue donado al Museo Picasso de Barcelona, localizado en la ciudad de Barcelona, situada en la comunidad autónoma de Cataluña (España).

Descripción

Tiene un diámetro de 42 cm.

Se trata de un plato de cerámica realizado mediante barro rojo cocido torneado, con forma redonda y un fondo abombado.

El interior está ornamentado por varias bandas concéntricas ornamentadas, en la banda del círculo exterior hay representadas pequeñas cabezas de toros muy estilizadas.

La segunda banda presenta un grupo de toros que da la vuelta al plato, mientras que en la tercera banda hay representados pases taurinos y en el círculo central hay una escena de la suerte de varas.

Cabe destacar que en tauromaquia la suerte de varas se ejecuta a caballo y es usada para comprobar tanto las virtudes como los defectos que pueda tener el toro en el transcurso de la lidia.

También destaca como hay representado un pez superpuesto en la superficie, realizado mediante barro blanco cocido, impreso con la raspa de un pez vidriada. Aparte tiene una capa de pátina y óxido negro y se encuentra parcialmente barnizado.

El reverso del plato está decorado con incisiones que representan tres caras sonrientes, además la superficie también ha sido barnizada y tiene pátina negra.

Para finalizar con respecto a la composición resaltar que el plato combina la comida representada como naturaleza muerta y la iconografía taurina entrelazada con motivos gráficos.

Actualmente se encuentra en el Museo Picasso de Barcelona, España.

Don Quijote

Don Quijote, también conocido como Don Quijote y Sancho, es un boceto datado en el año 1.955 d.C., perteneciente al cubismo.

Don Quijote

Fue pintado por el pintor y escultor español Pablo Ruiz Picasso (más conocido como Pablo Picasso).

En julio del año 2.010 d.C. fue el crítico de arte y científico georgiano Dali Lebanidze, junto con otros críticos de arte georgianos, quieres afirmaron haber hallado el boceto original, perdido desde hace mucho tiempo.

El boceto apareció en la casa de una familia residente en la ciudad de Tiglis (Greorgia), quienes habían recibido el boceto de un familiar residente en el extranjero.

Aunque han sido realizados varios estudios y el crítico de arte y científico georgiano Dali Lebanidze llegó a la conclusión de que el boceto es el original.

No se ha publicado ningún dictamen científico, forense o crítico independiente que acrediten su autenticidad.

Fue en mayo del año 2.022 d.C. cuanto el coleccionista de arte e historiador de arte Keith Coppola hizó la afirmación de que había encontrado el boceto original, fechado el 11 de febrero de 1.955 d.C., en un una subasta de bienes.

Sin embargo hasta mayo del año 2.022 d.C. los intentos por autenticar su versión del Don Quijote por parte de los herederos del pintor y escultor español Pablo Ruiz Picasso han sido infructuosos.

Descripción

Se trata de un boceto que representa al caballero o hidalgo Don Quijote de la Mancha (también conocido como Alonso Quijano), a su caballo Rocinante, su escudero Sancho Panza y su asno Rucio, el sol y varios molinos de viento.

Resaltan las líneas gruesas, casi garabatos, que componen las figuras deformadas y dramáticas que destacan sobre un fondo blanco liso.

Un Sancho Panza representado pequeño y corpulento, mira a un Don Quijote alto y demacrado, quién a su vez mira al frente.

También se puede observar como Don Quijote y el caballo Rociante se yerguen nobles, pero con un aire algo cansado. 

Además por los trazos se piensa que la figura pintada con trazos gruesos parecen haber sido modificados mientras se pintaba el torso, los brazos y los hombros de Don Quijote.

Se puede apreciar como la cabeza está coronada por lo que sería el yelmo de Mambrino (yelmo ficticio fabricado en oro puro y con la propiedad de convertir en invulnerable a su usuario) unido a sus hombros por un cuello formado por una sola línea delgada.

Aparte resalta como en el rostro hay representado una nariz puntiaguda y una perilla larga e igualmente delgada.

También se observa como en la mano derecha lleva las riendas del caballo y una lanza, mientras que en la izquierda lleva un escudo circular.

En cuanto al caballo Rociante resaltar que está representado como piel y huesos, como lo describe Miguel de Cervantes. 

Sancho Panza está representado a la derecha esbozado mediante la misma línea formada por una masa negra que define el cuerpo redondo, sentado sobre el asno Rucio representado con un cuello largo y fibroso y las orejas finas y largas.

Con respecto a la composición resaltar que a pesar de que las dos figuras parecen estar representadas quietas, el boceto está lleno de movimientos por las líneas gruesas y trazos llenos de vitalidad.

Dando como resultado un efecto en el que los elementos oscuros del boceto han sido transformados por la mente de Don Quijote desde lo cotidiano hasta lo mítico.

Para finalizar subrayar que el boceto Don Quijote es ampliamente reconocido como una de las representaciones más destacadas de la legendaria figura literaria y un personaje popular en el arte.

Es más destacar que Don Quijote de la Mancha es una novela escrita por el novelista, poeta, dramaturgo y soldado español Miguel de Cervantes Saavedra y está considerada como la primera novela moderna, así como una de las mejoras obras de la literatura universal.

Actualmente el boceto Don Quijote se encuentra en paradero desconocido.

Deux Enfants Lisant

Deux Enfants Lisant, también conocido como Two Girls Reading o Dos Niñas Leyendo, es una pintura datada el 28 de marzo del año 1.934 d.C., perteneciente al cubismo.

Deux Enfants Lisant

Fue pintado por el escultor y pintor español Pablo Ruiz Picasso (también conocido como Pablo Picasso).

En el año 1.994 d.C. Deux Enfants Lisant pasó a formar parte de la colección de arte del Museo de Arte de la Universidad de Michigan, localizado en la ciudad de Ann Arbor, en el estado de Michigan (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene una altura de 110,17 cm, una anchura de 89,38 cm y un grosor de 7,62 cm.

Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa a dos chicas, representadas con llamativas formas geométricas y colores sólidos (uniformes, sin degradados, sombras o luces), que están leyendo un libro juntas.

La figura sentada a la izquierda, ligeramente más alta, es de color verde y viste de amarillo, mientras que la figura representada a la derecha tiene el rostro azul y blanco, se encuentra vestida de rojo y apoya las manos entrelazadas sobre un libro abierto.

Los investigadores piensan que la figura de la izquierda es, sin duda, la modelo francesa y amante de Pablo Picasso, Marie-Thérèse Walterl, a la edad de veintitrés años que dio a luz un año y medio después de la finalización de la pintura, a la hija del artista Maya Widmaier-Picasso.

Mientras que la identidad de la figura representada a la derecha es menos clara.

Para algunos investigadores piensan que se trata de la representación de la hermana de Marie-Thérèse Walterl, pero otros afirman que se trata de la primera esposa de Pablo Picasso, la bailarina del Imperio Ruso de la compañía Ballets Rusos Olga Stepánovna Jojlova (también conocida como Olga Jojlova, después Olga Picasso).

Aunque cabe enfatizar que si la modelo era la bailarina rusa Olga Jojlova es muy improbable que posara para la pintura junto con la modelo francesa Marie-Thérèse Walterl, puesto que ambas eran rivales por el afecto de Pablo Picasso.

Incluso se considera que puede ser un retrato imaginario que involucraba a dos mujeres de rasgos opuestos, pero complementarios: una fría y controladora, rubia y de piel claro y la otra morena, excitable y sensual.

Con respecto a la composición resaltar que la escena sugiere intimidad, pero las formas distorsionadas y los colores vibrantes evocan distancia y separación, confiriendo a la composición una atmósfera melancólica.

Además destacar que la pintura muestra la fascinación del artista por el tema de las mujeres en sus actividades cotidianas, unidas por su capacidad de transmitir simultáneamente intensidad y reflexión.

Para finalizar subrayar que en el año 2.002 d.C. Deux Enfants Lisant formo parte de la exposición "Picasso: Masterworks of the Collection" (Picasso: Colección de las Obras Maestras), ocurrida en el Museo de Arte de la Universidad de Michigan (Estados Unidos de América).

Actualmente se encuentra en el Museo de Arte de la Universidad de Michigan, Estados Unidos de América.

Mujer Leyendo

La Mujer Leyendo es una pintura datada aproximadamente en el año 1.927 d.C., perteneciente al cubismo. 

Mujer Leyendo

Fue pintado por el pintor e ilustrador español José Victoriano González-Pérez (también conocido como Juan Gris).

Se conoce que la pintura fue pintada en la localidad de Boulogne-Billancourt, situada en la región de Isla de Francia, en el departamento de Altos del Sena (Francia).

Lo siguiente que se conoce es que perteneció a la colección de arte de Dianne Yanovick Dornoquast.

Descripción

Tiene una altura de 91,7 cm y una anchura de 73 cm, mientras que la pintura enmarcada tiene una altura de 109,2 cm y una anchura de 90,2 cm.

Está pintada al óleo y lápiz sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa a una mujer sentada leyendo, con la mirada hacia el espectador y el libro abierto en su regazo.

Destaca como el dibujo subyacente visible, con líneas que irradian desde diferentes puntos focales, revela como el artista construyó su composición a partir de una estructura geométrica subyacente.

Luego, en su propia interpretación del cubismo, el artista agregó elementos más voluminosos a la composición plana, como la forma ovalada del cuerpo superior y las líneas negras fluidas que definen la figura de la mujer que lee.

Con respecto a la composición resalar que la pintura puede expresar el deseo del artista de encontrar un lado más sensible a su arte, uno asociado con la libertad y el encanto de lo inacabado.

Sin embargo cabe enfatizar que algunos investigadores piensan que la obra no se dejó incompleta intencionalmente, sino que pertenece a una serie de pinturas que el pintor e ilustrador español Juan Gris abandonó cuando su salud comenzó a fallar (ataques de uremia y problemas cardíacos), y probablemente no tenía la intención de que se viera o vendiera.

Para finalizar subrayar que la pintura fue prestada desde el 18 de marzo al 4 de septiembre del año 2.016 d.C. al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde fue expuesta en la exposición "Unfinished: Thoughts Left Visible" (Inacabada: Pensamientos dejados visibles).

Actualmente la Mujer Leyendo se encuentra en posesión de un coleccionista privado.

Candelabro y Naipes sobre una Mesa

Candelabro y Naipes sobre una Mesa es una pintura datada en la primavera del año 1.910 d.C., perteneciente al cubismo. 

Candelabro y Naipes sobre una Mesa

Fue pintada por el pintor y escultor francés Georges Braque.

En el año 1.910 d.C. la pintura fue adquirida directamente del artista por el escritor, coleccionista y marchante de arte alemán, nacionalizado francés, Daniel-Henry Kahnweiler, siendo expuesta en su galería de arte de la ciudad de París (Francia) "Galerie Kahnweiler".

En el año 1.914 d.C. fue adquirida por el marchante, coleccionista, crítico de arte y escritor alemán Wilhelm Uhde.

El 30 de mayo del año 1.921 d.C. fue vendida por un precio de 587,50 francos en el "Hôtel Drouot", localizado en la ciudad de París (Francia).

En el año 1.922 d.C. la pintura se encontraba en la galería de arte "Galerie Percier" de París (Francia).

Después, en el año 1.948 d.C., Candelabro y Naipes sobre una Mesa fue comprada por el fabricante de ropa y coleccionista de arte estadounidense Sidney Janis, siendo expuesta en la galería de arte de Nueva York "Sidney Janis Gallery" (Estados Unidos de América).

Luego perteneció a la colección de arte de Peter y Elizabeth Rübel, ubicada en la zona de Cos Cob en la ciudad de Greenwich, situada en el contado de Fairfield, localizado en el estado de Connecticut (Estados Unidos de América).

El 24 de marzo del año 1.952 d.C. fue comprada por un precio de 9.500 dólares por el coleccionista de arte y marchante alemán Klaus Gunther Perls y su esposa la coleccionista y marchante de arte estadounidense Dolly Perls.

Hasta que en el año 1.997 d.C. Candelabro y Naipes sobre una Mesa fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Candelabro y Naipes sobre una Mesa

Descripción

Tiene una altura de 64,8 cm y una anchura de 54 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura con forma ovalada que presenta una naturaleza muerta representada mediante figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies.

En el centro inferior de la composición, la esquina de una mesa emerge de la paleta tonal de grises, marrones y negros de la pintura.

Detrás aparece representada la base de un candelabro de latón sobre una mesa. Mientras que a la derecha flotan dos naipes (carta de una baraja): el as de corazones y el seis de diamantes.

Cabe resaltar que la pintura se encuentra firmada en el reverso con la siguiente inscripción: "Braque".

Con respecto a la composición resaltar que la pintura se encuentra englobada dentro del cubismo analítico que se basa en una formulación de los objetos en formas geométricas, es decir, se centra en analizar lo representado y su fragmentación de objetos reconocibles.

Además enfatizar que el formato ovalado concentra y comprime la energía del cuadro. También cabe resaltar que la energía de una pintura puede referirse a la sensación de movimiento o vida que evoca una obra, o a la idea de que el arte presenta el poder de cambiar el mundo.

Para finalizar subrayar que los derechos y reproducción del Candelabro y Naipes sobre una Mesa son de © 2025 Artists Rights Society (ARS), New York.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.