domingo, 31 de mayo de 2026

La Morfina

La Morfina es una pintura datada en el año 1.894 d.C., perteneciente al simbolismo.

La Morfina

Fue pintada por el pintor, escritor y dramaturgo español Santiago Rusiñol y Prats (también conocido como Santiago Rusiñol).

Formó parte de la colección de arte del autor, hasta que en el año 1.933 d.C. la pintura La Morfina pasó a formar parte de la colección de arte del Museo del Cau Ferrat.

Localizado en el municipio de Sitges, situado en la provincia de Barcelona, ubicada en la comunidad autónoma de Cataluña (España).


Descripción

Tiene una altura de 115,2 cm y una anchura de 87,8 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa a una mujer joven, una drogadicta perteneciente a la clase alta, de aspecto enfermizo, tendida en una cama representada en el momento del efecto inmediato tras el consumo de alcaloide (droga psicoactiva y estimulante), 

En el rostro tiene una expresión de ambigüedad entre el rictus del dolor físico y el éxtasis provocado por el alcaloide y el cabello hasta la altura de los hombros está suelto y alborotado.

Se encuentra ataviada con un camisón blanco, con el tirante derecho que le cae sutilmente dejando al descubierto el hombro.

Además se puede apreciar cómo con la mano derecha agarra la sábana blanca, mientras que a los pies, sobre la sábana, hay una manta de color amarillo (color que simboliza la enfermedad).

Cabe resaltar que la mujer retratada es la modelo Stéphani Nantas, una de las modelos recurrentes del pintor en la ciudad de París (Francia).

Con respecto a la composición destacar que la pintura refleja la adicción a las drogas entre las clases altas de finales del siglo XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.880 d.C. y 1.890 d.C.), considerado como una de las mayores problemáticas de la sociedad bohemia.

Así mismo enfatizar que el rostro y el cuerpo de la mujer trasmiten una dualidad entre el dolor, el éxtasis y el abandono absoluto. 

También destaca la paleta cromática compuesta por tonos blancos, grises y pálidos de las sábanas, que acentúan la atmósfera de aislamiento y se complementan con la habitación en penumbra donde se encuentra representada la mujer.

Para finalizar subrayar que la pintura La Morfina está considerada una de las obras de arte mas célebres y emotivas del pintor, escritor y dramaturgo español Santiago Rusiñol y Prats.

Es más enfatizar que la pintura tiene un componente íntimo y biográfico, puesto que es sabido que el autor padeció una severa adicción a la morfina, que comenzó después de un grave accidente lumbar ocurrido en la ciudad de París (Francia).

Utilizando el fármaco inicialmente con el objetivo de mitigar sus dolores crónicos, convirtiéndose en adicción que le acompañó durante un período de diez años e influyó en su creación artística.

Hasta que logró desintoxicarse años más tarde después de someterse a una compleja intervención médica y a un proceso de desintoxicación que duró cinco años.

Actualmente se encuentra en el Museo Cau Ferrat, España.

sábado, 30 de mayo de 2026

Baraja de Cartas "The Cloisters"

La Baraja de Cartas "The Cloisters", también conocida Naipes de The Cloisters, es una baraja de cartas datada aproximadamente entre los años 1.475 d.C. y 1.480 d.C., perteneciente al arte gótico.

Baraja de Cartas "The Cloisters"

Se conoce que las cartas fueron elaboradas en el Ducado de Borgoña (en la actualidad éste territorio está formado por Francia, Bélgica y Países Bajos).

En concreto algunos investigadores consideran que la baraja fue creada en los Países Bajos meridionales (correspondientes actualmente con Bélgica y el norte de Francia).

El 12 de diciembre del año 1.978 d.C. la baraja fue subastada, dentro del lote 50, en el Hôtel Drouot, ubicado en la ciudad de Paris (Francia), siendo comprada por un coleccionista privado.

El 6 de diciembre del año 1.983 d.C. la Baraja de Cartas "The Cloisters" fue subastada, dentro del lote 70, por la casa de subastas Sotheby's de Londres (Gran Bretaña), siendo comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Baraja de Cartas "The Cloisters"
Baraja de Cartas "The Cloisters"


Baraja de Cartas "The Cloisters"


Descripción 

Cada carta tiene una altura de 13,2 cm y una anchura de 7 cm. 

Están elaboradas en papel (cuatro capas de cartón) con pluma y tinta, pintura opaca, veladuras y aplicación de oro y plata.

Se trata de una bajara de cartas compuesta por cincuenta y dos cartas iluminadas, que consta de cuatro palos, cada uno con un rey, una reina, una sota y diez cartas numéricas.

Sobretodo destaca la representación de los símbolos de los palos, basados en la equipación asociada a la caza, son: Cuernos de Caza, Collares para Perros, Correas para perros de Caza y Lazos de Caza.

Además se puede apreciar cómo el valor de las cartas numéricas se indican mediante repeticiones apropiadas del símbolo del palo. 

Asimismo resaltar que las figuras, que parecen estar basadas en modelos franco-flamencos, fueron dibujadas con una caligrafía, audaz, libre y atractiva, aunque algo tosca.

Baraja de Cartas "The Cloisters"

Sus vestimentas exageradas y a veces anacrónicas sugieren una parodia de la extravagante moda de la corte borgoña.

Cabe enfatizar que durante el período gótico si bien se mencionan algunos juegos de cartas de la época, se desconoce cómo se jugaban. 

Sin embargo, casi todos los juegos de cartas implicaban alguna forma de apuestas. 

El estado de la Baraja de Cartas "The Cloisters" indica que las cartas apenas se usaron, si es que se usaron alguna vez.

Por lo que es posible que se concibieran como una curiosidad de coleccionista más que como una baraja de cartas para jugar.

En cuanto a la composición resaltar que hay dos marcas de agua que aparecen en el papel de éstas cartas. Una tiene la forma de una letra gótica "p" con cola de horquilla coronada por un cuadrifolio y aparece, al menos en parte, en el 2 de Lazos, el 2 de Collares de Perro y la reina de Cuernos.

La otra es un escudo con las letras "iado", coronado por un báculo, que aparece al menos parcialmente en el 1,5, 8 y 10 de Collares de Perro, el 1, 2 y la sota de Lazos y el 8 de Cuernos.

La primera marca de agua se asemeja mucho a "Briquet 8684" y "Briquet 8686", utilizadas principalmente en el este de Francia y Flandes aproximadamente entre los años 1.464 d.C. y 1.480 d.C.

La segunda marca de agua es "Briquet 1876", utilizada en el sur de Flandes y las Tierras Bajas del norte aproximadamente entre los años 1.468 d.C. y 1.479 d.C.

Para finalizar subrayar que la Baraja de Cartas "The Cloisters" es una única baraja completa conocida de cartas iluminadas del siglo XV d.C. (período comprendido entre los años 1.401 d.C. y 1.500 d.C.).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

viernes, 29 de mayo de 2026

Adorno Textil de Pez

El Adorno Textil de Pez es un adorno datado aproximadamente entre los años 1.300 d.C. y 1.500 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte chimú.

Adorno Textil de Pez

Lo primero que se conoce es que el adorno formó parte de la colección de arte "Bruno J. Wassermann-San Blas Collection", ubicada en la ciudad de Buenos Aires, en Argentina.

En el año 1.938 d.C. el Adorno Textil de Pez fue comprado por el empresario, inversos y filántropo judío-canadiense-estadounidense Nathan Cummings.

Hasta que en el año 1.964 d.C. el adorno fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene un diámetro de 3,8 cm. 

Se trata de un pequeño adorno u ornamento de plata con forma de un pequeño pez que presenta su anatomía resaltada en relieve (aleta dorsal, cola, ojo, branquias, boca, aletas ventrales, línea lateral y escamas).

El adorno ha sido realizado mediante una lámina de plata martillada hasta conseguir una lámina muy delgada, la cual fue cortada y decorada mediante la técnica del repujado o embozado.

Sobretodo llama la atención cómo tiene una perforación cerca del ojo y otra perforación en la cola, lo que permitía coserlo firmemente al tejido, inmovilizándolo e integrándolo por completo a la estructura final de la prenda de lujo.

Con respecto a la composición resaltar que las criaturas marinas eran un tema predilecto, ya que rinden tributo a la profunda conexión de la cultura Chimú con el Océano Pacífico y la economía marina.

Además resaltar que los peces y las aves marinas simbolizaban la abundancia, la subsistencia y el poder político.

En cuanto a la funcionalidad destacar que el Adorno Textil de Pez funcionaba como un símbolo de estatus, mientras que los ciudadanos comunes vestían prendas sencillas de algodón, los gobernantes y nobles lucían túnicas recubiertas con metales relucientes y plumas exóticas para deslumbrar y diferenciarse.

Para finalizar subrayar que se conoce que los adornos de plata se diseñaban para adornar las vestimentas de la élite en los antiguos Andes.

Es más los orfebres del Reino de Chimor (también conocido como la cultura Chimú), un enclave político del período prehispánico tardío en la costa norte del Perú, eran particularmente apreciados por los incas, quienes conquistaron el reino a finales del siglo XV d.C. (período comprendido entre los años 1.470 d.C. y 1.500 d.C.).

Los orfebres chimú trabajaban con diversos metales, como cobre, oro, plata y sus aleaciones, a menudo martillándolos hasta convertirlos en láminas delgadas que luego cortaban y repujaban.

Siendo las criaturas marinas eran un tema predilecto, y a menudo se perforaban dos veces para asegurar su fijación a la prenda u otra tela.

Aunque también se piensa que las dos perforaciones hacían de que los adornos que no se movieran cuando la persona utilizara las prendas.

Por lo tanto los adornos estaban integrados en la propia prenda, lo que sugiere que no se trataba tanto de algo añadido a la base del tejido, sino de algo inherente a su estructura finalizada, duplicando quizás el poder simbólico de la prenda.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

jueves, 28 de mayo de 2026

Botella, Vaso y Pipa (Violette de Parme)

La Botella, Vaso y Pipa (Violette de Parme), también conocida como Bouteille, Verre et Pipe (Violette de Parme), es una pintura datada en el año 1.914 d.C., perteneciente al cubismo, en concreto está englobada dentro del cubismo sintético.

Botella, Vaso y Pipa (Violette de Parme)

Fue pintada en la ciudad de Paris (Francia) por el pintor y escultor francés Georges Braque.

En el año 1.914 d.C. perteneció a la colección de arte del escritor, coleccionista y marchante de arte alemán Daniel-Henry  Kahnweiler.

Siendo expuesta en la galería de arte "Galerie Kahnweiler", localizada en la ciudad de París (Francia).

En el año 1.950 d.C. la pintura fue expuesta en la galería de arte "Galerie Louise Leiris", ubicada en la ciudad de París (Francia).

En el año 1.953 d.C. la pintura fue comprada por el escritor y editor de revistas británico Sir Edward George Warris Hulton y su esposa, la autora y socialité francesa Princess Nika Yourievitch (también conocida como Lady Nika Hulton).

El 18 de marzo del año 1.981 d.C. la pintura Botella, Vaso y Pipa (Violette de Parme) fue vendida a la galería de arte "Marlborough Fine Art Ltd", situada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

En el año 1.982 d.C. fue comprada por el político y empresario estadounidense Ronald Steven Lauder, pasando a formar parte de su colección de arte ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En febrero del año 1.989 d.C. la pintura pasó a ser propiedad de la empresaria estadounidense Josephine Esther Mentzer (también conocida como Estée Lauder).

En marzo del año 2.000 d.C. pasó a formar parte de la colección del multimillonario, filántropo y coleccionista de arte estadounidense Leonard Alan Lauder.

En 8 de abril del año 2.013 d.C. la pintura Botella, Vaso y Pipa (Violette de Parme) fue transferida al fidecomiso Cubista Leonard A. Lauder (The Leonard A. Lauder Cubist Trust), localizado en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 2.016 d.C. la pintura fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de arte moderno y contemporáneo.


Descripción

Tiene una altura de 48,1 cm y una anchura de 61,4 cm. 

Está elaborada en periódico recortado y pegado, papel pintado y papel tapiz, carboncillo, grafito y gouache sobre cartón.

Se trata de una pintura que funciona como un complejo rompecabezas de ilusiones tridimensionales y texturas en la que los objetos fragmentados están construídos y sintetizados usando materiales como periódico y papel pegado. 

El autor utilizó un papel pintado que simulaba roble encalado para representar la mesa y otro patrón para imitar los paneles típicos de los comedores.

Siendo éste último el que se superpone a los demás fragmentos pegados, aunque paradójicamente, representa la pared detrás de la mesa.

Por lo tanto para integrar la mesa a la composición el autor extendió su moldura hacia la izquierda y derecha con una réplica dibujada a mano.

La pipa de arcilla parece un recorte pegado, pero en realidad fue recortada del periódico sobre el que parece reposar, siendo dibujada usando el espacio en negativo y dandole volumen sombreando la cazoleta, la cual incluye el diminuto logotipo del estudio de cine Gaumont.

Aparte se puede observar cómo anunciada en negrita al pie del otro recorte de periódico está "Violette de Parme" (Violeta de Parma), un preciado y cotizado perfume de la época para mujeres creado por Roger et Gallet.

Además resaltar que algunos investigadores creen que el autor representó deliberadamente éste perfume enfrente de la pipa con la finalidad de evocar un "antídoto aromático floral" contra el olor penetrante del tabaco. 

La obra se encuentra firmada en la parte inferior a la izquierda en grafito, siendo la inscripción la siguiente: "G. Braque" (subrayado después de la "G").

Para finalizar subrayar que los derechos y reproducción de la pintura Botella, Vaso y Pipa (Violette de Parme) son de © 2026 Artists Rights Society (ARS), New York.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

miércoles, 27 de mayo de 2026

El Morocco, New York

El Morocco, New York es una fotografía datada en el año 1.955 d.C., perteneciente al arte fotográfico.

El Morocco, New York

Fue tomada por el fotógrafo estadounidense Garry Winogrand.

Se conoce que la fotografía formó parte de la colección del arte del autor.

En el año 1.992 d.C. El Morocco, New York fue adquirida por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).


Descripción

Tiene una altura de 23,5 cm y una anchura de 33,7 cm. 

Está tomada con una cámara de 35 mm.

Se trata de una fotografía en impresión en gelatina de plata de una pareja bailando de forma apasionada en el club El Morocco, uno de los clubes nocturnos más exclusivos de la alta sociedad neoyorquina de la década de 1.950 d.C. (período comprendido entre los años 1.950 d.C. y 1.959 d.C.).

La fotografía congela una respuesta emocional visceral, puesto que captura un momento de eufórico, de un espíritu casi salvaje y animal, centrándose en las expresivas reacciones de las dos personas, reflejadas en el rostro de la mujer, en la posición de las manos y postura del cuerpo.

En cuanto a la composición resaltar que la aproximación intuitiva obligaba al espectador a experimentar la cercanía física e íntima del fotógrafo dentro de la escena.

Aparte enfatizar que la fotografía con un encuadre dinámico y confrontativo rompió las convenciones estéticas de la época al introducir un estilo invasivo, expresivo y directo.

Además se puede apreciar como en el reverso del soporte hay una etiqueta impresa de la exposición del MoMA, con adiciones a máquina y a lápiz:

"FIVE UNRELATED PHOTOGRAPHERS 1963 // MUSEUM OF MODERN ART // 11 WEST 53RD STREET, NEW YORK 19, N.Y. // ARTIST: GARRY WINOGRAND American // born 1928 // TITLE: 29. El Morocco 1955 // (Couple dancing; girl laughing) // MEDIUM: Lent by the Photographer // MUSEUM NO: STORAGE SPACE: // COLLECTION OF PHOTOGRAPHS // GN.1.832.Y 7398.118 [crossed out in pencil] 88.244"

También se puede observar la siguiente etiqueta impresa de la exposición del MoMA adherida al reverso del soporte y con anotaciones en tipografía:

"Museum of Modern Art // LOAN // 63.1021 // Winogrand"

Para finalizar subrayar que todos los derechos y reproducción de la fotografía El Morocco, New York son de © The Estate of Garry Winogrand, todos los derechos reservados. Cortesía de la Galería Fraenkel, San Francisco.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

martes, 26 de mayo de 2026

Icono de San Demetrio

El Icono de San Demetrio es una placa datada aproximadamente entre los años 950 d.C. y 1.000 d.C., perteneciente al arte medieval, en concreto al arte bizantino.

Icono de San Demetrio
Icono de San Demetrio

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte del oficial del ejército francés, historiador, coleccionista de arte y editor Jean-François-Auguste, conde de Bastard d'Estang.

También se sabe que formó parte de la colección de arte de "Ernst y Marthe Kofler-Truniger", ubicado en la ciudad de Lucerna, en Suiza.

Hasta que en el año 1.970 d.C. el Icono de San Demetrio fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Icono de San Demetrio



Descripción

Tiene una altura de 19,7 cm, una anchura de 12,1 cm y un grosor de 1 cm. 

Está elaborado en marfil de elefante.

Se trata de una placa rectangular que presenta el anverso ornamentado en relieve, en el centro aparece representado el mártir cristiano Demetrio de Tasaloníca (también conocido como San Demetrio).

Está representado de pie ataviado con una armadura militar y una capa anudada en el lado derecho del cuello mediante un broche.

En su mano derecha sostiene una lanza, mientras que un gran escudo con forma oblicua se encuentra en el costado izquierdo sujetado en la parte superior con la mano izquierda.

Cabe resaltar que el santo se encuentra ataviado con su armadura militar listo para proteger a los fieles cristianos.

También se puede observar como el nombre del santo militar bizantino se encuentra escrito en dos partes en idioma griego, a ambos lados de la cabeza del santo:

"Aγιος Δημήτριος" = "San Demetrio"

Además destacar que la hendidura en la base del marco originalmente pudo haber sostenido un estandarte para llevar la imagen en procesiones o en la batalla.

Asimismo los orificios perforados en la parte posterior indican que pudo haber sido utilizado en el Occidente latino como cubierta para un libro.

En cuanto a la composición cabe destacar que las imágenes de santos con vestimenta miliar son raras en el arte bizantino temprano, pero si embargo son típicas del período bizantino medio.

Para finalizar subrayar que San Demetrio fue martirizado en la ciudad de Tesalónica, la segunda ciudad más importante del imperio bizantino en los primeros siglos de la Iglesia y fue durante mucho tiempo el santo patrón de ésta metrópolis.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

lunes, 25 de mayo de 2026

Bote para Pinceles con Escena con Elefante

El Bote para Pinceles con Escena con Elefante, también conocido como Bote para Pinceles con Escena de Lavado de un Elefante, es un bote para pinceles datado aproximadamente a mediados del siglo XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.640 d.C. y 1.650 d.C.), perteneciente al arte chino.

Bote para Pinceles con Escena con Elefante

En concreto está datado en el período Chongzhen (崇祯时期) de la dinastía Ming (明朝).

Bote para Pinceles con
Escenas con Elefante

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte de "S. Marchant & Son", ubicada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

Hasta que en el año 2.008 d.C. el Bote para Pinceles con Escena con Elefante fue adquirida por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), donde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del arte asiático.

Bote para Pinceles con Escena con Elfante
Bote para Pinceles con
Escena con Elefante


Descripción

Tiene una altura de 16,5 cm, un diámetro en el borde 12,4 cm y un diámetro en la base de 11,2 cm. 

Se trata de un bote para pinceles de cerámica de porcelana pintada con azul cobalto bajo vidriado transparente que presenta en su cuerpo exterior una escena tradicional conocida como sǎo xiàng (扫象).

Sǎo xiàng (扫象) significa literalmente "barre o lavar al elefante", por lo que se trata de un juego de palabras budistas.

En el idioma chino, la palabra elefante (象) (xiàng) suena igual que la palabra apariencia, forma o ilusión (相) (xiang), por lo tanto el acto de lavar al elefante funciona como un juego de palabras visual que simboliza "limpiar o barrer las ilusiones terrenales" con el objetivo de alcanzar la iluminación espiritual o comprender la verdadera naturaleza de Buda.

Se puede observar como la escena representada muestra a una figura subida al lomo del elefante frotándolo con una escoba, mientras varios asistentes recogen agua con cubos y un monje budista observa la acción.

También se aprecia como todas la figuras humanas y el animal se encuentran rodeados por decoración compuesta por motivos vegetales.

En cuanto a la composición resaltar que el bote para pinceles ha sido elaborado en cerámica de Jingdezhen, un tipo de porcelana china de primera calidad producida en Jingdezhen, o sus alrededores, en la provincia de Jiangxi, al sur de China.

Asimismo cabe resaltar que históricamente Jingdezhen es conocida como la "Capital Mundial de la Porcelana", famosa por su delicada y translúcida pasta blanca y sus magistrales esmaltes, siendo el epicentro de la producción cerámica china durante más de 1.000 años.

Para finalizar subrayar que el Bote para Pinceles con Escena con Elefante se encuentra englobado dentro del período de transacción de la cerámica china y pertenece al estilo de transición.

Es más enfatizar que se conoce que al debilitarse el patrocinio de la corte imperial debido a la caída de la dinastía Ming (明朝), los artesanos ganaron una enorme libertad creativa, enfocándose en narrativas literarias y religiosas orientadas al gusto de los eruditos y los comerciantes.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

domingo, 24 de mayo de 2026

Sello Cilíndrico con Escena de Culto

El Sello Cilíndrico con Escena de Culto es un sello cilíndrico datado aproximadamente entre los siglos IX a.C. y VIII a.C. (período comprendido entre los años 900 a.C. y 701 a.C.), perteneciente al arte mesopotámico, en concreto al arte asirio.

Sello Cilíndrico con Escena de Culto

Fue hallado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en el interior del Palacio del Sudeste, también conocido como Palacio Quemado.

Una antigua residencia real neoasiria localizada en el cuadrante sureste de la ciudadela de la antigua ciudad de Nimrud, ubicada en el actual norte de Iran.

También es conocido que el sello perteneció a la colección de arte de Martin y Sarah Cherkasky, ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Desde el año 1.986 d.C. el Sello Cilíndrico con Escena de Culto fue cedido en préstamo al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.989 d.C. el sello fue donado al museo, de es forma pasó a formar parte de su colección de arte permanente dentro del departamento de arte antiguo de Asia Occidental.

Sello Cilíndrico con Escena de Culto
Sello Cilíndrico con Escena de Culto




Descripción

Tiene una altura de 3,1 cm. Está elaborado en calcedonia neutra con imperfecciones (cuarzo).

Se trata de un sello cilíndrico que representa una escena de culto, es decir, representa una escena de ritual, ofrenda y procesión que conmemora lo que realizaban los asirios para honrar a sus deidades.

En la escena una estatua de la diosa Ishtar (diosa del amor, la sexualidad, la fertilidad y la guerra) se alza sobre una plataforma dentro de un recinto con dosel.

Cabe resaltar que a la diosa se la identifica por carcajes cruzados, una corona estrellada y estrellas que rodean su cuerpo.

Asimismo destacar que la diosa está considerada una de las diosas más emblemáticas y poderosas del Antiguo Oriente Próximo, siendo su símbolo la estrella de ocho puntas y estando asociada al planeta Venus.

Además también hay representados dos genios alados que protegen el reciento mientras una figura humana se encuentra representada rindiendo culto.

Para finalizar subrayar que se conoce que en Babilonia y Asiria los sellos de principios del primer milenio a.C. se tallaban en los estilos lineal, perforado, cortado y modelado.

Es más resaltar que el estilo modelado que se muestra en el Sello Cilíndrico con Escena de Culto deriva del tallado de sellos asirios y de la escultura modelada del palacio del rey de Asiria Sargón II.

También enfatizar que el estilo modelado se utilizaba principalmente en sellos que representaban escenas de lucha y culto.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

sábado, 23 de mayo de 2026

Composición Suprematista

La Composición Suprematista, también conocida como Rectángulo Azul sobre Viga Roja, es una pintura datada en el año 1.916 d.C., perteneciente al arte abstracto.

Composición Suprematista

Fue pintada por el pintor ucraniano Kazimir Severínovich Malévich (también conocido como Kazimir Malévich).

Entre los años 1.919 d.C. y 1.920 d.C. la pintura fue exhibida en la ciudad de Moscú (Rusia).

En el año 1.927 d.C. el autor la expuso en la ciudad de Varsovia (Polonia) y posteriormente en junio del año 1.927 d.C. fue expuesta en la ciudad de Berlín (Alemania).

Más tarde la pintura fue comprada por el arquitecto alemán Hugo Häring.

En el año 1.958 d.C. los herederos de Hugo Häring vendieron la pintura al Museo Stefelik de la ciudad de Ámsterdam (Países Bajos), por un precio de 120.000 florines y donde formó parte de su colección de arte por un período de 50 años.

Posteriormente pasó a formar parte de la colección de arte del Museo de Arte Moderno de Nueva York (Estados Unidos de América).

Además resaltar que a lo largo del siglo XX d.C. (período comprendido entre los años 1.901 d.C. y 2.000 d.C.), la pintura se exhibió repetidamente en diversas exposiciones, principalmente europeas.

Entre los años 2.002 d.C. y 2.004 d.C. los herederos del artista impugnaron el derecho del arquitecto alemán Hugo Häring (y, por consiguiente del museo) de disponer de ella, comenzando así una batalla legal de cuatro años.

En junio del año 2.004 d.C. la pintura fue vendida a través de la casa de subastas Bonhams de Londres (Gran Bretaña), siendo comprada por un coleccionista privado por un precio de 734.188 libras esterlinas (1.343.170 dólares).

En el año 2.008 d.C. los herederos del autor llegaron a un acuerdo en virtud del cual lograron obtener la Composición Suprematista.

Siendo el 3 de noviembre del año 2008 d.C. subastada por la casa de subastas Sotheby's de Nueva York (Estados Unidos de América).

Fue comprada por un precio de 60.002.500 dólares por la familia Nahmad (una de las dinastías de marchantes de arte más influyentes y ricas del mundo).

En el año 2.018 d.C. la pintura fue subastada por la casa de subastas Christie's alcanzando un precio de 85,8 millones de dólares, incluyendo las comisiones al marchante de arte británico Brett Paul Gorvy (también conocido como Brett Gorvy).

Cabe destacar que el precio pagado en el año 2.018 d.C. por la Composición Suprematista fue el más alto pagado por una obra de arte del pintor ucraniano Kazimir Malévich.


Descripción

Tiene una altura de 88,5 cm y una anchura de 71 cm. Está pintado al óleo sobre tela.

Se trata de una pintura que representa una brillante constelación de geometría y color en el espacio, que encarna lo que el artista considera la cúspide de la expresión artística.

Resaltando las formas geométricas simples yuxtapuestas en formas y colores, que han sido aplicados sistemáticamente al lienzo.

Sobretodo llama la atención un cuadrado azul sesgado y elementos rectangulares que se mueven en una dirección: hacia la esquina superior izquierda del lienzo y dónde tan solo una gruesa banda horizontal de color púrpura oscuro se interpone en su camino.

También resalta como éstas formas geométricas de colores brillantes parecen partículas en movimiento, impulsadas por un campo de blanco brillante como fotones. 

Para finalizar con respecto a la composición resaltar que los bloques geométricos de color flotantes sobre el fondo claro crean un ritmo visual dinámico y lleno de tensión cinética.

También destaca la utilización de una paleta cromática reducida compuesta por colores puros: blancos, rojos, negros y tonos primarios.

Actualmente se encuentra en posesión de un coleccionista privado.

viernes, 22 de mayo de 2026

Sello Cilíndrico: Escena de Caza

El Sello Cilíndrico: Escena de Caza es un sello datado aproximadamente entre los años 2.250 a.C. y 2.150 a.C., perteneciente al arte mesopotámico, en concreto al arte acadio.

Sello Cilíndrico: Escena de Caza

Pertenece al período acadio tardío (período comprendido aproximadamente entre los años 2.200 a.C. y 2.154 a.C.).

Sello Cilíndrico: Escena de Caza

Lo primero que se conoce es que el sello cilíndrico formó parte de la colección de arte del arquitecto y coleccionista de arte William Gedney Beatty.

En el año 1.924 d.C. el Sello Cilíndrico: Escena de Caza fue cedido para su exposición al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que finalmente en el año 1.941 d.C. el sello fue legado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), pasando a formar parte de la colección de arte permanente del museo.

Sello Cilíndrico: Escena de Caza
Sello Cilíndrico: Escena de Caza
Sello Cilíndrico: Escena de Caza


Sello Cilíndrico: Escena de Caza
(e impresión)


Descripción

Tiene una altura de 2,8 cm. 

Se trata de un sello cilíndrico de sílex de una escena de caza.

La escena se encuentra compuesta por dos grupos principales que forman un diseño continuo, unificado por el estilizado paisaje.

En uno de los grupos, un cazador se encuentra representado entre dos árboles de gran altura mientras agarra el cuerno de un íbice (también conocido como cabra salvaje).

Además se puede apreciar como encima del cazador hay una inscripción en escritura cuneiforme que identifica al dueño del sello como Balu=ili, un funcionario de la corte de profesión copero.

En el otro grupo hay representados dos íbices enfrentados que se yerguen sobre sendas montañas, flanqueado un grupo de tres árboles.

Para finalizar subrayar que se conoce que durante el período acadio, los grabadores de sellos empezaron a representar una variedad de nuevos temas mitológicos y narrativos.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

jueves, 21 de mayo de 2026

Querubín y Concha

Querubín y Concha es una escultura datada aproximadamente entre los años 1.470 d.C. y 1.479 d.C., perteneciente al arte renacentista.

Querubín y Concha
Querubín y Concha

Los investigadores piensan que por sus características la escultura pudo haber sido esculpida por un escultor cercano al artista, pintor y escultor italiano Donato di Niccolò di Betto Bardi (también conocido como Donatello).

En algún taller ubicado en la ciudad de Florencia, situada en la región de la Toscana, en el centro de Italia.

Se cree que la escultura formó parte de la colección de los Museos Vaticanos (conjunto de galerías y estancias de gran valor artístico, propiedad de la Iglesia y abiertas al público en la Ciudad del Vaticano).

El 17 de septiembre del año 1.928 d.C. Querubín y Concha fue comprado por marchante y coleccionista de arte húngaro Joseph Brummer.

El 30 de noviembre del año 1.948 d.C. la escultura fue comprada por el inversor y coleccionista Alastair Bradley Martin.

Hasta que en el año 1.958 d.C. la escultura Querubín y Concha fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 39,4 cm, una anchura de 44,5 cm y un peso total de 14,0615 kg. (el peso de la concha es de 11,75 kg y el peso de la cabeza es de 1,75 kg).

Se trata de una escultura de bronce que representa la cabeza de un querubín coronado con una diadema salpicada de flores, destaca como la parte superior de dos alas arqueadas flanquea su cabeza, mientras que otro par se extiende suavemente bajo su barbilla.

Una gran concha en forma de viera se despliega bajo las alas simbolizando un estallido de luz, el diseño de la cocha de viera es una combinación de estrías y rombos invertidos.

Además destaca como con la cabeza inclinada y los ojos bien abiertos, el querubín mira hacia abajo, mostrando sus dientes en una amplia sonrisa.

Aparte resaltar que la expresión absorta del rostro tramite la alegría beatífica y envolvente de los seres que moran en el cielo, en la presencia de Dios siendo testigos de la gloria divina.

En cuanto a la composición resaltar que la concha es un símbolo del bautismo y la peregrinación que, en su sentido metafórico, alude al viaje del alma hacia Dios.

También resaltar que la cabeza fue fundida por separado, para después unirlas a las alas y al caparazón mediante un pasador (original) en la zona de la garganta y tornillos modernos colocados detrás de las orejas.

Asimismo las proyecciones de soporte en la parte posterior, el tamaño del objeto en su conjunto y la cabeza inclinada del querubín indican una finalidad arquitectónica.

Probablemente originalmente podría haber estado situado en lo alto de una columna o pilastra, formando parte del capitel de una tumba o altar.

Con respecto a la autoría de la obra enfatizar que si bien la representación del Querubín y la Concha evoca el estilo y el uso de motivos de las obras de Donatello, lo hace desde una perspectiva distante.

El modelado de las formas es complejo y los detalles (las plumas en las alas del querubín, los elementos cóncavos y estriados de la concha) están representados y trabajos con una precisión lineal agresiva.

Al ser el único ejemplo conocido de su tipo, el bronce sigue siendo en la actualidad una obra en busca de un contexto, arquitectónico o de otro tipo.

Sin embargo, existen buenas razones para datarlo el período posterior a la muerte del maestro, cuando su estilo experimental había impregnado los talleres de toda Italia.

Por lo tanto se puede llegar a la conclusión que sí en el contexto arquitectónico específico y la finalidad del Querubín y la Concha podrían permanecer desconocidos.

La fecha aproximada y las características formales de la obra parecen enmarcarse dentro del contexto de esculturas creadas por artistas menos conocidos que se inspiraron en el estilo de Donatello y lo transformaron al realizar sus encargos por toda Italia.

Para finalizar subrayar que en la tradición católica, los querubines de cuatro alas pertenecen al segundo orden de la jerarquía angelical y sirven a Dios en el cielo.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

miércoles, 20 de mayo de 2026

Borde de Sarcófago de Terracota

El Borde de Sarcófago de Terracota es un borde de sarcófago datado aproximadamente en el último siglo VI a.C. (período comprendido entre los años 525 a.C. y 500 a.C.), perteneciente al arte griego.

Borde de Sarcófago de Terracota

Lo primero que se conoce es que estuvo en posesión de los marchantes y anticuarios de arte armenios Hermanos Indjoudjian.

Formando parte de su colección de arte expuesta en la galería "Indjoudjian Frères", ubicada en la ciudad de Paris (Francia).

El 18 de agosto del año 1.921 d.C. fue adquirido por el marchante y coleccionista de arte húngaro Joseph Brummer.

Hasta que en el año 3 de diciembre del año 1.921 d.C. el Borde de Sarcófago de Terracota fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del arte griego y romano.


Descripción

Tiene una altura de 19,1 cm, una anchura de 92,7 cm y una longitud de 213,4 cm. Está elaborado en terracota.

Se trata de un borde de sarcófago con la zona superior de la tapa decorada con una escena de batalla, se puede apreciar como hay representados cuatro soldados de infantería que luchan sobre un guerrero caído, mientras una figura alada y un carro se aproximan desde ambos lados.

También destaca cómo a los lados del borde se encuentra representado un centauro (ser mitológico mida hombre y mitad caballo) y una sirena (ser mitológico con cuerpo de ave y rostro de mujer).

Además se puede observar cómo situados debajo de ambos seres mitológicos hay representados dos leones atacando a un jabalí.

Con respecto a la composición resaltar que por los restos de policromía se puede afirmar que originalmente los detalles de las figuras se encontraban pintados en blanco.

Para finalizar subrayar que se han encontrado un número significativo de sarcófagos de terracota con borde superior decorado procedentes de Clazomenia y de la Antiga Esmirna, ambos yacimientos griegos orientales en la costa occidental de Asia Menor.

Aparte resaltar que dado su tamaño y su peso, se piensa que pudieron haber sido fabricados localmente y antes del funeral el sarcófago aparentemente se enterraba hasta la altura del borde superior.

Después de que el difunto fuera depositado en su interior durante la ceremonia funeraria, se colocaba una tapa de piedra sobre el sarcófago y se amontonaba tierra para marcar la tumba.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

martes, 19 de mayo de 2026

El Molino de Aceite

El Molino de Aceite, también conocido como The Oil Mill, es una pintura datada en el verano del año 1.909 d.C., perteneciente al cubismo.

El Molino de Aceite
El Molino de Aceite

Fue pintado por el pintor español Pablo Ruiz Picasso (también conocida como Pablo Picasso). 

En primavera del año 1.910 d.C. la pintura fue expuesta en la galería de arte "Galerie Kahnweiler", localizada en la ciudad de París (Francia), propiedad del escritor y coleccionista de arte alemán Daniel-Henry Kahnweiler.

En el año 1.910 d.C. El Molino de Aceite fue vendido, por un precio de 500 francos, al industrial y coleccionista de arte francés Roger Dutilleul.

En el año 1.956 d.C. pasó a formar parte de la colección del mecenas y coleccionista de arte francés Jean Masurel.

En el año 1.991 d.C., a su muerte, la pintura pasó a forma parte de la colección de arte de sus herederos, ubicada en la ciudad de París (Francia).

En febrero del año 2.000 d.C. fue comprada por el multimillonario, filántropo y coleccionista de arte estadounidense Leonard Alan Lauder.

El 8 de abril del año 2.013 d.C. la pintura pasó a formar parte del fidecomiso "Leonard A. Lauder Cubist Trust" (colección de 81 obras maestras cubistas valoradas en más de mil millones de dólares).

Hasta que en el año 2.025 d.C. la pintura El Molino de Aceite fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), donde pasó a formar parte de la colección de arte permanente del museo. 


Descripción

Tiene una altura de 38,1 cm y una anchura de 45,7 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa un paisaje rural con un conjunto de edificios reducidos a sus componentes geométricos más esenciales, resaltando como las casas, el terreno y la vegetación están representados como facetas y cubos interconectados.

El paisaje se compone de un molino de aceite de oliva en un primer plano, junto con un conjunto de edificios, un río con un velero apenas visible en el plano medio y montañas en el fondo.

El paisaje representado se corresponde con la localidad histórica de Horta de Ebro (en la actualidad Horta de Sant Joan), localizada en la provincia de Tarragona, ubicada en la comunidad autónoma de Cataluña (España).

Escrito en el dorso (a la izquierda, en el travesaño superior, con lápiz negro) se puede leer: Picasso - molino (parcialmente ilegible).

A lo largo del travesaño derecho, en lápiz azul, se lee: LV. Dutilleul y horizontalmente en la esquina inferior derecha del travesaño, en marcador rojo, se lee: c (subrayado).

En cuanto a la composición resaltar la paleta cromática por el uso de tonos tierra, ocres, verdes, oliva, grises y marrones que resaltan la forma sobre el color.

Además enfatizar que la pintura se considera un referente en el desarrollo del cubismo analítico, caracterizado por la representación de espacios fragmentados, reduciendo la arquitectura a formas volumétricas básicas.

También como curiosidad destacar que la pintura El Molino de Aceite está considerada una obra importante dentro de la historia de arte moderna debido al impacto internacional que tuvo poco después de su creación.

Fue una de las primeras pinturas cubistas reproducidas en la prensa italiana, en concreto, apareció en diciembre del año 1.911 d.C. en la portada del periódico florentino "La Voce" (una de las revistas cultuales, políticas y literarias más influyente de Italia en el siglo XX d.C. (período comprendido entre los años 1.901 d.C. y 2.000 d.C.)).

Para finalizar subrayar que los derechos y reproducción de la pintura El Molino de Aceite son de © 2026 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

lunes, 18 de mayo de 2026

Ornamento con Glifo Maya

El Ornamento con Glifo Maya es un ornamento datado aproximadamente entre los años 200 d.C. y 600 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte maya.

Ornamento con Glifo Maya
Ornamento con Glifo Maya

Se conoce que perteneció a la colección de arte de Allan Caplan, ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.959 d.C. el ornamento fue comprado por el político estadounidense y vicepresidente de los Estados Unidos de América Nelson Aldrich Rockefeller.

Desde el año 1.959 d.C. al año 1.978 d.C. fue cedido para su exposición al Museo de Arte Primitivo de Nueva York (Estados Unidos de América), un antiguo museo dedicado a las culturas indígenas de América, Europa, África, Oceanía y Asia.

Hasta que en el año 1.979 d.C. el Ornamento con Glifo Maya fue legado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 2,9 cm, una anchura de 3,2 cm y un grosor de 0.5 cm. Está fabricado en jadeíta.

Se trata de un ornamento o adorno, un colgante de jade, hallado en la región atlántica de Costa Rica, que probablemente fue reelaborado a partir de una pieza mayor producida en la zona maya.

Aunque enfatizar que si bien los objetos de jadeíta se fabricaban en el centro y norte de Costa Rica desde el año 500 a.C., práctica que continuó hasta alrededor del año 800 d.C., la fuente más cercana de jadeíta se encuentra en la región del río Motagua, en Guatemala.

La presencia de elementos glifos mayas grabados en la superficie del Ornamento con Glifo Maya indica que viajó una larga distancia como artefacto y no como materia prima.

Artistas de la antigua Costa Rica tomaron el objeto maya, lo giraron 80 grados en sentido contrario a las agujas del reloj, con respecto a su orientación original, y luego perforaron los orificios bicónicos.

Una vez reorientado a su estado original, los signos (originalmente grabados en el adorno de jade en un estilo perteneciente al período Clásico Temprano Maya) se identificaron con mayor facilidad.

Se puede observar como una calavera ocupa la mayor parte del espacio, siendo el gran orificio central, perforado a través del ornamento el que reemplaza la órbita ocular de la calavera y evoca el vacío dejado por la ausencia del ojo.

La calavera mira hacia el lado izquierdo, con su prominente mandíbula marcada por dos hileras de dientes. Además destaca cómo sobre la hilera superior de dientes, una pequeña nariz esquelética da paso a una frente inclinada.

Aparte se aprecia cómo en el lado derecho de la calavera, frente a la nariz, hay bordes festoneados que delimitan el hueso occipital y la curvatura del cráneo, paralelos a los bordes festoneados cercanos del ornamento de jade.

Debajo de la calavera hay un pequeño patrón de líneas curvos y puntos aludían originalmente a una superficie acuática sobre la que se encontraba la calavera.

En la actualidad este patrón se encuentra interrumpido y separado del resto de la representación original por la reelaboración a la que fue sometida el objeto (aproximadamente ocurrida en el año 600 d.C.).

Sobre la calavera descansan al menos dos elementos glíficos: un elemento retorcido y entrelazado que probablemente representa el glifo maya "WAY" y dos elementos rectangulares, similares a antorchas, que sobresalen en ángulos de 45 grados de éste signo y que forman la lectura "TAJ".

La combinación de estos signos alude al nombre "K'inich Tai Wayib", presente en otros contextos mayas del período Clásico Temprano, que se refiere a una figura sobrenatural y posiblemente a un gobernante histórico.

Otros elementos presentes en la escena, un pequeño signo fragmentario sobre el glifo "WAY", así como un círculo y un elemento curvo punteado a la derecha de la calavera, probablemente contribuyeron a la lectura de éste mensaje.

Pero su legibilidad se ha visto afectada por los agujeros perforados y la extracción de ésta sección de lo que alguna vez fue una pieza más grande, seguramente un hacha.

Desafortunadamente cabe resaltar que es imposible saber qué representaba el resto de la escena o el texto glífico.

Para finalizar subrayar que el Ornamento con Glifo Maya evidencia el alcance de las redes comerciales y el intercambio de ideas en el primer milenio después de Cristo.

Éste tipo de objetos fabricados en piedra verde duradera y muy valiosa, como el jade, merecían ser transportados y transmitidos a lo largo del tiempo.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

domingo, 17 de mayo de 2026

Placa Calada con Cabeza de Felino

La Placa Calada con Cabeza de Felino es una placa datada aproximadamente entre los siglos IX a.C. y VIII a.C. (período comprendido entre los años 900 a.C. y 701 a.C.), perteneciente al arte mesopotámico, en concreto al arte asirio.

Placa Calada con Cabeza de Felino
Placa Calada con Cabeza de Felino

Fue hallada en el año 1.962 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas por el arqueólogo británico Max Mallowan, en nombre de la Escuela Británica de Arqueología en Irak.

La Placa Calada con Cabeza de Felino se encontró en el interior de un almacén del Fuerte Salmanasar, un edificio real en la antigua ciudad de Nimrud, utilizado para guardar el botín y los tributos recolectados por los asirios durante sus campañas militares.

En el año 1.962 d.C. la placa fue adquirida por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), como resultado de su contribución financiera a las excavaciones, por lo que pasó a formar parte de la colección de arte del museo dentro del departamento de arte antiguo de Asia Occidental.


Descripción

Tiene una altura de 5,31 cm, una anchura de 4,8 cm y un grosor de 2,39 cm. Está fabricado en marfil, mediante las técnicas de incisión, tallado y pulido.

Se trata de una placa que representa el rostro frontal de un felino con un ancho collar wesekh (collar ancho y plano) adornado con cuentas, flanqueado por dos uraei (consideradas en el arte asirio como serpientes míticas que escupen fuego) coronados con discos solares nacientes.

Se aprecia como una espiga que sobresale del tocado del felino sugiere que originalmente podría haber estado integrada en un marco, probablemente como parte de un mueble de madera.

Dos orificios para pasadores, uno perforado en la espiga y otro que atraviesa el borde del collarín ancho desde la base de la placa, sugieren que originalmente podría haber estado fijada a un marco mediante pasadores.

La letra semítica occidental Bet se encuentra inscrita en el reverso liso, conocida como marca de instalador, puesto que ésta inscripción habría servido de guía para ayudar al artesano en el ensamblaje pieza por pieza del mueble al que pertenecía originalmente en ésta placa.

Con respecto a la composición resaltar que la imagen representada en la placa proviene del arte egipcio, dónde la cabeza de felino puede representar tanto a la diosa Bastet (diosa protectora del hogar, la familia, el amor, la fertilidad y los secretos femeninos, además de diosa de la antigua ciudad de Bubastis en el delta del río Nilo), como a la diosa Sekhmet (diosa de la guerra, la venganza, el sol abrasador y patrona de la medicina), así como influencias del arte fenicio.

Para finalizar subrayar que se conoce que construidos por el rey asirio Ashurnasirpal II, los palacios y almacenes de Nimrud albergaban miles de piezas de marfil tallado.

La mayoría de los marfiles se utilizaban como incrustaciones en muebles o cómo pequeños objetos preciosos como cajas.

Si bien algunos estaban tallados en el mismo estilo que los grandes relieves asirios que adornaban las paredes del Palacio Noroeste, cabe destacar que la mayoría de los marfiles muestran imágenes y estilos relacionados con el arte del norte de Siria y las ciudades-estado fenicias.

Los marfiles de estilo fenicio se distinguen por el uso de iconografía relacionada con el arte egipcio, como esfinges y figuras con coronas faraónicas, y por el empleo de elaboradas técnicas de tallado, como el calado y la incrustación de vidrio de colores.

Los marfiles de estilo sirio septentrional tienden a representar figuras más robustas en composiciones más dinámicas, talladas como placas sólidas con menos elementos decorativos.

No obstante algunas piezas no encajan fácilmente en ninguno de éstos tres estilos, por lo que algunos investigadores creen que la mayoría de los marfiles probablemente fueron recolectados por los reyes asirios como tributo de los estados vasallos y como botín de los enemigos conquistados.

Mientras que algunos pudieron haber sido fabricados en talleres en Nimrud. Aunque enfatizar que los colmillos de marfil que proporcionaron la materia prima para éstos objetos procedían casi con toda seguridad de elefantes africanos importados de tierras al sur de Egipto.

A pesar de que los elefantes habitaron varios valles fluviales en Siria hasta que fueron cazados hasta su extinción a finales del siglo VIII a.C. (período comprendido entre los años 720 a.C. y 701 a.C.).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

sábado, 16 de mayo de 2026

Espada de Médico

La Espada de Médico, también conocida como Espada de Salón de Té o Chatou (茶刀), es una espada datada aproximadamente en el siglo XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 1.900 d.C.), perteneciente al arte japonés

Espada de Médico

Lo primero que se conoce es que formó parte de la colección de arte del Dr. Frederick Malling Pedersen, ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.947 d.C., por herencia, la espada pasó a ser propiedad de su ahijado, Henry Shiro Iijima.

En el año 1.994 d.C. la Espada de Médico también pasó por herencia a formar parte de la colección de arte de Etsuko O. y John H. Morris Jr.

Desde el año 1.994 d.C. la espada forma parte, de manera temporal, de la colección de arte del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), habiendo sido la espada prometida para una futura donación. 

Espada de Médico


Descripción

Tiene una longitud de 45,7 cm, una anchura de 4,5 cm y un peso de 204,1 g. 

Esta elaborada en madera, nácar y seda.

Se trata de una pequeña espada o daga ceremonial japonesa que ha sido tallada en bulto redondo a partir de una sola pieza de madera.

Lo más llamativo es la decoración compuesta por una enérgica formada por figuras de dragones y animales entrelazados.

Asimismo se puede apreciar como en la empuñadura se encuentra firmada con el nombre en japonés de Yoshiteru.

Para finalizar subrayar que se conoce que los samuráis llevaban éste tipo de espadas en las casas de té como sustitutos de las espadas de metal conocidas como wakizashi (脇差), que no estaban permitidas en el interior.

De forma que podían utilizar estas espadas para defensa personal y sobretodo para mantener la dignidad o el estatus de un samurái.

Es más destacar que los médicos también las lucían en público. Siendo los ejemplares ornamentados, como la Espada de Médico, muy apreciados por los coleccionistas en Europa y América.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

viernes, 15 de mayo de 2026

Botella de Doble Pico con Figura Voladora

La Botella de Doble Pico con Figura Voladora es una botella datada aproximadamente entre los años 300 d.C. y 500 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte nazca o arte nasca.

Botella de Doble Pico con Figura Voladora
Botella de Doble Pico con Figura Voladora

Lo primero que se conoce es que fue hallado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en la costa sur de Perú.

El 14 de mayo del año 1.996 d.C. la Botella de Doble Pico con Figura Voladora fue subastada por la casa de subastas Sotheby's de Nueva York (Estados Unidos de América).

Siendo comprada, dentro del lote número 7, por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Botella de Doble Pico con Figura Voladora


Descripción

Tiene una altura de 17,1 cm y un diámetro de 16,5 cm. 

Se trata de una botella de cerámica con forma de cúpula con dos picos unidos por un asa en forma de correa.

De ahí su nombre de "botella de doble pico y puente", un tipo de recipiente con una larga tradición en la región.

El cuerpo se encuentra ornamentado por dos figuras idénticas, cada una sosteniendo una cabeza en una mano y un bastón en la otra.

Sus cuerpos cortos flotan de lado sobre un fondo blanco y el contorno negro realza la nitidez de la compleja imagen.

Las figuras se encuentran ataviadas con elaborados trajes que consisten en un adorno para la frente, una máscara bucal, discos colgantes, un collar, una túnica, un taparrabos y una capa.

Tienen ojos blancos y fijos, y lenguas protuberantes. Además destaca cómo pequeños rostros animan el adorno de la frente, los bigotes de la máscara bucal y el bastón, mientras que en la capa aparecen cabezas de perfil.

Siendo éstas figuras enmascaradas muy comunes en el arte nazca, dónde generalmente se las identifica como seres míticos o ancestros deificados.

Para finalizar subrayar que se conoce que los artistas nasca de la costa sur de Perú produjeron gran cantidad de vasijas de cerámica de diversas formas.

Las superficies des estas vasijas suelen ser muy lisas y brillantes y están pintadas con hasta trece colores, incluyendo blanco, rojo, marrón, gris, amarillo, naranja y rosa.

Es más resaltar que se sabe que los vibrantes tonos se lograban aplicando engobes coloreados con pigmentos minerales sobre la superficie lisa y endurecida antes de la cocción.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

jueves, 14 de mayo de 2026

Broche Lobulado Merovingio

El Broche Lobulado Merovingio es un broche datado aproximadamente en el siglo VII d.C. (período comprendido entre los años 601 d.C. y 700 d.C.), perteneciente al arte medieval.

Broche Lobulado Merovingio

En concreto pertenece al arte prerrománico y dentro de éste se encuentra englobado dentro del arte merovingio.

Lo primero que se conoce es que fue encontrado cerca del municipio de Niederbreising (Bad Breisig), ubicado en el distrito de Ahrweiler.

Situado en el estado federado de Renania Palatinado, en Alemania.

También es sabido que perteneció a la colección de arte del marchante y coleccionista de arte alemán Friedrich Jakob Queckenberg.

Después pasó a formar parte de la colección de arte del coleccionista alemán Joseph Queckenberg.

En el año 1.913 d.C. el broche fue comprado por el empresario, banquero y coleccionista de arte estadounidense John Pierpont Morgan.

Hasta que en el año 1.917 d.C. el Broche Lobulado Merovingio fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), donde pasó a formar parte de su colección de arte.



Descripción

Tiene una altura de 5,8 cm, un grosor de 1,9 cm y una anchura de 5,8 cm.

Está fabricado en lámina de oro, filigrana, piedra lunar (también conocida como piedra de luna o adularia), cabujones de vidrio, granates y nácar.

Se trata de un broche lobulado con el contorno redondeado dividido en varios lóbulos, sobretodo llama la atención como el anverso se encuentra ricamente ornamentado mediante incrustaciones.

El fondo ha sido decorado utilizando filigrana (finos hilos de oro retorcidos) y granulado, resaltando por el diseño en patrones geométricos y círculos concéntricos alrededor de un gran botón central.

Se puede apreciar como el botón central está compuesto por una gran incrustación de vidrio coloreado, rodeado por una banda dorada y una banda exterior con un patrón lobulado.

Aparte destaca como a su alrededor hay pequeñas incrustaciones en forma de cabujón (también denominado cabujón en forma de lágrima) y en el borde exterior hay un total de ocho incrustaciones (cuatro con forma redondeada y cuatro con forma cuadrada).

Con respecto a la composición resaltar como la base formada de una lámina de oro se encuentra complementada con un núcleo interno de hierro que aporta firmeza.

Asimismo resalta el contraste de color conseguido mediante las incrustaciones de vidrio coloreado, pasta vítrea, piedra lunar , nácar y granate que contrastan con el fondo dorado.

Para finalizar subrayar que se conoce que el atuendo de las mujeres merovingias consistía generalmente en una túnica, ceñida con un cinturón del que colgaban diversos colgantes.

Sobre la túnica se cubrían con un chal o manto. Además llevaban zapatos y media, sujetas con hebillas, que cubrían las piernas, mientras que pendientes, collares y horquillas completaban el conjunto.

Algunos aspectos de éste atuendo cambiaron entre los siglos IV d.C. y VII d.C. (período comprendido entre los años 301 d.C. y 700 d.C.) y los broches, en particular, reflejan cambios en el gusto.

Desde el siglo IV d.C. y VI d.C. (período comprendido entre los años 301 d.C. y 600 d.C.) pares de pequeños broches, con una variedad de formas ingeniosas, sujetaban el chal. Pero hacia el siglo VII d.C. (período comprendido entre los años 601 d.C. y 700 d.C.), un único broche de disco grande, generalmente ricamente ornamentado, cumplía la misma función.

Es más es sabido que ninguna otra joya es más característica del atuendo merovingio que el broche y ninguna otra demuestra mejor el virtuosismo de los orfebres merovingios.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

La Joven de Amajac

La Joven de Amajac , también conocida como Joven Gobernante de Amaja c, es un monolito datado aproximadamente entre los años 1.450 d.C. y 1....