Panel con un Grifo

El Panel con un Grifo es un panel datado aproximadamente entre los años 1.250 d.C. y 1.300 d.C., perteneciente al arte medieval, en concreto al arte bizantino.

Panel con un Grifo

Cabe destacar que los investigadores piensan que pudo haber sido fabricado en el norte de Grecia.

Después se conoce que estaba en posesión de la galería de arte "Ariadne Galleries", ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 2.000 d.C. el Panel con un Grifo fue adquirido por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción 

Tiene una altura de 59,7 cm, una anchura de 52,1 cm, un grosor de 6,5 cm y un peso de 41,3 kg. 

Está fabricado en mármol.

Se trata de un panel ornamentado con un diseño en bajorrelieve, en una de sus caras hay representado la imagen de un grifo (criatura mitológica, cuya parte frontal es la de un águila con un pico afilado y garras, mientras que la parte posterior es la de un león) con la cabeza girada y el ala flexionada, situado en el interior de un redondel y con decoración compuesta por motivos vegetales.

También se puede apreciar como hay representadas pequeñas cruces griegas en los cuatro lados, justo en el punto medio del borde. Las cruces identifican que el panel fue realizado para un uso cristiano, puesto que los cristianos de ésta época todavía consideraban a los grifos figuras guardianes de los muertos y un símbolo de poder y autoridad.

Los investigadores piensan que posiblemente el panel fue alguna vez parte de una tumba similar a las halladas en el norte de Grecia, que fueron talladas en un estilo influyente de Serbia y los Balcanes.

Aparte resaltar que en las tumbas los grifos pueden haber significado tanto un símbolo de protección a las personas enterradas dentro, como un símbolo que refleje el linaje real.

Para finalizar subrayar que el Panel con un Grifo es un ejemplo excepcionalmente fino de talla monumental en piedra de la era bizantina tardía. Además el panel trabajado en bajorrelieve se asemeja a una elaborada seda bizantina en su disposición del grifo dentro de un redondel.

Cabe destacar que las flores de lis en el hombro y el anca del grifo tipifican la compleja interacción cultural en la época del Imperio Bizantino, ya que se pueden encontrar motivos similares en las representaciones islámicas y cruzadas contemporáneas de animales.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Perforador Olmeca

El Perforador Olmeca es una herramienta datada aproximadamente entre los años 1.200 a.C. y 400 a.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte olmeca.

Perforador Olmeca

Perforador Olmeca

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección del diplomático británico Edward Thornton.

En el año 1.907 d.C. el Perforador Olmeca fue donado al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Perforador Olmeca

Descripción

Tiene una altura de 38 cm y una anchura de 3 cm. Está fabricado en jadeíta, mediante las técnicas de incisión y tallado. 

Se trata de una herramienta, un perforador grande, que fue realizado en jadeíta verde y tiene el mango ornamentado con motivos geométricos incisos.

Además entre los motivos decorativos destaca un rayo hendido que simboliza el marco o umbral entre los mundos visible e invisible.

Para finalizar subrayar que el derramamiento de sangre ritual era una práctica antigua muy extendida en la cultura olmeca, aparte se llevaba a cabo como un gesto de sacrificio solemne a los antepasados deificados para mantener una relación consciente, respetuosa y como un intercambio de su buena voluntad.

Éste tipo de reciprocidad subyace en gran parte de la práctica religiosa olmeca. Siendo normalmente los perforadores fabricados en: hueso, pedernal, piedras verdes, espinas de mantarraya y dientes de tiburón, para utilizarse en ritos de autosacrificio que implicaba extraer sangre de varias partes del cuerpo.

También enfatizar que el tamaño del Perforador Olmeca sugiere que en realidad no fue utilizado para derramar sangre, sino que se piensa que sirvió como un elemento muy visible de las insignias rituales para llevar y exhibir en ocasiones ceremoniales.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Anillo Fatimí

El Anillo Fatimí es un anillo datado aproximadamente en el siglo XIV d.C. (período comprendido entre los años 1.301 d.C. y 1.400 d.C.), perteneciente al arte islámico, en concreto al arte fatimí.

Anillo Fatimí

Anillo Fatimí

Los investigadores piensan que el anillo pudo haber sido hallado en la ciudad de Rawalpindi, localizada en la provincia de Punyab, en Pakistán.

Después se conoce que perteneció a la colección del anticuario inglés Augustus Wollaston Franks.

En el año 1.881 d.C. el Anillo Fatimí fue comprado comerciante de monedas en Rawalpindi y comerciante de arte indio Chanda Mall.

Hasta que en el año 1.897 d.C. el anillo fue adquirido por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Anillo Fatimí

Descripción

tiene una anchura de 3 mm, un diámetro en el bisel de 15 mm y un diámetro de 22 mm.

Está fabricado en plata y dorado, mediante las técnicas de grabado y nielado.

Se trata de un anillo compuesto por un aro redondeado y un bisel con forma circular que está estriado alrededor de los bordes.

También se puede apreciar como en el centro del bisel hay una cruz nielada rodeada por una banda ornamentada con pseudocúfico (también conocido como cufesco o pseudoárabe), es decir, está decorado con un estilo de decoración que consiste en imitaciones de la escritura árabe cúfica o escritura árabe cursiva.

Para finalizar subrayar que dentro del islam las joyas se encuentran prohibidas para los hombres, porque se consideran un adorno y tan solo las mujeres pueden tenerlas. Sin embargo el anillo que los hombres musulmanes pueden utilizar puede estar fabricado de cualquier material excepto de oro.

Es más se conoce que el profeta Mahoma utilizó un anillo de cornalina en conmemoración de la remoción de los ídolos de la Gran Mezquita en La Meca en el año 630 Año de la Hégira., por lo que en la actualidad muchos musulmanes hacen lo mismo.

Además destacar que en la cultura islámica los cinco dedos de la mano se encuentran asociados con los Cinco Pilares del Islám (la profesión de fe, la oración cinco veces al día, la limosna, el ayuno durante el mes del ramadán y la peregrinación a la Meca).

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Retrato del Sultán Mustafa I

El Retrato del Sultán Mustafa I es una pintura datada aproximadamente entre los siglos XVII d.C. y XVIII d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.700 d.C.), perteneciente al arte otomano.

Retrato del Sultán Mustafa I

Lo primero que se conoce es que el 21 de mayo del año 1.981 d.C. la pintura fue subastada por la casa de subastas Sotheby's de Nueva York (Estados Unidos de América).

Siendo comprado por la compañía "Bashir Mohamed Ltd.", ubicada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

En el año 1.981 d.C. la pintura fue comprada por la galería de arte "Francesca Galloway", situada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

Hasta que en el año 2.012 d.C. el Retrato del Sultán Mustafa I fue adquirido por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 16,5 cm y una anchura de 8,3 cm. Está pintada en acuarela sobre papel.

Se trata de una pintura que representa el retrato del sultán otomano Mustafa I, quién gobernó el Imperio Otomano durante dos periodos, el primer período abarca desde el 22 de noviembre del año 1.617 d.C. hasta el 26 de febrero del año 1.618 d.C. (gobernó por un período de 96 días) y el segundo período que abarca desde el 19 de mayo del año 1.622 d.C. hasta el 10 de septiembre del año 1.623 d.C. (gobernó por un período de 1 año y 114 días). 

El sultán se encuentra representado con un libro semiabierto sostenido con la mano derecha, en posición sedente y en el interior de una habitación que destaca por tener una pared con una celosía con un patrón geométrico, de color rosa y un arco lobulado. 

En el rostro destacan los grandes ojos negro, la nariz recta y la barba rala. Además presenta un rostro pequeño pero atractivo con una tez pálida y expresión triste.

Se encuentra ataviado con un kaftan verde (una túnica larga), con una faja amarilla enjoyada conocida como "kusak", un "mitan" azul (un chaleco) con un borde de pelo blanco y en la cabeza lleva puesto un "sarik" (turbante) blanco.

Para finalizar subrayar que no se conocen cuadros del sultán Mustafa I pintados durante su vida y el Retrato de Sultán Mustafa I aparece como parte de una tradición posterior de representar a los sultanes otomanos en serie. 

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Linterna de Cerámica Ayubí

La Linterna de Cerámica Ayubí es una linterna datada aproximadamente en el siglo XIII d.C. (período comprendido entre los años 1.201 d.C. y 1.300 d.C.), perteneciente al arte islámico, en concreto al arte ayubí.

Linterna de Cerámica Ayubí

Linterna de Cerámica Ayubí

Linterna de Cerámica Ayubí

Se conoce que fue hallada en la ciudad Raqqa, localizada junto al río Éufrates, en el norte de Siria.

También es conocido que hasta el año 1.884 d.C. perteneció a la coleccionista de arte y fotógrafo francés M. Albert Goupil.

Entre el 23 y el 27 de abril del año 1.888 d.C. la linterna fue vendida en una venta de antigüedades realizada en el Hôtel Drouot, ubicado en la ciudad de París (Francia).

Linterna de Cerámica Ayubí

Siendo comprada por el platero, orfebre y coleccionista de arte estadounidense Edward Chandler Moore.

Hasta que en el año 1.891 d.C. la Linterna de Cerámica Ayubí fue legada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Linterna de Cerámica Ayubí

Descripción

Tiene una altura de 23,2 cm y una anchura de 14,6 cm.

Se trata de una linterna de cerámica que ha sido fabricada mediante una composición de pasta de piedra, es decir, fue modelada a partir de losas y rollos.

Linterna de Cerámica Ayubí

La linterna tiene una forma que se asemeja a un edifico de cúpula cuadrada, articulado en cada esquina por una columna y un remate.

También tiene en las paredes de éste "edificio", situado en dos lados opuestos, perforaciones con rosetones de ocho pétalos.

Mientras que los otros dos lados están abiertos y rematados por arcos lobulados (arco de circunferencia que se multiplica formando un conjunto ornamental, se aprecia como el arco se inscribe en el intradós de un arco).

Aparte se puede observar como la cúpula también se encuentra perforada con pequeñas aberturas en sus lados.

Con respecto a la composición destacar que la decoración destaca por sus elementos arquitectónicos. Una voluta vegetal incompleta con puntos ha sido elaborada en brillo de color marrón sobre un fondo blanco que serpentea a través de la cúpula y las paredes.

Linterna de Cerámica Ayubí

Linterna de Cerámica Ayubí

Linterna de Cerámica Ayubí

Las columnas están completamente pintadas con brillo, aunque en la actualidad se encuentra bastante desgastado.

Los contornos concéntricos de pintura azul brillante acentúan las perforaciones de la cúpula, así como los cuatro paneles de paredes rectangulares y sus aberturas.

Sobre los arcos hay un adorno entrelazado que imita un patrón decorativo que a menudo se encuentra en los edificios sirios de los períodos ayubí y mameluco.

Como curiosidad resaltar que en el año 1.975 d.C. una perilla esférica perforada, que había sido aplicada anteriormente a la cúpula, fue identificada como una reconstrucción moderna por lo que fue eliminada en una restauración.

Para finalizar subrayar que la Ciudad Santa (Jerusalén) era luminosa y visitantes de todos los credos destacaron la abundancia de lámparas que iluminaban sus espacios sagrados.

Linterna de Cerámica Ayubí

La Linterna de Cerámica Ayubí es una lámpara abovedada asociada con los famosos hornos de la ciudad de Raqqa y que habla de la apreciación ecuménica de la luz.

Además combina un rosetón con un arco ojival, emblemático tanto de la arquitectura cristiana e islámica, respectivamente.

La misma combinación aparece en la Mezquita de Aqsa (la mezquita más grande de la ciudad de Jerusalén), donde los Caballeros Templarios (órdenes monásticas militares católicas más poderosas de la Edad Media) utilizaron la estructura como sede e instalaron una capilla con un rosetón en el muro oeste.

Al recuperar la mezquita el sultán Saladino (uno de los grandes gobernantes del mundo islámico que fue sultán de Egipto, Siria, Palestina, Mesopotamia, Yemen, Hiyaz y Libia) conservó la ventana y el espacio, que en la actualidad se conoce como el mihrab de Zachariah.

Actualmente la Linterna de Cerámica Ayubí se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Colgante de Pájaro Muisca

El Colgante de Pájaro Muisca es un colgante datado aproximadamente entre los siglos X d.C. y XVI d.C. (período comprendido entre los años 901 d.C. y 1.600 d.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte muiscas o arte chibchas.

Colgante de Pájaro Muisca

Se conoce que fue encontrado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en la Laguna del Cacique Guatavita.

Localizada en el municipio de Sesquilé, en el departamento de Cundinamarca, ubicado en la cordillera oriental de Colombia.

Hasta la década de 1.930 d.C. el colgante se encontraba en posesión de "Shaplang Antiques", ubicada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

En el año 1.930 d.C. el colgante fue adquirido por un coleccionista privado, permaneciendo en su colección de arte.

Hasta que el 19 de mayo del año 1.992 d.C. el Colgante de Pájaro Muisca fue subastado por la casa de subastas Sotheby's de Nueva York, siendo comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene una altura de 4,1 cm, una anchura de 3,5 cm y un grosor de 1,3 cm. Está fabricado en oro.

Se trata de un colgante con forma de pájaro estilizado, el cuerpo del pájaro presenta forma de triángulo que se encuentra ornamentado con detalles de filigrana compuesta por patrones geométricos y patrones en espirales. 

En la parte inferior del colgante hay un total de cuatro pequeños aretes decorados con patrones geométricos, mientras que en la parte superior también hay dos pequeños aretes.

También se puede observar como en la parte superior hay representada la imagen de un ave diminuto y estilizado que ha sido meticulosamente detallado.

Además cabe resaltar que los investigadores consideran que originalmente el colgante fue utilizado para ser usado como un objeto independiente alrededor del cuello.

Para finalizar subrayar subrayar que el Colgante de Pájaro Muisca es un elegante ejemplo del dominio en la orfebrería del arte muisca.

Aparte los pueblos precolombinos de las regiones ricas en oro del norte de América del Sur trabajaron el oro extensamente, desarrollando técnicas de fabricación cada vez más complicadas. Cuando las obras estaban acabadas el color podía variar desde el rosa hasta el amarillo brillante.

Se conoce que se logró una variedad de fabricación cada vez más complejas, incluso se logró una variedad asombrosa a través de la manipulación de color y el tamaño realizando objetos con múltiples partes.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Medallón de Solimán el Magnífico

El Medallón de Solimán el Magnífico, también conocido como Medallón del Sultán de Turquía (1.520 - 1.566), es un medallón datado en el año 1.520 d.C., perteneciente al arte otomano.

Medallón de Solimán el Magnífico

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte del periodista, crítico de arte, coleccionista y fotógrafo francés Eugène Piot.

En mayo del año 1.882 d.C. el medallón fue subastado por la casa de subastas Christie's de Londres (Gran Bretaña).

Siendo comprado por el comerciante de arte italiano Stefano Bardini, estando en su colección de arte.

Hasta que en abril del año 1.918 d.C. el Medallón de Solimán el Magnífico fue subastado por la galería de arte de Nueva York "American Art Galleries".

Siendo comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene un diámetro de 130 mm. Está fabricado en bronce, mediante la técnica de fundición.

Se trata de un gran medallón circular en el que en una de sus caras aparece representado en relieve la efigie de perfil de Solimán I (también conocido como Solimán el Magnífico o Kanuni).

Quién fue sultán y padishá del Imperio Otomano desde el 30 de septiembre del año 1.520 d.C. hasta su muerte ocurrida el 6 de septiembre del año 1.566 d.C., reinando por un período de 45 años y 341 días.

En el rostro destacan el cuello alargado, la nariz arqueada, las orejas pequeñas y el pequeño bigote. Aparte lleva en la cabeza un turbante conocido con el nombre de sarik.

Se puede observar como en el borde del medallón se encuentra la siguiente inscripción en relieve:

"SOLYMAN IMP (erator) TVR (carum)"

Cuya traducción aproximada es la siguiente:

"Solimán, emperador de Turquía"

También cabe resaltar que se conoce que la efigie del sultán a menudo era representada en medallones y que han llegado hasta la actualidad varios moldes de diferentes tamaños de éste medallón.

Para finalizar subrayar que después de capturar la ciudad de Belgrado en el año 1.521 d.C., el reino de Hungría en el año 1.526 d.C. y sitiar la ciudad de Viena en el año 1.529 d.C., el sultán otomano Solimán I alcanzó fama y notoriedad internacional.

Además resaltar que los gobernantes de toda Europa admiraban y temían al sultán otomano Solimán I y era reconocido como uno de los "viri ilustri" (término utilizado en la antigüedad para designar formalmente los niveles más altos de hombres ilustres entre los senadores de Roma y Constantinopla) de su época. 

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Máscara de Luna

La Máscara de Luna es una máscara datada aproximadamente en el año 1.880 d.C., perteneciente al arte africano.

Máscara de Luna

Se conoce que fue fabricada por los pueblos Baule, un pueblo africano, perteneciente al grupo Akan y que habita en Costa de Marfil, entre los ríos Comoé y Bandama.

Se conoce que en el año 1.954 d.C. la máscara fue adquirida por el servidor público, activista de los derechos civiles de los afroamericanos y abogado estadounidense George Williamson Crawford.

El 3 de abril del año 2.003 d.C. la máscara fue subastada con el número 46 por la casa de subastas Christie's de Nueva York (Estados Unidos de América), siendo comprada por un coleccionista privado.

Hasta que en el año 2.015 d.C. la Máscara de Luna fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América) por la Sra. Howard J. Barnet.

Descripción

El soporte tiene una altura de 33,7 cm. La máscara presenta una altura de 26,7 cm, una anchura de 17,1 cm y un grosor de 13,1 cm.

Se trata de una máscara de madera que representa una cara abovedada perfectamente redonda, enmarcada por un borde plano bordeado con una decoración dentada perforada, que hace eco del borde en zigzag de una copa delicadamente equilibrada en la parte superior.

Los ojos presenta forma de media luna, la nariz es esbelta y la boca naturalista. Además se puede apreciar un panel de triángulos concéntricos tallados en relieve en cada mejilla que contribuyen a que la composición sea refinada.

También con respecto a la composición resaltar que la máscara presenta una pátina brillante y oscura. Es más destaca como el maestro tallador Baule que modeló ésta máscara ha representado con un estilo suave y equilibrado un rostro en un círculo perfecto, reflejado por los semicírculos de los dos y las cejas y reforzado por la decoración dentada perforada del borde circular.

Máscara de Luna

Para finalizar subrayar que entre los pueblos Baule de Costa de Marfil las máscaras se dividen en tres grupos distintos:

El primer grupo (el más extendido) se conoce como máscaras "goli", el segundo grupo las máscaras sagradas conocidas como máscaras "bonu amuin" (reservadas sólo para varones adultos) y el tercer grupo las máscaras de entretenimiento.

Cabe destacar que la Máscara de Luna se encuentra englobada dentro del grupo de máscaras de entreteniendo.

Aparte se sabe que dentro del pueblo Baule junto con otras representaciones de fenómenos naturales como un arcoíris y el sol poniente, las máscaras se usan al comienzo de una secuencia conocida como "gbagba o mblo".

Las representaciones "gbagba" son realizadas durante el día y están abiertas a todos los integrantes del pueblo Baule, además cuentan con bailarines enmascarados que se hacen pasar por sujetos familiares como: espíritus de la naturaleza, animales y caricaturas humanas.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Vanidades

Vanidades, también conocida como Alegoría de las Vanidades de la Vida Humana o Naturaleza Muerta: Alegoría de las Vanidades de la Vida Humana, es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.640 d.C. y 1.645 d.C., perteneciente al arte barroco.

Vanidades

Fue pintada por el pintor neerlandés Harmen Steenwijck (también conocido como Harmen Steenwyck).

En el año 1.888 d.C. Vanidades pasó a formar parte de la colección de arte de la "National Gallery", localizada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

Descripción

Tiene una altura de 39,2 cm y una anchura de 50,7 cm. 

Está pintada al óleo sobre tabla.

Se trata de una pintura conocida como bodegón de "vanitas" por la cita bíblica del libro del Antiguo Testamento del Eclesiastés  (1:2): "Vanitas vanitatum ... et omnia vanitas", cuya traducción es: "Vanidad de vanidades ... todo es vanidad".

En la pintura hay representada una habitación en penumbras con una mesa en un primer plano, se puede observar como sobre la que se encuentran dispuestos varios objetos.

Entre los objetos representados destaca una calavera haciendo referencia a que la imagen pertenece a un tipo particular de naturaleza muerta conocida como vanitas y da nombre a la obra.

Además destaca una espada japonesa con su vaina de laca ornamentada, ésta representa que es un objeto muy costoso importado de Japón. 

A su vez la exótica concha marina debe haber venido de una playa tropical que pocas personas verían en la Holanda del siglo XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.60 1 d.C. y 1.700 d.C.), pero que representa la gran importancia que tuvo para Holanda, puesto que gran parte de su riqueza venía del comercio con las Indias Orientales Holandesas y el Lejano Oriente.

La representación de dos libros hacen referencia al aprendizaje y al esfuerzo intelectual, resalta como uno de los libros es aparentemente nuevo y sin leer, estando el otro libro representado manoseado insinuando el proceso de envejecimiento.

Aparte la representación de instrumentos musicales (una flauta dulce inscrita con una "A", un laúd invertido y una chirimía), junto con la representación del frasco o vasija de barro son una referencia a los placeres efímeros de la música y el vino.

Detrás de la calavera hay representada una fina mancha de humo que sale de la lámpara que se acaba de quemar o extinguir la llama. Mientras que a la izquierda se observa la representación de un reloj de bolsillo.

Con respecto a la composición destacar que la habitación oscura se encuentra iluminada mediante un haz de luz solar que atraviesa la penumbra resaltando las cuencas de los ojos vacías y la sonrisa desdentada de la calavera situada en un lado del borde de la mesa.

También destacar que la pintura tiene la finalidad de recordar al espectador la inminencia e inevitable presencia de la muerte en el mundo. Es más la implicación que representan los esfuerzos humanos, los placeres y las posesiones (simbolizados por los libros, los instrumentos musicales y la costosa espada japonesa) son efímeros y fútiles.

Las texturas y sombras de la tela arrugada, el brillo y los reflejos distorsionados del metal, el vidrio, la madera, la cuerda deshilachada a través de las asas del frasco o vasija de barro, las páginas arrugadas de uno de los libros y la concha refleja la pintura virtuosa muy admirada en la época en que la obra fue pintada.

Aparte llama la atención la naturaleza desequilibrada de la composición, puesto que los objetos están dispuestos sobre la mesa en el lado inferior de una diagonal que atraviesa el cuadro. Es una línea que se repite en el ángulo de la flauta dulce y la espada japonesa. 

Así mismo el lado superior de la diagonal es esencialmente un espacio en blanco atravesado solo por el haz de luz que sigue la diagonal opuesta. Esto ha sido interpretado por algunos investigadores como el contraste entre la riqueza material y el vacío.

Para finalizar subrayar que en el año 2.001 d.C. el pintor e historiador del arte estadounidense Jonathan Janson (autor de "Essential Vermeer") y la Escuela de Delf (categoría de pintura holandesa de la Edad de Oro de mediados del siglo XVII y que lleva el nombre de su base principal, Delf) criticaron la pintura diciendo que los objetos contrastan y la luz es dura (es decir, los reflejos y los negros dentro de la composición están espaciados).

Sin embargo en el año 2.006 d.C. la autora Victoria Charles en su libro titulado "1000 Paintings of Genius" (1000 Pinturas de los Grandes Maestros), libro que abarca desde el Renacimiento temprano, pasando por el Barroco y el Romanticismo hasta el Cubismo, Surrealismo y Pop Art., incluye a la pintura Vanidades con el número 354.

Actualmente se encuentra en la National Gallery de Londres, Gran Bretaña.

Mano de Bronce Romana

La Mano de Bronce Romana es una escultura datada aproximadamente entre los siglos I d.C. y II d.C. (período comprendido entre los años 1 d.C. y 200 d.C.), perteneciente al arte romano.

Mano de Bronce Romana

Lo primero que se conoce es que la Mano de Bronce Romana perteneció a la colección de arte del coleccionista, escritor y político británico Richard Payne Knight.

En el año 1.824 d.C. la escultura fue comprada por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Mano de Bronce Romana

 

Descripción

Tiene una longitud de 15,24 cm. 

Esta fabricada en bronce.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la figura de una mano.

Cabe destacar que la escultura es la imagen de una mano humana adornada con varios símbolos religiosos y con dos dedos levantados como para ofrecer una bendición.

También cabe resaltar que algunos investigadores consideran que originalmente la Mano de Bronce Romana podría haber estado unida a una vara para ser usada de manera procesional durante un ritual o ceremonia, esto es debido a que en la base tiene una pequeña perforación que podría haber sido utilizada para atar la escultura a a la vara.

Además se piensa que la escultura era utilizada en el culto del dios Sabacio (también denominado Sabadios, Sabazius o Sábos), un dios de carácter mítico y considerado el dios jinete y padre celestial de los frígidos y tracios. 

Aparte de que su culto fue adoptado por los griegos y romanos y asociado a Dionisio (dios del vino y dios de la fertilidad) y Zagreo (un avatar del Dionisio Místico). 

Durante el Imperio Romano se han encontrado evidencias de su culto en Bitinia, Frigia Epiketos, Jonia, Licia y Lidia y en una amplia área del mar Mediterráneo. Sin embargo se cree que su culto no habría sido particularmente notable ni tampoco parece que hubiera tenido una gran cantidad de seguidores.

Para finalizar subrayar que a principios del siglo XIX d.C. la fue Mano de Bronce Romana fue repatinada por el coleccionista de arte, escritor y político británico Richard Payne Knight con la finalidad de darle el aspecto negro que se piensa que originalmente habría tenido.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Vaso Cilíndrico Maya

El Vaso Cilíndrico Maya es un recipiente datado aproximadamente entre los siglos VI d.C. y IX d.C. (período comprendido entre los años 501 d.C. y 900 d.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte maya.

Vaso Cilíndrico Maya

Vaso Cilíndrico Maya

Vaso Cilíndrico Maya

Fue fabricado durante el período conocido como maya clásico (período de la historia maya comprendido entre los años 250 d.C. y 900 d.C.).

Se conoce que el Vaso Cilíndrico Maya perteneció a un coleccionista privado afincado en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 2.005 d.C. fue regalado por un anónimo al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 18,1 cm y una anchura de 15,9 cm. 

Se trata de un vaso de cerámica policromado con forma cilíndrica, que presenta el exterior del cuerpo ornamentado y fue utilizado para beber.

Destaca como en el centro del cuerpo, dentro de un medallón, se encuentra representada la cabeza de una deidad de perfil, bien dibujada y que puede ser una de las numerosas formas de una serpiente acuática.

Cabe destacar que la serpiente acuática es una imagen común en el arte maya, siendo a menudo representada con nubes de humo saliendo de la parte inferior, superior, izquierda y derecha de la cabeza.

Además resaltar que los motivos con el patrón de volutas divididas también podrían interpretarse como una representación de formas vegetales que vinculan a la deidad con la agricultura, la primavera y el concepto de regeneración y rebrote.

También se aprecia como situado en la parte superior del cuerpo, cerca del borde del vaso, se puede observar una banda con un texto en escritura maya (sistema de escritura compuesto por un conjunto de glifos) dónde se puede leer: "copa para beber".

Para finalizar subrayar que el diseño del Vaso Cilíndrico Maya es menos común que las escenas de figuras completas y las representaciones de deidades que se ven en numerosas vasijas mayas que han llegado hasta la actualidad.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Adorno de Cristal Micénico

El Adorno de Cristal Micénico es un adorno datado aproximadamente entre los años 1.370 a.C. y 1.200 a.C., perteneciente al arte prehelénico, en concreto al arte micénico.

Adorno de Cristal Micénico

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte del escritor Richard B. Seager.

Hasta que en el año 1.926 d.C. el Adorno de Cristal Micénico fue legado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene una altura total de 1,3 cm y una anchura total de 1,4 cm.

Se trata de un adorno fabricado en vidrio azul translúcido que tiene forma de hoja de hiedra.

El reverso es plano y los laterales son rectos.

Además se pueden apreciar como hay dos agujeros perforados en cada lado a través de la parte superior y lateral de la hoja que se unen en ángulo.

También se observa como en el frente hay decoración moldeada compuesta por una depresión circular en la parte superior de cada mitad de la hoja que presenta un motivo en relieve con forma de abanico entre y debajo.

Para finalizar con respecto al estado de conservación resaltar que se encuentra en buen estado de conservación exceptuando una pequeña mella desgastada situada en el borde delantero izquierdo, embotamiento, ligeras picaduras y pequeños parches de meteorización de color marrón cremoso.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Cuenco Hondo con Borde de Llamas

El Cuenco Hondo con Borde de Llamas, también conocido como 縄文 火焔土器, es un cuenco datado aproximadamente entre los años 3.500 a.C. y 2.500 a.C., perteneciente al arte japonés.

Cuenco Hondo con Borde de Llamas

En concreto fue elaborado durante el período Jōmon (縄文時代).

Se conoce que formó parte de la colección del empresario, filántropo y coleccionista de arte estadounidense Herbert Irving y de su esposa Florence Irving (también conocida como Florence Rapoport).

Hasta que en el año 1.992 d.C. el Cuenco Hondo con Borde en Llamas fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 33 cm. Está fabricado en cerámica.

Se trata de un cuenco que ha sido construido mediante rollos de arcilla alisada a mano y paletas, además se observa como la parte inferior del cuenco se encuentra ornamentada por impresiones de patrones geométricos que fueron creados presionando cuerdas en la arcilla antes de que el cuenco fuera cocido en un pozo abierto, aproximadamente entre unos 600º y 900º.

Tanto el borde del cuenco como las asas presentan una forma compleja y tienen forma de diente de sierra. Aparte cabe destacar que se desconoce que representan estas decoraciones, pero debido a que la forma se asemeja a una llama ardiente, se denomina cerámica con forma de llama.

También cabe resaltar que los investigadores piensan que debido a su forma el Cuenco Hondo con Borde de Llamas podría haber sido utilizado para algún tipo de ritual o ceremonia.

Para finalizar subrayar que el Cuenco Hondo con Borde de Llamas se encuentra englobado dentro de la cerámica Jōmon (縄文式土器) (shiki-doki 式土器), un tipo de vasos o cuencos de cerámica considerados como los vasos de cerámica más antiguos del mundo.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Puerta (Anuan)

La Puerta (Anuan) es una puerta datada aproximadamente entre los siglos XIX d.C. y XX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 2.000 d.C.), perteneciente al arte africano.

Puerta (Anuan)

En concreto se conoce que fue elaborada por el pueblo Baule (pueblo africano, perteneciente al grupo Akan, que habitan en Costa de Marfil, entre los ríos Comoé y Bandama).

También se sabe que perteneció a la colección del marchante de arte polaco John J. Klejman.

En el año 1.959 d.C. fue comprada por el político estadounidense y vicepresidente de los Estados Unidos de América Nelson Aldrich Rockefeller.

Entre los años 1.959 d.C. y 1.978 d.C. la puerta fue cedida al Museo de Arte Primitivo (un antiguo museo de la ciudad de Nueva York que estaba dedicado a las artes de las culturas indígenas de África, Oceanía y América). 

Hasta que en el año 1.979 d.C. la Puerta (Anuan) fue legada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Puerta (Anuan)

Descripción

Tiene una altura de 156,8 cm, una anchura de 58,4 cm y un grosor de 5,1 cm. Está fabricada en madera y pigmentos.

Se trata de una puerta de madera conocida con el nombre de anuan y ornamentada con un motivo animal en altorrelieve.

Aparece representado un pez grande, colocado verticalmente (para llenar la mayor parte de la superficie de la puerta) y agarrando en su boca un pez más pequeño representado horizontalmente.

Con respecto a la composición destacar que la figura de los peces es muy estilizada y los peces parecen fusionarse unos con otros. Aparte la composición general que se expresa en una superficie plana, se siente tridimensional y escultural.

También resaltar como algunos elementos de la escena podrían describirse como rígidos, como las colas de los peces y las aletas que no muestran movimiento. 

Pero el movimiento es creado con la representación de las escamas delicadamente incisas de diferentes formas, dimensiones lineales y geométricas que decoran el cuerpo de los peces y la unión fluida de las dos cabezas.

En relación con el estado de conservación resaltar que la puerta presenta desgastes visibles de la madera, junto con varios elementos que atestiguan el uso extensivo de la Puerta (Anuan) y el cuidado realizado por parte de su propietario.

En la parte superior izquierda se aprecia como se reparó una grieta en la madera con tiras de metal. Se aprecia un agujero en el centro de la puerta que habría permitido que un cordón funcionara como manija o pomo, también se puede encontrar un ojo de cerradura en la punta de la cabeza del pez más pequeño.

Para finalizar subrayar que los talladores Baule usaban puertas de maderas adornadas con motivos: animales, humanos y vegetales para embellecer las entradas a espacios públicos y privados como patios y casas de descanso.

Además destacar que los talladores utilizaron la superficie rectangular de las puertas como lienzos para elaborar en bajo o altorrelieve escenas puramente decorativas o escenas que aluden a refranes y mitos.

Especialistas en el arte Baule han señalado que la escena representada en la Puerta (Anuan) admite muchas interpretaciones, en sus mayorías sociales vinculadas a la relación entre los débiles y los poderosos o referidas al orden social.

También se ha sugerido que el predominio en las representaciones de los seres acuáticos están relacionados con eventos míticos pertenecientes a la migración original de los pueblos Baule desde la actual Ghana a la actual Costa de Marfil.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

El Tacto

El Tacto, también conocido como El Escultor Ciego, El Ciego de Gambazzo o Alegoría del Tacto, es una pintura datada en el año 1.632 d.C., perteneciente al arte barroco.

El Tacto

Fue pintada por el dibujante, grabador y pintor español José de Ribera. (también conocido como Jusepe de Ribera o "Lo Spagnoletto").

Lo primero que se conoce es que en el año 1.764 d.C. la pintura se encontraba dentro de la Colección Real.

Ubicada en el Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial, situado en el municipio de El Escorial, en la comunidad autónoma de Madrid (España).

En el año 1.837 d.C. El Tacto pasó a formar parte de la colección de arte del Museo del Prado (también conocido como Museo Nacional del Prado), localizado en la ciudad de Madrid, en España.

Descripción

Tiene una altura de 125 cm y una anchura de 98 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata una pintura que representa a un retrato de un hombre a medio cuerpo, mayor y ciego que destaca sobre un fondo oscuro, además se encuentra ataviado con ropas oscuras y está representado palpando con sus manos un busto de una escultura de un hombre joven.

En el rostro destacan las arrugas de la frente, los párpados cerrados, la nariz recta y la barba frondosa, aparte destaca una expresión de reflexión y atención al realizar la acción de palpar el busto con las manos.

Se puede apreciar como situado en el anverso, en el ángulo inferior derecho, está escrito en pintura negra.

"Jusepe de Ribera, F, 1632"

También en el anverso, en el ángulo inferior derecho, escrito en pintura roja la cifra "419".

Con respecto a la composición resaltar el uso de una paleta de color en todos tierra y la utilización de fuertes contrastes entre luces y sombras que destacan las partes más importantes de la composición. 

También resalta como las dos zonas más claras y que están intensamente iluminadas coinciden con los dos focos expresivos situados en los extremos superior e inferior del eje central de la pintura.

Además enfatizar el contraste entre el cuerpo arrugado y lleno de experiencia del anciano que contrasta con el busto terso, joven e inanimado de la escultura.

Cabe enfatizar que algunos investigadores consideran que la composición hace alusión a uno de los temas fundamentales de la teoría del arte en la época barroca.

La comparación entre la pintura que es bidimensional y se aprecia a través del sentido de la vista, con la escultura que es tridimensional y puede ser apreciada tanto a través del sentido de la vista como a través del sentido del tacto. 

Para finalizar subrayar que El Tacto está considerado una de las obras de arte más significativas del período de madurez del dibujante, grabador y pintor español José de Ribera.

Actualmente se encuentra en el Museo del Prado, España.

Teja Coreana del Extremo del Tejado

La Teja Coreana del Extremo del Tejado es una teja datada aproximadamente entre los siglos VIII d.C. y IX d.C. (período comprendido entre los años 701 d.C. y 900 d.C.), perteneciente al arte coreano.

Teja Coreana del Extremo del Tejado

En concreto fue elaborada durante la dinastía Silla Unificada (también conocida como Silla Posterior o 통일신라).

Periodo dinástico coreano que abarcó desde el año 669 d.C. hasta el año 935 d.C..

Se conoce que perteneció a la colección de arte del estadounidense Charles H. Sheldon, afincado en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta en el año 1.960 d.C. la Teja Coreana del Extremo del Tejado fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una anchura de 14 cm y un diámetro de 7,9 cm. Está fabricada en gres.

Se trata de un teja con forma circular que tiene uno de sus lados ornamentado con un mosaico. Se puede apreciar como el centro del mosaico está decorado por pétalos de loto, mientras que la banda exterior se encuentra ornamentada por un patrón de cuentas.

Además destacar que los investigadores piensan que originalmente la teja habría rematado una fila de mosaicos y se encontraría alineada con otras piezas finales para formar el alero de un edificio.

Para finalizar subrayar que en el Samguk Yusa 삼국유사 (Memorabilia de los Tres Reinos) aparece información sobre la ciudad Gyeongju (경주), la capital del antiguo reino Silla Unificada, diciendo que era tan próspera que todas las viviendas, no solo las residencias de la nobleza, tenía techos de teja.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Fragmento de Cuenco con Cabeza de Carnero

El Fragmento de Cuenco con Cabeza de Carnero es un fragmento de cuenco datado aproximadamente en el II milenio a.C. (período comprendido entre los años 2.000 a.C. y 1.001 a.C.), perteneciente al arte elamita.

Fragmento de Cuenco con Cabeza de Carnero

Fue hallado en el año 1.937 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas por el arqueólogo francés Roland de Mecquenem. 

En la antigua ciudad de Susa, localizada en la parte inferior de los montes Zagros.

Aproximadamente a 250 km al este del río Tigris y entre los ríos Karkheh y Dez.

En la actualidad ésta localización está ubicada al sudeste del actual Irán.

Cabe destacar que las excavaciones se realizaron en nombre de la "Délégation en Perse".

Poco después de su descubrimiento el Fragmento de Cuenco con Cabeza de Carnero fue cedido en la división de hallazgos al Museo de Teherán (Irán).

En el año 1.948 d.C. el fragmento fue adquirido por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Aparte se conoce que el Fragmento de Cuenco con Cabeza de Carnero fue presentado por el Museo de Teherán a cambio de equipo topográfico al cierre de la Expedición iraní del Museo Metropolitano de Arte.

Descripción

Tiene una altura de 10,59 cm y una anchura de 8,71 cm. 

Se trata de un fragmento de un cuenco ornamentado con la cabeza de un carnero estilizado. Se aprecia como el carnero tiene un hocico puntiagudo, los ojos lentoides con pupilas incisas y cuernos con líneas incisas que forman un corazón alrededor de la cara del carnero.

Además el fragmento de cuenco se encuentra hecho de betún, una sustancia parecida al asfalto que se encuentra en grandes cantidades en el Cercano Oriente. También destacar que el betún mezclado con la calcita molida y el cuarzo forma una sustancia gris dura que puede tener forma de arcilla.

Para finalizar subrayar que aunque el betún era utilizado en otras partes del Cercano Oriente, se conoce que a partir del III milenio a.C. (período comprendido entre los años 3.000 a.C. y 2.001 d.C.) los artistas elamitas desarrollaron una receta especialmente sofisticada para el compuesto bituminoso.

Aparte se sabe que los elamitas la utilizaron para la fabricación de objetos entre los que destacaban una gran variedad de vasijas y cuencos, la mayoría de ellos ornamentadas con la figura de animales estilizados.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Amuleto Otomano

El Amuleto Otomano es un amuleto datado aproximadamente entre los siglos XVIII d.C. y XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.701 d.C. y 1.900 d.C.), perteneciente al arte otomano.

Amuleto Otomano

Se conoce que fue fabricado en algún taller de la capital del Imperio Otomano, la antigua ciudad de Costantinopla.

Actualmente ésta ciudad se corresponde con la ciudad de Estambul, localizada a ambos lados del Estrecho del Bósforo, en Turquía. 

También se conoce que perteneció a la colección de arte del coleccionista británico Edward Gilbertson.

Hasta que en el año 1.994 d.C. el Amuleto Otomano fue legado al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña).

Descripción

Tiene una altura de 71 mm, una anchura de 64 mm y un peso de 24,20 g. Está fabricado en oro.

Se trata de un pequeño amuleto de oro con forma circular que presenta en la parte superior un orificio perforado utilizado originalmente para la suspensión del amuleto.

Además se puede apreciar como ambas caras se encuentran ornamentadas mediante un grabado en el que aparecen escritos los nombres de los Sietes Durmientes de Éfeso (también conocidos como Durmientes de Éfeso o Compañeros de la Cueva).

Una leyenda sobre un grupo de jóvenes que se ocultaron dentro de una cueva, localizada a las afueras de la ciudad de Éfeso (Turquía), huyendo de una persecución por sus creencias, para salir de las cueva aproximada 300 años después de entrar en ella (Corán 18:9-25).

Amuleto Otomano

Una traducción aproximada de la inscripción en árabe siguiente:

En el interior del medallón central se pueden leer los nombres de los "Siete Durmientes de Éfeso" y su perro.

Cabe destacar que los nombres se encuentran grabados formando un patrón de estrellas.

Mientras que en la inscripción grabada en la banda exterior del medallón se puede leer: 

Ha brindado seguridad y ha sido amable con el que vino (es decir, el Profeta), ha sido amable con el que hizo descender (el Corán), tú eres el fuerte, líbranos del dolor en el día de las tinieblas (del Juicio).

Para finalizar subrayar que la leyenda de los Siete Durmientes de Éfeso también es una de las leyendas más antiguas del Cristianismo y fue traducida al persa, kirguís y tártaro. 

Aparte que descripciones de la leyenda se han hallado en al menos nueve lenguas medievales y también se han conservan más de 200 manuscritos. 

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Mesa Bizantina

La Mesa Bizantina, también conocida como Tabletop Bizantina, es una mesa datada aproximadamente entre los años 400 d.C. y 600 d.C., perteneciente al arte medieval, en concreto al arte bizantino.

Mesa Bizantina

Se conoce que perteneció a la colección de arte del anticuario, poeta y escritor italiano Augusto Jandolo, ubicada en la ciudad de Roma (Italia).

En el año 1.937 d.C. la mesa fue comprada por la galería de arte "Brummer Gallery", situada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.947 d.C. la Mesa Bizantina fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 82 ,4 cm, una anchura de 89,2 cm y un grosor de 3,8 cm. 

Está fabricada en mármol.

Se trata de una pequeña mesa tallada que fue utilizada en las tumba para celebrar la fiestas en honor a los muertos, además se piensa que lo más posible es que originalmente la mesa se encontraba sostenida sobre una base. 

Cabe destacar que ésta práctica conmemorativa o ritual era realizada sobretodo en todo el mundo romano y en el período temprano bizantino. 

Se puede observar como situado en el borde inferior de la mesa hay representadas cuatro ovejas que representan a los bienaventurados según el evangelio de Mateo 25:33-40, aparte también se aprecia como las ovejas flanquean un cristograma (un monograma compuesto por las dos primeras letras del nombre de Cristo en griego: chi (X)y rho (P)).

Para finalizar subrayar que éste tipo de mesas también se las conocía con el nombre de tablas sigma debido a su parecido con la forma tardía de la letra griega.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Copa en Forma de Concha

La Copa en Forma de Concha es una copa datada aproximadamente entre los años 1.600 d.C. y 1.630 d.C., perteneciente al arte barroco.

Copa en Forma de Concha

Copa en Forma de Concha

Fue realizada por el artista, escultor, orfebre y tallador italiano Ottavio Miseroni.

Los investigadores consideran que fue fabricada en el taller que Ottavio Miseroni tenía en la ciudad de Praga, en la República Checa.

Se conoce que la copa perteneció al banquero, coleccionista de arte y político judío británico Barón Ferdinand de Rothschild (también conocido como Ferdinand James Anselm Freiheer von Rothschild).

Hasta que en el año 1.898 d.C. la Copa en Forma de Concha fue legada al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Copa en Forma de Concha

Descripción

Tiene una altura total de 20 cm, una longitud en la base de 7 cm, una longitud total de 21,60 cm, un peso de 660 g, una anchura en la base de 6 cm y una anchura total de 8,50 cm.

Está fabricada en jade, esmalte y oro, mediante las técnicas de: corte, pulido, esmaltado, incisión y tallado.

Se trata de una copa fabricada en jade oscuro que presenta el cuerpo en forma de concha ornamentada en los lados con un patrón de madreselva realizado en bajorrelieve.

El cuerpo se apoya sobre un tallo corto con un pomo tallado ornamentado con un borde de oro y un collar, también se puede apreciar como el tallo descansa sobre un pie ovalado. 

El mango está formado por la figura contorsionada similar a un "dragón-serpiente-monstruo" con dos brazos agarrando los costados, es decir, el mango se compone de seis secciones de jade que forma la figura contorsionada y escamosa con dos brazos humanos y un torso humano masculino y alargado.

Además se aprecia como el mango presenta ocho monturas de oro esmaltado, dos de las cuales se encuentran colocadas sobre los extremos de los dos brazos en forma de un par de "manos" que emergen de "guantes" a la altura del codo.

Las "manos" tiene un total de cinco "dedos", los "guantes" tienen bordes festoneados dorados situados debajo de los codos y un diminuto patrón de celosía general en esmalte blanco.

Copa en Forma de Concha

También se observan como las costillas se encuentran decoradas con líneas esmaltadas en color negro. 

Con respecto a la composición resaltar que las formas simples, profundas y pulidas del cuerpo, junto con el hermoso color del jade hacen resaltar las elegantes monturas de oro.

Las monturas están cinceladas y esmaltadas en blanco con detalles en rubí y zafiro. Mientras que las dos bandas situadas en el tallo y en el pie de la base presentan volutas de oro sobre un esmalte blanco.

Para finalizar subrayar que tras un examen minucioso a la Copa en Forma de Concha se determinó que la calidad del tallado de las seis secciones de jade del asa es muy inferior a la copa misma y no se mimetiza con el estilo sutil del cuerpo.

Es más la forma del asa se encuentra mal concebida lo que lleva a los investigadores a creer que el asa podría haber sido una adicción posterior y que fue realizada por una mano de obra inferior.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Cinco Elementos: Mar de Japón Hokkaido 1986

Cinco Elementos: Mar de Japón Hokkaido 1986, también conocido como 海景五輪塔日本海 · 北海道1986年, es una obra de arte datada en el año 2.011 d.C., perteneciente al arte japonés.

Cinco Elementos: Mar de Japón Hokkaido 1986

En concreto se elaboró durante el período Heisei (平成時代) (era de la historia japonesa ocurrida entre el 8 de enero del año 1.989 d.C. hasta el 30 de abril del año 2.019 d.C.).

Se conoce que fue creada por el artista y fotógrafo japonés Sugimoto Hiroshi (杉本博司).

Después de su creación fue expuesta en la galería de arte "Pace Gallery", ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 2.011 d.C. fue vendido al estudioso de Shakespeare y crítico literario estadounidense Sylvan Saul Barnet y al autor estadounidense William Burto.

Siendo la obra expuesta en la ciudad de Cambridge, localizada en el condado de Middlesex, en el estado de Massachusetts (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 2.012 d.C. Cinco Elementos: Mar de Japón Hokkaido 1986 fue donada en honor al artista de bellas artes John T. Carpenter al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Cinco Elementos:
Mar de Japón Hokkaido 1986

Descripción

Tiene una altura de 15,2 cm, una anchura de 7,6 cm y un diámetro de 7,6 cm. Está fabricada en vidrio de calidad óptica con un negativo en blanco y negro.

Se trata de un obra contemporánea inspirada en una pagoda budista medieval de "cinco elementos" diseñada para contener reliquias de Buda.

Éstas pagodas representan los constituyentes del cosmos, que normalmente se identifican como: tierra (cuadrado), agua (esfera), fuego (pirámide), viento (media luna) y aire (forma de joya).

Para finalizar subrayar que la esfera de agua de ésta pagoda contiene una pequeña fotografía del océano, que fue impresa a partir de un negativo que el artista y fotógrafo japonés Sugimoto Hiroshi (杉本博司), utilizó en la creación de una serie de paisajes marinos a gran escala.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.