viernes, 24 de noviembre de 2017

Cultura Megalítica

La cultura megalítica, se considera como los orígenes de la arquitectura, nace en el Milenio III a.C., en el marco del período Neolítico y perdura hasta bien entrada la Edad de Bronce. La cultura megalítica se desarrolló en todo el mundo, aunque el término localiza la etapa entre el Mediterráneo y la zona Atlántica de Europa.

Su característica principal son los monumentos megalíticos ("grandes piedras"), y el uso del cobre y de la cerámica.

Menhir, Le Champ Dolent
 (Dol-de-Bretagne, France)

Tipos de monumentos


Los principales vestigios de esta cultura son: el menhir o monolito (piedra erecta), el crómlech (círculo de piedras formado por varios monolitos o menhires), el alineamiento de monolitos y el dolmen (megalito en forma de mesa).

  • Menhir o monolito: Monumento megalítico más simple formado por una piedra larga clavada verticalmente en el suelo, sola o formando parte de un monumento, con finalidades conmemorativas o de culto. Abundan en Europa, pero su extensión geográfica es prácticamente universal.


Crómlech, Stonehenge, Inglaterra
  • Crómlech: Monumento megalítico construido con una serie de menhires formando un espacio circular o elíptico. También se denomina: círculo lítico o círculo de piedras.

  • Dolmen: Es una construcción megalítica consistente, generalmente, en varias losas (ortostatos) clavadas en la tierra en posición vertical y una o más losas, a modo de cubierta, apoyadas sobre ellas en posición horizontal. El conjunto conforma una cámara y está rodeado en muchos casos por un montón de tierra de sujeción o piedras que cubren en parte las losas verticales, formando una colina artificial o túmulo distinguible como marca funeraria.

  • Dolmen de corredor: Cueva artificial formada por la yuxtaposición de dólmenes.

Dolmen de Axeitos, Galicia, España


Funciones de los monumentos megalíticos


Mapa conceptual: Funciones de los monumentos megalíticos

martes, 14 de noviembre de 2017

Técnicas Pictóricas

Pinceles
Las técnicas de pintura se dividen de acuerdo a cómo se diluyen y fijan los pigmentos sobre el soporte a pintar.

La impresión y percepción de cualquier obra pictórica varía dependiendo de la técnica empleada en su ejecución. Todo puede cambiar según que material pictórico se utilice, como por ejemplo, los contornos, las superficies, los colores, la percepción general e, incluso, la sensación que una obra produce.

Clasificación


La pintura propiamente dicha o materia pictórica está compuesta por tres ingredientes: el pigmento, el aglutinante y el disolvente.

  • El pigmento (partículas de color) o colorante es la base esencial de la pintura. Los pigmentos o colorante pueden ser naturales o químicos.
  • El aglutinante (elemento que posibilita que las partículas de color se adhieran al soporte). Es el elemento con el que debe mezclarse los pigmentos o colorantes para que esté se pueda aplicar. Además cohesiona al pigmento o colorante y lo protege. Los aglutinantes se pueden dividir en dos grupos según sea su diluyente: acuoso y graso.
  • El disolvente (sustancia que permite que un compuesto adquiera la consistencia deseada).


Técnicas pictóricas


A partir de estos tres ingredientes (pigmento, aglutinante y disolvente) se pueden distinguir diferentes técnicas pictóricas.

Mapa conceptual: Técnicas Pictóricas

martes, 10 de octubre de 2017

Cueva de Altamira

Vista general de la Gran Sala, cueva de Altamira, Cantabria, España

La cueva de Altamira está situada en Santillana del Mar, Cantabria (Estaña). Es una cavidad natural en la roca en la que se encuentra la máxima representación de la pintura rupestre en España.

Actualmente, son las cuevas más importantes y famosas del Arte Paleolítico a nivel mundial. La cueva de Altamira ha sido declara Patrimonio de la Humanidad por la Unesco. Cabe mencionar que para preservar y conservar las pinturas las visitas se encuentran restringidas a 9.000 personas al año.

Documentación general

Caballo en rojo,
cueva de Altamira, España

  • Título: Pinturas de la cueva de Altamira.
  • Autor: Homo Sapiens.
  • Cronología: Entre 13.570 a.C. y el 14.710 a.C. (Según las pruebas de carbono 14).
  • Estilo: Arte Rupestre.
  • Técnica: Pigmentos y tierras naturales.
  • Soporte: Pared; 18m (largo) x 9m (ancho). Figuras, entre, 1'4 y 1'6 m.
  • Localización: Santillana del Mar, Cantabria, España.


Descripción de la cueva

Planta de la cueva de Altamira

La cueva está situada en el lateral de una pequeña colina calcárea de origen pliocénico, con la entrada a 156 metros sobre el nivel del mar y a unos 120 metros de elevación sobre el río Saja. La cueva de Altamira es relativamente pequeña, solo tiene 270 metros de longitud. Presenta una estructura sencilla formada por una galería con escasas ramificaciones y termina en una larga galería estrecha y de difícil recorrido.

La entrada ha permanecido clausurada hasta su descubrimiento gracias a un derrumbe natural producido hace aproximadamente unos 13.000 años. Una vez dentro destaca una sala de polícromos. Se trata de la estancia principal.

En su techo se representan casi un centenar de animales y signos, destacando los 21 bisontes en distintas actitudes, acompañados de caballos, jabalíes y toros, todos ellos están efectuados con diversas técnicas (efectos de sombreado, grabado, pintado, raspado y silueteado) que dan como resultado una composición única en el arte paleolítico. La pintura esta realizada con ocre natural de color sangriento y el contorno de las figuras con líneas negras de carbón vegetal.

Signos de la galeria final,
cueva de Altamira, España
La utilización del relieve en el techo para expresar mayor realismo es una característica de la cueva de Altamira, la cueva tiene numerosos grabados a lo largo de todo su recorrido.

En la zona mas estrecha y baja de la cueva, (a modo de corredor, se denomina "la cola"), se concentran una serie de signos negros, que se asemejan a techos de madera o a trampas de caza.

Cabe destacar las posturas de los bisontes, estos se pueden encontrar representados: encogidos, saltando o en pie. Estas son pruebas latentes del magistral expresionismo del arte paleolítico.

También cabe mencionar la "Gran Cierva", esta es la mayor figura pintada en la cueva, tiene 2, 25 metros de longitud.


La Gran cierva,  pintura sobre piedra de mayor
tamaño de la cueva de Altamira, España


Mapa conceptual 



Mapa conceptual: Pinturas de la cueva de Altamira

La pintura rupestre


Grupo de bisontes,
 cueva de Altamira, España
Las pinturas de Altamira se ciñen a los convencionalismos establecidos por la pintura rupestre, cuyos temas, motivos y estilo permanecieron prácticamente inalterables a lo largo de milenios.

Muestras de este lenguaje convencional, que se repite en numerosas cuevas, son:

  • El naturalismo que los hace reconocibles.
  • La plasmación de ejemplares adultos.
  • La representación de perfil, pero con los cuernos y las pezuñas de frente.
  • Las cabezas desproporcionadamente pequeñas.
  • El desinterés por plasmar el contexto.
  • La aparición esquemática de la figura humana.






sábado, 7 de octubre de 2017

Mastaba

Una mastaba o ''Pr-djt'' (en egipcio antiguo) es una tumba egipcia, el modelo de sepultura más antiguo del Antiguo Egipto.

Presentan forma de tronco de pirámide, con forma rectangular y muros en talud, además para su construcción fueron utilizados en un primer momento ladrillos y posteriormente se fabricaron en sillares perfectamente labrados.
Mastaba en Giza, Egipto

Cabe resaltar que solían agruparse en conjuntos de mastabas que formaban necrópolis.

Durante Período Arcaico de Egipto y el Imperio Antiguo de Egipto (también conocido como Reino Antiguo de Egipcio) las mastabas habían sido usadas como tumbas faraónicas.

Puesto que los rituales funerarios se encontraban reservados tan sólo para los faraones.

Fue durante la época del Imperio Antiguo cuando los faraones comenzaron a ser enterrados en pirámides.

Por lo tanto paralelamente a la construcción de las pirámides, las mastabas fueron adoptadas como sepulcros por los nobles y eminencias egipcias, que las emplearon por más de mil años.

Mastaba de Ti

Cabe enfatizar que las ubicaciones dónde se construían las mastabas debían estar fuera del alcance de las crecidas del río Nilo.

Además las creencias religiosas egipcias determinaban que debían ser construidas en la ribera occidental del Nilo.

Puesto que la ribera occidental es por dónde se pone el Sol al atardecer y según la creencia egipcia era por donde el difunto iniciaba el viaje hacia el "Más Allá", a parte de que la entrada al inframundo (también conocida como "Duat") estaba localizada en el occidente.



Características


Las mastabas tienen una estructura rectangular con un techo plano y los lados se encuentran inclinados hacia adentro (en forma de talud).

Los materiales empleados para su construcción son bloques de adobe (barro, procedente de las orillas del río Nilo) y posteriormente fueron fabricadas en piedra.

Cabe resaltar que la estructura de una mastaba recuerda a una casa de adobe egipcia, debido a su planta rectangular, las paredes inclinadas y las cubiertas planas.

Esquema de mastaba con doble foso
Se puede apreciar como vistas desde el exterior las mastabas guardan semejanza con una pirámide trucada.

Es decir, se veían construcciones de ladrillo o caliza, que no presentaban ningún ornamento decorativo en su parte exterior.

El interior esta compuesto por una pequeña sala denominada serdab (dónde se guardaba la estatua del difunto), en esta sala se encontraba  orientada al esta una puerta falsa.

Cabe destacar que según los egipcios la puerta falsa tenía la función de comunicar el mundo de los muertos con el mundo de los vivos. Además delante de ella se realizaba los cultos funerarios y se depositaban las ofrendas.

La puerta falsa daba paso a un pozo excavado en la roca, al final se ese pozo se encontraba la cámara sepulcral. Después de realizar el sepelio el pozo era sellado.

Mastaba: estela-puerta falsa

Las mastabas más antiguas estaban compuestas por fosas excavadas en la tierra y divididas en varias salas con muros de adobe.

La fosa central tenía la función se servir como sala central, destinada al difunto (en ella se encontraba la cámara sepulcral).

Mientras que las demás fosas eran colocados los víveres para la otra vida y todo el ajuar funerario.

Cabe subrayar que algunas mastabas también presentaban fosas reservadas para los esclavos (eran sacrificados para el servicio de su señor en el más allá).

Más adelante fueron construcciones realizadas en dos niveles: el nivel subterráneo y el nivel superior.

En el nivel subterráneo se encontraban la cámara sepulcral, a la cuál se accedía a través de largos pozos verticales (cegados después del sepelio).

En el nivel superior se encontraba la capilla (a imitación de la casa del difundo), en estas salas eran depositadas las ofrendas, además se podían encontrar en la parte oriental una o varias puertas falsas decoradas con relieves.

Cabe resaltar que las mastabas más suntuosas también contaban con varías salas ricamente decoradas y el serdab (también denominado cámara del Ka (cuerpo), el habitáculo dónde se encontraba el cuerpo del difunto).

Mastaba de Khoufoukaf de la IV Dinastía, Gizeh, Egipto

Durante el período tardío de Egipto (también conocido como período arcaico superior o Baja época), las mastabas perdieron su forma original.

Pasaron a ser simples construcciones de abobe elevadas sobre el suelo y sin ninguna cámara subterránea.

Durante este período algunas mastabas pasaron a convertirse en un panteón familiar.

Las tumbas eran dispuestas unas encimas de otras, además para poder llegar a las tumbas más elevadas se utilizaban escaleras.

Cabe resaltar que la disposición elevada de las tumbas tenía la finalidad de proteger a los cadáveres de la humedad derivada de las inundaciones procedentes del río Nilo.

Para finalizar, enfatizar una gran diferencias entre las decoraciones interiores de las mastabas y las pirámides.

En las pirámides se han encontrado escritas fórmulas para la vida en el más allá, mientras que en las pinturas encontradas en las mastabas contienen imágenes de la vida cotidiana, además multitud de ellas poseen capillas interiores decoradas con bellas pinturas murales.

domingo, 1 de octubre de 2017

Paleta de Narmer

La Paleta del faraón Narmer, también conocida como Paleta de Narmer, es una paleta datada aproximadamente alrededor del año 3.050 a.C., perteneciente al arte egipcio.

Se trata de uno de los testimonios más antiguos e importantes del Período Predinástico del Antiguo Egipto.

Paleta de Na
Fue hallada en el año 1.898 por el arqueólogo británico James Edward Quibell en el Templo de Horus.

Durante las excavaciones arqueológicas realizadas en la antigua ciudad de Hieracómpolis (también conocida como Nejen), situada en las proximidades de Edu.


¿ Quién fue Narmer ?


Narmer, también conocido como Menes, es el primer faraón registrado en la lista real de Abydos (lista que recoge los nombres de casi todos los faraones que gobernaron en el valle del Nilo).

Está considerado el fundador de la I Dinastía del Antiguo Egipto y uno de los principales iniciadores de la organización del Estado egipcio.

La Paleta de Narmer es una placa de pizarra tallada con bajorrelieves, fue hallada en 1898 por James Quibell y Green en el Templo de Horus de Hieracómpolis (Nejen), en las proximidades de Edu.


Descripción


Se trata de una paleta cosmética (una losa de piedra con una cavidad central en la que se mezclaban los pigmentos para el maquillaje personal, cremas, aceites, etc., que se aplicaban en el cuerpo) realizada en una placa de pizarra tallada con bajorrelieves. 

Tiene una altura de 64 cm y una anchura de 45 cm. Está fabricada en esquisto verde con forma casi triangular.

Cabe destacar que durante el período Predinástico del Antiguo Egipto las paletas adquirieron una función puramente conmemorativa y se fabricaban con materiales preciosos. Se solían encontrar en los ajuares funerarios o como ofrendas en los templos.

Ambas caras tienen grabadas en la parte superior dos cabezas de vaca, símbolo de la diosa Bat (diosa celeste, asociada a la fertilidad), y entre ellas se encuentra el serej (estructura decorada con la llamada "fachada de palacio" que incluía el jeroglífico del faraón), precedente de los cartuchos con el nombre de Narmer.


Anverso de la Paleta de Narmer

Anverso

  • Figura del faraón Narmer o Menes, con la corona blanca del Alto Egipto a gran tamaño, esto indica la supremacio del Alto sobre el Bajo Egipto.
  • El faraón está representado golpeando a uno de los extranjeros, representados por una figura de cabello rizado y barba. (Esta figura siempre se usaba para identificar a los libios y a los asiáticos.
  • El dios Horus, símbolo de la divinidad del rey, está representado sobre unos papiros, símbolos del Bajo Egipto, esto incide sobre el hecho de la conquista del Delta.
  • En la parte inferior, hay más enemigos de pelo rizado abatidos y junto a sus hombros la representación simbólica de dos ciudades amuralladas conquistadas.



Reverso de la Paleta de Narmer

Reverso

  • En la franja superior, está representado el faraón con la corona roja, símbolo del dominio sobre el Bajo Egipto. 
  • Esta corona también fue usada en la ciudad sureña de Naqada.
  • En la franja superior aparte del faraón también se encuentra su séquito y dos filas de enemigos decapitados.
  • En la parte del medio están representados dos serpopardos (animales fabulosos de cuellos entrelazados).
  • La parte situada entre los cuellos, rebajada, era usada como base para moler Kohl (polvo cosmético utilizado para proteger los ojos).
  • En la parte inferior esta representado un toro, que simboliza al propio faraón, este derriba las murallas de las ciudades rivales y aplasta a un enemigo caído.


Respecto al estilo, ambas escenas tienen una técnica de representación muy simplificada basada en la perspectiva jerarquizada, es decir, la figura principal del faraón, aparece con un tamaño mayor al resto de los personajes demostrando así su importancia y poder.

Cabe enfatizar que la representación tiene el objetivo de glorificar la figura del faraón Narmer, dando a entender el significado de la política del faraón realizada durante su reinado. 

La perspectiva todavía no está conseguida, los planos se superponen y se distorsionan los cuerpos para ajustarlos a la escena donde predomina la ley de la frontalidad tan característica del arte egipcio posterior.

Para finalizar enfatizar que para los investigadores se trata del documento histórico más antiguo del antiguo Egipto del que se tiene constancia.

Es considerado como el primer documento de la unificación del Antiguo Egipto (el norte y el sur del País). Puesto que la paleta representa el momento en el que Narmer o Menes, el primer faraón de la I dinastía, realiza una serie de conquistas territoriales en el Delta del Nilo (Bajo Egipto).

Actualmente se encuentra en el Museo Egipcio de El Cairo, Egipto.

sábado, 23 de septiembre de 2017

Arte Egipcio

La civilización de Egipto duró cerca de 6.000 años. El arte egipcio más conocido y estudiado son las obras del Antiguo Egipto (3.000 a.C. - 30 a.C.) que ha perdurado hasta la actualidad.

Las primeras manifestaciones artísticas se clasifican en los siguientes periodos:

  • Periodo Neolítico (5.300 a.C. - 4.000 a.C)
  • Periodo Badariense (4.400 a.C. - 4000 a.C.)
  • Nagada I - Amratiense (4.000 a.C. - 3.500 a.C.)
  • Nagada II - Gerzeense (3.500 a.C. - 3.200 a.C.)
  • Paleta de Narmer
  • Nagada III (3.200 a.C. - 3.000 a.C.)

En estos periodos predomina la pintura  decorativas en cerámicas y la pintura simbólica que se encuentra en las tumbas.

También predominan pequeños objetos de carácter utilitario y mágico. Destacan las vasijas de piedra, las "mazas" y "paletas" votivas (por ejemplo, la Paleta de Narmer, actualmente se encuentra en el Museo Egipcio de El Cairo, Egipto).


Periodo Dinástico (3.000 a.C. - 30 a.C.)



Mapa conceptual: Arte egipcio, Periodo Dinástico (3.000 a.C. - 30 a.C.)

La escultura egipcia


Escriba sentado
Los egipcios creían que era posible asegurar la vida del difundo en el más allá conservando su presencia física (cuerpo embalsamado) y una imagen suya para que su hálito vital reviviera a través de ella.

En la imagen, los artistas no buscaban la belleza ni el movimiento, sino captar la esencia de la persona representada. Las representaciones seguían un lenguaje convencional que implicaba idealización, hieratismo, rigidez, formas cúbicas y frontalidad.

Los rostros eran inexpresivos, las articulaciones se mantenían rígidas, los brazos se pegaban al torso. Las figuras podían estar de pie o sentadas (en este caso, con las manos siempre sobre las rodillas), o también organizadas en grupos escultóricos.

Las esculturas, policromas, solían tallarse a partir de un único bloque de piedra rectangular (como iban a ser vistas de frente a menudo no se esculpía el resto de los lados.

La pintura egipcia 


La pintura egipcia se caracteriza por la pureza de la línea, que define los contornos con la máxima claridad, por la armonía y equilibrio de la composición y por el inigualable juego cromático.

Tumba de Khaemwesset

La característica más relevante de la iconografía pictórica egipcia es la representación convencional de la figura humana. Los egipcios establecieron para el cuerpo humano un canon ideal que se mantuvo vigente durante 3.000 años. Este canon tenía el objetivo de captar la esencia del individuo.

La figura humana queda sintetizada en unos rasgos esenciales, cuya visualización implica simultáneamente la visión de frente y de perfil ( la cabeza se representa de perfil, los ojos, los hombros y el torso son representados de frente y los brazos y las piernas de perfil).


La arquitectura egipcia


La arquitectura egipcia se caracteriza por ser un arte religioso y estar tan presente en la creencia en la vida más allá de la muerte, es una arquitectura de grandes dimensiones. Se utilizaban materiales como la piedra en enormes bloques y tenían un sistema de construcción adintelado y con robustas columnas. También se realizaban construcciones de edificios civiles en los cuales se utilizaba el adobe como material tanto para las viviendas, fortalezas, palacios y murallas.

Actualmente, las obras de arte más destacadas de la arquitectura de arte egipcio eran las pirámides, las tumbas, las mastabas, los templo e hipogeos (templos destinados al culto de los dioses).


Templo de Ramsés II, Abú Simbel



lunes, 18 de septiembre de 2017

Pintura Rupestre

Una pintura rupestre es el conjunto de dibujos o bocetos prehistóricos que existen sobre superficies rocosas. Cabe resaltar que la pintura rupestre, junto con los grabados son los dos grandes grupos en los que se divide el Arte Rupestre o Arte Parietal.

Figuras humanas sobre
roca,  Zimbabue
Las pinturas rupestres se han encontrado sobre las paredes de las cavernas, covachas, abrigos rocosos e incluso barrancos, entre otros.

Sin embargo, las pinturas que presentan un mejor estado de conservación son las que han sido halladas en el interior de las cuevas, debido a que han estado protegidas de la erosión presentan un mejor estado de conservación.

Existen pinturas datadas hasta los 40.000 años de antigüedad (durante la última glaciación), por lo que se trata de una de las manifestaciones artísticas más antiguas de las que se tiene constancia.

Estas pinturas pueden ser ubicadas en casi todas las épocas de la historia del ser humano, y en todos los continentes exceptuando la Antártida.


Temática


Durante el período Paleolítico los dibujos eran representaciones que simbolizaban animales y líneas abstractas.

En cambio durante el Período Neolítico, aparte de las representaciones de animales, también han sido encontradas representaciones de seres humanos.

Cueva de las manos,
Santa Cruz, Argentina

Además se representan escenas del comportamiento habitual de los seres humanos, es decir, su interacción con las criaturas de su entorno y sus deidades.

Entre las principales figuras de animales representadas se encuentran imágenes de bisontes, caballos, mamuts, ciervos y renos.

Frecuentemente se muestran escenas de animales heridos con flechas.

Aunque también se han hallado numerosas representaciones o marcas de manos humanas.

Cabe destacar que todos los grupos humanos que dependían de la caza y recolección de frutos efectuaron pinturas rupestres, los motivos y los materiales con que fueron elaboradas las distintas pinturas son muy similares entre sí independientemente del continente en que se encontraban y la diferencia del período de tiempo en el que fueron creadas.


Materiales y Técnicas


Mapa conceptual: Pintura Rupestre (Materiales y Técnicas)



domingo, 10 de septiembre de 2017

Arte Rupestre

El Arte Rupestre, también denominado Arte Parietal, es el arte que aparece en las paredes (arte mural) de las grutas,  paredes y techos de cuevas y abrigos rocosos.

Bisonte de la Cueva de
Altamira, España. 10.000 a.C.
Es considerado la primera manifestación artística de la época prehistórica que realizó el hombre por medio de pinturas, antes de la aparición de la escritura.

Cabe resaltar que unas de las manifestaciones artísticas más antiguas tiene aproximadamente 40.000 años de antigüedad.

El arte rupestre (arte parietal) es junto al arte mueble (arte mobiliario o arte portable) una de las principales categorías en las que se clasifica el arte de la prehistoria.

Aunque la mayor de la concentración de arte rupestre se da en la zona de Europa Occidental, cabe destacar que se encuentra presente a lo largo de toda la historia de la humanidad en casí todas las zonas del planeta, excepto en la Antártida.


Manos impresas de la
Gruta de Cargas (Francia)

Casi todas las representaciones artísticas han sido realizadas en las zonas más profundas de las cuevas.

Sin embargo también es posible encontrar restos en santuarios exteriores, denominados abrigos rocosos.

El arte rupestre está compuesto por pinturas, relieves y grabados.

La temática principal es de animales o de signos denominados ideomorfos (representación pictórica de una idea o escena), pero también se han encontrados representaciones de figuras humanas.


Tipo de Arte Rupestre


Se pueden dividir en dos grandes grupos dependiendo de la técnica empleada para el registro de los motivos sobre la roca:

  • Pictografías (Pinturas Rupestres): Son registros gráficos dibujados o pintados sobre una superficie de piedra con pigmentos.
  • Petroglifos (grabados rupestres): Son dibujos grabados en una superficie de piedra mediante el rayado, la erosión o la percusión con un instrumento más duro y resistente que la roca del soporte. 



Principales estilos del Arte Rupestre


Mapa conceptual: Principales estilos Arte Rupestre

martes, 5 de septiembre de 2017

Venus de Laussel

La Venus de Laussel, también conocida como la "Venus del cuerno", esta datada aproximadamente entre los años 29.000 a.C. y 20.000 a.C., perteneciente al arte prehistórico.

En concreto fue elabora en el período Gravetiense, englobado dentro del período Paleolítico. Se encuentra incluida dentro del conocido grupo de las venus paleolíticas.

Fue hallada en el año 1909 por el Doctor Lalanne, en la localidad de Marquay, localizada en el región de Aquitania en el departamento de Dordoña (Francia).


Venus de Laussel o Venus del Cuerno

Descripción


Tiene una altura de 46 cm. Está fabricada en caliza, mediante la técnica de tallado.

Se trata de un bajorrelieve de una estatua esculpida en un sólo bloque de piedra caliza dura. 

Representa a una mujer desnuda, con la mano izquierda puesta en el vientre y en su mano derecha sostiene un cuerno de bisonte.

Cabe resaltar que la cabeza se encuentra representada separada del fondo, pero no se aprecian indicios de rostro.

Se observa que fue tallada de perfil, puesto que la cabeza está orientada hacia el cuerno (el lado derecho), la cabellera está reposada en el hombro izquierdo.

Se puede apreciar como el cuello alargado se encuentra muy bien definido.

Los atributos femeninos están muy marcados. Los pechos están caídos, las caderas son anchas y tanto el pubis como el ombligo bien pronunciados.

El brazo izquierdo está representado junto al tronco, posando la mano izquierda a la altura de las caderas, mientras que el brazo derecho se encuentra sosteniendo el cuero del bisonte.

En la parte inferior, destaca por la ausencia de pies.

Para finalizar, enfatizar que todo el cuerpo se encuentra pulido, con la excepción de la cabeza. También se aprecia como en los pechos y en ciertos huecos aparecen trazos de acre rojo.

Actualmente se encuentra en el Museo de Aquitania, Burdeos  (Francia).

domingo, 3 de septiembre de 2017

Venus de Lespugue

La Venus de Lespugue es una escultura datada aproximadamente entre los años 26.000 a.C. y 24.000 a.C., perteneciente al arte prehistórico.

Venus de Lespugue
En concreto corresponde al período Gravetiense Medio (anteriormente conocido como Perigordiense Superior).

Es considerada una de las célebres de las denominadas venus paleolíticas.

Fue hallada en el año 1.922 por el arqueólogo francés René de Saint-Périer, en el interior de la cueva de Rideaux, en Lespugue.

Localizada en la región de Mediodía-Pirineos. En el departamento de Alto Garona, dentro del distrito de Saint-Gaudens, al sur de Francia.

Cabe enfatizar que en el momento de su hallazgo la escultura fue dañada debido al golpe de una piqueta a el momento de desenterrarla, por lo tanto la Venus de Lespugue que se puede contemplar en la actualidad ha sido reconstruida.


Descripción


Tiene una altura de 14,7 cm, una anchura de 6 cm y un grosor de 3,6 cm. Está fabricada en marfil de mamut, mediante la técnica de tallado.

Venus de Lespugue

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la figura de una mujer desnuda.

Esta figura se aleja de la tipología de venus de perfil, puesto que se trata de una obra representada de frente, donde el escultor ha resaltado ciertas partes de la anatomía: los pechos, el pubis y el vientre.

Los pechos, el vientre y las caderas se inscriben en un círculo alrededor del cual un rombo incluye la cabeza y las piernas.

El resto de su anatomía apenas aparece esbozada.

La cabeza es pequeña y ovoide, sin detalles anatómicos, pero destaca por llevar unas rayas más o menos paralelas que se interpretan como una figuración de la melena.

Venus de Lespugue (réplica)
Los brazos apenas están insinuados y se encuentran completamente pegados al cuerpo. Las piernas están juntan como si terminaran en una especie de astil.

En la parte trasera, se puede observar una especie de estrías longitudinales paralelas que empieza con un trozo horizontal bajo las nalgas.

El significado de esto ha sido ampliamente discutido por los investigadores, la opinión más aceptada, es que se tratarían de alguna especie de faldellín o prenda típica de la época.


Para finalizar resaltar que dado su pequeño tamaño, se piensan que su funcionalidad era ser usada como un amuleto o una deidad transportable.

Actualmente se expone en el Museo del Hombre de Paris, Francia.

jueves, 31 de agosto de 2017

Venus de Willendorf

Venus de Willendorf (30.000-25.000 a.C). Piedra
caliza pintada de ocre rojo. En la actualidad se
encuentra Museo de Historia Natural de Viena.

La Venus de Willendorf es una venus paleolítica datada aproximadamente entre los años 30.000 a.C. y 25.000 a.C., perteneciente al arte prehistórico.

Se trata de uno de los primeros ejemplos de arte mueble y es la más antigua escultura de las conocidas como "venus paleolíticas" (es como se denomina a mas del medio centenar de figuras encontradas en diferentes zonas y denominadas "venus" debido a que los atributos sexuales se encuentran muy destacados).

Venus de Willendorf 


Fue hallada en el año 1.908 durante las excavaciones realizas por los arqueólogos Josef Bayer, Josef Szombathy y Hugo Obermaier en un yacimiento paleolítico situado cerca de la ciudad de Willendorf.

Localizada en el distrito de Neunkirchen, en el estado de Baja Austria, al sur de la ciudad de Viena y del Río Danubio, en Austria.


Descripción


Tiene una altura de 11 cm, una anchura de 5,7 cm y un espesor de 4,5 cm (con una circunferencia de 15 cm).

Está fabricada en piedra caliza paleolítica, mediante la técnica de esculpido. Además se encuentra tintada con ocre rojo.

Se trata de una escultura de busto redondo o exenta que representa la figura de una mujer desnuda donde los pechos, abdomen, vulva y nalgas son extremadamente voluminosos.

Cabe destacar que esta escultura es considerada un símbolo de la fertilidad debido a la esquematización y las formas exageradas con las que fue esculpida.

Venus de Willendorf

A la altura del abdomen se aprecia un hueco que representa el ombligo.

Los brazos situados a ambos lados del cuerpo se doblan sobre los pechos, aunque están representados muy delgados y casi imperceptibles.

Cabe resaltar que la cabeza se encuentra inclinada hacia delante y no presenta ninguna cara visible. Si no que se encuentra cubierta con bandas circulares horizontales, los investigadores piensan que podría tratarse de un tipo de peinado trenzado o tal vez algún tipo de tocado.

Las rodillas se encuentran juntas, mientras que como se puede observar la escultura termina a la altura de los tobillos.

Con lo cuál no posee una base sobre la que mantenerse en pie.

Perfiles de la Venus de Willendor
Algunos investigadores piensan que en su origen podría haber tenido pies (que no han llegado hasta la actualidad), con lo que los pies habrían estado separados.

Aunque otros investigadores piensan que probablemente nunca tuvo pies y podría haberse usado clavada en un suelo blando.

Respecto a la composición, respecta la Ley de la Frontalidad, aunque la cabeza se encuentre ligeramente inclinada hacia el peco, en concreto hacia el seno mamario derecho.

En la actualidad se conserva en el Museo de Historia Natural de Viena, Austria.

martes, 29 de agosto de 2017

Arte Mueble

El Arte Mueble, también denominado Arte Mobiliar o Arte Portable, abarca los objetos artísticos, fabricados por el homo sapiens, que se pueden transportas, llevar, mover, etc.

Grabado parietal datado en el
periodo Gravetiense procedente
de la cueva del Parpalló (España)

El arte mueble es una manifestación artesana que consiste en figuras u objetos (collares, pendientes, azagayas, arpones, anzuelos, cuchillos, punzones y bastones) tallados en marfil, asta, hueso, piedra, o toscamente modelados en arcilla, cuya antigüedad oscila entre 27.000 y 32.000 años.

Cabe destacar que las piezas se diferencian de otros instrumentos cuando se considera que ha existido una acción artística en su elaboración, es decir, cuando se ha representado en ellos motivos figurativos o abstractos.


Azagayas de base hendida del
Magdaleniense

Pero igualmente también hay objetos que son meramente ceremoniales, estos son muchos más que simples adornos.

Como por ejemplo, las llamadas Venus paleolíticas o Venus esteatopigias (son las primeras representaciones plásticas de la humanidad. Se tratan de figuras femeninas en piedra, en bulto redondo o en relieve, con sus atributos sexuales exageradamente marcador), plaquetas grabadas (como las de la cueva de Parpalló, España).

Bisonte de hueso de La
Madeleine (Francia)


Aparte son numerosas las representaciones de animales de caza, estos objetos se encuentran fabricados en hueso y asta y presentan una finalidad práctica u ornamental.

Cabe resaltar que los motivos representados cumple la adaptación a la forma del objeto.

Algunos de los ejemplos más representativos son: las estatuas de animales (como el Bisonte de Hueso de La Madeleine, Francia) y objetos en hueso (como el Bastón de Mando de la Cueva del Castillo, Cantabria (España), dónde se aprecia un ciervo tallado).



Características del arte mueble


Mapa conceptual: Características del arte mueble




    miércoles, 16 de agosto de 2017

    Análisis de una obra de arte

    Dentro del ámbito académico, el análisis de una obra de arte es un ejercicio práctico en el que a partir de la imagen de una obra se ha de desarrollar un análisis y comentario escrito de la misma.

    Mapa conceptual: análisis de una obra de arte




























    Al ser una tarea estructurada es posible seguir un guión fijo con los diferentes campos a cubrir en el comentario.

    Primero hay que proceder a la identificación de la obra de arte:

    • Tipo de obra (arquitectónica, pictórica, escultórica, ...).
    • Título de la obra.
    • Autor de la obra.
    • Localización en el tiempo y en el espacio.


    Para analizar y entender una obra de arte, hay que tener en cuenta cuatro aspectos básicos de ésta: La técnica, la forma, el contenido y el contexto.

    • La técnica. Instrumentos y procedimientos utilizados por el artista en la realización de su obra. El artista, antes de llevarla a cabo, debe plantearse cómo realizarla. El pintor decidirá la técnica según sus preferencias personales o las del comitente, pero se someterá a las exigencias del soporte (lienzo, muro, tabla). El escultor, una vez decidido el material con que trabajará, deberá ser consecuente con la técnica elegida (modelado, ensamblaje, fundición, soldadura, talla, ...). Proyectar y construir edictos requiere que el arquitecto tenga conocimientos técnicos y que se someta a las reglas del proyecto.

    • La forma. Son los aspectos perceptibles de la obra en cuestión: luz, color, arco, relieve... La plasmación artística requiere necesariamente de una ''forma''. La elección de unos elementos formales u otros ya dice mucho de la intención del artista. No es lo mismo una pintura figurativa que una abstracta ni un relieve que una escultura exenta, ni una fachada acrisolada que otra de piedra.

    • El contenido: Es el mensaje que pretende transmitir el artista. El contenido depende del tema tratado y del género al que pertenece (paisajístico, alegórico, religioso, etc.). También comprende el significado de los símbolos que aparecen en la obra.

    • El contexto. Esta constituido por el momento histórico en que se creó la obra de artística y por la influencia de aquél sobre el autor; el conocimiento del contexto nos permitirá entender aspectos de la personalidad del artista y de su creación. Cabe señalar que el reflejo del contexto sociocultural en la obra la hace además un valioso testimonio del tiempo y de la identidad cultural de una geografía. Hay que tener en cuenta los siguientes contextos: artísticos, económico y cultural.
    • Artístico: Una creación artística es fruto de unas preferencias estéticas concretas; las del autor y su época.
    • Económico: La realización de las obras de arte suele ser fruto de un encargo. Los comitentes han intervenido y decido tanto o más que los artistas en la obra antes de realizarse.
    • Cultural: En cada época hay unas creencias e ideologías imperantes que influyen en el artista de forma consciente o inconsciente.

    sábado, 5 de agosto de 2017

    Arte prehistórico

    El arte prehistórico comprende el conjunto de las manifestaciones humanas con valor artístico llevadas a cabo antes de que aparecieran los primeros escritos.

    Engloba el conjunto de manifestaciones artísticas realizadas por el hombre desde el paleolítico superior hasta el final de la edad de bronce (período comprendido entre los años 30.000 a.C. y 800 a.C.).

    Cabe destacar que las muestras de artes más abundantes y de mayor importancia se centran en el continente europeo, dónde se puede apreciar la evolución artística a lo largo de miles de años.

    El arte prehistórico engloba cuatro períodos: El periodo Paleolítico (500.000 a.C. - 10.000 a.C.), el periodo Mesolítico (10.000 a.C. - 5.000 a.C.), el periodo Neolítico (5.000 a.C. - 1.700 a.C.) y la Edad de los Metales (1.700 a.C. - 800 a.C.).


    Cronología del arte prehistórico


    Mapa conceptual: Cronología del arte prehistórico


    Período Paleolítico (500.000 a.C. - 10.000 a.C.)


    Dentro del Arte Paleolítico se encuentran las más antiguas manifestaciones artísticas llevadas a cabo por el ser humano.

    El período Paleolítico se subdivide en tres períodos:

    - Paleolítico Inferior (500.000 a.C. - 150.000 a.C.): Es la etapa inicial de la Edad de Piedra.

    - Paleolítico Medio (200.000 a.C. - 35.000 a.C.).

    El arte en estos dos períodos se conoce como arte prefigurativo, lo más destacado es la búsqueda de lo estético a través de la simetría de los utensilios.

    - Paleolítico Superior (30.000 a.C. - 10.000 a.C.): Comprende el período que va desde la última glaciación hasta la aparición del Homo Sapiens.

    Este período se caracteriza por cuatro estilos figurativos:

    • Estilo figurativo geométrico: se caracteriza por el geométrismo y la representaciones incompletas de los animales.
    • Estilo figurativo sintético elemental: aparecen los grandes santuarios con complejos artísticos organizados, las figuras ya se representan completas y en el caso de las representaciones de animales se pueden apreciar las líneas esenciales de la anatomía, además pertenece a este estilo las venus esteatopigias (también conocidas como venus paleolíticas), las figuras ideomorfas y los símbolos simples y geométricos.
    • Estilo figurativo sintético evolucionado: en las representaciones artísticas se pueden apreciar cierto sentido de la perspectiva y movimiento.
    • Estilo figurativo analítico: entres sus características se encuentra el principio del desarrollo del Arte Mueble y el arte en los santuarios interiores. Además aparece el modelado del relieve (los trazos que simulan el pelaje de los animales, los contornos difuminados, detalles anatómicos y la bicromía o grabado realizado en dos olores), todo ello permite que las representaciones posean un gran realismo.




    Período Mesolítico (10.000 a.C. - 5.000 a.C.)


    El Arte Mesolítico es el período de la prehistoria que sirve de transición entre el período Paleolítico y el Período Neolítico. 

    Desaparece la pintura rupestre figurativa paleolítica, en su lugar surge un arte más abstracto, se encuentra en abrigos rocosos (Arte Parietal) y en objetos personales (Arte Mueble).

    Cabe destacar que el arte se volvió conceptual y racionalista, basado en lo geométrico y lo abstracto. La figura humana se esquematiza y se convierte en protagonista dentro de la pintura parietal.

    Además aparecen también formas decorativas sobre materiales con la utilización del huso (con el que se fabrican punzones, agujas o bastones de mando).



    Período Neolítico (6.000 a.C. - 1.700 a.C.)


    El Arte Neolítico  se caracteriza por un arte más naturalista, así mismo se consolidan las bases de la religión animista (son signos ideográficos, esquemáticos y convencionales que identifican a la naturaleza con la voluntad de los espirítus o dioses).

    También destaca como el ser humano tienen a fijar la idea y el concepto, es decir, crea símbolos en lugar de imágenes. Además aparecen múltiples formas de amuletos, ídolos, símbolos sagrados y los primeros monumentos funerarios.

    Pero el rasgo más característico en el Arte Neolítico es la aparición de la alfarería con piezas realizadas con moldes, mediante la superposición de anillos o mediante un torno.



    Edad de los Metales (1.700 a.C. - 800 a.C.)


    Durante este período el hombre comenzó a fabricar objetos de metal fundidos, sobre todo se han encontrado numerosos ejemplos de fundición del cobre.

    Está compuesta por tres períodos o edades:
    • Edad del Cobre: el cobre, junto con el oro y la plata, son los primeros metales utilizados en la Prehistoria.
    • Edad del Bronce: se desarrolla la metalurgia del cobre, siendo el resultado de la aleación de cobre con estaño.
    • Edad del Hierro: se descubre y populariza el uso del hierro, es utilizado como material en la fabricación de herramientas y armas, además las tecnologías metalúrgicas necesarias para el trabajo del hierro surgieron de manera simultánea a otros cambios tecnológicos y culturales.

    Uno de los rasgos característicos de la Edad de los Metales son las numerosas construcciones megalíticas, también conocido como Cultura Megalítica, destacan:
    • El menhir: piedra larga clavada verticalmente en el suelo, sola o formando parte de un monumento, con finalidades conmemorativas o de culto.
    • El dolmen: varias losas clavadas en la tierra en posición vertical y una o más losas, a modo de cubierta, apoyadas sobre ellas en posición horizontal.
    • El crómlech: una serie de menhires y dólmenes formando un espacio circular o elíptico.
    • Las alienaciones: sucesión rectilínea de menhires.
    • Las taulas: construcción megalítica balear en forma de "T".
    • Las navetas: cúpulas en forma de nave invertida.

    sábado, 22 de julio de 2017

    Acerca de este BLOG

    ¡Hola! Bienvenidos, este blog esta dedicado a la historia del arte, desde la prehistoria hasta la actualidad, espero que con tiempo y esfuerzo se convierta en un referente para todos aquellos que disfrutan y aman la historia del arte. 

    En este blog se pueden encontrar:

    • Autores y obras
    • Biografías
    • Etapas y tendencias artísticas
    • Curiosidades 
    • Museos y galerias
    • Recursos del aprendizaje (enfocado a exámenes)


    También situado a la derecha del blog, podréis encontrar un excelente Diccionario de Historia del Arte, los términos se encuentran agrupados y clasificados por un filtro alfabético.

    Copyright © Kokita Eri





    Sobre mí, 


    Mi nombre es Kokita Eri, soy directora creativa e ilustradora digital, residente en Japón.

    Mis trabajos representan una mezcla de estilos, con inspiraciones de Asia y de la cultura europea. 
    Actualmente trabajo como freelancer. Me encanta la programación, el diseño web y el diseño gráfico.

    Desde siempre me ha apasionado la historia, en especial las antiguas civilizaciones, así como las escrituras antiguas, espero que este blog refleje la pasión y las ganas de compartir el conocimiento, ya sea arquitectura, pintura, escultura... 

    Espero que disfrutéis leyendo



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