viernes, 31 de julio de 2020

Hoplita de Samos

El Hoplita de Samos es una escultura datada aproximadamente entre los años 530 a.C. y 525 a.C., perteneciente al arte griego.

Hoplita de Samos
Fue hallada a principios del siglo XX d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas por el arqueólogo alemán Theodor Wiegand.

En el interior del santuario de Hereo de Samos, situado en el sur de la isla de Samos, en la periferia de Egeo Septentrional (Grecia).

La escultura se encontró fragmentada, primeramente se descubrieron partes del tronco y partes de la cabeza.

Estas piezas fueron enviadas al Museo de Altes en la ciudad de Berlín (Alemania), dónde se llevó a cabo una restauración en la cual se juntaron las partes del cuerpo y la cabeza parcialmente dañada.

Cabe resaltar que durante las excavaciones posteriores también fueron encontrados la mitad de las nalgas y la pierna izquierda (estas piezas se encuentran en la actualidad en la ciudad de Samos, Grecia).



Descripción


Se trata de parte de una escultura (tan solo hasta la cintura) de mármol que representa la figura de un hoplita (un ciudadano-soldado de las ciudades-estado de la Antigua Grecia).

El hoplita esta representado con un casco corintio (también llamado "krános") consistente en un casco que cubre completamente la cabeza y el cuello, también se aprecia como tiene unas aberturas en la zona de los ojos, la nariz y la boca.

Además en la parte trasera presenta una protección curvada que tenía la funcionalidad de proteger la parte trasera del cuello, se observa como el cabello se encuentra cubierto por el casco, tan solo es visible una larga trenza que le cuelga a lo largo de la espalda.

Se encuentra ataviado con una coraza ornamentada en el frente con diseño de espirales, éste tipo de decoración en la armadura era representativo de los guerreros de origen laconio. 

En cuanto a la composición resaltar que el mármol de la escultura presenta un color desigual. El lado izquierdo es de un gris azulado oscuro, mientras que el derecho es de un gris azulado claro. 

Cabe enfatizar que este tipo de mármol tan solo ha sido encontrado en las canteras de la isla de Samos y en la región de Laconia (también conocida como Lacedemonia).

Para finalizar subrayar que los investigadores no se ponen de acuerdo sobre donde fue elaborada la escultura, puesto que tiene características del arte laconio, pero fuero encontrada en territorio samoano.

Aparte este tipo de esculturas eran utilizadas como ofrendas en los santuarios de Laconia, pero no en los santuarios de Samos. Por lo tanto la opinión más aceptada es que la Hoplita de Samos pudo haber sido algún intercambio cultural durante la primera mitad del siglo VI a.C. período en el cuál tanto Samos como Laconia eran aliados.

Actualmente se encuentra en el Museo Altes, en la ciudad de Berlín (Alemania).

jueves, 30 de julio de 2020

Cápsula Samagher

La Cápsula Samagher es un cofre-relicario datado aproximadamente en el siglo V d.C. (período comprendido entre los años 401 d.C. y 500 d.C.), perteneciente al arte medieval, en concreto al arte paleocristiano.

Cápsula Samagher
Fue hallado en el año 1.906 d.C. debajo del altar de la iglesia de Sant'Ermagora de Samagher.

Situada en la ciudad de Pula (también conocida como Pola), localizada en la península de Istria, al noroeste de Croacia.

Después de su descubrimiento fue llevada al Museo Cívico de Pula, dónde fue restaurada.

En el año 1.909 d.C. se trasladó al Museo de Historia de Arte de Viena, en Austria dónde sufrió otra restauración.

Años más tarde ingresó al Museo Arqueológico Nacional de Venecia (Italia), dónde fue sometida a una tercera restauración. 

Esta restauración fue promovida por el Museo Arqueológico Nacional de Venecia, por la Superintendencia Especial para el Patrimonio Artístico y Ernoantropológico, por el complejo museístico de la ciudad de Venecia y por Gronda Lagunare (término utilizado para indicar el área de la laguna de Venecia por su costa continental).

Además cabe destacar que el 8 de mayo del año 2.013 d.C. fueron presentados al público los resultados de ésta última restauración.


Descripción


Tiene una altura de 18,5 cm, una anchura de 20,5 cm y una profundidad de 16,01 cm. Esta fabricado en madera, marfil y plata.

Cápsula Samagher

Se trata de un cofre-relicario elaborado con incrustaciones de marfil, se encuentra adornado con accesorios plateados y refuerzos en las esquinas.

Cabe resaltar que los investigadores piensan que pudo haber sido mandada construir por orden de un pontífice con la finalidad de ser donada como regalo al emperador Valentiniano III (también llamado Flavius Placidius Valentinianus).

Se puede apreciar como esta decorada por un total de cinco marfiles situados en cinco de las seis caras que componen el cofre-relicario.

En la portada esta representado Jesús entregando la ley al apóstol Pedro, mientras que en el anverso se encuentra representado la iconografía del "trono vacío" (tomada de las representaciones en mosaico del ábside de la Basílica de San Pedro de Constantino, conocidos en la actualidad tan sólo gracias a los dibujos renacentistas).

La parte posterior muestra la representación del presbiterio de la antigua Basílica de San Pedro en el Vaticano con el recuerdo de Petri (el monumento erigido por el emperador Constantino sobre la tumba del apóstol Pedro) en su aspecto original (tan sólo conservado hasta finales del siglo VI d.C.).

Además entre los personajes representados se distinguen: En la parte posterior a Flavio Valerio Aurelio Constantino (también llamado Constantino I o Constantino el Grande) y Flavia Julia Helena (también conocida como Santa Elena o Helena de Constantinopla), ambos visitando la Basílica de San Pedro en el Vaticano.

Cápsula Samagher
En el lado izquierdo esta representada Élia Gala Placidia llevando en brazos a hijo Valentiniano III (emperador romano de Occidente).

En el lado derecho se puede observar la representación de Licinia Eudoxia, con su esposo Valentiniano III y la hija menor de ambos Eudocia (también conocida como Eudoxia).

En cuanto al estado de conservación enfatizar que aunque ha sufrido tres restauraciones, en la actualidad se pueden apreciar como aún hay partes muy dañadas, otras están mutiladas y algunas se han perdido y no han podido ser reconstruidas. 

Para finalizar subrayar que la Cápsula Samagher esta considerada un gran ejemplo de documento precioso dentro del arte paleocristiano, así como una de las pocas representaciones del presbiterio de la antigua Basílica de San Pedro en el Vaticano que ha llegado hasta la actualidad.

Actualmente se encuentra en el Museo Arqueológico Nacional de Venecia, Italia.

miércoles, 29 de julio de 2020

Sarcófago de Constantina

El Sarcófago de Constantina, también conocido como Sarcófago de Constanza, es un sarcófago datado aproximadamente entre los años 337 d.C. y 354 d.C., perteneciente al arte medieval, en concreto al arte paleocristiano.

Sarcófago de Constantina
Cabe destacar que el sarcófago fue construido para albergar los restos de Constantina o Constanza, la hija mayor del emperador romano Constantino el Grande y su segunda esposa Fausta. 

Originalmente el sarcófago fue depositado en el mausoleo de Constantina (también llamado Iglesia de Santa Constanza) localizado en la Vía Nomentana (vía consular romana que conectaba las ciudad de Roma y Nomentum).

Entre los años 1.467 d.C. y 1.471 d.C. el sarcófago fue transferido a la Piazza S. Marco y fue en el año 1.790 d.C. cuando ingresó a los Museos Vaticanos en la ciudad del Vaticano, dónde pasó a formar parte de su colección de arte. 



Descripción


Tiene una altura de 225 cm. Esta fabricado en pórfido rojo (una roca filoniana utilizada por su dureza y aspecto decorativo), mediante las técnicas de tallado e incisión.

Sarcófago de Constantina

Se trata de un sarcófago compuesto por una tapa y una caja dónde reposaba los restos de Constantina.

La tapa del sarcófago presenta cuatro pendientes y un borde alto, la parte superior esta decorada con guirnaldas de frutas.

Además se puede apreciar como en el borde hay representadas guirnaldas colgadas y sostenidas por prótomes (también conocidos como prótomos), un elemento decorativo consistente en una representación en altorrelieve de cabezas humanas. 

La caja del sarcófago se encuentra decorada en los cuatro laterales por relieves esculpidos, en el registro superior de los cuatro lados se puede observar como tiene brotes de vides representadas en forma de espirales.

En los laterales más largos se aprecia como en el centro hay representados tres medallones de vides y dentro de cada medallón hay representado un cupido realizando las labores de cosecha.

Sarcófago de Constantina
Debajo de ellos, en el registro inferior hay representados varios animales que mezclan el simbolismo pagano y cristiano. Estos animales son: dos pavos reales, un cordero, una oveja y un cuerno de la abundancia con una guirnalda.

En los laterales más cortos hay una escena con tres cupidos en la pisada de uva, una labor tradicional que se realiza durante la vendimia y consiste en pisar las uvas depositadas en el lagar (un recipiente de madera).

En el lagar hay una cabeza de león por la que cae el mosto (utilizado para la elaboración del vino) hacia los tres recipientes o vasijas situadas delante.

En cuanto a la composición destacar que el simbolismo de la vendimia en el arte funerario es muy antiguo y se encuentra vinculado a los cultos dionisíacos (rituales y ofrendas realizadas al dios del vino).

Aparte la ambigüedad de un tema pagano que ha sido completamente asimilado al cristianismo es típico del arte paleocristiano. Así mismo la elección de los animales representados: el cordero y la oveja están asociados al tema del sacrificio, mientras que el pavo real esta asociado a la resurrección.

Para finalizar subrayar que en la actualidad el sarcófago descansa sobre la figura de cuatro leonas recostadas que funcionan como soporte y han sido elaboradas por el escultor y restaurador italiano Francesco Antonio Franzoni.

Actualmente se encuentra en los Museos Vaticanos, en Ciudad del Vaticano.

martes, 28 de julio de 2020

Inwangjesaekdo

Inwangjeseakdo es una pintura datada en el año 1.751 d.C., perteneciente al arte coreano.

Iwangjesaekdo
Fue pintada por el artista coreano Jeong Seon (también conocido con el seudónimo de Gyeomjae).

Durante el reinado del rey Yeongjo de Joseon (el 21º rey de la dinastía coreana de Joseon). 

Se conoce que el Inwangjeseakdo fue vendido por razones económicas al magnate de los negocios surcoreano Lee Kun-hee, pasando así a formar parte de su colección de arte.


Descripción


Tiene una altura de 79,2 cm y una anchura de 138,2 cm. Esta pintado en tinta sobre papel.

Se trata de una pintura paisajista que representa la montaña Inwangsan en tonos monocromáticos (blanco, negro y varios tonos de grises), localizada en las áreas centrales de la ciudad de Seúl, en Corea del Sur.

En el paisaje destacan la representación de la montaña despejada después de la lluvia, así como las formaciones rocosas que presentan un conjunto de grietas en las rocas conseguido mediante líneas blancas que dotan a la pintura de un mayor realismo.

También resaltar como en la zona izquierda inferior se aprecia la parte superior del santuario de Guksadang, aparte destacan la representación de forma esquematizada del muro-fortaleza que rodea la montaña.

Cabe destacar que situada en la parte superior izquierda de la pintura se puede observar como está inscrita la firma del autor, utilizando su seudónimo Gyeomjae.

En cuanto a la composición enfatizar que el Iwangjesaekdo esta considerado una obra representativa de la pintura paisajista coreana, puesto que captura un paisaje real y no uno ideológico.

Para finalizar subrayar que el 6 de agosto del año 1.984 d.C. el Inwangjesaekdo fue incluido con el número 216 dentro de la lista de Tesoros Nacional de Corea del Sur (un reconocimiento por su valor artístico, cultural e histórico de los tesoros tangibles, artefactos, sitios y edificios de Corea del Sur). 

Actualmente se encuentra en el Museo de Leeum (también conocido como Museo de Arte Samsung), en Corea del Sur.

lunes, 27 de julio de 2020

San Lucas dibujando a la Virgen

San Lucas dibujando a la Virgen, también conocida como La Virgen de San Lucas, es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.435 d.C. y 1.440 d.C., perteneciente al arte medieval, en concreto al arte gótico.

San Lucas dibujando a la Virgen
Fue pintada por el pintor flamenco Rogier Van Der Weyden (también llamado Rogier de la Pasture).

Cabe destacar que la procedencia de la pintura es desconocida, sin embargo se conoce que a finales del siglo XVI d.C. perteneció a la colección arte situada en el Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial.

Localizado en la ciudad de San Lorenzo de El Escorial, en la comunidad autónoma de Madrid (España).

Después perteneció a la colección de arte del infante de España y Portugal Sebastián Gabriel de Borbón y Braganza.

Lo siguiente que se conoce es que en el año 1.893 d.C. fue donada por el empresario y filántropo americano Henry Lee Higginson al museo de Boston (Estados Unidos de América).


Descripción


Tiene una altura de 137,5 cm y una anchura de 110,8 cm. Esta pintada en óleo sobre tabla de roble.

Se trata de una pintura que representa una escena de la Leyenda Áurea del dominico italiano Santiago de la Vorágine (también conocido como Jacopo da Varazze o Jacopo della Voragine) en la que cuenta como San Lucas (también conocido como Lucas el Evangelista) se encuentra dibujando un retrato de la Virgen María en una de las veces que se le apareció.

En un primer plano se aprecia una estancia con el suelo en mosaico y que da a una galería abierta por donde se observa un jardín. Al fondo hay dos figuras de espaldas, situadas encima de una muralla, mirando a un río y a cada una de las orillas del río hay una ciudad con edificios típicos del estilo del arte gótico. 

Cabe resaltar que algunos investigadores han identificado a estas dos figuras como Joaquín y Santa Ana, los padres de la Virgen María.

Situado a la izquierda, en un primer plano, se encuentra representado San Lucas, ataviado con unta túnica roja y un gorro marrón, con la mano izquierda sostiene una punta de plata (instrumento de dibujo utilizado en el siglo XV d.C.), mientras que con la mano derecha agarra una hoja de papel.

San Lucas se encuentra erguido, con una rodilla apoyada en un cojín verde y con la mirada al frente mientras esboza un retrato de la Virgen.

En el lado derecho se encuentra representada la Virgen María dando el pecho, está sentada en un asiento de madera con un dosel de brocado dorado y rojizo que la cubre por encima.

Con la mano derecha sostiene al Niño Jesús, mientras que con la izquierda se sostiene el pecho derecho descubierto. Se encuentra ataviada con una túnica interior blanca, con las mangas marrones y la parte inferior azul y marrón oscuro, además la cubre por encima un manto azul oscuro casi negro.

En cuanto a la composición destacar como situados en el lateral izquierdo de composición hay representados un buey y un libro abierto, ambos símbolos asociados a San Lucas.

También destaca como toda la estancia esta decorada con mucha ostentación y lujo. Aparte de algunos detalles del mobiliario que hacen referencia a un alarde de riqueza.

Además enfatizar que algunos investigadores consideran que la composición de la imagen se encuentra basada en el cuadro "La Virgen del Canciller Rolin" pintado por el pintor flamenco Jan Van Eyck.

Para finalizar subrayar que San Lucas dibujando a la Virgen esta considerada el ejemplo de pintura más importante del artista Rogier Van Der Weyden que se conserva en la actualidad en todo el continente americano.

Actualmente se encuentra en el Museo de Bellas Artes de Boston, Estados Unidos de América.

domingo, 26 de julio de 2020

Crucifixión con Donante

La Crucifixión con Donante es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.480 d.C. y 1.485 d.C., perteneciente al arte medieval, en concreto al arte gótico.

Crucifixión con Donante
Fue pintada por el pintor holandés Jheronimus Van Aken (también conocido como Jheronimus Bosch, Hieronymus Bosch o El Bosco).

La pintura perteneció a la colección de arte del músico, historiador y bibliotecario belga Édouard Fétis.

Después pasó a formar parte de la colección de arte del matrimonio Franchomme-Van Halteren residentes en la ciudad de Bruselas (Bélgica).

Hasta que en el año 1.952 d.C. la pintura fue vendida a los Museos Reales de Bellas Artes de Bélgicas, dónde pasó a formar parte de su colección de arte.



Descripción


Tiene una altura de 74,7 cm y una anchura de 61 cm. Esta pintada en óleo sobre tabla de roble.

Se trata de una pintura que tiene representada la Crucifixión de Cristo en el calvario (también conocido como Gólgota), un lugar cercano al exterior de las murallas de Jerusalén dónde según los evangelios fue crucificado Jesús.

En un primer plano, situado en el centro de la composición esta representado Jesucristo crucificado en la cruz. Situado a la izquierda de Cristo hay representadas dos personas.

Una de ellas, en posición de pie es San Pedro, se puede apreciar como lleva en su mano derecha las llaves del cielo, mientras que con su mano izquierda señala a un hombre arrodillado delante de él.

El hombre arrodillado, también conocido como donante, tiene las manos juntas por delante del cuerpo. Se encuentra ataviado con unas calzas y medias a rayas verticales rojas y negras, un gorro negro, una camisa blanca, un jubón marrón y una capa corta negra. Además se observa como lleva una espada que sobresale de la capa.

Crucifixión con Donante

A la derecha de Cristo están representados: San Juan, ataviado con una túnica y manto rojo y haciendo un gesto a la Virgen María, representada a su lado, con la finalidad de que interceda por el donante.

La Virgen esta representada de pie con las manos juntas en posición de oración. Esta ataviada con una túnica oscura (de tonos de grises y negros) y un velo que le cubre el cabello y enmarca su rostro.

Toda la escena esta representada en un paisaje, en el horizonte al fondo hay una ciudad, también algunas personas están representadas caminando por los senderos en dirección a la ciudad. 

Al fondo la catedral es una masa oscura que se va difuminando debido a la niebla hasta volverse azul de la representación del cielo. Aparte las sombras de la vegetación son conseguidas por una gradación de verdes que se van oscurecido ha medida que se acerca a la ciudad y logra un efecto de profundidad.

En cuanto a la composición resaltar que el donante se encuentra representado con una palidez que sugiere que el hombre ya estaba muerto en ese momento y que la representación era una forma de abogar por la salvación de su alma.

Además en el lateral izquierdo del paisaje hay representado un árbol estéril en el que las hojas vuelven a crecer. Este motivo hace referencia a la muerte de Cristo en la cruz (representado como un árbol seco) y su resurrección (representado como hojas jóvenes). 

Así mismo alude a que cualquier hombre pecador puede contar con la vida eterna, siempre y cuando se arrepienta de sus pecados.

También llama la atención la representación de algunos huesos situados a los pies de la cruz, haciendo referencia a la frase "memento mori" ("recuerda que morirás''), para que el espectador recuerde su mortalidad como ser humano.

Para finalizar subrayar que aunque el tema de la composición es tradicional, la pintura presenta algunas originalidad, como el rechazo de la simetría y la quietud, así como el insistente silencio que emerge de la representación.

Actualmente se encuentra en los Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica, en la ciudad de Bruselas.

sábado, 25 de julio de 2020

Cono Funerario de Nebamun

El Cono Funerario de Nebamun es un cono datado aproximadamente entre los años 1.400 a.C. y 1.350 a.C., perteneciente al arte egipcio.

Cono Funerario de Nebamun

Fue hallado en el año 1.820 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas en el interior de la Tumba de Nebamun, localizada en la necrópolis de los nobles de Tebas occidental (Egipto).

En el año 1.930 d.C. fue donado al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña) por el egiptólogo e ilustrador británico Norman de Garis Davies.


¿ Quién fue Nebamun ?

Nebamun fue un escriba y contable en el granero de cereales del divino Amón (dios celeste y dios de la creación), que vivió durante el reinado de los faraones Thutmose IV (también llamado Menjeperura Thutmose o Turmosis IV) y Amenhotep III (también conocido como Nebmaatra Amenhotep o Amenofis III).


Descripción

Tiene una altura de 3 cm y un diámetro de 6,80 cm. Esta fabricado en arcilla, mediante las técnicas de modelado y cocido al horno.

Cono Funerario de Nebamun


Se trata de un pequeño cono funerario de cerámica utilizado como una ornamentación arquitectónica en el borde superior de la entrada de la tumba de Nebamun.

En el extremo circular plano se puede apreciar una inscripción en relieve escrita en escritura jeroglífica. 

La inscripción se encuentra divida en dos columnas, en una de ellas tiene escrito el nombre de Nebamun, mientras que la otra columna es una referencia al dios Ra (dios del sol y dios de la vida).

Para finalizar subrayar que aunque los investigadores no saben la funcionalidad exacta del cono funerario, piensan que podría haber sido utilizado durante rituales como una ofrenda simbólica para el más allá.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

viernes, 24 de julio de 2020

Incensario del Rey Sentado

El Incensario del Rey Sentado es un quemador de incienso datado aproximadamente en el siglo IV d.C. (período comprendido entre los años 301 d.C. y 400 d.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte maya.

Incensario del
Rey Sentado
Cabe resaltar que el año y lugar del hallazgo son desconocidos, sin embargo los investigadores piensan que pudo haber sido encontrado en el yacimiento arqueológico de Xutixtiox.

Situado en el departamento de Quiché, en la región noroccidental de la República de Guatemala.

Perteneció a la colección de arte de Charles y Valerie Diker, hasta que en el año 1.999 d.C., fue donado como regalo al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).



Descripción


Tiene una altura de 80 cm, una anchura de 31,1 cm y un grosor de 22,9 cm. Esta fabricado en cerámica policromada.

Se trata de un quemador de incienso o incensario compuesto en la parte superior por una tapa con una representación de un gobernante maya con un tocado grande y un conjunto de joyas y la parte inferior compuesta por una cámara principal. 

El gobernante se encuentra representado sentado sobre una cúpula hemisférica con las piernas cruzadas, sostiene sobre su pecho una especie de cascada que cae desde las manos a una placa redonda que puede representar un espejo.

Incensario del 
Rey Sentado

Se puede apreciar como los tobillos, los bíceps, las fosas nasales y los hombros se encuentran decorados por cuentas de jade en forma de apliques redondos y de un color verde azulado.

El tocado esta decorado con amplios ojos en espiral subrayados por motivos de cuentas situados sobre la frente. También se aprecia una correa ancha que bordea la cara y se une debajo de la barbilla.

Además una diadema con cuentas contiene dos capas de plumas a la izquierda y a la derecha, aparte las orejeras presenta un elaborado ensamblaje compuesto por bengalas redondas sostenidas por un poste cilíndrico perpendicular, adornadas con ornamentos trilobulados y espirales.

La cámara principal del incensario se encuentra decorada con una serie estilizada de motivos esculpidos y pintados. Destacan pieles de jaguar enredadas, un medallón de cuentas, un nudo de cuerda y lo que parece ser un diente de tiburón y colmillos caninos.

Para finalizar subrayar que el incienso fue un componente clave utilizado en los antiguos rituales mayas, así como en los rituales contemporáneos realizados por los descendientes mayas.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

jueves, 23 de julio de 2020

Fieschi Morgan Staurotheke

El Fieschi Morgan Staurotheke es un relicario datado aproximadamente en el siglo IX d.C. (período comprendido entre los años 801 d.C. y 900 d.C.), perteneciente al arte medieval, en concreto al arte bizantino.

Fieschi Morgan Staurotheke
Cabe resaltar que los investigadores piensan que pudo ser fabricado en la antigua ciudad de Constantinopla.

En la actualidad se corresponde con la ciudad de Estambul (Turquía).

También se piensa que en el año 1.204 d.C. el relicario pudo ser llevado a Italia por los cruzados.

Fue en Italia dónde el Papa Inocencio IV sacó la reliquia del relicario y la uso en un collar.

Desde el año 1.245 d.C. la reliquia se conserva en la basílica de "San Salvatore di Fieschi" en la ciudad de Lavagna (Italia), mientras que el relicario se convirtió en parte de las propiedades de la familia Fieschi.

Fieschi Morgan 
Staurotheke

Cabe destacar que desde el año 1.245 d.C. hasta la actualidad aun todavía la reliquia y el relicario no han vuelto a ser unidos.

En abril del año 1.887 d.C. el relicario fue subastado y comprado por el banquero y coleccionista de arte alemán Albert Moritz Philipp Freiherr Von Oppenheim.

Después en el año 1.906 d.C. fue vendido y comprado en Londres por el financiero, banquero y coleccionista de arte americano John Pierpont Morgan.

Quién en el año 1.913 d.C. donó el Fieschi Morgan Staurotheke como regalo al Museo Metropolitano de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte, dentro del departamento de arte bizantino.


Fieschi Morgan
Staurotheke

Descripción


Tiene una altura total de 2,7 cm, una anchura total de 10,3 cm y una longitud total de 7,1 cm.

La tapa presenta una longitud de 7,1 cm, una anchura de 9,8 cm y un grosor de 0,3 cm.

El recipiente tiene una altura de 2,2 cm, una anchura de 10,1 cm y una longitud de 7,1 cm.

Esta fabricado en plata dorada y oro, mediante las técnicas de esmalte alveolado (también conocido como cloisonné) y nielado.

Se trata de un pequeño relicario diseñado para contener una reliquia (una cruz), esta compuesto por una tapa y un caja rectangular usada como recipiente. 

Fieschi Morgan
Staurotheke

En el centro de la tapa de la caja se puede observar una representación de Cristo en la cruz, ataviado con el colobio o colobo (una especie de túnica larga hasta los pies, estrecha y sin mangas). 

Se puede apreciar como Cristo permanece en posición erguida y tiene los ojos abiertos.

En la parte superior, a cada lado de su cabeza se encuentran representados los símbolos del Sol y la Luna. 

Además en la parte inferior, en la derecha esta representado San Juan el Teólogo (llevándose las manos a la cabeza en un gesto de duelo) y en la izquierda se encuentra representada la Virgen, también hay flores situadas en la base de la cruz.

La parte posterior de la tapa ha sido decorada, mediante la técnica de nielado, con una representación de cuatro escenas relacionadas con la vida de Cristo.

Fieschi Morgan
Staurotheke
Las escenas representadas son: la Anunciación, la Natividad, la Crucifixión y la Anástasis (el descenso de Cristo a los infiernos o al Limbo de los Patriarcas con el fin de permitir su entrada en el cielo). 

Se puede observar como hay un total de veintisiete bustos de santos representados en la parte superior de la tapa y en los laterales de la caja. 

A lo largo de los laterales del cuerpo hay un total de trece santos con halos y un pestillo dorado.

Los santos representados son: San Anastasio de Persia, San Nicolás (también conocido como San Nicolás de Myra o San Nicolás de Bari), San Platon, San Teodoro de Amasea, San Prokopios, San Jorge, San Merkourios, San Eustrastios, San Pantaleón, San Andrés (también conocido como Andrés el Apóstol), San Juan (también conocido como Juan el Evangelista), San Pablo (también conocido como Pablo de Tarso) y San Pedro (también conocido como Simón Pedro).

En la parte superior de tapa, bordeando la escena de la Crucifixión, hay representados un total de catorce santos.

Fieschi Morgan
Staurotheke

Comenzando desde la parte superior derecha en sentido contrario a las agujas de reloj los santos representados son: San Demetrios, San Eustacio de Antioquía, San Lorenzo, San Lucas (también conocido como Lucas el Evangelista), San Marcos Evangelista, San Tomás (también conocido como Judas Tomás Dídimo), San Santiago de Zebedeo (también conocido como Jacobo de Zebedeo), San Damiano, San Kosmas, San Gregorio Magno (también conocido como Gregorio I o San Gregorio), San Bartolomé (también conocido como Natanael), San Mateo, San Judas Tadeo y San Simón el Cananeo.

La base posterior de la caja es de oro estampado, esta decorada con un patrón de puntos en forma de cruz latina, la cruz tiene los extremos circulares o en forma de disco.

El interior de la caja tiene un contenedor en forma de cruz que originalmente contenía la reliquia, además hay otros pequeños compartimentos o espacios restantes posiblemente destinados a contener otras reliquias asociadas con Tierra Santa.

Fieschi Morgan Staurotheke
En cuanto a la composición recalcar que los patrones situados tanto en la caja, tapa y base guardan semejanza con la portada de un libro.

Esto es una referencia a los Evangelios que contienen la historia de la Crucifixión de Cristo.

Para finalizar subrayar que el Fieschi Morgan Staurotheke está considerado un testimonio del sacrifico de Cristo y la promesa de salvación a través de su muerte.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

miércoles, 22 de julio de 2020

Geumgang Jeondo

Geumgang Jeondo es una pintura datada en el año 1.734 d.C., perteneciente al arte coreano

Geumgang Jeondo
Fue pintado por el pintor coreano Jeong Seon, durante el reinado del rey Yeongjo de Joseon (el 21 rey de la dinastía coreana de Joseon).

Cabe resaltar que pertenece a la colección de arte del magnate de negocios coreano Lee Kun-hee.


Descripción 


Tiene una altura de 130,7 cm y una anchura de 94,1 cm. Esta pintado en tinta china sobre papel.

Se trata de una pintura paisajista que representa una vista general de la montaña Geumgang o Kumgangsan (también conocida como "la montaña diamante").

La pintura representa un total de doce mil picos, el pico más alto, conocido como Birobong, se encuentra representado nevado y situado en el fondo, aparte se aprecia como el agua fluye de él hacia un valle llamado Manpok-dong que se divide de izquierda a derecha y cruza de arriba a abajo toda la composición.

Se puede apreciar como en la parte superior derecha esta escrito el título de la pintura y la firma del autor (utilizando un seudónimo Gyeomjae). Además también se puede observar como en la parte superior izquierda se encuentra escrito un comentario del autor:

" Incluso si visitas la montaña tú mismo y pisas cada rincón,
¿cómo se puede comparar tu alegría con lo que sientes al ver esta imagen desde tu cama? "

Con respecto a la composición destacan la representación de los picos de las montañas mediante líneas pintadas hacia arriba y hacia bajo, mientras que para representar los picos de tierra fueron utilizados puntos dando como resultado una representación más suave y exuberante.

Por lo tanto la composición armoniza los bordes afilados de los picos rocosos que contrastan con los picos de tierra más suaves.

Para finalizar subrayar que el 6 de agosto del año 1.984 d.C. el Geumgang Jeondo fue designado como Tesoro Nacional número 217 de Corea del Sur.

Actualmente se encuentra en el Museo de Arte Ho-Am, en la ciudad de Yongin (Corea del Sur).

martes, 21 de julio de 2020

Copa de Oro Rillaton

La Copa de Oro Rillaton es una copa datada aproximadamente en el año 1.700 a.C., perteneciente al arte prehistórico.

Copa de Oro Rillaton
En concreto fue fabricada durante el período de la Edad de Bronce (período de la prehistoria en la que se desarrolló la metalurgia del bronce como resultado de la aleación de estaño con cobre).

Fue hallada en el año 1.837 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas en el terreno conocido como "Rillaton Barrow", en el flanco oriental de "Bodmin Moor".

Cabe resaltar que la copa se encontraba dentro de un recipiente de cerámica lo que explica el buen estado de conservación.

Además el lugar del hallazgo pertenece al Ducado de Cornualles, por lo que la copa fue presentada ante el rey Guillermo IV del Reino Unido como Tesoro Real poco antes de morir.

Después de su muerte el 20 de junio del año 1.837 d.C. su sucesora la reina Victoria del Reino Unido y su esposo el príncipe Alberto de Sajonia-Coburgo-Gotha exhibieron la copa en su museo privado.

Con el fallecimiento de la reina Victoria la copa fue trasladada a "Marlborough House" y después al Palacio de Buckingham, dónde fue colocada en un gabinete de artículos de oro situado en la Sala de Audiencias del rey Jorge V del Reino Unido.

Hasta que después de la muerte del rey Jorge V la Copa de Oro Rillaton fue transferida al Museo Británico, en calidad de préstamo a largo plazo, por lo tanto aunque perteneciente a la colección de arte real se encuentra expuesta en el Museo Británico de Londres (Gran bretaña).

Copa de Oro Rillaton



Descripción


Tiene una altura de 90 mm. Esta fabricada en oro, mediante las técnicas de fundición e incisión.

Se trata de una copa de oro fabricada a partir de una lámina de oro y decorada con corrugaciones concéntricas horizontales. 

Se puede apreciar como, en el cuerpo, desde el centro hacia abajo las corrugaciones son convexas y desde el centro hacia arriba son en forma cóncava, terminando en la parte inferior alrededor de una protuberancia central y aplanándose en la parte superior para crear una llanta. 

El mango ha sido elaborado en una pieza de oro plana y separada unida al cuerpo por medio de seis remaches y arandelas en forma de rombo. Por la parte exterior se encuentra decorado con cinco ranuras que se extienden de forma vertical a lo largo del mango.

Para finalizar subrayar que la Copa de Oro Rillaton es una de las seis copas de oro que además de presentar las mismas características estilísticas, fueron fabricadas durante la Edad de Bronce y han sido halladas en Europa. En la actualidad las seis copas están repartidas entre: Alemania, Gran Bretaña y Suiza.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

lunes, 20 de julio de 2020

Borugak Jagyeongnu

El Borugak Jagyeongnu, también conocido como Reloj de Agua del Pabellón Borugak, es un reloj de agua datado aproximadamente en el año 1.434 d.C., perteneciente al arte coreano.

Borugak Jagyeongnu
Fue elaborado por el inventor y astrónomo coreano Jan Yeong-sil. Cabe destacar que tardo en fabricarlo un período de 10 años.

Se construyó durante el reinado del rey Sejong el Grande (también conocido como Seyong el Grande), el cuarto monarca de la dinastía Joseon de Corea.

Además en el año 1.536 d.C. durante el reinado del rey Jungjong fue reconstruido y mejorado por el artesano coreano Park Yu Jeon.


Descripción


Se trata de un reloj de agua que indica las horas que hay en un día, para ello tiene un dispositivo que hace rodar una bola de acero y emite un sonido cuando se recolecta una cierta cantidad de agua.

El recipiente situado en la parte superior se conoce como Pasuho (es el recipiente dónde fluye el agua) tiene una altura de 70 cm y un diámetro de 93,5 cm, mientras que el recipiente situado debajo es conocido como Susuho (el recipiente que recibe el agua) tiene una altura de 40,5 cm y un diámetro de 46 cm.

Justo en el medio hay una estructura rectangular de una longitud de 3,5 m, una anchura de 18 cm y una profundidad de 12 cm,  que permite fluir el agua entre los recipientes.

Los recipientes descansan sobre un pedestal de piedra. También el reloj está compuesto por 12 figuras de maderas que servían como indicadores del tiempo, dos contenedores, dos tubos cilíndricos con ornamentación exterior en relieve, una campana, flechas y pequeñas bolas de hierro.

Por lo tanto el funcionamiento del reloj es el siguiente: los recipientes Pashuo y Susuho contenían agua en su interior, dentro del interior de Susuho también había un total de 12 flechas flotando.

A medida que el agua del recipiente superior (Pashuo) se filtraba hacia el recipiente inferior (Susuho) una de las flechas inclinaría un tablero lleno de pequeñas bolas de hierro.

Borugak Jagyeongnu 
(reconstrucción)

Una de las bolas rodaría por un tubo cilíndrico hacia un contenedor de bolas más grandes y éstas bajarían por un tubo inferior y golpearía una campana que anuncia la hora del día.

Después la bola aterrizaría en otro contenedor, que forma parte de un complejo sistema de palancas y poleas que moverían las figuras de madera para indicar el tiempo visualmente.

Cabe destacar que en la actualidad el Borugak Jagyeongnu se encuentra incompleto, faltan algunos de los recipientes y piezas, por lo que no funciona. 

Sin embargo tiene un alto valor desde un punto de vista científico y cultural puesto que es uno de los pocos ejemplos de relojes antiguos y automáticos de agua que ha llegado hasta la actualidad.

Para finalizar subrayar que el Borugak Jagyeongnu fue englobado, el 9 de septiembre del año 1.985 d.C., con el número 229 dentro de la lista de Tesoros Nacional de Corea del Sur (un reconocimiento por su valor artístico, cultural e histórico de los tesoros tangibles, artefactos, sitios y edificios de Corea del Sur).

Actualmente se encuentra en el Museo del palacio nacional de Corea del Sur, situado en el Palacio de Gyeongbokgung en la ciudad de Seúl (Corea del Sur).

domingo, 19 de julio de 2020

Máscara de Serpiente de Tláloc

La Máscara de Serpiente de Tláloc es una máscara datada aproximadamente entre los años 1.400 d.C. y 1.521 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte azteca o arte mexica.

Máscara de Serpiente de Tláloc
Cabe resaltar que el año del hallazgo es desconocido, lo único que se conoce es que fue descubierta en la zona norte de México.

Se sabe que perteneció a la colección de arte del industrial, diplomático y mecenas de las artes ruso, el conde Anatole Nikolaievich Demidov (primer príncipe de San Donato).

Después perteneció a la colección de arte Medici, hasta que en el año 1.870 d.C. la máscara fue adquirida por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción


Tiene una altura de 18,20 cm, una anchura de 16,50 cm y una profundidad de 12,50 cm. 

Esta fabricada en madera de cedro, turquesa, caracola, hematita, cera de abejas y resina de pino, mediante las técnicas de incrustación y modelado a mano.

Máscara de Serpiente de Tláloc
Se trata de una máscara que representa al dios Tláloc (dios del relámpago) en forma de dos serpientes entrelazadas y enrolladas diferenciadas entre sí debido al contraste de colores del mosaico turquesa. 

La máscara ha sido fabricada en madera de cedro con adhesivo de resina de pino, dónde se han ido adhiriendo los mosaicos turquesa.

Los dientes han sido elaborados mediante conchas de caracolas y el adhesivo de resina en la boca es de color rojo con hematita.

Cabe destacar que originalmente los cascabeles de las colas de las serpientes eran dorados. Además las serpientes se encuentran modeladas a partir de una mezcla de cera de abejas y resina de pino, la misma mezcla de resina que recubre la superficie interior de la máscara.

Para finalizar subrayar que el efecto de los ojos saltones creado por las serpientes entrelazadas es típico de las representaciones del dios Tláloc. 

Aunque algunos investigadores también han asociado la máscara con la serpiente emplumada Quetzalcoatl, debido a las plumas que cuelgan de las colas de las dos serpientes.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

sábado, 18 de julio de 2020

Virgen en la Fuente

La Virgen en la Fuente, también conocida como Madonna en la Fuente, es una pintura datada en el año 1.439 d.C., perteneciente al arte medieval, en concreto al arte gótico.

Virgen en la Fuente
Fue pintada por el pintor flamenco Jan Van Eyck (también conocido como Johannes de Eyck).


Descripción


Tiene una altura de 19 cm y una anchura de 12 cm. Esta fabricada en pintura al óleo sobre tabla.

Se trata de una pintura pequeña, un poco mayor a una postal, que representa el tema pictórico de arte cristiano original conocido como "hortus conclusus".

La Virgen María se encuentra representada en el centro de la composición, esta ataviada con un manto azul ultramar (color también llamado azul ultramarino), el cabello se encuentra recogido por medio de una diadema o corona.

Además se aprecia como la cabeza se encuentra ligeramente ladeada hacia la derecha, los ojos se encuentran entrecerrados mirando al Niño Jesús que sostiene con sus brazos.

El Niño Jesús está ataviado con una túnica blanca anudada a la cintura y la mitad del cuerpo desnudo. Con la mano izquierda sostiene un pequeño relicario de cuentas (algunos investigadores lo identifican con un rosario), mientras que la mano derecha se encuentra apoyada sobre el cuello de su madre.

La figura de la Virgen se encuentra enmarcada por un dosel rojo con decoraciones bordadas en dorado, sostenido por la parte superior por dos ángeles con las alas extendidas. 

Toda la escena se encuentra sobre un fondo con un jardín, se puede observar como hay un rosal visible tanto a la derecha como a la izquierda del dosel, también destaca una fuente gótica decorativa situada en la parte inferior derecha.

Aun se conserva el marco original de madera pintada (que simula al mármol), aparte en el marco contiene inscrito la siguiente inscripción: 

"ALS IXH CAN", "JOHES DE EYCK ME FECIT (COM)PLEVIT ANNO 1439"

En cuanto a la composición destacar la influencia del arte bizantino en la representación de la Virgen, esto se aprecia en el color del manto y en que la Virgen se encuentra representada de pie.

Para finalizar subrayar que la Virgen de la Fuente es una de las últimas pinturas que pintó Jan Van Eyck, además de ser la última pintura firmada y datada que ha llegado hasta la actualidad. 

Actualmente se encuentra en el Museo Real de Bellas Artes de Amberes (Koninklijk Museum voor Schone Kunsten Antwerpen), Bélgica.

viernes, 17 de julio de 2020

Copa de Dioniso

La Copa de Dioniso, también conocida como Kílix de Dioniso, es un kílix datado aproximadamente entre los años 540 a.C. y 530 a.C., perteneciente al arte griego.

Copa de Dioniso
Fue hallado durante las excavaciones arqueológicas realizadas por Luciano Bonaparte (I Príncipe de Canino y Musignano).

En la antigua ciudad etrusca de Vulci, situada al norte de la ciudad de Roma, en Italia central.

Cabe resaltar que en la actualidad esta localización se corresponde con el territorio de Montalto di Castro, en la provincia de Viterbo, en la región de la Maremma (Italia).

En el año 1.841 d.C. la Copa de Dionisio fue comprada por Luis I de Baviera (rey de Baviera desde el año 1.825 d.C. y 1.848 d.C.), pasando a formar parte de su colección de arte.


Descripción 


Tiene una altura de 13,6 cm y un diámetro de 30,5 cm. 

Se trata de un kílix con un cuerpo poco profundo y ancho con dos asas opuestas y un pie vertical de poca altura. Era utilizado en la antigua Grecia como recipiente para beber vino.

Copa de Dioniso

En el interior se puede observar como el tondo (composición pictórica realizada en forma de disco) ocupa casi todo el espacio, en el centro hay representado un barco de vela navegando de derecha a izquierda.

En la parte derecha se aprecia como la proa del barco está compuesta por una cabeza de un animal, mientras que el timón se encuentra situado en la parte trasera.

La vela esta pintada de blanco y dentro del barco se encuentra el dios Dioniso (dios del vino y la fertilidad) representado en un tamaño superior al natural.

El dios esta representado barbudo con el pelo largo, una corona de hiedra en la cabeza, en la mano sostiene una cornucopia (cuerno de la abundancia) y se encuentra ataviado con una túnica decorada con un patrón fino.

Del mástil del barco crecen vides que se bifurcan en la parte superior con cuatro racimos de uvas situados a la derecha y tres racimos de uvas situados a la izquierda.

Además hay representados delfines nadando alrededor del barco, dos de los delfines están representados a la derecha y tres delfines a la izquierda, también hay dos delfines más situados cada uno en cada costado del barco.

Copa de Dioniso
En el exterior alrededor de cada una de las asas hay representados un total de seis guerreros en posición de pie y parados sobre un cadáver. 

Aparte también en el espacio entre las asas hay una ornamentación compuesta por una cara estilizada con ojos grandes y una nariz pequeña.

Para finalizar subrayar que la Copa de Dioniso se encuentra englobada dentro del grupo de cerámica ática de figuras negras. Aparte destacar que fue fabricada por el pintor y ceramista griego Exequias.

Esto es conocido gracias a que en el pie de la copa hay una inscripción escrita en griego que es la firma del autor.

La inscripción y su traducción es la siguiente:

"EΞΣΕΚΙΑΣ ΕΠΟΕΣΕ " = " Exequias me hizo"

Actualmente se encuentra en el Museo Staatliche Antikensammlungen, en Kunstareal de Múnich (Alemania).

jueves, 16 de julio de 2020

La Coronación de Espinas

La Coronación de Espinas, también conocida como Los Improperios, es una pintura datada aproximadamente entre los año 1.485 d.C. y 1.510 d.C., perteneciente al arte medieval, en concreto al arte gótico.

La Coronación de Espinas
Ha sido pintada por el pintor flamenco Jheronimus Van Aken (también conocido como El Bosco, Jheronimus Bosch o Hieronymus Bosch).

Se conoce que perteneció a la colección de arte Colworth, propiedad del comerciante y conocedor de arte medieval inglés Hollingworth Magniac.

En el año 1.892 d.C. el cuadro fue vendido por Charles Magniac a Robert Thompson Crawshay.

Años más tarde el cuadro fue comprado por un comerciante de arte y fue expuesto en la Galería San Giorno en Roma (Italia).

Hasta que en el año 1.934 d.C. fue adquirido por la Galería Nacional de Londres (Gran Bretaña) pasando a formar parte de colección de arte. 


Descripción


Tiene una altura de 73 cm y una anchura de 59 cm. Esta fabricada en pintura al óleo sobre tabla de roble.

Se trata de una pintura que representa dos relatos bíblicos de la Pasión de Jesús: la burla de Jesús y la coronación de espinas.

En el centro de la composición esta representado Jesús ataviado con una túnica blanca, con una expresión serena en el rostro y los ojos al frente, mirando al espectador.

La Coronación de Espinas

Alrededor de Jesús hay representados cuatro personajes, dos en la parte superior y situados delante, en la parte inferior.

Situado en la parte superior izquierda hay un soldado con un sombrero y un collar de púas, está agarrando con su mano derecha el hombro de Jesús, mientras que en la parte superior derecha hay otro soldado vestido de verde, que lleva una flecha de ballesta de caza atravesando su tocado. 

En sus manos sostiene la corona de espinas y está a punto de empujarla sobre la cabeza de Jesús. Se puede apreciar como la posición de la corona de espinas crea un halo sobre la cabeza de Jesús.

En la parte inferior delante de Jesús, a la derecha hay un hombre ataviado con una túnica azul y roja, la cabeza se encuentra cubierta por una túnica roja con dos símbolos (la media luna símbolo del islam y la estrella amarilla símbolo del judaísmo), mientras que a la izquierda hay representado un hombre con una túnica roja clara que está agarrando la túnica de Jesús para despojarla de él.

En cuanto a la composición resaltar que todos los personajes se encuentran apilados en un pequeño espacio, en un único plano.

También se observa como los cuatro torturadores de Jesús muestran diferentes aspectos, por un lado los soldados tienen una actitud flemática y melancólica, mientras que los dos personajes situados delante están representados más coléricos, con expresiones de odios y crueldad.

Para finalizar subrayar que en la actualidad la pintura aunque se encuentra en buen estado de conservación, ha sufrido varias restauraciones y repintados.

Algunos de los tonos se han perdido y aparte se ha podido determinar que el bosquejo preliminar de la escena era más brutal y la crueldad se ha extenuado en la versión final, haciendo que las expresiones de los hombres fueran más enigmáticas.

Actualmente se encuentra en la Galería Nacional de Londres (Gran Bretaña). Además cabe destacar que se encuentra expuesto con el nombre de "Christ Mocked (The Crowning with Thorns)".

miércoles, 15 de julio de 2020

Estela de Nora

La Estela de Nora, también conocida como Inscripción de Nora, es una estela datada aproximadamente entre los siglos IX a.C. y VIII a.C. (período comprendido entre los años 900 a.C. y 701 a.C.), perteneciente al arte fenicio.

Estela de Nora
Fue hallada en el año 1.773 d.C. incrustada en un muro de piedra de un viñedo cercado de la iglesia de Sant Efisio, localizada en el centro urbano de del municipio de Pula.

Situado a 30 km al sur de la ciudad de Cagliari, en la región de Cerdeña (Italia).

Aunque cabe resaltar que la ubicación original de la Estela de Nora es desconocida y no se encuentra documentada.


Descripción


Tiene una altura de 105 cm y una anchura de 57 cm. Esta fabricada en piedra arenisca, mediante las técnicas de tallado e incisión.

Se trata de una estela, es decir, un bloque de piedra rectangular fragmentado que presenta una inscripción escrita en idioma fenicio. La inscripción es conocida como "KAI 46".

Cabe resaltar que para los investigadores intentar descifrar y traducir la inscripción ha sido un desafío, cada intento por traducirla ha tenido como resultado una versión diferente.

El texto se encuentra escrito de derecha a izquierda y sin ningún tipo de guión. Además los lugares o los nombres de Dioses son particularmente controvertidos.

Estela de Nora

Aparte de que la estela se encuentra fragmentada por lo que la inscripción formaría parte de una inscripción mayor.

Una de las interpretaciones más aceptada por su referente histórico es la siguiente:

La inscripción es una conmemoración de la victoria de Milkaton (hijo de Sabna), general durante el reinado del rey Pumayyaton (también conocido como Pigmalión, una figura legendaria de Chipre).

También hace referencia a que después de la batalla de Tarsis, en Cerdeña, vive en paz con los sardos. Por lo tanto la inscripción supone una confirmación de los intereses fenicios en la región de Cerdeña.

Cabe enfatizar que con respecto al fragmento, se observó que los signos también tendrían sentido si se suponía que la escritura se deletreaba con un surco o si el fragmento se encontraba al revés.

Con lo que en la actualidad aún la traducción exacta es desconocida, incluso algunos investigadores piensan que la Estela de Nora está completamente más allá de la interpretación.

Para finalizar subrayar que la Estela de Nora está considerada la estela con la inscripción fenicia más antigua hallada en Cerdeña.

Actualmente se encuentra en el Museo Arqueológico Nacional de Cagliari, en Cerdeña (Italia).

martes, 14 de julio de 2020

Copa de Oro Ringlemere

La Copa de Oro Ringlemere es una copa datada aproximadamente entre los años 1.950 a.C. y 1.750 a.C., perteneciente al arte prehistórico.

Copa de Oro Ringlemere
En concreto fue elaborada durante la Edad de Bronce (período de la prehistoria en el que se desarrolló la metalurgia del bronce, siendo el resultado de la aleación de cobre con estaño).

Fue hallada el 4 de noviembre del año 2001 d.C. mientras Cliff Bradshaw utilizaba un detector de metales en el terreno de Ringlemere Barrow.

Un sitio arqueológico cercano a la ciudad de Sandwich, localizada en el condado ceremonial de Kent, al sureste de Gran Bretaña.

Cabe destacar que el hallazgo fue informado a la oficina forense local y a través del Plan de Antigüedades Portátiles y la Ley del Tesoro del año 1.996 d.C., la Copa de Oro Ringlemere fue registrada y declarada tesoro en el año 2.002 d.C..

En el año 2.003 d.C. la copa fue comprada por un precio de 270.000 libras por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña) pasando a formar parte de su colección de arte.

Copa de Oro Ringlemere

Cabe resaltar que el dinero de la venta fue dividido entre el descubridor Cliff Bradshaw y la familia Smith (propietaria del terreno de Ringlemere).

Mientras que el dinero recaudado para comprar la copa fue obtenido a través de diversas donaciones realizadas por las siguientes instituciones: Heritage Lottery Fund, National Art Collections Fund y The British Museum Friends.


Descripción


Tiene una altura de 112 mm, un espesor de 0,40 mm (pared arrugada), en el borde un espesor de 1 mm, una anchura de 105 mm y un peso de 183,70 gr. 

Copa de Oro Ringlemere
Esta fabricada en oro, mediante la técnica de fundición, incisión y estampado en relieve.

Se trata de una copa de oro que presenta el cuerpo golpeado y ha sido fabricada en una única pieza de metal.

El cuerpo tiene forma sub-cónica, se observa como se va estrechando según se acerca a la base.

El borde es resplandeciente y el asa ha sido fabricada individualmente para después ser unida al borde y al cuerpo mediante placas de remache.

Copa de Oro Ringlemere

Las placas de remache tienen forma de rombo y el mango presenta bordes decorativos paralelos a sus lados con forma de reloj de arena.

La mayor parte de la ornamentación del cuerpo esta formada por líneas continuas onduladas situadas en horizontal.

En la parte superior e inferior se encuentran zonas planas sin ningún tipo de decoración, pero justo antes del borde hay una única fila de puntillas perforadas.

Para finalizar subrayar que la Copa de Oro Ringlemere es una de las seis copas de oro con las mismas características fabricadas en el período de la Edad de Bronce que han sido halladas en Europa. En la actualidad se encuentran distribuidas en: Gran Bretaña, Suiza y Alemania.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

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La Losa de Nectanebo I es una losa datada aproximadamente entre los años 378 a.C. y 370 a.C., perteneciente al arte egipcio . Losa de Necta...