Amuleto Meteorológico (Hos)

El Amuleto Meteorológico (Hos) es un amuleto datado aproximadamente entre los siglos XIX d.C. y XX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 2.000 d.C.), perteneciente al arte oceánico.

Amuleto Meteorológico (Hos)

Amuleto Meteorológico (Hos)

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte del coleccionista y comerciante de arte oceánico Wayne Heathcote.

Después pasó a formar parte de la colección de arte de Maureen y Harold Zarember, ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.984 d.C. fue comprado por Ingrid Wright, pasando a formar parte de su colección de arte localizada en la ciudad de Stamford, situada en el condado de Fairfield, en el estado de Connecticut (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 2.003 d.C. el Amuleto Meteorológico (Hos) fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene una altura de 34,3 cm, una anchura de 4,1 cm y una profundidad de 2,9 cm. Está fabricado en espinas de raya, cal, fibra y madera.

Se trata de un amuleto (hos) consistente en una imagen humana estilizada cuyas "piernas" están formadas por las espinas de las rayas, que son como dagas y que son la fuente de su poder sobrenatural.

Con sus sutiles rasgos faciales y su torso angular estilizado encarna el enfoque sobrio y minimalista de la figura humana típico de la escultura de Micronesia.

Con respecto a la composición destacar que aunque el Amuleto Meteorológico (Hos) es relativamente pequeño en escala, aparte de su forma compacta y sobria emana un poder estético que refleja su potencial sobrenatural.

Para finalizar subrayar que las Islas Carolinas, en Micronesia, son el hogar de algunos de los navegantes de larga distancia más destacados del Océano Pacífico.

Siendo uno de los mayores peligros a los que se enfrentan los navegantes carolinianos las tormentas, que pueden destruir una canoa, ahogar a la tripulación o dejarla a la deriva lejos de la tierra.

Para evitar éstos desastres naturales los navegantes de canoas emplean la magia meteorológica, que se cree que tiene la capacidad de prevenir o alterar la trayectoria de las tormentas que se aproximan.

Por lo tanto cabe resaltar que un elemento indispensable de la magia meteorológica es el hos, como lo es el Amuleto Meteorológico (Hos).

Antes de comenzar un viaje, el navegante agarra el hos y, haciendo sonar una trompeta de cocha para invocar a los espíritus, recita un cántico para ahuyentar las tormentas que se aproximan.

El amuleto se lleva luego a bordo, dónde, en el pasado, solía guardarse en una "pequeña casa de espíritus" situada encima de los botavaras que conectaban el casco con el estabilizador.

Si amenaza el mal tiempo, el navegante toma el amuleto y lo sostiene contra el viento, recitando conjuros. Una vez que pasa la tormenta, el hos se devuelve a la "casa espiritual".

De vuelta en tierra, los potentes amuletos se guardan en la casa dónde se guardaba la canoa y no se pueden almacenar en viviendas comunes.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Entre la Tierra y el Cielo

Entre la Tierra y el Cielo, también conocida como Between Earth and Heaven, es una obra datada en el año 2.006 d.C., perteneciente al arte africano.

Entre la Tierra y el Cielo

Entre la Tierra y el Cielo

Fue elaborada por el escultor ghanés El Anatsui, en su taller ubicado en la ciudad de Nsukka, situada en el estado de Enugu, en Nigeria.

Se conoce que después de su creación formó parte de "David Krut Fine Art, Inc.", ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Una institución de arte alternativo dedicada a fomentar la concienciación y las carreras en las artes, la literatura y los medios relacionados.

Entre la Tierra y el Cielo

Además de promover la cultura contemporánea en un entorno dinámico y colaborativo.

Hasta que en el año 2.007 d.C. Entre la Tierra y el Cielo fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 220,3 cm, una anchura de 325,1 cm y un grosor de 20,3 cm. 

Se trata de una obra fabricada en aluminio y alambre de cobre, que hace referencia a las celebradas tradiciones de África Occidental de textiles de tiras, en particular el Kente (tejido tradicional de Ghana fabricado mediante tiras de seda, algodón o rayón, que se tejen a mano en telar horizontal) desarrollado por los tejedores Akan y Ewe en Ghana, la tierra natal del artista El Anatsui.

Cabe resaltar que esos textiles tradicionales son a la vez monumentales en escala y sumamente esculturales en la forma en que cubren el cuerpo, son utilizado como vestimenta por los líderes y es un símbolo de identidad, orgullo y unidad para numerosas personas de herencia africana.

Sobretodo llama la atención la ondulación presente en la obra, que evoca esa cualidad táctil, aparte su resplandeciente combinación de colores de: oro, rojo y negro traduce y transmite la estética de la seda finamente tejida al medio del metal común.

Con respecto a la composición resaltar que ésta obra, de un maestro africano de renombre internacional, es una creación sumamente original que constituye una respuesta a una forma clásica y canónica de expresión.

Es más está considerada un poderoso ejemplo de la vitalidad de la expresión contemporánea en África y de la continuidad que existe con las formas tradicionales que son el foco de la colección del Museo Metropolitano de Arte.

Para finalizar subrayar que los derechos y reproducción pertenecen a: © El Anatsui. Courtesy of the artist and Jack Shainman Gallery, New York (© El Anatsui. Cortesía del artista y de la galería Jack Shainman, Nueva York).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Figura Femenina de Valdivia

La Figura Femenina de Valdivia es una escultura datada aproximadamente en el III milenio a.C. (período comprendido entre los años 3.000 a.C. y 2.001 a.C.), perteneciente al arte prehistórico.

Figura Femenina de Valdivia

En concreto se encuentra englobada dentro de la cultura Valdivia (cultura que ocupó las tierras bajas de la costa de Ecuador durante el período Formativo Temprano).

Lo primero que se conoce es que la escultura formaba parte de la colección de arte del escultor, pintor, impresor y escritor lituano-estadounidense William Zorach y de su esposa la pintora fauvista estadounidense, artista textil y diseñadora gráfica Marguerite Zorach.

Por herencia pasó a formar parte de la colección de arte de Timothy, Peter y Jonathan Zorach.

Hasta que en el año 1.980 d.C. la Figura Femenina de Valdivia fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección.

Descripción

Tiene una altura de 9,2 cm, una anchura de 2,5 cm y un diámetro de 2,5 cm.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exento de cerámica, que representa la figura de una mujer en posición de pie, con el cuerpo engobado en rojo, senos redondeados y rayas a lo largo de su abdomen inferior.

También destaca como tiene las manos entrelazadas debajo del pecho y las piernas abiertas. Además el rostro de la figura está casi completamente oculto por un elaborado peinado que cae en cascada por su espalda.

Para finalizar subrayar que éste tipo de esculturas se han encontrado tanto en contextos domésticos como en contextos ceremoniales, incluso algunos estudiosos han sugerido que estás esculturas, como la Figura Femenina de Valdivia, representan figuras de fertilidad, aunque cabe resaltar que ésta interpretación en la actualidad sigue siendo tenue.

Aparte resaltar que se conoce que en el tercer milenio a.C. (período comprendido entre los años 3.000 a.C. y 2.001 a.C.) los habitantes de la costa suroeste de Ecuador, pertenecientes a la cultura Valdivia, desarrollaron la tradición de figurillas de cerámica más antigua conocida en América.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Cuenco con Diseño de Disco Solar

El Cuenco con Diseño de Disco Solar es un cuenco datado aproximadamente entre los siglos XIV d.C. y XV d.C. (período comprendido entre los años 1.301 d.C. y 1.500 d.C.), perteneciente al arte tailandés.

Cuenco con Diseño de Disco Solar

Cuenco con Diseño de Disco Solar

Por sus características se puede afirmar que el cuenco fue elaborado en los hornos de la ciudad de Sukhothai.

Localizada en la provincia de Sukhothai, ubicada a 427 km al norte de la ciudad de Bangkok, en Tailandia.

También cabe destacar que es conocido que estaba en posesión de la tienda de antigüedades "Hong Antiques", ubicada en la ciudad de Bangkok, en Tailandia.

En el año 2.002 d.C. el cuenco fue comprado por los coleccionistas de arte Samuel Lurie y Gabrielle Lurie, pasando a formar parte de su colección de arte ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 2.019 d.C. el Cuenco con Diseño Solar fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde paso a formar parte de su colección de arte.

Cuenco con Diseño de Disco Solar

Descripción

Tiene una altura de 8,3 cm y un diámetro de 22,5 cm.

Se trata de un pequeño cuenco de cerámica con decoración bajo cubierta de color marrón hierro, que presenta un pequeño pie como base.

El interior del centro del cuenco se encuentra ornamentado con un símbolo de disco solar en llamas, a menudo asociado con el símbolo del dharma chakra, que es representado como una rueda de ocho o más radios y que se encuentra asociado con las enseñanzas de Buda.

Aparte se puede apreciar como tanto el exterior del cuerpo como la parte interior presentan la misma banda horizontal ornamentada con patrones geométricos y vegetales.

Para finalizar subrayar que el símbolo del disco solar, como el representado en el Cuenco con Diseño de Disco Solar, es un diseño clásico utilizado en la industria de cerámica vidriada más antigua de Tailandia.

Se conoce que ésta industria surgió a lo largo del siglo XIV d.C. (período comprendido entre los años 1.301 d.C. y 1.400 d.C.), como lo atestigua el Turiang, uno de los varios naufragios descubiertos entre los siglos XIV d.C. y XVI d.C. (período comprendido entre los años 1.301 d.C. y 1.600 d.C.) en el mar de China Meridional por el autor y arqueólogo Sten Sjostrand.

Todos los naufragios transportaban cerámica y ofrecen nuevas perspectivas sobre el período de comercio marítimo en el sudeste asiático y, en particular, sobre la historia de la cerámica tailandesa.

Además cabe resaltar que el Turiang era un barco chino con un cargamento multinacional de cerámica tailandesa, vietnamita y china, aparentemente con destino a la isla de Borneo o la isla Célebes (también conocida como Sulawasi).

Es más destacar que éste naufragio es uno de los primeros descubiertos hasta la fecha con cerámica de exportación tailandesa y sobretodo enfatizar que el hallazgo da pie a una reevaluación de la importancia relativa de los dos principales centros de producción de Sukhotahi y Si-Satchanalai (Tailandia).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Cuenco de Zayn al-Din

El Cuenco de Zayn al-Din es un recipiente datado aproximadamente en el siglo XV d.C. (período comprendido entre los años 1.401 d.C. y 1.500 d.C.), perteneciente al arte islámico, en concreto al arte mameluco.

Cuenco de Zayn al-Din

Lo primero que se conoce es que fue fabricado por el orfebre Zayn al-Din, posiblemente en algún taller ubicado en Siria.

También es conocido que perteneció a la colección del arquitecto y coleccionista de arte británico Mayor Rohde Hawkins.

Después fue adquirido por el marchante de arte británico George R. Harding.

Hasta que en el año 1.891 d.C. el Cuenco de Zayn al-Din fue comprado por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte, dentro del departamento de Oriente Medio.

Cuenco de Zayn al-Din

Cuenco de Zayn al-Din

Descripción

En el borde tiene un diámetro de 15,30 cm. 

Está fabricado en latón y plata, mediante las técnicas de martillado, grabado e incrustación.

Se trata de un cuenco con forma semiesférica y una tapa plana que han sido fabricados en latón y presentan decoración compuesta por grabados e incrustaciones en plata.

Resalta como tanto la superficie exterior del cuenco como la superficie exterior de la tapa están totalmente grabados por toda su superficie con medallones y motivos arabescos sobre fondo de pequeños arabescos.

Cabe resaltar que los motivos arabescos están compuestos por adornos de figuras geométricas vegetales y patrones que imitan formas de: cintas, flores, frutos y hojas.

También se puede observar como en el reverso se encuentra la firma del artesano en escritura naskh (escritura árabe, un tipo de caligrafía islámica legible y redonda que se caracteriza en la línea horizontal y las proporciones entre las letras).

La inscripción es la siguiente:

"عمل المعلم زين الدين يوجي المغفرة من مولاه"

Siendo la transliteración de la inscripción es la siguiente:

"El trabajo del trabajador Zayn Al-Din, cuya obra inspira el perdón de su Señor"

Para finalizar con respecto a la composición resaltar que el Cuenco de Zayn al-Din se encuentra englobado dentro del estilo véneto-sarraceno.

Un término que hace referencia a un estilo de metalistería islámica procedente principalmente de Egipto y Siria, producida para la exportación entre los siglos XIV d.C. y XVI d.C. (período comprendido entre los años 1.301 d.C. y 1.600 d.C.) y que se encuentra en la actualidad formando parte de colecciones europeas.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Escudo con Figuras de Cangrejos y Peces

El Escudo con Figuras de Cangrejos y Peces es un escudo datado aproximadamente entre los años 200 d.C. y 900 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte moche.

Escudo con Figuras de Cangrejos y Peces

Escudo con Figuras de Cangrejos y Peces

Lo primero que se conoce es que fue encontrado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en el departamento de Piura, al norte de Perú.

También es conocido que perteneció a la colección de arte de Juan Luis Pereira, ubicada en Perú.

En el año 1.969 d.C. el escudo fue adquirido por el coleccionista, psiquiatra y psicoanalista estadounidense Arnold Goldberg, pasando a formar parte de la colección de arte "Collection of Arnold I. Goldberg".

En el año 1.976 d.C. el Escudo con Figuras de Cangrejos y Peces pasó a ser propiedad de Jane Costello Goldberg.

Hasta que en el año 1.986 d.C. fue legado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Escudo con Figuras de Cangrejos y Peces
(detalle)

Descripción

Tiene una altura de 18,4 cm, una anchura de 18,4 cm y un grosor de 1,9 cm. 

Está elaborado en cobre dorado.

Se trata de un escudo formado por un disco de cobre dorado que representa un cangrejo, rodeado de bandas circulares de oro lisas y repujadas que se alternan entre sí.

Además destacar que el escudo se cortó originalmente de una lámina más grande de cobre martillado y luego se doró. 

También se conoce que se quitaron partes de la lámina para crear la figura central más cinco anillos concéntricos conectados por seis bandas o rayos radiales.

La primera, tercera y la más extensa de las bandas circulares están trabajadas, mientras que la segunda y la cuarta bandas han sido repujadas para representar seis peces de perfil.

Aparte el cangrejo central repujado está representado magistralmente con pedúnculos oculares, partes bucales, pinzas, caparazón, patas para caminar y cola en relieve, incluso se indican los puntos de articulación de las articulaciones de las patas.

Además al igual que con el cangrejo, cada pez en la banda interior ha sido delicadamente repujado para indicar la anatomía, las escamas y las aletas.

La cuarta banda circular representa un bagre moteado ilustrado en una vista dorsal que muestra ojos, aletas y escamas, mientras que las superficies lisas, incluidos los rayos y las tres bandas circulares lisas están ornamentadas con colgantes dorados fijados al disco mediante alambres dorados delgados unidos a la parte posterior.

Los alambres que sostienen los colgantes están orientados de manera que solo cuando la figura central (el cangrejo) está apuntando hacia arriba, los colgantes cuelgan correctamente, puesto que en cualquier otra orientación, algunos de los discos colgarían más allá de los bordes de la parte posterior.

Con respecto a la composición resaltar que en la iconografía moche, los cangrejos son uno de los principales animales que aparecen en el panteón de guerreros antropomorfos (combatientes con cuerpos similares a los cangrejos y otros atributos de los crustáceos, pero con cabezas humanas), aunque los significados específicos de tales representaciones siguen siendo en la actualidad elusivos.

Para finalizar subrayar que la sofisticación técnica requerida para la creación de objetos como éste alguna vez llevó a los académicos a referirse a éste período como la Era de los Maestros Artesanos.

Sin embargo, la tecnología empleada para producir éstos objetos de metal ornamentados aún es objeto de estudio.

Es más la funcionalidad de éstos objetos no está clara, algunos investigadores consideran que es posible que hayan servido como frontales de escudos, unidos a un respaldo de caña, pero la naturaleza delicada del diseño habría limitado su función protectora en una batalla real.

Por lo tanto otros investigadores creen que podrían haber sido destinados para un uso ritual como adornos simbólicos de armas. Aparte alternativamente, pueden haber sido unidos a estandartes textiles o tapices.

Lo que está claro es que uno puede imaginar el efecto brillante de la luz del sol reflejándose en los elementos sólidos y brillantes del Escudo con Figuras de Cangrejos y Peces.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Retrato Bordado de Carlos I

El Retrato Bordado de Carlos I es un retrato datado aproximadamente entre los años 1.650 d.C. y 1.670 d.C., perteneciente al arte barroco.

Retrato Bordado de Carlos I

Lo primero que se conoce es que perteneció al hombre de negocios, escritor y coleccionista de arte británico Sir Percival Joseph Griffiths.

Hasta que en el año 1.939 d.C. el retrato fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 15,2 cm y una anchura de 11,4 cm.

Se trata de un retrato en miniatura bordado que representa al rey Carlos I de Inglaterra, Escocia e Irlanda de perfil mirando hacia el lado izquierdo.

Está ataviado con un jubón (prenda que cubría desde los hombros hasta la cintura) de color marrón y blanco abotonado en el frente y por encima lleva una valona de encaje (tipo de cuello vuelto amplio que cae sobre la vestimenta).

También se puede apreciar como alrededor del cuello y cayéndole por delante del pecho lleva una cinta gruesa de color azul claro, de la que cuelga el medallón de la Orden de la Jarretera (la orden de caballería más importante y antigua de Gran Bretaña).

El cabello castaño claro ondulado le cae hasta la altura de los hombros. Además se observa como en el rostro ovalado destacan las cejas pobladas, los ojos claros, la nariz recta, los labios carnosos, el bigote y la barba puntiaguda.

Situado en el margen, en hilo de plata, se puede leer la siguiente inscripción:

"Deus meus est Rvpis mea Psa: 18"

Cuya traducción aproximada es:

"El Señor es mi roca"

Una referencia al Salmo 18:2-3, que dice: 

"El Señor es mi roca, mi baluarte y mi libertador; mi Dios, mi roca en quién me refugio; mi escudo y el cuerno de mi salvación, mi alto inexpugnable. Invoco al Señor, que es digno de ser alabado, y soy salvo de mis enemigos".

Es más destacar que se dice que el Salmo 18:2-3 era supuestamente uno de los favoritos del rey Carlos I de Inglaterra, Escocia e Irlanda .

Cabe resaltar que el Retrato Bordado de Carlos I está considerado uno de los ejemplos más bellamente ejecutados de bordado profesional datados del siglo XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.700 d.C.) y puede entenderse como un objeto conmemorativo asociado al culto al "rey mártir", que se desarrolló en el año 1.649 d.C. tras la decapitación del rey Carlos I de Inglaterra, Escocia e Irlanda .

Con respecto a la composición destacar que todos los elementos, desde el collar de encaje y el medallón que luce el rey, hasta los reflejos en sus ojos y cabello, están realizados con minuciosas puntadas de seda e hilo de metal.

Para finalizar subrayar que la imagen del rey se basó en un grabado datado en el año 1.641 d.C. del grabador y dibujante checo Wenceslaus Hollar (también conocido como Václav Hollar o Wenzel Hollar), que a su vez fue tomado de un retrato del rey Carlos I y la reina Enriqueta María datado en el año 1.632 d.C. y realizado por el pintor y grabador flamenco Anton van Dyck.

Aparte resaltar que ésta misma imagen aparece como fronstispicio de las "Reliquiae Sacrae Carolae", también conocido como "Las obras del gran monarca y glorioso mártir rey Carlos I", un libro originalmente publicado en el año 1.650 d.C. y que recoge los acontecimientos que llevaron a la ejecución del rey Carlos I de Inglaterra, Escocia e Irlanda. 

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Túnica Moche

La Túnica Moche es una túnica datada aproximadamente entre los años 500 d.C. y 850 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte moche.

Túnica Moche

Lo primero que se conoce es que formaba parte de la colección de arte "Collection of Arnold I. Goldberg", propiedad del psiquiatra y psicoanalista estadounidense Arnold Goldberg.

Hasta que en el año 1.987 d.C. la Túnica Moche fue legada por Jane Costello Goldberg al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 87 cm y una anchura de 147,3 cm. Está tejida en pelo de camélido y algodón.

Se trata de una túnica llamativa en cuanto a colores. Sobretodo resalta como el patrón principal, trabajado en rojo, representa animales interconectados y geométricos, cuyos lomos dentados forman diagonales fuertes a lo largo del cuerpo de la túnica.

Un borde situado en la parte inferior de la túnica (y que originalmente también podría haber en los extremos de las mangas) repite una figura de perfil mucho más pequeña a intervalos regulares.

Cabe resaltar que su cola larga y levantada tiene referencias de monos, pero su hocico largo sugiere que es un animal compuesto. Aparte éste cambio de escala y la estilización de las imágenes desde el centro hacia los bordes era común en los textiles asociados con el valle de Huarmey (Perú) durante el período moche.

Es más enfatizar que se conoce que ésta variedad fue estimulada por fuerzas políticas y artísticas externas a medida que nuevas influencias se trasladaban a la zona.

Para finalizar subrayar que a lo largo de la prehistoria peruana, la túnica fue la prenda más elaborada que usaron los hombres. Además de ser prendas de vestir importantes, las túnicas son significativas por su variedad técnica y su gran riqueza de patrones complejos.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Vasija y Tapa Maya

La Vasija y Tapa Maya es una vasija con tapa datada aproximadamente entre los años 250 d.C. y 900 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte maya.

Vasija y Tapa Maya

Cabe resaltar que fueron realizadas durante el período clásico maya, un período caracterizado por el desarrollo tecnológico, social, económico, político, religioso y artístico.

Lo primero que se conoce es que fueron encontradas durante unas excavaciones realizadas en Guatemala.

También es conocido que la Vasija y Tapa Maya fue adquirida por los coleccionistas de arte Robert Huber y su esposa Marianne Huber.

Hasta que en el año 1.974 d.C. fueran compradas por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de África, Oceanía y las Américas.

Descripción

Tiene una altura de 6,50 cm y una anchura de 18,50 cm.

Se trata de una vasija de pasta fina con tapa, destaca como el cuerpo de la vasija con los lados ligeramente bulbosos y base redondeada está engobado crema con decoración en color negro. 

Además se aprecia como en la parte exterior superior del cuerpo, cerca del borde, hay una línea negra con decoraciones geométricas y debajo una línea de jeroglíficos mayas (sistema de escritura que combinaba sílabas y símbolos para representar palabras completas).

También se puede observar como se encuentra ornamentado con un total de once figuras, aparentemente once niñas realizando una danza sacrificial.

Así mismo resalta como la base y la parte inferior del cuerpo está ornamentado con una banda con un diseño geométrico en colores negro y rojo.

Cabe destacar que la tapa está ornamentada con jeroglíficos mayas y decoración compuesta por motivos geométricos y en la parte superior, situada en el centro, hay una pequeña argolla o asa que era utilizada para abrir y cerrar la vasija.

Para finalizar subrayar que la cerámica perteneciente al arte maya, como la Vasija y Tapa Maya, se solían decorar con escenas figurativas referentes a los dioses, al ciclo del sol, gobernantes, rituales y ceremonias religiosas.

Por lo tanto enfatizar que la decoración de las vasijas de cerámica jugaban un papel importante en la vida y creencias del mundo maya del período clásico.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña. 

Figura Sentada

La Figura Sentada es una escultura datada aproximadamente entre los siglos XIX d.C. y XX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 2.000 d.C.), perteneciente al arte oceánico.

Figura Sentada

Figura Sentada

En concreto fue fabricada en el atolón Stawan, ubicado en el archipiélago de las Islas Carolinas, en el Océano Pacífico.

Se conoce que la escultura perteneció a la colección de arte de un coleccionista privado.

Después fue expuesta en la galería de arte "Throckmorton Fine Art, LLC", localizada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Luego estuvo en posesión de "Alan Steele Fine Tribal Art", formando parte de una colección privada especializada en importantes obras maestras de arte de culturas tribales y antiguas.

Hasta que en el año 2.003 d.C. la Figura Sentada fue adquirida por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene una altura de 22,9 cm, una anchura de 14 cm y un grosor de 7,6 cm. 

Se trata de una escultura de madera que representa una figura humana con los rasgos faciales estilizados y el cuerpo anguloso.

Destaca como la cabeza abovedada y las líneas de las cejas suavemente curvadas contrastan con la angulosidad de la boca delgada en forma de rombo y el mentón marcadamente puntiagudo, lo que le da al rostro una apariencia casi de máscara.

Además resalta como la escultura es género indeterminado, el cuerpo se encuentra representado como una serie de formas angulares entrelazadas, con las manos, que solo se indican sutilmente, apoyadas sobre las rodillas.

Para finalizar subrayar que la Figura Sentada encarna el enfoque minimalista y sobrio de la forma humana típica de las tradiciones escultóricas de las Islas Carolinas, un archipiélago de la Micronesia, en el oeste del océano Pacífico.

Aparte hay poca información sobre la iconografía o la funcionalidad de la escultura, algunas fuentes indican que puede haber representado a antepasados recientemente fallecidos y que se podía haber sido guardada en el hogar donde se la podía pedir que interviniera en nombre de sus descendientes vivos.

También es posible que la figura se haya asociado con un tipo de magia con canoas, en la que la escultura se colocaba en una pequeña canoa y se la dejaba a la deriva con la finalidad de alejar las malas influencias del pueblo.

Es más resaltar que la Figura Sentada muestra evidencias de un uso y manipulación extensivos, por lo que posiblemente se haya empleado en diversos contextos.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Estatua del Venerable Kashyapa

La Estatua del Venerable Kashyapa, también conocida como 가섭존자상 조선 o 迦葉尊者像 朝鮮, es una escultura datada en el año 1.700 d.C., perteneciente al arte coreano.

Estatua del Venerable Kashyapa

En concreto fue fabricada durante la dinastía Joseon (reino dinástico coreano ocurrido entre julio del año 1.392 d.C. y octubre de 1.897 d.C.).

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte de la socialité y filántropa estadounidense Abigail Greene Aldrich Rockefeller (también conocida como Abby Aldrich Rockefeller).

Hasta que en el año 1.942 d.C. la Estatua del Venerable Kashyapa fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 55,9 cm y una anchura de 22,9 cm.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta de madera policromada que representa la figura de Kashyapa (en coreano: Gaseop), un antiguo sabio (rishi) venerado en el hinduismo y el mayor de los dos discípulos principales del Buda histórico Shakyamuni.

Aparece representado ataviado con un hábito de monje, en posición de pie, con el cuerpo ligeramente inclinado hacia delante, descalzo y con las manos juntas en modo de oración.

En el rostro destacan los ojos rasgados, la nariz recta y los labios curvados en una sonrisa que hace que se le marquen las líneas de expresión y que aparezca representado con un rostro sonriente.

También con respecto a la composición resaltar que la postura relajada del moje transmite benevolencia y sabiduría.

Para finalizar subrayar que según la inscripción con las ofrendas votivas colocadas en el interior de la escultura se conoce que fue realizada el día veintinueve del tercer mes del año 1.700 d.C., junto con las figuras de un Buda y un arhat (en coreano: nahan), en un retiro del templo en el monte Duryun, en el distrito de Yeongam (Corea del Sur).

Siendo en la actualidad parte del templo Daeheung, ubicado en la provincia de Jeolla (Corea del Sur). Además destacar que también hace referencia al monje escultor Saengnan, cuyas obras se pueden encontrar en la actualidad en la provincia de Jeolla y quién estaba entre los artistas que participaron en la elaboración de la Estatua del Venerable Kashyapa.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Efigie de Mazorca de Maíz

La Efigie de Mazorca de Maíz es una efigie datada aproximadamente entre los años 900 a.C. y 400 a.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte olmeca.

Efigie de Mazorca de Maíz

Efigie de Mazorca de Maíz

Efigie de Mazorca de Maíz

Fue hallada en el año 2.012 d.C. bajo las aguas del yacimiento arqueológico Arroyo Pesquero, ubicado en la zona limítrofe de los municipios de Agua Dulce y Las Choapas, en el estado de Veracruz (México).

Cabe destacar que fue en el año 1.969 d.C. cuando se descubrió en el yacimiento arqueológico Arroyo Pesquero, siendo descubierta una ofrenda masiva en la confluencia de arroyos que aportan agua dulce al río Pesquero, que es mayoritariamente salobre (que contiene sal, sabe a sal o huele a sal).

En el año 2.018 d.C. la Efigie de Mazorca de Maíz fue adquirida por el Museo de Antropología de Xalapa, situado en la ciudad de Xalapa, localizada en el estado de Veracruz, en México.

Efigie de Mazorca de Maíz

Descripción

Tiene una altura de 9,5 cm y un diámetro de 2,5 cm.

Se trata de una efigie de jadeíta que parece ser una representación abstracta de una mazorca de maíz.

La escultura puede haber estado unida como remate a un bastón como símbolo de poder y autoridad antes de ser colocada como ofrenda en el arroyo, dónde se cruzan el agua dulce y el agua salada.

Con respecto a la composición destacar que la efigie revela la habilidad refinada de un maestro lapidario olmeca, ya que el jadeíta es un mineral muy difícil de trabajar, especialmente con herramientas fabricadas en piedra, obsidiana o caña, como era habitual en Mesoamérica.

Para finalizar subrayar que aunque en la actualidad recolectar agua dulce no tiene importancia práctica. Durante la época olmeca, aparte de la recolección de gua dulce, la confluencia también habría sido importante por razones simbólicas y cosmológicas, y un lugar ideal para realizar rituales u ofrendas votivas.

Además cabe enfatizar que se conoce que el agua dulce era relativamente escasa en una región de pantanos estancados.

Por lo que no es de extrañar que los manantiales y otras fuentes de agua dulce fueran lugares sagrados y que sacrificar "objetos" en ellos fuera una parte importante del ritual olmeca.

Actualmente se encuentra en el Museo de Antropología de Xalapa, Mexico.

Figura de Arpista

La Figura de Arpista es una escultura datada aproximadamente entre los años 1.070 a.C. y 650 a.C., perteneciente al arte egipcio.

Figura de Arpista

Figura de Arpista

Figura de Artista

En concreto destacar que fue elaborada entre la XXI Dinastía del Antiguo Egipto y la XXV Dinastía del Antiguo Egipto, durante el período conocido como Tercer Período Intermedio de Egipto.

Lo primero que se conoce es que la escultura fue adquirida en Egipto por el marchante y coleccionista de arte francés Maurice Sharia Nahman.

Hasta que en el año 1.909 d.C. la Figura de Arpista fue comprada por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de arte de Egipto y Sudán.

Figura de Arpista

Figura de Arpista

Figura de Arpista

Descripción

Tiene una altura de 26 cm, una anchura de 6,50 cm y un peso de 0,22 kg. 

Se trata de una escultura de madera policromada que representa la figura de una arpista en posición de pie, con las manos estiradas hacia delante y tocando un pequeño arpa angular.

En el rostro destacan las cejas pobladas, los ojos almendrados, la nariz recta, los labios carnosos y el mentón redondeado, también se puede apreciar como lleva una peluca de melena corta cuadrada, con el cabello abundante que le cae a ambos lados del rostro hasta la altura del mentón cubriéndole las orejas.

Cabe resaltar que, aunque en la actualidad parte de la policromía se ha perdido, se puede afirmar que originalmente estaba ataviada con un kalasiris, es decir, un vestido en forma de tubo, de tela de lino blanco que le llega hasta la altura de los tobillos y ceñido al cuerpo dejando entrever su anatomía.

Aparte lleva un gran pectoral de cuentas alrededor del cuello y tobilleras en ambos pies. Así mismo resaltar que a la altura del pubis se puede apreciar como tiene pintado un gran triángulo negro que la cubre.

Para finalizar subrayar que se conoce que la música en el Imperio Antiguo Egipcio era religiosa y estaba compuesta por los cánticos de los sacerdotes cantados durante los ritos litúrgicos.

Además gracias al estudio de las numerosas representaciones y esculturas de músicos que han llegado hasta la actualidad se puede determinar que la música seguía una escala pentatónica o heptatónica.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Cuenco Romano de Barro Cocido

El Cuenco Romano de Barro Cocido es un cuenco datado aproximadamente en el siglo V d.C. (período comprendido entre los años 401 d.C. y 500 d.C.), perteneciente al arte romano.

Cuenco Romano de Barro Cocido

En concreto fue elaborado durante el período del Imperio romano tardío, período comprendido entre los años 293 d.C. y el año 476 d.C..

Se conoce que fue adquirido en Egipto por el coleccionista y marchante de arte francés Maurice Sharia Nahman. 

Hasta que en el año 1.927 d.C. el Cuenco Romano de Barro Cocido fue comprado por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de arte de Gran Bretaña, Europa y Prehistoria.

Descripción

Tiene una altura de 178 mm y un diámetro de 198 mm. 

Se trata de un cuenco de barro cocido de loza del Nilo, con una base ancha y alta que está unida al cuerpo, que presenta forma ovalada que se va estrechando ligeramente en el borde. 

Destaca como el cuenco se encuentra cubierto con un engobe (pasta de arcilla que se aplica a los objetos de cerámica antes de cocerlos) de color naraja-crema.

La parte exterior del cuerpo se encuentra ornamentado con un friso de animales y plantas colocado entre dos bandas horizontales (superior e inferior) decoradas con óvolos (ornamento arquitectónico en forma de huevo, rodeado de un cascarón y con puntas de flecha entre cada dos).

También cabe destacar que del friso destacan la representación de: dos leones enfrentados, un órix (antílope grande con cuernos largos y afilados) y una liebre y dos órix enfrentados, todos ellos intercalados con árboles y plantas estilizados, siendo la mayoría de los cuales probablemente vides. 

Aparte se puede apreciar como llama la atención la representación de la figura de un antílope pintado en color negro y con detalles en color rojo.

Para finalizar subrayar que el Cuenco Romano de Barro Cocido se asemeja a los cuencos de cerámica bizantina, que fueron fabricados durante el período del arte bizantino temprano y que suelen tener diseños con figuras de pájaros como el Mezgeldek (también conocido como sisón común o tetrax tetrax) o bien pueden tener diseños con hojas de parra y racimos de uvas.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Broche de Cinturón Parto

El Broche de Cinturón Parto es un broche datado aproximadamente entre los siglos I d.C. y II d.C. (período comprendido entre los años 1 d.C. y 200 d.C.), perteneciente al arte persa, en concreto al arte parto.

Broche de Cinturón Parto

Broche de Cinturón Parto

Lo primero que se conoce es que en el año 1.913 d.C. fue adquirida por el escritor, tenista, coleccionista y comerciante de arte suizo Jean Schopfer (cuyo seudónimo era Claude Anet).

En el año 1.921 d.C. el broche fue comprado por el marchante y coleccionista de arte húngaro Joseph Brummer.

Siendo en ese mismo año, 1.921 d.C., cuando el Broche de Cinturón Parto fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 10,7 cm, una anchura de 10,5 cm y un grosor de 2,1 cm. 

Se trata de un broche de cinturón de bronce con forma cuadrada que presenta la figura de un ciervo muy estilizado, con el cuerpo marcado por círculos concéntricos incisos y el cuello y el lomo arqueados.

Destaca como el animal se encuentra representado atacado tanto desde abajo como en la zona del hocico por pájaros. Además las espirales en forma de "S" completan el diseño central calado, con una cabeza de animal con cuernos estilizada sobre la espalda del ciervo.

Aparte resalta como un borde con diseño en espiga enmarca la escena con protuberancias redondeadas elevadas en las esquinas.

También cabe resaltar que la funcionalidad de éste objeto como cierre o broche de cinturón se intuye por la presilla y la lengüeta corta situadas en la parte posterior.

Para finalizar subrayar que por las características del Broche de Cinturón Parto los investigadores consideran que pudo haber sido fabricado en la región geográfica Transcaucasia (también conocida como Cáucaso Meridional), ubicada en la frontera entre Europa Oriental y Asia Occidental a lo largo de las montañas del Cáucaso meridional, durante el control del Imperio parto.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Túnica Bizantina Ricamente Decorada

La Túnica Bizantina Ricamente Decorada es una túnica datada aproximadamente entre los años 660 d.C. y 870 d.C., perteneciente al arte medieval, en concreto al arte bizantino.

Túnica Bizantina Ricamente Decorada

Túnica Bizantina Ricamente Decorada

Túnica Bizantina Ricamente Decorada

Fue hallada durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en la necrópolis de Tuna el-Yebel.

Localizada en una zona desértica situada a la orilla oeste del río Nilo, aproximadamente a unos 9 km al oeste de la ciudad de El-Ashmunein, en la gobernación de Menia (Egipto).

Se conoce que fue comprada en la ciudad de El Cairo (Egipto) por el marchante de arte y coleccionista de arte francés Maurice Sharia Nahman.

En el año 1.912 d.C. la Túnica Bizantina Ricamente Decorada fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 201 cm y una anchura de 119,1 cm. Está elaborada en lana y tejido de tapiz.

Se trata de una túnica ricamente ornamentada que ha sido tejida en una tela base de lana y los elementos decorativos producidos por separado, por razones de economía, en conjuntos que luego fueron cosidos a la tela base de la túnica.

Destaca como los elementos realizados por separados es una banda con un patrón repetido de rombos llenos de rosetas aplicadas en los puños y en el borde inferior.

Mientras que la decoración restante está tejida en la tela base. Las rayas verticales (clavi) están divididas en rectángulos con palmetas dibujadas sobre un fondo brillante.

Además las mismas figuras aparecen en las bandas de las mangas. Aparte se observa como los redondeles (orbiculi) en el cuerpo y los medallones en el centro de las bandas de las mangas muestran jinetes, cupidos y otras figuras en un movimiento abstracto que recuerda vagamente a los movimientos de los bailarines.

Cabe resaltar que la decoloración en el dobladillo y los puños muestran dónde se sujetaban las cintas de lana con patrones geométricos tejidas por separado.

Con respecto a la composición destacar que los colores brillantes, las figuras esquemáticas llamativas y la tracería vegetal contrastante de las inserciones ornamentales le dan a esta fina túnica de lana un fuerte atractivo visual.

Por otra parte los diseños se derivan de motivos clásicos y la calidad del tejido de fondo de la túnica y de las figuras y motivos, a pesar de la representación altamente estilizada, dan testimonio de la gran habilidad técnica del tejedor.

También destacar que dentro del arte bizantino los patrones y motivos de la túnica se basan en un contraste entre la luz y la oscuridad.

Para finalizar subrayar que se conoce que las túnicas decoradas con motivos de fondo rojo, como la Túnica Bizantina Ricamente Decorada, fueron muy populares al final de la era bizantina en Egipto y durante los primeros siglos del gobierno islámico.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Textil Fatimí con Inscripciones Árabes

El Textil Fatimí con Inscripciones Árabes es un textil datado aproximadamente en el siglo XII d.C. (período comprendido entre los años 1.101 d.C. y 1.200 d.C.), perteneciente al arte islámico, en concreto al arte fatimí.

Textil Fatimí con Inscripciones Árabes

Lo primero que se conoce es que estaba en posesión de Said Samaan, Mellawi.

En el año 1.923 d.C. fue adquirido, en la ciudad de El Cairo (Egipto), por el coleccionista de arte egipcio Nicholas Tano.

Hasta que en el año 1.929 d.C. el Textil Fatimí con Inscripciones Árabes fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

La montura tiene una longitud de 43,3 cm, una anchura de 50,2 cm y un diámetro de 3,2 cm. Está elaborado en lino, seda, tejido liso y tejido de tapiz.

Se trata de parte de un tejido con una inscripción fragmentaria que incluye la "shahada", es decir, la declaración de fe fundamental del Islam o el pronunciamiento fundacional de la creencia islámica.

La oración comienza con la "bismallah" ("En el nombre de Alá, el Misericordioso y Compasivo") y continúa con una declaración sobre la singularidad de Alá ("No hay más Dios que Alá"), mientras que los registros más bajos utilizan una frase abreviada que deriva del Corán: "La Victoria viene de Alá".

Hay siete líneas de inscripción nasji, las cinco líneas superiores repiten parte de la Basmala y las fórmulas califales sin mencionar a un caliza (quizás el nombre del califa se conserva en un fragmento faltante).

Las dos líneas inferiores de la inscripción repiten la frase "La Victoria viene de Alá" y forman un borde de inscripción para la composición.

Con respecto a la composición destacar que los colores brillantes y los motivos decorativos, en particular el diseño trenzado, son características del arte fatimí.

Un colorido patrón de dientes de sierra flanquea el lado derecho de la composición y los restos de un patrón entrelazado de diamantes salpicado de pájaros y flores indican que originalmente había un panel decorativo más grande sobre las inscripciones.

Aunque puede resultar difícil reconstruir la apariencia original de éste tejido fragmentario, tejido con tapices, el estilo decorativo con el uso del amarillo dorado y rojo utilizado para crear el diseño trenzados complejos es representativo del arte fatimí.

Para finalizar subrayar que la práctica de bordar, tejer o pintar textiles con inscripciones se expandío en el período islámico temprano. 

Los textiles con tales inscripciones en árabe se conocen como tiraz y fueron especialmente populares durante el período abasí y, en particular, durante el período fatimí, siendo utilizados para ropa, muebles y otros tejidos.

Es más destacar que los textiles, objetos inherentemente valiosos, fueron admirados en un amplio espectro social en la Edad Media.

Muchas piezas con inscripciones incluyen la palabra "Alá" como parte de sus oraciones o bendiciones genéricas, pero éstos textiles podían ser admirados por personas de diferentes orígenes religiosos, ya que los cristianos de habla árabe comparten la misma palabra para Dios.

Sin embargo, la decoración explícita de fe y victoria en el Textil Fatimí con Inscripciones Árabes nos recuerda que los bienes de lujo a veces podían servir a identidades y necesidades comunitarias específicas.

Aparte enfatizar que lejos de desdibujar los límites entre los grupos, los textiles como éste proclaman enfáticamente la diferencia sectaria.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Botella Olmeca

La Botella Olmeca es una botella datada aproximadamente entre los siglos XII a.C. y IX a.C. (período comprendido entre los años 1.200 a.C. y 801 a.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte olmeca.

Botella Olmeca

Botella Olmeca

Lo primero que se conoce es que estaba en posesión del marchante de arte Everett Rassiga.

En el año 1.963 d.C., a través de una donación anónima, pasó a formar parte de la colección de arte "The Michael C. Rockefeller Memorial Collection" y expuesta en el Museo Primitivo de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), un antiguo museo dedicado a las culturas indígenas de América, África, Asia, Europa y Oceanía.

Hasta que en el año 1.978 d.C. la Botella Olmeca fue legada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 19,7 cm, una anchura de 13,3 cm y un diámetro de 13,3 cm.

Se trata de una botella de cerámica negra que tiene un cuerpo esférico y un cuello largo y cilíndrico con un borde ensanchado.

Sobretodo cabe resaltar que un alfarero olmeca creó esta botella a mano, probablemente mediante la técnica de enrollado, luego alisó las paredes con una paleta y finalmente pintó la superficie con un engobe de color oscuro compuesto de minerales de color oscuro disueltos en agua.

Además la uniformidad del color sobre la superficie indica una temperatura de cocción constante en lo que probablemente fue un horno de pozo (también conocido como horno de tierra).

Cuando la botella estaba endurecida o después de la cocción, un artista olmeca hizo un hueco y una incisión en un diseño abstracto que envuelve horizontalmente el cuerpo de la botella.

En la ornamentación destaca como la textura áspera se espiraliza en tres proyecciones largas en formas de dedos, cada una de las cuales contiene una sección de tierra sin excavar delineada por una incisión. También destaca como la proyección superior termina en un extremo puntiagudo que se asemeja a una garra.

Después de la incisión, se frotó pigmento rojo sobre la superficie de la botella, tal vez como parte de los ritos funerarios cuando la Botella Olmeca fue enterrada con su dueño como parte de su ajuar funerario.

Para finalizar subrayar que el elemento iconográfico semejante a una garra ha sido denominado motivo de "paw-wing", un símbolo que aparece en varios medios en el arte olmeca de la Costa del Golfo y en las tierras altas del centro de México.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Ánfora con Cabeza de Fénix

El Ánfora con Cabeza de Fénix, también conocida como 唐 三彩陶鳯頭壶, es un ánfora datada aproximadamente entre los siglos VII d.C. y VIII d.C. (período comprendido entre los años 601 d.C. y 800 d.C.), perteneciente al arte chino.

Ánfora con Cabeza de Fénix

En concreto fue elaborado durante la dinastía Tang (唐朝), dinastía imperial China que gobernó desde el año 618 d.C. hasta el año 907 d.C..

Se conoce que perteneció a la colección del empresario, coleccionista de arte y coleccionista de cerámica china Stanley Herzman.

Hasta que en el año 1.991 d.C. el Ánfora con Cabeza de Fénix fue donada al Museo Metropolitano de Nueva York (Estados Unidos de América), en memoria de su mujer la coleccionista de arte y filántropa Adele Sharpe Herzman.

Descripción

Tiene una altura de 32,5 cm.

Se trata de un ánfora de cerámica sancai (三彩), un tipo de cerámica ornamentada con tres colores entremezclados, que ha sido elaborada en arcilla blanca, pintada con una capa de esmalte de vidrio y después cocida a temperaturas de aproximadamente 800º. El ánfora presenta una base plana, un cuerpo elíptico, cuello alargado, un asa vertical y una boca ancha.

El cuerpo se encuentra ornamentado con la figura de un arquero montado a caballo, disparando por encima del hombro con su arco tensado y rodeado por motivos geométricos. 

Cabe destacar que ésta postura es denominada "disparo parto", siendo esta expresión perteneciente al léxico ornamental occidental.

También destaca como situado entre el cuello alargado y la boca hay una cabeza de fénix (ave mitológica que se regenera de sus cenizas, asociado con la habilidad de encontrar situaciones adversas y con una fuerte capacidad de resiliencia) en relieve, aparte se puede apreciar como la parte detrás de la cabeza del fénix está conectada con el borde del asa.

Para finalizar subrayar que se piensa que la forma de la metalurgia de Asia occidental o de Asia central podría haber proporcionado el modelo para el Ánfora con Cabeza de Fénix de la dinastía Tang.

Sin embargo enfatizar que la unión del mango alargado al borde de la boca en lugar de al cuerpo indica un prototipo de Asia Central, específicamente sogdiano (pueblo de lengua irania que vivieron en una zona que ocupa parte de los actuales Tayikistán y Uzbekistán).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Figura de una Mujer Reclinada

La Figura de una Mujer Reclinada es una escultura datada aproximadamente entre los siglos II a.C. y II d.C. (período comprendido entre los años 200 a.C. y 200 d.C.), perteneciente al arte persa, en concreto al arte parto.

Figura de una Mujer Reclinada

Figura de una Mujer Reclinada

Fue hallada durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en la antigua ciudad de Ctesifonte, localizada a orillas del río Tigris, en el municipio de Salman Park (Irak).

También es conocido que la escultura perteneció a la filántropa y coleccionista de arte estadounidense Catharine Lorillard Wolfe.

Después la Figura de una Mujer Reclinada fue adquirida por el clérigo, autor y orientalista estadounidense William Hayes Ward.

En el año 1.886 d.C. fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 7,3 cm, una anchura de 17,5 cm y un grosor de 5,7 cm.

Se trata de una escultura de alabastro que representa la figura de una mujer desnuda reclinada sobre su lado izquierdo, pero le falta el brazo izquierdo, que habría sostenido su cuerpo.

El brazo derecho se encuentra extendido a lo largo de su costado, con las puntas de sus dedos descansando ligeramente sobre su muslo derecho.

Las tenues bandas en el cuello de la mujer indican pliegues. Además resaltar que los pliegues de carne a lo largo del lado derecho del torso enfatizan las curvas completas de su figura.

Con respecto a la composición destacar que aunque el tratamiento del cuerpo y la pose elegante de esta escultura delatan innegablemente una influencia helenística, los pliegues del cuello, el ombligo perforado y la forma voluptuosa son elementos de una tradición local establecida en el arte parto.

Para finalizar subrayar que se conoce que la mayoría de las terracotas griegas de éste tipo encontradas son representaciones masculinas, al igual que las figuras reclinadas representadas en los relieves funerarios grecorromanos. 

Sin embargo en el arte mesopotámico la mayoría de las figuras de terracota o alabastro de éste tipo que han llegado hasta la actualidad suelen ser representaciones de mujeres.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.