Pilar de Mármol con Relieves Neoáticos

El Pilar de Mármol con Relieves Neoáticos, también conocido como Pilar de Mármol con Relieves de Estilo Neoático, es un pilar datado aproximadamente entre los siglos I a.C. y I d.C. (período comprendido entre los años 100 a.C. y 100 d.C.), perteneciente al arte romano.

Pilar de Mármol con Relieves Neoáticos

Lo primero que se conoce es que a finales del siglo XIX d.C. y hasta el año 1.923 d.C. se encontraba en la colección de arte del coleccionista francés Valentin Chodron de Courcel y de su esposa Madame Valentin de Courcel, ubicada en Villa Faustina.

Situada en la ciudad de Cannes, localizada en el departamento de Alpes Marítimos, en la región de Provenza-Alpes-Costa Azul (Francia).

Lo siguiente que se conoce es que en el año 2.013 d.C. el Pilar de Mármol con Relieves Neoáticos fue subastado por la casa de subastas "Sotheby's de Nueva York" (Estados Unidos de América).

Siendo comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 100,6 cm. Está fabricado en mármol, mediante las técnicas de tallado, grabado e incisión.

Se trata de un pilar de mármol con forma rectangular que presenta en sus cuatro lados relieves de estilo neoático, convirtiéndolo en un magnifico ejemplo de arte clasicista.

Los temas representados están extraídos del mundo de Dionisio (es decir, un reino de la mitología y la religión griegas antiguas en el que el dios Dionisio (dios del vino, la fruta, la fertilidad y el teatro) inspira éxtasis y locura ritual).

Una planta de acanto en flor tallada en bajorrelieve ocupa uno de los lados largos, mientras que en el otro, en relieve dos figuras femeninas ataviadas con túnicas ondulantes rematan un herma (pilar rectangular) de Sileno (sátiro y mentor del dios Dionisio).

Cabe resaltar que las figuras femeninas se identifican por su atributos como las Horae, las diosas de las estaciones y del orden de la naturaleza.

En la parte inferior superior está la representación del verano sosteniendo una guirnalda en una mano y una gavilla de trigo en la otra,

En la parte inferior, el otoño lleva granadas y racimos de uvas en el pliegue de su himation, mientras que una tercera figura, en la actualidad desaparecida, probablemente representaba la primavera.

También se puede observar como ambos lados cortos se encuentran decorados con un tirso (vara adornada con hojas de hiedra y parra), el bastón característico del dios Dionisio (dios del vino, la fruta, la fertilidad y el teatro).

Para finalizar subrayar que el Pilar de Mármol con Relieves Neoáticos es notable por su inusual iconografía, puesto que los pilares decorativos en relieve se encuentran adornados predominantemente con elaborados motivos vegetales colgantes.

Siendo las figuras humanas y animales presentes las que desempeñan sólo un papel secundario en la composición, ésto y junto con las escenas mitológicas como las que se encuentran aquí representadas son raras hacen que el pilar esté considerado un gran ejemplo del estilo neoático (fase de la escultura antigua iniciada en el siglo II a.C. y finalizada en el siglo I d.C. en la periferia de Ática, en Grecia).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Pedestal de Terracota con Sátiro

El Pedestal de Terracota con Sátiro es un pedestal datado aproximadamente en el siglo IV a.C. (período comprendido entre los años 400 a.C. y 301 a.C.), perteneciente al arte etrusco.

Pedestal de Terracota con Sátiro

Lo primero que se conoce es que fue en el año 1.920 d.C. cuando el pedestal fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura total de 24,5 cm y en el borde del pedestal tiene 15 cm.

Se trata de un pedestal de terracota policromado que presenta una escultura tridimensional de un sátiro (criatura mitológica mitad cabra mitad humana) en cuclillas con el cuerpo ligeramente inclinado hacia el lado izquierdo.

En la cabeza inclinada hacia arriba destaca el rostro del sátiro con los ojos almendrados finamente delineados, la nariz recta, los labios carnosos con la boca abierta que deja ver sus dientes, la barba frondosa y las orejas puntiagudas.

Se puede observar como situado en el lado derecho hay un elemento arquitectónico en forma de un pequeño embudo ornamentado en la parte superior del borde por una cenefa compuesta por decoración geométrica.

Además se aprecia como tanto el pequeño embudo como el sátiro se encuentran apoyados sobre un pequeño pedestal circular con un escalón que funciona como base. 

También cabe destacar que los elementos en forma de embudo podrían funcionar como jarrones, pero la opinión más defendida por los investigadores es que podrían funcionar como soportes para vasijas como ánforas puntiagudas, que no podían sostenerse por sí solas.

Con respecto a la composición destacar que los pedestales antropomorfos son únicos en el arte etrusco por su combinación de soportes en forma de embudo con esculturas tridimensionales figurativas.

Para finalizar subrayar que una pareja similar de pedestal con hombres desnudos, quizás también representaciones de sátiros, se ha encontrado en un mural que decora una pared de la Tumba de Orco II (también conocida como Tumba de Orco), un hipogeo etrusco datado en el siglo IV a.C. (período comprendido entre los años 400 a.C. y 301 a.C.) ubicado en el municipio de Tarquinia, localizado en la provincia de Viterbo, en la región de Lacio (Italia).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Primavera

La Primavera es una escultura en relieve datada aproximadamente entre los años 1.856 d.C. y 1.874 d.C., perteneciente al arte neoclásico.

Primavera

Fue esculpida por el escultor estadounidense William Henry Rinehart.

Se conoce que perteneció a la colección del artista hasta el año 1.874 d.C., año de su muerte.

En el año 1.875 d.C. fue comprada por el comerciante, banquero, filántropo y empresario estadounidense John Work Garret.

En el año 1.884 d.C. pasó a ser propiedad de la sufragista y filántropa estadounidense Mary Elizabeth Garret.

En el año 1.915 d.C. Primavera pasó a ser propiedad de los herederos de Mary Elizabeth Garrett.

El 15 de febrero del año 1.919 d.C. fue vendida dentro del "lote: 320" por la galería de arte y casa de subastas "American Art Association".

Siendo comprada por la coleccionista Caroline C. Donnerik, después fue adquirido por el coleccionista Ronald E. Fritz, hasta que en el año 1.985 d.C. Primavera fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 48,6 cm y una anchura de 39,1 cm. Está esculpida en mármol, mediante las técnicas de incisión, grabado y tallado.

Se trata de una escultura en relieve con forma ovalada que tiene en su anverso representada una alegoría de la primavera.

Destaca como está representada como una mujer joven con los rasgos faciales y peinados clasicistas. En el rostro de perfil destacan el ojo almendrado, la nariz recta, los labios carnosos y el mentón pronunciado.

Mientras que el cabello largo y ondulado se encuentra peinado en un elaborado recogido atado con una banda con flores y cintas alargadas que ondulan en su espalda.

Además se puede apreciar como se encuentra ataviada con una túnica drapeada, anudada al hombro derecho, con pliegues fluidos, que revelan un pecho a semejanza de las esculturas antiguas de amazonas y que delinean de cerca su cuerpo y le cae hasta la altura de los tobillos dejando los pies al descubierto.

Aparte se encuentra representada esparciendo con su mano derecha flores, símbolo de la primavera, mientras que con su mano izquierda agarra los pliegues de su túnica.

También se puede apreciar como abajo a la izquierda y en el centro se puede leer la firma del autor:

"WM H. RINEHART. SCULPT. ROME. 1874"

Con respecto a la composición resaltar que las personificaciones de las estaciones y las horas del día fueron temas frecuentes en la escultura en relieve neoclásica.

Para finalizar subrayar que "Primavera" y su contraparte "Invierno", se encuentran entre las primeras obras del escultor estadounidense William Henry Rinehart que creó después de mudarse en el año 1.855 d.C. a Italia.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Broche de Disco Merovingio

El Broche de Disco Merovingio es un broche datado aproximadamente en el siglo VII d.C. (período comprendido entre los años 601 d.C. y 700 d.C.), perteneciente al arte medieval.

Broche de Disco Merovingio

En concreto al arte prerrománico y dentro de éste está englobado dentro del arte merovingio.

Broche de Disco Merovingio

Lo primero que se conoce es que fue hallado en el año 1.852 d.C. en un cementerio cerca de la ciudad de Bonn, ubicada en el estado federado de Renania del Norte-Westfalia (Alemania), por el antropólogo y anatomista alemán Hermann Schaaffhausen.

También es conocido que estuvo en posesión de la coleccionista de arte y música alemana Sibylla Mertens-Schaaffhausen.

El 12 de julio del año 1.859 d.C. el Broche de Disco Merovingio fue comprado por el coleccionista de arte William Henry Forman.

En el año 1.897 d.C. el broche fue adquirido por la coleccionista de arte Mrs. Burt, después perteneció a la colección del coleccionista de arte y militar Maj A. H. Browne.

Hasta que 19 de junio del año 1.899 d.C. el Broche de Disco Merovingio fue adquirido por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene un diámetro de 5,10 cm. Está fabricado en aleación de cobre, oro, vidrio, nácar y plata, mediante las técnicas de incrustación, filigrana, repujado, fundido, incisión y tallado.

Se trata de un pequeño broche de disco compuesto por un gran aplique de lámina de oro que contiene un total de cuatro cabujones de vidrio azul alternados con cuadrados de incrustaciones de nácar, en pinzas alrededor del anillo interior de cuatro discos de turquesa alternados con triángulos.

Además en el medio hay apliques de tiras radiantes con decoración de plumas, también destaca como el broche se encuentra enriquecido con volutas de filigrana.

Se observa como hay una protuberancia central con incrustaciones de vidrio con el borde formado por pequeños tubos y remaches de fijación de plata.

Mientras que la placa base de aleación de cobre fundido está incisa con una rueda dentro de bandas concéntricas en la parte posterior.

Para finalizar con respecto al estado de conservación destacar que en general se encuentra en muy buen estado de conservación, aparte se puede considerar que originalmente era un símbolo de poder e indicaba la posición económica dentro de la sociedad merovingia del portador.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Urpu Inca

El Urpu Inca es un recipiente datado aproximadamente entre los años 1.400 d.C. y 1.535 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte inca.

Urpu Inca

Urpu Inca

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte del empresario, inversor y filántropo judío-canadiense-estadounidense Nathan Cummings.

Hasta que en el año 1.966 d.C. el Urpu Inca fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Urpu Inca

Descripción

Tiene una altura de 29,2 cm, una anchura de 23,5 cm y un diámetro de 19,1 cm.

Se trata de un recipiente, un pequeño urpu de cerámica con un cuerpo globular, el cuello alargado con los labios abocinados y dos asas o agarraderas colocadas una a cada lado de su abultado cuerpo.

Destaca como en el borde inferior de la boca presenta un par de pequeños anillos por dónde originalmente se podrían haber pasado cintas de colores y se aprecia como en el hombro de la cámara hay un asa central en forma de una cabeza de animal estilizada.

También resalta como la base del urpu es cónica y puntiaguada, por lo que para mantenerlo en equilibrio se debía asentar en un hueco o agujero en el suelo.

Está ornamentada con un diseño geométrico policromado en color negro y rojo sobre un fondo de color crema. Se observan como también está decorado con imágenes de pájaros, tal vez colibríes, encerrados en círculos, y criaturas similares a gatos e insectos.

Con respecto a la composición resaltar que el simbolismo de la decoración no está claro, pero se ha sugerido que para los incas la imágenes de insectos representaban la partida del alma después de la muerte.

Para finalizar subrayar que el Urpu Inca, debido a su tamaño pequeño, puede haber cumplido una función votiva, ya que se han encontrado urpus parecidos en entierros en partes distantes del imperio inca, desde la costa norte de Ecuador hasta las altas cumbres montañosas del centro de Chile.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Cabeza de Maza Vicús

La Cabeza de Maza Vicús es una cabeza de maza datada aproximadamente entre los años 100 a.C. y 500 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte vicús.

Cabeza de Maza Vicús

Lo primero que se conoce es que fue subastada el 4 de diciembre del año 1.971 d.C. por la casa de subastas "Parke-Bernet Gallery", ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Siendo comprada por el coleccionista de arte y abogado Arnold I. Goldberg, pasando a formar parte de la colección de arte "Collection of Arnold I. Goldberg".

En el año 1.976 d.C. la Cabeza de Maza Vicús pasó por herencia a ser propiedad de Jane Costello Goldberg.

Hasta que en el año 1.986 d.C. fue legada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene un diámetro de 7,3 cm.

Se trata una cabeza de maza de bronce fundido que presenta una superficie dividida por incisiones en cuatro secciones con un diseño abstracto parecido a un pájaro o un pez.

Así como un borde dentado y una base sin decoración. Además destacar que el borde estrecho de ésta forma producía considerablemente más presión que las formas redondas o bulbosas cuando se golpeaba contra una víctima.

Cabe resaltar que se conoce que algunas cabezas de maza se doraban después de fundirse y es posible que se hayan fabricado solo para rituales o para enterramientos, ya que el dorado probablemente no habría resistido los rigores de la batalla.

También es conocido que los orfebres vicús de la costa norte de Perú realizaron diseños de cabezas de maza que varían desde formas geométricas simples hasta cabezas de animales.

La superficie de la cabeza de una maza permitía el embellecimiento y los artistas vicús experimentaron con una variedad de formas y decoraciones tanto en piedra como en metal.

Para finalizar subrayar que se conoce que las armas preferidas para la batalla y la caza en la sociedad vicús eran la maza y la lanza.

Aparte es sabido que la cabeza de una maza se fijaba al extremo de un garrote de madera y se utilizaba principalmente para el combate cuerpo a cuerpo.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Kooauau

La Kooauau, también conocida como Kōauau, es una flauta datada aproximadamente en el siglo XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 1.900 d.C.), perteneciente al arte oceánico, en concreto al arte maorí.

Kooauau

Kooauau

Kooauau

Se conoce que la flauta procede de Aotearoa (nombre maorí para designar a Nueva Zelanda).

También es sabido que perteneció a la colección de arte de la escritora, coleccionsita y comisaria de instrumentos musicales estadounidense Mary Elizabeth Adams Brown.

La Kooauau formó parte de la colección de arte "The Crosby Brown Collection of Musical Instruments", hasta que en el año 1.889 d.C. fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 15,2 cm, una anchura de 3,2 cm y un diámetro de 4,4 cm.

Se trata de una flauta de silbato aerófono tallada en madera totara (también conocido como podocarpus totara, una especie de árbol de Nueva Zelanda).

Cabe resaltar que un instrumento aerófono es aquel que produce el sonido mediante la vibración de una columna de aire.

La flauta no tiene conductos ni muescas y se encuentra abierta en ambos extremos, presenta un total de tres orificios para los dedos colocados a lo largo del tubo y un borde afiliado en la parte superior por la que se sopla la flauta. 

Además destaca como toda la superficie exterior del tubo está ornamentada mediante una talla en la que aparece representada la figura de un antepasado o una figura perteneciente a la mitología maurí, rodeada por diversos motivos geométricos.

Para finalizar subrayar que las flautas kooauau de Aotearoa solían estar bellamente talladas y eran colgadas del mástil como un adorno personal cuando no se tocaban.

También resaltar que es un instrumento de viento prohibido para las mujeres, por lo que tan sólo pueden ser utilizados por hombres y su forma en forma de tubo simboliza el órgano genital masculino.

Es más se conoce que los interpretes maoríes de kooauau eran famosos por el poder que les otorgaba sobre el afecto de las mujeres (notablemente ilustrado por la historia de Tūtānekai, quien, al tocar su kōauau, convenció a Hinemoa de nadar hasta él a través del lago Rotorua).

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Piramidión de Iufaa

El Piramidión de Iufaa es un piramidión datado aproximadamente entre los años 664 a.C. y 525 a.C., perteneciente al arte egipcio.

Piramidión de Iufaa

Piramidión de Iufaa

En concreto fue realizado durante la XXVI dinastía del antiguo Egipto, también conocida dinastía Saíta.

Los investigadores piensan que pudo haber sido encontrado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en la antigua ciudad de Abidos, localizada cerca de la ciudad de El Balyana, situada en la gobernación de Sohag, en el Alto Egipcio.

Cabe destacar que lo primero conocido y confirmado es que el piramidión formo parte de la colección de arte "Amherst Collection".

En el año 1.921 d.C. el Piramidión de Iufaa fue subastado, dentro del lote: 208, por la casa de subastas "Sotheby Wilkinson y Hodge", situada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).

Siendo comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Piramidión de Iufaa

Piramidión de Iufaa

Piramidión de Iufaa

Pirmidión de Iufaa

Descripción

Tiene una altura de 35,5 cm, una anchura de 27,2 cm, una profundidad de 26,4 cm y un peso de 19,8 kg.

Está esculpido en piedra caliza policromada, mediante las técnicas de incisión, grabado, pintado y tallado.

Se trata de un piramidión, es decir, una pieza con forma piramidal que se utilizaba para coronar los obeliscos y pirámides.

Los laterales se encuentran ornamentados con un relieve hundido poco profundo que está tallado de manera experta pero tosca, con algunos detalles interiores para las figuras principales.

Además destaca como se han encontrado rastros de policromía, por lo que se piensa que originalmente podría haber estado pintado con una paleta limitada de: azul, blanco, negro y rojo.

Se puede observar como está ornamentado en las cuatro caras, con imágenes casi idénticas en cada par de los lados opuestos.

Aparte una inscripción jeroglífica en la parte superior de cada cara da el nombre de Iufaa y su título principal. En dos de los lados, Iufaa aparece arrodillado con las manos levantadas en un gesto de adoración ante una inscripción. 

En un lado la inscripción pide que el dios Re-Horajty (dios solar) le dé ofrendas. Arriba la figura reclinada de un chacal que representa al dios Anubis (dios de la muerte, el inframundo y la momificación), se posa sobre un santuario con un cetro entre sus patas delanteras.

En los otros dos lados, una inscripción central que da el nombre, los títulos y la filiación de Iufaa, está flanqueada por dos babuinos (uno a cada lado), haciendo gestos de alabanza.

Arriba hay barcas solares: en un lado, el sol se encuentra en el horizonte y en el otro el sol está saliendo, en equilibrio sobre las patas delanteras de un escarabajo (representado al dios Khepri (dios egipcio del sol naciente, representado con cara de escarabajo)).

Para finalizar subrayar que gracias a la inscripción jeroglífica se conoce que el Piramidión de Iufaa con los lados empinados está dedicado para Iufaa, un sacerdote del dios Osiris (gobernante del Inframundo y juez de los muertos, dios de la fertilidad, la resurrección, la vida, la bondad, la paz, el amor y la amistad), en su lugar sagrado de Abydos y originalmente podría haber coronado una capilla conmemorativa en este lugar.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Coraza de Bronce Hallstatt

La Coraza de Bronce Hallstatt es una coraza de bronce datada aproximadamente entre los siglos XII a.C. y XI a.C. (período comprendido entre los años 1.200 a.C. y 1.001 a.C.), perteneciente al arte prehistórico.

Coraza de Bronce Hallstatt

Coraza de Bronce Hallstatt

En concreto pertenece a la cultura de Hallstatt (una cultura arqueológica comprendido entre el período Bronce final y la Edad del Hierro).

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte del coleccionista William Henry Forman.

En el año 1.869 d.C. por herencia pasó a ser propiedad de la coleccionista de arte conocida como Mrs. W. H. Burt (cuñada de William Henry Forman).

En el año 1.889 d.C. fue adquirida por el Mayor A. H. Browne (sobrino de William Henry Forman), pasando a formar parte de su colección ubicada en el condado de Northumberland, al nordeste de Gran Bretaña.

El 19 de junio del año 1.899 d.C. la coraza fue vendida a través de la casa de subastas "Sotheby Wilkinson & Hodge", localizada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña), siendo comprada por el coleccionista David Reiling, Maintz.

Hasta que en abril del año 1.909 d.C. la Coraza de Bronce Hallstatt fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 51 cm y una anchura de 39,4 cm. Está fabricado en bronce.

Se trata de una coraza en forma de campana, formada por dos piezas y un protector de cuello. Además destaca como las dos piezas o placas (delantera y trasera) de bronce martilleado se encuentran articuladas entre sí.

Aparte se puede observar como ambas piezas representan la anatomía masculina en un patrón estilizado de protuberancias en relieve y filas de puntos.

Para finalizar subrayar que en un primer momento cuando fue hallada la Coraza de Bronce Hallstatt se pensó que podría pertenecer al arte etrusco. 

Sin embargo un estudio reciente llevó a la reasignación de la coraza como un objeto elaborado por la cultura de Hallstatt (una cultura protocelta), localizada en la zona de los Alpes al norte de la actual Italia, lo que la engloba dentro del arte prehistórico.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Invierno

Invierno es una escultura datada en el año 1.787 d.C., perteneciente al arte neoclásico.

Invierno

Invierno

Invierno

Fue esculpido por el escultor francés Jean-Antoine Houdon.

Se conoce que la escultura permaneció en la colección de su autor el escultor francés Jean-Antoine Houdon.

En el año 1.791 d.C. fue comprada por el duque de Orleans Luis Felipe II de Orleans, formando parte de su colección de arte hasta el año 1.793 d.C. cuando la escultura fue confiscada durante la Revolución y guardada en un depósito en la ciudad de París (Francia).

Lo siguiente que se conoce es que la escultura fue vendida el 2 de mayo del año 1.842 d.C., siendo comprada por un precio de 1.300 francos.

Luego fue vendida el 16 de enero del año 1.844 d.C. por un precio de 650 francos al coleccionista de arte y aristócrata británico Richard Seymour-Conway (cuarto marqués de Hertford KG).

En el año 1.870 d.C. Invierno fue adquirido por el coleccionista de arte y filántropo británico Sir Richard Wallace, Baronet, en el año 1.890 d.C., por herencia, pasó a ser propiedad de su esposa Julie Amelie Charlotte Castelnau (también conocida como Lady Wallace). 

En el año 1.897 d.C. fue comprado por el historiador de arte y coleccionista británico Sir John Edward Arthur Murray Scott, primer baronet de Connaught Place (también conocido como John Murray Scott).

Invierno

En el año 1.912 d.C. la escultura fue legada a la noble y coleccionista de arte británica Victoria Josefa Dolores Catalina Sackville-West, baronera Sackville.

En el año 1.914 d.C. Invierno fue comprado por el anticuario, coleccionista y comerciante de arte alemán Jacques Seligmann.

En el año 1.917 d.C. la escultura fue vendida al banquero y filántropo estadounidense Henry Pomeroy Davison, pasando a formar parte de su colección de arte ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.922 d.C. toda su colección, junto con la escultura, pasó a ser por herencia propiedad de su esposa la coleccionista y filántropa estadounidense Kate Trubee Davison.

Hasta que en el año 1.962 d.C. Invierno fue legado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Invierno

Invierno

Invierno

Invierno

Invierno

Descripción

Tiene una altura de 143,5 cm, una anchura de 39,1 cm, un grosor de 50,5 cm y un peso de 198,6755 kg.

Mientras que el pedestal tiene una altura de 86,4 cm.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta de bronce que representa la figura de una mujer joven, en edad nubil, es decir, en edad de contraer matrimonio.

Invierno (detalle)

Aparece representada desnuda, ataviada solo con un chal, de pie, con la espalda ligeramente encorvada hacia delante y con los brazos cruzados sobre su pecho y estómago.

En el rostro destacan los ojos almendrados semicerrados, con la mirada abatida, la nariz recta y los labios finos.

Además resalta como la pierna derecha está representada ligeramente más elevada y cruzada delante de la pierna izquierda, lo que hace que el cuerpo aparezca representado en una postura defensiva.

Tan solo se encuentra cubierta con un chal con el dobladillo ligeramente deshilachado que le cubre la cabeza, dejándole el rostro al descubierto, también le cubre parte superior de la espalda y le cae por la parte delantera del cuerpo tapándole los pechos y la vagina.

Invierno (detalle)

Se puede apreciar como toda la escultura descansa sobre una base con forma circular.

Aparte en la parte superior de la base se puede leer la firma del autor:

"HOUDON. F. 1787"

Para finalizar subrayar que se conoce que Invierno fue concebida originalmente como una alegoría de la estación invierno.

Ésta intención queda reflejada tanto en el medio (un bronce frío y oscuro) como en las características de la escultura.

En concreto resaltar que representa a una mujer "frileuse" (una palabra francesa que significa "sensible al frío", pero también es una palabra usada para referirse a una persona reservada o cauta ante situaciones o acciones que lo involucren).

Sobretodo los investigadores han resaltado que el artista representa la piel temblorosa de la mujer compensándola con el chal ceñido al cuerpo de forma elegante, pero poco adecuado.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Relieve que Representa a un Kinnara

El Relieve que Representa a un Kinnara es un relieve datado aproximadamente entre los siglos VII d.C. y VIII d.C. (período comprendido entre los años 601 d.C. y 800 d.C.), perteneciente al arte tailandés.

Relieve que Representa a un Kinnara

Fue hallado en el año 1.968 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas en Chula Pathon Chedi, ubicado en la provincia de Nakhon Pathom, en Tailandia.

En el año 1.998 d.C. el Relieve que Representa a un Kinnara fue transferido al Museo Nacional Phra Pathom Chedi, dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 86,4 cm, una anchura de 84,5 cm y una profundidad de 17,8 cm.

Se trata de un relieve de estuco que tiene representado la figura de un kinnara, es decir, una criatura mitológica mitad humana y mitad pájaro.

Además está asociado con la música y el amor, por lo que se encuentra considerado un músico celestial que ocupaba en los reinos celestiales el papel de artista.

También llama la atención como la criatura parecida a un pájaro, salvo por los brazos y la cabeza, está representada tocando un instrumento, la vina (instrumento musical de cuerda pulsada de la India, que se encuentra considerado uno de los instrumento de cuerda más antiguos de la India y está asociado con la espiritualidad y la devoción).

Con respecto a la composición resaltar que la cabeza bellamente modelada presenta una fisonomía distintiva del estilo de arte Dvaravati (una forma de trabajo artístico originaria de los reinos Mon (entidades políticas establecidas por el pueblo de habla Mon en partes de la actual Myanmar y Tailandia)).

Para finalizar subrayar que el Relieve que Representa a un Kinnara fue prestado desde el 14 de abril al 27 de julio del año 2.014 d.C. para ser expuesto en la exposición "Lost Kingdoms: Hindu-Buddhist Sculpture of Early Southeast Asia, 5th to 8th Century" ("Reinos perdidos: esculturas hindúes y budistas del sudeste asiático temprano, del siglo V al VIII"), llevada a cabo en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Actualmente se encuentra en el Museo Nacional Phra Pathom Chedi, Tailandia.

Espejo Moche con Pájaros

El Espejo Moche con Pájaros es un espejo datado aproximadamente entre los siglos II d.C. y VII d.C. (período comprendido entre los años 101 d.C. y 700 d.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte moche.

Espejo Moche con Pájaros

Espejo Moche con Pájaros

Lo primero que se conoce es que estaba en la colección de arte de Leon Buki, localizada en la ciudad de Miami, en el estado de Florida (Estados Unidos de América).

En el año 1.968 d.C. fue adquirido por el coleccionista de arte, abogado y editor Arnold I. Goldberg, pasando a formar parte de la colección de arte: "Collection of Arnold I. Goldberg".

En el año 1.976 d.C., por herencia, el Espejo Moche con Pájaros pasó a ser propiedad de su esposa Jane Costello Goldberg.

Hasta que en el año 1.987 d.C. el espejo fue legado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 21,3 cm, una anchura de 13 cm y un grosor de 2,5 cm.

Se trata de un espejo fabricado en cobre fundido y dorado, con el marco trapezoidal ornamentado con una procesión de pájaros que miran hacia arriba a cada lado y se encuentran en la parte superior, aunque se puede apreciar como en la actualidad falta un pájaro en el lado izquierdo de la parte superior.

El marco reposa sobre un mango cilíndrico, hueco y cónico, que se hizo por separado, al igual que los pájaros, para después ser soldado al marco.

Aparte se pueden apreciar pequeñas áreas del dorado original en el mango, mientras que la superficie reflectante de pirita es un reemplazo moderno.

Para finalizar subrayar que se conocen espejos peruanos precolombinos fabricados en antracita pulida, pirita y obsidiana, pero el propósito de éstos objetos no está claro.

Es más resaltar que casi todos los espejos utilizaban madera como soporte, sin embargo el Espejo Moche con Pájaros es inusual ya que tiene un marco y un respaldo de cobre dorado.

Por lo tanto éste espejo de cobre dorado es uno de los pocos, pertenecientes al arte moche, que han sobrevivido hasta nuestros días.

Además, aunque la mayoría de los objetos de metal moche de la región sur se fabricaban con láminas de metal, el Espejo Moche con Pájaros se hizo utilizando la técnica de fundición a la cera perdida, la técnica preferida utilizada para producir objetos de cobre en el yacimiento arqueológico moche de Loma Negra, ubicado en la región de Piura, en el norte de Perú.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Silbato Cupisnique

El Silbato Cupisnique es un silbato datado aproximadamente entre los años 1.200 a.C. y 500 a.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte cupisnique.

Silbato Cupisnique

Silbato Cupisnique

Lo primero que se conoce es que fue encontrado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en el sector de Tembladera del Valle del Jequetepeque, en la zona del departamento de Cajamarca, en Perú.

En el año 1.969 d.C. el silbato fue adquirido por los coleccionistas de arte Conny y Frederick E. Landmann, pasando a formar parte de su colección de arte ubicada en el pueblo de Hanover, situado en el condado de Grafton en el estado de Nuevo Hampshire (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 1.992 d.C. el Silbato Cupisnique fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 5,1 cm, una anchura de 3,8 cm y un grosor de 3,2 cm.

Se trata de un instrumento musical, un pequeño silbato de cerámica en forma de pájaro, con líneas incisas para representar el pico, el cuello y las plumas, mientras que los ojos circulares fueron realizados con una caña o un instrumento similar y un orificio para la pupila.

Destaca como en algunas de las incisiones aun quedan restos de pigmentos blancos y rojos, que fueron aplicados después de la cocción de la cerámica.

También tiene un gran agujero en la parte posterior en el que el usuario soplaba para crear un sonido y un total de cuatro agujeros más pequeños en los lados.

Siendo éstos agujeros más pequeños los que permitían modular el tono a medida que el músico modificaba el número de agujeros abiertos con las yemas de los dedos.

Para finalizar subrayar que es conocido que el uso de silbatos en la sociedad cupisnique pueden haber sido en festivales o ceremonias específicas.

Además se sabe que aparte de los silbatos, los alfareros y orfebres crearon recipientes silbadores: botellas y otros recipientes que emitían un sonido cuando se llenaban con líquidos.

Es más es sabido que la música era una parte importante de la vida en el antiguo Perú y se conocen diversos instrumentos, incluidos silbatos, trompetas, tambores y flautas que datan de las culturas más antiguas.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Cabeza de una Divinidad Masculina

La Cabeza de una Divinidad Masculina es una escultura datada aproximadamente en el siglo VIII d.C. (período comprendido entre los años 701 d.C. y 800 d.C.), perteneciente al arte tailandés.

Cabeza de una Divinidad Masculina

Cabeza de una Divinidad Masculina

Se piensa que la escultura procede del yacimiento arqueológico de Chula Prathon Chedi, localizado en la ciudad de Nakhon Pathom, ubicada en la provincida de Nakhon Pathom, en el departamento de Amphoe Mueang Nakhon Pathom (Tailandia).

El 1.874 d.C. la Cabeza de una Divinidad Masculina pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Nacional de Bangkok (Tailandia).

Descripción

Tiene una altura de 17 cm, una anchura de 13 cm y una profundidad de 8 cm. 

Se trata de una escultura de estuco que representa la cabeza de una divinidad masculina, sobretodo llama la atención como se encuentra coronada con una corona o diadema cónica ornamentada con joyas que conforman una banda con diseños geométricos.

En el rostro estilizado resaltan las cejas compuestas por una fina línea horizontal arqueada, los ojos rasgados cerrados, la nariz grande y chata y los labios carnosos curvados en una sonrisa.

También destaca como en la frente, justo situado entre las cejas hay una marca compuesta por tres bandas horizontales con una única banda vertical en el centro, que simboliza el tercer ojo o el ojo de la sabiduría.

Además cabe resaltar que la identidad de ésta divinidad es incierta. Si bien la distintiva diadema cónica es característica de la iconografía Vaishanava, el tercer ojo evoca al dios Shiva.

La figura probablemente ocupaba una esfera celestial poblada por dedidades brahmánicas, con un papel sumiso a la Ley de Buda. Tal vez se relacionara con una historia de jataka en la que un bodhisattva apareció en una vida anterior como ermitaño shaiva.

Con respecto a la composición destacar que se piensa que el rostro fue moldeado, probablemente a partir de una matriz de arcilla cocida, que también ha sido utilizada para otras figuras encontradas en el yacimiento arqueológico de Chula Prathom Chedi, edificada en la ciudad de Nakhon Pathom, situada en el departamento de Amphoe Mueang Nakhon Pathom, en Tailandia.

Para finalizar subrayar que la Cabeza de una Divinidad Masculina fue prestada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), para ser expuesta desde e l4 de abril al 27 de julio del año 2.014 en la exposición "Lost Kingdoms: Hindu-Buddhist Sculpture of Early Southeast Asia, 5th to 8th Century" ("Reinos perdidos: esculturas hindúes y budistas del sudeste asiático temprano, siglos V al VIII").

Actualmente se encuentra en el Museo Nacional de Bangkok, Tailandia.

Aríbalo de Nearchos

El Aríbalo de Nearchos es un aríbalo datado aproximadamente en el año 570 a.C., perteneciente al arte griego.

Aríbalo de Nearchos

Aríbalo de Nearchos

Fue fabricado por el alfarero y pintor griego Nearchos. 

Lo primero que se conoce es que el Aríbalo de Nearchos fue encontrado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en la isla de Chipre por el militar, diplomático, coleccionista y arqueólogo aficionado italo-estadounidense Luigi Palma di Cesnola, pasando a formar parte de la colección de arte "The Cesnola Collection".

Formó parte de la "The Cesnola Collection" hasta que en el año 1.926 d.C.. el aríbalo, por intercambio, pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Aríbalo de Nearchos

Aríbalo de Nearchos

Aríbalo de Nearchos

Descripción

Tiene una altura de 7,8 cm.

Se trata de un aríbalo, es decir, un recipiente con forma globular, con el cuello bastante largo rematado en una boca ancha y exvasada y con una fina asa vertical que une el labio con los hombros del recipiente.

Aparte destaca como el cuerpo está ornamentado por un patrón geométrico compuesto por líneas dispuestas verticalmente y como alrededor del borde hay una banda con pigmeos (una serie de grupos cazadores-recolectores que viven selvas ecuatoriales africanas) luchando contra grullas.

Alrededor de la superficie principal de asa están representados tres sátiros (criatura mitológica con la parte inferior de cuerpo de cabra y la parte superior de hombre, que seguían al dios Dionisio).

En un extremo del asa aparece representado el dios Hermes (dios de los viajeros, mensajero de los dioses, del comercio, la astucia y los ladrones) y en el otro extremo está representado Perseo (héroe griego, un semidiós, hijo de dios Zeus y la mortal Dánae).

Mientras que en la parte superior se encuentran representados dos tritones (criaturas mitológicas marinas que son mitad humanos y mitad peces).

Con respecto a la composición destacar que el aríbalo es excepcional por la precisión y el vigor de las figuras representadas.

En cuanto a su utilización resaltar que se conoce que el Aríbalo de Nearchos originalmente era utilizado como recipiente para conservar el aceite perfumado destinado al cuidado del cuerpo, siendo habitual utilizarlo durante los baños y entre el ajuar de los atletas.

Para finalizar subrayar que se conoce que el cerámico y pintor griego Nearchos fue uno de los grandes artistas activos alrededor del año 570 a.C. y su hijo, Tleson fue uno de los principales alfareros griegos de copas en la generación de artistas siguiente.

Además también es conocido que ambos (Nearchos y Tleson) sabían leer y escribir e inscribían y firmaban sus obras.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Mujer Leyendo

La Mujer Leyendo es una pintura datada aproximadamente en el año 1.927 d.C., perteneciente al cubismo. 

Mujer Leyendo

Fue pintado por el pintor e ilustrador español José Victoriano González-Pérez (también conocido como Juan Gris).

Se conoce que la pintura fue pintada en la localidad de Boulogne-Billancourt, situada en la región de Isla de Francia, en el departamento de Altos del Sena (Francia).

Lo siguiente que se conoce es que perteneció a la colección de arte de Dianne Yanovick Dornoquast.

Descripción

Tiene una altura de 91,7 cm y una anchura de 73 cm, mientras que la pintura enmarcada tiene una altura de 109,2 cm y una anchura de 90,2 cm.

Está pintada al óleo y lápiz sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa a una mujer sentada leyendo, con la mirada hacia el espectador y el libro abierto en su regazo.

Destaca como el dibujo subyacente visible, con líneas que irradian desde diferentes puntos focales, revela como el artista construyó su composición a partir de una estructura geométrica subyacente.

Luego, en su propia interpretación del cubismo, el artista agregó elementos más voluminosos a la composición plana, como la forma ovalada del cuerpo superior y las líneas negras fluidas que definen la figura de la mujer que lee.

Con respecto a la composición resalar que la pintura puede expresar el deseo del artista de encontrar un lado más sensible a su arte, uno asociado con la libertad y el encanto de lo inacabado.

Sin embargo cabe enfatizar que algunos investigadores piensan que la obra no se dejó incompleta intencionalmente, sino que pertenece a una serie de pinturas que el pintor e ilustrador español Juan Gris abandonó cuando su salud comenzó a fallar (ataques de uremia y problemas cardíacos), y probablemente no tenía la intención de que se viera o vendiera.

Para finalizar subrayar que la pintura fue prestada desde el 18 de marzo al 4 de septiembre del año 2.016 d.C. al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde fue expuesta en la exposición "Unfinished: Thoughts Left Visible" (Inacabada: Pensamientos dejados visibles).

Actualmente la Mujer Leyendo se encuentra en posesión de un coleccionista privado.

Figura de Búfalo

La Figura de Búfalo es una escultura datada aproximadamente en el siglo XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 1.900 d.C.), perteneciente al arte africano.

Figura de Búfalo

Lo primero que se conoce es que en el año 1.894 d.C. fue recogida en la ciudad de Abomey (Benin) por las fuerzas coloniales francesas.

Entre el 27 y 28 de marzo del año 1.939 d.C. la escultura fue subastada en el "Hôtel Drouot Rive Gauche", ubicado en la ciudad de París (Francia).

Siendo comprada por el político estadounidense y vicepresidente de los Estados Unidos de América Nelson Aldrich Rockefeller, pasando a formar parte de su colección de arte.

En la década de 1.950 d.C. la escultura pasó a ser propiedad del curador de arte estadounidense René d'Harnoncourt y su esposa la coleccionista de arte Sara Carr d'Harnoncourt.

En el año 2.001 d.C. la escultura pasó a formar parte de la colección de arte de la curadora, directora de museo e historiadora del arte estadounidense Anne Julie d'Harnoncourt.

Hasta que en el año 2.002 d.C. la Figura de Búfalo fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), en memoria de René y Sarah Carr d'Harnoncourt y Nelson Aldrich Rockefeller.

Descripción

Tiene una altura de 33,5 cm, una anchura de 22,9 cm y un grosor de 47,6 cm. Está fabricada en aleación de cobre, plata, hierro y madera.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la figura de un búfalo, compuesto por un núcleo de madera cubierto de láminas de plata martillada.

El búfalo aparece representado de pie, con los cuernos gruesos curvándose hacia arriba en los extremos, la cola también se encuentra curvada hacia arriba, aparte tanto los cuernos, como la cola han sido elaborados con hierro fundido, mientras que las orejas y los ojos están realizados mediante incrustaciones de aleación de cobre.

Las fauces están representadas abiertas enseñando los dientes y todo el cuerpo del búfalo está cubierto por láminas de plata que han sido martilladas formando diferentes patrones geométricos que representan el pelaje del animal.

Con respecto a la composición destaca la excelente mano de obra del artista fon que ha dado como resultado un artefacto de sorprendente espontaneidad y alegría.

El artista ha adoptado un enfoque nuevo para el equilibrio entre el naturalismo y la estilización. También ha enriquecido el interés textural de la pieza mediante la integración de múltiples técnicas de trabajo del metal, incorporando elementos de hierro fundido y plata.

Además resaltar que la figura fue creada por miembros del gremio real en el apogeo de la influencia del reino fon y enfatizar que se produjeron pocas obras de plata fon de éste tipo, por lo tanto la singularidad, la innovación y la originalidad aumenta su rareza.

Para finalizar subrayar que las obras de plata fon, como la Figura de Búfalo, eran objetos de poder y prestigio que poseía un gobernante del reino fon de Dahomey, en la actual región de Benín.

Se conoce que en los siglos XVIII d.C. y XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.701 d.C. y 1.900 d.C.), el reino de Dahomey prosperó como un importante centro del comercio internacional de esclavos.

Los reyes fon eran importantes mecenas del arte que contrataban a artistas de la corte para crear objetos que realzaban su estatus.

Durante las festividades anuales denominadas "huetantu", éstas lujosas esculturas y textiles se exhibían por la capital para celebrar la riqueza y el poderío militar del reino.

Es más resaltar que la guerra casi constante que se requería para mantener un suministro constante de esclavos capturados dio lugar a una cultura del militarismo centrada en la persona del rey.

Objetos preciosos cubiertos de metal se llenaban de materiales "sobrenaturalmente potentes" para proteger al monarca y ayudarlo en sus hazañas militares.

En tiempos de guerra, éstas esculturas denominadas "bocio", se colocaban en santuarios de palacio dónde eran el centro de las oraciones y sacrificados a la deidad Gu (deidad asociada con la guerra y el metal).

Durante los tiempos de crisis y sobretodo antes de la coronación de un nuevo gobernante, los líderes fon podían consultar "fa" (sistema regional de adivinación), siendo el búfalo uno de los 256 símbolos de "fa".

Cada animal se asocia con un gobernante específico para ayudar a proporcionar información sobre los eventos que marcarían su vida. 

Por lo tanto un gobernante estaba tan íntimamente aliado con su emblema que se creía que podía asumir la forma de ese animal, se utilizaban proverbios, poemas y canciones para interpretar cada signo y las artes visuales correspondientes.

También cabe resaltar que tanto el búfalo como el elefante son animales asociados con el el rey de Dahomey Guezo (reinó aproximadamente entre los años 1.818 d.C. y 1.858 d.C.), se cree que ambos animales evocan fuerza, legado real y memoria duradera.

Además por su relación con el elefante y el búfalo el rey Guezo es conocido como un gobernante que dejó una impresión indeleble en su propio reino y en los de sus adversarios.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Candelabro y Naipes sobre una Mesa

Candelabro y Naipes sobre una Mesa es una pintura datada en la primavera del año 1.910 d.C., perteneciente al cubismo. 

Candelabro y Naipes sobre una Mesa

Fue pintada por el pintor y escultor francés Georges Braque.

En el año 1.910 d.C. la pintura fue adquirida directamente del artista por el escritor, coleccionista y marchante de arte alemán, nacionalizado francés, Daniel-Henry Kahnweiler, siendo expuesta en su galería de arte de la ciudad de París (Francia) "Galerie Kahnweiler".

En el año 1.914 d.C. fue adquirida por el marchante, coleccionista, crítico de arte y escritor alemán Wilhelm Uhde.

El 30 de mayo del año 1.921 d.C. fue vendida por un precio de 587,50 francos en el "Hôtel Drouot", localizado en la ciudad de París (Francia).

En el año 1.922 d.C. la pintura se encontraba en la galería de arte "Galerie Percier" de París (Francia).

Después, en el año 1.948 d.C., Candelabro y Naipes sobre una Mesa fue comprada por el fabricante de ropa y coleccionista de arte estadounidense Sidney Janis, siendo expuesta en la galería de arte de Nueva York "Sidney Janis Gallery" (Estados Unidos de América).

Luego perteneció a la colección de arte de Peter y Elizabeth Rübel, ubicada en la zona de Cos Cob en la ciudad de Greenwich, situada en el contado de Fairfield, localizado en el estado de Connecticut (Estados Unidos de América).

El 24 de marzo del año 1.952 d.C. fue comprada por un precio de 9.500 dólares por el coleccionista de arte y marchante alemán Klaus Gunther Perls y su esposa la coleccionista y marchante de arte estadounidense Dolly Perls.

Hasta que en el año 1.997 d.C. Candelabro y Naipes sobre una Mesa fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Candelabro y Naipes sobre una Mesa

Descripción

Tiene una altura de 64,8 cm y una anchura de 54 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura con forma ovalada que presenta una naturaleza muerta representada mediante figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies.

En el centro inferior de la composición, la esquina de una mesa emerge de la paleta tonal de grises, marrones y negros de la pintura.

Detrás aparece representada la base de un candelabro de latón sobre una mesa. Mientras que a la derecha flotan dos naipes (carta de una baraja): el as de corazones y el seis de diamantes.

Cabe resaltar que la pintura se encuentra firmada en el reverso con la siguiente inscripción: "Braque".

Con respecto a la composición resaltar que la pintura se encuentra englobada dentro del cubismo analítico que se basa en una formulación de los objetos en formas geométricas, es decir, se centra en analizar lo representado y su fragmentación de objetos reconocibles.

Además enfatizar que el formato ovalado concentra y comprime la energía del cuadro. También cabe resaltar que la energía de una pintura puede referirse a la sensación de movimiento o vida que evoca una obra, o a la idea de que el arte presenta el poder de cambiar el mundo.

Para finalizar subrayar que los derechos y reproducción del Candelabro y Naipes sobre una Mesa son de © 2025 Artists Rights Society (ARS), New York.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.