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Venezia, también conocida como Busto de Venezia, es una escultura datada aproximadamente entre los años 1.865 d.C. y 1.866 d.C., perteneciente al arte neoclásico.
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Venezia |
Fue esculpida por el escultor estadounidense Larkin Goldsmith Mead, Jr..
Lo primero que se conoce es que la escultura formaba parte de la colección de arte de un coleccionista privado ubicado en el estado de California (Estados Unidos de América).
Después perteneció a la colección de la galería de arte "Conner-Rosenkranz", situada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).
Hasta que en el año 1.999 d.C. Venezia fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.
Tiene una altura de 68,6 cm, una anchura de 38,7 cm y un grosor de 28,3 cm. Está fabricada en mármol, mediante las técnicas de incisión, pulido y tallado.
Se trata de una escultura de mármol que representa el busto de una mujer joven idealizada, ataviada con un corpiño que le deja al descubierto los hombros y el cuello.
En el rostro redondeado destacan las cejas finas, los ojos almendrados con los iris marcados, la nariz recta, los labios carnosos y el mentón redondeado.
Además se aprecia como el cabello ondulado y largo se encuentra peinado en un elegante recogido que le deja sueltos varios mechones que le caen por la espalda y le despejan el rostro.
Sobretodo destaca como la mujer emerge de un corpiño texturizado de espuma de mar que hace referencia al entorno acuático de la ciudad de Venecia (Italia).
Aparte también se puede observar como lleva una tiara de cuentas y una gran concha central que tiene representada en el anverso una pequeña góndola.
Para finalizar subrayar que las representaciones idealizadas de lugares geográficos (ciudades, países y continentes) eran particularmente atractivas para los estadounidenses del siglo XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 1.900 d.C.).
Se piensa que Venezia puede ser un busto alegórico y un retrato de bodas, es decir, no sólo rinde homenaje a su nueva esposa, a quién conoció en la ciudad de Venecia (Italia), sino que también ofrece un homenaje a la ciudad tradicionalmente conocida como la "Novia del Mar".
Es más destacar que se conoce que el escultor estadounidense Larkin Goldsmith Mead, Jr. trabajo en la ciudad de Florencia (Italia) durante más de medio siglo, confiando en materiales y mano de obra italianos para crear esculturas para el mercado estadounidense.
Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.
El Semental Kitab es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.730 d.C. y 1.735 d.C., perteneciente al arte indio.
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El Semental Kitab |
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El Semental Kitab |
Fue pintado por el pintor indio Bhavanidas, en su taller ubicado en la ciudad de Kishangarh, localizada en el estado de Rajasthan, en India.
Se conoce que perteneció a la colección de arte del psicólogo, ejecutivo de negocios y coleccionista de arte estadounidense Alvin O. Bellak.
En el año 2.004 d.C. El Semental Kitab pasó a formar parte de la colección de arte del Museo de Arte de Filadelfia, situado en el estado de Pensilvania, en Estados Unidos de América.
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El Semental Kitab |
Tiene una altura de 25,4 cm y una anchura de 33,3 cm. Está pintado en acuarela opaca y oro sobre papel.
Se trata de una pintura que representa un caballo semental (caballo que no ha sido castrado y es utilizado para la reproducción para que trasmita sus cualidades físicas y de comportamiento a sus descendientes), llamado Kitab, de perfil mirando hacia el lado derecho y de pie.
Resalta como el pelaje presenta varios tonos, con la parte superior blanca, la parte inferior en tonos marrones y manchas de color negro, la cola es de color blanca acabada en tonos rojizos, la crin de color blanca le cae por el lomo y se observa como en la parte superior de la cabeza tiene el mechón o tupe recogido con una cinta que lo mantiene en posición vertical.
También destaca como lleva una arnés dorado ornamentado con joyas y sobre el lomo lleva una manta decorada con un patrón geométrico amarillo y rojo. Además lleva bridas de color dorado.
Delante del caballo, situados en la parte izquierda hay representados dos mozos de cuadra de pie, uno de ellos se encuentra representado acercando al hocico la comida del semental en un elegante recipiente, mientras que el otro sostiene la brida.
Aparte hay representados otros dos mozos de cuadra, uno situado en el lateral izquierdo del caballo, con lo que se encuentra tapado y sólo se puede apreciar la parte inferior del cuerpo, parte de la cabeza y el brazo derecho levantado sosteniendo un abanico alargado con plumas de pavo real.
El otro mozo de cuadra está representado de pie, detrás de la cola del caballo, con la cabeza inclinada ligeramente hacia arriba, mientras sostiene un abanico alargado acabado con plumas de pavo real que reposa sobre su hombro izquierdo.
Sobretodo llama la atención como tanto el atuendo, como los rostros de los mozos de cuadra presentan un estilo mongol, siendo ésto debido a que antes de ir a la ciudad de Kishangarh (India), el pintor Bhabanidas trabajó para la corte mongol en la ciudad de Delhi (India), ya que como muchos artistas el pintor viajó de corte en corte trabajando para diferentes mecenas.
Además cabe enfatizar que los artistas itinerantes fueron un factor importante en la mezcla de estilos de pintura regionales en toda la India.
Con respecto a la composición destacar que el gran semental se encuentra pintado con acuarelas ricas y opacas, mientras que los cuatro mozos de cuadra que lo acompañan están pintados de manera fantasmales con una pintura más fina y transparente, lo que no deja ninguna duda sobre el verdadero tema de ésta pintura.
También cabe destacar que en el reverso de la pintura, situada en el medio de la parte superior, se puede leer la firma del autor.
Para finalizar subrayar que El Semental Kitab fue prestado desde el 26 de septiembre del año 2.011 d.C. al 8 de enero del año 2.012 d.C. al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), para ser expuesto en la exposición "Wonder of the Age: Master Painters of India, 1.100 d.C. - 1.900 d.C." (Maravillas de la época: maestros pintores de la India, 1.100 d.C. y 1.900 d.C.).
Actualmente se encuentra en el Museo de Arte de Filadelfia, Estados Unidos de América.
El Ángel de Lichfield es una talla datada aproximadamente en el siglo VIII d.C. (período comprendido entre los años 701 d.C. y 800 d.C.), perteneciente al arte anglosajón.
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Ángel de Lichfield |
Fue hallado en el año 2.003 d.C. durante las excavaciones realizadas por el arqueólogo, historiador de la arquitectura y académico británico Warwick James Rodwell OBE, para la construcción de una plataforma retráctil para el altar.
La talla se encontró en el interior de una cámara hundida y quemada al este de la nave de la Catedral de Lichfield, localizada en la ciudad de Lichfield, situada en el condado de Staffordshire, en la región de West Midlands (Gran Bretaña).
Cabe destacar que la talla fue hallada rota en tres pedazos, los dos principales fueron hallados colocados boca abajo sobre los escombros como una señal de respeto, que ayudó a preservar los pigmentos originales que son inusualmente brillantes para una escultura de piedra.
Mientras que el tercer fragmento fue encontrado boca arriba y estaba más desgastado que las otras piezas, reteniendo menos pigmento.
Además resaltar que después de que se completó la excavación, el área se rellenó y se construyó la plataforma de la nave de la catedral.
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Ángel de Lichfield (reconstrucción) |
Los fragmentos juntos tienen una altura de 635 mm, una anchura de 370 mm y un espesor de 100 mm.
Se trata de tres fragmentos de una talla de piedra caliza policromada que representa al arcángel Gabriel (miembro de la alta jerarquía celestial, que aparece en la Biblia y es conocido como el mensajero de Dios), que originalmente formaba parte de una pieza más grande en la actualidad perdida.
Está representado como un ángel alado con un halo, levantando su mano derecha en señal de bendición, mientras que la mano izquierda sostiene un cetro con follaje brotando.
Gabriel se encuentra representado en el acto de descender, con su pie izquierdo en el suelo, mientras que el derecho está siendo levantado desde una enredadera, posiblemente con la intención de simbolizar el paraíso.
Aparte cabe destacar que se puede apreciar como los ojos de Gabriel son huecos y profundamente perforados.
También destaca como la talla presenta una marca de un martillo y un cincel a la derecha del ángel, que evidencia su destrucción intencional en lugar de haberse roto de manera accidental.
Los investigadores piensan que pudo haber sido destruida durante el inicio de las incursiones vikingas en el reino de Mercia durante el siglo IX d.C. (período comprendido entre los años 801 d.C. y 900 d.C.).
Con respecto a la composición resaltar que el análisis de los restos de los pigmentos indica que las vestiduras del ángel fueron pintadas originalmente con una mezcla de rojo y amarillo, con pigmentos blancos que resaltaban los pliegues.
El artista había aplicado las capas y mezclado pinturas para producir una gama de colores, tanto reflejos como sombreados.
Las alas de Gabriel estaban coloreadas en tonos de rojo en la sombra, rosa con amarillo mezclado y reflejos blancos. Se aprecia como el cabello es rubio y la parte interior del halo era de un amarillo más oscuro.
Las manos, los pies y la cara estaban pintados en un tono carne, con el interior de los labios y las fosas nasales acentuados en negro. El fondo era blanco con un borde rojo y el tallo de la vid estaba coloreado de rojo y los brotes de amarillo.
Por lo que se puede afirmar que la talla conserva numerosos restos de los pigmentos originales, lo que es raro en las obras de piedra pintadas anglosajonas y posiblemente sea debido a la colocación de los fragmentos en el suelo que han contribuido a la perduración del pigmento.
Los pigmentos rojo y amarillo se derivaban de óxidos de hierro, el blanco de carbonato de calcio y plomo, y el negro de carbono.
La parte exterior del halo estaba recubierta con una capa de mordiente formada por una mezcla de minerales silíceos, que contenían hierro y aluminio.
Su acabado suave puede haber sido para permitir la aplicación de una capa de dorado y que habría permitido que el oro fuera bruñido.
Sin embargo no se conserva ningún rastro de dorado en el ángel, pero se encontró una pequeña muestra cerca durante la excavación.
Y los huecos en los ojos pueden haber sido para permitir el montaje de piedras preciosas, aunque no se han hallado restos de adhesivo en el interior, por lo que es posible que originalmente los huecos se hayan dejado vacíos.
Para finalizar subrayar que en el año 2.004 d.C. el arqueólogo, historiador de la arquitectura y académico británico Warwick James Rodwell OBE convocó una reunión de expertos en la Sociedad de Anticuarios de Londres (Gran Bretaña) para discutir el tratamiento a seguir para restaurar el Ángel de Lichfield.
A la reunión asistieron representantes del Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), del Museo Victoria & Albert (Gran Bretaña) y de la galería de arte "Courtauld Gallery" y se determinó un encargo de un examen detallado de la pieza antes de su conservación y exhibición.
Los trabajos iniciales fueron financiados por "Pilgrim Trust" (organización benéfica independiente que otorga subvenciones en Gran Bretaña).
Se realizaron diversos escaneos láser tridimensionales de los fragmentos, lo que permitió volver a ensamblarlos digitalmente y evitar el posible desgaste causado por el ensayo y error al ensamblar las piezas físicas.
También se realizó cierta limpieza, pero los restos de tierra se adhirieron fuertemente a la superficie de la talla, lo que hizo que fuera arriesgado limpiar completamente sin dañar la capa de pigmento sobreviviente.
La talla se exhibió por primera vez en la Catedral de Lichfield en febrero del año 2.006. En marzo del año 2.006 d.C. los fragmentos se retiraron para su estudio y conservación y en junio del año 2.007 d.C. se devolvieron a la catedral para su exhibición.
A partir del año 2.009 d.C., el Ángel de Lichfield se muestran en una condición reensamblada, junto con los Evangelios anglosajones de Lichfield y está considerado unas de las mejores esculturas anglosajonas de piedra policromada que se conservan en la actualidad.
Actualmente se encuentra en la Catedral de Lichfield, Gran Bretaña.
El Adorno de Oreja Curvada (Kapeu) es un adorno datado aproximadamente entre los siglos XVIII d.C. y XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.701 d.C. y 1.900 d.C.), perteneciente al arte oceánico, en concreto al arte maorí.
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Adorno de Oreja Curvada (Kapeu) |
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Adorno de Oreja Curvada (Kapeu) |
Se conoce que procede de la isla sur de Nueva Zelanda y que por descendencia perteneció a una familia de San Francisco (Estados Unidos de América).
En el año 2.012 d.C. el adorno fue adquirido por la galería de arte "Tambaran Gallery", ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).
Hasta que en el año 2.013 d.C. el Adorno de Oreja Curvada (Kapeu) fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.
Tiene una altura de 12,4 cm, una anchura de 2,7 cm y un grosor de 0,6 cm. Está fabricado en pounamu (piedra verde), mediante las técnicas de pulido y tallado.
Se trata de un pequeño adorno colgante conocido como "kapeu" debido a la sutil curva de su punta inferior redondeada.
Fino y aplanado en la sección transversal que ha surgido de una sección de piedra verde oscura, pero translúcida, que ha sido pulida y alisada mediante un pulido meticuloso con abrasivos naturales.
En la parte superior se puede apreciar como hay un único orificio usado para colgarlo, que ha sido creado perforando orificios separados, de forma cónica, en cada lado hasta que éstos llegaban al centro y lo perforaban por completo.
Aparte dada la extrema movilidad de los maoríes, los pequeños objetos de valor a menudo se perforaban y se utilizaban como protección hasta que se los necesitaba nuevamente.
También cabe resaltar que esto era particularmente cierto en el caso de las hojas de nefrita que se utilizaban en pequeños cinceles, pero también se podían dar forma y pulir las astillas o los recortes de piedra verde antes de unirlos a cordones de fibra de lino tejida y llevarlos colgados de la oreja o del cuello como colgantes.
Con respecto a la composición resaltar que el pounamu (piedra verde), el material más duro conocido en un mundo biodegradable de fibra, hueso y madera, era tan apreciado por los maoríes por su durabilidad y resistencia como por la belleza que revelaba su paisaje interior.
Para finalizar subrayar que los adornos, como el Adorno de Oreja Curvada (Kapeu) tallado en piedra verde, son muy apreciados y eran indicadores de riqueza y estatus (mana) para los maoríes.
Además destacar que se conoce que los expertos, conocidos como "tohunga tarai pounamu", crearon y moldearon adornos para conciliar las fuerzas naturales de la piedra tanto internas como externas.
Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.
El Mosaico de la Caza de Worcester es un mosaico datado en el siglo VI d.C. (período comprendido entre los años 501 d.C. y 600 d.C.), perteneciente al arte medieval, en concreto al arte bizantino.
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Mosaico de la Caza de Worcester |
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Mosaico de la Caza de Worcester |
Fue hallado en el 1.932 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas en una villa de lujo edificada en Dafne.
Localizada a las afueras de la antigua ciudad de Antioquía, situada en la actual región del Mediterráneo de Turquía.
En el año 1.936 d.C. el Mosaico de la Caza de Worcester pasó a formar parte de la colección de arte del Museo de Arte de Worcester, localizado en la ciudad de Worcester, en el estado de Massachusetts (Estados Unidos de América).
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Mosaico de la Caza de Worcester |
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Mosaico de la Caza de Worcester |
Tiene una altura de 6,5 cm y una anchura de 6,3 cm.
Se trata de un gran mosaico con forma rectangular que representa una escena de caza en la que se muestran a varios cazadores, posiblemente representados por miembros pertenecientes a la aristocracia bizantina, animales y vegetación.
Resalta como algunos cazadores están representados montando a caballo, mientras que otros se encuentran representados inmóviles.
También destaca como en el centro de la composición hay representado un único cazador que observa a los demás mientras usan arcos, espadas y lanzas para someter a animales de caza (ciervos, leones, tigres, entre otros) grandes y peligrosos, que miran hacia el perímetro del mosaico.
Se puede apreciar como el mosaico también muestra animales más jóvenes que no son el objetivo de los cazadores, siendo ésta característica un indicador de que los cazadores pudieran haber tenido un conocimiento de la conservación y que sus esfuerzos se encontrabas dirigidos a prevenir la extinción de éstos animales considerados exóticos debido a que no eran nativos de la región.
Con respecto al estado de conservación resaltar que cuando el mosaico fue llevado al museo en el año 1.936 d.C. fue objeto de numerosas campañas de conservación, que dieron como resultado la utilización de pinturas al óleo no reversibles, con reconstrucciones inexactas de partes de la escena e integración incorrecta de teselas en los bordes del mosaico en la composición central.
Entre los años 1.937 d.C. y 2.000 existen registros de múltiples casos de aplicación y eliminación de revestimientos en el mosaico, adoptándose un enfoque más preventivo.
Se eliminaron todos los revestimientos de la superficie del mosaico, se realizan labores de mantenimiento diario y se instaló una barandilla permanente alrededor de su perímetro para proteger la obra de los visitantes del museo.
Y Aunque en gran medida se ha desvanecido hasta cierto punto, gran parte del colorido intenso de éste mosaico sigue siendo fácilmente visible.
Para finalizar subrayar que en la actualidad el Mosaico de la Caza de Worcester es el mayor mosaico englobado dentro del arte bizantino, hallado en cerca de la ciudad de Antoquía, que se encuentra formando parte de la colección de arte de un museo de los Estados Unidos de América.
Además es el único mosaico conocido que no fue hallado en un lugar de culto y cuyo tema no tiene un carácter religioso.
Aparte los investigadores consideran que debido a la gran escala y al lugar en el que fue encontrado, podría haber sido mandado construir por un aristócrata bizantino rico, pasando a ser la pieza central de su propiedad privada y teniendo la finalidad de dejar una impresión perdurable en los invitados que acudieran.
Actualmente se encuentra en el Museo de Arte de Worcester, Estados Unidos de América.
Cien Flores de Primavera, también conocido como 良寛大愚筆 「百花春」, es una composición caligráfica datada en el siglo XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 1.900 d.C.), perteneciente al arte japonés.
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Cien Flores de Primavera |
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Cien Flores de Primavera |
Fue realizada por el calígrafo, moje budista Zen y poeta japonés Ryōkan Taigu (良寛大愚).
Se conoce que se perteneció a la colección de arte de la galería de arte "Kashima Arts Co., Ltd.", ubicada en la ciudad de Tōkyō (東京), en Japón (日本).
El 17 de diciembre del año 2.020 d.C. la composición caligráfica fue comprada por los coleccionista de arte estadounidenses Mary y Cheney Cowles, pasando a formar parte de su colección ubicada en la ciudad de Seattle, en el estado de Washington (Estados Unidos de América).
Hasta que en el año 2.024 d.C. Cien Flores de Primavera fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.
Tiene una altura total, con el montaje, de 123 cm y una anchura total de 82,4 cm, siendo la imagen de una altura de 43,4 cm y una anchura de 24,2 cm.
Está elaborada en rollo colgante, en tinta sobre papel.
Se trata de una composición caligráfica que presenta sólo tres caracteres chinos, escritos en una escritura hipercursiva y salvaje, de un conocido "zen kōan", una pregunta planteada para provocar la contemplación hacia la iluminación.
Es decir, "zen kōan" es un acertijo o pregunta que se utiliza en el budismo zen como una técnica de meditación.
Como sucede con todos los "zen kōans", en Cien Flores de Primavera no hay una repuesta obvia de inmediato, pero en el proceso de desglosar el proceso de pensamiento racional, surge la posibilidad de la iluminación espiritual.
En la composición caligráfica se puede leer:
" 百花春至為誰開 "
Cuya traducción aproximada es la siguiente:
" Cuando llega la primavera, ¿para quién florecen las cien flores? "
Para finalizar subrayar que los kōans (公案) se basan en anécdotas de maestros zen, siendo una herramienta de aprendizaje para los monjes novicios y considerados una de las prácticas más importantes del budismo zen.
Además destacar que los kōans (公案) pueden ser: preguntas paradójicas, enunciados que parecen sin sentido o relatos concisos y potentes.
Teniendo como objetivo inyectar duda en la mente del discípulos, causar que el discípulo se pierda y desespere. Aparte de evocar algo en el oyente y descubrirse a uno mismo.
Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.
El Escudo (Grere'o) es un escudo datado aproximadamente en el siglo XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 1.900 d.C.), perteneciente al arte oceánico.
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Escudo (Grere'o) |
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Escudo (Grere'o) |
Lo primero que se conoce es que procede de la isla Guadalcanal, la mayor de las Islas Salomón, ubicada en el suroeste del océano Pacífico.
También es conocido que después perteneció a la colección de arte del Museo Nacional de Escocia, localizado en la ciudad de Edimburgo, en Escocia.
En el año 1.959 d.C. el Escudo (Grere'o) fue adquirido por el marchante de arte polaco John J. Klejman.
En ese mismo año, 1.959 d.C., el escudo fue comprado por el político estadounidense y vicepresidente de los Estados Unidos de América Nelson Aldrich Rockefeller.
Entre los años 1.959 d.C. y 1.977 d.C. fue prestado para su exposición al Museo de Arte Primitivo de Nueva York (Estados Unidos de América), un antiguo museo dedicado a las culturas indígenas de América, África, Asia, Europa y Oceanía.
Hasta que en el año 1.978 d.C. el Escudo (Grere'o) fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.
Tiene una altura de 86,4 cm, una anchura de 26,7 cm y un grosor de 2,5 cm.
Se trata de un escudo que presenta un diseño central con incrustaciones de una figura humana alargada rodeada de diseños laberínticos y también tiene representadas unas caras más pequeñas ubicadas a lo largo del diseño.
Resalta como el escudo tiene una base tejida de ratán de mimbre, cuya forma y estructura es común a numerosos escudos fabricados en todo el centro y oeste de las Islas Salomón.
El escudo tejido de la base ha sido modelado con una pasta negra pegajosa extraída de la nuez de parinarium, antes de que el diseño fuera incrustado con trozos de concha de nautilus que crean un efecto luminoso y brillante.
Para finalizar subrayar que en la actualidad el significado detrás de la figura central del escudo no se entiende completamente.
Cabe resaltar que los escudos con incrustaciones de concha se encuentran entre las formas de arte más notables y enigmáticas de las Islas Salomón.
Es más se conoce que los escudos de combate tejidos que no presentan incrustaciones de concha suelen tener diseños geométricos o representaciones de fragatas, que son ampliamente reconocidos como un símbolo del guerrero en las Islas Salomón.
Aunque si bien éstos escudos habrían sido utilizados por guerreros en combate activo, la función del Escudo (Grere'o) era casi con certeza ceremonial.
Además enfatizar que poseer un escudo así habría comunicado una declaración poderosa sobre la riqueza, el estatus y la identidad de su portador.
Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.
La Caja de Cerámica Marl es una caja datada aproximadamente entre los años 3.500 a.C. y 3.400 a.C., perteneciente al arte egipcio.
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Caja de Cerámica Marl |
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Caja de Cerámica Marl |
En concreto se encuentra englobada dentro del período Naqada II (también conocido como Nagada II).
Correspondiente con la cultura del período predinástico egipcio denominado Gerzeense o Gerzense.
Se conoce que fue hallada durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en la antigua ciudad de Abidos, ubicada en el distrito de Al-Balyanā, localizado en la gobernación de Suhag, en Egipto.
En el año 1.882 d.C. la caja pasó a formar parte de la organización o institución británica Fondo de Exploración de Egipto (EEF), fundada por la novelista, periodista, viajera y egiptóloga británica Amelia Ann Blanford Edwards.
Hasta que en el año 1.900 d.C. la Caja de Cerámica Marl fue donada por el Fondo de Exploración de Egipto (EEF) al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.
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Caja de Cerámica Marl |
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Caja de Cerámica Marl |
Tiene una altura de 7,92 cm, una longitud de 13,20 cm, una anchura de 6,30 cm y un peso de 494 g.
Está realizada en cerámica policromada.
Se trata de una caja con forma rectangular fabricada en cerámica marl (tipo de cerámica hecha de arcilla marl, un tipo de arcilla que contiene mucho carbonato de calcio, de color blanco o crema y con una capa de sal erosionada), con cuatro pequeños pies que funcionan como base y ornamentada en el cuerpo con decoración pintada en color marrón rojizo.
En ambos lados largos del cuerpo hay representados cuatro antílopes con cuernos curvados hacia adelante y colas cortas vueltas hacia abajo, de pie sobre una línea de suelo irregular, mirando hacia el lado izquierdo.
Por encima y por debajo de los animales hay una serie de motivos irregulares en forma de "S" y grupos de líneas horizontales que forman un quiebre en el medio, el conocido como motivo de línea quebrada, que puede representar algún tipo de arquitectura ligera o cercado.
En uno de los laterales cortos hay representado un bote con muchos remos y dos cabinas centrales unidas por una línea corta, con el frente de la proa curvado inusualmente hacia el lado derecho y con motivos de línea quebrada representadas encima del bote.
En el otro lado corto hay representados seis peces con aletas indicadas por trazos y con el cuerpo lleno de galones. Resalta como los peces han sido identificados como tilapias.
Aparte aprecia como los peces están representados dispuestos alrededor de un círculo que puede representar una masa de huevos fertilizados, que los peces se llevan a la boca para incubar.
Las crías, criadas en la boca, emergen más tarde de allí con la sensación parecía a que el pez se hubiera autogenerado, siendo ésta conducta de incubación bucal posteriormente equiparada por los antiguos egipcios con el mito del dios Atum (dios solar, conocido como el creador del mundo), que utilizó su saliva para crear el mundo y por lo tanto se asoció con el concepto de renacimiento.
También se observa cómo la parte superior del borde cuadrado de la caja, así como las esquinas se encuentran resaltadas con pintura roja.
Para finalizar subrayar que en comparación con la cerámica decorada más estandarizada datada del período predinástico egipcio, la irregularidad en parte de la decoración de la Caja de Cerámica Marl, en particular el barco y los motivos en forma de "S", ha llevado a algunos investigadores a cuestionar la autenticidad de la decoración.
Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.
El Discípulo Budista Phra Sankachai es una escultura datada aproximadamente en el siglo XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.700 d.C.), perteneciente al arte tailandés.
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El Discípulo Budista Phra Sankachai |
En el año 2.001 d.C. El Discípulo Budista Phra Sankachai fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.
Tiene una altura de 36,8 cm, una anchura de 39,4 cm y una profundidad de 28,6 cm.
Está fabricado en bronce con restos de dorado e incrustaciones de concha y granate.
Se trata de una representación muy aprecia de un famoso discípulo budista, corpulento y afeitado, famoso por sus dotes para enseñar el dharma (en el budismo, se refiere a las enseñanzas de Buda y a las experiencias que se adquieren al ponerlas en práctica, es decir, se refiere a la forma correcta de vivir, la conducta que se considera adecuada y el cumplimiento de un propósito).
En el rostro redondeado y rechoncho destacan las cejas arqueadas, los ojos rasgados con el iris representado mediante incrustaciones de concha y granate, la nariz recta, los labios carnosos curvados en una sonrisa y los pómulos marcados.
También llaman la atención la representación de las orejas con los lóbulos alargados símbolos de nobleza y sabiduría y la parte superior de la cabeza en la que lleva un casquete con pequeñas protuberancia circulares dispuestas de manera uniforme en líneas horizontales.
Está representado en posición sedente con la pierna derecha encima de la pierna izquierda, además se aprecia como está ataviado con una túnica colocada sobre el hombro izquierdo que le deja el pecho derecho al descubierto y está ceñida al cuerpo dejando entrever su anatomía corpulenta.
Aparte tiene ambos brazos estirados hacia delante, con ambas manos estiradas y colocadas sobre la zona del ombligo en posición de meditación.
Para finalizar subrayar que éste discípulo fue introducido en el budismo del sudeste asiático posterior desde China, dónde se lo conoce como "Budai".
Y aunque tiene varias hagiografías (historias de las vidas de los santos o venerados), se le considera ampliamente como una encarnación de Maitreya (también conocido como Metteyya), el futuro Buda y popularmente se lo asocia con la satisfacción y la prosperidad.
Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.
Betsabé en el Baño es una pintura datada aproximadamente en el año 1.700 d.C., perteneciente al arte barrroco.
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Betsabé en el Baño |
Fue pintada por le pintor italiano Giuseppe Bartolomeo Chiari (también conocido como Giuseppe Chiari).
Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte del diplomático francés Charles-Louis de Beauchamp.
El 1 de marzo del año 1.784 d.C. fue comprada por un precio de 6,720 libras por el subastador y comerciante de arte francés Alexandre Joseph Paillet.
El 30 de abril del año 1.785 d.C. la pintura fue subastada por la casa de subastas Christie's de Londres (Gran Bretaña), siendo comprada por el marchante de arte Grégoire-Hippolyte de la Roche.
El 30 de mayo del año 1.799 d.C. fue adquirida, en la ciudad de París (Francia), por el marchante de arte Eduardo Moratilla.
En el año 1.952 d.C. la pintura fue comprada por el coleccionista de arte y músico italiano Mario Modestini.
Hasta que en el año 1.993 d.C. Betsabé en el Baño fue regalada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.
Tiene una altura de 135,9 cm y una anchura de 97,8 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.
Se trata de una pintura que representa la figura de Betsabé (también conocida como Bathsheba) en su baño, con las manos tenzándose el cabello con una cinta azul para formar un peinado más intrincado y elaborado.
Está sentada sobre cojines, con una paño blanco con pliegues colocado alrededor de la cintura y cayéndole por el muslo derecho, colocada estratégicamente para taparle su sexo.
La pierna derecha y pie derecho están dentro de una gran palangana. Aparte se puede apreciar como situado delante de la palangana en el lado derecho hay un recipiente volcado que se supone que fue utilizado para llenar la palangana en la que se baña Betsabé.
Mientras que la pierna y pie izquierdo están estirados hacia delante, en concreto resalta como una asistente arrodillada le seca el pie y dirige su mirada a otra asistente de pie, situada a su lado, que sostiene un gran espejo en el que se mira Betsabé y gira la cabeza devolviéndole la mirada.
Las tres mujeres están representadas en un primer plano, en una estancia compuesta por una gran columna y una cortina gris, además se puede apreciar como la estancia abierta da a un patio que conecta con el palacio del rey de Israel.
Se puede observar como en un segundo plano aparece representado el rey David, asomado y observando desde la azotea de su palacio como se baña.
Con respecto a la composición destacar el uso de una paleta policromada formada por colores pálidos, así como la delicada languidez de Betsabé y la utilización de pinceladas suaves y refinadas.
Para finalizar subrayar que la pintura hace referencia a la historia bíblica del Antiguo Testamento, de Betsabé y el rey de Israel David que se relata en el segundo libro de Samuel (11:1 a 12:25).
David vio a la bella Betsabé desde el techo de su palacio mientras se bañaba, aunque estaba casada, la sedujo y ella quedó embarazada.
Más tarde, David hizo que su esposo, Urías (apodado "el Hitita") soldado del ejército del rey y uno de los llamados "valientes de David", muriera en batalla y convirtió a Betsabé en una de sus esposas, llegando a ser su esposa más preciada.
Pero Dios castigó a David por sus actos con la muerte del primer hijo con Betsabé, sin embargo otro de sus hijos en común Salomón finalmente sucedió a su padre como rey de Israel.
Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.
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Figura Quimbaya Sentada |
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Figura Quimbaya Sentada |
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Figura Quimbaya Sentada |
El Broche Kingston es un broche datada aproximadamente en el siglo VII d.C. (período comprendido entre los años 601 d.C. y 700 d.C.), perteneciente al arte anglosajón.
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Broche Kingston |
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Broche Kingston |
Fue hallado el 5 de agosto del año 1.771 d.C. por el anticuario británico Bryan Faussett.
En el interior de un túmulo funerario (Tumba 25), perteneciente a una mujer noble anglosajona.
El túmulo está ubicado en un cementerio medieval temprano compuesto por 308 tumbas, en la cadena de colinas calcáreas Norh Downs, cerca del pueblo Kingston, en el sureste de Gran Bretaña.
Después de su descubrimiento el broche pasó a formar parte de la colección de arte del anticuario y coleccionista británico Bryan Faussett.
Más tarde, por herencia pasó a ser propiedad de su nieto, el profesor británico de la Universidad de Oxford Godfrey Faussett.
En el año 1.855 d.C. el Broche Kingston fue comprado por el orfebre, anticuario y coleccionista de arte británico Joseph Mayer.
En el año 1.867 d.C. Joseph Mayer donó el broche, junto con el resto de su colección, al "World Museum", un museo ubicado en la ciudad de Liverpool (Gran Bretaña).
Cabe resaltar que durante la Segunda Guerra Mundial (conflicto bélico que duró desde el año 1.939 d.C. al año 1.945 d.C.) el broche, junto con muchos tesoros históricos, fue puesto bajo la custodia del Banco de Liverpool, puesto que éste lugar se consideraba seguro en caso de un ataque aéreo.
Después de la guerra el Broche Kingston fue devuelto al World Museum", dónde permanece hasta el día de hoy.
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Broche Kingston |
Tiene un diámetro de 8,5 cm y un peso de 170 g (seis onzas).
Se trata de un broche de oro con forma circular, ligeramente convexo, hecho a partir de dos placas de oro conectadas mediante una banda de filigrana de alambre de oro con cuentas.
Presenta una ornamentación compuesta por un patrón de cruz modificado con un saliente central (adorno en relieve) y cuatro salientes adicionales más pequeños, decorados con cocha blanca.
También tiene una ornamentación compuesta por un patrón circular que alterna un patrón geométrico en esmalte cloisonné azul y rojo, aparte de un patrón dorado de líneas entrelazadas.
Sobretodo destaca como el elemento compositivo central y cuatro auxiliares situados en los bordes estaban decorados con fragmentos de conchas e insertos de granate, aunque en la actualidad sólo se conserva una piedra.
Además se puede observar como faltan algunos elementos del broche debido a daños, pero en general el estado de conservación es bueno, incluso se ha conservado la aguja de fijación en la parte trasera.
Con respecto a la composición resaltar que el uso de oro, vidrio coloreado, granates y esmalte brillante, junto con la utilización de cochas y patrones entrelazados irregulares son característicos del arte anglosajón.
Aparte el broche muestra signos de un uso constante, por lo que se puede afirmar que originalmente el broche podría haber sido utilizado a menudo, probablemente prendiéndolo de una capa o de un pañuelo.
Para finalizar subrayar que el Broche Kingston está considerado el broche compuesto más grande, englobado dentro del arte anglosajón, que se ha hallado en Gran Bretaña.
Actualmente se encuentra en el "World Museum" de Liverpool, Gran Bretaña.
La Espada de Abingdon es una espada datada aproximadamente entre los siglos IX d.C. y X d.C. (período comprendido entre los años 801 d.C. y 1.000 d.C.), perteneciente al arte anglosajón.
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Espada de Abingdon |
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Espada de Abingdon (réplica) |
Fue hallada en el año 1.874 d.C. en el antiguo molino de agua de Buggs Mill, edificado sobre el río Ock.
Localizado cerca de la ciudad de Abingdon-on-Thames, situado en el valle del Támesis, en el sur de Gran Bretaña.
Poco después de su descubrimiento la Espada de Abingdon pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Ashmolean, en la ciudad de Oxford (Gran Bretaña).
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Espada de Abingdon |
Se trata de una espada de hierro y empuñadura de estilo anglosajón tardío del que tan solo quedan los primeros centímetros de la hoja unidos a la empuñadura.
La empuñadura se encuentra decorada con seis monturas grabadas en plata, siendo el ornamento grabado en las monturas del estilo Trewhiddle, un estilo que combina el grabado y la incrustación con niel (sulfuro negro de plata).
Las guardas superior e inferior son curvas y contienen varios diseños entrelazados, incluidos pájaros, figuras de animales, figuras humanas y patrones foliares.
Además resaltar que las figuras de la guarda superior se han identificado como los cuatro símbolos de los evangelistas. Aparte el pomo incorpora dos cabezas de animales que miran hacia afuera, con orejas salientes y ojos y fosas nasales redondos, en la actualidad fragmentados.
También cabe resaltar que falta la parte inferior de la hoja de hierro. Sin embargo, las radiografías de la espada muestran que la hoja está soldada con un patrón.
Para finalizar subrayar que una réplica de la Espada de Abingdon se encuentra expuesta desde el año 2.012 d.C. en el "Abingdon County Hall Museum" (también sabido como Abingdon Museum), ubicado en la ciudad de Abingdon, situado en el condado de Oxfordshire, en Gran Bretaña.
Actualmente la Espada de Abingdon se encuentra en el Museo Ashmolean, Gran Bretaña.
El Mosaico de Leadenhall Street es un mosaico datado aproximadamente entre los siglos I d.C. y II d.C. (período comprendido entre los años 1 d.C. y 200 d.C.), perteneciente al arte romano.
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Mosaico de Leadenhall Street |
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Mosaico de Leadenhall Street |
Lo primero que se conoce es que el mosaico fue descubierto durante las obras de construcción en las instalaciones de la Compañía de las Indias Orientales, ubicadas en la calle Leadenhall (Leadenhall Street), situada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña).
Cabe destacar que cuando se descubrió el mosaico se registró el diseño del suelo y se levantó en secciones.
Fue durante el siglo XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 1.900 d.C.), cuando los propietarios permitieron que los fragmentos se almacenaran al aire libre y su estado se deterioró.
Posteriormente se restauraron tres secciones, incluido el redondel central, y aunque según los primeros grabados las teselas estaban en sus posiciones correctas, la superficie lisa y pulida actual representan una conservación victoriana en lugar del aspecto romano original.
En el año 1.880 d.C. las piezas supervivientes del Mosaico de Leadenhall Street fueron transferidas al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.
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Mosaico de Leadenhall Street |
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Mosaico de Leadenhall Street |
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Mosaico de Leadenhall Street |
El redondel central presenta un diámetro de 114 cm.
Se trata de un total cuatro partes o fragmentos de un pavimento de mosaico.
El medallón que se conserva consta de dos bandas concéntricas de azulejos grises en cuyo interior hay una línea o cinta ondulada de color gris oscuro con las cúspides engrosadas y sombreadas de rojo.
En el interior del medallón, está representado el dios Baco (dios del vino, la fertilidad, la locura, el éxtasis y el teatro) reclinado sobre un tigre que camina hacia el lado derecho, el cuerpo y la cabeza del dios están girados hacia el frente, de cara al tigre que le mira de vuelta.
Su torso está delineado en rojo intenso y sombreado con tonos de piel de color rosa pálido y blanco, y reposa sobra una capa, realizada en teselas de vidrio azul y turquesa, que lleva atada sobre el hombro derecho.
En su mano izquierda sostiene un tirso en posición vertical, con su extremo apoyado sobre su muslo izquierdo y que está realizado con teselas de color gris oscuro y turquesa, al igual que su pomo.
Su brazo derecho descansa sobre el lomo del tigre y se aprecia como en su mano derecha hay una copa blanca inclinada con un contorno gris oscuro.
En su cabeza lleva una corona de hojas de parra con tonos turquesa y rojo, atada con una diadema gris oscuro, también lleva botines con contorno gris oscuro y rellenos de teselas a cuadros gris oscuro y blanco, que tal vez pretendían representar las tiras de cuero tejido.
El tigre se encuentra de pie sobre una banda de color beige claro, que representa el suelo, y está delineada en gris oscuro y con tonos rojos y blancos, con su pata izquierda mantenida en alto como si estuviera caminando.
También se conservan tres secciones del suelo circundante. La primera sección del guilloché doble tiene lengüetas redondas en rojo, blanco y gris oscuro.
La segunda sección es una de las piezas de las esquinas en forma de peltae de color gris oscuro con los tallos que terminan en un cáliz con la punta roja.
Mientras que la tercera es una sección del borde decorativo exterior que consiste en un gran borde blanco en cuyo interior hay un gran rombo delineado en gris oscuro con sus ángulos agudos que terminan en peltaes con volutas y espolones ondulados en sus redondeles.
También se puede observar como en su interior hay un redondel que contiene un nudo guilloché realizado en teselas rojas, blancas y negras.
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Mosaico de Leadenhall Street |
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Mosaico de Leadenhall Street |
Para finalizar subrayar que gracias a las imágenes de archivo en blanco y negro de exposiciones anteriores en Bloomsbury (en las antiguas galerías británica y medieval) se conoce como se encontraban expuestas las piezas al público.
Aparte también se ha conservado una imagen que documenta, según los grabados, cómo hubiera sido originalmente el Mosaico de Leadenhall Street.
Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.
La Fíbula de Strickland es un broche datado aproximadamente en el siglo IX d.C. (período comprendido entre los años 801 d.C. y 900 d.C.), perteneciente al arte anglosajón.
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Fíbula de Strickland |
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Fíbula de Strickland |
Aunque se desconoce su procedencia, probablemente formaba parte de la colección del anticuario británico Sir William Strickland.
Por lo que perteneció a la colección de arte de la familia Strickland, ubicada en el condado de Yorkshire, localizado en la región de Yorkshire del Norte, en Gran Bretaña.
Después de una venta en la casa de subastas Sotheby's de Londres (Gran Bretaña) fue adquirido por un coleccionista de arte estadounidense privado.
Sin embargo no obtuvo la licencia de exportación y la Fíbula de Strickland fue comprada por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña).
Puesto que fue el postor más bajo, por lo tanto en el año 1.949 d.C. la fíbula pasó a formar parte de la colección de arte del museo.
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Fíbula de Strickland |
Tiene un diámetro máximo de 11,20 cm.
Está fabricado en plata, oro, niel, cabujón, alambre con cuentas y vidrio, mediante las técnicas de incrustación, niellado, tallado y perforación.
Se trata de una fíbula o broche de plata laminada con forma de disco ligeramente convexa con incrustaciones de oro y niel.
Resalta la decoración zoomorfa muy compleja que se encuentra profundamente tallada y perforada con el objetivo de dar un efecto de calado.
Dentro del borde de cuentas, una zona de patrones de discos y rombos alternados contiene el campo decorativo principal, que consiste en un diseño cruciforme central de lados huecos con una protuberancia en su centro y terminales de cabezas de animales, con un trébol de cuatro hojas, cuyas cúspides terminan en cabezas de animales idénticos.
Cabe destacar que se piensa que originalmente todas las cabezas de animales estaban engastadas con ojos de vidrio azul y están interconectadas por un círculo de cuentas.
Estos a su vez crea campos secundarios, cada uno de los cuales contiene una bestia de estilo Trewhiddle con forma de cachorro y cuatro protuberancias más se encuentran hacia el perímetro, detrás de las cabezas de animales en los tréboles de cuatro hojas.
También se puede apreciar como hay un aro de suspensión o pasador que está unido a un borde del broche, en ángulo recto con la dirección del cierre del alfiler, del cual solo quedan los cabos. Aparte el resto de la parte posterior es simple.
Con respecto a la composición destacar que numerosos de los paneles de oro están martillados en la ornamentación y se hace un uso considerable de marcos moteados y con cuentas.
Para finalizar subrayar que la Fíbula de Strickland está considerada una obra maestra dentro del arte anglosajón y es un ejemplo de la sofisticación del arte de los plateros anglosajones durante la Alta Edad Media (período de la historia de Europa y Oriente Medio comprendido entre los siglos V d.C. y X d.C.).
Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.
La Mujer Sentada es una escultura datada en el año 1.902 d.C., perteneciente al cubismo . Mujer Sentada Mujer Sentada Fue esculpida por el p...