Kesa de Nueve Paneles con Crisantemos y Flores Estilizadas

El Kesa de Nueve Paneles con Crisantemos y Flores Estilizadas, también conocido como 九条袈裟　菊唐花文様, es un kesa datado aproximadamente en el siglo XVIII d.C. (período comprendido entre los años 1.701 d.C. y 1.800 d.C.), perteneciente al arte japonés.

Kesa de Nueve Paneles con Crisantemos y Flores Estilizadas

En concreto fue elaborado durante el período Edo (江戸時代), período de la historia japonesa comprendido entre los años 1.603 d.C. y 1.868 d.C..

Lo primero que se conoce es que estaba en posesión de la galería de arte "Gail Martin Gallery", ubicada en la ciudad de Nuevo York (Estados Unidos de América).

En marzo del año 1.998 d.C. el Kesa de Nueve Paneles con Crisantemos y Flores Estilizadas fue comprado por el coleccionista John C. Weber, pasando a formar parte de la colección de arte "John C. Weber Collection", localizada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Descripción

Tiene una altura de 113,7 cm y una anchura de 182,2 cm. 

Se trata de un kesa (袈裟), es decir, es la vestimenta exterior con forma rectangular que tradicionalmente era utilizada por los monjes budistas.

Destacar que ha sido confeccionada con retazos de seda de sarga con una trama suplementaria de hilos de seda y oro. 

Se puede apreciar como la ornamentación está compuesta por un total de nueve paneles rectangulares decorados con crisantemos y flores estilizadas.

Además cabe resaltar que el kesa (袈裟) es un elemento importante en la cultura budista japonesa, tanto por su significado religioso como por su papel en la estética de la ropa y las artes.

La larga tradición japonesa de reutilizar y conservar fragmentos de tela de ropa usada, a menudo donadas por miembros de la comunidad, tiene sus raíces en el budismo y refleja la renuncia de Buda a la riqueza y al despilfarro.

Para finalizar subrayar que el Kesa de Nueve Paneles con Crisantemos y Flores Estilizadas fue prestado desde el 4 de junio del año 2.022 d.C. al 20 de febrero del año 2.023 d.C. al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América) para ser expuesto en la exposición "Kimono Style: The John C. Weber Collection" (Estilos de Kimonos: Colección John C. Weber).

Actualmente se encuentra en posesión de un coleccionista privado.

Figura Femenina Huasteca de Pie

La Figura Femenina Huasteca de Pie es una escultura datada aproximadamente entre los años 1.250 d.C. y 1.521 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte huasteca.

Figura Femenina Huasteca de Pie

Figura Femenina Huasteca de Pie

Figura Femenina Huasteca de Pie

En el año 1.962 d.C. la escultura fue adquirida por el coleccionista de arte alemán Dr. Ernst Hauswedell, ubicada en la ciudad de Hamburgo (Alemania).

En el año 1.969 d.C. fue comprada por el coleccionista de arte, editora, diseñadora de moda y escritora estadounidense Mary McFadden.

Lo siguiente que se conoce es que en el año 2.024 d.C. la Figura Femenina Huasteca de Pie fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Figura Femenina Huasteca de Pie

Descripción

Tiene una altura de 162,6 cm, una anchura de 36,8 cm y una profundidad de 12,7 cm. 

Se trata de una escultura de arenisca que representa la figura de una mujer de pie, a tamaño natural y con las manos apoyadas suavemente sobre el abdomen, con las palmas hacia abajo.

Llama la atención como lleva un elaborado tocado con un componente inferior rectangular rematado por un cono delante de un elemento en forma de abanico en la parte posterior.

Ademas del tocado, se puede observar como el cuerpo no presenta adornos, salvo por orejeras circulares con elementos en forma de pétalos que desciende hasta la altura de los hombros.

En el rostro redondeado delicadamente tallado destacan los ojos ovalados, la nariz respingada y la boca pequeña abierta.

Con respecto a la composición llama la atención como el diseño festoneado del tocado representa rayos solares, lunares o estelares, insignias de élite que conectan a éstas figuras con la autoridad política.

Para finalizar subrayar que los investigadores piensan que las mujeres y los hombres de la élite parecen haber disfrutado del mismo estatus en la sociedad huasteca.

Aparte llama la atención como a menudo se les representaba a las mujeres en la misma escala que a los hombres y con tocados similares.

Es más resaltar que los huastecas habitaron una región en la costa norte del Golfo de México y albergaron una sucesión de importantes entidades políticas durante muchos siglos antes de ser finalmente absorbidas por el Imperio Azteca o Imperio Mexica.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Fragmento de una Linterna Omeya

El Fragmento de una Linterna Omeya es parte de una linterna datada aproximadamente en el siglo VIII d.C. (período comprendido entre los años 701 d.C. y 800 d.C.), perteneciente al arte islámico, en concreto al arte omeya.

Fragmento de una Linterna Omeya

Fue hallado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en Al-Fudayn (Mafraq), en Jordanía.

Cabe resaltar que Al-Fudayn era una residencia omeya ubicada en las rutas comerciales que unían ciudades como Gerasa (Jerash) con la Península Arábica.

Se conoce que la residencia perteneció al bisnieto excepcionalmente rico del tercer califa ortodoxo, Uthman ibin Afan.

Es más se sabe que la residencia fue destruida a principios del siglo IX d.C., cuando un propietario posterior se opuso a los abasíes.

Poco después de su descubrimiento el Fragmento de una Linterna Omeya, junto con otros artículos de lujo encontrados juntos, pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Arqueológico de Jordanía, ubicado en la ciudad de Amán (Jordania).

Descripción

Tiene una altura de 20 cm y un diámetro de 15 cm. Está elaborada en estatita mediante las técnicas de incisión, grabado y tallado.

Se trata del fragmento de una linterna en forma de cúpula que presenta una ornamentación compuesta por una serie de arcadas con lámparas colgantes alrededor de la base.

También destaca como encima de la fila de arcadas hay un total de cuatro bandas horizontales decoradas con motivos geométricos compuestos por patrones repetidos de triángulos, cuadrados y círculos dispuestos en forma horizontal y vertical.

Además se puede observar como en la parte superior hay decoración compuesta por medallones que contienen flores de seis pétalos.

Aparte cabe destacar que los investigadores piensan que la lámpara podría estar inspirada en un monumento como la Cúpula de la Roca (también conocido como Domo de la roca), un importante monumento edificado en el centro del Monte del Templo o Explanada de las Mezquitas en Jerusalén.

Para finalizar subrayar que el Fragmento de una Linterna Omeya fue prestado desde el 14 de marzo al 8 de julio del año 2.012 d.C. al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América) para ser expuesto en la exposición "Byzantium and Islam: Age of Transition" (Bizancio e Islam: La Era de la Transición).

Actualmente se encuentra en el Museo Arqueológico de Jordania, Jordania.

Santa Bárbara

Santa Bárbara es una pintura datada en el año 1.772 d.C., perteneciente al arte rococó.

Santa Bárbara

Santa Bárbara

Fue pintado por el pintor y grabador español Francisco José de Goya y Lucientes (también conocido como Francisco de Goya).

En el año 1.932 d.C. la pintura se encontraba en la colección de arte del coleccionista Juan Molina, localizada en la ciudad de Madrid, situada en la comunidad autónoma de Madrid (España).

Después la pintura pasó a formar parte de la colección de arte "colección Torelló", ubicada en la ciudad de Barcelona, en la comunidad autónoma de Cataluña (España).

Hasta que en el año 2.001 d.C. Santa Bárbara fue adquirida por el Museo Nacional del Prado (también conocido como Museo del Prado), localizado en la ciudad de Madrid, en la comunidad autónoma de Madrid (España).

 

Descripción

Tiene una altura de 97,2 cm y una anchura de 78,5 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura que representa la figura de Santa Bárbara (también conocida como Bárbara de Nicomedia o Gran Mártir Bárbara, una santa y mártir paleocristiana fenicia, patrona de los mineros y los artilleros) de pie mirando hacia el lado derecho en una pose monumental.

Cabe resaltar que Santa Bárbara era la patrona de los militares, especialmente de la artillería, se creía que protegía a las personas de las tormentas y los rallos, y administraba la Sagrada Comunión a quienes rezaban por ella en el momento de la muerte.

Está representada como una mujer joven sosteniendo en su mano derecha la Santa Custodia (objeto de oro o de otro metal precioso, donde se coloca la hostia, después de ser consagrada para adoración de los fieles), mientras que con la mano izquierda sujeta la palma de su martirio.

En el rostro ovalado destacan las cejas finas, los ojos almendrados, la nariz recta, los labios carnosos y el mentón redondeado.

Además se puede apreciar como el cabello largo se encuentra peinado en un elegante recogido que le despeja el rostro y en la parte superior lleva una corona dorada.

Se encuentra ataviada con un túnica interior blanca, larga hasta la altura de los tobillos, sobre la que lleva otra túnica más corta blanca, de manga larga, ornamentada en la parte inferior con líneas azules horizontales y sujeta a la cintura con un cinturón dorado con incrustaciones de joyas. 

Aparte sobre los hombros lleva un gran manto dorado que le cae por la espalda hasta el suelo, reposa en el brazo derecho y se sujeta con la mano derecha a la altura de la cintura. 

También se puede apreciar como en los pies lleva unas sandalias planas anudadas con tiras al tobillo, con un talón en el suelo y el otro talón levantado, dando una pose dinámica.

En el fondo oscuro hay una enorme torre con tres ventanas que recuerdan el lugar donde estuvo prisionera Santa Bárbara y en el espacio entre la torre y la ventana hay un pintura que representa el momento de su martirio.

Asimismo se observa como en lado derecho del fondo de la pintura hay representado la figura de un jinete que lleva una bandera.

Con respecto a la composición destacar que la luz recae sobre la figura de la santa que resalta sobre el fondo pintado en tonos mas oscuros.

Igualmente resaltan la calidad de los ropajes que reflejan su elevada posición social (princesa), así como la influencias de las esculturas clásicas y la pintura del clasicismo romano del siglo XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.700 d.C.).

Para finalizar subrayar que Santa Bárbara es el cuadro datado en la fecha más temprana del pintor y grabador español Francisco José de Goya y Lucientes (también conocido como Francisco de Goya) que se conserva en el Museo del Prado (España).

Actualmente se encuentra en el Museo del Prado de Madrid, España.

Vasija de Doble Cámara con un Mono

La Vasija de Doble Cámara con un Mono es un recipiente datado aproximadamente entre los años 1.350 d.C. y 1.470 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte chimú.

Vasija de Doble Cámara con un Mono

Lo primero que se conoce que pertenecía a la colección de arte de la galería de arte "André Emmerich Gallery", ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.967 d.C. fue comprada por político estadounidense y vicepresidente de los Estados Unidos de América Nelson Aldrich Rockefeller.

Entre los años 1.969 d.C. y 1.977 d.C. la vasija fue cedida para su exposición al Museo de Arte Primitivo de Nueva York (Estados Unidos de América).

Un antiguo museo dedicado a las culturas indígenas de América, Asia, África, Europa y Oceanía.

Hasta que en el año 1.978 d.C. la Vasija de Doble Cámara con un Mono fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección permanente de arte.

Descripción

Tiene una altura de 13,3 cm, una anchura de 9,3 cm y una profundidad de 14 cm. Está fabricada en plata.

Se trata de una vasija compuesta de dos partes: un vaso sencillo de hombros redondeados conectado por un tubo cilíndrico a una figura con forma de mono sentado, con las patas encogidos y sosteniendo una fruta en la boca.

Ha sido creada a partir de veinticuatro piezas de lámina de plata de grosor uniforme unidas mecánicamente y con soldadura.

Además resaltar que la vasija es hueca en su totalidad, lo que significaba que al verter y extraer líquido, el aire salía a través de una esfera dentro de la cabeza, creando un silbido.

El sonido emanaba de orificios perforados en la boca, la nariz y los ojos del modo. Así, al inclinar el contenido líquido de la vasija para beberlo y luego volver a colocarlo, el aire se desplazaba y el mono parecía emitir un sonido.

Con respecto a la composición resaltar que la especie animal representada en ésta vasija podría ser un mono capuchino, conocido por su astucia, incluyendo el uso de herramientas y su ingenio para encontrar alimento y para arrancar las hojas de las palmeras.

Aunque cabe resaltar que dentro del arte chimú el significado del mono en sí es menos claro, pero a menudo se encuentra asociado con vasijas.

Para finalizar subrayar que se conoce que la Vasija de Doble Cámara con un Mono es una de varias docenas de obras de plata que se encontraron juntas en una tumba o tesoro.

Es más se piensa que las vasijas podrían haberse utilizado en festines rituales, fundamentales para el arte de gobernar andino y finalmente serían enterradas junto a individuos de alto estatus dentro de la sociedad chimú.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Jarrón Calado con Peonías

El Jarrón Calado con Peonías, también conocido como 백자 투각 모란무늬 항아리 o 白磁透刻牡丹唐草文壺, es un jarrón datado aproximadamente entre los siglos XVIII d.C. y XIX d.C. (período comprendido entre los años 1.701 d.C. y 1.900 d.C.), perteneciente al arte coreano.

Jarrón Calado con Peonías

Jarrón Calado con Peonías

En concreto fue elaborado durante la dinastía Joseon, período dinástico coreano que abarcó desde el año 1.392 d.C. hasta el año 1.897 d.C., siendo la última y más larga dinastía imperial de Corea.

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de un coleccionista de arte privado afincado en la prefectura de Osaka, en Japón.

Hasta que en el año 2.024 d.C. el Jarrón Calado con Peonías fue subastado por la casa de subastas Bonhams, ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Siendo comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Jarrón Calado con Peonías

Jarrón Calado con Peonías

Descripción

Tiene una altura de 27,3 cm y un diámetro de 30,5 cm.

Se trata de un jarrón de porcelana que contiene un recipiente interior y está compuesto por una pequeña base y un cuerpo globular ornamentado mediante la técnica de calado.

La decoración esculturalmente dinámica se encuentra compuesta por un entrelazado de cuatro grandes flores de peonías, ramas y hojas retorcidas.

Sobretodo destaca como las hojas y las flores están articuladas con bajorrelieve e incisiones que contrastan con las ramas lisas. 

Aunque sí bien el calado capta la atención, hay otras técnicas decorativas empleadas en toda la superficie. La parte superior y la parte inferior tienen motivos incisos con forma de volutas y hojas de loto estilizadas.

Además entre las peonías y las hojas de loto hay un motivo de cedro realizado en bajorrelieve, mientras que el esmalte teñido de azul rellena las líneas incisas y se acumula a lo largo del relieve proporcionando detalles y sombreado a los motivos.

Para finalizar con respecto a la composición destacar que la técnica de calado se encuentra en la porcelana Joseon, pero a menudo en objetos académicos más pequeños como pinceles, goteros o taburetes ornamentales de jardín más grandes.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Tapa de Espejo Helenística

La Tapa de Espejo Helenística es una tapa de espejo datada aproximadamente entre los años 320 a.C. y 300 a.C., perteneciente al arte griego.

Tapa de Espejo Helenística

Tapa de Espejo Helenística

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte del coleccionista griego E. Segedakis.

Después fue adquirido por el coleccionista y marchante de alemán de Dr. Jacob Hirsch.

Hasta que en el año 1.923 d.C. la Tapa de Espejo Helenístico fue comprado por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de arte griego y romano.

Tapa de Espejo Helenística

Tapa de Espejo Helenística

Descripción

Tiene un diámetro de 12,50 cm. 

Se trata de la tapa de un espejo fabricado en aleación de cobre con un relieve repujado en una cara y un diseño grabado en la otra.

El relieve muestra la figura de un vigoroso Pan (deidad asociada con la naturaleza salvaje, los pastores, los rebaños y la fertilidad) agarrando a una mujer sentada, posiblemente a la diosa Afrodita (diosa de la belleza, la sensualidad y del amor) que aparta su mirada.

La diosa se apoya en un tímpano y está sentada sobre rocas. Además se encuentra ataviada con un quitón, himatión y velo.

Mientras que Pan aparece representado con barbas y orejas puntiagudas. Aparte se puede apreciar como algunas partes han sido restauradas con yeso.

En el reverso hay un diseño ligeramente grabado de una mujer ataviada con ropas vaporosas sentada junto a un estanque, en el que el agua ha sido representada añadiendo plata.

Para finalizar subrayar que hasta finales de la década de 1.990 d.C. no se descubrió el lado con el diseño grabado, siendo descubierto gracias a los trabajos de restauración realizados.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Tijeras Romanas

Las Tijeras Romanas son unas tijeras datadas aproximadamente en el siglo II d.C. (período comprendido entre los años 101 d.C. y 200 d.C.), perteneciente al arte romano.

Tijeras Romanas

Se tiene muy poca información de su procedencia, siendo la opinión más aceptada es que fueron halladas en la ciudad de Trebisonda, localizada a orillas del mar Negro, en Turquía.

Lo primero que se conoce es que estuvo en posesión del coleccionista y marchante de arte alemán Dr. Jacob Hirsch.

Hasta que en el año 1.939 d.C. las Tijeras Romanas fueron compradas por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción 

Tiene una altura de 23,7 cm.

Se trata de unas tijeras fabricadas en aleación de bronce, cobre negro y plata que presenta sus caras totalmente ornamentadas.

Sobretodo destaca como está decorada con ricas incrustaciones y ambas caras de cada hoja se encuentran ornamentadas con tres registros de figuras.

Es más destacar que el artista romano quién creó el diseño tenía un claro contenido del humor, puesto que cuando las tijeras están cerradas, el registro superior presenta un perro cara a cara con un gato en un lado y un león en el otro.

Para finalizar subrayar que la combinación de iconografía atípica en el arte romano (los perros y leones o las plantas en la base de las hojas) e interpretaciones bastante libres de elementos egipcios, junto con el estilo figurativo han llevado a indicar que las tijeras son de estilo egipcias.

Lo que lleva a suponer a los investigadores que originalmente las Tijeras Romanas cumplían una función ritual en un santuario de Isis edificado en la antigua ciudad de Trebisonda, ubicada a orillas del Mar Negro, lugar dónde se dice que fueron halladas.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Mujer Sentada

La Mujer Sentada es una escultura datada en el año 1.902 d.C., perteneciente al cubismo.

Mujer Sentada

Mujer Sentada

Fue esculpida por el pintor y escultor español Pablo Ruiz Picasso (también conocido como Pablo Picasso), en el taller de la casa familiar de veraneo del escultor español Emili Fontbona Ventosa.

Ubicado en el número 6 de la calle Pàdua, localizado en el barrio barcelonés de Sant Gervasi en la ciudad de Barcelona, situada en la provincia de Barcelona, en la comunidad autónoma de Cataluña (España).

En el año 1.962 d.C. el poeta español Jaume Sabartés Gual (también conocido como Jaime Sabartés Gual) donó la escultura al Museo Picasso de Barcelona (España), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Mujer Sentada

Descripción

Tiene una altura 14 cm y una anchura de 8,2 cm. Está esculpida en bronce.

Se trata de una escultura de bulto redondo o exenta que representa la figura de una mujer sentada y abatida, ataviada con ropas largas.

Sobretodo destaca como tanto los brazos como las manos se encuentran apenas insinuados de manera esquemática

También resalta como la cabeza se encuentra ligeramente girada hacia el lado derecho y los rasgos faciales están representados simplificados.

Con respecto a la composición destacar como el modelado de la mujer se basa en una concepción cerrada y monolítica que concentra múltiples enfoques.

Aparte la escultura se basa en un nuevo proceso creativo del artista reflejado en la drástica reducción cromática y conceptual de la obra.

Para finalizar subrayar que la Mujer Sentada es la primera escultura esculpida por el pintor y escultor español Pablo Ruiz Picasso.

Es más se conoce que se primero se modeló en arcilla la figura de la mujer, para posteriormente realizar una tirada de trece ejemplares en bronce, estando el original en terracota conservado en el Museo Picasso de París (Francia).

Actualmente se encuentra en el Museo Picasso de Barcelona, España.

Jarra en Forma de Toro Yacente

La Jarra en Forma de Toro Yacente es una jarra datada aproximadamente entre los siglos VII a.C. y VI a.C. (período comprendido entre los años 700 a.C. y 501 a.C.), perteneciente al arte elamita.

Jarra en Forma de Toro Yacente

Jarra en Forma de Toro Yacente

Fue hallada en el año 1.935 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas por el arqueólogo alemán, naturalizado estadounidense, Erich Friedrich Schmidt.

En Chekka Sabz (también conocido como Chigha Sabz), ubicado en la región de Pish-i Kuh de Luristán, en el oeste de Irán.

Cabe destacar que las excavaciones fueron realizadas en nombre del "First Holmes Expedition" y patrocinadas por el American Institute for Persian (later Iranian) Art and Archaeology (Instituto Americano de arte y Arqueología Persa (posteriormente Iraní)).

En el año 1.943 d.C. la Jarra en Forma de Toro Yacente fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 16 cm, una anchura de 30,4 cm y un grosor de 13 cm. Está elaborada en arcilla roja.

Se trata de una jarra de cerámica con forma de un toro yacente con el cuello largo y el cuerpo aproximadamente cilíntrico.

El toro se asienta sobre dos pliegues de arcilla que parecen representar las patas dobladas, aunque el pliegue frontal se encuentra doblado en la dirección incorrecta.

También se puede observar un grueso pico que sirve como la cola del toro. Aparte el cuello del toro es delgado y se curva hacia atrás, de modo que su cabeza mira hacia la izquierda.

Además destaca como el toro tiene un hocico redondo, ojos saltones y cuernos que se curvan uno hacia el otro.

Para finalizar subrayar que la Jarra en Forma de Toro Yacente fue encontrada en un escondite enterrada con otros objetos que incluían: dos sellos cilíndricos neolamitas, dos vasijas con forma humana y otras tres vasijas con forma de toro.

Se conoce que aunque en la Edad del Bronce Chekka Sabz era una pequeña aldea, para la Edad del Hierro se había reducido a un campamento, quizás utilizado por pastores en su transición entre los pastos de verano y los de invierno.

Es más el escondite parece haber sido enterrado apresuradamente y es evidente que quién enterró los objetos no regresó o no pudo regresar a recuperarlos.

Las figuras humanas de Chekka Sabz tienen las manos entrelazadas, siendo una postura atestiguada en el arte elamita, dónde parece ser el gesto apropiado en presencia de un dios.

Por lo tanto, éstas figuras probablemente representan adoradores atentos y probablemente estaban destinadas a ser ofrendas, lo mismo que seguramente ocurre con la Jarra en Forma de Toro Yacente.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Sello y Matriz Anglosajón

El Sello y Matriz Anglosajón es un sello secular datado aproximadamente en el siglo XI d.C. (período comprendido entre los años 1.001 d.C. y 1.100 d.C.), perteneciente al arte anglosajón.

Sello y Matriz Anglosajón

Sello y Matriz Anglosajón

Fue hallado en agosto del año 1.879 d.C., junto con una pequeña piedra de afilar y un peine de una sola pieza, en la ciudad de Wallingford.

Ubicada en el valle del río Támesis, localizado en el condado de Oxfordshire, en el sur de Gran Bretaña.

Poco después de su descubrimiento pasó a ser propiedad del anticuario británico Augustus Wollaston Franks.

Hasta que en el año 1.881 d.C. el Sello y Matriz Anglosajón fue donado al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte dentro del departamento de Gran Bretaña, Europa y Prehistoria.

Sello y Matriz Anglosajón

Descripción

Tiene una longitud de 86 mm, una anchura de 45 mm y un grosor de 8 mm. 

Está fabricado en cera y marfil de morsa, mediante las técnicas de grabado, incisión y tallado.

Se trata de un sello secular personal formado por una matriz circular de marfil de morsa grabada por ambas caras y que presenta un mango lentoide saliente en la parte superior, decorado por una cara y liso por la otra, mientras la punta se encuentra rota.

La decoración del mango consiste en la representación en relieve del Dios Padre e Hijo, ambos entronizados sobre una figura humana postrada.

Se puede observar como sobre ellos se encuentra el símbolo dañado del Espíritu Santo representado en forma de paloma.

Aparte resalta como la matriz está ornamentada con la cara grabada con la figura de medio cuerpo de un hombre barbudo, mirando hacia la izquierda, en un marco circular, con una espada en alta en la mano derecha y la capa sujeta al hombro.

Alrededor de ésta figura, dentro de un marco inciso hay una inscripción retrógrada (escritura o grabado que se lee en dirección inversa al sentido normal de lectura, es decir, de derecha a izquierda).

La inscripción es la siguiente:

"+ SIGILLVM : GODÞINI MINISTRI"

Cuya traducción aproximada es la siguiente:

"El sello de Godwin el thegn (ministro)"

Mientras que en el reverso de la matriz se puede observar la figura de una mujer sentada sobre un cojín, mirando hacia la izquierda, con la mano derecha levantada y la izquierda sosteniendo un libro.

Alrededor de esto, colocado dentro de un marco circular, se encuentra otra inscripción retrógrada y además lleva la impresión de un sello de lacre.

La inscripción es la siguiente:

"+ SIGILLVM GODEGYÐE MONACHE DŌDATE"

Siendo una traducción aproximada la siguiente:

"El sello de Godgyða, una monja entregada a Dios"

Para finalizar subrayar que el uso de los sellos seculares personales en el período anglosajón tardío sigue siendo objeto de debate.

Algunos investigadores piensan que se utilizaban sueltos para acompañar documentos como una forma de identificación y autenticación.

Mientras que otros piensan que los sellos seculares se utilizaban para sellar las cartas. En todo caso se cree que habrían sido fabricados para personas de rango y posición altos dentro de la sociedad anglosajona.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

Fragmento de Túnica Wari

El Fragmento de Túnica Wari es un fragmento de túnica datada aproximadamente entre los siglos VII d.C. y IX d.C. (período comprendido entre los años 601 d.C. y 900 d.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte wari. 

Fragmento de Túnica Wari

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de la galería de arte "Julius Carlebach Gallery", ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.953 d.C. el fragmento de túnica fue comprado por el político estadounidense y vicepresidente de los Estados Unidos de América Nelson Aldrich Rockefeller.

Entre los años 1.956 d.C. y 1.978 d.C. fue prestado para su exposición al Museo de Arte Primitivo de Nueva York (Estados Unidos de América), un antiguo museo dedicado a las culturas indígenas de América, Asia, Europa, África y Oceanía.

Hasta que en el año 1.979 d.C. el Fragmento de Túnica Wari fue legada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una altura de 32,7 cm y una anchura de 53,3 cm. Está elaborada en pelo de camélido y algodón.

Se trata del fragmento de una túnica que muestra cuatro figuras de perfil portando un bastón. Llama la atención como las figuras de color marrón claro con ojos partidos tienen aspecto humano y colmillos de seres dotados de poderes sobrenaturales.

Mientras que se puede observar como las figuras de color verde presentan manchas, hocicos y garras de felino. También se aprecia como todas las figuras tienen alas, cinturones que terminan en flores estilizadas y parecen correr o arrodillarse.

Para finalizar subrayar que las túnicas wari se encuentran entre los textiles más elaborados de la América Precolombina.

Sus coloridos diseños se basan en cuadrículas, con filas verticales de cuadrados frecuentemente separados por bandas monocromáticas.

Además resaltar que las composiciones son altamente geométricas y a menudo ilegibles a simple vista. Las figuras representadas se distorsionan, comprimen, expanden y rotan hasta alcanzar los límites de la abstracción.

Sin embargo, las figuras tejidas se refieren en última instancia a humanos y animales conocidos dentro de la iconografía wari, como portadores de bastón, cabezas humanas de frente y de perfil, felinos y aves rapaces.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Chaqueta de Soldado (Su'a Senakut)

La Chaqueta de Soldado (Su'a Senakut) es una chaqueta datada aproximadamente en el siglo XVIII d.C. (período comprendido entre los años 1.701 d.C. y 1.800 d.C.), perteneciente al arte tailandés.

Chaqueta de Soldado (Su'a Senakut)

Chaqueta de Soldado (Su'a Senakut)

Se conoce que en el año 1.981 d.C. la chaqueta fue comprada en la ciudad de Londres (Gran Bretaña) por el anticuario y coleccionista estadounidense Henry David Ginsburg, pasando a formar parte de su colección.

Hasta que en el año 1.983 d.C. la Chaqueta de Soldado (Su'a Senakut) fue adquirida por el Museo Real de Ontario, ubicado en la ciudad de Toronto, en Canada.

Chaqueta de Soldado (Su'a Senakut)

Descripción

Tiene una altura de 69 cm y una anchura de 155 cm.

Se trata de una prenda, una chaqueta o camisa, ornamentada con cabezas de monstruos en la parte delantera y las mangas, y lo que podría ser representaciones de una cota de malla.

Ésta confeccionada a partir de una sola pieza de tela, con el cuello cortado en la abertura delantera y cosido por separado.

Resalta como en cada hombro se ve el mismo rostro de perfil, un collar de nubes de estilo chino, que simboliza protección, aparece sobre el rostro temeroso de un demonio grotesco con ojos saltones y con las mandíbulas bien abiertas apreciándose los colmillos. 

Aparte destacar que ésta figura tailandesa a menudo en la iconografía tailandesa y arte general se denomina Kiartimuk (también conocida Kiatimuk, una figura monstruosa con una nube de collar chino simboliza protección).

También cabe resaltar que Kiartimuk se encuentra inspirada en la deidad hindú Rahu, que se piensa que es la causa de los eclipses solares y lunares.

Con respecto a la composición enfatizar que aunque pertenece al arte tailandés las telas fueron tejidas en la costa sureste de la India, para después importarlas para el mercado tailandés.

Los pintores de chintz de la India realizaron algunas de sus obras más finas y distintivas para la corte real de Tailandia.

Originalmente, solo los reyes tailandeses, sus nobles y la guardia real tenían permitido vestir chintz indio. Los gobernantes enviaban agentes a la India para encargar telas especiales con líneas blancas finamente dibujadas, motivos en forma de llamas e imágenes de deidades budistas y en Tailandia se realizaban algunos acabados en oro (dorado).

Para finalizar subrayar que la Chaqueta de Soldado (Su'a Senakut) es una rara superviviente del tipo de prenda que usaban las Krom Klone, es decir, la guardia personal del rey de Siam (rey de Tailandia), compuesta exclusivamente por mujeres y establecida en el año 1.688 d.C., siendo responsables de la seguridad de la familia real y del mantenimiento del orden en los terrenos del palacio.

Es más los pocos ejemplares que se conservan son extremadamente raros, siendo éstas prendas militares reales representadas en pinturas tailandesas y que han sido documentadas por observadores extranjeros.

Actualmente se encuentra en el Museo Real de Ontario, Canada.

Sección de un Torso Masculino

La Sección de un Torso Masculino es una escultura datada aproximadamente entre los años 490 a.C. y 480 a.C., perteneciente al arte griego.

Sección de un Torso Masculino

Sección de
un Torso Masculino

Sección de
un Torso Masculino

Fue hallada en el año 1.836 d.C. durante las excavaciones arqueológicas realizadas al este del Partenón de Atenas, ubicado en la Acrópolis de Atenas, situada en la ciudad de Atenas, en Grecia.

Poco después de su descubrimiento la Sección de un Torso Masculino pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Arqueológico Nacional de Atenas (Grecia).

Sección de
un Torso Masculino

Descripción

Tiene una altura de 0,34 m y una longitud de 0,335 m. 

Está fabricada en mármol de Paros, mediante las técnicas de incisión, tallado y grabado.

Se trata de parte de la parte inferior de un torso de un joven desnudo, quizás un deportista. Aunque tan sólo se conservan parte de las caderas y los muslos.

Además cabe resaltar que el órgano masculino era un inserto, fue tallado en una pieza separada de mármol de Paros.

Es más enfatizar que las asimetrías y la ligera inclinación de los glúteos indican que originalmente la escultura estaba de pie, con la pierna izquierda fija y la derecha relajada, según el estilo severo de la escultura griega.

Para finalizar subrayar que algunos investigadores atribuyen la Sección de un Torso Masculino a la misma escultura que el Efebo Rubio, sin embargo otros investigadores señalan algunas diferencias en las proporciones que hacen que la asociación sea precaria.

Actualmente se encuentra en el Museo Arqueológico Nacional de Atenas, Grecia.

Cuenta Moche

La Cuenta Moche es una cuenta datada aproximadamente entre los siglos III d.C. y VI d.C. (período comprendido entre los años 201 d.C. y 600 d.C.), perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte moche.

Cuenta Moche

Lo primero que se conoce es que la cuenta se encontraba en la colección del abogado y empresario peruano Guillermo Ganoza Vargas, situada en la ciudad de Trujillo, en el noroeste de Perú.

En el año 1.955 d.C. la cuenta fue comprada por el coleccionista Allan Caplan, formando parte de su colección de arte localizada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.965 d.C. fue adquirida por la filántropa y coleccionista de arte estadounidense Alice K. Bache.

Hasta que en el año 1.977 d.C. la Cuenta Moche fue legada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene un diámetro de 12,7 cm. Está elaborada en oro.

Se trata de la cuenta de un collar alguna vez pudo haber formado parte de una tira de quizás cinco cuentas, que presenta en su anverso un rostro grande y sobrenatural realizado mediante una lámina de oro desde atrás mediante la técnica de repujado.

Los investigadores piensan que los grandes ojos y la boca del ser sobrenatural originalmente podrían haber estado incrustados con concha.

Además la cabeza presenta dos apéndices bajo la barbilla, posiblemente representado brazos y cuatro elementos rizados que se extienden desde la parte superior de la cabeza.

Aparte las extensiones laterales de la cabeza podrían representar el hocico de un canino o un zorro con las fauces abiertas y la lengua fuera.

Cabe resaltar como se puede observar como en el reverso hay una pequeña bolita de cobre que tintineaba al moverse quien la llevaba.

Con respecto a la composición destacar que el ser sobrenatural representado en la cuenta evoca el rostro feroz representado en los relieves arquitectónicos de brillantes pinturas de un importante sitio moche conocido en la actualidad como Huaca de la Luna, ubicado en el Valle de Moche, en la costa norte de Perú.

También se pueden observar como hay representados rostros similares que se repiten en los muros interiores del nivel inferior del Gran Patio.

La Cuenta Moche es una de las más grandes conocidas, puesto que la mayoría que se han encontrado tiene un tamaño que varía desde los 3 cm a 8 cm de ancho.

Es más se conoce que las personas de alto rango en la sociedad moche solían ser enterrados con múltiples collares compuestos por cuentas de diferentes dimensiones.

También es sabido que las cuentas grandes de los collares moche no solían llegar hasta la nuca, como se representa en su cerámica y se deduce del limitado número de cuentas excavadas en los entierros.

Para finalizar subrayar que se conoce que los collares compuestos por grandes cuentas de oro o plata eran objetos de prestigio y poder en el antiguo Perú y se han encontrado en múltiples pertenecientes a la élite moche.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Beato de El Escorial

El Beato de El Escorial es un manuscrito iluminado datado en el siglo X d.C. (período comprendido entre los años 901 d.C. y 1.000 d.C.), perteneciente al arte medieval.

Beato de El Escorial

En concreto pertenece al arte prerrománico y dentro de éste está englobado dentro del arte mozárabe.

Beato de El Escorial

Fue elaborado por el monje español Beato de Liebana (también conocido como san Beato).

Los investigadores piensan que probablemente fue creado en el monasterio de San Millán de la Cogolla, edificado en el municipio de San Millán de la Cogolla.

Situada en la Comarca de Nájera, localizada en la provincia de La Rioja, en la comunidad autónoma de La Rioja (España).

Lo primero que se conoce es que en el siglo XVI d.C. (período comprendido entre los años 1.501 d.C. y 1.600 d.C.) el Beato de El Escorial formaba parte de la colección de arte de la Real Biblioteca del Monasterio de San Lorenzo de El Escorial (también conocida como la Laurentina o la Escurialense), ubicado en el municipio de San Lorenzo de El Escorial, localizado en al comunidad autónoma de la Comunidad de Madrid, en España.

Beato de El Escorial

Beato de El Escorial

Descripción

Se trata de un manuscrito iluminado escrito en tinta roja y negra sobre pergamino.

En la actualidad se conservan un total de 151 folios, con una altura de 335 mm y una anchura de 225 mm.

Beato de El Escorial

Además se encuentra ornamentado con un total de cincuenta y dos miniaturas, de las cuales tan solo veintisiete son las ilustraciones originales.

La imaginería de las iluminaciones proviene de relatos bíblicos, pero lo más destacable de las ilustraciones es que están acompañadas de comentarios que representan el Apocalipsis.

Cabe destacar que el autor consideraba el Apocalipsis era esencial para comprender la Biblia en su conjunto y la primera iluminación representa a Adán y Eva, mientras que la última representa a Daniel.

Las imágenes, junto con el texto se encuentran densamente agrupadas, incluso se puede observar como en varias de las iluminaciones y miniaturas, el texto y las inscripciones en los márgenes se superponen con las propias iluminaciones.

Beato de El Escorial

En algunas páginas los márgenes fuera de las iluminaciones están casi completamente llenos de inscripciones.

Debido a esta superposición entre el texto y las iluminaciones, parte del texto no se puede leer con claridad.

Sin embargo, hay algunos casos en los que el texto no se corresponde necesariamente con las imágenes de las iluminaciones.

Aunque no se comprende del todo la razón, es posible que el texto ya existiera, pero el iluminador no lo leyó. 

Pero también puede ser que el texto y las iluminaciones pudieron haberse producido juntos al mismo tiempo y ésta discrepancia sugiere que el iluminador no fue el escriba.

Es probable que el escriba escribiera las inscripciones en los márgenes para proporcionar un índice del tema adecuado para el iluminador.

Beato de El Escorial

Beato de El Escorial

Beato de El Escorial

Beato de El Escorial

En cuanto al estado de conservación resaltar que en algún momento el Beato de El Escorial fue encuadernado, pero con descuido.

Como resultado se han perdido las páginas iniciales y finales originales y también se han perdido más de una docena de ilustraciones.

Pero aunque se han perdido páginas, el Beato de El Escorial sigue siendo un buen ejemplo de manuscrito iluminado de estilo mozárabe.

Con respecto a la composición resaltar que es ligeramente más pequeño si se compara con otros manuscritos iluminados de la época.

Aparte es uno de los manuscritos más conocidos que utilizan el estilo artístico mozárabe.

Beato de El Escorial

La representación de los pliegues de los ropajes y las vestimentas de forma tubular es casi completamente plana.

También destacan los marcos de las iluminaciones que están profusamente decorados y la obra utiliza colores oscuros en los patrones y fondos amarillos.

Es más enfatizar que posteriormente el Beato de El Escorial influiría en otros estilos artísticos como el arte románico y el arte carolingio.

Para finalizar adjunto un enlace de la página web de la Real Biblioteca del Monasterio de San Lorenzo de El Escorial en el que se puede leer online el Beato de El Escorial.

Actualmente se encuentra en la Real Biblioteca del Monasterio de San Lorenzo de El Escorial, España.

Beato de El Escorial

Beato de El Escorial

Beato de El Escorial

Máscara Mixteca

La Máscara Mixteca, también conocida como Máscara Ñudzavui, es una máscara datada aproximadamente entre los años 1.200 d.C. y 1.521 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte mixteca.

Máscara Mixteca

Lo primero que se conoce es que la máscara llegó a Europa durante el siglo XVI d.C. (período conocido entre los años 1.501 d.C. y 1.600 d.C.).

También es sabido que formó parte de la colección de arte del coleccionista y aristócrata italiano Cosme I de Médici (duque de la República de Florencia y Gran duque de Toscana).

Hasta que la Máscara Mixteca pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Nacional de Prehistoria y Etnografía "Luigi Pigorini", ubicado en la ciudad de Roma, en la región del Lacio (Italia).

Descripción

Tiene una altura de 24 cm, una anchura de 15,8 cm y un grosor de 8 cm. 

Está elaborada en turquesa, madera, nácar y concha.

Se trata de una máscara de madera con un rostro enmarcado por las fauces de un yelmo con forma de cabeza de animal que presenta su superficie cubierta por aproximadamente 14.000 teselas de turquesa.

La máscara también presenta incrustaciones de fragmentos de concha spondylus roja y morada, el bivalvo sagrado para los mixtecas que habitaba en las aguas costeras del océano Pacífico, y nácar (madre perla).

Llama la atención los ojos almendrados huecos, la nariz aguileña y el diseño escalonado sobre la boca, que es un tipo de adorno nasal asociado con las diosas mixtecas y que también usaban las mujeres mixtecas de élite.

Cabe destacar que se conoce que las mujeres y las diosas ocupaban un lugar muy destacado en la cultura mixteca. 

Eran gobernadoras importantes por derecho propio, poseían tierras y propiedades y con frecuencia se forjaban alianzas matrimoniales estratégicas para obtener más poder.

Además destacan las dos serpientes entrelazadas que rodean la frente y emergen a ambos lados de la cabeza, probablemente sean una representación de una deidad serpiente de fuego (conocida como xiuhcoatl).

Con respecto a la composición destacar que éste tipo de turquesa era muy apreciado en la sociedad mixteca por sus usos medicinales y se conoce que era utilizada o ingerida por las víctimas de los rayos.

Aparte destacar que la turquesa es mucho más fácil de trabajar que el jade y rápidamente se convirtió en un material predilecto de los artistas mixtecos.

Para finalizar subrayar que la Máscara Mixteca fue prestada desde el 16 de septiembre del año 2.017 d.C. al 28 de enero del año 2.018 d.C. al J. Paul Getty Museum (Estados Unidos de América) para ser expuesta en la exposición "Golden Kingdoms: Luxury and Legacy in the Ancient Americas" (Reinos Dorados: Lujo y Legado en la Antigua América). 

También la máscara fue prestada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América) pasa ser expuesta en la exposición "Golden Kingdoms: Luxury and Legacy in the Ancient Americas" (Reinos Dorados: Lujo y Legado en la Antigua América) ocurrida entre el 26 de febrero y el 28 de mayo del año 2.018 d.C..

Actualmente se encuentra en el Museo Nacional de Prehistoria y Etnografía "Luigi Pigorini", Italia.