viernes, 30 de mayo de 2025

Brida de Caballo Nazarí

La Brida de Caballo Nazarí es una brida de caballo datada aproximadamente entre los siglos XV d.C. y XVI d.C. (período comprendido entre los años 1.401 d.C. y 1.600 d.C.), perteneciente al arte islámico.

Brida de Caballo Nazarí

En concreto al arte hispanomusulmán y dentro de éste está englobado dentro del arte nazarí.

Brida de Caballo Nazarí

Los investigadores piensan que pudo haber sido elaborado en un taller edificado en la ciudad de Granada, situada en la provincia de Granada, localizada en la comunidad autónoma de Andalucía (España).

También es conocido que perteneció a la colección de arte del anticuario británico Augustus Wollaston Franks.

Hasta que en el año 1.890 d.C. la Brida de Caballo Nazarí fue donada al Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte del departamento de Gran Bretaña, Europa y Prehistoria.

Brida de Caballo Nazarí



Descripción

Tiene una anchura de 21 cm y una longitud de 38 cm. Está elaborado en oro, cobre y esmalte.

Se trata de una brida de caballo o arreos para caballo, elaborado en cobre dorado y esmalte, que forman una testera montada sobre una correa de cuero.

Cada uno de los veinticinco elementos que componen la brida se encuentran ornamentados con granulado de cobre sobre cobre, esmalte en secciones alternas y dos medallones forman la unión de las bandas que pasan detrás de las orejas del caballo.

La superficie superior de cada sección está dividida en dos compartimentos: uno decorado con esmalte cloisoné, verde y azul como fondo para motivos arabescos en blanco opaco y rojo. Mientras que el otro compartimento está ornamentado con decoración granulada.

Para finalizar subrayar que la Brida de Caballo Nazarí es un la única pieza de éste tipo que se conserva que procede del Al-Ándalús.

Siendo originalmente un artículo de lujo que habría adornado el caballo de una persona de alto rango. En concreto se relaciona con un grupo de objetos atribuidos al taller real del último sultán del reino nazarí de Granada Abū ‘Abd Allāh Muhammad ibn Abī il-Hasan ‘Alī (también conocido como Muhammad XII de Granada o Boabdil).

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

jueves, 29 de mayo de 2025

La Novia del Viento

La Novia del Viento, también conocido como La Tempestad, es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.913 d.C. y 1.914 d.C., perteneciente al expresionismo.

La Novia del Viento

La Novia del Viento

Fue pintada por el pintor y poeta austríaco Oskar Kokoschka.

De la procedencia de la pintura lo único que se sabe es que fue adquirido con un préstamo especial del gobierno de Basilea por el Museo de Arte de Basilea (Suiza).

La Novia del Viento


Descripción

Tiene una altura de 180,4 cm y una anchura de 220,2 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de una pintura alegórica que representa un autorretrato del artista acostado junto a su amante Alma Mahler-Werfel.

La pintura representa a Alma Mahler-Werfel durmiendo plácidamente junto a Oskar Kokoschka, que está despierto y mira fijamente al vacío, entrelazando los dedos en una lenta angustia.

Llama la atención como ambas figuras están representadas flotando en una nube de tormenta, en referencia a su tormentosa relación llena de celos, fricciones y peleas.

Con respecto a la composición resaltar que la pintura va mas allá del carácter puramente figurativo y anecdótico para expresar un contenido interior.

Se encuentra pintada en colores suaves con el predominio del color azul, el color asociado con la tristeza. Además se puede observar cómo el cuerpo de la mujer muestra suaves pinceladas, como si éste fuera el único gesto de ternura que el autor le dirigía.

Aparte todo lo demás está pintado con pinceladas bruscas. Igualmente destaca la armonía cromática que está regida por los contrastes luminosos entre rosas y amarillos con el predominio de los tonos azules.

También enfatizar que aunque a primera vista la composición parece caótica, pero si se mira con más detenimiento se puede apreciar como su estructura a base de diagonales delimita cinco grandes zonas en la pintura.

La expresividad de las pinceladas es el elemento plástico más llamativo, ya que se dirigen simultáneamente en todas las direcciones.

Para finalizar subrayar que en el año 1.912 d.C. el el pintor y poeta austríaco Oskar Kokoschka conoció a la compositora y editora musical austríaca Alma Mahler-Werfel (también conocida como Alma María Margaretha Schindler), la esposa recientemente viuda del compositor austríaco Gustav Mahler, surgiendo una apasionada historia de amor.

Como curiosidad resaltar que como resultado del romance el artista realizó numerosos dibujos y pinturas de su musa.

La ruptura de la pareja ocurrida en el año 1.914 d.C. tuvo un profundo efecto en el artista, cuya pincelada expresiva se volvió más turbulenta.

Es más cuando se pintó La Novia del Viento el poeta austriaco Georg Trakl lo visitaba casi a diario y elogiaba la pintura en su poema "Die Nacht" (La Noche).

Actualmente se encuentra en el Museo de Arte de Basilea, Suiza.

miércoles, 28 de mayo de 2025

Cinco Mujeres en la Calle

Cinco Mujeres en la Calle es una pintura datada en el año 1.913 d.C., perteneciente al expresionismo.

Cinco Mujeres en la Calle

Fue pintada por el pintor alemán Ernst Ludwing Kirchner Piper (también conocido como Ernest Ludwing Kirchner), en la ciudad de Berlín (Alemania).

La pintura fue comprada en el año 1.926 d.C. por el Museo Folkwang de Essen (Alemania).

Permaneciendo en la colección del museo hasta que el 6 de julio del año 1.937 d.C. fue confiscado por el Ministerio del Reich de Ilustración Pública y Propagando, por lo que pasó a ser propiedad del Reich alemán.

Tras ser expuesto en la exposición "Arte Degenerado" realizada en diversos lugares de Alemania, en agosto del año 1.938 d.C. fue trasladado al depósito de obras de arte de uso internacional del Palacio de Schönhausen, ubicado en la ciudad de Berlín (Alemania).

Cinco Mujeres en la Calle permaneció en el depósito hasta el 7 de marzo del año 1.940 d.C..

Posteriormente fue vendido al extranjero (fuera de Alemania) por el comerciante de arte y galerista alemán Ferdinand Möller.

Sin embargo la pintura permaneció en Alemania y pasó a formar parte de la colección del barón Le Tanneaux de Saint Paul, localizada en el municipio Seeshaupt, situado en el distrito de Weilheim-Schongau en el estado federado de Baviera (Alemania).

En el año 1.947 d.C. la pintura llegó a la galería de arte de Múnich Günther Franke, de donde el abogado y coleccionista de arte alemán Josef Haubrich lo adquirió para el Museo Wallraf-Richartz de Colonia (en la actualidad Museo Ludwing), en Alemania.


Descripción

Tiene una altura de 120 cm y una anchura de 90 cm. Está pintado al óleo sobre tela.

Se trata de una pintura que representa la imagen de cinco "cocottes" (como se denominaba a las prostitutas en la ciudad de Berlín en la época en la que se pintó el cuadro) esperando clientes en la ciudad por la noche.

Las mujeres se encuentran elegantemente vestidas, listas para establecer contacto con clientes, se pude apreciar como situado en el borde derecho de la imagen hay representada la rueda de un coche, indicando un símbolo de la modernidad móvil.

Hacia la rueda se dirige la mirada de la mujer situada a la derecha, mientras que todas las demás mujeres miran hacia el lado izquierdo, hacia un escaparate iluminado.

Aparecen representadas como mujeres activas que buscan a sus clientes con provocación y confianza. Las figuras tienen proporciones corporales alargadas, contornos faciales angulares que dan como resultado una delgadez absoluta.

Además llama la atención como la vestimenta de las mujeres se compone de abrigos y capas oscuros ajustados con cuellos de piel y otros apliques.

Aparte se puede apreciar como llevan zapatos de tacón alto y sombreros extravagantes decorados con plumas.

También destaca como la pose de las mujeres es de desinterés y su aspecto de estatua inmóvil, pero con los ojos vivos lo que crea la tensión específicamente erótica de la escena.

Con respecto a la composición las figuras de las mujeres representadas como pájaros oscuros, morados y estridentes destacan sobre el fondo urbano de color verde amarillento.

Las pinceladas impulsivas y en zigzag, junto con los sombreados subrayan la sensación de anonimato y agitación que se experimentaba en la ciudad de Berlín (Alemán) noche.

Para finalizar subrayar que en la pintura Cinco Mujeres en la Calle se representa un tipo característico de persona que habita las grandes ciudades por la noche en grupos.

Es más las figuras de las mujeres simbolizan la decadencia de la sociedad alemana en la ciudad de Berlín (Alemania) en el período inmediatamente anterior a la Primera Guerra Mundial (conflicto bélico ocurrido entre los años 1.914 d.C. y 1.918 d.C. que involucró a casi todos los países de Europa y a varias naciones de otros continentes).

Actualmente se encuentra en el Museo Ludwing, Alemania.

martes, 27 de mayo de 2025

Placa de Cinturón con Forma de Caballo

La Placa de Cinturón con Forma de Caballo, también conocida como Adorno de Cinturón con Forma de Caballo o 臥馬紋銀帶飾, es una placa datada aproximadamente entre los siglos III a.C. y I a.C. (período comprendido entre los años 300 a.C. y 1 a.C.), perteneciente al arte chino.

Placa de Cinturón con Forma de Caballo

De su origen lo único que se conoce es que fue hallada durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en el norte de China.

Después es sabido que perteneció a la colección de arte "Ernest Erickson Collection", propiedad del coleccionista de arte finlandés Ernest Erickson.

Hasta que en el año 1.985 d.C. la Placa de Cinturón con Forma de Caballo fue donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 8,1 cm y una longitud de 14,5 cm.

Se trata de una placa de plata con forma de caballo, la forma aguileña del hocico, la dramática curvatura de sus cuartos traseros y el vibrante marco calado reflejan una imaginería y un enfoque estilístico presentes en objetos fabricados anteriormente por pueblos escitas indoeuropeos que habitaban la meseta iraní y la zona del mar Negro.

La placa fue fundida en plata y presenta restos de dorado en su superficie. Además los investigadores piensan que probablemente fue elaborada en el norte de China para un miembro de los yuezhi (también conocidos como kushán) 

O de alguna de las otras confederaciones de Asia central que mantenían un comercio activo con diversos centros chinos, intercambiando pieles y alfombras por productos como grano y artículos de lujo como seda o orfebrería.

También cabe destacar que originalmente la placa probablemente fue utilizada como un adorno en una brida u otro aparejo equino, aparte ésta pequeña placa ilustra la difusión de motivos artísticos por toda Asia.

Para finalizar subrayar que artefactos metálicos fascinantes, como la Placa de Cinturón con Forma de Caballo, hacen referencias dispersas en la historia china y occidental constituyen la única fuente de información sobre las numerosas tribus pastoriles, seminómadas y jinetes que habitaron las vastas extensiones de Asia Central que atravesaban la Ruta de la Seda. 

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

lunes, 26 de mayo de 2025

Jarra de Latón Abasí

La Jarra de Latón Abasí es una jarra datada aproximadamente entre los siglos VIII d.C. y IX d.C. (período comprendido entre los años 701 d.C. y 900 d.C.), perteneciente al arte islámico, en concreto al arte abasí o arte abásida.

Jarra de Latón Abasí

Lo primero que se conoce es que fue hallada durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en Iran.

También es sabido que la jarra perteneció a la colección de arte de la marchante iraní Khalil Rabenou.

Hasta que en el año 1.959 d.C. la Jarra de Latón Abasí fue comprada por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción 

Tiene una altura de 29,50 cm y una anchura de 17 cm.

Está elaborada en latón, mediante las técnicas de fundición, cincelado y martillado.

Se trata de una jarra compuesta por un pie que funciona como base, un cuerpo con forma de pera, un asa con el apoyo para el pulgar en forma de hoja y un borde producidos en una única pieza.

La ornamentación fue realizada posteriormente en bajorrelieve y trazada con la figura de un "simurg" encerrado dentro de un medallón redondo decorado con patrones de volutas de acanto y otros diseños vegetales.

Cabe destacar que un "simurg" (también conocido como simurgh, simorg o simorgh) es una criatura mitológica iraní representada como un criatura majestuosa que simboliza la sabiduría, la protección y la inmoralidad.

Aparece representado como un perro-ave con imponentes alas, cabeza de perro, cuerpo de pavo real y garras de león.

Con respecto a la composición destacar que la forma de éste recipiente y su apoyo para el pulgar en forma de hoja provienen de la Antigüedad Clásica y se repiten en la metalistería sasánida, pero el diseño del "simurg" es completamente iraní.

Éste motivo se originó en la época sasánida tardía, pero fue más popular en el período islámico temprano, en el arte abasí o arte abásida el motivo se encuentra en textiles, decoración de estuco y vidrio.

Para finalizar subrayar que la Jarra de Latón Abasí  ha sido analizada científicamente por S. La Niece, demostrando que la jarra se realizó en una sola pieza y se pueden apreciar varias coronas ornamentales redondas de fundición, de unos 0,4 cm de diámetro.

Éstos espaciadores metálicos se utilizaban para separar las secciones exterior e interior del molde hueco de fundición mientras se vertía el metal.

Cabe resaltar que la composición de éstas coronas ornamentales es muy similar a la del cuerpo principal del metal. 

Además resaltar que la decoración se incorporó tras la fundición, con el diseño atravesando las coronas y el bajorrelieve se martilló, mientras que el interior se reforzó con brea o un material similar.

Aparte el análisis de absorción atómica de la base y el asa indican una composición de 71,5-72 % de cobre, 9,8-10,2 % de plomo, 2,2-2,3 % de estaño y 14,4-14,8 % de zinc, con otros oligoelementos menores.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

domingo, 25 de mayo de 2025

Espátula con Tres Caras de Perfil

La Espátula con Tres Caras de Perfil es una espátula datada aproximadamente entre los años 800 a.C. y 500 a.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte cupisnique.

Espátula con Tres Caras de Perfil

Lo primero que se conoce es que fue encontrada durante las excavaciones arqueológicas comenzadas en el año 1.988 d.C. en el yacimiento arqueológico de Kuntur Wasi (Perú).

Cabe resaltar que las excavaciones fueron realizadas por la Misión Arqueológica de la Universidad de Tokyo.

En el año 2.003 d.C. la Espátula con Tres Caras de Perfil pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Kuntur Wasi, ubicado en el poblado de Kuntur Wasi, situado en la provincia de San Pablo, localizado en el departamento de Cajamarca, en Perú.

Espátula con Tres Caras de Perfil


Descripción

Tiene una altura de 22,7 cm y una anchura de 3,3 cm. 

Está elaborada en hueso y concha, mediante las técnicas de incisión, grabado, incrustación y tallado.

Se trata de una espátula que está ornamentada en el mango con tres cabezas perfiladas de criaturas mitológicas con colmillos, narices y cejas. 

Además se puede apreciar como los pequeños ojos redondeados de las criaturas presentan incrustaciones de concha.

En cuanto a la funcionalidad resaltar que los investigadores piensan que es posible que la espátula originalmente se haya utilizado para inhalar sustancias psicoactivas (también conocidas como sustancias psicotrópicas) durante ceremonias rituales.

Es más cuando se levanta la espátula hasta la nariz, en el mango se puede ver claramente la figura tallada del felino sobrenatural con los grandes colmillos. Aparte también directamente en el campo visual aparece el ojo de una serpiente.

Con respecto a la composición destacar que los artistas cupisniques transformaron materiales relativamente comunes, como el hueso, en intrincadas tallas con imágenes complejas.

Para finalizar subrayar que la Espátula con Tres Caras de Perfil fue prestada desde el 16 de septiembre del año 2.017 d.C. al 28 de enero del año 2.018 d.C. al museo J. Paul Getty (Estados Unidos de América) para se expuesta en la exposición "Golden Kingdoms: Luxury and Legacy in the Ancient Americas" (Reinos Dorados: Lujo y Legado en la Antigua América).

También fue cedida desde el 26 de febrero al 28 de mayo del año 2.018 d.C. al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América) para ser expuesta en la exposición "Golden Kingdoms: Luxury and Legacy in the Ancient Americas" (Reinos Dorados: Lujo y Legado en la Antigua América).

Actualmente se encuentra en el Museo Kuntur Wasi, Perú.

sábado, 24 de mayo de 2025

Cuenco Aqueménida Estriado

El Cuenco Aqueménida Estriado es un cuenco datado aproximadamente entre los años VI a.C. y V a.C. (período comprendido entre los años 600 a.C. y 401 a.C.), perteneciente al arte persa, en concreto al arte aqueménida

Cuenco Aqueménida Estriado

Lo primero que se conoces es que fue hallado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en Irán.

También es conocido que formaba parte de la colección de arte de la marchante de arte iraní Khalil Rabenou, ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.952 d.C. el cuenco pasó a pertenecer a la colección de arte "Kevorkian Collection".

Hasta que en el año 1.954 d.C. el Cuenco Aqueménida Estriado fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 11,1 cm, una anchura de 18,4 cm y un diámetro de 9,2 cm.

Se trata de un cuenco de oro estriado, un recipiente abierto en la parte superior que presenta el exterior estriado y ornamentación con forma de lagrima dispuestas en la parte superior.

Además llama la atención como también en la parte superior del cuerpo, justo debajo del borde, hay una inscripción incisa en idioma persa antiguo (lengua irania suroccidental también conocida como persa aqueménida).

Para finalizar subrayar que se conoce que los cuencos y platos estriados datados en el período aqueménida continuaron una tradición iniciada en el Imperio Asirio.

Aunque si bien se ofrecían como obsequios reales, parece que también se valoraban e intercambiaban simplemente por el peso de los metales preciosos con los que estaban hechos.

Aparte cabe resaltar que en el siglo VI a.C. (período comprendido entre los años 600 a.C. y 501 a.C.) bajo el liderazgo del rey Ciro el Grande (también conocido como Ciro II o Ciro II el Grande), la dinastía persa aqueménida derrocó a los reyes medos y estableció un imperio que con el tiempo se extendió desde Europa oriental y Egipto hasta la India.

La dinastía aqueménida dura dos siglos y se encuentra bien documentado por los numerosos restos arqueológicos que han llegado hasta la actualidad, así como por las descripciones de escritores griegos y del Antiguo Testamento.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

viernes, 23 de mayo de 2025

Nyanyinlingi Jukurrpa

Nyanyinlingi Jukurrpa, también conocido como Sueño con Hojas de Azúcar, es una pintura datada aproximadamente entre los años 1.980 d.C. y 1.987 d.C., perteneciente al arte oceánico, en concreto al arte aborigen australiano

Nyanyinlingi Jukurrpa

Se conoce que procede del pueblo de Yuendumu, ubicado en el Territorio del Norte en Australia.

Siendo pintado por tres artistas: la artista indígena australiana Lucy Napaljarri Kennedy, la artista indígena australiana Hilda Napaljarri y la artista indígena australiana Ruth Napaljarri Stewart.

También es conocido que Nyanyinlingi Jukurrpa estaba en posesión de la Asociación de Artista de Warlukurlangu.

Hasta que en el año 1.987 d.C. la pintura fue comprada por el Museo Británico de Londres (Gran Bretaña), dónde pasó a formar parte del departamento de África, Oceanía y América.

Además como curiosidad destacar que el marchante de arte Mr. B. Rooney fue quién actuó en nombre de los vendedores.


Descripción

Estirado tiene una longitud de 182,20 cm, una anchura de 148 cm y una profundidad de 2,30 cm.

Se trata de una pintura acrílica sobre lienzo que presenta círculos concéntricos rodeados de medialunas, que representan ceremonias de canto y danza de mujeres.

También hay círculos más pequeños que representan árboles de hojas de azúcar y bandas multicolores que conectan muchos de los círculos.

Con respecto a la composición destacar que la policromía está compuesta por colores: rojo, naranja, blanco, marrón oscuro y lila.

Para finalizar subrayar que la pintura narra "el sueño de la hoja de azúcar", que es  la historia de un matrimonio entre un Jungarrayi y una Napangardi, conocido como una unión de "piel equivocada".

El Jungarrayi atrajo a su esposa cantando mientras hacía cordel, tras verla orinar de forma impresionante.

Él era de otro lugar Ngarlu (un agujero en la roca, era el lugar donde Napangardi había orinado), siendo el país Wari-Wari.

Actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres, Gran Bretaña.

jueves, 22 de mayo de 2025

Vaso de Libación con Cinco Conchas Spondylus

El Vaso de Libación con Cinco Conchas Spondylus es un recipiente datado aproximadamente entre los años 1.450 d.C. y 1.532 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte inca.

Vaso de Libación con Cinco Conchas Spondylus

Lo primero que se conoce es que perteneció a la colección de arte del coleccionista peruano Óscar Rodríguez Razzetto.

Después fue adquirido por el empresario y coleccionista de arte peruano Petrus Fernandini, pasando a formar parte de la colección de arte "Colección Petrus y Verónica Fernandini".

Hasta que en el año 2.007 d.C. el Vaso de Libación con Cinco Conchas Spondylus fue donado al Museo de Arte de Lima (Perú), integrándose en la colección de arte del museo.


Descripción

Tiene una altura de 23,7 cm, una anchura de 23,5 cm y un diámetro de 24,6 cm.

Se trata de un recipiente de cerámica conocido como paccha formado por una cámara circular en forma de bol cerrado que presenta la parte superior ornamentada con figuras de arcilla con formas de conchas de Spondylus, un bivaldo (tipo de molusco) blanco, rojo, naranja o morado con una superficie espinosa.

Los líquidos se vertían por la embocadura superior, una vez dentro los líquidos circulaban dentro de la vasija y salían por una pequeña apertura situada en la base.

Cabe destacar que los pacchas eran objetos rituales muy importantes dentro de las culturas andinas, con un simbolismo asociado con la fertilidad, la naturaleza y la vida.

Es más es conocido que los incas los utilizaban exclusivamente en ceremonias de culto al agua y la fertilidad, por lo que se puede afirmar que el Vaso de Libación con Cinco Conchas Spondylus simbolizaba la estrecha conexión entre la Spongylus, el agua y la fertilidad.

Aparte los incas llamaban a las conchas de Spondylus "hijas del mar, la madre de todas las aguas" y las colocaban como ofrendas en manantiales y campos agrícolas para asegurar suficiente agua y abundantes cosechas.

Para finalizar subrayar que el Vaso de Libación con Cinco Conchas Spondylus fue prestado al Museo J. Paul Getty para ser expuesto desde el 16 de septiembre del año 2.017 d.C. al 28 de enero del año 2.018 d.C. en la exposición "Golden Kingdoms: Luxury and Legacy in the Ancient Americas" (Reinos Dorados: Lujo y Legado en la Antigua América).

También fue prestado desde el 26 de enero al 28 de mayo del año 2.018 d.C. al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América) para ser expuesto en la exposición "Golden Kingdoms: Luxury and Legacy in the Ancient Americas" (Reinos Dorados: Lujo y Legado en la Antigua América).

Actualmente se encuentra en el Museo de Arte de Lima, Perú.

miércoles, 21 de mayo de 2025

Juan Gris

Juan Gris, también conocido como Retrato de Juan Gris, es una pintura datada en el año 1.915 d.C., perteneciente al expresionismo.

Juan Gris

Fue pintada por el pintor, dibujante y escultor italiano Amedeo Clemente Modigliani (también conocido como Amedeo Modigliani).

Lo primero que se conoce es que después del año 1.923 d.C. formaba parte de la colección de arte del Georges Dorival, ubicada en la ciudad de París (Francia).

También es sabido que en el año 1.939 d.C. la pintura se encontraba en posesión del Dr. Paul Viard, siendo en ese mismo año comprada por un coleccionista privado afincado en los Estados Unidos de América.

En el año 1.947 d.C. la pintura Juan Gris fue vendida al marchante de arte alemán Klaus Gunther Perls, pasando a formar parte de su colección ubicada en la galería de arte "Perls Galleries" de Nueva York (Estados Unidos de América).

El 27 de febrero del año 1.950 d.C. fue comprada por un precio de 6.200 dólares por la coleccionista de arte, pintora estadounidense, mecenas, filántropa y aficionada a la genealogía Adelaide Milton de Groot

En el año 1.967 d.C. la pintura fue legada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 55,2 cm y una anchura de 38,3 cm. Pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de un retrato del busto del pintor español José Victoriano Carmelo Carlos González-Pérez (también conocido como Juan Gris), su amigo y pionero del cubismo.

La cabeza está representada curvada como si estuviera separada del cuello, representado al hombre del cuadro intentando sobrevivir, inspirándose en los acontecimientos de la Primera Guerra Mundial que ocurría en aquella época y que hacían parecer desesperados a los espectadores.

El artista también utilizó un fondo oscuro en la pintura para representar la desesperación que atravesaban las personas.

Aparte el uso de un cuello largo y cilíndrico también indica que el hombre representado en el cuadro atravesaba momentos difíciles.

Resalta como la cabeza y el cuello cilíndrico parecen tallados de forma similar a las tallas africanas, así como la nariz que presenta numerosas referencias a las máscaras africanas y parece que el artista la colocó prácticamente como un elemento independiente.

Se aprecia como situado en la parte superior izquierda está escrito en el fondo gris neutro el nombre de la persona retratada: "GRIS", siendo el mismo significado en idioma español y francés.

Con respecto a la composición destacar que la pintura tiene aspectos culturales de Europa y Africa. En general se puede afirmar que la sutil organización de los rasgos del rostros en planos separados tiene influencias cubistas.

Por otra parte destaca la utilización de colores brillantes y oscuros para realzar la calidad de la obra. El artista empleó negro, marrón y blanco, lo que le confiere una rica textura.

Se puede observar como el cuello y el rostro se pintaron con marrón, mientras que el cabello y los hombros se pintaron con negro.

Como curiosidad enfatizar que se piensa que la pintura de Juan Gris probablemente fue pintada en una única sesión, ya que se sabe que el artista rara vez requería más de dos sesiones.

Para finalizar subrayar que se dice que entre los años 1.909 d.C. y 1.910 d.C. Amedeo Modigliani conoció al pintor español Juan Gris en el apartamento de la escritora y mecenas Gertrude Stein, ubicado en la ciudad de París (Francia).

En el momento de pintar el retrato Juan Gris tenía veintisiete años y Amedeo Modigliani treinta años. Aunque influenciado por pintores cubistas como Juan Gris, Amedeo Modigliani también trabajo brevemente en la escultura bajo la tutela del escultor, pintor y fotógrafo rumano Constantin Brancusi (considerado pionero en el arte moderno).

Para el año 1.914 d.C. Amedeo Modigliani se centraba exclusivamente en la pintura, pero presentaba a sus modelos con contornos simples, formas alargadas y rasgos sobrios y estilizados, similares a los de su arte tridimensional.

Para muchos historiadores la pintura Juan Gris está considera una de sus obras prodigiosas antes de morir de tuberculosis a la edad de treinta y cinco años.

Puesto que todos los elementos de la pintura se encuentran ensamblados con una precisión clásica: la forma, las líneas, el tono de color y los patrones están hábilmente refinados para formar una disposición entrelazada, libre de decoraciones innecesarias.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

martes, 20 de mayo de 2025

Bodegón de Naranjas

El Bodegón de Naranjas es una pintura datada en el año 1.863 d.C., perteneciente al romanticismo.

Bodegón de Naranjas

Fue pintada por el pintor, historiador de arte, arqueólogo, museólogo y literato español Rafael Romero Barros.

Cabe destacar que la pintura perteneció a la colección del arte del artista.

Hasta que en el año 1.895 d.C. el Bodegón de Naranjas pasó a formar parte de la colección de arte del Museo de Bellas Artes de Córdoba, ubicado en la ciudad de Córdoba, situada en la provincia de Córdoba, en la comunidad autónoma de Andalucía (España).


Descripción

Tiene una altura de 68 cm y una anchura de 54 cm. Está pintado al óleo sobre lienzo.

Se trata de un bodegón, es decir, una pintura que representa objetos cotidianos, en lugar de representar a personas o paisajes.

En una habitación con una pared clara hay en la parte superior una ventana enrejada que se abre al exterior, de la ventana hay ramas de naranjos, algunas de las cuales tienen las flores blancas antes de que salga el fruto y también hay ramas de las que cuelgan las frutas, siendo en total cuatro naranjas.

En una mesa de madera o tabla están representados: en el fondo un florero con flores rojas y blancas, un recipiente de cristal con un líquido claro y un vaso relleno con zumo de manzana del que sobresale el mango de una cuchara decorada con una palmeta en la parte superior.

Delante hay representadas diferentes naranjas, algunas de las cuales están enteras, otras están representadas peladas, cortadas o en gajos, junto con las cáscaras, flores blancas y una rama del naranjo cortada colocada en el centro de la mesa, justo en el borde.

También en la esquina inferior derecha, sobre la madera, se puede apreciar como aparece la firma del autor y la fecha en la que se pintó la pintura, se puede leer:

"Rafael Romero 1.863"

Con respecto a la composición destacar que el juego de luces y sombra realzan las distintas fases y usos de la naranja.

Para finalizar subrayar que el Bodegón de Naranjas lo pintó el pintor, historiador de arte, arqueólogo, museólogo y literato español Rafael Romero Barros a la edad de treinta años, siendo ésta la obra que le consagró como maestro y que representaría su dominio del bodegón.

Actualmente se encuentra en el Museo de Bellas Artes de Córdoba, España.

lunes, 19 de mayo de 2025

Betsabea

La Betsabea, también conocido como Betsabé, es una pintura datada en el año 1.827 d.C., perteneciente al romanticismo.

Betsabea
Betsabea

Fue pintada por el pintor italiano Francesco Hayez.

Cabe resaltar que la pintura fue pintada sin encargo para la exposición del año 1.827 d.C. ocurrida en el Museo de Brera, ubicado en la ciudad de Milán (Italia).

Como curiosidad destacar que Betsabea fue la única obra no comisionada de la exposición, siendo adquirida en la misma por el rey de Wurtemberg Guillermo I de Wurtemberg.

Pasando así a formar parte de su colección de arte ubicada en la ciudad de Stuttgart, localizada en el estado de Baden-Württemberg, en el sudeste de Alemania.

En el año 1.922 d.C. la pintura fue vendida en la venta de la colección de la familia real ocurrida en el castillo de Rosenstein, en la ciuda de Stuttgart (Alemania).

Lo siguiente que se conoce es que el 10 de noviembre del año 1.998 d.C. la pintura fue subastada por la casa de subastas Sotheby's de Nueva York (Estados Unidos de América), siendo comprada por un coleccionista privado.

También destacar que el profesor e historiador de arte Fernando Mazzocca describió en el año 1.998 d.C. la pintura como "una delle più sensazionali nella storia dell’arte italiana dell’Ottocento" ("uno de los redescubrimientos más sensacionales en la historia del arte italiano del siglo XIX d.C.").

Betsabea



Descripción

Tiene una altura de 149,9 cm y una anchura de 115,6 cm. Está pintado al óleo sobre tela.

Se trata de una pintura que representa a un personaje bíblico, a la hija de Amiel Betsabé (en hebreo Bathseheba), esposa de Urías el hitita y después una de las esposas del rey israelita David.

Aparece representada en una escena de desnudo, siendo espiada por el rey David cuando está a punto bañarse.

Betsabé está representada en un primer plano, adoptando una postura semigirada, desnuda, con la pierna delantera levantada representado modestia.

La espalda está ligeramente encorbada hacia delante y la cabeza girada hacia el lado derecho con la mirada atenta atrayendo al espectador hacia la escena.

También en el rostro ovalado destacan las cejas finas, la nariz recta, los labios carnosos y el mentón pronunciado. 

El cabello oscuro se encuentra recogido y sujeto por un turbante blanco, ornamentado con líneas azules, anudado en la barbilla.

Está sentada sobre un paño blanco drapeado y lleva en el brazo derecho un brazalete dorado ornamentado con una incrustación de piedra preciosa.

Al fondo, también mirando al espectador desde el extremo más alto del plano pictórico, está representada la figura del rey David, ya cautivado por su conquista.

Con respecto a la composición destacar que la obra es una representación magistral de un desnudo femenino, resaltando los contornos suaves y sensuales de una mujer real, elevada al canon ideal.

La piel pálida contrasta perfectamente con el fondo oscuro del baño y la suave línea de su cuerpo se ve interrumpida únicamente por el brazalete dorado, ligeramente demasiado ajustado contra la piel de su brazo.

Aunque éste detalle lo único que hace es enfatizar más su naturalismo. En cuanto al uso del color, la ejecución y la calidad hacen que la pintura sea una obra maestra del artista.

En refente al tema resaltar que desde el período renacentista se han pintado numerosos cuadros que representan ésta narración bíblica, que abarca temas importantes como el adulterio y el derramamiento de sangre, la reprimenda divina y sus trágicas consecuencias (la caída de reyes).

Desde la azotea de su palacio, el rey David ve a Betsabé, esposa de Urías el hitita, bañandose, su belleza lo cautiva tanto que se acuesta con ella y la deja embarazada.

Su esposo ausente en la guerra es llamado por el rey para que regrese a casa y Betsabé pueda ocultar la verdadera causa de su embarazo, pero cuando se niega a abandonar la campaña bélica, el rey David ordena que lo trasladen al frente para que sea asesinado en batalla.

David se casa entonces con la viuda Betsabé, quién tiene un hijo. En respuesta a su adulterio y asesinato, el profeta Natán maldice la casa de David, lo que resulta en la muerte del niño concebido en adulterio.

Para finalizar subrayar que la pintura Betsabea fue el primero de tres lienzos que el pintor italiano Francesco Hayez pintaría sobre el tema del baño de Betsabé.

Betsabea fue concebida íntegramente por el pintor, que describió la obra en sus memorias como " ... una bañista, para mantener mi mano ejercitada en la pintura de desnudos, y también para demostrar mi gusto por pintar figuras de gran formato, incluso cuando no estaba obligado a hacerlo para clientes"(F. Hayez, Le mie memorie, 1890, p. 63).

Actualmente se encuentra en posesión de un coleccionista privado. 

domingo, 18 de mayo de 2025

Arquitrabe de Entrada con Makara

El Arquitrabe de Entrada con Makara es un arquitrabe datado aproximadamente entre los años 150 a.C. y 100 a.C., perteneciente al arte indio.

Arquitrabe de Entrada con Makara
Arquitrabe de Entrada con Makara

En el año 1.879 d.C. fue encontrado en la estupa de Bharhur, edificada en la población de Bharhut, situada en el distrito de Satha del estado de Madhya Pradesh, localizado en el centro de la India.

Poco después de su descubrimiento el Arquitrabe de Entrada con Makara pasó a formar parte de la colección de arte del Museo de la India, situado en la ciudad de Calcuta, en el estado de Bengala Occidental de la India.


Descripción

Tiene una altura de 41 cm, una anchura de 64 cm y una profundidad de 28 cm. Está elaborado en arenisca, mediante la técnica de tallado, grabado e incisión.

Se trata de parte de una sección de la puerta oriental que sobresalía del extremo de uno de los tres enormes travesaños de la estructura: los arquitrabes.

En ambas caras está representado un makara, es decir, una criatura acuática legendaria compuesta de elementos híbridos: mandíbulas de cocodrilo, trompa de elefante, orejas en forma de aleta y un cuerpo de pez escamado que termina en espiral.

Además resaltar que el makara está considerado un símbolo protector y a menudo aparece en la iconografía de los templos hindúes y budistas, así como en fuentes.

Aparte se considera que los makara son guardianes de portales y umbrales, protegiendo salas del trono y entradas a templos.

También cabe destacar que se conoce que las puertas de gran tamaño en toranas (arcos decorativos) que marcaban la entrada a una ciudad fortificada, a un templo budista o a un monasterio, siendo un elemento habitual de la arquitectura india temprana.

Para finalizar subrayar que el Arquitrabe de Entrada con Makara fue prestada desde el 17 de julio al 13 de noviembre del año 2.023 d.C. al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América) para ser expuesto en la exposición "Tree & Serpent: Early Buddhist Art in India, 200 BCE–400 CE" (Árbol y Serpiente: Arte Budista Temprano en la India, 200 a. C.-400 d. C.).

También fue prestado al Museo Nacional de Corea desde el 22 de diciembre del año 2.023 al 14 de abril del año 2.024 d.C. para ser expuesto en la exposición "Tree & Serpent: Early Buddhist Art in India, 200 BCE–400 CE" (Árbol y Serpiente: Arte Budista Temprano en la India, 200 a. C.-400 d. C.).

Actualmente se encuentra en el Museo de la India, India.

sábado, 17 de mayo de 2025

Jibba (Túnica)

La Jibba (Túnica) es una túnica datada aproximadamente entre los años 1.881 d.C. y 1.898 d.C., perteneciente al arte africano.

Jibba (Túnica)
Lo primero que se conoce es que formó parte de la colección de arte "Jacques Hautelet Collection", ubicada en la ciudad de Bruselas, en Bélgica.

Hasta que en el año 1.993 d.C. la túnica fue comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.

Descripción

Tiene una anchura de 142,2 cm y una longitud de 104,8 cm. 

Está elaborada en algodón, lana y tinte.

Se trata de una túnica confeccionada en algodón hilado a mano, sobretodo destaca porque está confeccionada con tiras de 35 cm de ancho.

Además se aprecia como sus mangas largas y la falda acampanada presentan grandes parches rectangulares acolchados de algodón industrial.

Aparte los llamativos apliques también incluyen varios parches de lana de diversas formas. Entre ellos, uno que acentúa el contorno del escote, rectángulos bajo cada brazo y un parche de bolsillo con volutas en el pecho.

Cabe resaltar que todo éstos detalles, cuidadosamente elaborados, aluden a las virtudes de la pobreza y la humildad que defendían los mahdistas.

También destacar que toda la túnica se encuentra adornada con finos bordados que delinean el cuello y las mangas y adornan el bolsillo del pecho y los parches laterales.

Para finalizar subrayar que los miembros de las comunidades islámicas Mahdi de Sudán vestían túnicas llamativas, como Jibba (Túnica), a finales del siglo XIX d.C..

Es más resaltar que éste tipo de túnicas fueron usadas por los oficiales del ejército islámico Mahdista durante la lucha ocurrida entre los años 1.881 d.C. y 1.898 d.C. contra la presenta británica en la región de Sudán.

Su alta visibilidad tenía una función práctica, ya que permitía distinguir fácilmente a los líderes en el campo de batalla.

El levantamiento fue liderado por el líder musulmán del Sudán egipcio Muhammad Ahmad bin Abdullah bin Fahal (también conocido como Muhammad Ahmed al-Mahdi).

Se conoce que Muhammad Ahmad adoptó el título de al-Mahdi ("el divinamente inspirado") tras la revelación de que había sido elegido para liderar una guerra santa contra la clase dirigente egipcia de Sudán y sus partidarios británicos.

En los cuatro años previos a su muerte de tifus en el año 1.885 d.C., al-Mahdi lideró a su pueblo para reclamar casi todo el territorio anteriormente ocupado por los egipcios y para el año 1.898 d.C. bajo el mandato de su sucesor, Sudán se había liberado del dominio extranjero.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

viernes, 16 de mayo de 2025

Túnica con Felinos

La Túnica con Felinos es una túnica datada aproximadamente entre los años 1.450 d.C. y 1.550 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte chimú

Túnica con Felinos

Lo primero que se conoce es que se encontraba en la colección de arte de la galería de arte "Delacorte Gallery", ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.961 d.C. la túnica fue comprada por el político estadounidense y vicepresidente de los Estados Unidos de América Nelson Aldrich Rockefeller.

Entre los años 1.961 d.C. y 1.978 d.C. la túnica fue prestada al Museo de Arte Primitivo de Nueva York (Estados Unidos de América), un antiguo museo dedicado a las culturas indígenas de África, Asia, Europa, Oceanía y América.

Hasta que en el año 1.979 d.C. la Túnica con Felinos fue legada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción 

Tiene una altura de 63,5 cm y una anchura de 177,8 cm. Está tejida en algodón y pelo de camélido.

Se trata de una túnica con mangas elaborada utilizando hilos teñidos de camélidos importados de la sierra y algodón local, la composición presenta dos grandes figuras felinas extendidas, junto con felinos más pequeños que se repiten en las mangas y el borde inferior.

Cabe resaltar que se conoce que los tejedores chimú solían combinar múltiples técnicas en una sola prenda.

En el caso de la Túnica con Felinos combina brocado (los grandes felinos rojos se tejían con un patrón en relieve) con tejido liso, bordado y tejido de tapiz para los bordes.

Además resaltar que el borde inferior se encuentra rematado por un fleco, siendo ésta una característica de los textiles chimú.

Con respecto a la composición destacar que los investigadores piensan que los dos grandes felinos fueron sin duda creados por diferentes tejedores chimú: sus cabezas, por ejemplo, varían significativamente tanto en forma como en tamaño.

Y los bordes del tapiz muestran la diferencia más clara entre los tejedores, ya que el borde a lo largo de la manga izquierda derecha es marcadamente diferente de los demás.

Aunque si bien el diseño general de los bordes se mantiene congruente con el motivo predominante de los felinos gruñendo, el tamaño, el color y los rasgos faciales son diferentes.

Aparte los colores canela, rojo y amarillo, junto con el tema "felinos feroces", sugieren que ésta túnica se confeccionó en un período posterior del tejido chimú, quizás justo después de la caida del reino Chimor ante las fuerzas incas a finales del siglo XV d.C..

También resaltar que el tema de los felinos amenazantes, con sus garras prominentes, orejas puntiagudas y colas enroscadas, es menos común que los temas marítimos en los textiles chimú.

Para finalizar subrayar que se conoce que los hombres de alto estatus en los antiguos Andes vestían túnicas de fino tejido.

La Túnica con Felinos elaborada de la costa norte de Perú, muestra algunas de las características de las prendas de mayor calidad producidas por los artistas chimú.

La cultura chimú es una de las muchas sociedades que prosperaron en la región andina y los felinos se consideran a menudo un símbolo de poder político, es más la repetición de felinos en una posición rampante o amenazante podría haber cumplido una función apotropaica, es decir, se les podría atribuir cualidades protectoras.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

jueves, 15 de mayo de 2025

Anillo de Plata para el Cuello

El Anillo de Plata para el Cuello es un anillo datado aproximadamente entre los años 475 a.C. y 400 a.C., perteneciente al arte celta.

Anillo de Plata para el Cuello
Anillo de Plata para el Cuello

Lo primero que se conoce es que fue hallado durante unas excavaciones arqueológicas realizadas en la comuna de Mâcon, situada en la prefectura del departamento de Saona y Loira, localizado en la región de Borgoña-Franco Condado (Francia).

Poco después de su descubrimiento fue adquirido por el comerciante de antigüedades griego Emmanuel Manolis Segredakis.

En el año 1.932 d.C. el anillo fue comprado por el comerciante y coleccionista de arte húngaro Joseph Brummer, pasando a formar parte de la galería de arte "Brummer Gallery", ubicada en la ciudad de Paris (Francia).

Hasta que en el año 1.947 d.C. el Anillo de Plata para el Cuello fue comprado por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte su colección de arte.


Descripción

Tiene una altura de 14,9 cm, una anchura de 15,4 cm y un grosor de 2,4 cm.

Se trata de un anillo de plata para el cuello con la parte inferior, desde el medio hasta los extremos, totalmente ornamentada, mientras que la parte superior, que va detrás por la nuca se encuentra totalmente lisa.

La decoración incisa y grabada está compuesta por diferentes patrones geométricos y patrones intrincados de espirales entrelazados que armonizan con el resto de la ornamentación.

Aparte resalta como la decoración es simétrica entre sí, es decir, tanto en los lados derecho e izquierdo la decoración es la misma.

Para finalizar subrayar que se conoce que los anillos para el cuello celtas eran usados tanto por hombres como mujeres y solían considerarse símbolos de divinidad o alto rango.

Además de ofrecer poderes protectores, también se conoce que los artistas celtas solían representar a deidades portando o sosteniendo estos anillos.

Es más los escritores antiguos señalan que la reina celta del siglo I d.C. Boudica, quién luchó contra los romanos en Britania, llevaba un anillo de oro para el cuello en batalla.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

miércoles, 14 de mayo de 2025

Laket Mishiing

El Laket Mishiing es un gorro de prestigio datado aproximadamente en el siglo XX d.C. (período comprendido entre los años 1.901 d.C. y 2.000 d.C.), perteneciente al arte africano.

Laket Mishiing

Fue elaborado por un artista bushoong, miembro de un sugbrupo de élite kuba conocido por sus elaboradas vestimentas reales y textiles.

Cabe enfatizar que los hombres no solo eran los principales mecenas de los gorros de prestigio, sino también sus creadores.

En la época de la creación del Laket Mishiing tejer rafia era una actividad masculina entre los kuba.

El Reino Kuba está ubicado en la región delimitada por los ríos: Sankuru, Lulua y Kasai, en el corazón de la actual República Democrática del Congo.

Se conoce que perteneció a la colección de arte del coleccionista Mark Rapoport, ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

Hasta que en el año 2.000 d.C. el Laket Mishiing fue donado al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una circunferencia exterior de 43,8 cm. Está elaborado en fibra de rafia, cuentas y conchas.

Se trata de un gorro de prestigio, conocido como laket, ricamente ornamentado usado como un símbolo de la élite de su dueño.

Está compuesto por una pieza de rafia tejida, cortada y moldeada en un cono ancho. Además en su superficie hay cosidas conchas cauri y cuentas de vidrio blancas, azules, amarillas, negras y rojas.

Destaca como las cuentas están cosidas a la rafia en cuatro bandas horizontales que recorren la base, el centro y la corona.

Aparte se observa como los cauris llenan los intersticios alternando líneas paralelas dobles y formas de equis. 

Pero sobretodo destacan los dieciséis cauris, espaciados uniformemente, que sobresalen en una ligera diagonal del perímetro inferior firmemente sujetos por hilos de fibra de rafia. También una masa de cauris está cosida en la parte superior formando una flor.

El Laket Mishiing era un gorro de prestigio que se sujetaba en la coronilla con un largo alfiler metálico que atravesaba horizontalmente el gorro y el cabello.

Para finalizar subrayar que constituida como una confederación de cacicazgos en el siglo XVII d.C. (período comprendido entre los años 1.601 d.C. y 1.700 d.C.), la sociedad kuba se organiza en dieciocho subgrupos distintos, cada uno con una jerarquía política interna.

El estatus de élite dentro de la jerarquía se subrayaba con éste tipo de tocados, clasificados generalmente como laket, los pequeños gorros de rafia simbolizaban la identidad personal y cultural, es decir, funcionaban como el principal medio para comunicar el estatus dentro de la jerarquía política local.

Cabe resaltar que aunque eran usados principalmente por hombres con títulos, los laket cónicos o de bordes festoneados también eran usados por algunas dignatarias.

Se conoce que los laket se entregan a sus dueños en diversas etapas de la vida: primero se reciben al completar la iniciación como señal de la madurez y la disposición para el matrimonio.

Posteriormente, se regalan modelos más elaborados a las personas, junto con títulos y nombres de elogio, como muestra de sus logros personales.

También es sabido que los ejemplares cubiertos de cauri pertenecían a individuos de los más altos rangos de una aldea, puesto que las conchas y las cuentas de vidrio se importaban, lo que los convertían en un costoso artículo de lujo.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

martes, 13 de mayo de 2025

Church, Taos Pueblo

Church, Taos Pueblo es una fotografía datada en el año 1.942 d.C., perteneciente al arte fotográfico.

Church, Taos Pueblo
Church, Taos Pueblo

Fue tomada por el fotógrafo estadounidense Ansel Easton Adams (también conocido como Ansel Adams).

En el Pueblo de Taos, ubicado en el Valle de Taos, al pie de las Montañas Sangre de Cristo, aproximadamente a una hora y media al noreste de la ciudad de Santa Fe, localizada en el estado de Nuevo México (Estados Unidos de América).


Descripción


Se trata de una fotografía en blanco y negro que muestra la vista frontal de una parte de la iglesia, caracterizada por su arquitectura de adobe.

Destaca como en el centro hay una gran puerta de madera con una sutil textura que se cierra y da acceso a la iglesia.

Los muros lisos y curvos del edificio, típicos del estilo "pueblo", se iluminan con la luz del sol creando fuertes contrastes y resaltando las formas orgánicas de la estructura.

Sobre la puerta se encuentra un modesto campanario coronado por una cruz de madera, que indica el propósito religioso del edificio.

Con respecto a la composición resaltar que el cielo despejado realza la simplicidad y la elegancia de la arquitectura de adobe en contraste con la inmensidad del cielo.

Aparte el uso de la luz y sombra, así como la atención a los detalles de las texturas y las formas, dan vida a este hito cultural con una calidad atemporal y pacífica, emblemática de su estilo icónico.

Para finalizar subrayar que el género de esta obra fotográfica captura la esencia arquitectónica y cultural de la histórica iglesia de Pueblo de Taos (Estados Unidos de América).

Es más destacar que el Pueblo de Taos es el único pueblo nativo americano ocupado continuamente durante más de 1.000 años y que ha sido declarado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO y Monumento Histórico Nacional.

Las ruinas de la Iglesia de San Gerónimo, destruida en el año 1.846 d.C., aún se pueden ver al noroeste de los dos bloques principales del pueblo.

El contorno de la nave y el campanario cuadrado aún son visibles, y los antiguos muros de la misión sirven para rodear el cementerio, siendo numerosas generaciones de españoles e indígenas americanos que yacen sepultadas alrededor y dentro de sus muros.

La versión más reciente de la iglesia es que se encuentra dentro de los muros de adobe del pueblo original y la fachada principal de la iglesia ha sido modificada a lo largo de las décadas con la adición de campanarios laterales y diversos cambios estéticos.

Aunque a pesar de éstas modificaciones, la iglesia sigue siendo un bello ejemplo de la arquitectura del norte del estado de Nuevo México.

lunes, 12 de mayo de 2025

Escrituras Seleccionadas

Las Escrituras Seleccionadas son una serie de grabados datados aproximadamente entre los años 1.992 d.C. y 2.000 d.C., perteneciente al arte chino.

Escrituras Seleccionadas
Escrituras Seleccionadas

Fueron elaborados por el artista chino Hong Hao (洪浩).

Escrituras Seleccionadas


Descripción

Cada grabado tiene una altura de 30,8 cm y una anchura de 58,7 cm.

Se trata una serie de treinta y siete grabados que abarcan: mapas, estrategias marciales, templos en cuevas sagradas y el cuerpo humano.

Todas ellos están concebidos para imitar las páginas de un libro tradicional xilográfico y para desafíar las nociones de conocimiento común.

Sobretodo las imágenes se asemejan a clásicos antiguos, pero están plagadas de errores de texto intencionales, nombres erróneos y tergiversaciones cartográficas que ofrecen un comentario humorístico sobre las diversas y subjetivas maneras en que se visualiza y comprende el mundo.

Escrituras Seleccionadas


- 世界行政新图 新图

En "New Political World " (1.995 d.C.), el artista reorganizó tanto la ubicación como la forma de países y ciudades.

- 世界防御设置要图

En "World Defense Layout Map" (1.995 d.C.), identifica correctamente los continentes, pero llena estas masas de tierra con armamento, figuras armadas, víctimas de tortura y víctimas de violaciones.

Escrituras Seleccionadas

- 最新实用世界地图

En "Latest Practical World Map" (1.995 d.C.), los continentes, océanos y ciudades reciben nombres que describen estados temporales y psicológicos.

- 世界测绘新图

En "New World Survey Map" (1.995 d.C.), los países están representados según su estatus e influencia internacional.

Escrituras Seleccionadas

-世界地域新览

En "New World Geomorphic Map" (1.996 d.C.), los continentes se han ampliado en relación con los océanos.

- 世界地形图

En "Physical World" (1.999 d.C.), el artista transpone mar y tierra.


Con respecto a la composición destacar que el artista ha buscado compilar una nueva "enciclopedia" para presentar su propia comprensión del mundo en constante cambio, reorganizando diversos aspectos de la cultura para disolver eficazmente fronteras y significados, como un virus informático.

Para finalizar subrayar que todos los derechos y reproducción de Escrituras Seleccionadas son propiedad de © Hong Hao (洪浩).

Aparte resaltar que la obra fue cedida para su exposición "Ink Art: Past as Present in Contemporary China" ("Arte con Tinta: Pasado como Presente en la China Contemporánea") ocurrida desde el 9 de diciembre del año 2.013 d.C. al 6 de abril del año 2.014 d.C. en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).

Actualmente se encuentra en una colección privada ubicada en la ciudad de Nueva York, Estados Unidos de América.

domingo, 11 de mayo de 2025

Peine (Duafe)

El Peine (Duafe) es un peine datado aproximadamente entre los siglos XIX d.C. y XX d.C. (período comprendido entre los años 1.801 d.C. y 2.000 d.C.), perteneciente al arte africano.

Peine (Duafe)
Peine (Duafe)

Peine (Duafe)

Fue elaborado por el pueblo Akan, que habitan principalmente en el sur de Ghana, el este de Costa de Marfil, Liberia y partes de Togo.

Lo primero que se conoce es que el peine formaba parte de la colección de arte africano "William W. Brill Collection of African Art", ubicada en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos de América).

En el año 1.963 d.C. el peine fue donado al Museo de Arte Primitivo de Nueva York (Estados Unidos de América), un antiguo museo dedicado a las culturas indígenas de América, África, Oceanía, Europa y Asia.

Hasta que en el año 1.978 d.C. el Peine (Duafe) pasó a formar parte de la colección de arte del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América).


Descripción

Tiene una altura de 27,2 cm, una anchura de 7,6 cm y un grosor de 1,3 cm.

Se trata de un peine de madera con puas finas y alargadas situadas en la parte inferior, mientras que la parte superior está ornamentada con motivos geométricos coronado por la figura de un busto femenino con cabeza discoidal y los brazos levantados con las manos cerradas en puños.

Además cabe destacar que la figura femenina evoca las figuras de fertilidad "akua ba", figuras de madera ritualizadas asociadas con la fertilidad.

Para finalizar subrayar que en Ghana los peines elaborados, como el Peine (Duafe), eran regalos de los hombres Akan a las mujeres para conmemorar eventos especiales, como celebraciones de la pubertad, bodas o nacimientos.

Es más resaltar que como regalo de un esposo a su esposa, el peine subraya el deseo de la pareja de tener hijos, siendo también evidente la relación entre el "akua ba" como ideal de belleza femenina y la función del peine en la creación del peinado.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

sábado, 10 de mayo de 2025

Túnica con Banda de Diamantes

La Túnica con Banda de Diamantes es una túnica datada aproximadamente entre los años 1.460 d.C. y 1.540 d.C., perteneciente al arte precolombino, en concreto al arte inca.

Túnica con Banda de Diamantes
Túnica con Banda de Diamantes
(detalle)

Lo primero que se conoce de la Túnica con Banda de Diamantes es que el 23 de noviembre del año 1.982 d.C. fue subastada por la casa de subastas "Sotheby's de Nueva York" (Estados Unidos de América), siendo comprada por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Estados Unidos de América), dónde pasó a formar parte de su colección de arte.


Descripción

Tiene una anchura de 73,7 cm y una longitud de 88,9 cm. Está tejida en algodón y pelo de camélido.

Se trata de una túnica que presenta un fondo blanco interrumpido por una banda roja en la cintura con ocho rombos escalonados a cada lado.

Es conocido que las túnicas blancas eran especialmente apreciadas por los incas, ya que los camélidos blancos eran relativamente escasos en los Andes.

La túnica está tejida como tapiz en una sola pieza con uniones entrelazadas, por lo que presenta cuatro caras idénticas en una tela flexible pero firme, con un brillo sutil.

Durante la producción en el telar, la abertura del cuello se mantuvo cerrada con un hilo de trama temporal que se retiró al finalizar el tejido.

Una vez cortado el tejido, todas las costuras y los bordes del orillo fueron cubiertas completamente con un fino bordado de doble cara.

Las costuras se ocultaron con una serie de bandas multicolores de diferentes alturas, repetidas con precisión. Se puede observar como en la parte inferior, justo encima de las bandas bordadas de forma similar que cubren el orillo de la trama, se creó un zigzag con hilos multicolores.

Aunque es desconocido el significado preciso de esta línea en zigzag, pero en el Imperio Inca fue de tal importancia que se incluía en las representaciones de túnicas reales estando representadas en uno de los primeros manuscritos ilustrados.

Para finalizar subrayar que las túnicas finamente tejidas representaban un estatus social elevado en los Andes desde al menos los primeros siglos d.C..

Conocidas en la lengua inca como "uncu", éstas prendas eran un elemento principal del atuendo masculino en los Andes. 

Sin embargo, las túnicas eran más que símbolos de estatus, ya que estaban estrechamente asociadas con concepto de identidad e historia.

Las crónicas españolas del siglo XVI d.C. (período comprendido entre los años 1.501 d.C. y 1.600 d.C.) registran que los gobernantes incas otorgaban finas túnicas de tapiz a los guerreros que se distinguían en el campo de batalla.

Asimismo los uncus se entregaban como obsequios diplomáticos, como parte de una sofisticada estrategia de control imperial. La posesión y el uso de las túnicas de tapiz estaban estrictamente controlados: solo quienes hubieran sido honrados con tales obsequios podían usarlas.

Además destacar que los leves pliegues de la Túnica con Banda de Diamantes revelan que antiguamente se doblaba en dieciseisavos, la forma tradicional de guardar prendas finas.

También se conoce que normalmente las túnicas eran cuidadosamente guardadas en cajas de piedra u otros recipientes y se solían transmitir de generación en generación, como valiosas reliquias que hablan de la magistral tradición textil de los artistas incas.

Actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, Estados Unidos de América.

Panel Rectangular Fenicio

El Panel Rectangular Fenicio es una panel datado aproximadamente entre los siglos IX a.C. y VIII a.C. (período comprendido entre los años 9...